진정한 비판이란 무엇입니까? 실제비평의 원리와 임무
"Dark Kingdom"기사에 정의되어 있습니다. [Nedzvetsky, Zykova p. 215]
Nikolai Alexandrovich Dobrolyubov - 두 번째로 큰 대표자 진짜 1860년대 비평가들. D 자신이 이 용어를 발명했습니다. 진짜 비판.
1857년에 Dobrolyubov는 Sovremennik 잡지의 영구 기고자가 되었습니다.
Dobrolyubov는 "Mr. Bov"라는 가명으로 서명했으며 동일한 가명으로 답변을 받았습니다. 문학적 위치 D는 1857-1858년에 결정되었습니다. "Shchedrin의 노트에서 나온 지방 에세이" 및 "러시아 문학 발전에 대한 사람들의 참여 정도"기사에서 가장 큰 작품 "Oblomovism이란 무엇인가", "어두운 왕국", "Ray"로 완성되었습니다. 어둠의 왕국 빛의 나라', '새 날은 언제 올까? 그리고 억압받는 사람들.
연쇄 동맹 H:
1) D는 "문학계 인민당"을 위한 투쟁에서 체르니셰프스키의 직접적인 동맹자이며, 인민(농민)의 입장에서 러시아 현실을 묘사하고 해방의 대의를 위해 봉사하는 운동의 창설입니다.
2) Ch와 마찬가지로 그는 예술의 역할과 주요 주제에 대해 미학자와 싸운다. (Ch에 따르면 예술의 역할은 아이디어를 제공하는 것이며 아이디어의 정치적 성격이 필요하며 이미지의 주요 주제는 그렇지 않다. 아름답지만 사람). 그는 미적 비평을 독단적이며 예술을 부동성으로 몰고 간다고 부릅니다.
3) Ch와 마찬가지로 Belinsky의 유산에 의존합니다(Belinsky 비판에 대한 연설) [자세한 내용은 질문 5, 1) a) 참조]
Dobrolyubov의 독창성:유물론은 이데올로기가 아니라 인류학적이다. (17세기 프랑스의 인류학적 유물론자들을 따름: 장자크 루소). Feirbach에 따르면 인류학 원칙에는 인간 본성, 본성, 본성에 대한 다음과 같은 요구 사항이 있습니다. 1) 사람은 합리적입니다. 2) 사람은 일을 위해 노력합니다. 3) 사람은 사회적, 집단적 존재입니다. 4) 행복을 위해 노력합니다. , 혜택, 5) 자유롭고 자유를 사랑합니다. 평범한 사람은 이 모든 점을 결합합니다. 이러한 요구는 합리적 이기주의, 즉 이성에 의해 억제된 이기주의이다. 러시아 사회는 이것과 아무 관련이 없습니다. 자연과 인간의 사회적 환경의 충돌.
1) 예술가 Chernyshevsky의 명백한 이념적 성격과 더불어 예술가의 직접적인 감정의 창의성 행위의 중요성을 이해합니다. 벨린스키는 그것을 " 직접적인 창의성의 힘,저것들. 주제를 전체적으로 재현하는 능력.
Ch와 D는 고골이 그의 엄청난 '직접적 창의성'에도 불구하고 이념투쟁 수준에 이르지 못한다고 비난했다. Ostrovsky와 Goncharov의 분석에서 D는 그들의 주요 장점이 이념적 요구 사항의 불일치가 아니라 이념적 => 재능의 강점임을 나타냅니다. 작가의 '감정'은 이념과 충돌할 수도 있다.
예
Ostrovsky의 연극 "빈곤은 악이 아니다"(BnP)에 대한 분석이 시사됩니다.
ㅏ) 체르니셰프스키그의 리뷰 기사에서 "가난은 악이 아니다"[간단한 설명을 읽지 않은 사람들을 위해 목록에 없음] Ostrovsky를 조롱하며 셰익스피어와 BNP를 동등한 수준으로 두는 사람들을 거의 바보라고 부릅니다. BNP는 'Our people - 정착하자'를 한심하게 패러디한 것으로, BNP는 교육을 제대로 받지 못한 모방자가 쓴 것 같습니다. 소설 소개가 너무 길고 캐릭터가 작가의 의지에 따라 어떻게 든 행동하지만 실제로 모든 것이 부자연스러운 것은 아닙니다 (Tortsova는 Mitya에게 편지를 쓰고시를 읽고 Koltsov는 명백한 불일치입니다). 그리고 주요 재앙 - 나쁜 생각 Ostrovsky가 선택했습니다! 머머의 이미지에서 나온 벽돌로 가득한 똥 - 낡은 고대의 분명한 예, 진보성이 없음. 잘못된 생각은 아무리 뛰어난 재능이라도 피를 흘리게 합니다. 조금 열등하지만 "일부 캐릭터는 진정한 성실함으로 구별됩니다."
우우 도브롤류보바그렇지 않은 경우: 기사 "다크 렐름"
[추상적인]
현대 러시아 작가 중 단 한 명도 그의 작품에 언급되지 않았습니다. 문학 활동, Ostrovsky와 같은 이상한 운명. 1. 한 파티는 Moskvityanin 3의 젊은 편집진으로 구성되어 Ostrovsky가 "4 개의 연극으로 러시아에서 민속 극장을 만들었습니다"[ "우리 국민-우리는 정착 할 것입니다", "가난한 신부", "BnP"및 다른 초기 연극]. Ostrovsky의 칭찬자들은 그가 말한 것을 외쳤습니다. 새로운 단어 국가!대부분 Lyubim Tortsov의 이미지에 감탄했습니다. [셰익스피어 및 기타 중독성있는 쓰레기와 완전히 과장된 비교 제공] 2. "조국의 노트"는 지속적으로 Ostrovsky의 적 진영 역할을했으며 대부분의 공격은 그의 작품을 칭찬하는 비평가를 대상으로했습니다. 저자 자신은 아주 최근까지 끊임없이 부업에 머물 렀습니다. 따라서 Ostrovsky의 열광적 인 칭찬 [터무니없는 지점까지 가져옴]은 많은 사람들이 그의 재능을 직접적으로 단순히 보는 것을 막았습니다. 각각은 자신의 요구 사항을 제시하고 동시에 반대 요구를 가진 다른 사람들을 꾸짖으며 각각은 Ostrovsky 작업의 장점 중 일부를 다른 작업에 전가하기 위해 반드시 사용했으며 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 비난은 정반대입니다. 상인 생활의 저속함이나 상인이 충분히 역겹지 않다는 사실 등입니다. Chernyshevsky의 머리핀 :뿐만 아니라 그는 현실의 올바른 묘사(예: 퍼포먼스)에만 너무 전념하고, 현실에 관심을 두지 않는다는 사실 때문에 비난을 받기도 했습니다. 아이디어그들의 작품. 즉, 그는 부재 또는 미미한 이유로 정확하게 비난을 받았습니다. 작업,다른 비평가들은 구현 수단보다 너무 광범위하고 너무 우월하다고 인식했습니다.
그리고 한 가지 더 : 그녀 [비평]은 예를 들어 그러한 결론을 결코 허용하지 않을 것입니다. 이 사람은 오래된 편견에 대한 애착으로 구별됩니다
결론:모두가 Ostrovsky의 놀라운 재능을 인정했으며 결과적으로 모든 비평가는 그에게서 자신이 물려받은 신념의 옹호자이자 지휘자를보고 싶어했습니다.
비판의 임무는 다음과 같이 공식화됩니다.따라서 독자들이 Ostrovsky의 연극 내용과 그 전개 자체를 알고 있다고 가정하고 우리는 그의 모든 작품 또는 대부분의 작품에 공통된 특징만을 기억하여 이러한 특징을 하나의 결과로 줄이고 그로부터 중요성을 결정하려고 노력할 것입니다. 이 작가의 문학 활동에 대해. [저자가 자신에게 원하는 것이 무엇인지, 그리고 이를 어떻게 성공적/실패했는지 알아보세요].
실제 비평과 그 특징:
1) 우리는 그러한 요구가 매우 공정하다고 인식하여 Ostrovsky의 작품에 비평을 적용하는 것이 최선이라고 생각합니다. 진짜그의 작품이 우리에게 무엇을 주는지에 대한 검토로 구성됩니다.
2) 여기에는 Ostrovsky가 셰익스피어와 같은 캐릭터를 묘사하지 않는 이유, Gogol과 같은 코믹한 액션을 전개하지 않는 이유와 같은 요구가 없을 것입니다. 결국 우리는 Ostrovsky를 우리 문학에서 훌륭한 작가로 인식하고 그가 그 자신은 있는 그대로 매우 잘생겼고 우리의 관심과 연구를 받을 가치가 있습니다...
3) 마찬가지로 실제 비평은 다른 사람의 생각을 작가에게 강요하는 것을 허용하지 않습니다. 그녀의 법정 앞에는 저자가 만든 인물과 그들의 행동이 있습니다. 그녀는 이 얼굴들이 그녀에게 어떤 인상을 주는지 말해야 하며, 그 인상이 불완전하고, 불분명하고, 모호한 경우에만 작가를 비난할 수 있습니다.
4) 진짜비평은 예술가의 작품을 실제 삶의 현상과 똑같은 방식으로 취급합니다. 예술가의 작품을 연구하고 자신의 표준을 결정하고 본질적이고 특징적인 특징을 수집하려고 노력하지만 그것이 왜 귀리인지에 대해 전혀 소란을 피우지 않습니다. - 호밀이 아니고 석탄은 다이아몬드가 아닙니다.
5) Ostrovsky에 대한 가정
첫째, 모든 사람들은 Ostrovsky에서 관찰의 은사와 그가 작품의 줄거리를 가져온 클래스의 삶에 대한 실제 그림을 제시하는 능력을 인식합니다.
둘째, 모든 사람이 Ostrovsky의 코미디에서 민속 언어의 정확성과 충실도를 알아 차렸습니다 (모든 사람이 그녀에게 정당한 정의를 제공하지는 않았지만).
셋째, 모든 비평가들의 동의에 따라 Ostrovsky 연극의 거의 모든 캐릭터는 완전히 평범하고 특별한 것으로 눈에 띄지 않으며 그들이 상연되는 저속한 환경을 뛰어 넘지 않습니다. 많은 사람들은 그러한 얼굴이 반드시 무색이어야 한다는 이유로 많은 사람들에 의해 비난을 받습니다. 그러나 다른 사람들은 이러한 일상적인 얼굴에서 매우 눈에 띄는 전형적인 특징을 찾는 것이 당연합니다.
넷째, 대부분의 Ostrovsky의 코미디에는 "(그의 열성적인 칭찬자 중 한 사람의 말에 따르면) 계획과 연극 구성에 경제가 부족하다"는 데 모두가 동의합니다. 그의 또 다른 추종자) "극적인 행동은 일관되고 지속적으로 발전하지 않으며 연극의 음모는 연극의 아이디어와 유기적으로 합쳐지지 않으며 말하자면 다소 이질적입니다.
다섯째, 사람은 너무 쿨한 것을 좋아하지 않으며, 무작위의, Ostrovsky의 코미디에 대한 비난. 한 평론가의 말에 따르면, 연극이 끝날 때 "마치 토네이도가 방 전체를 휩쓸고 배우들의 머리를 한꺼번에 뒤흔드는 것 같았다"30 .
6) 시야예술가-일반, 그의 작품에 반영. 그의 재능을 특징짓는 열쇠가 되는 그 자신의 세계관은 그가 창조하는 살아있는 이미지에서 찾아야 한다.
아티스트의 느낌에 대해:지배적이라고 여겨집니다. 공공 생활의 다른 여러 영역에서 예술 활동의 중요성:실제 생활의 사실을 중심으로 수집하여 예술가가 만든 이미지는 [Chernyshevsky에 기름칠 된] 사물에 대한 올바른 개념을 사람들 사이에서 편집하고 전파하는 데 크게 기여합니다.
그러나 더 생생한 감수성, 즉 "예술적 본성"을 가진 사람은 주변 현실에서 그에게 나타난 알려진 종류의 첫 번째 사실에 강한 충격을받습니다. 그는 아직 이 사실을 설명할 수 있는 이론적 고찰을 갖고 있지 않습니다. 그러나 그는 뭔가 특별하고 주목할만한 것이 있다는 것을 알고 탐욕스러운 호기심으로 그 사실을 들여다보고 그것을 동화시킵니다.
7) 진실성에 관하여:작가-예술가의 가장 큰 장점은 진실그의 이미지; 그렇지 않으면 그들로부터 잘못된 결론이 나올 것이고, 그들의 은혜로 인해 잘못된 개념이 형성될 것입니다. 작가의 일반적인 개념은 정확하고 그의 본성과 완전히 조화를 이루며 이러한 조화와 통일성이 작품에 반영됩니다. 절대적인 진실은 없지만 그렇다고 해서 어리석음에 가까운 예외적인 거짓에 빠져야 한다는 뜻은 아니다. 훨씬 더 자주 그 [Ostrovsky]는 현실에 충실하려는 욕구 때문에 자신의 아이디어에서 물러나는 것처럼 보였습니다. 아이디어를 따르는 '기계 인형'은 만들기는 쉽지만 의미가 없습니다. U O: 현실의 사실에 대한 충실함과 심지어 작업의 논리적 고립에 대한 약간의 경멸도 있습니다.
OSTROVSKY의 연극 소개
8) 영웅 소개:
첫 번째 유형:이곳에 살고 있는 주민들을 들여다보자 어두운 영역.곧 우리가 헛되이 전화한 것이 아니라는 것을 알게 될 것입니다. 어두운.무의미한 통치 포학.그러한 지배 하에서 자란 사람들에게는 도덕적 의무에 대한 인식과 정직과 법의 참된 원칙이 발전할 수 없습니다. 그렇기 때문에 그들에게는 가장 터무니없는 사기가 공로로 여겨지고 가장 사악한 속임수가 영리한 농담으로 보입니다. 완전한 어리 석음과 가장 비참한 이인화의 지점에 도달하는 외적인 겸손과 둔하고 집중된 슬픔은 Ostrovsky가 묘사 한 어두운 왕국에서 노예적인 교활함, 가장 사악한 속임수, 가장 뻔뻔한 배신으로 얽혀 있습니다.
두 번째 유형;한편, 바로 옆, 벽 바로 뒤에는 밝고, 깔끔하고, 교육받은 또 다른 삶이 벌어지고 있는데... 어둠의 왕국 양측은 이 삶의 우월함을 느끼고 두려워하거나 매력을 느낍니다.
연극에 대해 자세히 설명하기 "가족사진" Ostrovsky. Ch. 영웅은 폭정의 정점 인 Puzatov입니다. 집에있는 모든 사람들은 그를 바보처럼 대하고 그의 등 뒤에서 모든 일을합니다. 그는 모든 영웅의 어리석은 어리 석음, 배신 및 폭정에 주목합니다. Puzatov의 예-그는 차를 기다리는 것이 지루해지면 주먹으로 테이블을 두드립니다. 영웅들은 영구적인 전쟁 상태에 살고 있습니다. 이 질서의 결과로 모두가 포위 공격을 받고 있으며 모두가 위험에서 자신을 구하고 적의 경계를 속이기 위해 바쁘다. 두려움과 불신이 모든 얼굴에 쓰여 있습니다. 자연스러운 사고 과정이 바뀌고 건전한 개념 대신에 수간적인 성격으로 구별되고 인간 본성과 완전히 반대되는 특별한 조건부 고려 사항이 나옵니다. 전쟁의 논리는 상식의 논리와 전혀 다른 것으로 알려져 있습니다. Puzatov는 "이것은 마치 유대인과 같습니다. 그는 자신의 아버지를 속일 것입니다. 맞습니다. 그래서 그는 모든 사람의 눈을 쳐다보지만 그는 성자인 척합니다."라고 말했습니다.
안에 "그의 백성"우리는 위선과 사기의 동일한 종교, 일부의 동일한 무분별함과 폭정, 다른 일부의 동일한 기만적인 겸손, 노예적인 교활함을 다시 봅니다. 그러나 이는 더 큰 영향을 미칠 뿐입니다. 일을하는 힘과 습관을 가진 '어두운 왕국'의 주민들에게도 마찬가지이므로, 그들은 모두 첫 단계부터 결코 순수한 도덕적 신념으로 이어질 수없는 그런 길을 떠났습니다. 일하는 사람은 여기서 평화롭고 자유롭고 일반적으로 유용한 활동을 한 적이 없습니다. 주변을 둘러 볼 시간이 거의 없었던 그는 이미 자신이 적진에 있다는 것을 느꼈고 자신의 존재를 구하기 위해 어떻게 든 적을 속여야한다고 느꼈습니다.
9) 어둠의 영역에서 일어나는 범죄의 성격:
따라서 우리는 볼쇼프가 악의적인 파산을 했을 때 어떤 특별한 규정도 따르지 않는다는 사실에서 깊이 사실이고 특징적인 러시아 특징을 발견합니다. 신념그리고 경험하지 않는다 깊은 정신적 투쟁마치 범죄자에 속하지 않는 것처럼 두려움을 제외하고 ... 어둠의 영역의 역설: 추상적으로 우리에게 모든 범죄는 너무 끔찍하고 특별한 것으로 보입니다. 그러나 특별한 경우에는 대부분 매우 쉽게 수행되고 매우 간단하게 설명됩니다. 형사 법원에 따르면 그 남자는 강도이자 살인자로 밝혀졌습니다. 자연의 괴물인 것 같습니다. 그러나보세요-그는 전혀 괴물이 아니지만 매우 평범하고 심지어 선량한 사람입니다. 범죄에서 그들은 외부적이고 법적 측면만을 이해하며, 어떻게든 피할 수 있다면 당연히 경멸합니다. 다른 사람과 사회를 위해 저지른 범죄의 결과인 내면은 그들에게는 전혀 나타나지 않습니다. 분명합니다. Samson Silych의 전체 도덕은 규칙에 기초합니다. 다른 사람이 훔치는 것이 좋을수록 나도 훔치는 것이 좋습니다.
Podkhalyuzin이 그에게 "무슨 죄"가 일어날 수 있는지, 아마도 그들이 재산을 빼앗아 그를 법원으로 끌고 갈 것이라고 설명했을 때 Bolshov는 "어떻게 해야 합니까, 형제님, 당신은 갈 것입니다. "라고 대답합니다. Podkhalyuzin은 "맞습니다, Samson Silych 선생님"이라고 대답하지만 본질적으로 "정확"하지는 않지만 매우 터무니 없습니다.
10) 내가 말하고 싶었던 것에 대해 우리는 이미 Ostrovsky의 재능의 특징 중 하나가 사람의 영혼의 깊은 곳을 들여다보고 그의 생각과 행동의 방식뿐만 아니라 그의 생각의 과정, 그의 욕망의 탄생. 그는 주변 사람들에게서 확고한 거부가 아니라 끊임없는 겸손을 만나기 때문에 압제적입니다. 이런 기분이니까 남을 속이고 억압하는 거야 그에게편안하지만 그것이 얼마나 힘든지 느낄 수 없습니다. 그는 그러한 행위의 사회적 중요성에 대해 전혀 알지 못하기 때문에 다시 파산하기로 결정합니다. [타이핑하지 마세요! 외부의 공포가 아닌, 자연에 대한 이해가 있는 내부의 모습!]
11) 여성 이미지, 사랑에 관하여:거의 모든 Ostrovsky의 코미디에 나오는 소녀의 얼굴. Avdotya Maksimovna, Lyubov Tortsova, Dasha, Nadya - 이들은 모두 무고하고 짝사랑하는 폭정의 희생자들이며, 해제생명이 만들어낸 인간의 성격은 포드칼류진과 같은 악당이 인간 본성을 왜곡하는 것보다 영혼에 거의 암울한 영향을 미칩니다. 그녀는 모든 남편을 사랑할 것입니다그녀가 그녀를 사랑할 사람을 찾아야합니다." 이것은 무관심하고 짝사랑하며 가족 독재의 멍에 아래 부드러운 본성에서 발전하고 폭군이 무엇보다도 좋아하는 종류를 의미합니다. 폭정에 감염되지 않은 사람의 경우 , 사랑의 모든 매력 이것은 다른 존재의 의지가 조금도 강요하지 않고 그의 의지와 조화롭게 합쳐진다는 사실입니다. 그렇기 때문에 일종의 강탈, 사기, 돈을 위해 구입하거나 일반적으로 외부 및 외부 수단을 통해 구입합니다.
12) 만화:우리 "어두운 왕국"의 코미디도 마찬가지입니다. 일 자체는 단순히 재미 있지만 어둠 속에서 짓밟힌 폭군과 희생자들을 보면 웃고 싶은 욕구가 사라집니다.
13) "썰매에서 내리지 마세요"- 다시 이미지를 자세히 분석합니다 ..
14) "가난은 악이 아니다"
이기심과 교육:그리고 일부 Gordey Karpych Tortsov에 대한 폭정을 포기한다는 것은 완전히 무의미 해지는 것을 의미합니다. 그리고 이제 그는 주변의 모든 사람을 즐겁게합니다. 그는 그들의 무지로 눈을 찌르고 그들이 지식과 상식을 발견했다는 이유로 그들을 박해합니다. 그는 교육받은 소녀들이 말을 잘한다는 것을 알게되었고 말을 할 수 없다는 이유로 딸을 비난했습니다. 하지만 그녀가 말하자마자 그녀는 "닥쳐, 바보 야! "라고 소리 쳤습니다. 그는 교육받은 점원들이 옷을 잘 입는 것을 보았고 Mitya에게 그의 코트가 나쁘다는 사실에 화를 냈습니다. 하지만 그 작은 남자의 월급은 계속해서 그에게 가장 보잘것없는 수준입니다...
그러한 사람과 그러한 관계의 영향으로 Lyubov Gordeevna와 Mitya의 온유한 본성이 발전하여 이인화가 도달할 수 있는 것과 완전한 무능력과 독창적인 활동 억압이 가장 동정적이고 이타적인 본성을 가져오는 것에 대한 예를 나타냅니다.
피해자들이 폭군과 함께 사는 이유:사람들이 폭정에 저항하지 못하게 하는 첫 번째 이유는 - 이상하게도 - 정당성의 감각그리고 두 번째는 물질적 지원이 필요함.언뜻 보기에 우리가 제시한 두 가지 이유는 물론 터무니없어 보일 것입니다. 분명히 그 반대입니다. 폭정의 모든 주장에 대한 사람들의 무관심을 설명할 수 있는 것은 바로 물질적 복지에 대한 합법성과 부주의함의 부족입니다. 결국 Nastasya Pankratievna는 아이러니하지 않고 반대로 눈에 띄는 존경심으로 남편에게 이렇게 말합니다. "누가 감히 당신을 화나게 하겠습니까, 아버지, Kit Kitsch? 당신 자신은 모든 사람을 화나게 할 것입니다! .." 일의 전환이 매우 이상합니다. 그러나 이것이 "어두운 왕국"의 논리입니다. 여기서 지식은 매우 좁은 범위로 제한되며 생각할 작업이 거의 없습니다. 모든 것이 기계적으로 진행됩니다. 단 한번의 일상적인 일이죠. 이것으로부터 여기서 아이들은 결코 자라지 않고 기계적으로 아버지의 자리로 이동할 때까지 아이들로 남아 있다는 것이 분명합니다.
독립 작품 No.1
표적:.
운동: M.Yu의 작업에 대한 서지 지도를 작성합니다. Lermontov와 방어 준비 ( 지침 9 페이지 및 부록 1 참조).
독립 작품 No. 2
표적:
운동:낭만주의, 대조, 구성 등 문학 용어의 용어집을 작성합니다.
기억해야 할 시 목록:
"생각", "아니요, 저는 바이런이 아닙니다. 저는 다릅니다 ...", "기도"( "나, 하나님의 어머니, 이제기도로 ..."), "기도"( "In 인생의 어려운 순간 ..."), "K *"( "내 노래에는 슬픔이 있지만 얼마나 필요한지 ..."), "시인"( "내 단검은 금색 장식으로 빛납니다 ..."), " 언론인, 독자 및 작가”, “다양한 군중에 얼마나 자주 둘러싸여 있는지 ...”, “Valerik”, “Motherland”, “Sleep”(“Dagestan 계곡의 한낮 더위에서 ...”), “그것은 지루하고 슬프다!”, “길에 혼자 나간다…
주제 :“N.V. 고골"
독립 작품 No.1
표적:문학과 교육 공간의 확장 .
운동: N.V.의 작업에 대한 서지 지도를 작성합니다. Gogol과 그녀의 변호를 준비합니다(9페이지 및 부록 1의 방법론적 권장 사항 참조).
독립 작품 No. 2
표적:주요 문학 개념을 식별하고 공식화하는 능력 개발; 문학적 공간을 탐색하는 능력.
운동:문학적 유형, 세부 묘사, 과장법, 기괴함, 유머, 풍자 등 문학 용어의 용어집을 작성합니다.
독립 작품 No.3
N.V. 의 이야기에 따르면. 고골 "초상화"
표적:이야기의 텍스트와 분석에 대한 지식의 확장 및 심화 .
운동: N.V.의 이야기에 대해 제안된 질문을 작성하여 답변하십시오. 고골 "초상화".
N.V.의 이야기에 관한 질문 고골 "초상화"
1. Chartkov가 마지막 두 코펙의 초상화를 구입한 이유는 무엇입니까?
2. Chartkov의 방이 왜 그렇게 자세히 설명되어 있습니까?
3. Chartkov의 어떤 속성이 예술가의 재능에 대해 말합니까?
4. 예기치 않게 발견된 보물은 영웅에게 어떤 기회를 주고, 영웅은 이를 어떻게 활용하나요?
5. 신문 기사에서 Chartkov의 이름과 애칭을 배우는 이유는 무엇입니까?
6. Chartkov의 "금은... 열정, 이상, 두려움, 목표"가 된 이유는 무엇입니까?
7. Chartkiv의 완벽한 그림에 대한 충격이 "부러움과 분노"로 바뀌는 이유는 무엇이며 재능있는 예술 작품을 파괴하는 이유는 무엇입니까?
1. 초상화를 그린 약탈자의 끔찍한 점은 무엇입니까?
2. 고리대금업자의 초상화는 작가에게 어떤 불행을 안겨주었고, 그는 어떻게 영혼의 오물을 정화시켰는가?
3. 예술의 의미는 무엇이며 왜 "재능은 ... 모든 영혼 중에서 가장 순수한 것"이어야 합니까?
평가 기준:
"5"(2점) - 답변은 전체 내용으로 제공되며 작품의 인용문이 사용됩니다.
"4"(1.6-1.2점) - 답변이 전체적으로 제공되지만 2-3개의 부정확성이 있습니다.
"3"(1.2-0.8점) - 1-2개 질문에 대한 답변이 없으며 나머지 답변은 불완전하게 제공됩니다.
"2"(0.7-0점) - 4개 이상의 질문에 대한 답변이 없습니다.
주제 :“A.N. 오스트로프스키"
독립 작품 No.1
표적:문학과 교육 공간의 확장 .
운동: A.N.의 작업을 기반으로 서지 지도를 작성합니다. Ostrovsky를 선택하고 변호를 준비합니다(9페이지 및 부록 1의 방법론적 권장 사항 참조).
독립 작품 No. 2
표적:주요 문학 개념을 식별하고 공식화하는 능력 개발; 문학적 공간을 탐색하는 능력.
운동:드라마, 코미디, 무대 연출 등 문학 용어집을 정리합니다.
독립 작품 No.3
A.N. 오스트로프스키 "뇌우"
표적:연극 텍스트 및 분석에 대한 지식의 확장 및 심화 .
운동:표에서 자료를 확인해보세요. I 및 II 작업에 대한 질문을 작성하여 답변하세요.
I. 연극에 대한 비판
| N. A. Dobrolyubov "어두운 왕국의 빛의 광선"(1859) | 디. 피사레프 "러시아 드라마의 동기"(1864) | |
| 연극에 대하여 | Ostrovsky는 러시아 생활에 대해 깊은 이해를 가지고 있습니다. 그는 모든 것에 스며드는 사회적 열망과 요구를 포착했습니다. 러시아 사회... "뇌우"는 의심할 여지 없이 Ostrovsky의 가장 결정적인 작품입니다. 폭정과 무성함의 상호 관계는 가장 비극적인 결과를 가져옵니다. The Thunderstorm에는 상쾌하고 격려적인 내용도 있습니다. 이 "무언가"는 우리가 지적한 연극의 배경이며 폭정의 불안정성과 임박한 종말을 드러낸다고 생각합니다. | Ostrovsky의 드라마 "Thunderstorm"은 "A Ray of Light in a Dark Kingdom"이라는 제목으로 Dobrolyubov의 비평 기사를 작성했습니다. 이 기사는 Dobrolyubov의 실수였습니다. 그는 Katerina의 성격에 대한 동정심에 사로 잡혀 밝은 현상으로 그녀의 성격을 취했습니다 ... Dobrolyubov의 견해는 틀렸고 ... 가부장제의 "어두운 왕국"에서는 단 하나의 밝은 현상도 발생하거나 형성 될 수 없습니다 Ostrovsky의 드라마 무대에 등장한 러시아 가족. |
| 카테리나의 이미지 | ... 이 배경에 그려진 카테리나의 성격 자체도 그녀의 죽음에서 우리에게 열리는 새로운 삶으로 우리에게 불어옵니다. ... Wild와 Kabanovs 사이에서 활동하는 단호하고 통합적인 러시아 캐릭터는 Ostrovsky에서 여성 유형으로 나타나며 이는 심각한 의미가 없습니다. 극단은 극단으로 반영되며 가장 강력한 항의는 가장 약하고 가장 인내심이 강한 자의 가슴에서 마침내 솟아오르는 항의라고 알려져 있다. ... 억압에 맞서는 봉기의 끝까지 가고 싶은 여성 그리고 러시아 가족 장로들의 자의성은 영웅적인 자기 부정으로 가득 차 있어야하며 모든 것을 결정하고 모든 것에 준비해야합니다 ... ... 영혼이없는 Kabanikh의 무거운 손 아래에는 그녀의 밝은 비전의 여지가 없습니다. 그녀의 감정에는 자유가 없듯이 ... | Katerina의 각 행동에서 매력적인 측면을 찾을 수 있습니다 ... ... 교육과 삶은 Katerina에게 강한 성격이나 발전된 마음을 줄 수 없습니다 ... ... Katerina의 평생은 끊임없는 내부 모순으로 구성됩니다. 그녀는 매 순간 한 극단에서 다른 극단으로 돌진합니다. 그녀는 모든 단계에서 자신의 삶과 다른 사람들의 삶을 혼동합니다. 마침내 그녀는 손끝에 있던 모든 것을 뒤섞은 후 가장 어리석은 수단 인 자살로 팽팽한 매듭을 끊었습니다. 이는 완전히 예상치 못한 일입니다 ... 나는 열정, 부드러움 및 성실이 실제로 Katerina의 주요 속성이라는 데 전적으로 동의합니다. 자연, 나는 그녀의 행동의 모든 모순과 부조리가 이러한 속성으로 정확하게 설명된다는 데 동의합니다. 그런데 이것이 무엇을 의미하는가? |
| 카테리나와 티콘 | ... 그녀는 결혼하고 싶은 특별한 욕망이 없지만 결혼에 대한 혐오감도 없습니다. 그녀에게는 Tikhon에 대한 사랑이 없지만 다른 사람에 대한 사랑은 없습니다 ... ... Tikhon 자신은 아내를 사랑했고 그녀를 위해 모든 것을 할 준비가되었습니다. 그러나 그가 자라면서 겪은 억압은 그를 너무 손상시켰기 때문에 더 이상 아무것도 할 수 없게 되었습니다. 강한 느낌, 단호한 노력은 발전 할 수 없습니다 ... ... 그녀는 오랫동안 그녀의 영혼을 그와 비슷하게 만들기 위해 강화되었습니다 ... ... Katerina의 마지막 사랑 인 Boris Grigorych에 대한 사랑의 시작과 함께 이미 Katerina를 찾는 연극에서 , 필사적 인 노력은 여전히 눈에 보입니다. 남편을 자신에게 사랑스럽게 만들기 위해 ... ... Tikhon 여기에서 그는 단순하고 저속하며 전혀 사악하지는 않지만 극도로 척추가없는 생물이며 감히 어머니에게 반하는 일을하지 않습니다. .. | |
| 카테리나와 보리스 | ... 그녀는 보리스를 좋아한다는 사실뿐만 아니라 그가 주변의 다른 사람들과 닮지 않았고 말도하지 않는다는 사실 때문에 보리스에게 매력을 느낍니다. 그녀는 남편에게서 반응을 찾지 못한 사랑의 필요성, 아내와 여자의 불쾌한 감정, 단조로운 삶의 필사적 고뇌, 자유, 공간, 뜨겁고, 무제한의 자유. ... 보리스는 영웅이 아니며 카테리나의 가치와는 거리가 멀고 사람들이 없을 때 그와 더 사랑에 빠졌습니다 .. ... 보리스에 대해 말할 것이 없습니다. 극중 주인공이 처한 상황 때문이다. 그는 치명적인 종말이 필요한 상황 중 하나를 나타냅니다. 다른 사람이고 다른 위치에 있다면 물 속으로 달려갈 필요가 없을 것입니다. 우리는 위에서 Tikhon에 대해 몇 마디 말했습니다. 보리스는 본질적으로 동일하며 단지 "교육을 받았습니다". | Pisarev는 "여러 견해의 교환에서"발생하는 Boris에 대한 Katerina의 사랑이나 첫 번째 기회에 항복하는 그녀의 미덕을 믿지 않습니다. "마지막으로, 모든 러시아 가족의 모든 구성원이 아주 안전하게 용인하는 사소한 문제로 인해 발생한 이것은 어떤 종류의 자살입니까?" |
| 연극의 끝 | ... 이 끝은 우리에게 만족스러운 것 같습니다. 그 이유를 이해하는 것은 쉽습니다. 그 안에서 자의식의 힘에 끔찍한 도전이 주어지고, 그는 더 이상 더 나아갈 수 없으며, 그 폭력적이고 치명적인 원칙으로는 더 이상 살 수 없다고 말합니다. Katerina에서 우리는 Kabanov의 도덕 개념에 대한 항의를 봅니다. 이 항의는 끝까지 진행되었으며 가정 고문과 가난한 여성이 자신을 던진 심연에 대해 선언되었습니다. 그녀는 참기를 원하지 않으며, 살아있는 영혼의 대가로 그녀에게 제공되는 비참한 식물 생활을 이용하고 싶지 않습니다 ... ... Tikhon의 말은 심지어 연극을 이해하지도 못하는 사람들에게 연극을 이해하는 열쇠를 제공합니다. 전에 그 본질을 이해하십시오. 그들은 시청자가 연애에 대해 생각하는 것이 아니라 산 사람이 죽은 사람을 부러워하고 심지어 일부 자살까지하는 평생에 대해 생각하게 만듭니다! | 러시아 생활의 가장 깊은 곳에서는 독립적인 갱신에 대한 성향이 전혀 없습니다. 그것은 보편적인 인간 사상의 영향으로 수정되고 처리되어야 하는 원자재만을 포함하고 있습니다. ... 물론 그러한 엄청난 정신적 혁명에는 시간이 걸립니다. 그것은 가장 효율적인 학생과 가장 깨달은 언론인의 집단에서 시작되었습니다. 정신 혁명의 추가 발전은 시작과 동일한 방식으로 진행되어야 합니다. 상황에 따라 더 빨라질 수도 있고 느려질 수도 있지만 항상 같은 길을 따라 가야 합니다. |
N.A.의 입장을 간략하게 설명해주세요. Dobrolyubova 및 D.I. 연극에 관한 Pisarev.
연극 분석에서 "진정한 비평가"의 목적은 무엇입니까?
당신은 누구의 입장을 선호합니까?
II. 연극의 장르
1. 문학 평론가 B. Tomashevsky의 진술을 분석하고 Ostrovsky의 연극을 비극이라고 부를 수 있는지 생각해보십시오.
“비극은 영웅적 행위의 한 형태입니다... 특이한 환경(고대 또는 먼 나라)에서 발생하며, 왕, 군사 지도자, 고대 신화 속 영웅, 그리고 특별한 지위나 성격을 가진 사람들이 참여합니다. 같은. 비극은 숭고한 스타일, 주인공의 영혼 속의 악화된 투쟁으로 유명합니다. 비극의 일반적인 결과는 영웅의 죽음이다.
2. 현재까지 Ostrovsky의 연극 장르에는 사회 드라마와 비극이라는 두 가지 해석이 있습니다. 어느 것이 가장 설득력 있다고 생각하시나요?
드라마 - “코미디와 마찬가지로 주로 사람들의 사생활을 재현하지만, 주된 목표는 관습을 조롱하는 것이 아니라 사회와의 극적인 관계에서 개인을 묘사하는 것입니다. 비극과 마찬가지로 드라마도 날카로운 모순을 재현하는 경향이 있습니다. 동시에 그 갈등은 그렇게 긴장되거나 피할 수 없으며 원칙적으로 성공적인 해결 가능성을 허용합니다.”(“Literary Encyclopedic Dictionary”).
평가 기준:
"5"(3점) – 답변이 자세하고 완전합니다.
"4"(2.6-1.2점) - 답변이 전체적으로 제공되지만 1-2개의 부정확성이 있습니다.
"3"(1.2-0.8점) - 1개 질문에 대한 답변이 없으며 나머지 답변은 불완전하게 제공됩니다.
"2"(0.7-0점) - 2개 이상의 질문에 대한 답변이 없습니다.
독립 작품 No.4
표적:제어 형식(질문, 답변)의 차별화, 구체화, 비교 및 설명을 통해 연구된 정보를 통합합니다.
운동: A.N.의 연극을 기반으로 테스트합니다. Ostrovsky "Thunderstorm"과 이에 대한 답변 표준. (부록 2)
테스트 자체와 이에 대한 답변 표준을 모두 작성하는 것이 필요합니다. 테스트의 난이도는 다양할 수 있으며, 가장 중요한 것은 테스트가 주제의 범위 내에 있다는 것입니다.
테스트 항목의 수는 최소 15개 이상이어야 합니다.
실행 요구 사항:
주제에 대한 정보를 연구합니다.
시스템 분석을 수행합니다.
테스트를 생성합니다.
이에 대한 답변을 위한 템플릿을 만드세요.
정해진 시간 내에 검사를 위해 제출하세요.
평가 기준:
주제와 테스트 작업 내용의 일치
가장 중요한 정보를 테스트 항목에 포함합니다.
난이도에 따른 다양한 테스트 과제;
올바른 대응 표준의 가용성
테스트는 정시에 제어를 위해 제출됩니다.
"5"(3점) - 시험에는 15개의 질문이 포함되어 있습니다. 미적으로 디자인되었습니다. 내용이 주제와 관련이 있습니다. 질문의 올바른 표현; 테스트 작업이 오류 없이 완료되었습니다. 정시에 검토를 위해 제출되었습니다.
"4"(2.6~1.2점) - 시험에는 15개의 질문이 포함되어 있습니다. 미적으로 디자인되었습니다. 내용이 주제와 관련이 있습니다. 충분하지 않은 질문 표현; 사소한 오류가 있지만 테스트 작업이 완료되었습니다. 정시에 검토를 위해 제출되었습니다.
"3"(1.2~0.8점) - 시험에 10개 미만의 질문이 포함되어 있습니다. 부주의하게 디자인되었습니다. 콘텐츠가 표면적으로 주제와 일치합니다. 유능하지 않은 질문 표현; 테스트 작업이 오류와 함께 완료되었습니다. 제때에 검토를 위해 제출되지 않았습니다.
"2"(0.7-0점) - 시험에 6개 미만의 질문이 포함되어 있습니다. 부주의하게 디자인되었습니다. 내용이 주제와 관련이 없습니다. 문맹의 질문 표현; 테스트 작업이 오류와 함께 완료되었습니다. 제때에 검토를 위해 제출되지 않았습니다.
"진정한 비평"과 현실주의
"진정한 비판"이란 무엇입니까?
가장 간단한 대답은 N. A. Dobrolyubov의 문학 비평 원칙입니다. 그러나 자세히 살펴보면 이 비판의 본질적인 특징은 Chernyshevsky와 Pisarev 모두의 특징이며 Belinsky에서 나온 것으로 나타났습니다. 그렇다면 '진정한 비판'은 민주적 비판인가? 아니요, 여기서 요점은 정치적 입장이 아니라 가능한 가장 짧은 방식으로 새로운 문학, 새로운 유형의 예술에 대한 문학적 비평적 발견입니다. 한마디로 '진정한 비판'은 다음과 같은 반응이다. 실재론(기사의 텍스트는 다음 수집된 작품의 권과 페이지를 나타냅니다. Belinsky V. G. 수집된 작품은 9권입니다. M., "Fiction", 1976--1982; Chernyshevsky N. G. Complete. 수집된 작품. M., Goslitizdat, 1939 -1953, Dobrolyubov N.A. 9권의 작품 수집 M.-L., Goslitizdat, 1961-1964.).
물론 그러한 정의는 거의 의미가 없습니다. 그럼에도 불구하고 '진정한 비평'이라는 일반적인 비평보다 더 유익합니다. 문학 작품 (사실이기 때문에)을 삶 자체로 간주하여 문학을 우회하고 비평으로 전환하는 것뿐입니다. ~에 대한그녀의. 여기서는 전혀 문학적이지 않고 삶 자체의 문제에 전념하는 저널리즘적인 비판처럼 보입니다.
제안된 정의("현실주의에 대한 반응")는 단호한 문장으로 사고를 중단하지 않고 추가 연구를 추진합니다. 왜 대답이 구체적으로 현실주의에 대한 것입니까? 현실주의 자체를 이해하는 방법은 무엇입니까? 그리고 일반적으로 예술적 방법은 무엇입니까? 그리고 사실주의는 왜 특별한 비평을 요구했는가? 등.
이러한 질문과 유사한 질문 뒤에는 예술의 본질에 대한 하나 또는 다른 아이디어가 나타납니다. 우리는 예술을 의미할 때 몇 가지 답을 얻게 될 것입니다. 현실의 비유적 반영다른 구별되는 특징이 없으며 예술을 실제 복잡성과 모든 특별한 측면의 통일성으로 받아들여 다른 형태의 사회적 의식과 구별할 때 완전히 다릅니다. 그래야만 역사적 순서에 따른 예술적 방법의 탄생과 변화, 투쟁을 이해할 수 있을 것이고, 그에 따른 리얼리즘의 출현과 본질, 그리고 그에 대한 대응으로서의 '진정한 비평'을 이해할 수 있을 것이다.
예술의 구체적인 본질이 비유성에 있고 그 주제와 이념적 내용이 다른 형태의 사회 의식과 동일하다면 예술적 방법에는 예술의 대상을 받아들이는 두 가지 변형 만 가능합니다. 모든 현실또는 그것을 거부합니다. 그래서 "현실주의"와 "반현실주의"라는 영원한 쌍이 밝혀졌습니다.
이것은 실제로 예술의 구체적인 대상이 무엇인지 설명하는 자리가 아닙니다. 인간예술이 모든 현실을 묘사하는 것은 오직 그를 통해서만 가능합니다. 그 구체적인 이념적 내용은 인류,인류, 그것은 사람들 사이의 다른 모든 (정치적, 도덕적, 미적 등) 관계를 조명합니다. 특정 형태의 예술이란 인간의 이미지,(일반적인 이미지뿐만 아니라) 인류의 이상과 관련이 있습니다. 그래야만 이미지가 예술적.예술의 구체적이고 특별한 측면은 다른 형태의 사회적 의식과의 공통성을 그 속에 예속시켜 예술로 보존하는 반면, 예술과 낯선 이데올로기의 침입, 반인간적 사상의 예속, 주제의 대체, 비유적 형태가 우화나 상징과 같은 비유적-논리적 켄타우로스로 변모하는 것은 예술을 그 자체로부터 소외시키고 궁극적으로 파괴시킨다. 이 점에서 예술은 사회적 의식의 가장 민감하고 미묘한 형태입니다. 이것이 바로 많은 유리한 사회적 조건이 일치할 때 번성하는 이유입니다. 그렇지 않으면 자신과 자신의 목표인 사람을 방어하면서 그는 자신에게 적대적인 세계와 투쟁하게 되며, 대부분 불평등하고 비극적인 투쟁에 빠지게 됩니다... (자세한 내용은 내 책 "The Aesthetic Ideas of Young Belinsky"를 참조하세요. ". M. , 1986, "소개".)
고대부터 예술이란 무엇인가, 즉 지식인가 창의성인가에 대한 논쟁이 계속되어 왔습니다. 이 논쟁은 그 다양성만큼이나 결실이 없습니다. "현실주의"와 "반현실주의"의 대결입니다. 둘 다 추상적 영역에 맴돌고 진실에 도달할 수 없습니다. 아시다시피 진실은 구체적입니다. 예술의 지식과 창의성의 변증법은 모든 측면의 세부 사항, 무엇보다도 주제의 세부 사항을 제외하고는 이해될 수 없습니다. 성격으로서의 사람, 성격으로서의 사람(생각, 감정 및 행동의 특정 통일성)은 직접적인 관찰과 논리적 고려에 열려 있지 않으며 완벽한 도구를 사용하는 정확한 과학 방법은 그에게 적용되지 않습니다. 예술가가 그에게 침투합니다. 간접적인 자기 관찰 방법, 확률적 직관적 지식을 통해 확률적 직관적 창의성 방법으로 자신의 이미지를 재현합니다(물론 논리적 힘을 포함한 모든 정신력의 하위 참여와 함께). 예술 분야에서 확률론적 직관 지식과 창의성을 발휘할 수 있는 능력은 사실 오랫동안 예술적 재능과 천재성으로 불려 왔으며 가장 경계심이 강한 챔피언도 반박할 수 없는 능력입니다. 의식창작 과정(즉, 그들의 견해로는 엄격한 논리 --마치 직관과 상상이 의식 바깥 어딘가에 있는 것처럼요!).
예술에서 이중(인지-창의) 과정의 확률적 성격은 그 특수성의 적극적인 측면입니다. 그것으로부터 직접적으로 다양한 예술적 방법의 가능성이 따릅니다. 이는 묘사된 상황에서 묘사된 인물의 확률에 대한 일반 법칙을 기반으로 합니다. 이 법칙은 아리스토텔레스에게 이미 분명했습니다. 4. M., 1984, p. 655.)). 우리 시대에는 Mikh가 열렬히 옹호했습니다. 넓은 의미에서 사실주의라는 부정확한 이름을 지닌 리프시츠(Lifshitz). 그러나 그것은 "넓은 의미"에서도 사실주의의 특별한 표시로 사용되지는 않습니다. 진실의 법칙모든 예술에 필수 사람에 대한 지식.이 법칙의 작용은 매우 불변적이어서 의도적인 확률 위반(예: 이상화 또는 풍자적이고 희극적인 기괴함)은 작품을 인식하는 사람들에게서 발생하는 의식과 동일한 진실을 제공합니다. 아리스토텔레스도 이 점에 주목했습니다. 시인은 사람들을 더 나은 사람, 더 나쁜 사람, 평범한 사람으로 묘사하고, 실제보다 더 나은 사람, 더 나쁜 사람, 삶의 모습을 묘사합니다(Ibid., pp. 647-649, 676- 679.).
여기에서 예술 방법의 역사, 즉 예술을 원시적 혼합주의에서 분리하고 예술을 자신의 목표(종교적, 도덕적, 정치적)에 종속시키겠다고 주장하는 다른 관련 사회 의식 영역과 분리하는 이러한 단계에 대해서만 암시할 수 있습니다. 모호한 혼합 이미지를 통해 등장한 인물과 상황의 확률 법칙은 의인화 된 신화에 의해 형성되고 종교적 신앙에 의해 왜곡되었으며 사회의 도덕적, 정치적 명령에 순종했으며이 모든 것이 때로는 여러 측면에서 또는 심지어 모든 측면에서 예술에 접근했습니다.
그러나 관련 현상의 공격에 맞서 싸우는 예술은 점점 더 독립성을 수호하고 자신의 주장에 자신의 방식으로 대응하려고 노력했습니다. 첫째, 이미지의 주제에 포함시키고 이상으로 조명하는 것입니다. 사회 관계의 앙상블에서 주제인 인간의 본질을 형성합니다. 둘째, 그들 중에서 선택하고 계급 적대감이 급격히 모순되고 자신과 가깝고 인도적인 방향을 선택하고 그들을 동맹국이자 수호자로 의지합니다. 셋째, (그리고 이것이 가장 중요한 것입니다) 예술 자체는 가장 깊은 성격에서 인간과 사회 사이의 관계, 인간의 측면에서 취한 그의 자기 실현을 반영하므로 적대적인 지배 세력에 대한 억압이 없습니다. 그 사람은 그를 파괴할 수 있지만, 그것은 성장하고 발전합니다. 그러나 예술의 발전은 균등한 진전이 될 수 없습니다. 그것은 번영기에 수행되고 쇠퇴기에 중단된 것으로 오랫동안 알려져 왔습니다.
따라서 예술적 방법은 처음에는 자발적으로 그리고 점점 더 의식적으로 (이 의식이 여전히 인간의 진정한 본질과 사회 구조를 이해하는 것과는 거리가 멀었지만) 자신의 원칙을 제시하며, 각각은 주로 한쪽 측면을 발전시킵니다. 창작 과정과 그것을 전체 과정에 적용하거나, 예술의 번영과 발전에 기여하거나, 예술을 자연에서 벗어나 인접한 영역으로 이끌었습니다.
온혈 사실주의 작품은 이전 미술사 전체에서 산발적으로만 등장했지만, 19세기에는 마르크스와 엥겔스의 말처럼 사람들이 자신과 자신의 관계를 냉정한 눈으로 바라볼 수밖에 없는 시대가 왔습니다.
그리고 여기에서 주제 인 인간을 무형의 이미지로, 인색함, 위선, 의무에 대한 열정의 투쟁 또는 보편적 거부를 표현하기위한 순종적인 자료로 바꾸는 데 익숙한 예술 앞에 실제 사람이 나타나 자신의 독립적 인 성격과 욕망을 선언합니다. 작가의 모든 생각과 계산에서 벗어나 살기 위해. 그의 말, 생각 및 행동에는 일반적인 조화로운 논리가 없으며 때로는 자신이 갑자기 어떤 것을 버릴지 모르고 사람과 상황에 대한 태도가 두 가지 모두의 압력에 따라 바뀌며 흐름에 휩싸입니다. 그녀는 작가의 고려와 방금 부활한 영웅의 왜곡을 고려하지 않습니다. 인간.예술가는 이제 사람들에게서 적어도 무엇인가를 이해하고 싶다면 자신의 계획, 아이디어 및 동정심을 배경으로 밀고 실제 인물과 그들의 행동을 연구하고 연구하고 그들이 이겨낸 길과 경로를 추적하고 패턴을 포착하고 느낌 전형적인인물, 갈등, 상황. 그래야만 외부에서 가져온 아이디어가 아닌 사람들 간의 실제 연결과 갈등을 기반으로 한 그의 작업에서 삶 자체에 따른 이념적 의미가 결정될 것입니다. 실화자기를 얻거나 잃음.
이전에 서로 다소 유동적이고 불명확한 관계에 있었던 예술의 모든 특정 측면은 이전 예술적 방법의 모호함과 종종 혼란을 야기했지만 이제는 각 특징의 주관적 측면과 객관적 측면의 쌍으로 극성으로 결정화됩니다. 그 사람은 작가가 상상하는 것과는 다른 것으로 밝혀졌습니다. 작가가 추구하는 아름다움의 이상은 주어진 사회 환경이 달성하는 인간성의 객관적 척도에 의해 수정되기도 한다. 예술적 이미지 자체는 가장 복잡한 구조를 얻습니다. 작가의 주관성과 이미지의 객관적인 의미 사이의 모순, 즉 "현실주의의 승리"또는 패배로 이어지는 모순을 포착합니다.
전에 문학 비평새로운 도전이 일어납니다. 그녀는 더 이상 "미적 코드"나 그와 유사한 것으로 예술에 대한 사회의 요구 사항을 공식화할 수 없습니다. 그녀는 아무것도 할 수 없습니다. 수요예술에서: 이제 그녀는 필요하다 이해하다인간적 본질에 침투하여 깊은 인간적 목적에 대한 예술의 의식적인 서비스에 기여하기 위해 새로운 성격을 갖습니다.
현실주의의 복잡한 성격에 대응하는 가장 명확하고 고전적인 형태의 문학 비평은 새로운 갈등이 날카롭고 명확한 형태를 취하는 가장 발전된 국가에서 발생해야 했습니다. 이것이 일어났는지 아닌지, 그리고 어떤 이유에서인지는 그들이 말하는 것처럼 특별한 연구의 주제입니다. 여기서는 19세기 초의 두 주요 사상가인 셸링과 헤겔이 성취한 미적 의식의 중요한 변화만을 언급하겠습니다.
프랑스 대혁명 이상의 붕괴는 또한 "의견이 세상을 지배한다"는 인간 정신의 전능함에 대한 계몽주의 자들의 잘 알려진 믿음의 붕괴이기도했습니다. Kant, Fichte, Schelling 및 Hegel은 각각 자신의 방식으로 사건의 객관적인 과정을 사람들의 의식 및 행동과 조정하고 그들 사이의 접촉점을 찾고 이성의 무력함을 확신하려고 노력했습니다. , 그들의 희망은 믿음에, 일부는 사람들을 선으로 이끄는 "영원한 의지"에, 일부는 존재와 의식의 최종 정체성으로, 일부는 사람들의 사회적 활동에서 가장 높은 표현을 찾는 전능하고 객관적인 아이디어에 두었습니다.
존재와 의식의 정체성을 찾아 헤매던 젊은 셸링은 좋은 조언을 듣지 않고, 영원토록 제 갈 길을 가던 완고한 현실과 마주하게 된다. 그리고 Schelling은 "모든 인간 행동, 우리가 수행하는 모든 것"(Schelling F.V.Y. 초월적 이상주의 시스템. L., 1936, p. 345.)에서 자유에 대한 숨겨진 필요성의 침입을 발견했습니다. 정신의 자유로운 활동에서 필연성으로, 주관성에서 대상으로, 관념에서 구현으로의 도약은 (처음에는 셸링에 의해) 예술에 의해 성취됩니다. 천재아이디어로부터 예술 작품, 즉 창작자와 분리된 객관성을 창조합니다. 셸링 자신은 곧 예술의 상승에서 최고 수준의 지식으로 옮겨 이곳을 철학으로 되돌렸지만 그럼에도 불구하고 그것은 낭만주의의 철학적 정당화에서 그 역할을 했습니다. 기적적이고 신성한 힘 천재낭만주의는 자신의 세계, 즉 가장 현실적이고 반대되는 일상과 저속한 일상을 창조합니다. 그의 생각에 그의 예술은 이런 의미에서이다. 창조.
우리는 Schelling의 실수(그리고 그 뒤에 있는 낭만주의)를 이해합니다. 그는 아이디어에서 객관적인 세계를 추론하기를 원하지만 다시 예술이든 철학이든 이상적인 현상을 얻습니다. 그들의 객관성은 물질적이지는 않지만 반영됩니다. 즉 진실성의 정도입니다.
그러나 이상주의자인 셸링이나 낭만주의자는 이에 대해 알고 싶어하지 않으며, 그들의 이상주의 자체는 인간에게 다가오고 있는 저속한 부르주아 현실을 받아들이고 싶어하지 않는 왜곡된 형태입니다.
그러나 그러한 입장은 새로운 예술의 문제를 해결하지 못했고 기껏해야 그것을 제기했습니다. 고전 주의자들이 믿었던 것처럼 작품은 더 이상 예술가 아이디어의 단순한 구현으로 간주되지 않으며 신비스럽고 설명할 수 없는 활동이 과정에 끼여 있습니다. . 천재그 결과는 원래 아이디어보다 더 풍부해졌으며 아티스트 자신도 그가 무엇을 어떻게 얻었는지 설명할 수 없습니다. 이 비밀이 예술가와 예술 이론가에게 밝혀지기 위해 두 사람 모두 고전적이거나 낭만적인 영웅을 구성하는 것에서 인간 본질을 소외시키는 세계에 있는 실제 사람들, 개인과 개인 사이의 실제 갈등으로 전환해야 합니다. 사회. 예술 이론에서 헤겔은 문제를 완전히 해결하지는 못했지만 이 단계를 밟았습니다.
헤겔은 인간 머리의 한계를 넘어 사상을 가져와 절대화하고 인류의 역사, 사회적 형태, 개인의 의식을 포함한 객관적인 세계 전체의 창조를 강요했습니다. 따라서 그는 비록 거짓이지만 그럼에도 불구하고 의식과 사물의 객관적 과정 사이, 사람들의 의도와 행동과 객관적 결과 사이의 격차에 대한 설명을 제공하여 자신의 방식으로 예술적이고 과학적인 것을 입증했습니다. 인간과 사회의 관계에 대해 연구한다.
인간은 더 이상 자신의 더 높은 현실의 창조자가 아니라 아이디어의 자기 발전에 따라 사회 생활에 참여하고 마지막 기회까지 모든 객관성을 관통합니다. 따라서 예술, 예술적 의식에서 아이디어는 특별하고 구체적인 아이디어, 즉 이상으로 구체화됩니다. 그러나 이러한 사변적 과정에서 가장 주목할 만한 점은 예술의 높은 이상이 현실적으로 현실적이라는 것이 밝혀진다는 것이다. 인간- 헤겔은 그를 신들보다 훨씬 더 높게 평가합니다. "보편적 힘"(즉, 사회적 관계)에 직면하는 것은 인간입니다. 오직 남자만이 가지고 있다 파토스 -영혼의 힘, 합리성과 자유 의지의 자연적 내용으로 그 자체로 정당화되었습니다. 사람에게만 속한다 성격 --풍성하고 온전한 정신의 연합; 오직 인간 유효한특정 상황에서 자신의 감정에 따라 스스로 주도적으로 상황에 들어간다 충돌세상의 세력과 함께 이 세력 또는 저 갈등 해결에서 이러한 세력의 대응을 맡습니다. 그리고 헤겔은 새로운 예술이 "기쁨과 고통, 열망, 행위 및 운명에 있어서 보편적인 인간 영혼의 깊이와 높이"를 다루고 있음을 보았습니다(Hegel. G. V. F. Aesthetics. 4권, t 2. M., 1969 , p. 318.), 그것은 인도적,이제 콘텐츠가 공개적으로 제공되기 때문에 인간.사회와의 인간관계 연구와 인간의 모든 것을 보호하는 이 파토스는 인본주의적 파토스그리고 현대 미술의 의식적인 파토스가 된다. 현실주의 이론의 출발점이 될 수 있는 광범위한 일반화를 만든 헤겔 자신은 괴테의 파우스트에서 영웅의 비극적 발전의 원형이 그보다 앞서 개발되었지만 그것을 구축하려고 시도하지 않았습니다.
여기에서 모든 서구 사상 중에서 내가 단지 Schelling과 Hegel에 대해서만 언급했다면 이는 러시아 미학과 비평에 대한 그들의 특별한 중요성으로 인해 정당화됩니다. 이론적으로 러시아 낭만주의는 Schelling의 표식 아래 있었고, 한때 현실주의에 대한 이해는 러시아 헤겔주의와 관련이 있었지만 첫 번째와 두 번째 경우에는 독일 철학자들이 다소 독특한 방식으로 이해되었으며 해석의 특징이 있습니다. 위에서 언급한 예술 중 첫 번째는 단순화되었고 두 번째는 전혀 보이지 않았습니다.
N. I. Nadezhdin은 낭만적 인 미학을 완벽하게 알고 사용했지만 그는 그녀와 전쟁중인 척했습니다. 대학 강의에서 고전주의자와 낭만주의자를 따라 (그는 극단, 결론 및 결론 없이 "평균"을 기반으로 "조정"하려고 노력했습니다) "예술은 태어난 생각을 실현하는 능력에 지나지 않습니다." 마음 속에 그리고 은총의 인장으로 표시된 형태로 표현하고", 천재는 "가능성의 법칙에 따라 아이디어를 상상하는 능력"입니다(Kozmin N.K. Nikolai Ivanovich Nadezhdin. St. Peters, 1912, pp. 265-266, 342.). 예술의 정의는 "진실에 대한 직접적인 묵상 또는 이미지의 사고"로만 간주되었으며 Belinsky가 활동이 끝날 때까지이 정의를 고수했다고 믿었던 G. V. Plekhanov까지 Hegel에 기인합니다. 따라서 사회와의 갈등에서 실제 사람으로 바뀌는 근본적인 의미는 특정 형태로 나타납니다. 비밀셸링과 낭만주의자들이 지정하고 헤겔이 직접 지적한 이 오류는 러시아의 비평과 미학에 의해 간과되어 이 실수 역시 벨린스키의 잘못으로 여겨졌습니다. 그러나 Belinsky에서는 상황이 상당히 달랐습니다.
Belinsky는 파토스가 특징입니다. 인간 존엄성,"Dmitry Kalinin"에서 너무 밝게 타 오르고 결코 그에게서 사라지지 않았습니다. 이 청춘 드라마의 낭만주의는 초성계를 향한 열망이 아니라 봉건적 현실에 둘러싸여 있었고, 그 길은 현실에 대한 현실적인 비판으로 이어졌고, 낡은 모순과 새로운 모순이 점점 더 얽혀있는 현실로 나아갔다. .
평민적이고 열렬한 민주주의자인 벨린스키는 고전적이고 낭만적인 예술 이론("이미지의 아이디어 구현" 등)의 일반 공식을 인식하지만 자신을 거기에 국한시킬 수 없으며 처음부터- "문학의 꿈" - 예술을 어떻게 생각하는가 인간의 이미지,그것을 옹호 위엄여기 지구상의 실제 생활에서. 그는 고골의 이야기를 찾아 이러한 작품의 진실성을 확립하고 '이상적인시'보다 현대성에 훨씬 더 부합하는 '진짜시'라는 아이디어를 제시합니다. 그는 이렇게 나누었다 아이디어그리고 그녀 구체화두 가지 유형의 예술로 분류되어 "실제시"에서 작가의 아이디어를 보지 않으려는 경향이 있었지만 실제 삶의 이미지 인 이상적인시에서는 환상적이거나 좁은 서정적 주제로 제한했습니다. 물론 이것은 주요 반대 방법 인 현실주의와 낭만주의 이론이 아니라 현실주의 주제, 즉 인간과 사회와의 구체적인 역사적 관계에 대한 접근 방식 일뿐입니다.
그리고 여기에서 인간적인 생각과 "익숙한 낯선 사람"일 가능성이 있는 사람의 이미지가 사회적 의식과 지식의 특별한 형태로서 일반적으로 예술의 측면이라는 점을 다시 한 번 강조해야 합니다. 젊은 Belinsky가 제시 한 이러한 징후에는 일반적으로 우리 사이에서 고려되는 것과는 달리 현실주의 이론이 아직 없습니다. 이에 접근하려면 예술가의 주관적인 이상과 주어진 시간과 장소의 사람의 진정한 아름다움, 즉 엥겔스가 말했듯이 현대의 "미래의 실제 사람들" 사이의 모순을 연구해야했습니다. 연구는 또한 현실주의가 성장하는 극복으로부터 모순의 또 다른 측면, 즉 가능하지만 우연한 인물과 전형적인 상황에서의 전형적인 인물 사이를 밝혀야 합니다. 예술적 이미지가 객관적인 승리일 때만 인간의 아름다움전형적인 상황에서 전형적인 인물을 진실되게 묘사하는 주관적 이상을 넘어서, 그 자체의 본성을 지닌 완전한 형태의 현실주의가 우리 앞에 떠오를 것입니다. 이는 사실주의의 본질을 이해하기 위해 모순의 양면에 대한 벨린스키의 추가 연구의 중요성을 결정합니다. 그리고 이러한 이해는 Dobrolyubov가 나중에 "진정한 비판"이라고 불렀던 것과 Belinsky가 이미 그의 비판적 방법을 만든 것의 기초를 형성했습니다.
Belinsky가 처음부터 제시한 방식으로 문제를 제시하는 것은 매우 유혹적입니다. 아이디어현실주의와 길의 끝에서 전체론적인 발전을 이루었습니다. 개념이 예술적 방법은 엥겔스의 사실주의에 대한 잘 알려진 정의보다 수십 년 앞서 있었습니다.
한편, 벨린스키가 자신의 세계관 차원에서 사실주의에 대한 총체적인 개념을 획득했는지에 대한 조사는 여전히 필요하다. 제가 보기에는 Belinsky가 그러한 개념에 대한 모든 전제 조건을 만들었고 더 성숙한 민주주의자이자 사회주의자인 Chernyshevsky와 Dobrolyubov가 그것을 완성한 것 같습니다.
그 과정은 예술 이론이 앞서서 그 성과를 요약하고 문학 비평이 그 뒤를 서두르는 것과 정반대였습니다(벨린스키가 이전 기사에서 말했듯이 "움직이는 미학", 또는 "문학 이론의 실천"). 표현하는 것이 더 정확할 것이기 때문입니다. 생각). 평론가 벨린스키는 자신이 물려받은 추상적 '철학적 미학'으로 자신이 논쟁 속에서 전개한 문학이론을 앞서 나갔다. 그의 예술적모스크바 시대에 대한 비판은 그의 활동이 꽤 성숙한 시기에 대한 "진짜 비판"으로 성장했습니다(Yu. S. Sorokin은 이 과정을 지적했습니다(그의 기사 및 vol. 1981, pp. 623, 713-714 참조).
여기서 벨린스키는 문학작품에 대한 분석에서 벗어나 현실 자체에 대한 직접적인 분석, 즉 비평에 도취될 위험에 처해 있었다. 예술적"에 대한"비판으로-언론적 비판으로 전환합니다. 그러나 그는 그러한 위험을 두려워하지 않았습니다. 왜냐하면 그의 수많은 그리고 때로는 긴 "여담" 때문입니다. 계속되는작가가 개발한 예술적 연구. 따라서 Belinsky의 "진짜 비평"(및 후속 비평)은 본질적으로 예술로서의 문학에 전념하는 예술적 비평으로 남아 있으며 형식적으로 이해되지 않고 특별한 측면의 통일성으로 이해됩니다. 예를 들어, "Tarantas"에 대한 분석은 슬라브 애호가들에게 가장 강력한 타격으로 간주되지만, 그 타격은 그들의 입장과 이론에 대한 분석이 아니라 슬라브 애호가의 전형적인 성격에 대한 무자비한 분석으로 처리되었습니다. V. A. Sollogub이 그린 그림에서 직접 이어지는 러시아 현실과의 충돌.
Belinsky에서 "진정한 비판"이 형성되는 과정은 스스로 삶에 대한 직접적인 침입이 아니라 수행되었습니다 ( "Eugene Onegin"의 현실주의가 일탈) 그러나 "현실주의의 승리"과정에 대한 비평가의 관심에 의해 비인간적 인 "선입견"아이디어와 그 안에 갇히거나 혼합 된 잘못된 이미지와 입장이 작품 구조에서 제거됩니다. 이러한 정화 과정은 비평가 기사의 상당 부분을 차지하거나 단지 지나가는 논평에만 영향을 미칠 수 있지만 확실히 존재해야 하며 이것이 없으면 "진정한 비판"도 없습니다.
비판을 통해 자신의 문제를 실질적으로 해결하기 위해 Belinsky는 낭만적 인 예술 개념을 다시 생각하면서 이론적으로 문제를 해결하려고 노력했습니다. 여기에서 그는 러시아 독자에게 오래된 논문의 발견을 선포하려는 시도에서 자신의 극단을 가졌습니다 ( "예술은 직접진실을 묵상하거나 생각하는 것 이미지" -- III, 278) 잘 알려진 최종 정의로 대체하기 전에 "예술은 현실의 재현이며, 새로 창조된 세계를 반복하는 것입니다"(VIII, 361). 그러나 마지막 공식은 구체성을 달성하지 못하고 예술의 특수성을 파악하지 못하며 "철학적 미학"의 추상화에 반대하는 투쟁의 실제 분야는 훨씬 앞서 나갔고 어떤 측면에서 헤겔의 결과를 능가하는 비판적 실천으로 남아 있었습니다. 예술의 인본주의적 본질에 대한 성찰 그러나 벨린스키의 이론에서도 중요한 변화가 일어 났고 현실주의에 내재 된 모순에 대한 설명이 설명되고 "진정한 비판"에 포착되었습니다.
러시아 현실과의 "화해"에 작별을 고한 벨린스키는 소위 "객관성"에서 "주관성"으로 전환 한 것으로 알려져 있습니다. 그러나 일반적으로 주관성이 아니라 그 파토스에 인간 존엄성,처음부터 그것을 소유하고 "화해"기간 동안에도 떠나지 않은 사람. 이제 이 파토스는 "사회성"( "사회성, 사회성-또는 죽음!"- IX, 482), 즉 사회주의 이상에서 그 정당성을 찾았습니다. 사회주의자들의 가르침에 더욱 익숙해진 벨린스키는 유토피아적 계획과 환상을 버리고 사회주의의 본질을 받아들였습니다. 인본주의적인콘텐츠. 인간은 객관적인 력사과정의 목표이며, 인간에게 봉사하는 사회는 비로소 참다운 인간사회가 될 것이며, 완전한 휴머니즘,같은 해에 젊은 마르크스가 쓴 것처럼 말입니다(Marx K. and Engels F. Soch., vol. 42, p. 116.). 그리고 이러한 인본주의적 목표의 실현을 향해 사회적, 예술적 사고가 동등하게 발전하고 있습니다.
이것이 비평가의 이론적 유언으로 올바르게 간주되는 Belinsky가 그의 마지막 리뷰에서 내린 결론이 아닙니까? 그러나 일반적으로 이 유언은 예술의 독점적인 비유적 특수성 개념을 나타내는 평면적인 공식으로 축소됩니다. 이제 이 유명한 리뷰를 다시 읽고 벨린스키 자신의 이론적 사고의 발전을 추적해 볼 좋은 시간이 아닌가?
나는 전통적인 사상의 모든 관성력을 불러일으키고 있다는 것을 알고 있지만 노력할 것입니다.
첫째, Belinsky는 " 자연학교"진정한 현대 미술의 현상이며"수사적 방향 "은 한계를 뛰어 넘습니다. 푸쉬킨과 고골은시를 현실로 바꾸고 이상이 아닌 평범한 사람들을 묘사하기 시작하여 예술 자체에 대한 견해를 완전히 바 꾸었습니다. 이제 - "모든 진실을 담은 현실의 재현", 즉 "모든 것이 유형,ㅏ 이상적인여기서는 장식 (따라서 거짓말)이 아니라 작가가 자신의 작업을 통해 발전시키고 싶은 생각에 따라 자신이 만든 유형을 설정하는 관계로 이해됩니다. "(VIII, 352). 사람, 인물-이것은 예술이 묘사하는 것이며 "추상적인 미덕과 악덕의 수사적 의인화"(ibid.)가 아닙니다. 그리고 이 특정 예술 대상은 가장 중요합니다. 법:"... 작곡 주제의 선택과 관련하여 작가는 자신에게 외계인의 의지나 심지어 자신의 자의성에 의해 인도될 수 없습니다. 왜냐하면 예술에는 글을 쓰는 것이 불가능한 존중 없이는 자체 법칙이 있기 때문입니다. 음"(VIII, 357). "자연은 예술의 영원한 모델이며, 자연에서 가장 위대하고 고귀한 대상은 인간이다", "그의 영혼, 정신, 가슴, 열정, 성향"(ibid.) 인간귀족, 교육받은 사람, 농민.
예술은 전례 없는 목적 없는 "순수한" 예술이 되려고 노력하거나 교훈적인 예술, 즉 "주어진 주제에 대한 수사적 연습에 불과한 교훈적이고, 차갑고, 건조하고, 죽은 작품"(VIII, 359)이 될 때 그 자체를 배신합니다. 그러므로 자신만의 소셜 콘텐츠를 찾아야 합니다. 그러나 “예술은 무엇보다도 예술이어야 하며, 그러면 그것은 이미 특정 시대 사회의 정신과 방향의 표현이 될 수 있습니다”(ibid.). "예술이 된다"는 것은 무엇을 의미하는가? 우선, 되기 위해서는 시만들다 이미지와 얼굴, 캐릭터, 전형적인,상상을 통해 현실이 나타나는 현상. 법 위반의 척도를 설정하는 "기술된 수사 사건의 매장"과 달리 시인은 "사건의 내부 본질을 꿰뚫고 이 사람들이 그런 식으로 행동하게 만든 은밀한 영적 충동을 추측해야 합니다. 이 사건의 원의 중심을 구성하는 지점을 파악하여 단일하고, 완전하고, 전체적이고, 그 자체로 폐쇄된 것의 의미를 부여합니다"(VIII, 360). "시인만이 이것을 할 수 있습니다. "라고 Belinsky는 덧붙여 특정 예술 주제에 대한 아이디어를 다시 한 번 확인했습니다.
작가는 어떤 방식으로 이 대상, 사람의 영혼, 성격, 행동에 침투합니까? "그들은 과학에는 정신과 이성이 필요하고 창의성에는 환상이 필요하며 이것이 문제를 완전히 해결했다고 생각합니다 ... "라고 Belinsky는 일반적인 생각에 반대합니다. "그러나 예술에는 정신과 이성이 필요하지 않습니까? 그러나 과학자는 할 수 있습니다 환상 없이도 할 수 있습니까? 사실이 아닙니다! 진실은 예술에서는 환상이 가장 적극적이고 주도적인 역할을 하지만 과학에서는 그것은 정신과 이성이라는 것입니다." (VIII, 361)
그럼에도 불구하고 예술의 사회적 내용에 대한 문제는 여전히 남아 있으며 Belinsky는 이를 해결합니다.
“예술은 현실의 재현이며, 새로 창조된 세계를 반복하는 것입니다.” Belinsky는 독자에게 다음과 같이 상기시킵니다. 원래 공식.예술의 특별한 주제와 이 주제에 대한 침투의 특이성에 대해서는 이미 언급되었습니다. 이제 원래 공식은 예술의 다른 측면과 관련하여 구체화되었습니다. 시인은 그의 작품, 즉 사람으로서, 인물로서, 자연으로서, 한마디로, 성격으로서 반영될 수밖에 없습니다. 시대, "전체 사회의 가장 깊은 생각", 그 사회, 모호한 열망은 작품에 반영될 수밖에 없으며, 시인은 무엇보다도 "그의 본능, 어둡고 무의식적인 감정, 종종 구성하는"에 의해 인도됩니다. 천재적인 본성의 모든 힘", 따라서 시인은 철학을 추론하고 시작하기 시작합니다. "보고, 넘어졌고, 어떻게! .."(VIII, 362-363). 그래서 Belinsky는 리디렉션합니다. 천재의 비밀(Schelling) 창의성 전반에서 무의식적 성찰까지 대중의 열망,
그러나 모든 사회적 문제와 열망을 반영하는 것은 예술에 유익한 영향을 미칩니다. 유토피아는 조지 샌드(George Sand)의 일부 작품에서처럼 "상상 속에만 존재하는 세계"를 묘사하도록 강요하는 재앙입니다. 또 다른 것은 "우리 시대의 진심 어린 동정"입니다. 그들은 디킨스의 소설이 "훌륭한 예술 작품"이 되는 것을 전혀 방해하지 않습니다. 그러나 인류에 대한 그러한 일반적인 언급만으로는 더 이상 충분하지 않으며 Belinsky의 생각은 더 나아갑니다.
벨린스키는 현대 예술의 본질과 고대 예술의 본질을 비교하면서 다음과 같이 결론을 내렸습니다. "일반적으로 새로운 예술의 본질은 형식의 중요성보다 내용의 중요성이 우세한 반면, 고대 예술의 본질은 내용의 균형입니다. 그리고 형태"(VIII, 366). 작은 그리스 공화국의 생활은 단순하고 복잡하지 않았으며 "항상 아름다움이 명백히 지배하는"(VIII, 365) 예술에 내용을 부여했지만 현대 생활은 완전히 다릅니다. 예술은 이제 "인류의 가장 중요한 이익"에 봉사하지만 "이것은 결코 예술이기를 그치지 않습니다"(VIII, 367). 콘텐츠.지금 벨린스키가 생각하는 내용은 바로 이 내용이 아닐까? 일반적인과학과 예술의 내용? 그것은 비평가의 판단이 인용되고 항상 맥락에서 벗어난 의미가 아닌가? 다시 읽어보자: "... 그들은 예술과 과학이 동일하지 않다는 것을 알지만 그들의 차이점은 내용에 있는 것이 아니라 이 내용을 처리하는 방식에만 있다는 것을 알지 못합니다. 철학자는 삼단논법으로 말합니다. , 이미지와 그림 속의 시인이지만 둘 다 같은 말을 합니다." (VIII, 367)
여기서 무슨 얘기를 하고 있는 걸까요? 즉 예술과 과학은 지식그리고 인류에게 봉사하다진실을 밝히고 자기 실현을 준비하며 이러한 "인류의 가장 중요한 이익"에 응답하십시오.
위 인용문을 둘러싼 예는 이에 대해 명확하게 설명하지 않습니다. 그의 소설을 통해 Dickens는 교육 기관의 개선에 기여했습니다. 정치 경제학자는 증명하고 시인은 사회에서 그러한 계층의 지위가 "많이 향상되었거나 많이 악화"된 이유를 보여줍니다. 그러나 결국 학교의 막대도 수업의 위치도 문학과 정치 경제의 주제가 아니지만 둘 다 자신의 방식으로 반영할 수 있습니다.
그러나 벨린스키는 특별한 대상을 골라내는 것이 아니라 일반적인 진실을 고르고 싶어합니다. 진실과학과 예술을 그들의 일반적인지옥. 다른 곳에서 그는 이렇게 직접 말합니다. "... 과학과 문학의 내용은 동일합니다. 진실입니다.", "그들 사이의 전체적인 차이점은 형식, 방법, 방식, 방식에만 있습니다. 그것들 각각은 진실을 표현합니다"(VII, 354).
넓은 의미에서 벨린스키의 공식을 이해하고 받아들이고 그의 생각을 끔찍하게 빈곤하게 만드는 평면적인 해석을 제거하지 않겠습니까? 참으로 사회현상은 항상 존재한다 사람들의 태도그리고 그의 말에 이해된 진실그리고 과학과 예술, 그러나 실제로는 다른 방식으로, 다른 방식과 방법, 다른 형태로: 외부에서 관계 --사회 과학, 인간- 예술, 따라서 형태뿐만 아니라 반대의 통일성을 나타내는 그 자체의 대상도 서로 연결되어 있고 다릅니다. 사람들의 사회적 관계과학과 사회에 있는 사람예술에서. 그리고 Belinsky 자신은 1844 년에 다음과 같이 썼습니다. "... 실제 사람들이 지구와 사회에 살고 있기 때문에 ... 당연히 우리 시대의 작가들은 사람들과 함께 사회를 묘사합니다"(VII, 41). 역사가는 역사적 인물의 등장인물을 꿰뚫어보고 이를 다음과 같이 이해해야 한다는 사실에 대해 성격그리고 이러한 한계 내에서 예술가가 되려면 벨린스키가 반복해서 말했습니다. 그러나 이러한 판단으로 인해 그는 예술과 과학의 특별한 대상을 혼동하지 않았습니다. (일반적으로 말하면, 반사 대상의 특수성은 일반성을 배제하지 않습니다. 이 경우- 일반성이 특정성을 배제하지 않는 것과 마찬가지로 공통된 진리입니다. 명세는 일반적인 관계를 취소하지 않고 그 자체에 종속시킵니다.)
앞서 말했듯이 위의 공식에서 그것은 지식에 관한 것뿐만 아니라 "인류를 위한 가장 중요한 이익"에 관한 것이기도 합니다. 물론 이는 진리에 대한 관심으로 축소될 수 없습니다. 아마도 Belinsky는 이러한 이익을 더 정확하게 정의했을 것입니다. 인용문을 계속하겠습니다.
"사회의 가장 높고 가장 신성한 관심은 각 구성원에게 동등하게 확장되는 자체 복지입니다. 이 복지에 이르는 길은 의식이며 예술은 과학 못지않게 의식에 기여할 수 있습니다. 여기서 과학과 예술은 모두 똑같이 필요하며 과학도 예술이나 과학의 예술을 대체할 수 없습니다"(VIII, 367).
여기에 함축된 것은 완전히 명확한 의식, 즉 사회주의적 이상으로 성장하는 인본주의입니다. “모든 사람에게 평등하게 복지를 제공한다”는 공식이 사회주의의 공식이라는 것이 문헌에서 지적되어 왔다. 그러나 나는 Belinsky가 이러한 이상을 이끌고 있다는 생각을 접하지 못했습니다. 현대적인 콘텐츠그는 진정한 과학과 예술을 추구하고 그러한 내용을 옹호하며 그러한 내용에서 현대 과학과 예술의 공통성을 봅니다. 그는 검열된 언론에서 이보다 더 명확하게 말할 수 없었습니다. 예, 그리고 최종 리뷰에서 벨린스키(그리고 그는 그 최종 성격을 알고 있었습니다)가 사회주의 문제를 우회하고 과학과 예술의 공식적인 비교에 참여하고 더욱이 자신의 길을 무시한다면 이상할 것입니다. 처음에는 동일한 리뷰에서 예술 대상의 특수성에 대한 확신이 더욱 분명하게 나타났습니다. 그건 그렇고, 결정하는 것은 개체의 특수성입니다. 필수불가결함예술은 과학으로, 과학은 공통 서비스에서 예술로 Belinsky가 즉시 언급했습니다. 물론 벨린스키는 과학과 예술의 특별한 주제를 무시하고 낭만적인 비교로 돌아가지 않을 것입니다. 그는 인본주의가 자연스럽게 사회주의로 발전하는 넓은 깨달음의 길을 걸었습니다(참조: Marx K. 및 Engels F. Soch., 2권, pp. 145-146.).
그러나 여기서는 분명히 알아야 할 것이 있다. 무엇벨린스키는 사회주의에 관해 이야기할 수 있었습니다. 봉건적, 소부르주아적, "진실한" 부르주아적, 비판적 유토피아적 사회주의가 있었습니다(그리고 거기에 있었습니다)(공산당 선언문 참조). 벨린스키의 이상은 이러한 흐름 중 어느 것과도 인접하지 않습니다. 무엇보다도 당시 러시아의 계급 투쟁이 사회주의 교리의 그러한 부분적 차별화의 기반이 나타날 정도로 아직 발전하지 않았기 때문입니다. 그러나 말했듯이 유토피아 사회주의자들의 서구 가르침에 대한 벨린스키의 친분은 그를 사회주의 조리법에서 멀어지게 하고 그를 승인했기 때문에 그것은 또한 합산되지 않습니다. 가장 일반적인인간의 존엄성을 보호하고 억압과 비난으로부터 인류의 자유를 위해 노력합니다. 그의 인본주의의 지속과 발전인 이 공통된 사회주의 이상은 그를 다양한 사회주의 종파들로부터 분리시켰으며 인류의 진정한 해방을 향한 길의 진정한 나침반이었습니다.
사실, Belinsky의 이상에는 여전히 평등화의 힌트가 있습니다. 같음미성숙하고 전과학적 형태의 사회주의의 특징이다. 그러나 벨린스키는 미래 사회에서 개인의 전면적인 발전이라는 생각에 이질적이지 않으며, 이 사회주의적 생각은 인간의 진정한 소외에 맞서는 "산업"XIX 세기의 직접적인 요구가 되었습니다. 부르주아 생산 관계 체계가 사람을 끌어들이는 본질; 작가가 알고 있든 모르든, 이 생각은 금세기의 모든 현실주의 문학에 널리 퍼져 있습니다. 그러므로 사회적으로 불완전하게 정의된 벨린스키의 이상은 미래로 나아갔고, 그것은 소부르주아 "사회주의자들", 나로드니크 등의 우두머리들을 통해 우리에게 다가왔습니다.
Belinsky가 도달 한 고려 된 이론적 결과는 모든 것이 우리 뒤에 있었기 때문에 그의 "진정한 비판"의 기초가 될 수 없었습니다. 오히려 그녀의 경험은 이론을 명확하게 하는 데 기여했으며, 특히 이론이 언급된 단락에서 무의식"사회 전체의 은밀한 생각"에 대한 예술가의 봉사, 그리고 결과적으로 이 봉사가 그의 예술가의 의식적 입장, 그의 희망과 이상, "구원을 위한 요리법" 등과 모순되는 것에 대해. 러시아 사실주의의 짧은 역사 속에서 이러한 모순이 만났고, 벨린스키의 비판은 이를 어김없이 주목하여 '진정한 비판'이 되었다. 푸쉬킨은 "현실의 재치"와 "인류의 영혼을 소중히 여기는 것"에서 고귀한 삶의 이상화, 그의시의 "잘못된 소리"로 후퇴합니다. "친구와의 서신에서 선택한 구절"의 교훈과 인류의 이름으로 Gogol 예술 작품의 비판적 파토스 사이의 갈등으로 성장한 "Dead Souls"의 서정적 구절에 대한 잘못된 메모; V. A. Sollogub가 언급한 "Tarantas"; "Ordinary History"의 에필로그에서 Aduev Jr.를 냉정한 사업가로 변신 ...
그러나 이 모든 것들은 예술적으로 재현된 진실에서 거짓 사상으로 후퇴한 예입니다. 그 반대의 경우는 매우 흥미롭습니다. 의식적인 인본주의 Herzen의 소설 "누가 비난할 것인가?"의 예를 바탕으로 Belinsky가 분석한 예술적 창의성에 관한 것입니다. 예술적 재능이 "An Ordinary Story"에서 Goncharov를 돕고 그로부터의 이탈로 인해 작가가 논리적 추측으로 이어진다면 모든 예술적 실수와 함께 Herzen의 작품은 그의 의식에 의해 저장됩니다. 생각,그의 것이 된 감정그의 열정, 파토스그의 삶과 소설: "이 생각은 그의 재능과 함께 성장했습니다. 그것은 그의 힘입니다. 만약 그가 그것에 대해 냉담하고 포기한다면 그는 갑자기 그의 재능을 잃을 것입니다. 어떤 생각입니까? 이것은 고통이고 질병입니다. 인간의 존엄성이 인정되지 않고, 의도적으로 모욕당하고, 더욱이 의도 없이 모욕당하는 광경을 독일인들은 이렇게 부릅니다. 인류(VIII, 378). 그리고 Belinsky는 이에 대한 다리를 던지면서 설명합니다. 의식그가 길이라고 불렀던 것은 모든 사람에게 동등하게 확대되는 일반 복지:"인류는 자선 활동이지만 의식과 교육을 통해 발전합니다"(ibid.). 그리고 두 페이지 뒤에는 검열된 펜으로 액세스할 수 있는 예제가 나와 문제의 본질을 설명합니다.
따라서 현실적인 예술을 이해하는 모순에 대한 인식에서 실질적으로 발생한 그의 "진정한 비평"에서 (이러한 모순은 고전적이고 낭만적 인 이미지 또는 단순히 설명적인 이미지에 접근 할 수 없습니다. 여기서 "아이디어"는 직접적으로 "구현"됩니다. 이미지) 이론적 성찰에서 벨린스키는 대중의 의식을 명확하게 하고 설명하고 알리는 작업을 수행했습니다. 의식적인 인본주의,이는 결국 인간과 인류의 해방이라는 사상으로 발전합니다. 이 임무는 예술 자체가 아니라 비판에 달려 있습니다. 이제 진정한 해방이 아직 멀었을 때 예술은 잘못된 길을 가고 진실에서 벗어나기 때문입니다. 사회주의 사상을 이미지로 번역하려고하면 사람에 대한 사랑이 있어야합니다 현실에 대한 진실한 그림을 심화시키고 환상으로 인물과 상황의 진실을 왜곡하지 않는 것이 바로 Belinsky의 결과입니다. 사실주의 예술의 운명에 대한 통찰력 있는 해석을 바탕으로 도브롤류보프는 과학적이고 올바른 세계관과 예술의 융합을 먼 미래까지 이어나갈 것입니다.
Chernyshevsky의 "진짜 비평"에 대한 경로는 Belinsky의 반대 경로라고 가정하는 것이 당연합니다. 비판적 실천에서 이론으로가 아니라 논문의 이론적 조항에서 비판적 실천으로, 이론으로 포화되어 "현실"이되었습니다. Chernyshevsky의 논문에서 Dobrolyubov의 "진짜 비판"(예: B.F. Egorov)에 대한 직접적인 선도 그려집니다. 사실 '진정한 비판'의 본질을 우회하고 '에 대한'비판으로 받아들이는 것보다 더 잘못된 것은 없습니다.
일반적으로 논문에서는 세 가지 개념, 즉 현실의 재현, 이에 대한 설명, 이에 대한 문장을 취하며, 이러한 개념은 이미 논문의 맥락에서 분리된 이러한 용어로 작동합니다. 결과적으로 우리는 마음에 소중한 동일한 계획을 얻습니다. 예술은 모든 현실을 이미지로 재현하고 예술가는 자신의 세계관이 올바른 범위 내에서 그것을 설명하고 판단합니다 (그의 계급 입장에서 그는 "마르크스주의에 대해, ” Marx와 Chernyshevsky가 계급 투쟁을 알고 고려하기 전에 수업이 열렸지만).
한편, 그의 논문에서 체르니셰프스키는 예술의 대상을 다음과 같이 정의했습니다. 많은 사람들이 흥미를 갖는 일,그리고 그 말은 인간, 1854년 아리스토텔레스의 시학 번역 검토에서, 즉 논문을 집필한 후와 논문 출판 전에 직접적으로 이를 지적했습니다. 2년 후, 푸쉬킨에 관한 책에서 Chernyshevsky는 마치 Belinsky의 생각을 요약한 것처럼 예술로서의 문학 주제에 대한 정확한 공식을 제시했습니다. 다양한 상황에서 행동하며 이러한 예는 대부분 작가 자신의 상상력에 의해 만들어졌습니다."즉, "훌륭한 문학 작품은 그것이 세상에서 항상 또는 일반적으로 어떻게 일어나는지 알려줍니다"(III, 313).
여기에서는 확실히 예술의 관심 영역에 들어가는 "현실 전체"에서 그 성격을 결정하는 구체적이고 특별한 대상이 선택됩니다. 상황에 있는 사람들;여기에는 확률적 성격("발생하는 대로")과 예술가가 주제에 침투하는 방식, 그리고 그것이 재현되는 방식이 모두 표시됩니다. 그래서 Chernyshevsky는 창작 과정과 현실주의의 특징에서 가능한 모순의 의식, 따라서 "진정한 비판"의 의식적 형성에 대한 이론적 접근 방식을 스스로 발견했습니다.
그러나 Chernyshevsky는 현실주의의 문학적 비평적 동화 경로를 즉시 알아 차리지 못했습니다. 그는 아이디어와 이미지의 통일성으로 예술성에 대한 오래된 아이디어를 고수했기 때문에 발생했습니다. 아름다움과 단순한 것을 정의하는 데 전적으로 공평하지 않은 이 공식은 다음과 같은 복잡한 현상에 대한 아이디어를 왜곡합니다. 예술은 이를 아이디어의 "구체화"를 이미지로 직접 축소합니다. , 예술적 연구와 주제(인간 캐릭터)의 재현을 우회합니다(이 경우 아이디어에 따라 이미지를 조각하기 위한 순종적인 재료로 사용됩니다) .
Chernyshevsky는 일반적으로 중요한 내용이없는 3 류 작가와 그들의 작품을 다루고 있었지만 아이디어와 이미지의 통일 이론은 그를 실망시키지 않았습니다. 그러나 그가 잘못된 이념적 경향을 지닌 현실적인 작품 인 A. N. Ostrovsky의 코미디 "빈곤은 악이 아닙니다"를 발견하자마자이 이론은 잘못되었습니다. 비평가는 연극의 전체 내용을 실질적이고 이데올로기적으로 슬라보필주의로 축소하고 "순수한 예술적 의미에서도 약하다"(II, 240)고 선언했습니다. 문제"(III, 663). "진정한 아이디어가 구현된 작품만이 그 형태가 아이디어와 완벽하게 일치한다면 예술적일 수 있습니다"(ibid.)라고 Chernyshevsky는 1854-1856년에 단호하게 선언했습니다. 예술을 올바른 아이디어의 일러스트레이션으로 변형시키는 그의 이론적 오류는 작가에게 올바른 (개념에 따라) 아이디어를 지시하려는 다른 현대 이론가 및 비평가에게도 관련이 있습니다.
그러나 곧 Chernyshevsky의 관심은 모순에 집중되었으며, 이를 권장하여 처리하기가 까다로웠습니다. 진정한 아이디어.이러한 아이디어 (젊은 Chernyshevsky가 이미 공언했던 사회주의와 공산주의)와 비교할 때 푸쉬킨시의 성격은 "애매하고 미묘한"것처럼 보이며 시인의 아이디어는 서로 논쟁을 벌입니다. "이러한 개념의 혼란스러운 성격은 더욱 뚜렷합니다"는 Gogol에 의해 드러났지만 둘 다 러시아 문학의 높은 예술성과 진실성의 토대를 마련했습니다. 그러한 모순에 직면하여 비판은 무엇을 해야 하는가?
당시 "고골 문제"를 해결하지 못한 Chernyshevsky는 또 다른 유사한 현상을 만났습니다. 세 바스 토폴에서 도착한 젊은 톨스토이의 작품은 재능 있고 독창적 인 작품으로 Nekrasov, Turgenev 및 기타 작가들을 강타했습니다. 동시에 역행적 판단, 심지어 역행적 판단까지. . Chernyshevsky는 저작권을 제쳐두어야 했습니다. 아이디어톨스토이의 작품을 분석하고 예술 주제, 즉 사람, 그의 예술에 대한 그의 예술적 침투의 본질을 탐구할 때 영적 세계. 이것이 톨스토이의 창의적인 방법에서 유명한 "영혼의 변증법"이 발견된 방법이며, 따라서 체르니셰프스키는 이렇게 말했습니다. 거의'진정한 비판'의 길을 걷기 시작했습니다.
거의 동시에(1856년 말~1857년 초) 체르니셰프스키는 이데올로기와 예술 사이의 보다 유연한 관계를 공식화했습니다. 지도문학과 번성 영향을 받은강력하고 살아있는 아이디어 - "시대를 움직이는 아이디어"(III, 302). 더 이상 엄격한 직접적인 인과 관계가 없으며, 문학 자체의 본성과 무엇보다도 주제를 통해 예술로서의 문학에 영향을 미칩니다. 그러한 방식으로 예술에 영향을 미칠 수 있는 아이디어를 통해 Chernyshevsky는 더 이상 일반적으로 "진정한 아이디어"를 제시하지 않고 아이디어를 제시합니다. 인류그리고 인간생활의 향상- 인간, 사람, 모든 인류의 해방이라는 아이디어로 이어지는 두 가지 광범위한 아이디어. 그래서 Chernyshevsky는 예술의 인본주의적 본질에 대한 Belinsky의 생각을 구체화하고 발전시킵니다. 비평 이전에는 작품의 진실성과 인간성의 관점에서 작품을 분석하는 작업이 완전히 명확하게 나타나므로 나중에 이미지 분석을 계속하고 이를 발생시킨 사회적 관계에 대한 분석으로 변환할 수 있습니다. 그들에게. 이러한 임무를 수행함으로써 비판은 "현실"이 됩니다.
고대부터 우리는 변증법이 어떤 분류, 심지어 "체계적" 분류에도 적합하지 않다는 것을 알고 있지만 6가지 조건, 5가지 기호, 4가지 특성 등을 하나씩 계산하는 데 익숙했습니다. 비판 분석 개발에서 활발한 상호 작용을 강조하기 위해 M.E. Saltykov-Shchedrin (1857)의 "지방 에세이"에 관한 기사에서 Chernyshevsky의 "진정한 비판"에 대한 세 가지 원칙을 골라 보겠습니다.
첫 번째 원칙, 즉 작품의 진실성과 진실성과 진실한 문학에 대한 사회적 요구는 '진정한 비평'의 등장 가능성을 위한 두 가지 조건입니다. 두 번째는 작가의 재능의 특징, 그의 이미지의 범위, 주제에 대한 예술적 침투 방법, 그에 대한 인본주의적인 태도에 대한 정의입니다. 세 번째는 작품, 그 안에 제시된 사실 및 현상에 대한 올바른 해석입니다. 이 모든 원칙은 비평가가 작가가 진실과 인간성에서 벗어난 것을 물론 존재한다면 고려한다는 것을 전제로합니다. 어쨌든 현실적인 작품에 대한 태도는 전체적으로 발생하는 복잡한 현상입니다. 예술의 성격상 금기되는 모든 영향을 극복한 결과이다.
이러한 원리들의 상호작용의 변증법은 계속되는 방향으로 자연스럽게 성장한다. 예술적 분석등장 인물, 유형 및 관계에 대한 문학적 비평 분석을 통해 궁극적으로 작품에서 따르고 비평가 자신이 도달하는 이데올로기 적 결과를 명확히하는 방향으로 진행됩니다. 따라서 예술 작품의 진실로부터 삶의 진실, 현실 발전에 대한 지식, 사회 운동의 실제 임무에 대한 인식이 발생합니다. "진정한 비평"은 "에 관한"비평이 아니라 처음부터 "저널리즘"(즉, 예술 작품에 그 안에없는 사회적 의미를 부과하는 것)이 아니라 이미지와 음모에 전념하는 정확하게 예술적 비평입니다. 그의 연구 결과로만 광범위한 저널리즘 결과에 도달했습니다. 이것이 "지방 에세이"에 관한 Chernyshevsky의 기사가 구성되는 방식입니다. 그 페이지의 대부분은 예술적 분석의 지속에 전념하고 있으며 저널리즘 결론은 공식화되지도 않았으며 힌트로 제공됩니다.
그렇다면 왜 "진정한 평론가"가 작가가 때때로 꿈도 꾸지 못했던 예술 작품에 대해 그러한 해석을 한다는 인상을 받습니까? 응, 평론가니까 계속작가가 제시한 유형의 사회적 본질과 가능성(Shchedrin이 말했듯이 "준비")에 대한 예술적 연구입니다. 예술가가 연구에서 인물로부터 출발하여 그들의 유형을 창조하고 상황의 유리하거나 파괴적인 영향을 확립하고 후자에 대한 사회적 분석을 제공할 의무가 없다면 비평가는 문제의 이 측면을 정확하게 다룹니다. 유형 자체에서 벗어나지 않고. (관계에 대한 정치적, 법적, 도덕적, 도덕적 또는 정치 경제적 분석은 더 나아가 이미 개인의 운명, 성격 및 유형에 무관심합니다.) 이러한 예술적 분석의 지속은 문학 비평의 진정한 소명입니다.
"지방 에세이"는 Chernyshevsky에게 자신의 분석과 결론에 대해 감사하는 자료를 제공했으며 "과거"의 장례식이있는 본사에 대해 우연히 저자에게 단 한 번의 비난만을 던진 다음 심지어 저자가 그 자신 은 그의 환상 을 갚을 것입 니다 .
Chernyshevsky가 작성한 이 기사의 구조는 너무 잘 알려져 있어 여기서 언급할 수 없습니다. 예를 들어 B. I. Vursov는 "비평가로서 Chernyshevsky의 숙달"이라는 책과 "Rendezvous의 러시아인"기사의 구조에서 고려합니다.
그러나 Chernyshevsky 자신이 교활함 없이 독자에게 설명했다는 점은 흥미롭습니다. 이 기사 중 첫 번째에서 그는 모든 관심을 "오직 유형의 순전히 심리적 측면에만"초점을 두었습니다. "사회적 질문"이나 "예술적"(IV, 301)에 관심이 있습니다. 그는 자신의 두 번째 기사와 다른 기사에 대해서도 똑같이 말했을 수도 있습니다. 물론 이것으로부터 그의 비판이 순전히 심리적이라는 결론은 나오지 않습니다. 예술 주제에 대한 그의 생각에 충실하면서 그는 둘 사이의 관계를 드러냅니다. 캐릭터,작품과 그들을 둘러싼 상황에 제시되어 그들을 형성한 사회적 관계를 강조합니다. 따라서 그는 캐릭터와 유형을 더 높은 수준의 일반화로 끌어 올리고 사람들의 삶에서 그들의 역할을 고려하며 독자의 생각을 전체 사회 질서를 재구성해야 할 필요성이라는 가장 높은 아이디어로 가져옵니다. 분석한 비판입니다 기초예술적 직물;베이스가 없으면 천이 퍼지고 아름다운 패턴과 작가의 높은 아이디어가 흐려질 것입니다.
'잉여인간' 유형의 전개 과정을 드러내고, 묘사하고, 추적한 것은 '진정한 비평'(그리고 일반적인 비평)이 아니었고, 이는 문학 그 자체에 의해 이루어졌다. 그러나 이러한 유형의 사회적 역할은 모국의 운명에서 선진 세대의 역할과 그것을 변화시키는 방법에 대한 논쟁으로 성장한 논쟁에서 "진정한 비판"에 의해 정확하게 확립되었습니다.
예술과 삶을 연결하는 "진정한 비평"의 이러한 성격을 알아차리고 싶지 않고 "때때로" 순전히 저널리즘 비평으로 보는 관점을 옹호하는 우리 연구원은 그렇게 함으로써 문학과 예술을 그들의 마음과 정신에서 분리시킨다는 사실을 인식하지 못합니다. 인간과 인간 관계는 그들을 무혈의 형식주의적 존재로, 또는 (동일한 막대기의 다른 쪽 끝일 뿐인) 어떤 아이디어, 즉 설명성에 대한 "순수한 예술적" 형식의 무관심한 종속으로 밀어 넣습니다.
놀랍게도 Dobrolyubov는 Chernyshevsky와 같은 실수로 시작했습니다. "러시아 문학 발전에 대한 국민의 참여 정도"(1858 년 초, 즉 "지방 에세이"에 대한 Chernyshevsky의 기사 이후 6 개월에 작성) 기사에서 그는 푸쉬킨에서 혁명적 민주주의를 찾았습니다. Gogol과 Lermontov는 당연히 그것을 찾지 못했습니다. 그러므로 그는 그들의 작품의 진실성과 인간성은 오직 형태국적은 있지만 아직 국적의 내용을 숙달하지 못했습니다. 물론 이것은 잘못된 결론입니다. 푸쉬킨, 고골, 레르몬토프는 혁명적 민주주의자는 아니지만 그들의 작품은 형식과 내용 모두에서 인기가 있으며 그들의 인본주의는 한 세기 반 후에 우리 시대를 물려받을 것입니다.
Chernyshevsky와 Dobrolyubov는 이 계획의 실수를 곧 깨닫고 수정했지만 우리는 그들의 긍정적이고 잘못된 판단으로 인용되었습니다. 개발우리 민주당과 그들의 견해 자기비판단순히 무시되는 경우가 많습니다.
"Provincial Essays"에 관한 기사에서 Chernyshevsky는 상황에 유리하게 캐릭터와 상황 간의 상호 작용을 고려하는 경향이 있었습니다. 예를 들어 악의적인 파산을 추론하려면 마이어와 같은 사람이 필요합니다. "에이스"에 관한 기사에서 그는 한 걸음 더 나아갔습니다. 그는 상황이 캐릭터와 삶 자체의 형성에 미치는 영향을 추적했습니다. 전형적인다양한 개인에게 공통적으로 나타나는 특성. 이전에 Pechorin을 Onegin의 자손으로 간주했던 Dudyshkin과의 논쟁에서 Chernyshevsky는 등장한 시간이 다르기 때문에 이러한 캐릭터 간의 차이점을 강조했습니다. 이제 Nikolaev의 시대를 초월한 전환이 명확하게 표시되었을 때 Asya와 Faust의 영웅인 Rudin의 이미지는 Turgenev, Nekrasov의 Agarin, Herzen의 Beltov의 작품에서 유형소위 (Turgenev의 이야기에 따르면) "추가 사람".
거의 30년 동안 러시아 사실주의 문학에서 중심 위치를 차지했던 이 유형은 "진정한 비평"과 도브롤류보프를 형성하는 데 기여했습니다. 그에 대한 첫 번째 생각은 "재능있는 본성"에 대한 분석에서 "지방 에세이"에 대한 기사에 다시 표현됩니다. Dobrolyubov는 사소한 비난에 맞서는 크고 원칙적인 기사 "작년의 문학 사소한 일"(1859 년 초)에서 진보적 인 사람들의 전체 "구세대"에 대한 저널리즘 분석을 제공했습니다. 비평가는 Belinsky, Herzen 및 그들과 가까운 시대를 초월한 인물들과 분리되었지만 기사는 Herzen으로부터 날카로운 반대를 불러 일으켰고 Herzen은 다가오는 개혁에서 선진 귀족에게 희망을 두었습니다. '여분의 남자'는 큰 사회적 반향을 불러일으키며 논란의 대상이 됐다. Dobrolyubov는 Goncharov의 새로 출판된 소설 Oblomov를 사용하여 이러한 유형에 대한 분석을 확장 및 완성하고 이 현상의 본질적인 문학적, 시민적 측면에 대해 논평했습니다. 분석 과정에서 당시에는 아직 이름을 얻지 못한 '진정한 비판'의 원칙도 형성되었습니다.
Dobrolyubov는 메모하고 특성을 지정합니다. 특징 Goncharov의 재능 (예술가의 재능의 이러한 측면으로 전환하는 것은 자신에 대한 "진정한 비판"의 필수 요구 사항이 됨)과 진실한 작가에게 공통된 특성은 "무작위의 이미지를 유형으로 끌어 올려 일반적이고 영구적인 의미"(IV, 311), 저자의 이야기는 "그들의 생각을 명확하고 정확하게 의인화한 것으로 밝혀졌습니다"(IV, 309). Dobrolyubov는 모든 "불필요한 사람들"에서 Oblomov 유형의 일반적인 특징을 찾아 이 "Oblomov" 관점에서 분석합니다. 그리고 여기서 그는 이러한 유형뿐만 아니라 일반적으로 예술로서의 문학 발전 법칙과 관련하여 가장 근본적인 일반화를 만듭니다.
"불필요한 사람"의 유형 인 "원주민, 민속"유형은 "시간이 지남에 따라 사회의 의식적 발전에 따라 ... 형태가 바뀌고 삶에 대한 다른 태도를 취하며 새로운 의미를 얻었습니다." ; 그리고 이제 "그 존재의 이러한 새로운 단계를 알아차리고, 그 새로운 의미의 본질을 결정하는 것 - 이것은 항상 엄청난 작업이었으며, 이를 수행할 수 있었던 재능은 항상 우리 역사에서 중요한 발걸음을 내디뎠습니다. 문학"(IV, 314).
이것은 과대평가될 수 없다 법우리의 풍부한 경험은 사람들의 삶과 역사에서 인물의 상당한 긍정적 (때로는 쓴) 역할을 분명히 보여 주지만 현대 문학 비평에서는 어떻게 든 배경으로 물러난 문학 발전입니다. 유형의 변화를 포착하고 삶과의 새로운 관계를 제시하는 문학의 임무는 문학 비평의 핵심 임무이며, 이러한 변화의 사회적 중요성을 완전히 밝혀야 합니다. Dobrolyubov는 "인간의 성격"과 "사회 생활의 현상"에 대한 분석을 현실주의와 공유하고 상호 영향과 서로 간의 전환을 공유하고 일부 "잎과 흐름"(IV , 313), "순수 예술" 지지자들에게 친애하는 작품입니다.
Dobrolyubov는 일부 "심오한 사람들"이 그것이 불법이라고 생각할 것이라고 예측했습니다. 평행한 Oblomov와 "불필요한 사람들" 사이(추가할 수 있음: 그녀가 나타나는 대로) 비역사적인일부 연구자와 현재). 하지만 도브롤류보프 비교하지 않는다모든 측면에서 평행선을 그리지는 않지만 드러납니다. 변화그런 형태로 새로운 관계삶에, 그의 새로운 가치대중의 의식에서-한마디로, 처음에는 "싹에" 있었던 "새로운 의미의 본질"은 "속삭임으로 말한 모호한 반 단어로만"표현되었습니다 (IV, 331). 이것이 구성되어 있습니다. 사실성, 1859년에 "불필요한 사람"에 서명한 것은 1838년 유명한 "Duma"( "나는 우리 세대를 슬프게 봅니다 ...")에서 Lermontov가 표현한 것보다 더 가혹한 문장이 아닙니다. 또한, 말했듯이 Dobrolyubov는 Belinsky, Herzen, Stankevich 등 시대를 초월한 인물을 "불필요한 사람들"에 포함시키지 않았으며 작가 자신의 순위를 매기지 않았습니다. 서로. 그 역사적인그리고 이와 관련하여.
Dobrolyubov는 Belinsky가 이미 발견 한 "진정한 비판"라인에 충실하여 예술가의 정당하지 않은 주관적인 아이디어와 예측을 진실한 이미지와 분리합니다. 그는 서둘러 Oblomovka에게 작별 인사를하고 "러시아 이름으로"많은 Stoltsev가 올 것이라고 발표 한 "Oblomov"저자의 환상에 주목합니다. 그러나 현실주의자의 객관적 창의성과 주관적 견해 사이의 관계 문제는 아직 완전히 해결되지 않았으며 그 해결은 아직 '진정한 비평'의 유기적 구성의 일부가되지 않았습니다.
Belinsky는 여기서 진실한 예술에 대한 가장 큰 복잡성과 가장 큰 위험을 감지했습니다. 그는 문학에 대한 동아리와 정당의 좁은 견해가 미치는 영향에 대해 경고했으며, 현재의 임무를 광범위하게 수행하는 것을 선호했습니다. 그는 다음과 같이 요구했습니다. "... 방향 자체는 머리에만 있어야 할 것이 아니라 무엇보다도 작가의 마음, 피 속에 있어야 하며, 무엇보다도 감정, 본능이어야 하고, 그리고 아마도 의식적인 생각"(VIII, 368).
그러나 어떤 경향이나 아이디어가 작품의 진실되고 시적인 이미지로 만들어질 만큼 예술가에게 그렇게 가까울 수 있을까요? "망원경"시대의 기사에서도 Belinsky는 시인에게 오는 진정한 영감을 가짜, 고문 영감과 구별했으며 물론 그에게는 진정으로 시적이고 중요한 아이디어가 시인과 시는 진정한 영감을 불러일으킬 수 있습니다. 그러나 진정한 생각은 무엇입니까? 그리고 그것은 어디에서 왔습니까? - 이것은 Dobrolyubov가 Ostrovsky에 관한 기사에서 다시 자신에게 던진 질문이지만, 일반적으로 말했듯이 Belinsky와 Chernyshevsky에 의해 해결되었습니다.
"진정한 비평"에 있어서 근본적으로 중요한 것은 작품 분석에 대한 접근 방식 자체이며, 그것 없이는 제기된 질문을 해결하는 것이 불가능합니다. 이 접근 방식은 당시의 다른 모든 유형의 비판에 반대됩니다. Dobrolyubov는 Ostrovsky에 대해 글을 쓴 모든 사람이 그를 "특정 종류의 신념의 대표자로 만들고 싶었고" 이러한 신념에 충실하지 않은 것에 대해 그를 처벌하거나 신념을 강화한 이유로 그를 승격시켰습니다(V, 16). 이 비평 방법은 예술의 원시적 성격에 대한 믿음에서 비롯됩니다. 단순히 아이디어를 이미지로 "구현"하므로 작가에게 아이디어를 바꾸라는 조언을 받자마자 그의 작품은 원하는 길을 따라 갈 것입니다. . 여러 분야의 조언이 Ostrovsky에게 다양한 방식으로 제공되었으며 종종 모순되었습니다. 때때로 그는 길을 잃었고 이 부분이나 저 부분 때문에 "몇 가지 잘못된 코드"를 취했습니다(V, 17). 반면에 진정한 비평은 작가를 '안내'하는 것을 완전히 거부하고 작가가 제시한 대로 작품을 받아들입니다. "... 우리는 작가를 위한 프로그램을 설정하지 않으며, 그에 따라 작품을 구상하고 수행해야 하는 예비 규칙을 작성하지도 않습니다. 우리는 이러한 비판 방법이 작가에게 매우 공격적이라고 생각합니다. ." (V, 18-19). "마찬가지로 진정한 비평은 저자에게 다른 사람의 생각을 강요하는 것을 허용하지 않습니다"(V, 20). 예술에 대한 그녀의 접근 방식은 근본적으로 다릅니다. 그것은 무엇으로 구성되어 있습니까?
우선, 비평가가 확립한 것은 시야예술가- "그의 재능을 특징 짓는 열쇠"역할을하고 "그가 만든 살아있는 이미지"(V, 22)에있는 "세계에 대한 그의 견해". 세계관은 "특정 논리적 공식"으로 가져올 수 없습니다. "이러한 추상화는 일반적으로 예술가의 마음 속에 존재하지 않습니다. 종종 추상적 추론에서도 그는 눈에 띄게 반대되는 개념을 표현합니다"(V, 22). 그렇다면 세계관은 예술가에게 부과된 아이디어와 그 자신이 고수하는 아이디어와는 다릅니다. 그것은 투쟁하는 정당과 경향의 이익을 표현하는 것이 아니라 예술에 내재된 특별한 의미를 담고 있습니다. 그것은 무엇입니까? 도브롤류보프 펠트 사회의이 의미의 본질, 지배 계급과 계급의 이익에 대한 반대이지만 그는 아직이 성격을 결정할 수 없었고 논리로 전환했습니다. 사회의인류학.
우리 민주주의자들의 인류학적 주장은 일반적으로 비과학적이고 잘못된 명제로 간주되며 V. I. Lenin만이 이를 다르게 평가했습니다. 주목 좁음포이어바흐와 체르니셰프스키는 "인류학 원리"라는 용어를 요약하면서 다음과 같이 썼습니다. "인류학 원리와 자연주의는 모두 부정확하고 약한 설명일 뿐입니다. 물질주의_ a "(Lenin V.I. Poln. sobr. soch., vol. 29, p. 64.). 여기에는 부정확하다, 약하다과학적으로 그리고 서술적인찾다 유물론자예술가 세계관의 사회적 성격을 결정하려는 Dobrolyubov의 시도를 나타냅니다.
"작가-예술가의 가장 큰 장점은 진실그의 이미지." 하지만 "무조건 거짓작가는 결코 발명하지 않습니다."-예술가가 현실의 "무작위적이고 잘못된 특징", "그 본질, 특징적인 특징을 구성하지 않고", "이를 기반으로 이론적 개념을 구성한다면"을 취하면 거짓으로 판명됩니다. 완전히 거짓된 생각에 이르게 된다"(V, 23) 이것은 무엇입니까? 무작위의특징? 예를 들어, 이것은 "풍만한 장면과 타락한 모험을 노래하는 것"이고, "피의 강을 흘리고 도시를 불태우고 그들의 가신을 약탈한 호전적인 봉건 영주의 용맹"에 대한 찬양입니다(V, 23-24). 그리고 여기서 요점은 사실 자체가 아니라 저자의 입장에 있습니다. 칭찬그러한 착취는 그들의 영혼에 "인간의 진실에 대한 감각이 없었다"(V, 24)는 증거입니다.
이것 인간의 진실에 대한 감각,인간에 대한 억압과 인간 본성의 왜곡에 반대하는 것은 예술적 세계관의 사회적 기초입니다. 예술가는 인간성의 재능을 남들보다 더 많이 부여받은 사람일 뿐만 아니라, 자연이 그에게 부여한 인간성의 재능이 삶의 성격을 재창조하고 평가하는 창작 과정에 참여하는 사람이다. 예술의 본질이 인본주의적인 것처럼, 예술가는 인간 안의 인간성을 본능적으로 옹호하는 사람이자 천성적으로 인문주의자입니다. 그 이유-Dobrolyubov는 공개할 수 없지만 약한 설명그는 실제 사실을 알려줍니다.
더욱이 Dobrolyubov는 "사람들을 추론"하여 개발 한 "올바른 일반 개념"으로 "인간 진실에 대한 직접적인 감각"이라는 사회적 친밀감을 확립합니다 (이러한 개념 하에서 그는 사회주의 사상까지 사람들의 이익을 보호하려는 아이디어를 숨 깁니다. , 그는 우리나 서구에는 아직 "문학계의 인민당"이 없다고 지적합니다. 그러나 그는 이러한 "일반 개념"을 소유한 예술가가 "그의 예술적 본성에 대한 제안에 더 자유롭게 탐닉할 수 있다"(V, 24)는 사실에 의해서만 창작 과정에서 이러한 "일반 개념"의 역할을 제한합니다. 비록 그것이 가장 발전되고 정확하더라도 아이디어를 설명하는 원칙으로 돌아가지 마십시오. "... 작가의 일반적인 개념이 정확하고 그의 본성과 완전히 조화를 이룰 때 ... 현실은 작품에 더 밝고 생생하게 반영되고 추론하는 사람이 더 쉽게 올바른 결론을 내릴 수 있고 , 그러므로 삶에 더 중요합니다."(여기서 g) - 이것은 창의성에 대한 진보된 아이디어의 영향에 대한 Dobrolyubov의 극단적인 결론입니다. 이제 우리는 이렇게 말할 것입니다: 올바른 생각- 유익한 연구의 도구이자 예술가의 행동에 대한 지침이며 마스터 키나 "구현"의 모델이 아닙니다. 이러한 의미에서 Dobrolyubov는 "가장 높은 추측을 살아있는 이미지로 자유롭게 변환"하는 것을 고려하고, 이와 관련하여 아직 누구에게도 달성되지 않은 이상인 "과학과 시의 완전한 융합"을 고려하여 먼 곳을 참조합니다. 미래. 한편, 작품의 인간적 의미를 밝히고 사회적 의미를 해석하는 작업은 '현실비평'을 통해 이루어지고 있다.
예를 들어 Dobrolyubov가 A. N. Ostrovsky의 드라마에 대한 접근 방식에서 이러한 "진정한 비판"원칙을 구현하는 방법은 다음과 같습니다.
"Ostrovsky는 사람의 영혼의 깊이를 들여다 보는 방법을 알고 있으며 구별하는 방법을 알고 있습니다. 종류외부적으로 받아들여지는 모든 기형과 성장으로부터; 그렇기 때문에 사람을 짓밟는 전체 상황의 심각성 인 외부 억압이 그의 작품에서 많은 이야기보다 훨씬 더 강하게 느껴지고 내용이 끔찍할 정도로 터무니 없지만 문제의 외부적이고 공식적인 측면은 내부를 완전히 모호하게 만듭니다. 인간 측면 "(V, 29). 이 갈등에 대해 , 그것을 폭로하면서 "진정한 비평"은 예술의 주제이기 때문에 폭군과 무성한, 부자와 가난한 자의 갈등에 대한 전체 분석을 구축하지 않습니다. 특히 Ostrovsky의 예술)은 이러한 갈등과 인간 영혼에 대한 영향, "도덕적 왜곡"이 아닙니다. 이는 "외부 억압의 무게로 인해 사람의 내면 힘이 단순히 떨어지는 것"보다 묘사하기가 훨씬 더 어렵습니다. V, 65).
그런데 이걸 지나서 인본주의적인극작가 자신의 분석과 "진정한 비판"이 Ap를 통과했습니다. 국적의 관점에서 Ostrovsky와 그의 유형의 작업을 고려한 Grigoriev는 광범위한 러시아 영혼이 국가 운명의 중재자 역할을 맡았을 때 국적의 의미로 해석했습니다.
Dobrolyubov에게 인간에 대한 예술가의 인본주의적인 접근 방식은 매우 근본적입니다. 그는 사람들의 영혼에 그러한 침투의 결과로만 예술가의 세계관이 발생한다고 믿습니다. Ostrovsky는 "심령적 관찰의 결과로 ... 가장 명백하게 우울한 삶의 현상에 대한 극도로 인간적인 견해와 인간 본성의 도덕적 존엄성에 대한 깊은 존경심을 가지고 있음이 밝혀졌습니다"(V, 56). 이 견해를 명확히하고 폭군과 멍청한 사람 모두에서 사람을 왜곡시키는 삶 전체를 변화시켜야 할 필요성에 대한 자체 결론을 도출하는 것은 "진정한 비판"에 남아 있습니다.
"뇌우"분석에서 Dobrolyubov는 인물과 상황의 관계에서 발생한 변화, 갈등의 본질 변화를 지적합니다. 극적인그는 된다 비참한결정적인 사건을 예고하다 민속 생활. 비평가는 사회유형의 본질이 변화하면서 발견한 문학운동의 법칙을 잊지 않는다.
국가의 혁명적 상황이 악화됨에 따라 Dobrolyubov는 일반적으로 사람들에 대한 문학의 의식적인 서비스, 사람과 새로운 인물, 그의 중보자를 묘사하는 문제에 직면했으며 실제로 작가의 의식에 초점을 맞췄습니다. 문학을 부르다 선전.그러나 그는 이 모든 일을 사실주의 예술의 본질을 거스르지 않고, 따라서 "진정한 비평"을 거스르지도 않습니다. 새로운 주제를 익히려면 문학은 예술성의 정점에 도달해야 하며, 이는 문학의 새로운 주제, 즉 인간적 내용에 대한 예술적 숙달 없이는 불가능합니다. 평론가는 시, 소설, 드라마보다 이러한 과제를 먼저 제시합니다.
그는 "이제 우리에게는 푸쉬킨의 아름다움과 레르몬토프의 힘을 가지고 콜초프 시의 실제적이고 건강한 측면을 지속하고 확장할 수 있는 시인이 필요합니다"(VI, 168)라고 썼습니다. 이전에 "심리적 적대감을 드러내는 임무"를 가졌던 소설과 드라마가 이제 "사회적 관계의 묘사"(VI, 177)로 바뀌면 당연히 사람의 묘사와 별개가 아닙니다. 그리고 특히 여기에서 사람들을 묘사할 때, "... 지식과 진정한 모습에 더해, 이야기꾼의 재능에 더해, 당신은 ... 아는 것뿐만 아니라 스스로 깊고 강하게 느낄 필요가 있습니다. 이 삶을 경험하려면 이 사람들과 활발하게 연결되어야 하며, 그들을 자신의 눈으로 바라보고, 머리로 생각하고, 의지로 그들을 원할 시간이 필요합니다. 매우 넓은 범위 - 모든 상황, 모든 감정을 시도하고 동시에 그것이 다른 기질과 성격의 성격으로 어떻게 나타날지 상상할 수 있습니다. 이는 진정한 예술적 본성의 재산이며 그렇지 않은 선물입니다. 더 이상 어떤 지식으로도 대체될 수 없습니다"(VI, 55). 여기에서 작가는 "교육받은 계층의 삶과 관련하여 일부 작가들에게서 매우 강한 사람들의 삶의 내적 발전을위한"(VI, 63) 본능을 스스로 키워야합니다.
삶 자체의 움직임에서 발생하는 유사한 예술적 작업은 Turgenev가 그린 "불가리아인"과 유사할 수 없는 "신인", "러시아 인사로프"를 묘사할 때 Dobrolyubov에 의해 제기됩니다. , 다양한 은폐와 모호함으로 숨기고 표현할 것입니다"(VI, 125). Turgenev는 Bazarov의 이미지를 만들 때 이러한 무심코 던진 단어를 부분적으로 고려하여 그의 어조의 가혹함과 무례함과 함께 "다양한 표지와 모호함"을 부여했습니다.
Dobrolyubov는 다가오는 혁명가 운동의 "영웅적인 서사시"와 전국적인 봉기 인 "인민 생활의 서사시"를 암시하고이를 묘사하고 참여할 문학 작품을 준비했습니다. 그러나 여기서도 그는 현실주의와 '진정한 비판'에서 벗어나지 않았다. 1860년 말 개혁 직전에 그는 "예술 작품은 잘 알려진 아이디어의 표현이 될 수 있는데, 이는 작가가 작품을 만들 때 이 아이디어를 스스로 설정했기 때문이 아니라, 저자는 그러한 현실의 사실에 충격을 받았고, 그 생각은 저절로 따라옵니다.”(VI, 312) Dobrolyubov는 "... 시인이 자신의 자료와 영감을 끌어내는 현실은 그 자체의 자연스러운 의미를 가지며, 이를 위반하면 대상의 생명 자체가 파괴된다"(VI, 313)는 확신을 유지했습니다. 현실의 "자연스러운 의미"는 서사시로 갔지만 Dobrolyubov는 아직 오지 않은 것을 묘사하고 현실주의를 원하는 미래의 그림으로 대체하는 것에 대해 언급하지 않았습니다.
그리고 Dobrolyubov의 "진정한 비판"에 대해 언급해야 할 마지막 것은 "아이디어와 이미지의 통일성", "아이디어를 이미지로 구현"이라는 오래된 미학 이론에 대한 그의 태도입니다. 이미지로 생각하기" 등: ".. ... 우리는 이론의 두세 가지 점을 수정하고 싶지 않습니다. 아니요, 그러한 수정으로 인해 상황은 더욱 악화되고 혼란스럽고 모순될 것입니다. 우리는 단순히 그것을 원하지 않습니다. 우리는 작가와 작품의 가치를 판단하는 다른 근거를 가지고 있습니다..."(VI, 307). 이러한 "다른 기초"는 사실주의 문학의 "살아있는 운동", "새롭고 살아있는 아름다움", "새로운 진실, 새로운 삶의 결과"에서 자라는 "진정한 비평"의 원칙입니다. (VI, 302).
"그나저나 '진정한 비평'의 특징과 원리는 무엇입니까? 그리고 그 중 몇 개나 가지고 있습니까?" - 포인트의 결과에 익숙해진 세심한 독자가 질문할 것입니다.
비슷한 열거로 기사를 끝내고 싶은 유혹이 있었습니다. 그러나 현실주의 발전에 대한 문학 비평의 발전을 몇 가지 요점으로 다룰 수 있습니까?
얼마 전 교사를 위한 Dobrolyubov에 관한 책의 한 저자는 "진정한 비판"의 8가지 원칙을 기존 이론의 원칙과 분리하는 데 별 신경을 쓰지 않았습니다. 이 숫자는 정확히 8에서 나온 것입니까? 결국, 12 또는 20까지 셀 수 있지만 여전히 그 본질, 핵심 신경, 즉 진실의 모순과 그것으로부터의 일탈, 인간성과 비인간적 인 생각, 아름다움과 추함의 모순에 대한 현실적인 예술 분석-한마디로 놓칠 수 있습니다. 호출의 복잡성 사실주의의 승리그를 공격하고 해를 끼치는 모든 것에 대해.
한때 G. V. Plekhanov는 Belinsky에서 다섯 가지 (유일한!) 미학적 법칙을 세고 고려했습니다. 변하지 않는 코드(그의 기사 "V. G. Belinsky의 문학적 견해"참조). 그러나 실제로 벨린스키가 헤겔 이전의 독일 "철학적 미학"에 의해 공식화되기 오래 전에 이러한 추측적인 "법칙"(예술은 "이미지로 생각하는 것"등)이라는 것이 밝혀졌으며 우리 비평가는이를 복잡하다고 공언하지 않았습니다. 예술에 대한 그의 살아있는 아이디어, 그 특별한 성격을 실현합니다. Belinsky의 미학에 관한 최근 책의 저자 P. V. Sobolev는 Plekhanov의 예에 매료되어 둔한 Belinsky를 위해 부분적으로 다른 5가지 법칙을 공식화하여 독창적인 독자를 딜레마에 빠뜨렸습니다. 누구를 신뢰해야 할까요? Plekhanov 또는 그, Sobolev?
'진정한 비평'의 진짜 문제는 일단 본질이 분명해지면 그 원리나 법칙의 수에 있는 것이 아니라, 기대와는 달리 현실주의의 최고 성취 시대에 실제로 무산된 역사적 운명에 있다. , 다른 문학적 비평 형식으로 넘어가는 것은 이미 그러한 높이에 이르지 못했습니다. 이 역설적인 운명은 이 글이 시작되는 "진정한 비판"의 정의에 의문을 제기합니다. 사실, 사실주의가 가장 크게 꽃피는 동안 그것이 쇠퇴했다면 이것은 어떤 종류의 "현실주의에 대한 대응"인가? '진정한 비평' 자체에는 어떤 결함이 있지 않았나? 가득한그의 본성에 완전히 침투한 현실주의에 대한 반응인가? 그리고 그녀도 그런 대답을 했나요?
마지막 질문에서는 회의론자의 목소리가 들립니다. 이 경우에는 정당하지 않습니다. 현실주의의 객관적 성격, 기본 속성 및 모순에 대한 "실제 비판"에 의한 사실적 발견은 명백합니다. 또 다른 문제는 잘 알려진 '진정한 비평'의 불완전성이 실제로 내재되어 있다는 점이다. 그러나 이것은 깊은 곳에 숨겨진 유기적 결함이 아니며 벌레처럼 훼손합니다. 실패"진정한 비판"을 야기하는 "유물론에 대한 약한 묘사" 설명했다예술적 사실주의의 복잡한 성격. '현실주의에 대한 대응'이 되기 위해서는 가득한유물론의 원리는 현실의 모든 영역을 포괄하는 것이었습니다. 설명사회 구조를 가장 깊은 기초까지 연구하기 위한 도구, 도구가 되어 분석할 수는 없지만 혁명적이지만 민주적이고 과학 이전 사회주의 사상인 러시아 현실의 새로운 현상을 설명하는 것입니다. 이 상황은 이미 Dobrolyubov의 최신 기사에 영향을 미쳤습니다.
예를 들어, Marko Vovchka의 이야기 분석의 실제 약점은 Dostoevsky가 잘못 생각한 것처럼 Dobrolyubov의 "공리주의"에 있는 것이 아니고 예술성을 무시하는 데 있는 것이 아닙니다(그의 기사 "Mr. Bov and the Question of Art" 참조). , 그러나 실종에 대한 환상 비판에는 이기주의농노제가 몰락한 후 농민과 함께, 즉 농민을 타고난 사회주의자이자 공동체 구성원으로 생각하는 것입니다.
아니면 또 다른 예입니다. 완전히 해결되지 않은 '진정한 비판'의 문제는 라즈노친치 혁명가들을 모집한 '중간층'과 '소부르주아적 행복'과 '정직함'을 찾아온 포먀로프스키의 영웅들의 모순적 성격이기도 했다. 치치코프주의', 그리고 도스토옙스키의 뒤틀린 영웅들. Dobrolyubov는 Dostoevsky의 영웅이 너무 굴욕을 당하여 "그가 스스로 사람, 실제적이고 완전하며 독립적인 사람이 될 수 없거나 마침내 권리조차 없다는 것을 인정"하는 것을 보았습니다(VII, 242). 동시에 그는 "모든-여전히 확고하고 깊습니다. 비록 비밀리에 자신을 위해서라도 그 자체에는 어떤 고통으로도 지울 수없는 살아있는 영혼과 생명과 행복에 대한 인간의 권리에 대한 영원한 의식을 유지합니다"(VII, 275) . 그러나 Dobrolyubov는 이러한 모순이 어떻게 양쪽 측면을 왜곡하는지, 하나가 다른쪽으로 비틀어지는 방법, Dostoevsky의 영웅을 자신과 인류에 대한 범죄, 그리고 초자기 굴욕 등으로 던지는 방법을 보지 못했습니다. -비평가는 그러한 놀라운 변태의 사회적 원인을 조사하지 않았습니다. 그러나 이러한 모순에 대한 예술적 연구를 시작한 "성숙한"Dostoevsky는 Dobrolyubov에게 알려지지 않았습니다.
그래서 현실주의에 대한 대응으로 생겨나 발전한 '진정한 비평'이 성취한 성과는 이런 것도 아니고, 그럴 수도 없었다. 완벽한답변. 그러나 표시된 부족함(전체적으로 현대 현실주의에 적합함)뿐만 아니라 이후 현실주의의 급속한 발전과 그 모순으로 인해 이러한 부족함을 드러내고 문학 비평 이전에 현실의 새로운 문제를 제기했습니다.
세기 후반에 시대의 주요 질문 인 농민은 러시아의 자본주의에 관한 더 강력한 질문으로 인해 복잡해졌습니다. 따라서 사실주의 자체의 성장은 본질적으로 구질서와 신질서, 성장과 그 모순과 관련하여 매우 중요합니다. 따라서 문학비평에 대한 요구는 점점 더 복잡해지고 한계에 도달한 사회 상황을 이해하고, 사실주의의 모순을 완전히 이해하고, 이러한 모순의 객관적인 토대를 꿰뚫고, 새로운 예술의 강점과 약점을 설명하는 것입니다. 현상. 이를 위해서는 버리는 것이 아니라 "진정한 비평"의 유익한 원칙, 예술적 과정의 객관적인 측면에 대한 연구 및 창의성의 인문학적 내용의 기원을 "레시피"와 달리 개발하는 것이 필요했습니다. 구원'을 작가가 제안한 것이다. "현실주의"이론이 "진짜 비판"과 모호하게 연관되어 있는 D. I. Pisarev의 예리한 마음도, 더욱이 "주관적 사회학"을 사용한 포퓰리즘 비판도 이 임무를 수행할 수 없습니다. 그러한 작업은 마르크스주의 사상에서만 가능했습니다.
러시아 마르크스주의 문학 비평의 첫 번째 영광스러운 페이지를 연 G. V. Plekhanov는이 작업에 제대로 대처하지 못했다고 솔직하게 말해야합니다. 그의 관심은 이데올로기적 현상의 경제적 기반으로 바뀌었고 그 "사회적 등가물"의 정의에 초점을 맞추었습니다. 그는 예술 이론과 현실적 작품의 객관적 의미 연구에서 '진정한 비평'의 정복을 배경으로 격하시켰다. 그리고 그는 무심코 이 일을 한 것이 아니라 매우 의식적으로 이 일을 했습니다. 그는 이러한 정복을 고의로 잘못된 깨달음과 인류학의 대가로 여겼습니다. 소련 문학 비평많은 사람들이 올바른 장소로 돌아가야 했습니다. 따라서 이론적 측면에서 플레하노프는 예술에 대한 헤겔 이전의 "철학적 미학"의 오래된 공식으로 돌아갔습니다. 사람들의 감정과 생각을 살아있는 이미지로 표현하고,예술의 주제와 이데올로기적 내용의 특수성을 무시하고 마르크스주의자로서의 그의 임무는 이 "심리사상학"의 경제적 기반을 확립하는 데에만 있다고 생각했습니다. 그러나 Plekhanov 자신의 특정 작업에서는 종종 잘못된 결과로 이어지는 일방적 사회 학적 편견이 그다지 눈에 띄지 않습니다.
볼셰비키 비평가 V. V. Vorovsky, A. V. Lunacharsky, A. K. Voronsky는 민주당의 유산과 그들의 "진정한 비판"에 훨씬 더 많은 관심을 기울였습니다. 반면에 '사회학'의 아류들은 현실적인 창의성의 역사를 왜곡하고 그 인지적 중요성을 거부하는 경직된 사회 결정론에 '사회적 등가'의 원칙을 가져오는 동시에 '진정한 비판'을 가져왔다. 예를 들어, V. F. Pereverzev는 그녀의 "순진한 현실주의"에는 "문학 비평의 일종"이 아니라 "시 작품이 다룬 주제에 대한 인종적 출판"만 있다고 믿었습니다 (참조 : "문학 연구"컬렉션. M., 1928년, 14페이지). "사회학자"의 적대자(형식주의자) 역시 "진정한 비판"을 받아들이지 않았습니다. Belinsky, Chernyshevsky 및 Dobrolyubov 자신이 "사회 학자"나 형식 주의자 옆에 있다는 사실을 기뻐하지 않았을 것이라고 생각해야합니다.
"진정한 비판"에 대한 실제 마르크스주의 기반은 주로 톨스토이에 대한 그의 기사를 통해 V. I. Lenin에 의해 제공되었습니다. '진정한 비판'이 중요했다 반성 이론사회 현상, 문학, 예술에도 실제로 적용됩니다. 현실주의의 "비명을 지르는 모순"에 대해 설득력있는 설명을 한 사람은 바로 그녀였으며 그 전에 Dobrolyubov의 생각은 멈출 준비가되었습니다. 그러나 우리 문학적 사고에서 레닌의 반성 이론에 의한 "진정한 비판"의 발전과 "제거"(변증 법적 의미에서)는 길고 복잡하며 어려운 과정이며 아직 완료되지 않은 것 같습니다.
현재의 문학 평론가들이 의식적이든 아니든 "진정한 비평"의 전통에 의지하여 가능한 한 그들을 풍요롭게 하거나 가난하게 만드는 것은 또 다른 문제입니다. 하지만 어쩌면 그들은 스스로 알아내고 싶어할까요?
그리고 그것은 사실입니다. 살아있는 현실적인 문학에 대한 "진정한 비평"의 유익한 태도를 더 자주 회상하는 것이 좋을 것입니다. 결국 우리의 탁월한 작품을 만든 사람은 바로 그녀였습니다. 고전문학 비평 작품.
팔월-- 1986년 12월
P. N. TKACHEV 러시아 철학자 M.의 지혜의 창고, Pravda, 1990
실제비평의 원칙과 임무
( "단어" 편집자에게 바칩니다)
젊은 슬로보에 대한 새로 떠오르는 비평가는 그의 데뷔 기사("문학적 창의성의 비판에 대한 생각", B.D.P., 슬로보, 5월) 1에서 전체 러시아 독서 대중을 대신하여 대중인 그녀가 현대 문학에 극도로 불만족스럽다고 선언합니다. 비평가와 그들의 활동 사실, 그는 "우리 대중은 자신의 요구 사항을 충분히 언급하지 않습니다. 러시아 독자들이 문학적 진술을 통해 잡지와 신문 편집자에게 지속적으로 의지하는 것이 아직 관습이되지 않았습니다"라고 말합니다. 그러나 비평가들은 "문학 창의성에 대한 비판에 대한 불만이 예술 작품의 장점에 대한 불만만큼이나 (그 이상은 아니지만) 강한, 어느 정도 발전된 독자들의 이야기를 여기저기서 우연히 들었습니다." 우연히 들은 소문을 바탕으로 비평가는 이제 "작가와 비판적 심사위원 사이의 상호 논쟁을 조금 정리할 때가 왔다"고 결론지었습니다. "소설 작가들과 그들의 비판적인 심사위원들 사이에" 어떤 종류의 논쟁이 존재하는지 나는 모릅니다. 적어도 인쇄된 소스에는 그러한 논쟁의 흔적이 없습니다. 하지만 B.D.P 씨를 믿으세요. 그의 말에(결국 그는 도청했다!) 러시아 소설의 신사들이 현대 비평에 불만을 갖고 있고 그것에 대해 어느 정도 원한을 품고 있다고 가정해보자. 사실 현대 비판은 (물론 모스크바 비판에 대해 말하는 것이 아닙니다. 포함되지 않습니다. G. P. D. B., 즉 B. D. P.는 실제 비판을 고려하므로 St. . Petersburg), 특히 Delo 저널에 대한 비평은 우리 작가들의 세 가지 "형성"을 모두 언급합니다(B.D.P. 씨는 모든 러시아 작가를 세 가지 형성, 즉 1950년대 후반과 1960년대 초반의 형성, 그리고 마지막으로 형성 1970년대 P. D. Boborykin은 Pomyalovsky 및 Reshetnikov와 함께 G. B. D. P. 보시다시피 P. D. B 씨에게 매우 친절합니다. 그러나 우리는 그를 정의해야 합니다. 그는 자신의 "책"에만 친절하지 않습니다. 그렇게 말하세요), 그는 모든 벨레주의적 평범함과 일반적으로 평범함에 친절합니다 ...) 별로 호의적이지 않습니다. 소설가들이 그녀에게 똑같은 돈을 지불하는 것은 충분히 이해할 수 있는 일이다. 그럼에도 불구하고 비평가와 소설가, 소설가와 비평가의 상호 불만으로 인해 심각한 "논쟁"은 발생하지 않았으며 발생할 수도 없습니다. 특정 소설 작품에 대한 견해에 대해 동일하거나 다른 경향을 가진 비평가들 사이에서 논쟁이 일어날 수 있지만, 이 작품의 비평가와 그 창작자 사이에서는 논쟁이 일어날 수 없습니다. 소설가 X는 자신의 작품을 너무 엄격하게 분석한 비평가 Z에 대해 극도로 불만을 품을 수도 있습니다. 그러나 만약 그가 비판에 반대할 마음을 품었다면 그는 분명히 자신을 극도로 어색하고 우스꽝스러운 입장에 놓였을 것입니다. 영리하거나 다소 자존심이 강한 소설가들은 이것을 아주 잘 이해하고 있기 때문에 영혼 깊은 곳에서 비판에 대해 아무리 적대적인 감정을 가지고 있더라도 감히 이러한 감정을 공개적으로 선언하지 않을 것입니다. 그들은 항상 그들을 혼자만 간직하려고 노력하고, 비판이 어떻게 말하든 전혀 관심이 없으며 그것에 완전히 무관심한 척합니다. 물론 일반적으로 모든 소설 작가에게 그러한 재치있는 자제를 요구할 수는 없습니다. 어리 석고 특히 재능이없는 작가는 일반적으로 비판이 자연스럽게 불러 일으키는 짜증과 분노의 감정을 숨길 수 없으며 모든 사람에게 자신의 어리 석음과 평범. 그들은 정말로 그녀와 논쟁하는 것을 싫어하지 않을 것입니다... 하지만 누가 이러한 "논쟁"을 "이해"하고 싶겠습니까? 소설가는 결코 자신의 비평가에 대해 진지하고 공정한 평가자가 될 수 없으며, 결과적으로 그의 모든 "주장"은 항상 순전히 개인적인 성격을 띠고 항상 개인적인 느낌에 기초를 둘 것이라는 사실이 누구에게 분명하지 않습니까? 자존심이 상했나요? B.D.P 씨. 다르게 생각합니다. 그는 이러한 논쟁은 진지한 관심을 받을 가치가 있으며 심지어 "소설 작가와 그들의 비판적 판사" 사이에 일종의 중재가 필요하다고 믿습니다. 동시에 B.D.P. 겸손하게 중재자 역할을 제안합니다. B.D.P 씨는 왜 그렇게 생각하는 걸까요? 그리고 그가 자신이 이 역할을 수행할 수 있다고 생각하는 이유는 동일한 B.D.P.의 두 번째 기사를 읽는 데 어려움을 겪는 사람이라면 누구나 쉽게 이해할 수 있을 것입니다. 현대 소설에 대해 7월호에 실렸습니다. "말" 2 . 이 기사를 바탕으로 우리는 실수하는 것을 전혀 두려워하지 않으며 Mr. B.D.P. 의심할 바 없이 우리가 방금 이야기한 어리석고 재능 없는 작가들의 수에 속합니다. 사실, B.D.P 씨가 불태우는 아첨과 칭찬의 향으로 러시아 소설을 불태울 생각을 누가 했겠습니까? 이 신사에 따르면 러시아 소설은 구세계와 신세계 어느 나라의 소설과도 쉽게 비교할 수 있다고 합니다. 그것은 재능으로 가득 차 있습니다 : 상트 페테르부르크-Leskov, Boborykin, 랜서 코넷 (그러나 그는 지금 중위입니까?) Krestovsky 3, 일부 Vsevolod Garshin (그러나 Vsevolod Garshin이 실제로 어디에서 빛나는지는 모르겠습니다. 모스크바 또는 상트페테르부르크); 모스크바에서. .. 모스크바에서-Nezlobii시. 네즐로빈은 누구인가? 4 그는 무엇을 썼나요? 그는 어디에 글을 쓰나요? 물론 독자 여러분, 당신은 이것을 모릅니다. 난 당신을 말할 것이다. 온유함은 때때로 낙서를 하고, 더욱이 가장 문맹이고 무능한 방식으로 경찰은 러시아 메신저의 페이지에 물론 허구의 형식과 영원한 기억인 Vsevolod Krestovsky, Leskov의 취향에 따라 보고합니다. Avenarius와 "The Citizen"의 "보호자 비난자". B.D.P., 이 비악의적인 "정보자"의 의견에 따르면(실제로 그의 허구적 비난은 악의로 빛나기보다는 터무니없고 놀라운 문맹으로 빛납니다.) 아마도 그는 일부에서 직접 Russky Vestnik에 들어갔습니다. 다소 뛰어난 재능으로 구별되는 경찰서, Leskov 씨보다 결코 열등하지 않은 재능입니다 (그러나 칭찬합니다!). "평론가들," Mr. B.D.P. ". 보수적인 방향! 음, B.D.P. 씨, gg. 보수주의자들은 Russkiy Vestnik의 경찰 작가를 자신들의 대열에 소개한 것에 대해 거의 감사하지 않을 것입니다. 어떻게! 소설을 더러운 가십과 비난의 도구로 바꾸고, 예술을 사소한 개인적인 목적으로 사용하는 것-이것이 "보수적 방향"을 고수한다는 것을 의미합니까? 그러나 요점은 Nezlobii가 보수적 추세를 고수하는지 비보수적 추세를 고수하는지 여부가 아니라 어쨌든 BDP 씨에 따르면 그는 재능이 있고 Leskov만큼 뛰어난 재능이라고 합니다. 씨라는 사실이 확인되면 Gentleness와 Leskov는 어느 정도 뛰어난 재능을 가지고 있습니다. 우리는 Mr. Boborykin과 Prince가 모두 인정해야 합니다. Meshchersky, 심지어 Nemirovich-Danchenko도 재능이 있고 뛰어난 재능입니다. 그러나 Nezlobins, Leskovs, Boborykins 및 Co.가 재능이라면 Tolstoy, Turgenev, Dostoevsky, Goncharov, Pisemsky에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 분명히 이들은 소설의 "진주와 단호한"5, 국내 소설뿐만 아니라 범 유럽, 세계적 소설의 첫 번째 등급의 스타가 될 것입니다. 그리고 실제로 "B.D.P. 씨에 따르면 우리 일류 소설 작가들과 영국 소설 작가 중 George Eliot만이 비교할 수 있으며 부분적으로는 (부분적으로는 좋습니다!) Trolope는 독일에서는 조금 더 가깝습니다. Shpilhagen 그리고 Auerbach 프랑스에 관해서는 그것에 대해 말할 가치가 거의 없습니다. 사실 프랑스에는 Zola와 Daudet가 있지만 Zola와 Daudet는 예를 들어 일부 Boborykin, Nezlobin, Leskov와 같은 비일차 소설 작가들과 비교해도 무엇입니까? 등등? BDP 씨는 "만약 우리 소설가들이 Zola나 Daudet의 다작이었다면 우리 소설이 프랑스 소설보다 우월했을 것"이라고 주장합니다. 그러므로 만약에 작품이 Boborykins, Leskovs, Nezlobins 및 Flaubert, Goncourt 형제, Zola, Daudet의 작품보다 열등하며 결코 품질이 아니라 수량에 불과합니다. 예를 들어 Boborykin 씨나 Nezlobii 씨를 지금 쓰는 것보다 두 배, 세 배 더 많이 쓰면 두꺼운 잡지를 번역된 프랑스 소설로 채울 필요가 없으며 우리 소설을 저속하게 말하면 "지워질 것입니다. 코는 프랑스어야." 그렇다면 러시아 독자들의 입장은 어떨까? 완전히 읽는 것이 얼마나 좋은지 잊어버리지 않았을까요? 이에 대해 Mr. B.D.P. 생각하지 않았다. 그는 또한 우리가 한편으로는 보보리킨 씨를, 다른 한편으로는 도데와 플로베르를 그들의 작품의 질이 아닌, 그들이 쓴 내용이 아닌 수량으로 판단하기 시작한다면, 그리고 그들이 얼마나 많은 인쇄된 종이를 다 써버렸는지에 따라 아마도 "러시아" 소설가에게 손바닥을 주어야 할 것입니다. 러시아 소설에 대한 광고를 마무리하기 위해 Mr. B.D.P. "우리가 다른 사고 영역에서 유럽에 자랑할 것이 아무것도 없다면 우리는 우리의 소설을 자랑스러워할 수 있다"("러시아 소설의 동기와 방법", p. 61, "Word", 6월)라고 엄숙하게 선언합니다. 물론! 결국 우리는 우리의 인내와 인내를 자랑스럽게 생각합니다. 그렇다면 우리는 Boborykins, Nezlobins, Leskovs, Krestovskys, Nemirovich-Danchenkos 및 그들과 같은 다른 사람들을 어떻게 자랑스러워하지 않을 수 있습니까? 나는 제정신이고 신중한 사람이라면 B.D.P 씨와 함께 이 문제를 생각해 내지 못할 것이라고 믿습니다. 어떤 분쟁에서도. 당신이 벼룩시장을 걷고 있는데 성가신 가게 주인이 당신의 코트 자락을 잡고 자신이 물건을 가지고 있다고 맹세할 때, "공장에서 바로 나온 일등급, 가격이 아주 좋아서 손해를 보고 팔아요."라고 욕합니다. 당신을 그의 가게로 유인하기 위해 당신은 – 당신이 신중하고 현명한 사람이라면 – 물론 그의 보증의 허위와 부정직을 그에게 증명하기 시작하지 않을 것입니다. 당신은 모든 가게 주인이 그의 가게를 칭찬하는 경향이 있다는 것을 알고 있습니다. B.D.P 씨가 칭찬한 것과 같은 방식으로 러시아 소설 가게를 칭찬하고, 그 제품이 외국 소설 가게의 상품과 성공적으로 경쟁할 수 있을 뿐만 아니라 품질 면에서 여러 면에서 후자를 능가한다고 주장하는 것입니다. , 분명히 이 가게에 속한 사람이나 평생 문지방을 넘지 않은 사람만이 평생 그 제품을 먹어 왔으며 그보다 더 좋은 것을 본 적이 없으며 알지 못합니다. .. 두 경우 모두 그와 논쟁하는 것은 똑같이 쓸모가 없습니다. 썩은 물건을 파는 가게 주인은 자신의 물건이 정말로 썩고 가치가 없다는 사실을 감히 인정하지 않을 것입니다. 일부 소설에서 자랐고 적어도 보보리킨 씨의 소설을 읽고 이 소설 외에는 아무것도 읽지 않은 불행한 독자에게는 항상 더 좋고 재능 있는 작가는 없는 것처럼 보일 것입니다. 보보리킨보다 세상에서. Mr. B.D.P. 썩은 물건을 파는 가게 주인들 사이에서 - 나에게도, 물론 당신에게도 마찬가지입니다. 독자 여러분, 그것은 전혀 관련이 없습니다. 우리에게는 그가 러시아 소설과의 관계에 대한 사실을 알아내는 것이 흥미로 웠습니다. 이 사실은 더 이상 언급할 필요가 없습니다. 그는 Mr. B.D.P.가 얼마나 많은지 명확하게 보여줍니다. 소설가와 비평가 사이에서 공정한 중재자 역할을 할 수 있습니다. 말하자면 그는 후자와의 관계를 미리 결정합니다. 사실, 현대 러시아 소설이 우리 조국의 영광이자 자부심이고 "유럽 앞에서 우리가 정당하게 자랑스러워할 수 있는" 유일한 것이라면, 이 소설을 부정적으로 다루는 현대 비판은 우리의 수치심이자 불명예가 되어야 합니다. 명성, 그것은 문명 세계 이전에 우리가 자랑스러워 할 수있는 작은 것조차 우리에게서 빼앗으려고합니다 ... Turgenev에서 "위대한 예술가"를 감히 보지 못하고 톨스토이의 천재성과 재능을 의심하는 현대 비평가와 평론가 Boborykin과 Nezlobin - 이것은 분명히 조국의 적, 교활한 (물론 영어) 음모의 희생자 또는 시각 장애인, 오렌지의 돼지만큼 예술적 창의성을 이해하는 완전한 무지입니다. G.B.D.P. 후자의 가정에 관대하게 찬성합니다. 그는 대반역죄를 처벌하는 법률 조항에 불행한 비판을 가하는 것을 원하지 않습니다. 아니요; 그의 의견으로는 그들은 단순히 미쳤고 그들 자신이 무엇을하고 있는지 모릅니다. "그들은 예술성과 창조적 작업에 대해 잘 알려진 문구만을 반복할 뿐이며, 연구에는 독창적인 정신적 주도권이나 명확한 방법이 거의 없습니다. 창의성의 과정 자체, 심지어 과학적이고 철학적인 작품에 대한 접근까지도요." (문학 창의성 비판에 대한 생각, Slovo, May, p. 59) 우리의 비판은 "안내 장치가 없다"(p. 68). 비평가들 사이에서는 완전한 "정신적 임의성"이 지배적입니다(ib., p. 69). 그들은 모두 "의견과 견해의 불일치, 분산, 극단적인 주관성"을 특징으로 합니다(ib. , p. 68), 특히 "슬픈 경향". 이 슬픈 경향은 작가의 의견으로는 소설가의 창작력에 대한 공정한 태도로부터 비판을 방지합니다. "보보리킨(Boborykin)이나 네즐로빈(Nezlo-bin)과 같은 재능 있는 사람을 평범하게 취급하는 경우가 많고, 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 평범한 작품이 저널리즘 목표에 부합할 때" ... "드문 비평가는 자신에 대한 인신 공격을 허용하지 않습니다. 소설 작가), 그리고 종종 매우 모욕적입니다. 한때 가장 재능 있는 소설 작가들에 대해서도 조롱의 어조가 우리 사이에 만연해 있었습니다. 드문 평론가는 순전히 문학 영역과 작가의 인격에 대한 공격을 분리할 수 있습니다. 많은 사람들이 완전히 이 차이에 대한 직관과 이해를 잃습니다 ... "(ib.) . 한마디로 우리의 비판은 사소한 비판에도 견디지 못합니다. 그것은 모든 측면에서 지지할 수 없으며 우리의 "위대한" 소설가뿐만 아니라 "중형" 및 "소형" 소설가의 작품에 대한 이해와 냉정한 평가에 도달하는 것도 전혀 불가능합니다. B.D.P.에 따르면 Dobrolyubov 시대, 즉 60년대 초에 대한 또 다른 비판은 앞뒤로 이루어졌습니다. 사실, 그녀는 순전히 저널리즘 방향을 고수했지만 (왜 그때만?) 이 방향에는 "완전한 존재 이유"(ib., p. 60)가 있었습니다. 그녀의 장점과 단점이 무엇이든 그녀는 여전히 " 긍정적으로 발전했습니다. , 자신 만의 방법을 개발하고 예술 작품과 관련된 문제의 영역을 점점 더 확장하고 더 깊고 대담하게 말했습니다 ... "등, 그리고 가장 중요한 것은 저널리즘 추세 속에서 문학 비평 평론가들은 재능이 부족하다고 불평하는 것을 좋아하지 않았습니다."(p. 61) B.J.P가 가장 좋아하는 게 바로 이것인 것 같다. 그게 사실인가요? 그의 기억력이 떨어지나요? 그러나 그것은 중요하지 않습니다. 어쨌든 60년대 초반과 50년대 후반의 비판은 B.D.P인 것 같다. 최신 비판만큼 비난받을 만한 것은 아닙니다. 그러나 그는 후자가 전자에 비해 내용이 비교할 수 없을 정도로 낮다는 점을 인정하면서 동시에 60년대 비평보다는 70년대 비평 방향을 더 선호하는 것으로 보인다. 보시다시피 60년대 비평가들은 소설의 "예술적 측면"을 완전히 놓쳤고, 70년대 비평가들은 그것을 놓치지 않았습니다. 그들은 독점적으로 저널리즘적인 비판 방향의 일방성을 인식하고 (이것이 B.D.P. 씨가 말하는 전부입니다) 전임자보다 훨씬 더 대담하게 "문학적 창의성"에 대해 이야기하기 시작했습니다. 즉, 비평가-홍보가로부터 점차적으로 비평가로 변하기 시작합니다. G. B. D. P.는 이에 만족하는 것 같지만 불행히도 최신 비평가들은 "창작 과정과 관련된 모든 것에 과학적 근거가 없습니다. 결과적으로 그들의 평가는 순전히 개인적이고 형식적이며 주관적인 취향의 표현으로 축소됩니다. . "그들(즉, 비평가)은 자신을 되돌아볼 필요를 조금도 느끼지 않습니다.", 그들 중에는 "어떤 요청도 들리지 않고, 새로운 기술에 대한 요구도 없으며, 더 강력한 기반, 지침이 될 수 있는 지식 수준에 대한 더 많은 순응도 없습니다." 이 문제에 대해서는"(p. 62). 그들은 오래된 미학의 격언을 반복하고 그들 자신과 끊임없는 모순에 빠지며 일반적으로 현대 비평의 비평가는 다음과 같이 결론을 내립니다. “우리는 예술의 독립이라는 이름의 반응 (?) 그 자체가 합리적이고 유용하다는 것을 봅니다 , 업데이트 된 정신을 찾지 못했고, 창의성에 대한 비판을 지상으로 옮길 수 있는 다른 배경을 가진 사람들을 찾지 못했습니다. 모든 단점에도 불구하고 적어도 긍정적인 결과를 줄 수 있습니다"(p. 63). BDP 씨에 따르면 이 근거는 심리학이다. "비평가들이 작가 창의성의 정신적 기초를 다뤄야 할 절대적인 필요성을 인식하지 못하는 한, 그때까지 그들은 순전히 주관적인 견해와 취향의 표현에 끊임없이 빠져들 것입니다 ..."(ib.) . 그는 또한 "이 원칙을 단순히 인식하는 것만으로도 이미 유익할 것"이며 이를 예술 작품 평가에 적용하면 "주관적 견해와 개인적 취향의 표현"이라는 혼란에서 비평이 자유로워질 것이라고 믿습니다. , 객관적인 라이닝. 분명히 "과학", "과학적 방법", "과학적-철학적 발전", "과학적 방법" 등의 단어를 사용하지 않는 B.D.P. 씨는 과학, 적어도 과학에 대해 잘 알고 있습니다. 그의 의견은 서유럽 소설과 마찬가지로 실제 비평의 기초를 형성해야 합니다. 그는 누군가로부터 창의성 과정에 관한 질문을 연구하는 과학, 또는 오히려 준과학이 있다는 말을 들었습니다. 하지만 그녀가 그것들을 어떻게 탐구하고 그들에 대해 무엇을 알고 있는지에 대해서는 아무도 그에게 말하지 않았습니다. 그렇지 않았다면 그는 아마도 문학 비평의 주관주의가 예술 창작 분야의 심리학자들의 연구에 대한 지식이 부족하기 때문에 발생한다는 코믹한 태도로 감히 주장하지 못했을 것입니다. 그러면 그는 이러한 연구가 순전히 주관적인 방법의 도움으로 수행되고, 그것이 극도로 자의적이며 예술 작품을 평가하는 데 확고하고 객관적인 근거를 제공할 수 없다는 것을 알게 될 것입니다. 그러면 그는 현대 심리학이 엄격하게 과학적인 방법으로 해결할 수 있는 몇 가지 질문이 문학적 창의성에 대한 비판과 직접적인 관련이 없다는 것을 알게 될 것입니다. 그러나 나는 여기서 심리학에 관해 이야기할 생각이 전혀 없습니다. 더욱이 그는 B.D.P. 이러한 공격은 입증되지 않은 특성으로 인해 심각한 분석의 대상이 될 수도 없습니다. 그러나 요점은 내용이 아니라 일반적인 의미, 일반적인 방향에 있습니다. 이러한 일반적인 의미로 판단하면 Mr. B.D.P. 실제 비평의 본질과 기본 원칙에 대해 조금도 알지 못합니다. 그는 그것이 심리학적 형이상학적 비판과 경험적 비판과 정확히 얼마나 다른지, 또 달라야 하는지 전혀 이해하지 못합니다. 그는 졸라를 진정한 현실 비판의 대표자로 여기며 왜 러시아 현실주의 비평가들이 그를 "자신의 것"으로 인식하기를 원하지 않는지, 왜 일방적이라고 비난하는지, 그의 비판적 세계관이 좁다는 이유로 그를 비난하는지 궁금해합니다. 그는 현실주의에 대한 배교 외에는 졸라에 대한 러시아 비평가들의 그러한 태도를 스스로 설명할 수 없으며 그들의 비판이 준현실적이라고 부릅니다. 이 사례만으로도 B.D.P씨의 오해가 얼마나 깊은지 알 수 있다. 현실주의와 현실비평의 원리. 후자에 대한 그러한 오해로 B.D.P 씨가 이상한 것은 없습니다. 주관주의, 안내 아이디어가 없다는 이유로 그녀를 비난합니다. 그는 지금 그것을 순수한 미학적 비평과, 이제는 순수한 저널리즘 비평과 끊임없이 혼동하고 있습니다... 물론 일부 B.D.P.가 이해하든 이해하지 못하든 우리에게는 아무런 차이가 없습니다. 실제 비평의 임무와 원칙; 그리고 그것이 단지 그의 개인적인 이해나 오해에 관한 것이라면 그것은 말할 가치가 없을 것입니다. 그러나 문제는 많은 사람들이, 심지어 불경스러운 독자들뿐만 아니라 종종 비평가들 자신도 그 책을 그와 공유하고 있다는 것입니다. 독자 여러분, 몇 년 전 BDP 씨의 "Lay"에서 현재 그녀에 대해 제기되는 거의 동일한 비난이 Skabichevsky 씨의 "Otechestvennye Zapiski"에서도 평준화되었다는 점을 기억하십시오. 그리고 현실주의 비평가의 일원인 Skabichevsky 씨가 실제 비판의 원칙을 이해하지 못하고 과학적 기초가 부족하고 주관주의 등을 이유로 비난한다면 Mr. .B.D..P., 그리고 일반 대중의 대다수로부터는 더욱 그렇습니까? 그러므로 우리는 B.D.P 씨가 우리 시대의 실제 비판에 대한 그의 의견은 그가 자신을 위해서가 아니라 자신만을 위해서 말하는 것이 아니라 또는 그리고 그리고 뒤에 모두 "다소 발달된 독자"입니다. 말할 필요도 없이 Mr. 현대 비평에 불만을 품을 이유가 있는 (어리석고 재능 없는) 발레리스트들은 이러한 오해를 더욱 악화시키려고 하며, 이 비평은 자신들의 창조물을 이해하고 평가할 수 없으며 뒷모습만 반복한다는 의견을 지지하고 퍼뜨립니다. -이제 그녀의 모든 존재 이유를 잃어버린 뒷면은 마치 그녀의 문장이 과학적 원리가 아니라 순전히 개인적인 감정과 선입견 경향 등에 의해 안내되는 것처럼 보입니다. 현실주의 비평가들은 이러한 모든 비난을 다음과 같이 취급합니다. 마치 그들에 관한 것이 아닌 것처럼 완전한 무관심, 그들 중 어느 누구도 실제 비평 이론을 공식화하고 그 주요 원칙, 일반적인 성격 및 주요 임무를 명확히하려는 진지한 시도를 한 적이 없습니다. 대중의 비판적 판단은 대중의 눈에 지금보다 비교할 수 없을 정도로 더 큰 무게와 중요성을 갖게 될 것입니다. 그러면 독자들은 어떤 기준에 따라 어떤 원칙에 따라 이 소설이나 그 소설이 비난되거나 승인되는지 알게 될 것이며 비평가가 근거가 없고 주관적이며 부도덕하다고 비난하지 않을 것입니다. 그러나 아마도 우리의 실제 비판은 지도 원칙이나 과학적 근거가 전혀 없습니다. 아마도 그것은 일종의 추악한 혼돈, 정리할 수 없는 혼돈, 다소 명확하게 정의된 공식에 따른 혼돈일까요? 그러나 이것이 그렇다면, 자신을 현실주의자라고 생각하거나 자신을 현실주의자로 여기고 싶어하는 모든 비평가들은 이 혼란을 정리해야 할 필요성을 훨씬 더 시급하게 느껴야 합니다... 비판", 그러나 아쉽게도 위에서 말했듯이 시도는 매우 실패했습니다. 그는 이 비판의 정신과 방향, 기본 원칙을 제대로 확인하고 정의하려고 노력하는 대신, 그것은 원칙이 없고 결코 가지고 있지 않으며 잘못된 방향을 고수하며 일반적으로 존경할 만한 사람들이 가질 수 없는 것이라고 직설적으로 선언했습니다. 그것과 관련된 무엇이든. . 앞서 언급한 비평가의 의견에 따르면, 합리적 비판 이론은 새롭게 재구축되어야 하며, 그 자신도 이 이론의 재구성을 직접 수행하겠다는 의사를 밝혔습니다. 그러나 불행히도 그가 자신의 좋은 의도를 깨닫기 시작하자마자 갑자기 그는 건축에 필요한 재료가 없었을뿐만 아니라 그것에 대해 명확한 아이디어조차 가지고 있지 않다는 것이 밝혀졌습니다. 그는 심리학에서 두세 가지 기본적이고 잘 알려진 진부한 명제를 무작위로 골라서 그 명제들이 합리적 비판 이론의 전체 본질을 담고 있다고 상상했습니다. 그러나 그가 진부한 심리적 진실에만 자신을 제한했다면 이것은 여전히 아무것도 아닐 것입니다. 그러나 불행하게도 그는 자신의 마음의 조작으로 그것을 보완하기 위해 머리 속으로 가져 갔고 그러한 부조리함에 동의했습니다. 이제 그 자신은 아마도 기억하기가 부끄러울 것입니다. 한때 이러한 부조리함은 동일한 저널의 페이지에서 충분히 명확하게 드러났으므로 여기서는 언급하지 않겠습니다. 그것은 그들에 관한 것이 아닙니다. 사실은 실제 비판에 대한 Otechestv.Zapiski의 비평가의 실패한 시도가 현실주의자로 간주되거나 어떤 경우에도 Dobrolyubov 전통에 충실하려고 노력하는 다른 선서한 비평가 및 평론가로부터 어떤 거부도 불러일으키지 않았다는 것입니다. 가능한 한. (내가 기억하는 한) 그들 중 어느 누구도 Dobrolyubov의 비판의 본질을 얼마나 거짓되고 부정확하게 이해했는지 그의 형제에게 설명해야 한다고 생각하지 않았으며, 그 진정한 의미, 기본 원칙을 명확히하고 밝히기 위해 노력한 사람도 없었습니다. 물론이죠, 선생님. 비평가와 평론가는 독자의 통찰력에 너무 많이 의존하고 B.J.P.와 같은 신사가 종종 독자들 사이에서 발견된다는 사실을 망각합니다. 물론 Mr. B.D.P. 고립된 현상이라면 그것에 대해 이야기할 가치가 없을 것입니다. 하지만 선생님. 비평가와 평론가는 "창의성에 대한 현대 비판에 대한 생각"이라는 것을 알고 있습니다. 원래 Otech의 페이지에 제시된 생각입니다. Slovo의 페이지에 재현된 메모는 완전히는 아니더라도 부분적으로 나누어집니다. 일부 ""다소 교육받은" 대중, 그리고 대중의 이 "다소 교육받은" 부분은 실제로 Dobrolyubov와 그의 후계자들에 대한 비판이 엄밀한 의미에서 예술 창작에 대한 실제 비판이 아니라는 의견을 갖고 있습니다. 한때 그 존재 이유를 가졌던 것은 순전히 저널리즘적 비평이었지만 지금은 그것을 완전히 잃었고, 그 결과 마치 이제 그 성격을 바꿔야 하는 것처럼 말입니다. 예술 작품 등을 평가하기 위한 객관적이고 과학적인 기준. 그러한 존재의 사실 의견, 사실 , 물론 누구도 부인하지 않을 것입니다. 무엇보다도 현대, 소위 실제 비평의 성격과 방향에 대한 독자 (적어도 일부)의 생각이 얼마나 왜곡되었는지 보여줍니다. 그러므로 이 비판은 물론 그에 동조하고 그 이익을 마음에 두고 그 성공에 기여하고자 하는 사람들은 가능한 한 이러한 왜곡된 생각을 바로잡기 위해 노력해야 한다고 생각합니다. 심지어 Messrs를 경멸하지 않고 전체 독서 대중의 눈으로 그 경향과 원칙을 회복합니다. B.D.P. 나는 선서한 비평가도 아니고, 전혀 비평가도 아니지만, "깨달은" 독자로서 당연히 국내 비평이 모든 성공을 거두기를 바라야 합니다. 왜냐하면 제 생각에는 우리 문학의 모든 분야 중에서 비평이 이 문헌의 장점과 단점뿐만 아니라 일반적으로 우리의 소수 지성인의 발전 정도를 평가하는 데 있어서 우리에게 가장 중요한 의미를 갖습니다. 모든 것에 대한 우리의 비판에서이 소수와 주변 현실 현상, 이상, 열망, 필요 및 이익과의 관계는 가장 직접적이고 직접적으로 나타납니다. 여기에서 확장할 수 없는 조건으로 인해, 유일한 것은 아니지만 어쨌든 문학 분야에서 사회 의식의 가장 편리한 표현을 제공합니다. 물론, 비판에서 대중 의식 표현의 명확성과 정확성은 대부분 비판과 무관한 상황에 의해 결정됩니다. 그러나 어느 정도까지만 가능하지만 완전히는 아닙니다. 부분적으로 그것들(즉, 이러한 명확성과 정확성)은 비평 자체의 속성, 즉 비평이 채택한 방법, 원칙, 정신 및 방향에 의해 결정됩니다. 방법이 과학적이고 원칙이 합리적일수록 방향이 합리적일수록 진실되고 진실할수록 사회의식의 반향으로 작용할 것입니다. 그렇기 때문에 그 방법, 원칙 및 방향에 대한 질문은 선서된 비평가와 평론가뿐만 아니라 일반 독서 대중의 관심을 받아야 합니다. 우리의 진정한 비판에는 어떤 확실한 방법과 원칙이 있는 걸까요? 그렇다면 그것들은 합리적이고 과학적인가? 구식이므로 다시 디자인하면 안 되나요? 그것은 정말 본질적으로 Messrs가 비난하는 임의의 주관주의에 내재되어 있습니까? B.D.P. 그리고 어떤 것이 사회적 사고, 사회적 의식을 표현하는 것을 불가능하게 만드는가? 이러한 질문을 해결한다는 것은 정신을 정의하는 것을 의미합니다. 일반적으로 실제의 이름이 주어지고 그 조상이 Dobrolyubov로 올바르게 간주되는 중요한 경향의 성격과 일반적인 기초. 독자인 당신과 나는 그것을 해결하지 못할 가능성이 매우 높지만, 어쨌든 우리는 그것을 해결하려고 노력할 것입니다. 즉 실제 비평의 원칙과 과제를 명확히하려는 시도를 할 것입니다. 내가 기억하는 한 이러한 시도는 최초의 시도였지만, 모든 사업에서 첫 번째 단계가 가장 어려운 단계인 것으로 알려져 있습니다. 그러므로 독자인 당신이 나와 함께 이 첫 걸음을 내딛기를 원한다면, 나는 당신에게 미리 경고합니다. 당신의 인내와 관심은 다소 어렵고 긴 시험을 거쳐야 할 것입니다. 우리는 조금 멀리서, 거의 ab ovo로 시작할 것입니다 ... 주어진 각 예술 작품과 관련된 비평 작업은 일반적으로 다음 세 가지 질문을 해결하는 것으로 귀결됩니다. 1) 주어진 작품이 미적 취향을 충족하는지 여부, 즉 ", "아름답다" 등에 대해; 2) 작가는 사회생활과 사생활의 조건이 어떠했는지에 영향을 받아, 분석 중인 작품을 세상에 나오게 한 역사적, 심리적 동기는 무엇이며, 마지막으로 3) 등장인물은 무엇인가를 살펴보았다. 그리고 그 안에 재현된 삶의 관계는 현실과 동일합니까? 이 인물과 관계는 어떤 사회적 의미를 갖는가? 사회 생활의 어떤 조건이 그들을 낳았습니까? 그리고 그것을 낳은 사회적 조건은 정확히 어떤 역사적 이유로 형성되었는가? 대부분의 경우 비평가들은 이러한 문제 중 하나에 관심을 집중하고 나머지는 무시하거나 심지어 완전히 무시합니다. 세 가지 질문 중 어느 것이 전면에 제기되는지에 따라 비판은 순전히 미학적 방향, 역사-전기적 방향, 또는 마지막으로 소위 (정확하게 호출되지는 않은) 저널리즘 방향을 받습니다. 다음 중 실제 비평의 정신과 성격에 가장 가까운 방향은 무엇입니까? 사실 진정한 비평은 모든 자의적이고 주관적인 해석을 조심스럽게 피하고 가능한 한 엄격하게 객관적인 근거를 고수하려고 노력하기 때문에 현실이라고 불립니다. 모든 예술 작품에는 두 가지 측면이 구별됩니다. 첫째, 그 작품에 재현된 생명 현상입니다. 둘째, 이러한 현상을 재현하는 행위, 즉 소위 창의적인 과정입니다. 재현 가능한 현상과 이를 재현하는 행위는 모두 일련의 다양한 사회적, 순전히 심리적 사실의 최종 결과인 특정 결론을 나타냅니다. 이러한 사실 중 일부는 순전히 객관적입니다. 그것들은 엄격하게 과학적인 평가와 분류, 즉 우리의 주관적인 취향과 성향에 따른 평가와 분류의 대상이 될 수 있습니다. [독립] 8 . 반대로 다른 것들은 부분적으로는 그 성격상, 부분적으로는 현재의 과학 상태로 인해 엄격하게 객관적인 정의를 내릴 수 없는 현상 그룹에 속합니다. 그것들을 판단하는 기준은 전적으로 우리의 개인적인 감정, 우리의 개인적인 다소 무의식적인 취향입니다. 이를 예를 들어 설명하겠습니다. 적어도 Goncharov의 "Cliff"를 예로 들어 보겠습니다. 아시다시피 작가는이 소설에서 60 년대 세대의 전형적인 대표자와 구식 가부장적 견해와 개념의 죽어가는 세계에 대한 그의 태도를 재현하고 싶었습니다. 우선, 물론 비평가는 다음과 같은 질문을 해야 합니다. 저자는 자신의 임무를 성공적으로 완수했습니까? Mark Volokhov는 정말로 60년대 세대의 전형적인 대표자인가? 이 세대의 사람들은 정말로 소설 속 주인공이 대하는 방식으로 주변 세계를 대하는가? 이러한 문제를 해결하기 위해 비평가는 60년대 세대가 풀어낸 역사적 조건을 고찰하고, 이를 바탕으로 역사적 분석이 세대의 성격과 방향을 일반적인 용어로 정의합니다. 그런 다음 그는 자신의 결론을 사실로 확인하려고 시도합니다. 현대 생활 물론 그는 주로 문학적인 자료를 사용해야 할 것이지만, 물론 비문학적인 자료도 사용할 수 있다면 더 좋을 것입니다. 그러나 어쨌든 1960년대 세대의 일반적인 성격과 정신에 관한 그의 결론과 이 결론의 검증은 모두 매우 현실적이고 객관적이며 모든 사람에게 명백한 사실에 기초하여 엄격하게 과학적인 평가와 개발을 허용합니다. . 따라서 비평가가 상당히 실제적인 입장에 있는 한. 이제 위의 사실에 대한 분석을 통해 Volokhov가 "어린이"세대의 전형적인 대표자가 아니며 저자가 그의 영웅으로서 이것을 모욕하고 조롱하고 싶었다는 결론에 도달했다고 가정합시다. 세대 등 여기서 자연스럽게 질문이 생깁니다. 왜 작가가 유형 대신 유형을 설명하고 싶어 캐리커처, 캐리커처를 제공 했습니까? 왜 그는 자신이 재현한 현실을 정확하게 이해하지 못했고, 왜 그렇게 왜곡되고 거짓된 형태로 그의 마음속에 반영되었는가? 이러한 문제를 해결하기 위해 비평가는 다시 역사와 현대 생활의 사실에 주목합니다. 이러한 사실을 신중하고 종합적으로 조사하고 비교하면서 그는 저자가 속한 세대와 환경, 이 환경과 환경의 관계 및 "어린이"세대 등에 대한 결론에 도달합니다. -완전히 객관적인 결론 , 완전한 과학적 검증과 평가가 가능합니다. 따라서 신의 '절벽'을 세상에 가져온 역사적, 사회적 조건을 평가할 때나 소설에 재현된 현실을 평가할 때 비평가는 한시도 현실적 근거를 떠나지 않고 순전히 객관적인 방법을 떠나지 않는다. 잠시 동안. 이 방법의 도움으로 그는 작가가 자신의 예술 작품의 주제로 삼은 현상의 사회적 중요성과 역사적 기원을 다소 과학적으로 정확하게 결정하고 후자의 삶의 진실성을 평가할 수 있습니다. , 마지막으로 예술적 재생산 행위 자체에 다소 직접적인 영향을 미치는 일반적, 역사적, 사회적 요인을 알아 봅니다. 그러나 이러한 질문을 마친 후에도 비평가는 아직 자신의 모든 작업을 다 마친 것은 아닙니다. Mark Volokhov가 전형적인 사람이 아니라고 가정하고 이것이 심각한 사회적 의미가 없는 완전히 고립된 현상이라고 가정합시다. 하지만 여전히 그는 특정 캐릭터를 대표합니다. 이 캐릭터는 살아남았나요? 잘만들어졌나요? 심리적인 관점에서 볼 때 그것은 실제인가? 등. 이러한 질문에 대한 만족스러운 해결을 위해서는 매우 철저한 심리적 분석이 필요합니다. 그러나 주어진 심리학 상태에서 심리학 분석은 항상 어느 정도 주관적인 성격을 갖고 있으며 필연적으로 가져야 합니다. 이 분석에 대한 비판이 이끌어내는 결론에도 똑같은 주관적 성격이 각인될 것입니다. 따라서 이러한 결론은 정확한 객관적인 평가를 거의 허용하지 않으며 거의 항상 문제가 있는 성격을 띠고 있습니다. 예를 들어, 나의 심리적 관찰과 심리적 경험을 통해 나에게는 부자연스럽고 제한되지 않으며 "심리적 진실"에 이질적인 것처럼 보일 수 있는 캐릭터는 다소 심리적 경험과 관찰을 통해 다른 사람에게는 반대로 , 극도로 자연스럽고 절제된 것처럼 보이며 심리적 진실의 모든 요구 사항을 완전히 충족합니다. 우리 중 누가 옳고, 누가 그른가? 평범하고 널리 퍼진 성격, 평범하고 다소 잘 알려진 심리적 현상에 관한 것이라면 좋습니다. 여기에서도 우리 각자는 평범하고 잘 알려진 일상적인 사실이나 초보적인 성격과 보편적 인식으로 인해 거의 객관적인 신뢰성을 얻은 심리적 관찰 및 조항을 참조하여 자신의 견해를 옹호할 기회가 있습니다. . 따라서 이 경우 문제는 완전히는 아니더라도 적어도 대략적인 정확성과 객관성을 가지고 해결될 수 있습니다. 그러나 결국 비판이 항상 잘 알려진 심리적 현상을 지닌 평범한 인물을 다루는 것은 아닙니다. 때때로 (심지어 꽤 자주) 그녀는 완전히 예외적인 캐릭터, 평범하지 않은 감정과 정신적 기분을 분석해야 합니다. 예를 들어, 도스토옙스키의 소설 "바보"에 나오는 "바보"나 상인의 "술취한 자의 아들"의 캐릭터, 또는 도스토옙스키의 소설 "범죄와 처벌"에 나오는 동물과 같은 지주의 캐릭터를 생각해보십시오. 같은 작가. 글쎄, 그러한 캐릭터가 실제로 가능하고 그들에게 사소한 심리적 거짓말이 없다는 것을 어떻게 어떻게 증명할 수 있습니까? 반면에, 이러한 캐릭터가 불가능하고 심리적 진실의 요구 사항을 충족하지 못한다는 것을 무엇으로 어떻게 증명할 수 있습니까? "인간 영혼", 인간 "성격"에 관한 과학은 초기 상태에 있어서 이 점수에 대해 우리에게 어떤 긍정적이고 신뢰할 만한 지표도 줄 수 없습니다. 그녀 자신은 어둠 속에서 방황하고 있으며 주관주의에 철저히 젖어 있습니다. 결과적으로 우리의 분쟁에 대한 과학적 객관적인 해결책에는 의문의 여지가 없습니다. 우리의 모든 논증은 객관적인 검증이 불가능한 순전히 개인적인 주관적인 감정과 고려 사항을 중심으로 이루어질 것입니다. (우리의 생각을 설명하기 위해 다음의 구체적인 예를 참조하겠습니다. 아시다시피 Tolstoy의 "Anna Karenina"는 다양한 비판과 리뷰를 불러 일으켰습니다. 독자 여러분이 수고를 들여 그것을 살펴보면 10 명의 비평가와 평론가 중 소설 주인공의 성격에 대한 심리적 평가에서 서로 동의하는 사람이 두 명도 없다는 것을 알게 될 것입니다. . 예를 들어, 어떤 사람은 레빈의 성격이 유지되지 않는다는 것을 발견하고, 다른 사람은 그 작가가 그 안에서 가장 잘 성공했다는 것을 발견합니다. Dela의 비평가에 따르면 9 Anna, Kitty, Prince Vronsky, Anna의 남편은 살아있는 사람이 아니라 마네킹, 특정 형이상학 적 실체의 구체화 된 추상화입니다. Markov 씨의 의견에 따르면 이들은 흉내낼 수없는 기술로 묘사 된 매우 현실적이고 실제와 같은 캐릭터입니다. Dyelo의 비평가는 자신의 의견을 뒷받침하기 위해 자신의 심리적 고려 사항을 인용합니다. Markov 씨 ... 그가 어떤 고려 사항도 제시하지 않고 단순한 느낌표에만 국한된 것은 사실이지만 그도 아마도 몇 가지 고려 사항을 제시할 수 있습니다. 이는 Nikitin 씨의 고려 사항만큼 Nikitin 씨에게도 설득력이 없는 고려 사항입니다. Markov씨를 위한 고려사항입니다. 그리고 어느 것이 옳은지 누가 말할 수 있습니까? 결국 여기의 모든 것은 Anna, Kitty, Vronsky 등의 캐릭터가 당신에게 만들어내는 순전히 주관적인 느낌에 달려 있습니다. 그들이 당신에게 살아있는 사람으로서 깊은 인상을 준다면 당신은 Markov에 동의할 것이고, 그렇지 않다면 당신은 동의할 것입니다. 니키틴. 그러나 어떤 특별한 경우에 당신의 주관적인 인상이 객관적인 진실과 가장 밀접하게 일치할 것인지는 우리의 심리적 지식의 주어진 수준에서 해결할 수 없는 질문입니다.) 따라서 심리적 관점에서 인물을 평가할 때 비평가가 엄격하게 현실적이고 객관적인 근거에 머무르는 것은 어렵고 거의 불가능합니다. 현재 심리학이 지배적이므로 다소 자의적인 해석과 순전히 개인적인 고려의 영역으로 모험을 떠나고 있습니다. 이제 더 나아가 보겠습니다. 부분적으로 객관적이고 부분적으로 (주로) 주관적인 연구 방법을 사용하여 비평가는 Mark Volokhov의 성격과 소설 속 다른 캐릭터의 일치 문제를 심리적 진실의 요구 사항에 따라 해결했습니다. 이제 그에게는 미학에 있어 가장 중요한 질문인 또 다른 질문을 해결하는 일이 남아 있습니다. Goncharov의 작업이 예술적 진실의 요구 사항을 충족합니까? 그의 직접적인 감각적 인식과 일상적인 관찰을 다소 구체적인 이미지로 결합하여 저자는 미학이라는 이름으로 사회와 과학 모두에서 알려진 우리에게 특정한 인상을 남기려고 생각했습니다. 그가 이것에 성공했다면, 그의 이미지가 정말로 우리에게 미적 인상을 준다면(또는 일반적으로 말했듯이 우리의 미적 감각을 만족시킨다면) 우리는 그것을 "예술적"이라고 부릅니다. 따라서 예술적 이미지, 예술 작품은 특정 길이와 속도의 소리가 특정 방식으로 결합되고 반복되어 우리에게 미적 감각을 불러일으키는 이미지나 작품이 될 것입니다. 조화감. 유일한 차이점은 이제 우리가 수학적 정확성을 통해 엄격하고 과학적이고 완전히 객관적인 방식으로 소리가 우리에게 조화를 불러일으키기 위해 소리의 길이, 속도 및 조합이 무엇인지 결정할 수 있다는 것입니다. 그러나 우리는 미적 느낌을 불러 일으키기 위해 인간의 인식이 얼마나 정확하게 결합되어야 하는지에 대해 전혀 알지 못합니다. (넓은 의미에서 미적 느낌은 일반적으로 조화 감각과 대칭 감각을 의미합니다. , 그리고 시각, 청각, 후각 및 부분적 촉각 기관에 대한 외부 물체의 특정 작용의 영향으로 우리가 경험하는 일반적으로 모든 즐거운 감각입니다. 해당 분야의 예술 작품을 읽거나 들을 때 언어 예술이라고 합니다. 오해를 피하기 위해 예약합니다.) 조화의 느낌에는 고유한 특정 기관이 있으며, 이 기관의 잘 알려진 생리적 구조에 의해 결정되며 청취자의 주관적인 분위기 또는 주관적인 분위기에 전혀 의존하지 않습니다. 몇 명을 데려가더라도 모두 정상적으로 영재라면 발달된 청력, 그들 모두의 음악적 화음은 필연적으로 필연적으로 조화와 불협화음, 즉 부조화의 느낌을 유발할 것입니다. 그렇기 때문에 음악평론가 그는 음악 작품을 검토할 때 그것이 우리의 음악적 감정을 어느 정도 만족시키는지, 그리고 어느 정도 만족하는지 매우 정확하고 과학적이며 객관적으로 증명할 수 있는 모든 기회를 갖습니다. 소설 비평가는 완전히 다른 입장에 있습니다. 과학은 우리에게 미학적 느낌을 불러일으키는 객관적인 조건을 결정하는 데 전혀 도움이 되지 않습니다. 다른 사람들뿐만 아니라 같은 사람의 삶의 다른 해, 영적 분위기의 다른 순간에 동일한 작업이 다른, 종종 완전히 반대되는 미적 인상을 생성합니다. 남편의 관 위에서 죽어가는 '아름다운 이슬람 여인'의 모습을 떠올리며 심미적으로 기뻐하는 독자도 있고, 셰익스피어의 드라마나 디킨스의 소설 등에 전혀 무관심한 독자도 있다. 피에르 보보리킨(Pierre Boborykin)은 참을 수 없는 지루함밖에 느끼지 못합니다. 다른 사람들에게는 동일한 글이 미학적 즐거움을 선사합니다. G.B.D.P. 일부 Nezlobin 또는 Leskov의 작품을 읽을 때 미적 즐거움을 경험하는 반면, 나에게는 동일한 작품이 반발감, 불쾌감을 제외하고는 결정적으로 아무것도 불러 일으키지 않습니다. 한마디로, 혀의 미각보다 미적 감각에 "세상에 머리가 얼마나 많은지, 맛과 마음이 너무 많다"는 속담이 적용될 수 있습니다. 미적 감정은 주로 주관적이고 개인적인 감정이며 모든 인간의 감정 중에서 아마도 과학적 심리학에 의해 가장 적게 발전된 감정일 것입니다. 이 감정은 극도로 복잡하고, 변하기 쉬우며, 일정하지 않다는 것만 알려져 있으며, 주로 사람의 정신적, 도덕적 발달 정도에 따라 결정되지만 정신적, 도덕적으로 똑같이 발달한 사람이라 할지라도 감정과는 거리가 멀다는 것을 종종 볼 수 있습니다. 같은. 분명히, 그의 교육은 정신적, 도덕적 발달 외에도 사람이 성장하고 순환하는 환경, 생활 방식, 활동, 습관, 읽는 책, 만나는 사람들 및 환경에 의해 크게 영향을 받습니다. 마지막으로 순전히 무의식적인 성향과 감정, 부분적으로 유전되고 부분적으로 어린 시절에 배운 것 등입니다. 우리의 모든 파생적이고 복잡하며 소위 지적 감정에 대해서도 마찬가지라고 말할 수 있다는 것이 나에게 이의를 제기할 것입니다. 우리의 환경, 삶의 방식, 직업, 습관, 양육, 유전적 소인 등에 관한 것입니다. 등등, 그러나 이것으로부터 그들 모두가 반드시 너무 개별적이고, 불변하고, 변할 수 있어서 우리가 그들에 대해 일반적이고 아주 명확한 객관적인 생각을 형성할 수 없다는 결론이 나오지는 않습니다. 예를 들어, 사랑의 감정, 즉 소위 도덕적 감정을 생각해 보세요. 개인의 특정 주관적 특성의 영향으로 어떻게 변하더라도 신중한 분석을 통해 개인의 표현에서 항상 공통적이고 지속적인 것을 발견하게 될 것입니다. 주관적인 불순물을 산만하게 하는 이 일반적인, 상수를 완벽하게 구축할 수 있습니다. 과학적 발표 "정상적인"사랑의 느낌, 정상적인 도덕성 등에 대해 그리고 일단 그런 생각을 갖게되면 정상적인 도덕성이나 사랑, 도덕적, 만족스러운 감각을 가진 사람들이 정확히 무엇을 고려하는지 미리 결정할 수 있습니다. 사랑의 감정과 사랑에 어긋나는 부도덕한 것. 따라서 사랑과 도덕 분야와 관련된 현상을 평가하기 위한 완전히 정확하고 객관적인 기준을 얻게 됩니다. 똑같은 방식으로 정상적인 미적 감정에 대한 과학적 개념을 구축하고, 이 개념을 바탕으로 예술 작품을 평가하는 객관적인 기준을 도출하는 것이 가능하지 않을까요? 실제로 형이상학적인 미학은 이를 위해 여러 번 시도했지만 이러한 시도는 전혀 아무것도 가져오지 못했으며, 더 좋게 말하면 순전히 부정적인 결과를 가져왔습니다. 그들은 어떤 명확한 정의도 따르지 않는 인간의 끊임없이 변화하고 변덕스러운 미적 감정을 특정하고 변하지 않으며 지속적인 규범 아래로 가져 오려는 형이상학 심리학자들의 주장이 모두 무익하다는 것을 자신의 눈으로 증명했습니다. 미학자들은 그들의 심오한 고찰에 따라 예술 작품이 우리에게 미적 즐거움을 불러일으키기 위해 반드시 충족시켜야 하는 필수 조건을 현학적인 정확성과 결단력 있는 철저함으로 계산했지만 헛수고였습니다. 독서 대중은 그것이 Messrs의 "필수 조건"을 충족하는지 여부에 전혀 신경 쓰지 않고 이야기와 소설을 즐기고 감탄하거나 탁자 아래로 던졌습니다. 미학자. 그리고 미적 교리의 요구 사항을 가장 많이 충족시키는 작품이 테이블 아래로 던져지는 반면 대중은 그것을 가장 덜 만족시키는 작품을 읽는 일이 자주 발생했습니다. 일반적으로 극도의 가변성, 자의성 및 종종 상호 모순으로 구별되는 "정말 아름답다", "정말 예술적"이라는 이론은 이러한 이론의 저자가 예술 작품을 평가할 때 지침으로 삼았습니다. 그러나 대다수의 독자들에게는 그 내용이 전혀 의미가 없었습니다. 대부분의 독자들은 그것이 존재하는지조차 몰랐습니다. 어느 정도 확립된 명성을 지닌 작가들의 문학 작품이 독자들에게 주는 미적 인상에 대한 경험적 관찰에 기초하여 (레싱의 이론과 같은) 순전히 귀납적인 방식으로 구성된 이러한 이론들조차 — 결코 일반적인 미적 기준을 제시할 수 없습니다. 사실, 그것은 결국 모든 독자의 미학적 취향에 대한 관찰에서 비롯된 것이 아니라 거의 동일한 수준의 정신적, 정신적 수준을 가진 소수의 극도로 제한된 지능적인 사람들 그룹의 미적 취향에 대한 관찰에서 파생됩니다. 도덕적 발달, 거의 동일한 환경에서 생활하고, 거의 동일한 습관, 요구 및 관심을 갖는 것입니다. 나는 그러한 관찰에서 미학자가 추론 한 진정으로 아름답고 예술적인 아이디어가 예술 작품을 평가하는 데 상당히 정확한 객관적인 기준 역할을한다는 데 동의합니다. 그러나 정확하게이 사람들의 관점에서만 볼 때, 정확하게 이 제한된 독자 집단; 다른 독자들에게는 아무런 의미가 없을 것입니다. 대중 중 소수의 미적 취향을 정상적인 미적 취향으로 간주하고 전체 독서 대중의 미적 취향을 배타적 요구 사항에 종속시킬 권리가 우리에게 있습니까? 소설에서 예술적 매력을 보는 사람, 적어도 보보리킨 씨, 프세볼로드 크레스토프스키 씨, 레스코프 씨의 미적 취향이 작가의 미적 취향보다 정상적인 미적 취향에 더 가깝다고 주장할 이유가 무엇입니까? "The Beautiful Mohammedan", "Yeruslan Lazarevich", "Firebird" 등에서 예술적 매력을 본 사람 11? 과학적인 것뿐만 아니라 단순히 합리적인 고려로 인해 우리는 "Anna Karenina"나 Turgenev의 "Novi"를 읽을 때 미적 즐거움을 경험하는 독자의 미적 취향보다 미적 취향을 선호하기 시작할 것입니다. "Nov"도 "Karenina"도 미적 인상을주지 않는 사람? 그리고 정확한 과학이 이러한 문제를 해결할 수 없는 한, 과학적 미학에 대해 생각할 것은 아무것도 없습니다. 그때까지는 "진정으로 아름답다"와 "진정으로 예술적"이라는 이론 중 어느 것도, 정상적인 미적 취향의 일반적인 요구 사항을 결정하고 이러한 요구 사항에서 예술 작품을 평가하기 위한 일반적인 객관적 기준을 도출하려는 시도 중 어느 것도 성공하지 못할 것입니다. 실제 토양; 그들 모두는 주관적인 자의성과 경험주의의 흔적을 지니고 있을 것입니다. 그러나 현재의 사회 생활 조건 하에서 과학이 우리에게 정확한 규범, 보편적으로 구속력 있는 미학적 취향의 이상을 제공할 수 있는지는 매우 의심스럽습니다. 이러한 규범과 이상은 모든 사람 또는 대다수의 사람들이 어느 정도 동일한 정신적, 도덕적 발달 수준에 있을 때, 모두가 어느 정도 동일한 생활 방식을 영위할 때에만 실현될 수 있습니다. 동일한 관심, 필요, 습관은 거의 동일한 교육을 받게 됩니다. 등등. 그때까지는 각각의 개별 독자 그룹, 심지어 개별 독자조차도 예술 작품을 평가할 때 자신의 기준에 따라 안내될 것이며 이러한 각 기준에 대해 우리는 정확히 동일한 상대적 존엄성을 인식해야 합니다. 어느 것이 더 높거나, 더 낮거나, 더 낫거나, 더 나쁩니다. 이 문제에 대한 과학적 해결책에 대해 우리는 긍정적이고 객관적인 데이터가 없습니다. 미용사가 이에 대해 부끄러워하지 않고 여전히 결정을 내리는 것은 사실입니다. 그러나 모든 결정은 순전히 주관적인 감정과 개인적인 취향에 따라 결정되므로 누구에게도 의무적인 의미를 가질 수 없습니다. 이것은 과학적 데이터에 근거한 것이 아닌 수백만 명의 독자 중 한 사람의 개인적이고 입증되지 않은 의견에 지나지 않습니다. 이 독자는 그의 미적 취향이 "정말 아름답다", "정말 예술적"을 평가하는 절대적인 척도가 될 수 있다고 상상합니다. "라고 말하고 다른 독자들에게 이에 대해 확신을 주려고 노력하며 다른 독자들은 일반적으로 그의 말을 받아들입니다. 그러나 누군가가 그에게 다음과 같이 묻는다면 미용사는 뭐라고 말하겠습니까? “미용사 씨, 당신은 어떤 근거로 당신에게 기분 좋은 미적 인상을 주는 것과 이 아름답고 예술적인 결과로 당신이 생각하는 것이 무엇이라고 생각하십니까? 즉, 그것은 당신 자신을 위해서가 아니라 일반적으로 모든 독자들에게 아름답고 예술적이어야 합니다. 당신 자신을 위해서도 일종의 절대적이고 보편적인 기준, 일반적으로 구속력 있는 원칙에 대한 완전히 무의식적인 요구를 해야 합니다. , 그리고 이러한 기준과 원칙의 도움으로 당신은 "정말로 아름답고" "정말로 예술적"인 sich und für sich?"에 대한 전체 이론을 구축했습니다. 아마도 미용사는 아무 말도하지 않고 경멸 적으로 어깨를 으쓱 할 것입니다. "당신은 아무것도 이해하지 못한다고 말합니다. 대답조차해서는 안됩니다!" 그리고 실제로 그는 무엇을 말할 수 있습니까? 첫 번째 질문에 긍정적인 의미로 대답한다는 것은 극도로 불리한 측면에서 자신, 특히 자신의 지성을 드러내는 것을 의미합니다. 부정적으로 대답한다는 것은 모든 미학 이론에 대한 사형 선고에 서명하는 것을 의미하며, 예술 작품을 평가하기 위한 일반적인 기준 설정을 단번에 거부하는 것을 의미합니다. 그러나 예술 작품의 예술성 정도를 평가하기 위한 정확하고 객관적이며 의무적인 기준이 없다면, 분명히 예술 작품의 예술적 진실성에 대한 문제는 순전히 주관적인 인상에 기초하여 결정될 수 없습니다. 완전히 자의적이어서 비평가의 개인적인 고려 사항에 대한 객관적인 검증을 허용하지 않습니다. 발 밑에 실제 기반이없는 비평가는 "주관주의"라는 끝없는 바다로 뛰어 들었습니다. 실제적이고 객관적인 사실 대신에 그는 이제 파악하기 어려운 무의식적 "내면의 감정"을 조작해야 합니다. 여기서는 정확한 관찰, 논리적 결론 및 증거에 대해 이야기 할 수 없습니다. 그것들은 입증되지 않은 격언으로 대체되는데, 그 유일한 최후 비율 12는 비평가의 개인적인 취향입니다. 지금까지 말한 모든 내용을 요약하면 다음과 같은 결론에 도달합니다. 문학적 창의성에 대한 비판을 분석하는 세 가지 질문 중 특정 작품의 중요한 진실에 대한 질문, 심리적 진실에 대한 질문 및 예술적 진실 - 객관적인 연구 방법의 도움으로 첫 번째 질문만 엄격하게 과학적으로 해결할 수 있습니다. 두 번째 질문의 해결에는 객관적인 연구 방법이 부분적으로만 적용되지만 대부분의 경우 순전히 주관적인 방법을 기반으로 해결되므로 그 해결은 엄격한 과학적 성격을 거의 갖지 않으며 가질 수도 없습니다. 마지막으로, 세 번째 질문은 더 이상 근사적인 과학적 해결책조차 허용하지 않습니다. 이것은 개인적인 취향의 문제이며, 한 영리한 라틴어 속담에서 말했듯이 개인 취향에 대해 논쟁하지 않습니다. 적어도 똑똑한 사람들은 논쟁하지 않습니다. 결과적으로, 문학적 창의성에 대한 비판은 객관적인 관찰과 과학적 결론을 바탕으로 엄격하게 실제 기반에 서기를 원한다면, 즉 형이상학이 아닌 현실적이고 주관적이지 않고 객관적 과학적이기를 원한다면- 환상적인 비평은 현재 과학적이고 객관적인 해결책을 허용하는 질문, 즉 다음과 같은 질문으로만 분석 범위를 제한해야 합니다. 1) 주어진 예술 작품을 결정하고 탄생시킨 역사적, 사회적 사실에 대한 정의와 설명; 2) 그 안에서 재현되는 현상을 결정하고 발생시킨 역사적, 사회적 요인에 대한 정의와 설명; 3) 사회적 중요성과 중요한 진실에 대한 정의와 설명. 그 안에 파생된 등장인물의 심리적 진실에 대한 질문은 객관적인 연구와 가능하다면 과학적 해결책이 인정되는 한에서만 분석의 대상이 될 수 있습니다. 예술 작품의 미학적 장점과 단점에 대한 문제는 그 해결을 위한 과학적 객관적 근거가 없는 상황에서 실제 비평 분야에서 완전히 배제되어야 합니다. 예술적 창작. 이러한 질문은 아직 과학 심리학에 의해 완전히 발전되지 않았으므로 문학 비평에서 이에 대해 이야기한다는 것은 단순히 "빈에서 빈으로 쏟아 붓는 것"을 의미합니다. 그것은 과학 심리학이 우리에게 창조 과정의 본질을 설명하는 때이며, 그것이 특정하고 정확한 과학적 법칙에 따라 적용되고 또 다른 문제가 될 때입니다. 그러면 비평가는 이 작가 또는 저 작가의 작업을 평가하고 분석하기 위한 완전히 과학적이고 불변적인 기준을 갖게 될 것이며 결과적으로 이 평가와 이 분석에 참여하면서 그는 엄격하게 과학적인 실제 기반을 전혀 떠나지 않을 것입니다. 반면에 B.D.P. 씨가 그에게 조언한 대로 작가의 창작 작품의 "심리적 기초"에 대한 조사를 시작하는 것을 현재 머리 속으로 받아들인다면, 그러면 아무렇지도 않게, 그는 완전히 입증되지 않은, 완전히 자의적인 가정과 주관적, 확실히 누구도 흥미로운 고려 사항이 없는 것에 자신을 국한시켜야 할 것입니다. 극도로 무지하고 과학 심리학의 눈을 이해하지 못하는 G. B. D. P.는 후자의 임무를 문학 비평의 임무와 동일시합니다. 심리적 질문, 특히 "창의적 과정의 기초에 관한"질문과 같은 복잡하고 복잡한 질문을 해결하려면 먼저 전문 생리학자가되어야합니다. 물론, 문학 평론가가 전문 생리학자가 되는 것을 막는 것은 아무것도 없지만, 첫째, 그에게는 이것이 필요하지 않으며, 둘째, "기초"에 대한 질문만 과학적으로 해결될 수 있는 방법과 기술이 창의적이거나 다른 정신적 과정은 문학 비평 문제 분야에 전혀 적용할 수 없고 관련이 없습니다. 비평가는 실험 심리학의 과학적 결론을 사용할 수 있고 사용해야 하지만, 이미 준비된 분석 결과를 사용하는 것과 이 분석에 직접 참여하는 것은 전혀 다른 문제입니다. 자신을 Messrs로 두십시오. 과학 전문가는 "창의성의 정신적 기초"에 참여하고 있으며 손에 책이 있지만 Messrs입니다. 문학 평론가는 그러한 일에 전혀 무능합니다. 이해가 안 되시나요, B.D.P 씨? 아마도 그렇지 않을 것입니다. 그렇지 않으면 평론가들이 심령적 기초 등을 다루어야 할 절대적 필요성을 인식할 때까지 순전히 주관적인 견해와 취향의 표현에 탐닉할 것이라는 우스꽝스러운 침착성을 감히 주장하지 못할 것입니다. 당신은 다음과 같이 의심하지 않습니다. 이후 . 리뷰어는 귀하의 조언을 따를 것이며 마침내 "순수한 주관적인 감각과 취향의 표현"이라는 좁은 영역으로 자신을 닫을 수밖에 없을 것입니다. 실제로 창의성의 기초를 결정하기 위한 객관적인 과학적 기준이 없다면 "주관적인 감각과 취향의 표현" 없이는 불가능합니다. 그러나 특정 문학 작품의 미학적 장점이나 단점에 대한 문제는 현재 정확한 과학적 해결책을 허용하지 않으며 따라서 실제 비평에 대한 진지한 분석의 대상이 될 수 없지만 그럼에도 불구하고 현실주의 비평가는 다음과 같은 결론을 내리지 않습니다. 분석중인 작업이 그에게 준 미학적 인상에 대해 독자 앞에서 침묵을 지킬 의무가 있습니다. 오히려 그러한 침묵은 많은 경우 실제 비평의 가장 본질적인 임무 중 하나와 완전히 모순됩니다. 이 임무는 독자들이 주변 현실 현상에 대해 다소 냉정하고 합리적이며 비판적인 태도를 발전시키기 위해 대중 의식을 명확히하는 데 기여하는 것입니다. 대체로 실제 비평은 특정 예술 작품을 탄생시킨 역사적, 사회적 요인을 분석하고, 그 작품에 재현된 현상의 사회적 중요성과 역사적 기원을 설명함으로써 이 작업을 수행합니다. 그러나 이러한 분석과 설명만으로는 아직 교육적 사명을 다하지 않았습니다. 또한 가능한 한 독자들의 정신적 지평 확장, 도덕적, 사회적 발전에 좋은 영향을 미칠 수 있는 예술 작품의 보급을 촉진하도록 노력해야 합니다. 대중의 의식을 모호하게 하고, 대중의 도덕성을 저하시키고, 지루하게 만들고, 상식을 왜곡하는 작품의 보급에 대응해야 합니다. 예술가가 재현한 현상, 그의 재현의 실제와 같은 진실성, 이에 대한 그의 태도 등에 대한 철저하고 포괄적인 분석을 통해 부분적으로 이 목표를 달성한다고 가정해 보십시오. 그러나 이것만으로는 충분하지 않습니다. 예술가의 성향이나 그가 재현한 현상의 진실성 정도에 대해 아무것도 알고 싶어하지 않는 독자들이 상당히 많습니다. 그들은 예술 작품에 예술성 외에는 아무것도 요구하지 않습니다. 그들은 그것이 그들에게 미적 즐거움을 줄 수 있다고 생각하기 때문에 그것의 아이디어나 방향, 그것이 재현하는 현상의 중요한 진리에 대해서는 전혀 신경 쓰지 않고 탐욕스럽게 그것에 달려든다. 그러나 이 문학 작품이나 저 문학 작품이 우리에게 불러일으키는 미적 효과는 우리가 그것을 읽기 시작하는 선입견에 크게 좌우됩니다. 그 놀라운 예술적 아름다움에 대해 미리 귀가 윙윙 거리면 일반적으로 우리는 일반적으로 무의식적으로 어떤 대가를 치르더라도 이러한 아름다움을 찾도록 강요하고 결국에는 거의 항상 그것을 찾습니다. 반대로, 우리가 그것의 예술적 불일치에 대해 선입견을 갖고 있다면, 대부분의 경우(항상 그런 것은 아니지만) 그것은 우리에게 전혀 미학적 인상을 주지 않거나 극도로 약하고 일시적인 인상을 줄 것입니다. 편견은 미적 효과 형성에 있어 매우 중요하면서도 지금까지 과소평가된 역할을 합니다. 이는 의심할 여지 없는 사실이며 실제 비판은 이를 무시할 수 없고 무시해서는 안 됩니다. 우리가 (미학적 관점에서) 좋아하는 소위 고전 문학 작품이 너무 많습니다. 왜냐하면 우리는 어릴 때부터 그것을 예술적 창의성의 예로 보도록 배웠기 때문입니다. 우리가 편견 없는 눈으로 그들을 바라보았다면, 우리가 지금 그들에게서 발견하는 완전히 환상적이고 허구적인 미학적 아름다움을 다른 사람의 목소리에서 결코 발견하지 못했을 것입니다. 주어진 예술 작품의 미적 장점과 단점에 대한 비판에 대한 리뷰는 아무리 주관적이고 따라서 근거가 없거나 입증되지 않은 경우에도 항상 이 작품의 손해나 이익에 대한 미학적 편견 형성에 매우 중요한 영향을 미칩니다. 진정한 비판이 왜 이러한 영향력을 자발적으로 포기해야 합니까? 물론, 그것은 미학적 형이상학적 비평처럼 자신의 미적 견해에 대해 과학적인 근거를 찾지는 않을 것입니다. 이 문학 작품이나 저 문학 작품의 예술성에 대한 객관적 검증 견해를 따르지 않고 주관적으로 표현함으로써 어느 정도 독자들 사이의 보급을 촉진하거나 반대할 것입니다. 그것이 삶의 진실에 대한 요구 사항을 충족하고 독자의 지적 지평 확장, 도덕적, 사회적 발전에 유익한 영향을 미칠 수 있다면 보급에 기여할 것입니다. 독자들의 대중 의식을 모호하게 하고, 도덕 감각을 둔화시키며, 현실을 왜곡한다면 그 확산을 반대할 것입니다. 나는 BJP의 창의력을 타고난 신사들이 예술 작품의 미적 평가에 대한 그러한 진정한 비판의 태도에 고귀한 분노에 빠지지 않을 것임을 알고 있습니다. 그들은 “어찌! 당신은 예술 작품에 대한 미학적 평가에서조차 예술 작품의 진정한 예술적 장점이 아니라 작품의 생생한 진실성과 재현된 현상의 사회적 중요성을 바탕으로 진정한 비평을 원합니다”라고 외칠 것입니다. 뿐만 아니라 독자 등의 정신적, 도덕적, 사회적 발전에 미칠 수 있는 영향 등입니다. 그러나 그렇다면 아마도 예술적 관점에서 가장 부적합한 작품을 진주로 끌어올릴 것입니다. 작가의 세계관이 당신의 세계관과 일치하기 때문에 예술적 창작물, 그리고 반대로 진정한 예술적 진주는 단지 당신이 예술가의 성향을 좋아하지 않기 때문에 진흙 속에 짓밟히게 됩니다. .., 그는 현대 비평가에 대해 "더 많이 저자의 방향이 그들에게 반감적일수록 그들은 그의 작품에 대해 더 편견을 갖게 됩니다. 종종 그들은 재능있는 사람을 평범하게 대하고 그 반대의 경우 평범한 작품이 저널리즘 목표를 달성할 때 "("Word ", No. 5. 비판적 편지에 대한 생각, 창작, p. 68). 그리고 당신은 용기가 있습니다. "그게 뭐야? 아마 우리를 조롱하고 있는 건가? 아니면 단지 독자들을 혼란스럽게 만들고 싶은 걸까?" 아 전혀 그렇지 않아요! 진정하세요, 독창성을 지닌 여러분, B.D.P.: 저는 누구도 신비롭게 여기지도 않고 조롱하지도 않습니다. 당신 자신(예, 심지어 당신 자신)도 B.D.P 씨의 애도와 슬픔에 제대로 꿰뚫어보는 데 어려움을 겪는다면 이것을 쉽게 확신할 수 있습니다. 그는 작품의 예술적 장점에 대한 판단이 주로 작가의 방향에 대한 반감이나 동정에 의해 결정된다는 사실에 대해 현대 비평가들에게 분개하고 분개합니다. 하지만 그렇지 않으면 어떻게 될 수 있습니까? 작가의 방향, 그의 작품에 구현된 아이디어, 그 안에 재현된 이미지가 당신에게 반감이 있다면, 그러한 작품을 읽고 생각하는 데 어떻게 즐거움을 느낄 수 있겠습니까? 결국 그것은 심리적으로 불가능합니다. 심리학이 우리의 미적 감정을 아무리 피상적으로 조사하더라도 오늘날 지식이 풍부한 심리학자 중 누구도 동정심이 가장 필수적인 요소 중 하나라는 점을 감히 부인하지 않을 것입니다. 그러한 예술 작품만이 우리에게 미적 즐거움을 불러일으켜 어떤 식으로든 우리의 동정심에 영향을 미칩니다. 우리는 예술적인 이미지를 미적으로 즐길 수 있도록 공감해야 한다. 삶의 진실성, 특정 문학 작품의 사회적 중요성에 전적인 관심을 기울이는 현실주의 비평가가 예술적 아름다움을 평가할 때 주로 삶의 진실성, 사회적 중요성에 따라 인도된다는 것은 놀라운 일입니다. 아니면 그가 재현 한 현실 현상과 관련하여 작가의 방향은 무엇입니까? 이러한 관계가 비평에 호의적이라면, 그는 예술 작품을 감상할 때 반감이 있을 때보다 자연스럽게 비교할 수 없을 정도로 더 큰 미적 즐거움을 경험하게 될 것입니다. 예를 들어, "Russian Messenger"에 대한 비평가는 적어도 Reshetnikov 또는 Pomyalovsky의 추세에 공감할 수 없기 때문에 그들의 작품을 읽으면서 미적 즐거움을 경험했다면 매우 이상할 것입니다. 이들 작가들의 경향에 공감하는 평론가가 Avseyonok, Markevich, Krestovsky(Vsevolodov)의 소설을 읽을 때 미적 즐거움을 경험할 수 있다면 이상할 것입니다. 실제로 우리는 모스크바 미학 비평가들이 Pomyalovsky와 Reshetnikov의 작품에서 예술적 장점을 거부하고 보지 않으며보고 싶지 않다는 것을 알 수 있습니다. 차례로 상트 페테르부르크 비평가들은 동일한 끈기와 결단력으로 Messrs 작품의 예술성을 부인합니다. Markevich, Avseyonok 및 K 0 . 둘 다 똑같이 진실하고 둘 다 똑같이 옳습니다. 물론 주관적인 감정의 관점에서 볼 때. 그러한 비평가가 Kharkov, Kazan 또는 Vyatka에서 발견되어 Pomyalovsky와 Reshetnikov의 방향과 Avseenko와 Markevich의 방향에 똑같이 공감한다면 아마도 네 작가 모두의 작품에서 그는 의심할 여지 없는 예술적 아름다움을 발견할 것이고, 물론 적어도 그의 모스크바와 상트페테르부르크 형제들이 옳은 것처럼 그도 옳을 것입니다. 우리가 인식했기 때문에 (아마도 일부 열정적인 형이상학자를 제외하고 누가 이것을 인식하지 못합니까? (G. B. D. P.는 인식하지 못합니다. 분명히 그에게는 그것이 있거나 적어도 그것이 있을 수 있는 "지침"이 있는 것 같습니다) 예술 작품의 미적 장점과 단점을 평가하는 데 있어 모든 [주관주의]13와 자의성을 제거하는 것이 가능합니다. 그의 의견으로는 비판은 가능한 한 빨리 이러한 "지도 방법"을 배워야 하며 이를 위해 그는 "과학과 과학적 사고"로 전환할 것을 권장합니다. 불쌍한 B.D.P 씨! 왜 그는 과학과 과학적 사고에 관해 이야기해야 했습니까? 이제 그가 비판에 중세의 학문적 미학으로 전환하라고 조언했다면 또 다른 문제입니다. 적어도 그의 조언은 어느 정도 의미가 있었을 것입니다. 실제로, 학문적 미학의 무기고에서 비판은 매우 정확하고 일반적으로 구속력이 있는 상당수를 찾을 수 있으므로 개인적인 자의성과 주관주의를 제외하고 "정말 아름답다"와 "정말 예술적"을 평가하는 기준입니다. 그러나 과학과 과학적 사고에서는 ... 죄송합니다!-그런 호기심은 없습니다. 반대로, 비판이 과학에 더 가까이 다가갈수록, 비판이 과학적 사고에 더 많이 스며들게 될수록, 그러한 지도 방법이나 그러한 보편적 구속력 있는 기준은 존재하지 않으며 존재할 수도 없다는 것이 점점 더 분명해질 것입니다.)),-- 예술 작품의 미학적 평가에 개인적인 취향과 비평가의 주관적인 무의식적 감각을 제외하고는 다른 어떤 기준도 적용될 수 없다는 점을 인식하면 우리는 더 이상 후자를 자의성과 불일치로 비난할 권리가 없습니다. "아름다움은 보는 사람의 시선에 있다." - - 이 속담이 시각 기관에만 작용하는 현상의 아름다움에 완전히 적용 가능하지 않다면, 작품의 아름다움에는 무조건적으로 적용 가능합니다. 예술 그들의 아름다움은 실제로 그들을 바라보는 눈에 전적으로 달려 있습니다. BDP, 따라서 이 아름다움에 대한 비평가들의 판단(다른 신념뿐만 아니라 동일한 진영에 대한 비평가들)은 주관주의, 자의성, 입증되지 않은 모순적 측면에서 다르지 않습니다. ? 그들의 판단이 그들이 좋아하는 것과 싫어하는 것, 편견, 당신이 말하는 것처럼 "선입견"에 의해 영향을 받지 않기를 어떻게 원하십니까? 왜, 당신은 불가능한 것을 원합니까? 여기까지 말한 바에 따르면 B.D.P. 우리의 진정한 비판의 불일치, 부도덕함, 비과학적인 성격에 대해 그가 " 우연히 들었던" 의견이 얼마나 합리적이고 철저한지 이해하는 것은 어렵지 않을 것입니다. 그것은 주관주의라는 비난을 받지만 동시에 엄격하게 객관적인 근거를 거의 남기지 않으며 이것이 바로 미학적 형이상학적 비판과의 주요 차이점이라는 것이 밝혀졌습니다. 그녀는 체계적이지 못하고 과학적 방법과 원리가 부족하다는 비난을 받고 있지만, 분석할 사실을 사회적 중요성, 객관성, 정확한 과학 연구에 대한 접근성의 정도에 따라 체계적으로 정확하게 분류하고 배포했습니다. 과학적 해결이 가능한 현상과 질문에 모든 관심을 집중함으로써 그녀는 현재 사회 생활의 발전과 현재 지식 수준으로 허용되지 않는 모든 것을 분석 영역에서 제거했습니다. 과학적 해결책이거나 객관적인 연구 방법입니다. 그녀는 비판의 이익, 엄밀한 의미에서 저널리즘의 이익을 희생했다는 이유로 더욱 비난을 받고 있으며, 한편 그녀는 다른 이익의 일부를 희생하지 않을뿐만 아니라 반대로 그것을 병합하려고합니다. 분리할 수 없는 하나의 전체. 비평은 과학으로 설명되지 않는 주관적 세계의 현상에서 객관적 세계의 현상에 대한 연구로 전환할 때에만 진정한 과학적 기반을 유지할 수 있다는 근본적인 명제를 제시함으로써, 말하자면 중심을 이동시켰습니다. 내부적, 정신적 요인(예술적 창의성), 역사적, 사회적 외부 요인에 대한 연구의 중력입니다. 결과적으로, 소위 저널리즘 요소(일반적으로 허용되는 용어를 적용하더라도 나는 이름을 유지합니다) 저널리즘,그러나 본질적으로 이 별명은 특별히 성공한 것으로 간주될 수 없습니다. 사실 비평가는 특정 예술 작품의 진실성과 사회적 중요성을 설명하고 결정하는 역사적, 사회적 요인을 분석하면서 주변 현상에 대한 독자의 견해를 이해하고 비판적인 견해를 발전시키는 것을 염두에 두고 있습니다. 실제 현실에 대한 태도, 시야 확대, 사회적 전망, 다양한 사회적 요인 사이에 존재하는 긴밀한 관계와 인간 성격 발달에 미치는 영향 등을 보여줍니다. 이러한 목표는 다음과 같은 목표와 동일시 될 수 없습니다. 일반적으로 홍보 담당자가 추구합니다. 현재 일반적으로 실제 비판의 저널리즘 경향이라고 불리는 것은 "사회 과학적"경향이라고 부르는 것이 훨씬 더 정확할 것입니다.) 창립자들이 도입 한 것은 전혀 우연적이고 일시적이며 일시적인 것이 아닙니다. 한때는 그랬고 지금은 B.D.P 씨처럼 똑똑한 사람들이 생각하는 것처럼 그 존재 이유를 완전히 잃어버린 것처럼 보입니다. 반대로 그것은 가장 본질적이고 필수적인 부분을 구성합니다. 그것 없이는 생각할 수 없습니다. 그러나 그들은 다음과 같이 말합니다. 최근에 우리의 진정한 비평은 그것이 몇 년 전에 서 있었던 객관적으로 실제적, 과학적, 역사적, 사회적(혹은 저널리즘적) 기반을 떠나기 시작했으며, 그 기반은 원칙과 임무, 깃발을 포기하지 않고는 떠날 수 없습니다. 이제 그녀 안에서는 '예술의 독립이라는 이름으로', 즉 세상의 필요성을 느낀 듯 어떤 반응이 일어나고 있다고 한다. 실제 사실 주관적인 심리학과 형이상학적인 미학의 그늘진 풀을 다시 탐구해 보세요. 물론 어떤 사람들은 그녀를 꾸짖기도 하고, 예를 들어 Mr. BDP와 같은 사람들은 그녀를 격려하고 칭찬하기도 합니다. 하지만 물론 BDP씨처럼 눈치가 빠른 사람들로부터 나오는 칭찬과 격려는 어떤 욕설보다 더 나쁜 것입니다. 만약 현대 비평에서 '예술의 독립을 위한 반동'의 징후가 실제로 발견된다면, 이러한 징후는 예술의 쇠퇴와 쇠퇴의 명백한 징후가 되어야 한다는 것은 의심의 여지가 없습니다. 그러나 그들은 정확히 무엇으로 나타나는가? 그리고 최근 비평 기사에서 역사적, 사회적 요인에 대한 분석이 점점 뒷전으로 밀려나기 시작하고 있다고 합니다. 비평가들은 사회 분석에 참여하는 대신 순전히 심리적 분석에 참여하는 것을 선호하거나, 분석 중인 작품의 미학적 장점이나 단점에 대한 주관적이고 자의적이며 근거 없는 견해를 설명하는 데 빠져 있습니다. 나는 이것에 어느 정도 진실이 있고, 원한다면 매우 중요한 부분이 있음을 인정할 준비가 되어 있습니다. 그러나 첫째, 심리적 분석, 즉 특정 예술 작품의 심리적 진실에 대한 질문에 대한 연구는 위에서 살펴본 것처럼 실제 비평으로 해결해야 할 문제의 영역에서 완전히 제외될 수는 없습니다. 마찬가지로 실제 비평의 임무는 이 예술 작품이나 저 예술 작품의 미적 장점과 단점에 대한 주관적인 견해 측면에서 비평가의 어느 정도 확장으로 인해 결코 해를 끼치 지 않습니다. 둘째, 비판의 쇠퇴에 대한 가설의 도움 없이도 최근 역사적 사회 현상에 대한 분석, 즉 소위 언론적 요소가 있다는 사실을 우리에게 설명할 수 있는 다른 상황이 있습니까? 비판은 Messrs의 호의적 인 관심을 끌기 위해 점점 더 줄어들고 있습니다. 비평가? 글쎄요, 사실 비판이 왜 비난을 받는지 말해주세요. 최근 하나 또는 다른 사회 문제에 직간접 적으로 영향을 미치는 소설 작품이 하나 또는 다른 관심이 점점 덜 나타나기 시작했다면; 순전히 심리적 요소가 다시 지배적인 역할을 하는 반면 사회적 요소는 배경으로 밀려나거나 심지어 완전히 사라진다면? 결국 비평가는 분석 중인 작품에 아무런 흔적도 없는 것을 넣을 수 없습니다. 그는 있는 것만을 취한다. 그리고 그에게 심리학이 하나만 있다면 그는 고의로 단 하나의 심리학에 대해서만 이야기해야 할 것입니다. 우리가 겪고 있는 이 시대의 사실을 누구도 부정하지 못할 것입니다." 위대한 시대민족 정신 고양" 쓰고 읽는 모든 것의 대부분은 "시간 죽이기"를 위해서만 쓰고 읽습니다. 나는 작가들을 비난하지 않습니다. 그들은 기아의 위협 속에서 그러한 상품을 서적 시장에 공급해야 합니다. 독자들도 비난하지 마세요... 정말, 어떻게든 시간을 때워야 합니다. 너무 느리게 끌고, 참을 수 없을 정도로 지루하고, 고통스러울 정도로 단조롭습니다!... 하지만 비평가들도 비난하지 마세요. 그들은 다음과 같이 말할 수 있습니다. 그러나 독자를 유쾌한 자기 망각과 평온한 조용함의 상태로 이끄는 매우 순진하고 심지어 칭찬할 만한 목표만을 추구하는 작품은 결국 아무것도 감각을 자극할 수도 없고 자극할 수도 없기 때문에 그것에 대해 이야기하고 싶다면 , 그러면 당신은 반드시 이러한 무의식적 주관적 감각에만 자신을 국한시켜야 할 것입니다. 이 경우 말하지 않는 것이 더 낫다고 말할 수도 있습니다. 아주 옳습니다. 그러나 한편으로는 동의해야하며 결국 때때로 혀를 반죽해야합니다! 그리고 좋은 점은 그가 우리와 함께 완전히 위축될 수 있다는 것입니다 ... 우리는 연극이 미래 공연의 기초이며, 연극의 이념적, 예술적 가치에 대한 감독과 팀 전체의 열정 없이는 무대 화신 작업이 성공할 수 없다는 것을 확인했습니다. 공연의 독특한 형태는 연극의 모든 특징과 유기적으로 연결되어야 하며, 이러한 특징에서 흘러나온다.
이와 관련하여 감독이 연극을 처음 접하는 순간은 매우 책임이 있습니다. 여기서 문제는 연극에 대한 추가 작업에 대한 창의적인 충동이 발생하는지 아니면 발생하지 않는지 여부입니다. 나중에 후회해야 한다면 매우 짜증날 것입니다. 창의적인 결합이 일어날 수도 있었지만 이를 촉진하기 위해 고안된 조건을 과소평가한 결과로 일어나지 않았습니다. 그렇기 때문에 스스로 이러한 조건을 만들고 창의적인 열정을 방해하는 장애물을 제거하는 방법을 배워야 합니다. 취미가 여전히 일어나지 않는다면 우리는 말할 기회를 갖게 될 것입니다. 우리는 할 수있는 모든 일을했습니다. 그런데 조건이 어떻게 되나요? 그리고 어떤 실수를 피해야 합니까?
우선, 연극을 처음 접하는 동안 최대한 즉각적으로 인식에 접근하는 것이 중요합니다. 이를 위해서는 연극의 첫 번째 읽기 과정 자체가 인상의 즉각성을 방해하지 않는 방식으로 배열되어야 합니다.
첫 인상
정신적, 육체적 피로, 신경질적인 자극, 또는 반대로 과도한 의기양양한 상태에서 연극 읽기를 시작해서는 안 됩니다. 연극을 읽기 위해 우리는 한 번에 전체 연극을 처음부터 끝까지 읽을 수 있는 충분한 시간을 두고, 예를 들어 일반적인 연극 휴식 시간만큼 휴식을 위한 휴식 시간만 둡니다. 긴 휴식 시간에 연극을 한 편씩 읽는 것보다 더 해로운 것은 없으며 버스나 지하철 어딘가에서 단숨에 읽는 것보다 더 해로운 것은 없습니다.
아무도 산만하지 않고 외부인이 방해하지 않도록 독서하는 전체 시간 동안 차분한 환경을 제공해야합니다. 테이블이나 소파에 편안하게 앉아서 천천히 읽기 시작하세요.
처음으로 연극을 읽을 때는 자신이 감독이라는 사실을 잊어버리고 순진하게, 유치하게 신뢰하고, 첫인상에 완전히 굴복하도록 노력하세요. 동시에, 특별한 성실함을 보여주거나, 주의를 집중시키거나, 읽거나 생각하도록 강요할 필요가 없습니다. 이에 대한 근거가 있다면 스스로 올 생각과 감정을 처분 할 준비가되어 있어야합니다. 노력도 없고 "일"도 없습니다. 지루하면 지루해지고, 연극이 관심을 끌 수 없다면 다른 것을 생각해 보세요. 그녀가 관심을 갖고 흥분시키는 능력이 있다면 그녀는 당신에게 관심을 갖고 흥분시킬 것이며, 그녀에게 이러한 능력이 없다면 그것은 당신의 잘못이 아닙니다.
연극에 대한 이러한 첫 번째, 즉각적이고 일반적인 인상이 필요한 이유는 무엇입니까? 이 연극에 유기적으로 내재된 속성을 확인하기 위해. 왜냐하면 첫 번째 일반적인 인상은 바로 이러한 속성이 작용한 결과일 뿐이기 때문입니다.
추론 및 분석, 무게 측정 및 결정 - 이 모든 작업에는 앞으로 충분한 시간이 있을 것입니다. 생생하고 직접적인 인상을 얻을 수 있는 기회를 즉시 놓치면 이 기회를 영원히 잃게 됩니다. 다음날 다시 연극을 읽기 시작하면 분석 요소로 인해 인식이 이미 복잡해지고 순수하고 직접적이지 않을 것입니다. .
우리는 아직 우리 자신의 어떤 것도 연극에 가져오지 못했고, 아직 어떤 식으로든 해석하지 않았습니다. 연극 자체가 우리에게 미친 영향을 서둘러 기록해 봅시다. 그러면 우리는 분석과 상상력을 통해 연극에 속한 것과 우리 자신이 가져온 것을 더 이상 분리할 수 없게 될 것이며, 극작가의 창의성이 어디서 끝나고 우리 자신의 창의성이 시작되는지 더 이상 알 수 없게 될 것입니다. 우리가 첫인상을 즉시 결정하고 고치지 않으면 작업 중에 그것을 기억 속에서 복원하는 것조차 불가능할 것입니다. 그때쯤이면 우리는 세부 사항에 대해 알아볼 것입니다. 특히 나무만 보고 숲을 보지는 않을 것입니다. 공연 당일이 다가오고 관객들이 찾아오면, 우리는 전혀 예상하지 못했던 관객들의 반응을 만날 위험을 무릅쓰게 됩니다. 연극의 유기적 특성 때문에 우리가 잃어버린 느낌은 갑자기 직접적인 관객 앞에서 큰 소리로 선언 될 것입니다. 이는 작품의 유기적 특성이 긍정적일 수도 있고 부정적일 수도 있기 때문에 즐겁기도 하고 불쾌한 놀라움이 될 수도 있습니다. 그리고 어쩌면 더 나쁠 수도 있습니다. 연극의 유기적 특성에 대한 감각을 잃어버린 우리는 무심코 목을 졸라 죽이고 짓밟을 수 있습니다. 전선그것의 긍정적인 속성.
K.S.Stanislavsky는 연극의 첫 번째 직접적인 인상의 중요성에 대해 처음으로 명확하게 말했습니다. 그의 지시에 따라 우리는 첫인상을 깨닫고 고치는 것이 필요하다고 생각합니다. 이 경우 우리가 추구하는 목표는 추가 작업에서 이러한 인상에 맹목적으로 인도되는 것이 아니라 어떤 식 으로든 고려하고 어떤 식 으로든 고려하는 것입니다. 이 연극에 객관적으로 내재된 능력은 다르지 않은 인상을 만들어냅니다. 연극에 대한 추가 작업에서 우리는 무대 수단을 사용하여 연극의 긍정적인 속성을 드러내고 어떤 이유로 우리가 부정적인 것으로 인식하는 속성을 극복하고 소멸시키기 위해 노력할 것입니다.
예를 들어, 처음 알게되었을 때 연극은 우리에게 지루해 보였습니다. 이것이 우리의 즉각적인 인상입니다. 이것은 연극을 포기해야 한다는 뜻인가요? 항상 그런 것은 아닙니다. 읽기 지루한 연극이 무대에서 올바른 결정을 내리면 매우 흥미로운 것으로 판명되는 경우가 종종 있습니다.
극을 좀 더 주의 깊게 분석하면 극에 내재된 가장 깊은 잠재 무대 가능성이 드러날 수 있습니다. 읽기가 지루하다는 것은 이 극이 언어적 내용만으로는 주의를 사로잡는 능력이 없다는 것을 보여줄 뿐입니다. 연극의 이러한 속성을 고려해야합니다. 이는 연극을 준비할 때 텍스트를 자신에 대한 주요 지원으로 삼아서는 안 된다는 것을 나타냅니다. 텍스트 뒤에 숨겨진 내용, 즉 극의 내면적 행위를 드러내는 데 모든 에너지를 쏟는 것이 필요하다.
분석 결과 텍스트 뒤에 아무것도 없는 것으로 나타나면 연극은 쓰레기통에 버릴 수 있습니다. 그러나 그러한 판단을 내리기 위해서는 극에 대한 양심적이고 종합적인 분석이 필요하다.
예를 들어, 감독이 셰익스피어 희극을 읽을 때 웃지 않는다는 이유만으로 상연을 거부한다면 큰 실수를 저지르는 것입니다. 셰익스피어의 희극은 읽을 때 웃음을 유발하는 경우가 거의 없습니다. 그러나 무대에 오르면서 그들은 때때로 강당에서 만장일치의 웃음을 터뜨립니다. 여기서 유머는 등장인물의 말보다는 행동, 행동, 무대 위치에 뿌리를 두고 있습니다. 그러므로 셰익스피어 희극의 유머를 느끼기 위해서는 상상력을 동원하여 등장인물이 말하는 것뿐만 아니라 연기하는 것, 즉 자신의 상상의 화면에서 연극을 하는 것을 상상해야 한다.
Chekhov의 The Seagull에 대한 Stanislavsky의 첫 인상에 대해 증언하면서 Nemirovich-Danchenko는 뛰어난 예술적 재능을 가진 이 뛰어난 감독이 "The Seagull을 읽은 후 ... 무엇에 빠져들 수 있는지 전혀 이해하지 못했습니다. 그는 어떻게 든 반감, 열정-비효율적, 단어-너무 단순 할 수도 있고 이미지-배우에게 좋은 자료를 제공하지 않음 ... 그리고 임무가있었습니다 : 일상 생활의 깊이와 가사에 대한 그의 관심을 정확하게 불러 일으키는 것이 필요했습니다. 그의 환상을 환상이나 역사, 특징적인 줄거리에서 전환하고 가장 평범한 일상의 감정으로 가득 찬 우리 주변의 가장 평범한 일상 생활에 몰입합니다.
종종 작가의 혁신의 각인이 찍혀 있고 인식에 특이한 특징이 특징 인 극적인 형식의 연극은 처음에는 자체에 대해 부정적인 태도를 유발합니다. 예를 들어 M. Gorky의 연극 "Egor Bulychov and Others"에서 이런 일이 일어났습니다. 첫 번째 독서 후 극장 직원은 Evg의 이름을 따서 명명되었습니다. Vakhtangov는 완전히 당황했습니다. 연극을 좋아하는 사람은 거의 없었습니다. 그것은 "대화적"이라고 말했고, 정기적으로 발전하는 음모도, 음모도, 음모도, 행동도 없었습니다.
문제의 본질은 이 연극에서 Gorky가 극적인 예술의 전통적인 표준을 대담하게 위반했다는 것입니다. 이로 인해 탁월한 장점에 대한 초기 인식이 어려워졌으며 이를 공개하려면 새로운 표현 방식이 필요했습니다. 그러한 경우 인간 의식의 관성은 일반적인 생각, 견해 및 취향과 일치하지 않는 모든 것에 저항하는 이유입니다.
Gorky의 연극 무대를 이 대사의 저자에게 맡기기로 결정했습니다. 그러나 길고 매우 적극적인 저항 끝에야 극장 경영진은 저에게 자세히 연구하도록 설득했습니다. 그리고 그러한 연구의 결과로만 연극에 대한 나의 태도가 근본적으로 바뀌 었습니다. 나는 저항을 멈출뿐만 아니라 극장 경영진이 마음을 바꾸고 연극을 나에게서 빼앗아 가면 절망에 빠질 것입니다.
보시다시피 첫 번째 직접적인 인상에 전적으로 의존하는 것은 불가능합니다. 로미오와 줄리엣처럼 사랑이 항상 발생하는 것은 아닙니다. 첫눈에 점진적인 화해를 위해서는 일정 기간이 필요한 경우가 많습니다. 감독이 연극을 사랑하게 되는 과정도 마찬가지다. 이러한 경우 창의적인 열정의 순간은 한동안 연기됩니다. 그러나 결국 성급한 부정적인 결정으로 인해 전혀 일어나지 않을 수도 있습니다. 따라서 "유죄 평결"을 통과하기 위해 서두르지 마십시오. 먼저, 극을 처음 읽을 때 느꼈던 부정적인 인상의 원인을 분석을 통해 알아본다.
연극의 진정한 품질과 첫인상 사이에 반비례 관계가있는 경우도 있습니다. 연극이 처음 알게되었을 때 기쁨을 느끼고 작업 과정에서 이념적, 예술적 실패가 드러나는 경우입니다. . 그 이유는 무엇입니까?
예를 들어, 연극은 밝은 문학적 장점을 가지고 있습니다. 그 언어는 비유성, 격언, 재치 등이 특징입니다. 그러나 등장 인물의 성격은 불명확하고 행동은 느리고 이념적 내용은 모호합니다 ... 연극을 처음 읽을 때 그 문학적 장점은 무대의 불완전성을 일시적으로 가릴 수 있습니다. 그러나 조만간 실망의 순간이 올 것이며, 팀의 상당한 시간과 에너지가 이미 소비된 작업을 중단해야 할 것입니다.
따라서 첫인상에 무작정 좌우될 수는 없지만 이를 고려하는 것이 절대적으로 필요합니다. 왜냐하면 연극의 유기적 특성을 드러내기 때문입니다. 그 중 일부는 직접적인 무대 노출이 필요하고, 일부는 무대 개방이 필요하고, 다른 일부는 무대 개방이 필요합니다. 무대 극복.
첫 번째, 즉각적인 인상을 포착하는 방법은 무엇입니까?
연극을 읽거나 들은 후 즉시 분석하지 않고, 생각하지 않고, 비판하지 않고, 그것이 마음속에 남긴 흔적을 말로 표현해 보세요. 짧고 간결한 정의를 사용하여 즉시 빠져나갈 듯한 인상을 포착해 보십시오. 이 정의를 사용하여 연극이 당신에게 불러일으킨 상태의 스냅샷을 찍으세요. 긴 숙고에 시간을 낭비하지 않고 마음에 떠오르는 정의를 열에 적어 두십시오. 예를 들어:
이 두 가지 일련의 정의를 비교하면 성격이 반대되는 두 이미지를 참조한다는 것을 알 수 있습니다.
각 행은 우리가 받은 인상에 대한 전체적인 보기를 제공합니다. 여기서는 연극의 이념적 내용, 주제 및 줄거리에 대해 이야기하지 않습니다. 우리는 본질적으로 주로 감정적 인 일반적인 인상에 대해서만 이야기하고 있습니다.
그러나 이러한 정의에 의해 요구되는 특정 연극의 일반적인 아이디어를 이미지의 특정 대상과 비교하자마자 이 아이디어를 특정 주제와 결합하면 즉시 이념적 평가를 내릴 수 있습니다. 이 연극.
따라서 우리는 무엇을 봅니다. 필수적인 역할연극의 후속 분석에서 고정된 첫인상을 재생합니다. 그러나 이에 대해서는 나중에 더 자세히 설명합니다. 지금까지 우리의 임무는 첫인상을 수정하는 방법을 특성화하는 것입니다.
E. B. Vakhtangov는 Chekhov의 이야기 "The Good End"를 준비하면서 학생들과 함께 이 이야기의 일반적인 인상을 다음과 같이 정의했습니다. "거래, 어리 석음, 진지함, 긍정, 대담함, 번거 로움". Vakhtangov는 "번거로움은 형태, 둔함, 비만(색상, 거래)으로 드러나야 합니다"라고 말했습니다. 우리는 일반적인 인상을 바탕으로 Vakhtangov가 첫인상에 반영된 Chekhov 이야기의 유기적 속성을 실현해야 하는 무대 수단의 성격을 어떻게 모색하는지 봅니다.
Vakhtangov는 "무슨 일을 하든 작업의 출발점은 항상 첫인상이 될 것입니다."라고 말했습니다.
그러나 우리의 첫인상이 극에 객관적으로 내재된 속성과 특징을 실제로 반영한다고 확신할 수 있습니까? 결국 그것은 매우 주관적이며 다른 사람들의 첫인상과 일치하지 않을 수 있습니다. 첫인상은 극의 속성이나 성격뿐만 아니라 감독 자신, 특히 감독이 극을 읽고 있는 상태에 따라서도 좌우된다. 오늘이 아니라 어제 읽었더라면 그의 인상은 달라졌을 가능성이 크다.
주관적 인식의 사고로 인한 오류를 예방하기 위해서는 집단리딩과 인터뷰를 통해 첫인상을 확인해야 한다. 우리가 알고 있듯이 감독은 집단의 창조적 의지를 대변하고 조직하는 사람이어야 하기 때문에 이는 또한 필요합니다. 그러므로 그는 자신의 개인적인 첫인상을 최종적이고 무조건적으로 생각해서는 안 됩니다. 그의 개인적인 인상은 집단적 인식이라는 "공통 냄비"에서 소화되어야 합니다.
작업이 시작되기 전에 연극에 대한 집단적인 독서와 토론이 많을수록 좋습니다. 각 극장에서 연극은 일반적으로 제작 회의에서 극장 예술위원회, 극단 및 전체 팀에게 읽혀지고, 마지막으로 이 연극에 참여할 배우들에게 읽혀집니다.
이 모든 것은 매우 유용합니다. 분석 전에도 관객의 전반적인 직접적인 인상이 드러나는 방식으로 각 개별 사례에서 낭독극에 대한 논의를 지휘하는 것이 감독의 임무입니다. 자신의 첫인상을 가장 자주 반복되는 일련의 정의와 비교함으로써 감독은 마침내 너무 주관적인 인식의 사고가 빠지고 객관적으로 내재된 연극의 유기적 특성을 가장 정확하게 반영하는 시리즈를 그릴 수 있습니다. 그 안에.
연극에 대한 자신의 직접적인 인상을 확인하고 수정하고 보완한 후, 감독은 마침내 연극에 대한 일반적이고 통합적인 아이디어를 제공하는 여러 가지 정의를 확립하고 기록합니다.
앞으로 감독이 이 음반을 더 자주 참조할수록 그가 저지르는 실수는 줄어들 것입니다. 그러한 기록을 가지고 있으면 그는 자신의 작품에서 작품의 일부 속성을 드러내고 다른 속성을 극복하려는 의도를 따르고 있는지, 즉 끊임없이 자신을 통제할 수 있는지 여부를 항상 확인할 수 있습니다. 그리고 이것은 감독의 예술과 같은 복잡한 예술에서는 의도한 경로에서 벗어나는 것이 매우 쉽기 때문에 절대적으로 필요합니다. 드레스 리허설에서 자신의 작업이 완성된 결과를 본 감독이 겁에 질려 스스로에게 묻는 경우가 얼마나 자주 발생합니까? 내가 이것을 원했습니까? 그녀를 처음 만났을 때 나를 매료시켰던 연극의 속성은 어디에 있는가? 내가 눈에 띄지 않게 옆 어딘가에서 꺼진 것은 어떻게 된 일입니까? 왜 이런 일이 일어났나요?
마지막 질문에 대한 대답은 어렵지 않습니다. 이는 감독이 연극에 대한 감정, 연극을 처음 만났을 때 그를 가장 완전히 사로잡는 감정을 잃었기 때문에 일어난 일이다. 그렇기 때문에 종이에 결정하고 수정하고 첫 번째 직접적인 인상을 자주 기억하는 것이 매우 중요합니다.
내 연출 실습의 예를 들어 보겠습니다. 한번은 소련 작가의 연극을 우연히 상연했는데, 이 연극은 아조프 해안 어장의 집단 농장 중 한 곳에서 일어났습니다. 연극을 읽은 후 나는 다음과 같은 정의로 첫인상을 기록했습니다.
심각성
빈곤
용기
위험
신선한 짠 공기
회색 하늘
회색 바다
힘든 노동
죽음의 근접성.
이 모든 정의는 제가 보기에 연극의 객관적인 특성을 드러냈고, 저는 그것을 제 작품에서 실현하는 꿈을 꾸었습니다. 하지만 레이아웃을 작업하는 동안 나는 작가와 함께 바다의 환상적 이미지에 대한 형식적인 기술적 작업에 빠져들었습니다. 우리는 그를 움직이는 모습을 어김없이 표현하고 싶었습니다. 결국 어느 정도 달성됐다. 뒤쪽에는 검은 벨벳이 걸려 있었고 앞쪽에는 얇은 명주 그물이 걸려있었습니다. 벨벳과 튤 사이에 반짝이는 주석 조각으로 만든 일련의 평행 나선으로 구성된 구조를 배치했습니다. 이 나선은 특별한 메커니즘에 의해 움직이게 되었고, 탐조등의 광선에 의해 조명되고, 회전하면서 태양에 반짝이며 파도처럼 움직이는 물의 환상을 만들어냈습니다. 특히 달빛 아래서 그 효과가 두드러졌습니다. 그것은 밝혀졌다 마법의 그림밤바다. 무지개 빛깔의 하이라이트 형태로 물에 반사된 달빛. 소음 기계의 도움으로 수행되는 파도의 소음이 그림을 완성했습니다. 우리는 노력한 결과에 매우 만족했습니다.
그리고 뭐? 우리의 장식적인 운이 공연의 완전한 실패의 원인이었습니다. 극의 최고의 속성이 눈부신 풍경에 목이 졸려 죽었습니다. 가혹함 대신에 힘들고 위험한 일 대신에 단맛이 나타났습니다. 회색 하늘과 지루한 모래 해변이 있는 회색 바다 대신에 스포츠 엔터테인먼트, 밝은 태양 광선에 눈부시게 반짝이는 물과 시적인 부드러움이 나타났습니다. 크림의 밤. 이러한 외부 디자인의 조건 하에서 연기를 통해 극의 속성을 구현하려는 나의 노력은 모두 실패했습니다. 배우들은 풍경을 "재연"할 수 없었습니다. 우리 주석 바다는 배우들보다 더 강한 것으로 밝혀졌습니다.
내 실수의 본질은 무엇입니까?
나는 당시에 극에 대한 첫 번째 전체적인 인상을 결정하고 수정하는 것을 잊지 않았으나, 이후의 작업 과정에서 이 인상을 확인하는 것을 잊었다. 나는 그 문제에 공식적으로 "관료적"으로 접근했습니다. 나는 그것을 정의하고, 기록하고, 사건에 제출하고 ... 잊어버렸습니다. 그 결과 수많은 연기 성공에도 불구하고 결과는 내적 통일성이 결여된 형식적으로는 미학적 연기였다.
첫인상에 대해 말한 모든 내용은 현대 연극 공연에 대해 실제로 적용하는 데 어렵지 않으며, 고전 작품을 공연할 때 상황은 비교할 수 없을 정도로 더 복잡합니다. 이 경우 감독은 첫 번째, 직접적인 인상을 받을 기회를 박탈당한다. 그는 연극 자체뿐만 아니라 그 해석의 여러 가지도 잘 알고 있는데, 그 중 많은 해석이 전통적이 되어 마음을 확고하게 사로잡아 일반적으로 받아 들여지는 의견을 위반하는 것이 극히 어렵습니다. . 그러나 감독은 특별한 창조적인 노력을 통해 그 유명한 연극을 새롭게 인식하도록 노력해야 합니다. 쉽지는 않지만 가능합니다. 이렇게 하려면 기존의 모든 의견, 판단, 평가, 편견, 진부한 표현에서 주의를 돌리고 연극을 읽을 때 해당 텍스트만 인식하도록 노력해야 합니다.
이 경우 VE Meyerhold가 권장하는 소위 "역설적 접근 방식"이 유용할 수 있지만 능숙하고 신중하게 사용하는 경우가 있습니다. 이는 일반적으로 받아 들여지는 정의와 정반대되는 정의에 비추어 이 작업을 인식하려고 한다는 사실로 구성됩니다. 그러므로 이 극에 대해 우울한 작품이라는 의견이 확립되었다면, 이 작품을 유쾌하게 읽으려고 노력하십시오. 모두가 경박한 농담으로 인식한다면, 그것을 살펴보세요 철학적 깊이; 만약 그것이 무거운 드라마로 여겨졌다면, 그 속에서 웃을 이유를 찾으려고 노력하십시오. 최소한 10번 중 한 번은 큰 노력 없이도 이 작업을 수행할 수 있다는 것을 알게 될 것입니다.
물론, "역설적 접근 방식"을 지침 원칙으로 격상시키는 것은 터무니없는 일입니다. 이러한 정의 방식으로 얻은 전통적인 견해를 기계적으로 뒤집어서 미리 진실로 간주하는 것은 불가능합니다. 각각의 역설적인 가정을 주의 깊게 확인해야 합니다. 역설적인 정의에 비추어 볼 때 당신이 연극에 더 편안함을 느끼고, 역설적인 가정과 연극에서 얻는 인상 사이에 갈등이 없다고 느낀다면, 당신의 가정에는 다음과 같은 문제가 없다고 가정할 수 있습니다. 존재할 권리.
그러나 여전히 연극 자체와 거부하고 싶은 해석을 모두 분석한 후에 최종 결정을 내리게 됩니다. 분석 과정에서 다음 질문에 답하게 될 것입니다. 이전에 연극이 이런 방식으로 해석되었고 그렇지 않은 이유는 무엇이며 왜 이전 연극과 다르고 근본적으로 다른 해석이 주어질 수 있습니까? 이러한 질문에 대답해야만 마침내 역설적 정의에 자신을 확립하고 그것이 극에 객관적으로 내재된 유기적 속성을 반영한다고 생각할 권리가 있습니다.
나는 이미 Gorky의 놀라운 연극 "Yegor Bulychov and Others"가 Vakhtangov Theatre에서 첫 번째 독서에서 부정적인 태도를 만났다고 썼습니다. 이 대사의 저자인 미래의 연극 감독은 이 평가에서 극장 직원과 전적으로 동의했습니다. 그러나 그 이후에도 나는 이 연극을 다섯 번이나 여러 극장에서 공연했고, 동시에 나는 그때마다 이 시대의 사회적 상황이 지시하는 입장에서 감독의 과제에 접근하려고 노력했다. 그러나 여기서 "시도"라는 단어는 전적으로 적절하지 않습니다. 자체적으로 밝혀졌습니다. 그리고 매회 이러한 새로운 접근의 시작은 작품의 첫 순간, 즉 긴 휴식 후 처음으로 극을 읽었을 때의 새로운 인상에 뿌리를 두고 있다. 즉, 사건은 매번 새로운 '첫인상'으로 시작됐다. 그리고 그때마다 나는 극중에서 이전에 눈치채지 못했던 속성과 특징을 발견하면서 놀랐다.
명명된 연극의 네 번째 작품과 다섯 번째 작품 사이에는 15년이 흘렀습니다. 이 기간 동안 우리나라와 전 세계적으로 많은 변화가 있었고, 휴식 후 처음으로 연극을 다시 읽었을 때 훨씬 더 관련성이 높고 현대적인 것처럼 보였습니다. 따라서 첫 번째 직접적인 인상의 특징은 여러 가지 새로운 정의로 강화되었습니다. 이러한 정의의 열이 증가하여 감독의 연극 해석과 무대 연출에 여러 가지 새로운 풍경 색상이 생겨났습니다. 해당 정의 열은 다음과 같습니다.
특별한 관련성
연극의 두 번째 청춘
신선도 밝기
용기와 결단력
풍자와 분노
무자비함
잔학
심각성
간결
박진성
유머와 비극
활력과 다양성
단순함과 그로테스크함
폭과 상징성
자신감과 낙천주의
미래에 대한 열망
이러한 정의에 따라 내가 1967년 말 소피아에서 뛰어난 불가리아 배우 스테판 게초프를 주연으로 맡은 연극이 탄생했습니다.
나는 체호프의 최고의 작품 중 하나인 그의 유명한 <갈매기>를 세 번이나 상연했습니다. 지난 작품은 앞선 두 작품에 비해 훨씬 더 충실하고 정확해 극의 아름다움과 깊이가 잘 드러나는 것 같다. 그리고 "Egor Bulychov"의 여러 작품과 마찬가지로 연극의 "첫인상"은 후속 작품마다 새로운 발견으로 풍성해졌습니다. 세 번째 옵션에 대한 작업을 시작하기 전에 이 목록은 다음과 같았습니다.
현대적이고 관련성이 높은
시적인
부드럽고 확고한
얇고 강함
우아하고 엄격하게
겁이 없고 공정하다
마음의 고통과 생각의 용기
현명하고 차분한
슬픔과 불안
친절하고 가혹하게
재미있고 슬프다
믿음과 희망으로
셰익스피어의 열정
체호프의 구속
투쟁, 욕망, 꿈
극복
이 목록에서도 이 극적 문학의 걸작은 얼마나 복잡하고 다면적이며 모순적이어서 상연하기가 매우 어려운지 분명합니다.
그러나 가장 어려운 연극에 대한 감독의 작업은 그러한 목록이 손에 있으면 크게 촉진됩니다. 자신의 아이디어를 생각하고 이에 대한 환상과 상상력을 동원하여 감독은 이러한 모든 속성과 특징이 있어야하는 공연에 대한 감독의 솔루션을 찾기 위해 길을 잃지 않도록 이러한 "치트 시트"에 지속적으로 대처할 수있는 기회를 얻습니다. 그들의 무대 구체화를 찾으십시오.
그래서 우리는 연극의 첫 인상을 결정하는 것이 감독 창작의 출발점이라는 사실을 확립했다. 첫인상은 이 연극에 유기적으로 내재된 속성의 표현입니다. 이러한 속성은 긍정적일 수도 있고 부정적일 수도 있습니다. 연극의 일부 속성은 연극을 처음 접하는 동안 알려지고 첫인상으로 실현되는 반면, 다른 속성은 분석 결과로 나타나거나 연극 무대 구현 중에만 드러납니다. 따라서 일부 속성은 명시적으로 존재하고 다른 속성은 숨겨진 형식으로 존재합니다. 명시적인 긍정적 속성은 무대 구현, 숨겨진 속성은 무대 공개에 적용됩니다. 부정적인 속성(명시적 속성과 숨겨진 속성 모두)은 창의적인 극복의 대상입니다.
연극의 주제 정의, 아이디어 및 수퍼 태스크
주제를 정의하면서 연극에 대한 예비 감독의 분석을 시작하는 것이 가장 편리한 것 같습니다. 그런 다음 그 선도, 주요 아이디어 및 상위 작업이 공개됩니다. 이에 대해 연극에 대한 초기 친분은 기본적으로 완료된 것으로 간주 될 수 있습니다.
그러나 용어에 대해서는 동의합시다.
우리는 이 주제를 질문에 대한 답이라고 부를 것입니다. 이 연극은 무엇에 관한 것입니까? 즉, 주제를 정의한다는 것은 이미지의 대상, 즉 특정 연극에서 예술적 재현을 발견한 현실 현상의 범위를 정의하는 것을 의미합니다.
우리는 연극의 주요 아이디어 또는 주요 아이디어를 질문에 대한 답이라고 부를 것입니다. 저자는이 개체에 대해 무엇을 말합니까? 극의 아이디어에는 묘사된 현실과 관련된 작가의 생각과 감정이 표현됩니다.
주제는 항상 구체적입니다. 그녀는 살아있는 현실의 일부입니다. 반면에 그 아이디어는 추상적이다. 결론이자 일반화입니다.
주제는 작품의 객관적인 측면입니다. 아이디어는 주관적입니다. 이는 묘사된 현실에 대한 작가의 성찰을 나타냅니다.
이 작품의 개별 이미지뿐만 아니라 전체적인 예술 작품은 주제와 아이디어의 통일성, 즉 주제와 추상, 특수성과 일반, 객관적인 것과 주관적인 것의 통일성입니다. 주제의 통일성과 저자가 이 주제에 대해 말하는 내용.
아시다시피, 삶은 우리 감각에 의해 직접적으로 인식되는 형태로 예술에 반영되지 않습니다. 그것은 작가의 의식을 거쳐 생명현상으로 인한 작가의 생각과 감정과 함께 인지되고 변형된 형태로 우리에게 주어진다. 예술적 재현은 예술가의 생각과 감정을 흡수하고 흡수하여 묘사 된 대상에 대한 그의 태도를 표현하며, 이러한 태도는 대상을 삶의 현상에서 예술 현상으로, 예술적 이미지로 변화시키는 것입니다.
예술 작품의 가치는 그 안에 묘사된 모든 현상이 원본과 놀랍도록 유사할 뿐만 아니라 예술가 마음의 불꽃으로 따뜻해진 마음의 빛으로 우리 앞에 나타난다는 사실에 있습니다. 그 깊은 내면의 본질이 드러납니다.
모든 예술가는 레오 톨스토이가 한 말을 기억해야 합니다. 그 속에 있는 선한 것을 사랑하고 악한 것을 미워하지 아니하며...
삶의 각 현상을 본질적으로 진실하게 보여주고, 사람들의 삶에 중요한 진실을 드러내고, 묘사 된 것에 대한 태도와 감정으로 그들을 감염시키는 것이 예술가의 임무입니다. 그렇지 않은 경우, 주관적 원리(즉, 이미지의 주제에 대한 작가의 생각)가 결여되어 작품의 모든 장점이 초보적인 외부 가능성에 국한된다면 작품의 가치는 무시할 수 없게 되었습니다.
그러나 그 반대도 발생합니다. 작업에는 객관적인 시작이 없습니다. 이미지의 주체(객관적 세계의 일부)는 작가의 주관적 의식 속에 용해되어 사라진다. 그러한 작품을 인식하고 예술가 자신에 대해 배울 수 있다면 그와 우리를 둘러싼 현실에 대해 중요한 것을 말할 수 없습니다. 현대 서구 모더니즘이 그토록 몰두하는 이러한 비객관적이고 주관주의적인 예술의 인지적 가치 역시 전혀 미미하다.
연극의 예술은 무대에서 연극의 긍정적인 특성을 끌어내고 이를 파괴할 수 있는 능력을 가지고 있습니다. 따라서 주제와 아이디어가 통일되고 조화를 이루는 연출용 연극을받은 감독이 무대 위에서 실제 생활의 지원이없는 적나라한 추상화로 바꾸지 않는 것이 매우 중요합니다. 그리고 연극의 이념적 내용이 특정 주제, 작가의 일반화의 기초가되는 생활 조건, 사실 및 상황에서 분리되면 쉽게 발생할 수 있습니다. 이러한 일반화가 설득력 있게 들리려면 주제가 매우 구체적으로 실현되어야 합니다.
따라서 사랑, 죽음, 친절, 질투, 명예, 우정, 의무, 인간성, 정의와 같은 추상적인 정의를 피하면서 작품의 시작 부분에서 극의 주제를 정확하게 명명하는 것이 매우 중요합니다. 등 추상적인 작업을 시작하면 구체적인 삶의 내용과 이념적 설득력의 미래 성과를 박탈할 위험이 있습니다. 순서는 다음과 같아야 합니다. 첫째 - 객관적 세계의 실제 주제(극의 주제), 그 다음 - 이 주제에 대한 작가의 판단(극의 아이디어 및 가장 중요한 작업), 그리고 그 다음에만 - 이에 대한 감독의 판단(공연 아이디어).
그러나 우리는 공연의 아이디어에 대해 조금 후에 이야기할 것입니다. 지금은 연극 자체에서 직접적으로 주어지는 것에만 관심이 있습니다. 예제로 넘어가기 전에 예비적인 설명을 하나 더 하겠습니다.
감독이 작품 초반에 제시하는 주제, 아이디어, 슈퍼 과제에 대한 정의가 확고히 확립 된 부동의 것이라고 생각해서는 안됩니다. 미래에는 이러한 공식을 개선하고 개발할 수 있으며 내용도 변경할 수 있습니다. 그것들은 교리라기보다는 초기 가정, 작업 가설로 간주되어야 합니다.
그러나 작업 시작 초기의 주제, 아이디어 및 슈퍼 작업의 정의가 어차피 나중에 모든 것이 바뀔 것이라는 구실로 포기될 수 있다는 것은 전혀 아닙니다. 그리고 감독이 어떤 식으로든 성급하게 이 일을 한다면 그건 잘못된 일이겠죠. 성실하게 수행하려면 연극을 두 번 이상 읽어야합니다. 그리고 연필을 손에 들고 천천히 신중하게 읽을 때마다 뭔가 불분명해 보이는 곳에 머물면서 연극의 의미를 이해하는 데 특히 중요해 보이는 발언에 주목합니다. 그리고 감독은 이런 식으로 연극을 여러 번 읽은 후에야 연극의 주제, 주요 아이디어 및 가장 중요한 작업을 결정하기 위해 대답해야 할 질문을 스스로에게 물어볼 권리를 갖게 됩니다.
그 속에 재현된 삶의 어떤 부분을 극의 주제로 명명하기로 했기 때문에 모든 주제는 시간과 공간에 국한된 대상이다. 이는 작업의 시간과 장소를 결정하는 것, 즉 "언제?"라는 질문에 대한 답을 사용하여 주제 정의를 시작해야 하는 이유를 제공합니다. 그리고 어디?"
"언제?" 의미: 몇 세기, 어느 시대, 어느 시대, 때로는 심지어 몇 년을 의미합니다. "어디?" 즉, 어떤 국가, 어떤 사회, 어떤 환경, 때로는 심지어 어떤 특정 지리적 지점을 의미합니다.
예제를 사용해보자. 그러나 두 가지 중요한 경고가 있습니다.
첫째, 이 책의 저자는 예시로 선정된 희곡에 대한 자신의 해석이 명백한 진실이라고 주장하는 것과는 거리가 멀다. 그는 주제에 대한 보다 정확한 공식화를 찾을 수 있고 이러한 연극의 이데올로기적 의미에 대한 더 깊은 공개가 제공될 수 있음을 기꺼이 인정합니다.
둘째, 각 극의 아이디어를 정의하면서 그 이념적 내용을 철저하게 분석하는 척하지 않고 최대한 노력하겠습니다. 간단한 개요이 콘텐츠의 정수를 제공하고, 콘텐츠에서 "추출"하여 이 연극에서 가장 핵심적인 것으로 보이는 것이 무엇인지 공개합니다. 아마도 이것은 어느 정도 단순화될 것입니다. 글쎄, 우리는 실제로 그 효과가 입증 된 감독의 연극 분석 방법에 대한 몇 가지 예를 독자에게 알릴 다른 기회가 없기 때문에 이것을 이해해야 할 것입니다.
M. Gorky의 "Egor Bulychov"부터 시작하겠습니다.
연극은 언제 진행되나요? 1916~1917년 겨울, 즉 제1차 세계대전 중, 2월 혁명 직전. 어디? 러시아의 지방 도시 중 하나에 있습니다. 최대한의 구체화를 위해 노력한 감독은 작가와 상의한 후 보다 정확한 위치를 정했습니다. 이 작품은 코스트로마에서 고리키가 관찰한 결과입니다.
그래서: 코스트로마의 1916-1917년 겨울.
그러나 이것만으로는 충분하지 않습니다. 어떤 사람들, 어떤 사회적 환경에서 행동이 펼쳐지는지 확립하는 것이 필요합니다. 대답하는 것은 어렵지 않습니다. 부유 한 상인의 가족, 중부 러시아 부르주아지 대표자 중.
러시아 역사의 이 기간 동안 고리키는 상인 가문에 어떤 관심을 가졌습니까?
연극의 첫 번째 대사에서 독자는 Bulychov 가족 구성원이 적대감, 증오, 끊임없는 논쟁의 분위기 속에 살고 있다고 확신합니다. 이 가족이 붕괴, 분해 과정에서 Gorky에 의해 보여졌다는 것이 즉시 분명해졌습니다. 분명히 저자의 관찰과 특별한 관심의 대상은 바로 이 과정이었습니다.
결론: 1916-1917년 겨울에 지방 도시(보다 정확하게는 코스트로마)에 살았던 상인 가족(즉, 러시아 중부 부르주아지의 소규모 대표 그룹)이 분해되는 과정이 주제입니다. 이미지의 주제는 M. Gorky의 연극 "Egor Bulychov and Others"입니다.
보시다시피 여기에서는 모든 것이 구체적입니다. 지금까지는 일반화와 결론이 없습니다.
그리고 우리는 감독이 그의 제작에서 예를 들어 부유한 상인의 아내, Yegor Bulychov의 아내가 할 수 있는 것이 아닌 일반적으로 부유한 저택을 액션 장면으로 제공한다면 큰 실수를 할 것이라고 생각합니다. 19세기 말과 20세기 초에 볼가 시를 물려받았습니다. 그가 러시아 지방 상인들에게 1916년과 같은 형태가 아닌 A. N. Ostrovsky 시대 이후로 우리가 익숙해진 전통적인 형태(언더코트, 블라우스, 병이 달린 부츠)를 보여준다면 그는 그다지 실수하지 않을 것입니다. -1917년. 캐릭터의 행동, 즉 삶의 방식, 매너, 습관에도 동일하게 적용됩니다. 일상생활과 관련된 모든 것은 역사적으로 정확하고 구체적이어야 합니다. 물론 이것은 불필요한 사소한 일과 일상적인 세부 사항으로 성능에 과부하가 필요하다는 것을 의미하지는 않습니다. 필요한 것만 제공하도록하십시오. 그러나 어떤 것이 주어진다면 그것이 역사적 진실과 모순되지 않도록 하십시오.
주제의 중요한 구체성 원칙에 기초하여 "Egor Bulychov"의 방향은 일부 역할의 연기자가 "o"에서 코스트로마 민속 방언을 숙달하도록 요구했으며 B.V. Shchukin은 볼가에서 여름철을 보내 기회를 얻었습니다. Volzhans의 민속 연설을 끊임없이 듣고 그 특성을 완벽하게 익히는 것입니다.
행동의 시간과 장소, 배경 및 일상 생활의 이러한 구체화는 극장이 Gorky 일반화의 깊이와 폭을 완전히 드러내는 것을 방해했을뿐만 아니라 반대로 작가의 아이디어를 가능한 한 이해하기 쉽고 설득력있게 만드는 데 도움이되었습니다.
이 아이디어는 무엇입니까? 고리키는 1917년 2월 혁명 직전에 상인 가족의 삶에 대해 우리에게 정확히 무엇을 말했습니까?
연극을주의 깊게 읽으면 Gorky가 보여준 Bulychov 가족의 분해 그림이 그 자체가 아니라 거대한 규모의 사회적 과정을 반영하는 한 중요하다는 것을 이해하기 시작합니다. 이러한 과정은 Bulychov의 집 경계를 훨씬 넘어 코스트 로마뿐만 아니라 짜르 제국의 광대 한 영토 전체에서 기초가 흔들리고 붕괴 될 준비가 된 모든 곳에서 일어났습니다. 절대적 구체성, 현실적 활력에도 불구하고, 오히려 구체성과 활력 때문에 이 그림은 무의식적으로 그 시대와 이 환경에서 비정상적으로 전형적인 것으로 인식됩니다.
연극의 중심에 Gorky는이 환경의 가장 지능적이고 재능있는 대표자 인 Yegor Bulychov를 배치하여 최근까지 그에게 거룩하고 흔들리지 않는 것처럼 보였던 것에 대한 깊은 회의론, 경멸, 냉소적 조롱 및 분노의 특징을 부여했습니다. 따라서 자본주의 사회는 외부가 아닌 내부로부터의 강력한 비판을 받고 있으며, 이는 이러한 비판을 더욱 설득력 있고 거부할 수 없게 만듭니다. Bulychov의 냉혹하게 다가오는 죽음은 그의 사회적 죽음의 증거, 그의 계급의 불가피한 죽음의 상징으로 우리에 의해 무의식적으로 인식됩니다.
따라서 Gorky는 특정을 통해 일반을, 개인을 통해 전형적인 것을 드러냅니다. 전시 역사적 패턴한 상인 가족의 삶에 반영된 사회적 과정을 통해 Gorky는 자본주의의 불가피한 죽음에 대한 확고한 믿음을 우리 마음 속에 일깨워줍니다.
그래서 우리는 Gorky 연극의 주요 아이디어 인 자본주의에 대한 죽음에 이르렀습니다! Gorky는 평생 동안 모든 유형의 억압, 모든 형태의 육체적, 영적 노예 제도로부터 인간의 해방을 꿈꿨습니다. 그는 평생 동안 자신의 모든 능력, 재능, 기회를 가진 사람의 해방을 꿈꿨습니다. 그는 평생 동안 "남자"라는 단어가 정말로 자랑스럽게 들릴 때를 꿈꿨습니다. 이 꿈은 Gorky가 Bulychov를 만들 때 영감을 준 가장 중요한 작업이었던 것 같습니다.
같은 방식으로 A.P. Chekhov "The Seagull"의 연극을 고려하십시오. 행동의시기는 지난 세기의 90 년대입니다. 현장은 러시아 중부에 있는 한 지주의 사유지이다. 수요일 - 다양한 출신의 러시아 지식인(소토지 귀족, 시민, 기타 라즈노친치 출신)으로, 예술계 직업(작가 2명, 배우 2명)이 우세합니다.
이 연극의 거의 모든 등장 인물은 대부분 불행한 사람들이며 삶과 일, 창의성에 깊은 불만을 갖고 있음을 쉽게 알 수 있습니다. 거의 모든 사람들은 외로움, 주변 생활의 저속함 또는 짝사랑으로 고통받습니다. 거의 모두가 열정적으로 꿈을 꿉니다. 위대한 사랑또는 창의성의 기쁨에 대해. 거의 모두가 행복을 위해 노력합니다. 그들 대부분은 무의미한 삶의 포로에서 벗어나 땅에서 벗어나기를 원합니다. 그러나 그들은 성공하지 못합니다. 사소한 행복의 곡물을 습득 한 후 그들은 그것을 놓치는 것을 두려워하고 (예를 들어 Arkadina와 같이) 그것에 떨고이 곡물을 위해 필사적으로 싸우다가 즉시 그것을 잃습니다. 비인간적 고통의 대가를 치르는 Nina Zarechnaya만이 창의적인 비행의 행복을 경험하고 자신의 소명을 믿고 지구상에서 자신의 존재 의미를 찾습니다.
연극의 주제는 19세기 90년대 러시아 지식인 사이에서 개인의 행복과 예술 성공을 위한 투쟁입니다.
체호프는 이 투쟁에 대해 뭐라고 말합니까? 연극의 이념적 의미는 무엇입니까?
이 질문에 답하기 위해 중요한 점을 이해하려고 노력합시다. 이 사람들을 불행하게 만드는 것은 무엇이며, 고통을 극복하고 삶의 기쁨을 느끼기 위해 부족한 것은 무엇입니까? Nina Zarechnaya가 성공한 이유는 무엇입니까?
연극을주의 깊게 읽으면 대답이 매우 정확하고 철저하게 나올 것입니다. 다양한 캐릭터의 운명에 반대되는 연극의 일반적인 구조에서 들리며 캐릭터의 개별 복제물에서 읽혀지고 대화의 하위 텍스트에서 추측되며 마지막으로 가장 현명한 입술을 통해 직접 표현됩니다. 극중 캐릭터-Dorn 박사의 입술을 통해.
대답은 다음과 같습니다. "The Seagull"의 등장 인물은 인생에서 크고 모든 것을 소모하는 목표가 없기 때문에 너무 불행합니다. 그들은 자신이 무엇을 위해 살고 무엇을 위해 예술을 창조하는지 모릅니다.
따라서 연극의 주요 아이디어는 개인의 행복도 예술의 진정한 성공도 달성할 수 없다는 것입니다. 사람이 큰 목표, 삶과 창의력에 대한 모든 것을 소모하는 슈퍼 과제가 없으면 달성할 수 없습니다.
Chekhov의 연극에서 그러한 슈퍼 작업을 발견 한 생물은 단 한 명뿐이었습니다. 상처를 입고 삶에 지쳤으며 지속적인 고통, 지속적인 고통, 그럼에도 불구하고 행복했습니다! 니나 자레치나야입니다. 이것이 연극의 의미입니다.
그런데 작가 자신의 가장 중요한 임무는 무엇인가? 체호프는 왜 희곡을 썼는가? 사람의 개인적인 행복과 그의 삶과 일의 위대하고 포괄적인 목표 사이의 불가분의 연결에 대한 아이디어를 시청자에게 전달하려는 이러한 열망을 불러일으킨 이유는 무엇입니까?
Chekhov의 작품, 그의 서신 및 동시대 사람들의 증언을 연구하면 Chekhov 자신에게 위대한 목표에 대한 깊은 갈망이 살았다는 것을 입증하는 것이 어렵지 않습니다. 이 목표에 대한 검색은 The Seagull을 만드는 동안 Chekhov의 작업에 영향을 준 소스입니다. 미래 공연에 대한 관객들에게도 동일한 욕구를 불러일으키는 것이 아마도 작가에게 영감을 준 가장 중요한 작업일 것입니다.
이제 L. Leonov의 연극 "Invasion"을 고려해보십시오. 행동 시간 - 위대한 애국 전쟁의 첫 달. 장면은 소련의 유럽 지역 서쪽 어딘가에 있는 작은 마을입니다. 수요일 - 소련 의사의 가족. 연극의 중심에는 의사의 아들이 있는데, 그는 가족과 백성들로부터 분리된 깨어지고 영적으로 왜곡되고 사회적으로 병든 사람입니다. 연극의 액션은 이 이기적인 사람을 진정한 소비에트 사람, 애국자 및 영웅으로 바꾸는 과정입니다. 주제는 1941년부터 1942년까지 파시스트 침략자들에 맞서 소련 국민이 투쟁하는 동안 인간의 영적 재탄생입니다.
그의 영웅의 영적 재생 과정을 보여주는 L. Leonov는 인간에 대한 믿음을 보여줍니다. 그는 우리에게 이렇게 말하는 것 같습니다. 사람이 아무리 낮아져도 재탄생 가능성에 대한 희망을 잃어서는 안 됩니다! 납 구름처럼 고국에 걸려있는 무거운 슬픔, 사랑하는 사람들의 끝없는 고통, 그들의 영웅주의와 자기 희생의 예-이 모든 것이 조국에 대한 Fyodor Talanov의 사랑에서 깨어나 그의 영혼에 타오르는 생명의 불꽃을 부채질했습니다. 밝은 불꽃으로.
Fedor Talanov는 정당한 이유로 사망했습니다. 그의 죽음으로 그는 불멸을 얻었습니다. 이것이 연극의 아이디어가 드러나는 방법입니다. 사람들과의 단결보다 피의 느낌과 그들과의 뗄 수없는 연결보다 더 높은 행복은 없습니다.
사람들에게 서로에 대한 신뢰를 불러일으키고, 높은 애국심이라는 공통된 감정으로 그들을 단결시키고, 조국을 구하기 위해 위대한 일과 높은 업적을 이루도록 영감을 주기 위해, 우리나라의 가장 큰 작가 중 한 사람이 본 것 같습니다 그녀의 가장 어려운 시련의 시기에 그의 시민적, 예술적 슈퍼 과제 .
Chap의 각색도 고려하십시오. A. Fadeev의 소설을 원작으로 한 Grakov "Young Guard".
이 연극의 특징은 그 줄거리에 허구의 요소가 거의 포함되어 있지 않지만 A. Fadeev의 소설에서 가장 정확한 반영을 받은 역사적으로 신뢰할 수 있는 삶의 사실 자체로 구성되어 있다는 사실에 있습니다. 극중 이미지 갤러리는 실제 인물의 예술적 초상화 시리즈입니다.
따라서 여기에서는 이미지 주제의 구체화가 한계에 도달합니다. "언제?"라는 질문에 그리고 어디?" 이 경우 우리는 크라스노돈 시에서 일어난 위대한 애국 전쟁 당시에 절대적으로 정확하게 대답할 기회가 있습니다.
따라서 이 극의 주제는 파시스트 군대가 크라스노돈을 점령하는 동안 소련 청년 집단의 삶과 활동, 영웅적인 죽음을 다루고 있습니다.
위대한 애국 전쟁 중 소련 국민의 모 놀리 식 단결, 도덕적, 정치적 단결-이것이 Young Guards로 알려진 소련 청소년 그룹의 삶과 죽음이 증언하는 것입니다. 이것이 소설과 희곡 모두의 이념적 의미이다.
젊은이들이 죽어가고 있습니다. 그러나 그들의 죽음은 고전 비극의 치명적인 결말로 인식되지 않습니다. 그들의 죽음 자체에는 걷잡을 수 없이 앞으로 나아가는 삶의 더 높은 원칙의 승리, 집단, 인민, 투쟁하는 모든 인류와의 연결을 유지해 온 인간 성격의 내적 승리가 있기 때문입니다. Young Guards는 자신의 힘과 적의 완전한 무기력을 의식한 채 멸망합니다. 따라서 피날레의 낙천주의와 낭만적 인 힘.
따라서 현실 사실의 창의적 동화를 바탕으로 가장 광범위한 일반화가 탄생했습니다. 소설과 그 연출에 대한 연구는 사실주의 예술에서 구체적인 것과 추상적인 것의 통일성을 뒷받침하는 패턴에 도달하는 데 훌륭한 자료를 제공합니다.
A. N. Ostrovsky의 코미디 "진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다"를 생각해보십시오.
행동 시간 - 지난 세기 말. 위치 - Zamoskvorechye, 상인 환경. 주제는 부유한 상인의 딸과 가난한 점원, 고상한 감정과 고귀한 열망으로 가득 찬 청년의 사랑입니다.
A. N. Ostrovsky는 이 사랑에 대해 뭐라고 말합니까? 연극의 이념적 의미는 무엇입니까?
코미디의 주인공 - Plato Unsteady (아, 그의 성이 정말 믿을 수 없는 성이군요!) - 우리는 부자 신부에 대한 사랑뿐만 아니라 (천 주둥이와 칼라시니 행!), 그러나 그들이 원한다면 자모스크보레츠크에서 이 돈키호테를 가루로 갈아줄 이 세상의 강력한 사람들을 포함하여 모든 사람에게 무차별적으로 진실을 말하려는 해로운 열정으로 인해 불행하게도. 그리고 가난한 사람은 "Under"Groznov의 사람에게 완전히 우연한 상황이 아니었다면 채무자의 감옥에 있었고 그의 마음에 소중한 Poliksen과 결혼하지 않았을 것입니다.
사고! 전능하신 행운의 케이스! 오직 그만이 부자 바보들에 의해 인간의 존엄성이 무죄로 짓밟히는 세상, 모든 것이 지갑의 크기에 따라 행복이 결정되는 세상에서 태어날 만큼 경솔하고 정직하지만 가난한 남자를 도울 수 있었습니다. 거기에는 명예도 없고 양심도 없고 진실도 없습니다. 이것이 우리에게 Ostrovsky의 매력적인 코미디 뒤에 숨은 아이디어인 것 같습니다.
러시아 땅에서 모든 것이 근본적으로 변할 시대에 대한 꿈과 자유로운 사고와 좋은 감정억압과 폭력의 거짓말에 대한 승리 – 이것이 러시아의 위대한 극작가이자 인문주의자인 A. N. Ostrovsky의 최고 임무가 아닙니까?
이제 셰익스피어의 햄릿을 살펴보겠습니다.
그 유명한 비극은 언제 어디서 발생합니까?
이 질문에 답하기 전에, 행동의 시간과 장소가 모두 허구적이고 비현실적이며 작품 전체처럼 환상적이고 조건부인 문학 작품이 있다는 점에 유의해야 합니다. 여기에는 동화, 전설, 유토피아, 상징적 드라마 등 본질적으로 우화적인 모든 연극이 포함됩니다. 그러나 이러한 연극의 환상적인 성격은 우리에게 가능성을 박탈할 뿐만 아니라, 심지어 우리에게 다음과 같은 질문을 제기하도록 강요합니다. 그것은 저자가 명명하지는 않았지만 숨겨진 형태로 이 작품의 기초를 형성하는 매우 실제적인 시간이자 실제적인 장소입니다.
이 경우 우리의 질문은 다음과 같은 형태를 취합니다. 현실은 언제 어디에 존재합니까(또는 존재했습니까?), 이는 이 작품에서 환상적인 형태로 반영됩니다.
이 비극에는 환상적인 요소(햄릿 아버지의 유령)가 포함되어 있지만 '햄릿'은 환상적인 장르의 작품이라고 할 수는 없습니다. 그럼에도 불구하고, 이 경우 햄릿 왕자의 생사 날짜는 덴마크 왕국 역사의 정확한 데이터에 따르면 거의 중요하지 않습니다. 셰익스피어의 이 비극은 그의 역사적 연대기와 달리 우리 의견으로는 최소한의 역사적 작품입니다. 이 연극의 줄거리는 실제 역사적 사건이라기보다는 시적 전설의 성격에 더 가깝습니다.
전설적인 왕자 Amlet은 8세기에 살았습니다. 그 역사는 1200년경 문법학자 삭소(Saxo)에 의해 처음으로 전해졌습니다. 한편 셰익스피어의 비극에서 일어나는 모든 일은 본질적으로 셰익스피어 자신이 살고 일했던 훨씬 이후의시기에 기인 할 수 있습니다. 이 역사시기를 르네상스라고 합니다.
햄릿을 만들 때 셰익스피어는 그 당시의 역사적인 연극이 아니라 현대적인 연극을 만들었습니다. 이것은 "언제?"라는 질문에 대한 답을 결정합니다. - 르네상스 시대, 16세기와 17세기 직전.
"어디?"라는 질문에 관해서는 셰익스피어가 조건부로 덴마크를 행동 장소로 삼았다는 것을 확인하는 것은 어렵지 않습니다. 연극에서 일어나는 사건, 분위기, 관습, 관습 및 캐릭터 행동-이 모든 것은 셰익스피어 시대의 다른 어떤 국가보다 영국 자체에 더 일반적입니다. 따라서 이 경우 행동의 시간과 장소에 대한 문제는 다음과 같이 해결될 수 있습니다: 엘리자베스 시대의 영국(조건부-덴마크).
표시된 행동 시간과 장소와 관련하여 이 비극에서는 무엇을 말합니까?
연극의 중심에는 햄릿 왕자가 있습니다. 그는 누구입니까? 이 이미지에서 셰익스피어는 누구를 재현했습니까? 특정인이 있나요? 거의 ~ 아니다! 그 자신? 어느 정도는 그럴 수도 있습니다. 그러나 전체적으로 우리 앞에는 셰익스피어 시대의 진보된 지능 청소년의 전형적인 특징을 지닌 집단적 이미지가 있습니다.
소련의 유명한 셰익스피어 학자 A. Anikst는 일부 연구자들과 함께 햄릿의 운명이 엘리자베스 여왕의 가까운 동료 중 한 명인 에식스 백작에 의해 처형된 비극의 원형이라는 사실을 인정하기를 거부합니다. 다른 특정인. Anikst는 "실생활에서 르네상스 최고의 사람들 인 인본주의 자들의 비극이있었습니다. 그들은 정의와 인류애를 바탕으로 사회와 국가의 새로운 이상을 발전 시켰지만 아직 아무것도 없다고 확신했습니다. 실행을 위한 실제 기회”3.
A. Anikst에 따르면 이 사람들의 비극은 햄릿의 운명에 반영된 것으로 나타났습니다.
이 사람들의 특별한 특징은 무엇이었습니까?
광범위한 교육, 인본주의적 사고 방식, 자신과 타인에 대한 윤리적 엄격함, 철학적 사고방식 및 선과 정의의 이상을 최고의 도덕적 기준으로 지상에 확립할 수 있다는 믿음. 이와 함께 실생활에 대한 무지, 실제 상황을 고려할 수 없음, 적대 진영의 힘과기만에 대한 과소 평가, 묵상, 과도한 속임수 및 선량함과 같은 특성이 특징입니다. 따라서 투쟁의 충동성과 불안정성(기복이 번갈아 나타나는 순간), 잦은 망설임과 의심, 취한 조치의 정확성과 결실에 대한 조기 실망.
이 사람들을 둘러싸고 있는 사람은 누구입니까? 그들은 어떤 세상에 살고 있나요? 악과 잔혹한 폭력이 승리하는 세상, 유혈 잔혹행위와 권력을 위한 잔혹한 투쟁이 벌어지는 세상에서; 모든 도덕적 규범이 무시되고, 최고의 법이 강자의 권리이며, 기본 목표를 달성하기 위해 어떤 수단도 비뚤어지지 않는 세상에서. 와 함께 거대한 힘셰익스피어는 햄릿의 유명한 독백 "사느냐 죽느냐?"에서 이 잔인한 세계를 묘사했습니다.
햄릿은 그의 눈이 열리고 그의 성격이 점차 더 큰 활동, 용기, 확고함, 인내를 향해 진화할 수 있도록 이 세계를 면밀히 직시해야 했습니다. 자신의 무기로 악과 싸워야 하는 쓰라린 필요성을 이해하려면 특정한 삶의 경험이 필요했습니다. 이 진실에 대한 이해 - 햄릿의 말: "친절하려면 잔인해야 합니다."
그러나 - 아쉽게도 - 이 유용한 발견은 햄릿에게 너무 늦게 나타났습니다. 그는 적들의 교활한 복잡성을 깨뜨릴 시간이 없었습니다. 그 교훈을 얻기 위해 그는 목숨을 바쳐야 했습니다.
그렇다면 그 유명한 비극의 주제는 무엇입니까?
작가 자신과 마찬가지로 짓밟힌 정의를 회복하기 위해 자신의 시대의 진보된 사상을 고백하고 "악의 바다"와 불평등한 투쟁을 시도한 르네상스의 젊은 인문주의자의 운명은 다음과 같습니다. 셰익스피어 비극의 주제가 어떻게 간략하게 공식화될 수 있는지.
이제 문제를 해결해 봅시다. 비극의 개념은 무엇입니까? 저자가 밝히고 싶은 진실은 무엇인가?
이 질문에 대한 답변은 다양합니다. 그리고 각 감독은 자신에게 가장 정확해 보이는 감독을 선택할 권리가 있습니다. 이 책의 저자는 Evg의 이름을 딴 극장 무대에서 "햄릿"의 제작에 참여했습니다. Vakhtangov는 자신의 대답을 다음과 같은 말로 공식화했습니다. 햄릿과 같은 정신 파멸 사람들을 주변 악과의 단일 전투에서 불가피하게 패배시키는 투쟁, 외로움 및 모순에 대한 준비가되어 있지 않습니다.
그러나 이것이 비극의 개념이라면 극 전체를 관통하며 시대를 초월하여 불멸을 보장하는 작가의 최고 과제는 무엇입니까?
햄릿의 운명은 슬프지만 자연스러운 일이다. 햄릿의 죽음은 그의 삶과 투쟁의 피할 수 없는 결과이다. 그러나 이 투쟁은 결코 결실이 없는 것은 아니다. 햄릿은 죽었지 만 인류는 선과 정의의 이상을 겪었습니다. 그가 싸웠던 승리를 위해 영원히 살며 인류의 전진에 영감을 불어 넣었습니다. 극의 엄숙한 피날레의 카타르시스에서 우리는 셰익스피어의 용기, 단호함, 활동, 투쟁에 대한 요구를 듣습니다. 이것이 불멸의 비극을 창조한 자의 가장 중요한 임무라고 생각합니다.
위의 예에서 주제의 정의가 책임 있는 작업이 무엇인지 분명합니다. 실수를 하고, 공연에서 창조적 재생산이 적용되는 생명 현상의 범위를 잘못 설정한다는 것은 이에 따라 연극의 아이디어를 정의하는 것도 올바르지 않음을 의미합니다.
그리고 주제를 정확하게 정의하기 위해서는 극작가의 재현 대상이 된 특정 현상을 정확하게 나타낼 필요가 있습니다.
물론, 삶에서 단절된 순전히 상징적 작품에 대해 이야기하고 독자를 비현실적인 이미지의 신비롭고 환상적인 세계로 데려가는 경우 이 작업은 어려운 것으로 판명됩니다. 이 경우 시공간 밖에서 제기되는 문제를 고려한 연극에는 구체적인 삶의 내용이 없습니다.
그러나 이 경우에도 작가의 세계관을 결정하고 이 작품의 성격을 결정한 구체적인 사회계급 상황을 우리는 여전히 특성화할 수 있다. 예를 들어, 우리는 Leonid Andreev의 Life of a Man의 악몽 같은 추상화에서 표현된 이데올로기를 결정한 사회 생활의 어떤 특정 현상을 알 수 있습니다. 이 경우 "남자의 삶"의 주제는 일반적인 사람의 삶이 아니라 정치 시대 러시아 지식인의 특정 부분의 관점에서 사람의 삶이라고 말할 것입니다. 1907년의 반응.
이 연극의 아이디어를 이해하고 평가하기 위해 우리는 시간과 공간을 벗어난 인간의 삶에 대한 성찰을 시작하지 않고 특정 역사적 기간에 러시아 지식인 사이에서 일어난 과정을 연구할 것입니다.
주제를 정하고, 주어진 작품이 무엇을 말하고 있는지에 대한 답을 찾으려다 보면, 극이 한꺼번에 많은 것을 말해준다는 예상치 못한 상황에 우리는 당황하게 된다.
예를 들어 Gorky의 "Egor Bulychov"는 신, 죽음, 전쟁, 임박한 혁명, 노년층과 젊은 세대 간의 관계, 다양한 종류의 상업적 사기, 상속 투쟁을 한마디로 말합니다. , 이 연극에서 말하지 않은 것! 이 작업에서 어떤 방식으로든 다루어지는 많은 주제 중에서 모든 "2차" 주제를 결합하여 전체 작업에 성실성과 통일성을 알리는 주요 주제를 어떻게 골라낼 수 있습니까?
각 개별 사례에서 이 질문에 답하기 위해서는 이러한 삶의 현상의 범위에서 작가가 이 연극의 창작을 하게 된 창조적 충동이 정확히 무엇인지, 무엇이 그의 관심을 키웠는지, 창의적인 기질.
이것이 바로 위의 예에서 우리가 시도한 것입니다. 부르주아 가족의 부패, 붕괴 – 이것이 우리가 Gorky 연극의 주제를 정의한 방법입니다. 그녀는 왜 Gorky에 관심을 가졌습니까? 그는 이를 통해 자신의 주요 사상을 드러내고 부르주아 사회 전체의 분해 과정, 즉 임박하고 피할 수 없는 죽음의 확실한 신호를 보여줄 기회를 보았기 때문이 아닐까? 그리고 이 경우 부르주아 가족의 내부 해체라는 주제가 다른 모든 주제를 그 자체에 종속시킨다는 것을 증명하는 것은 어렵지 않습니다. 말하자면 부르주아 가족은 그것을 흡수하여 봉사하게 됩니다.
극작가의 초초과제
가장 깊고 가장 은밀한 내용에 담긴 극의 아이디어와 작가의 슈퍼과제를 이해하기 위해서는 이 극만을 연구하는 것만으로는 충분하지 않습니다. 극의 슈퍼 과제는 작가의 전체 창작 경로를 특징 짓는 일반적인 슈퍼 과제에 비추어 작가의 세계관 전체에 비추어 명확해지고 그의 작품에 내면의 무결성과 통일성을 부여합니다.
이 작품을 키우는 이념적 지향을 슈퍼 과제라고한다면 작가의 전체 창작 길의 바탕이되는 이념적 열망을 슈퍼 슈퍼 과제라고 부를 수 있습니다. 결과적으로 슈퍼 슈퍼 작업은 작가의 세계관과 작품을 구성하는 모든 것의 정수인 응고입니다. 슈퍼슈퍼과제에 비추어 우리가 발견한 이 연극의 슈퍼과제의 공식화를 심화시키고, 명확화하고, 필요하다면 수정하는 것은 어렵지 않습니다. 결국 연극의 주요 임무는 특별한 경우작가의 슈퍼슈퍼과제의 발현.
작가의 전체 작업의 맥락에서 이 연극의 위치와 의미를 알아낸 감독은 자신의 영적 세계, 이 작품이 탄생하고 성장한 실험실로 더 깊이 들어갑니다. 그리고 이를 통해 감독은 작가의 느낌, 혹은 극의 느낌이라고 할 수 있는 그 귀중한 자질을 획득할 수 있게 된다. 이 느낌은 연구, 분석, 성찰의 결실이 서로 결합되어 감독의 정서적 삶에 대한 전체적인 사실로, 깊고 불가분의 창의적인 경험으로 변할 때만 나타날 것입니다. 그 영향으로 미래 공연의 창의적인 컨셉도 점차 성숙해질 것이다.
작가의 최고 임무가 무엇인지 더 잘 이해하기 위해 러시아와 소련 문학의 뛰어난 대표자들의 작품을 살펴보겠습니다.
Leo Tolstoy의 작업을 연구하면서 그의 슈퍼 슈퍼 임무가 뚜렷한 윤리적 성격을 가지며 도덕적으로 완벽한 사람의 이상을 실현하려는 열정적 인 꿈으로 구성되었음을 입증하는 것은 어렵지 않습니다.
A. P. Chekhov의 창의성의 슈퍼 슈퍼 작업은 미학적 성격에 더 가깝고 인간과 인간 관계의 내적, 외적 아름다움에 대한 꿈으로 구성되었으며 따라서 억압하고 파괴하는 모든 것에 대한 깊은 혐오감을 포함했습니다. 모든 종류의 저속함과 영적 속물주의에 대한 아름다움을 죽입니다. Chekhov는 그의 캐릭터 중 한 사람의 입을 통해 "얼굴, 옷, 영혼, 생각 모두"라고 말합니다. "사람의 모든 것이 아름다워야합니다."
이 슈퍼 슈퍼 작업에 비추어 The Seagull(크고 포괄적인 목표 추구)과 관련하여 설정한 슈퍼 작업을 고려한다면 이 슈퍼 작업은 우리에게 심지어 더 깊고 의미있게. 우리는 개인의 삶과 창의성에 의미를 부여하는 위대한 목표만이 그를 저속한 소부르주아적 존재의 속박에서 벗어나 그의 삶을 참으로 아름답게 만들 수 있다는 것을 이해하게 될 것입니다.
M. Gorky의 작업에 영양을 공급한 생명의 원천은 모든 형태의 육체적, 영적 노예 제도, 영적 부, 대담한 비행, 대담함으로부터 인간 성격의 해방에 대한 꿈이었습니다. Gorky는 "사람"이라는 단어가 자랑스럽게 들리기를 원했고 혁명에서 이에 대한 길을 보았습니다. 그의 작품의 슈퍼 슈퍼 과제는 사회 시적 성격을 띠었습니다. 그의 연극 "Yegor Bulychov and Others"의 상위 작업과 Gorky의 전체 작업의 상위 작업은 완전히 일치합니다.
근본적으로 민족적이며 민속 생활과 민속 예술의 주스로 자양분을 얻은 A. N. Ostrovsky의 작품은 원주민이 폭력과 권리 부족, 무지와 폭정에서 벗어나기를 바라는 열렬한 열망에서 성장했습니다. Ostrovsky의 슈퍼 슈퍼 임무는 사회 윤리적 성격을 띠고 국가적 뿌리가 깊었습니다. 정직하고 단순하며 고상한 '작은 남자'에 대한 작가의 깊은 동정심을 표현한 그의 희곡 '진실은 좋지만 행복은 더 낫다'의 인본주의적 슈퍼 과제는 전적으로 소설의 모든 작품의 슈퍼 슈퍼 과제에서 나온 것이다. 훌륭한 극작가.
F. M. Dostoevsky는 사람의 영혼을 악에서 깨끗하게하고, 자존심을 낮추고, 인간 영혼의 악마를 물리쳐 서로에 대한 사람들의 큰 사랑으로 연합 된 사회를 창조하시는 하나님을 열정적으로 믿고 싶었습니다. Dostoevsky 작업의 슈퍼 슈퍼 작업은 상당한 양의 사회적 유토피아를 포함하는 종교적, 윤리적 성격을 띠었습니다.
노예 제도와 전제주의에 대한 가장 큰 증오에 의해 주도되는 Saltykov-Shchedrin의 열정적 인 풍자적 기질은 모든 악과 악의 전달자였던 당시 정치 체제의 급격한 변화에 대한 꿈에 의해 키워졌습니다. 위대한 풍자가의 슈퍼 슈퍼 임무는 사회 혁명적 성격을 띠었습니다.
현대 소련 문학을 살펴 보겠습니다. 예를 들어 Mikhail Sholokhov의 작업입니다. 전체 소비에트 국민의 삶과 각 개인의 마음 모두에서 낡은 것의 혁명적 파괴와 새로운 창조의 역사적 단계와 밀접하게 연결되어 있으며, 이는 사이의 고통스러운 모순을 극복하려는 꿈에 의해 키워졌습니다. 조화롭게 온전한 인간 성격의 옛 것과 새 것, 의식적으로 노동자들에게 봉사하는 것입니다. 따라서 소련의 가장 위대한 작가 중 한 사람의 초초초과제는 혁명적, 사회적, 정치적 성격을 띠는 동시에 대중 생활의 원칙도 흡수합니다.
또 다른 뛰어난 소비에트 작가 레오니드 레오노프(Leonid Leonov)는 개인과 국가 전체 사이의 동족상잔적 적대감의 비극이 불가능해지고, 증오와 상호 절멸의 저주가 인류에게서 풀려나고 마침내 인류 전체가 멸망하게 될 시대에 대한 원대한 꿈에 자신의 작품을 종속시킵니다. 독립된 민족과 자유민족의 한 가족으로 변모합니다. Leonid Leonov의 창의성의 슈퍼 슈퍼 작업도 다각적이지만 사회 윤리의 차원에 있는 동기가 우세합니다. L. Leonov의 연극 "Invasion"의 가장 중요한 목표는 관객을 높은 애국심의 상식으로 단결시키고 조국의 이름으로 착취하도록 영감을 주려는 열망으로 우리가 공식화 한 초 전체 목표와 밀접하게 연결되어 있습니다 작가의 전체 작품 중, 소련 국민이 파시스트 침략자들에 맞서 벌인 전쟁은 인류의 가장 높은 원칙의 이름으로, 국민 간의 평화의 승리와 국민의 행복이라는 이름으로 벌어졌기 때문입니다.
위의 예는 위대한 예술가의 창의성이라는 슈퍼슈퍼과제가 각자의 독특한 특징을 모두 갖추고 있다는 것을 보여줍니다. 하나의 공통된 뿌리에서 비롯됩니다. 이 공통 뿌리는 고도의 인본주의적 세계관이다. 윤리적, 미적, 사회정치적, 철학적 등 다양한 측면과 측면이 있습니다. 각 예술가는 자신의 영적 관심과 정신적 구조에 가장 적합한 측면을 표현하며, 이것이 그의 작업의 전반적인 임무를 결정합니다. 그러나 모든 강과 하천은 인류가 겪은 인본주의적 염원의 바다로 흘러든다. 인간은 예술의 의미이자 목적이며 모든 창작자의 주요 주제이자 공통 주제입니다.
반인본주의적인 초수퍼 과제(인간애증, 인간에 대한 불신, 선과 정의라는 최고의 이상에 따라 세상을 개선하고 재건하는 능력에 대한 인간의 능력)는 결코 예술에서 가치 있는 어떤 것도 낳을 수 없습니다. 인본주의에는 예술의 아름다움과 힘, 그 위대함이 있기 때문입니다.
그렇기 때문에 감독이 연출하려는 모든 연극의 평가에는 높은 인간성의 원칙이 깔려야 한다.
현실에 대한 연구
연극의 주제를 결정하고 주요 아이디어와 가장 중요한 작업을 공개했다고 가정해 보겠습니다. 다음에는 무엇을 해야 할까요?
여기서 우리는 연극 예술의 다양한 창의적 트렌드의 경로가 갈라지는 지점에 도달했습니다. 우리가 어떤 길을 선택하느냐에 따라 우리가 이것 또는 저것과 관련된 의도를 순전히 설명적인 질서의 작업으로 제한하는지, 아니면 우리가 어느 정도의 창조적 독립성을 주장하는지 여부가 결정될 것입니다. 극작가와 공동 창작하고 근본적으로 새로운 예술 작품이 될 공연을 창작합니다. 즉, 믿음으로 묘사된 현실에 대한 작가의 모든 결론과 연극의 사상을 받아들이는 데 동의하는지, 아니면 이미지의 대상에 대해 우리 자신의 태도를 발전시키고 싶은지에 달려 있습니다. -저자의 것과 완전히 일치하더라도-우리는 독립적으로 태어나고 내부적으로 정당화되고 정당화되는 피를 우리 자신의 것으로 경험하게 될 것입니다.
그러나 두 번째 접근 방식은 일시적으로 극에서 벗어나 현실 자체로 직접 전환하지 않는 한 불가능합니다. 결국, 당분간 우리는이 주제의 범위에 속하는 생명 현상에 대한 우리 자신의 경험, 지식 및 판단을 아직 가지고 있지 않은 것 같습니다. 우리는 연극의 속성과 작가의 아이디어를 모두 고려하고 평가할 수있는 우리 자신의 관점을 가지고 있지 않습니다. 따라서 이 주제에 창의적으로 접근하려면 연극에 대한 추가 작업은 쓸모가 없습니다. 우리가 이 일을 계속한다면, 우리는 고의로 극작가의 노예가 되는 자신을 발견하게 될 것입니다. 우리는 연극에 대한 더 창의적인 작업에 대한 권리를 획득해야 합니다.
그러므로 우리는 일시적으로 연극을 제쳐두고 가능하다면 그것을 잊어버리고 곧바로 삶 자체로 전환해야 합니다. 이 요구 사항은 이 연극의 주제가 당신에게 매우 가까울지라도, 당신이 연극 자체에 익숙해지기 전에도 연극에 나타나는 실제 생활 현상의 범위를 잘 연구했다면 여전히 유효합니다. 그러한 경우가 가능합니다. 당신의 과거, 삶의 조건, 직업으로 인해 당신이 연극에 묘사 된 환경에서 정확하게 움직일 수 있도록 만들어 그 안에서 제기되는 문제를 정확하게 반영한다고 가정하십시오. 한마디로 당신은 모든 것을 아주 잘 알고 있습니다. 이 주제에 관한 것입니다. 이 경우 감독의 창의적인 상상력이 무의식적으로 앞당겨져 미래 공연의 다양한 색상을 만들어냅니다. 그러나 스스로에게 물어보십시오. 예술가의 성실함은 이용 가능한 자료가 불충분하고 불완전하다는 것을 인식하도록 요구하지 않습니까? 이제 특별한 창작 작업을 앞두고 있는 당신은 이전에 알고 있던 것을 다시 한 번 연구해야 하지 않습니까? 이전 경험과 지식에서 채워야 할 중요한 공백을 항상 발견할 수 있으며, 주어진 주제에 대한 판단에서 완전성과 무결성이 부족하다는 것을 항상 발견할 수 있습니다.
우리는 이미 배우의 역할 작업과 관련하여 현실을 인식하는 과정을 간략하게 설명했습니다. 이제 감독의 예술과 관련하여 이 주제를 다소 발전시켜 보겠습니다.
모든 인지는 구체적인 사실에 대한 감각적 인식과 구체적인 인상의 축적으로 시작된다는 점을 기억합시다. 이를 위한 수단은 창의적인 관찰이다. 그러므로 모든 예술가, 즉 감독은 우선 자신이 재현해야 하는 환경으로 뛰어들어 자신에게 필요한 인상을 열심히 얻고, 필요한 관찰 대상을 끊임없이 찾아야 합니다.
그래서 감독의 개인적인 기억과 관찰은 그에게 필요한 구체적인 인상의 축적이라는 작업을 수행하는 수단이다.
그러나 개인적인 인상(기억, 관찰)만으로는 충분하지 않습니다. 감독은 아마도 최선의 경우예를 들어 두세 개의 마을, 두세 개의 공장을 방문하십시오. 그가 목격하게 될 사실과 과정은 특징이 부족하고 전형적이지 않은 것으로 판명될 수 있습니다. 그러므로 그는 자신의 개인적인 경험으로 자신을 제한할 권리가 없습니다. 그는 자신을 돕기 위해 다른 사람들의 경험을 활용해야 합니다. 이 경험은 자신의 경험 부족을 보완할 것입니다.
이는 시간이나 공간적으로 우리와 멀리 떨어져 있는 삶에 있어서는 더욱 필요하다. 여기에는 모든 고전 희곡은 물론 외국 작가의 희곡도 포함됩니다. 두 경우 모두 우리는 개인적인 인상을 받고 자신의 기억과 관찰을 활용할 기회를 크게 박탈당합니다.
나는 "대부분"이라고 말했지만 완전히는 아닙니다. 왜냐하면 이러한 경우에도 우리는 우리 주변의 현실에서 유사하고 유사한 것을 볼 수 있기 때문입니다. 예, 본질적으로 고전극이나 외국 연극에서 유사하거나 유사한 연극을 찾지 못한다면 그러한 연극을 상연할 가치가 거의 없습니다. 그러나 거의 모든 연극의 등장인물에서 언제 어디서나 사랑, 질투, 두려움, 절망, 분노 등 보편적인 인간 감정의 표현을 발견할 수 있습니다. 따라서 예를 들어 " 오델로", 질투심이 현대인에게 어떻게 나타나는지 관찰하십시오. "맥베스" 준비 - 우리 시대에 사는 사람이 어떻게 권력에 대한 갈증을 느끼고 그것을 잃을 가능성에 대한 두려움을 갖게 되는가. 체호프의 <갈매기>를 무대에 올리면서 우리는 아직 알려지지 않은 혁신적인 예술가의 고통과 거부된 사랑의 절망을 관찰할 수 있습니다. Ostrovsky의 연극을 상연함으로써 우리는 현실에서 우리의 행동에 대한 폭정, 절망적 사랑, 보복에 대한 두려움의 표현을 찾을 수 있습니다 ...
이 모든 것을 관찰하기 위해 먼 과거로 뛰어들거나 해외로 나갈 필요가 전혀 없습니다. 인간 경험의 뿌리 인 곡물은 시간이나 장소의 변화에 따라 거의 변하지 않기 때문에 이 모든 것이 우리 근처에 있습니다. 조건, 환경은 변화를 일으키지만 경험 자체는 본질적으로 거의 변하지 않습니다. 인간 경험의 외부 표현 (가소성, 매너, 리듬 등)의 특정 음영에 관해서는 기회가 있었던 다른 사람들의 경험을 사용하여 행동의 시간이나 장소에 대해 항상 필요한 수정을 할 수 있습니다. 우리가 관심을 갖는 삶을 관찰하십시오.
다른 사람의 경험을 어떻게 활용할 수 있나요?
이 시대의 역사 문서, 회고록, 소설 및 저널리즘 문학, 시, 회화, 조각, 음악, 사진 자료 등 한마디로 역사 박물관과 도서관에서 찾을 수 있는 모든 것이 우리 작업에 적합합니다. 이 모든 자료를 바탕으로 우리는 사람들이 어떻게 살았는지, 무엇을 생각했는지, 어떻게 그리고 무엇 때문에 싸웠는지에 대한 가장 완전한 그림을 형성합니다. 그들이 가지고 있는 관심사, 취향, 법, 매너, 관습 및 성격이 무엇인지; 무엇을 먹고, 어떻게 옷을 입고, 집을 어떻게 짓고 꾸미는지; 그들의 사회적 계층 차이 등을 구체적으로 표현한 것 등.
그래서 연극 "Egor Bulychov and Others"를 작업하면서 저는 먼저 제 자신의 기억에 도움을 요청했습니다. 저는 1 차 세계 대전 시대를 아주 잘 기억하고 부르주아지 환경에서받은 많은 인상과 부르주아 지식인은 내 기억 속에, 즉 이 경우 무대에서 재현될 환경에만 남아 있었다. 둘째, 나는 모든 종류의 역사적 자료를 살펴 보았습니다. 당시 유행했던 정치인과 공인의 회고록, 소설, 잡지와 신문, 사진과 그림, 노래와 로맨스-이 모든 것을 필요한 창의적인 음식으로 끌어 들였습니다. 나는 여러 부르주아 신문(Rech, Russkoye Slovo, Novoye Vremya, Black Hundred Russkoye Znamya 등)을 읽었고, 일반적으로 일하는 동안 당시 혁명 운동을 증언하는 수많은 회고록과 문서에 대해 알게 되었습니다. 연극에서 그는 자신의 방을 제국주의 전쟁과 2월 혁명 시대 러시아의 사회생활과 계급투쟁의 역사를 다루는 작은 박물관으로 바꾸었습니다.
나는 감독 작업의 이 단계에서 중요한 것은 그가 연구하고 있는 삶에 대한 일반화, 결론, 결론이 아니라 지금까지는 사실일 뿐임을 강조한다. 보다 구체적인 사실 - 이것이 현 단계의 감독의 슬로건이다.
그런데 감독은 사실 수집에 어느 정도 참여해야 할까? 그는 마침내 만족스럽게 스스로에게 말할 권리를 갖게 될 것입니다. 충분합니다! 그러한 경계는 감독이 갑자기 특정 시대와 특정 사회의 삶에 대한 유기적으로 통합 된 그림이 그의 마음 속에 떠올랐다고 느끼는 행복한 순간이다. 감독은 갑자기 자신이 이런 환경에서 살았고, 여러 출처에서 차근차근 수집한 사실들을 목격한 것처럼 보이기 시작한다. 이제 그는 많은 노력 없이도 역사적 자료가 보존되지 않은 이 사회 생활의 측면에 대해서도 말할 수 있습니다. 그는 이미 무의식적으로 결론을 내리고 일반화하기 시작했습니다. 축적된 물질이 그의 마음 속에서 스스로 합성되기 시작합니다.
E. B. Vakhtangov는 배우가 자신의 어머니를 아는 것처럼 자신이 만드는 이미지를 알아야 한다고 말한 적이 있습니다. 우리는 감독에 대해서도 똑같이 말할 권리가 있습니다. 그가 무대에서 재현하고 싶은 삶을 그는 자신의 어머니를 아는 것만큼 알아야 합니다.
사실자료의 축적 정도는 작가마다 다르다. 하나는 더 많이 축적해야하고 다른 하나는 더 적게 축적해야하므로 사실의 양적 축적의 결과로 이러한 삶의 현상에 대한 전체적이고 완전한 아이디어라는 새로운 품질이 발생합니다.
E. B. Vakhtangov는 일기에 다음과 같이 썼습니다. “어떤 이유에서인지 나는 두세 개의 빈 힌트에서이 정신 (시대의 정신)을 명확하고 생생하게 느끼며 거의 항상 거의 틀림없이 삶의 세부 사항까지 말할 수 있습니다. 세기, 사회, 카스트 - 습관, 법률, 의복 등."
그러나 Vakhtangov는 뛰어난 재능과 뛰어난 직관력을 가진 것으로 알려져 있습니다. 게다가 위의 글은 그가 이미 풍부한 창작 경험을 갖춘 성숙한 대가였을 때 쓴 것입니다. 자신의 예술을 마스터하는 감독은 어떤 경우에도 Vakhtangov가 할 수 있는 정도, 뛰어난 재능과 더욱이 방대한 경험을 가진 사람들이 할 수 있는 정도까지 자신의 직관에 의존해서는 안됩니다. 겸손은 예술가의 최고의 미덕입니다. 왜냐하면 이 미덕이 그에게 가장 유용하기 때문입니다. "영감"에 의존하지 말고 신중하고 부지런히 인생을 연구합시다! 이와 관련하여 적은 것보다 더 많은 것을 하는 것이 항상 더 좋습니다. 어쨌든 우리는 E. B. Vakhtangov가 달성 한 것과 동일한 것을 달성 할 때까지, 즉 그와 같이 특정 사회의 삶에서 "세부 사항까지 틀림없이 말할 수있을 때까지"진정할 수 없습니다. Vakhtangov가 우리가 할 수 있는 것보다 비교할 수 없을 정도로 적은 노력으로 이를 달성했더라도 최종 분석에서 얻은 결과에서 우리는 Vakhtangov를 따라잡았다고 말할 수 있습니다.
생생한 인상과 구체적인 사실을 축적하는 과정은 우리가 무의식적으로 결론을 내리고 일반화하기 시작한다는 사실로 끝납니다. 따라서 인지 과정은 새로운 단계에 들어갑니다. 우리의 마음은 인상의 외부 혼란스러운 불일치 뒤에, 여전히 우리에게 분리되어 있는 많은 개별 사실 뒤에, 내부 연결과 관계, 서로에 대한 종속 및 상호 작용을 보기 위해 노력합니다.
현실은 정지된 상태가 아니라 끊임없이 움직이고 변화하는 모습으로 우리 눈에 나타납니다. 이러한 변화는 처음에는 내부 패턴이 없이 무작위로 보입니다. 우리는 그것이 궁극적으로 무엇으로 귀결되는지 이해하고 싶고, 그 뒤에 있는 단일 내부 움직임을 보고 싶습니다. 즉, 우리는 현상의 본질을 밝히고, 그것이 무엇이었는지, 무엇이고, 무엇이 되고 있는지를 확립하고, 발전 추세를 확립하고자 합니다. 지식의 최종 결과는 합리적으로 표현된 아이디어이며 모든 아이디어는 일반화입니다.
따라서 인지의 길은 외부에서 본질로, 구체적인 것에서 추상으로, 알려진 구체성의 모든 풍부함이 보존됩니다.
그러나 살아있는 인상을 축적하는 과정에서 우리가 개인적인 경험에만 의존하지 않고 다른 사람의 경험도 활용했듯이 현실 현상을 분석하는 과정에서도 우리 자신의 강점에만 의존 할 권리가 없습니다. , 그러나 인류의 지적 경험을 활용해야 합니다.
"햄릿"을 무대에 올리려면 르네상스의 계급 투쟁, 철학, 문화 및 예술의 역사에 대한 많은 과학적 연구를 연구해야 할 것입니다. 따라서 우리는 이러한 사실을 스스로 분석하는 것보다 16 세기 사람들의 삶에서 축적 된 사실의 더미를 더 빠르고 쉽게 이해하게 될 것입니다.
이와 관련하여 다음과 같은 질문이 생길 수 있습니다. 이 자료에 대한 분석과 공개를 완성된 형태로 찾을 수 있기 때문에 관찰하고 특정 자료를 수집하는 데 시간을 보낸 것이 헛되지 않았습니까?
아니요, 헛된 것이 아닙니다. 만약 이 특정 자료가 우리 마음 속에 존재하지 않는다면, 우리는 과학 연구에서 발견된 결론을 단순한 추상으로 인식할 것입니다. 이제 이러한 결론은 풍부한 색상과 현실 이미지로 가득 찬 우리 마음 속에 살고 있습니다. 즉, 현실이 예술 작품에 반영되어야 하는 방식입니다. 그것이 인식자의 정신과 영혼에 영향을 미치기 위해서는 도식적인 추상이 되어서는 안 되지만 동시에 많은 것들이 있어서는 안 됩니다. 내부적으로 어떤 것으로도 연결되지 않은 현실의 구체적인 재료, 그 안에서 구체적인 것과 추상의 통일성이 반드시 실현되어야합니다. 그리고 이 통일성이 이전에 그의 마음 속에서, 그의 머리 속에서 성취되지 않았다면 어떻게 예술가의 작품에서 실현될 수 있겠습니까?
따라서 아이디어의 탄생은 인식 과정을 완성합니다. 아이디어를 얻었으니 이제 우리는 다시 연극으로 돌아갈 권리가 있습니다. 이제 우리는 작가와 공동 창작을 시작하는 동등한 조건에 있습니다. 우리가 그를 따라잡지 못했다면, 우리는 삶에 대한 지식 분야에서 창조적 성찰을 거쳐 그에게 상당 부분 접근했으며, 공동 목표라는 이름으로 협력을 위한 창조적 동맹을 맺을 수 있습니다.
창의적 성찰의 대상이 되는 현실을 연구하기 시작할 때 이 크고 힘든 작업에 대한 계획을 상호 관련된 여러 주제로 나누어 계획을 세우는 것이 유용합니다. 예를 들어, "햄릿" 제작에 대해 이야기하는 경우 처리를 위해 다음과 같은 주제를 상상할 수 있습니다.
1. 16세기 영국 군주제의 정치구조.
2. 16세기 영국과 덴마크의 사회정치적 삶.
3. 르네상스의 철학과 과학(햄릿은 비텐베르크 대학교에서 공부함)
4. 르네상스 문학과 시(햄릿이 읽은 것).
5. 16세기의 회화, 조각, 건축(햄릿이 주변에서 본 것).
6. 르네상스 음악(햄릿이 들었던 음악)
7. 16세기 영국과 덴마크 왕들의 궁정 생활.
8. 16세기 영국과 덴마크 왕들의 궁정에서의 에티켓.
9. 16세기 영국의 여성복과 남성복.
10. 16세기 영국의 전쟁과 스포츠.
11. 세계 문학과 비평의 가장 큰 대표자들의 "햄릿"에 대한 진술.
Chekhov의 "The Seagull"제작과 관련된 현실 연구는 대략 다음 계획에 따라 진행될 수 있습니다.
1. XIX 세기 90년대 러시아의 사회 정치적 삶.
2. 지난 세기 말 중산층 지주계급의 입장.
3. 동시대 지식인의 입장(특히 당시 학생들의 사회생활).
4. 지난 세기 말 러시아의 철학적 흐름.
5. 이 시기의 문학 흐름.
6. 이 시대의 연극 예술.
7. 이 시대의 음악과 그림.
8. 지난 세기 말 지방극장의 생활.
9. 지난 세기 말의 여성복과 남성복.
10. 1896년 상트페테르부르크 알렉산드린스키 극장 무대와 1898년 모스크바 예술극장 무대에서 "갈매기" 제작의 역사.
이런 식으로 작성된 계획의 개별 주제는 감독 직원과 책임 역할 수행자간에 나누어 공연 참가자의 전체 구성에 대해 각각이 주제에 대한 보고서를 작성할 수 있습니다.
연극 교육 기관에서는 연극의 특정 예에 대한 연출 과정의 이 섹션을 실습하는 동안 교사가 작성한 계획의 주제를 스터디 그룹의 학생들에게 나눌 수 있습니다.
감독의 연극 낭독
삶에 대한 직접적인 지식을 목표로 한 작품이 특정 결론과 일반화로 결정되면 감독은 연극 연구로 돌아갈 권리를 얻습니다. 그것을 다시 읽으면서 그는 이제 처음과 다르게 많은 것을 인식합니다. 그의 인식은 비판적이 될 것입니다. 결국 그는 자신이 연구한 생활 현실의 사실을 바탕으로 자신만의 이념적 입장을 갖게 된 것이다. 이제 그는 연극의 주요 아이디어를 독립적 인 삶의 연구 과정에서 그에게 태어난 아이디어와 비교할 기회가 있습니다. 그는 연극 작가의 의견에 동의하거나 동의하지 않을 권리를 얻었습니다. 동의하면 그는 의식이 같은 생각을 가진 사람이 될 것이며 공연을 만들어 그와 동등한 입장에서 창의적인 협력을 시작할 것입니다.
이 단계에서 연극을 읽어도 감독과 작가 사이에 큰 차이가 드러나지 않으면 매우 좋습니다. 이 경우 연극을 통해 연극의 이념적 내용을 가장 완전하고 생생하며 정확하게 공개하는 것이 감독의 임무로 축소됩니다.
하지만 심각한 불일치가 있다면 어떻게 될까요? 이러한 차이점이 묘사된 삶의 본질과 관련되어 있어 화해할 수 없는 것으로 밝혀진다면? 이 경우 감독은 극의 상연을 단호히 거부할 수밖에 없다. 이 경우에도 그는 그 일을 하면서 가치 있는 어떤 일도 성공하지 못할 것이기 때문입니다.
사실, 극장의 역사에서 자신감 넘치는 감독이 특정 연극 수단의 도움으로 연극의 이념적 내용을 뒤집어 놓기를 희망하면서 자신의 견해에 이념적으로 적대적인 연극을 맡은 경우가있었습니다. 그러나 일반적으로 그러한 실험은 큰 성공을 거두지 못했습니다. 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 공연의 유기적 성격의 원칙을 위반하지 않고는 연극에 작가의 생각과 정반대되는 의미를 부여하는 것이 불가능하기 때문입니다. 그리고 유기성의 결여는 작품의 예술적 설득력에 부정적인 영향을 미칠 수밖에 없다.
문제의 윤리적인 측면도 다루어야 합니다. 극작가와 극장의 창의적 관계에 대한 높은 윤리는 작가의 텍스트에 대한 자유로운 취급을 명백히 금지합니다. 이는 필요한 경우 법정에서 자신의 권리를 보호할 수 있는 현대 작가뿐만 아니라 감독의 자의에 대해 무방비 상태인 고전 작품의 작가에게도 적용됩니다. 고전이 할 수 있도록 도와주세요 여론그리고 미술 비평, 그러나 불행히도 필요한 모든 경우에 그렇게 하는 것은 아닙니다.
그렇기 때문에 감독 자신이 극작가에 대한 책임감을 갖고 작가의 텍스트를 존중과 재치로 신중하게 다루는 것이 매우 중요합니다. 이러한 느낌은 감독과 배우의 윤리 모두에서 필수적인 부분이어야 합니다.
저자와의 근본적인 이념적 차이가 매우 간단한 결정, 즉 생산 거부를 수반하는 경우 묘사된 현상의 특성화에 대한 다양한 세부 사항, 음영 및 세부 사항과 관련된 사소한 불일치는 결코 매우 가능성을 배제하지 않습니다. 작가와 감독의 성공적인 협력.
따라서 감독은 극에 반영된 현실을 이해하는 관점에서 극을 주의 깊게 연구하고, 자신의 관점에서 전개, 설명, 강조, 수정, 추가, 약어 등이 필요한 순간을 정확하게 설정해야 합니다. .
감독의 연극 해석의 정당하고 자연스러운 경계를 결정하는 주요 기준은 감독이 독립적인 지식에 의존하여 연극을 창의적으로 읽는 과정에서 발생한 상상력의 결실을 공연에서 실현하는 목표입니다. 인생의. 이 목표가 작가의 최고 임무와 극의 주요 아이디어를 최대한 깊고, 더 정확하고 밝게 표현하려는 욕구라면 감독의 창의적인 발명, 작가의 발언에서 벗어난 모든 하위 텍스트 이는 특정 장면, 감독의 페인트, 극 구조 자체의 변경까지 해석의 기초가 되는 작가가 제공합니다(저자와 동의한 텍스트 수정 사항은 말할 것도 없습니다). 이 모든 것은 공연의 이념적 과제에 의해 정당화되며 저자의 이의를 제기하지 않을 것입니다. 왜냐하면 그는 시청자에게 자신의 슈퍼 과제와 주요 아이디어를 전달하는 가장 좋은 방법으로 누구보다 더 관심이 있기 때문입니다. 연극!
그러나 최종적으로 연극 상연 여부를 결정하기 전에 감독은 매우 중요한 질문에 답해야 합니다. 오늘날의 사회 생활 조건에서 오늘날 관객을 위해 무엇을 위해 이 연극을 오늘 상연하고 싶은가? 즉, Vakhtangov 트라이어드의 두 번째 요소는 자연스럽게 자체적으로 등장합니다. 즉 현대성의 요소입니다.
감독은 극의 사상과 작가의 가장 중요한 과제를 동시대의 사회정치적, 정치적 상황에 비추어 느껴야 한다. 문화적 과제, 오늘날 시청자의 영적 필요, 취향 및 열망의 관점에서 연극을 평가하고, 청중이 자신의 공연에서 무엇을 얻을지, 어떤 반응을 기대하는지, 어떤 감정과 생각으로 가고 있는지 스스로 이해합니다. 공연이 끝난 후 그들을 보내주기 위해.
이 모든 것을 종합하면 감독 자신이 다소 정확하게 공식화한 상위 임무로 표현되어야 하며, 이는 나중에 공연의 상위 임무로 바뀔 것입니다.
이것은 작가의 상위 임무와 감독의 상위 임무가 일치하지 않을 수 있다는 것을 의미합니까? 예, 가능합니다. 하지만 작가의 상위 임무는 항상 감독의 상위 임무의 일부여야 합니다. 감독의 슈퍼과제는 작가의 슈퍼과제보다 더 넓은 것으로 드러날 수 있다. 왜 감독인 나는 오늘 작가의 슈퍼과제를 실현하고 싶은가?라는 질문에 답할 때 항상 현대성의 동기를 포함하기 때문이다.
작가와 감독의 상위 임무는 감독이 현대극을 연출하는 경우에만 완전히 일치할 수 있습니다. L. Leonov의 "Invasion", N. Pogodin의 "Aristocrats", A. Fadeev의 소설을 원작으로 한 "The Young Guard", "First Joys"를 기반으로 한 "The Young Guard"와 같은 연극을 상연했을 때 연출 실습에서 일어난 일이 바로 이것입니다. K. Fedin의 소설. 이 모든 경우에 나는 이 작품이 쓰여진 목표와 내가 감독으로서 설정한 임무에 어떤 차이도 발견하지 못했습니다. 우리의 "무엇을 위해"가 완전히 일치했습니다.
그러나 때로는 연극 창작과 무대화 사이의 10년이면 작가와 감독의 상위 임무의 정체성이 침해되기에 충분합니다. 고전의 경우 일반적으로 그러한 위반은 완전히 불가피한 것으로 판명됩니다. 이 경우 시간 요소가 큰 역할을 합니다.
각각의 다소 "오래된" 연극은 필연적으로 오늘날 감독의 독서에 대한 질문을 제기합니다. 그리고 오늘의 독서는 주로 감독의 상위 임무에서 그 표현을 찾습니다. 이 연극이 오늘 상연되는 이유에 대한 명확하고 정확한 대답의 부재는 감독의 창의적인 패배의 원인이 되는 경우가 많습니다. 극장의 역사는 경험이 풍부한 감독이 훌륭하게 연출하고 재능있는 배우들이 연기 한 훌륭한 연극이 공연과 오늘날 관객의 관심 사이에 접촉이 없었기 때문에 절망적으로 실패한 예를 알고 있습니다.
물론 이것은 관객의 취향을 따라가는 것, 관객 대중의 뒤떨어진 부분의 취향을 탐닉하는 것이 아니다. 결코 아니다! 극장은 "보통" 관객의 수준으로 내려가서는 안 되며, 그 시대의 가장 높은 영적 요구 수준으로 끌어 올려야 합니다. 그러나 극장은 시청자의 실제 관심과 요구를 무시하고이 시청자에게 내재 된 인식의 특성을 고려하지 않고 고려하고 싶지 않으면이 슈퍼 작업을 해결할 수 없습니다. 시대 정신에 어긋나며 생생하고 흥미롭고 크고 흥미진진한 오늘날의 콘텐츠로 그 임무를 채우지 않습니다. 극 자체가 300년 전에 쓰여졌음에도 불구하고 확실히 매혹적이며 확실히 현대적입니다.
감독은 시간 감각, 즉 자신의 나라와 전 세계의 현재 생활에서 사회 발전 과정을 결정하는 근본적인 것을 파악하는 능력이 있어야만 이 작업을 수행할 수 있습니다.
감독의 최고 임무에 대한 정의를 설명하는 사례를 찾기 위해 다시 내 감독의 사례를 살펴보겠습니다. 내가 Vakhtangov Theatre (1958) 무대에서 Hamlet을 상연했을 때 사회 악의 전달자에 대한 겸손하고 화해적인 태도가 물씬 풍기는 추상적 인본주의 아이디어가 서구에서 특별한 에너지로 전파되었습니다. 그의 설교자들은 깊은 인류애와 원칙 준수, 투쟁의 확고함, 필요한 경우 적에 대한 무자비함을 결합한 인본주의에 대한 "비계급", "비당파" 인본주의에 계속해서 반대합니다.
이 주제에 대한 성찰의 영향으로 햄릿을 준비하려는 나의 아이디어가 구체화되었습니다. 어머니와 함께 있는 장면에서 햄릿이 한 말, “친절하려면 잔인해야 한다”는 말에서 감독의 슈퍼과제의 진수를 느꼈다. 그러한 강제적 잔인함의 도덕적 정당성에 대한 생각은 햄릿에 관한 내 작업의 지침이 되었습니다. 그 영향으로 나는 햄릿의 인간적 성격이 정적인 것이 아니라 계속해서 발전하는 모습을 느꼈다.
햄릿은 첫 번째 막에서 아버지의 그림자에 대해 의문을 제기하고 햄릿은 연극의 마지막에서 왕을 때렸습니다. 이 두 사람은 서로 다른 두 사람, 서로 다른 두 인간 캐릭터인 것 같았습니다. 나는 햄릿의 성격이 형성되는 과정을 공연 초반에 내면의 모순으로 가득 찬 불안하고 불균형하며 흔들리는 청년의 모습으로 청중 앞에 나타나고 마지막에는 그는 자신을 확고하고 결단력 있는 성격을 지닌 성숙한 남자라고 선언했습니다.
안타깝게도 여러 가지 이유로 당시 저는 이 계획을 완전히 이행할 수 없었습니다. 나는 내가 아니더라도 조만간 다른 누군가가 이 일을 완수할 것이라고 스스로 자부합니다. 그리고 청중은 비극적 비난에 우울하지 않고 내부적으로 자신의 힘에 대한 인식, 용기, 깨어 난 양심, 동원 된 의지 및 싸울 준비로 무장하여 공연을 떠날 것입니다.
얼마 전 (1971 년 말) 저는 Sundukyan (예 레반, 아르메니아)의 이름을 딴 국립 아르메니아 극장에서 Ostrovsky의 코미디 "진실은 좋지만 행복은 더 좋습니다"를 상연했습니다. 이 경우 현대 생활의 어떤 상황과 사실이 내 감독의 최고 임무에 도움이 되었습니까?
나는 아르메니아 관객들에게 러시아 민족 정신의 요소가 명확하게 드러나는 공연, 즉 Ostrovsky의 작업이 완전히 포화되는 시작을 보여주고 싶었습니다. 나는 아르메니아 배우들이 이 매력적인 코미디에 나오는 국민적 성격의 아름다움, 러시아인의 친절함, 자유를 사랑하는 성격의 범위, 기질의 강인함, 민족적 유연성의 시, 그의 특별한 리듬 구조 등은 러시아 사람들의 특징입니다. 그러한 공연은 창작자들에게 우리나라의 모든 민족 간의 위대한 우정을 보여주고 강화하기 위해 고안된 다가오는 공휴일 (소련 창립 50 주년)에 참여할 가치있는 형태가 될 수 있다고 생각했습니다. . 이 욕망은 내 감독의 최고 임무였습니다.
1 Nemirovich-Danchenko Vl. I. 과거로부터. 엠, 1936. S. 154.
2 "햄릿"은 1600-1601년에 쓰여졌습니다.
3 Anixt A. 셰익스피어. 엠, 1964. S. 211.
