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최초의 정물화는 언제 그려졌습니까? 회화의 정물 : 유형 및 설명

정물화(fr. nature morte - "dead nature")는 장르입니다. 시각 예술, 서로 의미 론적 연결이있는 우리 주변의 객체를 묘사합니다. 이러한 유형의 예술은 구성 기술 및 색상 구성의 개발에 기여하는 뛰어난 시각적 가능성으로 매력을 느낍니다.

정물은 우리 주변 세계의 특정 이미지와 상징을 전달합니다. 대담 자의 역할을 할 수있는 기회를 제공하여 객체 통신의 세계에 우리를 참여시킵니다. 진정한 예술가보는 사람이 볼 수 있도록 비밀의 의미우리 주변의 사물. 특정 의미 작업을 수행하는 특정 구성으로 특정 속성을 미리 선택하고 구축합니다.

정물화는 16세기와 17세기에 유럽에서 시작되었지만 그 선사시대는 훨씬 더 일찍 시작되었습니다. 와 동등 일상 장르오랫동안 정물화는 그림에서 선두 자리를 차지할 수 없었습니다. 이러한 유형의 그림을 통해 주요 사회 사상을 전달하는 것은 불가능하다고 여겨졌기 때문입니다. 거장들 덕분에 이 장르는 다양한 사회적 조건을 충분히 전달할 수 있고, 따라서 다양한 사회적 덕목에 영향을 미칠 수 있는 것으로 인식되었습니다. 다양한 속성의 도움으로 주요 아이디어의 의미를 반영하여 하나 또는 다른 이미지가 생성되었습니다. 생활용품은 주인의 신분과 생활 방식을 구분하는데 있어 계층의 이미지를 전달하는데 중요한 의미를 갖는다.

미술사의 연대기를 살펴보면 정물화와 같은 독특한 장르의 흥망성쇠의 연속성을 추적할 수 있습니다.

“독립적인 회화 장르로서의 정물화의 형성은 네덜란드와 플랑드르 예술가 XVII 세기. 유럽의 17세기는 정물화의 전성기로 기록된다. 이 기간 동안 모든 주요 종류의 정물이 만들어졌습니다.

서유럽에서 정물화의 점진적 발전 회화 XVII세기는 일반적인 문화적 및 세계관 상황의 특성, 특히 물질적 및 영적, 개인 및 보편적 범주의 궁극적인 희석과 동시에 상호 의인화로 크게 설명될 수 있습니다. 정물화에서 이 세상의 모든 특수성 중 가장 구체적인 것이 예술적으로 확인되었습니다. 사물, 매우 특정한 인간 활동의 산물인 동시에 이 지상의 인공 사물에는 우화적이고 상징적인 의미가 부여되었습니다. , 의미에 대한 의인화 된 명상으로 비 물질적, 영적 가치의 표시로 인식 인간의 삶. 알레고리적 의미를 상실한 사물은 더 이상 대상이 아니다. 위대한 예술. 정물 장르는 점차 구식이 되기 시작합니다.

그 부흥은 19세기 말에서 20세기 초에 일어납니다. 그 음모와 어느 정도 의미 론적 불임으로 인해 예술 발전을위한 폭풍우의 수십 년 동안의 정물은 창의적인 실험에 특히 편리한 것으로 판명되었습니다. 도상학의 관점에서 볼 때 가장 보수적 인 것 중 하나이며 구성 측면에서 가장 잘 확립 된 것 중 하나 인 정물은 예술가가 장르의 법칙에 대해 가장 대담하고 때로는 역설적 인 위반을 수행 할 수 있도록 허용했습니다. 그것. 이 분야의 대부분의 실험은 가장 완전한 플롯과 사물의 비 유적 분리를 과제로 삼았습니다.

말하자면 사물은 경계를 넘어 자기 의미를 잃고 자신과 동등하지 않습니다. 그것들은 빛과 색으로 용해되거나, 에너지 방사에 분산되거나, 물질 덩어리로 응축되어 가장 단순한 부피의 조합을 형성하거나, 많은 조각으로 부서집니다. 캔버스에 사물이 생성됩니다. 17세기의 그림에서와 같이 그것들은 우화적인 의미를 가지고 있지만, 고전적인 정물화와 달리 이 그림 암호에서 주요 요소의 역할은 개체 자체가 아니라 개별적인 특징에 의해 수행되며, 그 품질은 포화 상태입니다. 의미 론적 긴장이 증가했습니다.

20세기 초에는 정물 내 사물의 경계가 흐려졌을 뿐만 아니라 장르 자체의 경계도 상당히 흐려졌습니다. 마티스의 열린 캔버스에서 자연의 유기적 리듬이 스며든 정물을 구성하는 오브제들은 풍경과 합치거나 그 자체로 풍경이 되어 산 자의 세계와 무생물의 세계 사이의 장벽을 넘어선다. . 피카소의 구축된 입체파 풍경화에서는 자연 자체가 대상화되어 만들어지는 것, 물질성을 획득하며, 풍경은 정물화에 비유된다. .

“정물화는 또한 프랑스 인상파 예술가들(마네, 세잔, 모네 등)의 작품에서 두드러진 위치를 차지했습니다. 그들은 작품에서 처음 본 신선한 인상을 구현하려고 노력했습니다. 그들의 정물과 일반적으로 인상파의 그림의 경우 자연에서 직접 인식되는 순수한 색상의 조화, 구성의 자연 스러움 및 활력이 특징입니다.

중 하나 최고의 장인정물은 유명했다 프랑스 예술가침투에 성공한 Chardin 친밀한 삶가장 평범한 것들은 보는 사람에게 더 가까이 다가갑니다. 이것은 그의 그림의 부드러운 색상에 의해 크게 촉진되며, 깊이 생각하고 사물 배열의 삶, 단순성 및 자연성에 대한 관찰에서 비롯됩니다.

Chardin의 정물에는 네덜란드 학교에서 개발 한 엄격한 체계가 없으며 단조 로움이 있습니다. 작곡 기법, 개체 선택, 색상 팔레트. .

러시아에서는 정물화 독립 장르회화, 출연 초기 XVII나 세기. 그에 대한 아이디어는 원래 사람을 둘러싼 다양한 사물의 세계인 지구와 바다의 선물 이미지와 관련이 있습니다. 까지 XIX 후반초상화와 달리 세기 정물 역사적 사진, "열등한"장르로 간주되었습니다. 주로 교육적 제작물로 존재했고 꽃과 열매를 그린 그림으로 제한적으로만 허용되었다.

20세기의 시작은 러시아 정물화의 번성으로 특징지어졌으며, 처음으로 다른 장르들 사이에서 평등을 얻었습니다. 회화적 언어의 가능성을 확장하고자 하는 예술가들의 열망은 활성 검색색상, 형태, 구성 분야에서. 이 모든 것은 정물에서 특히 분명합니다. 새로운 테마, 이미지 및 예술적 기법, 러시아 정물화는 비정상적으로 빠르게 발전했습니다. 10년 반 만에 인상주의에서 추상적인 형태의 창조로 넘어갔습니다.

20세기 30-40년대에 이르러 이러한 발전은 멈췄지만 50년대 중반부터 정물화는 소비에트 회화새로운 급증과 그 때부터 마침내 다른 장르와 동등한 수준으로 확고하게 상승합니다.

시각 예술에서 정물(프랑스 natur morte - "죽은 자연")은 일반적으로 단일 구성 그룹으로 결합된 무생물의 이미지라고 합니다. 많은 사람들에게 독일어 또는 영문판지정 정물 및 스틸 레벤 ( 조용한 삶). 네덜란드에서는이 장르의 지정이 여전히 "조용한 삶", 즉 "조용한 삶"으로 들립니다. 많은 예술가와 미술사 학자의 의견으로는 이것이 장르의 본질을 가장 정확하게 표현한 것이지만 이것이 바로 전통의 힘입니다. 그 "정물"은 잘 알려져 있고 뿌리 깊은 이름입니다. 정물은 독립적인 의미와 중요한 부분작곡 풍속화. 정물은 인간과 주변 세계의 관계를 표현합니다. 그것은 그 시대의 인간으로서 예술가에게 내재된 아름다움에 대한 이해를 드러낸다.

독립적인 장르인 정물화는 16세기와 17세기로 접어들면서 플랑드르와 네덜란드에서 생겨났으며 다양한 사물을 옮기는 과정에서 빠르게 놀라운 완성도에 도달했습니다. 물질 세계. 정물이 되는 과정은 많은 나라에서 거의 같은 방식으로 진행되었습니다. 서유럽. 그러나 예술사를 종합하면 정물 발전의 첫 번째 단계는 구석기 시대를 의미합니다. 고대 예술가들이 사용하는 두 가지 주요 기술은 자연주의와 장식입니다. 그런 다음이 두 흐름이 점점 더 수렴하기 시작하고 물체의 개별 부분 이미지 인 "반 의식적인"정물이 나타납니다. 진정한 전체 개체는 청동기 시대에만 찾을 수 있습니다. 정물화 발전의 이 두 번째 단계는 이집트 예술에서 전성기를 맞았습니다. 객체는 항상 서로 분리되어 묘사됩니다. 처음으로 꽃을 모티브로 한 꺾꽂이 식물을 주제로 한 작품을 선보입니다. 비율의 상관 관계는에게 해 예술 작품에 나타납니다. 개체는 그룹으로 배열된 3/4로 표시됩니다. 에게 해 그림의 전통은 그리스 문화. 우리는 꽃병으로 이 미술 장르를 판단할 수 있습니다. 항목은 더 이상 공중에 매달려 있지 않지만 자체 " 실제 장소"우주에서: 나무에 기대어 있는 방패, 가지 위에 던져진 맨틀 - 이른바 "매달린" 정물. 또한 학교 장면"뮤지컬"정물이 종종 묘사됩니다. 그리스 정물의 또 다른 유형은 "골동품"입니다. 아티스트는 조각상 조각, 톱, 망치, 스케치 판과 같은 워크샵 이미지를 만듭니다. 그리스 화병에서 꽃과 동물의 이미지를 찾는 것은 거의 불가능합니다.

중세 예술에서 구성의 단편화, 그림 캔버스의 독특한 레지스터로의 분할의 결과로 주제는 이미지의 대상이 아닌 속성이 됩니다. 장식은 또한 중요한 역할을 계속하고 있으며 특히 가톨릭 성당의 스테인드 글라스 창에 적극적으로 사용됩니다. 불멸의 기념비적이며 일반화되고 숭고한 영웅적인 이미지를 만드는 비잔티움의 엄격하고 강렬한 금욕적인 예술은 뛰어난 표현력을 가진 개별 물체의 이미지를 사용했습니다.

고대 러시아 아이콘 그림에서 예술가가 그의 엄격한 정식 작품에 도입한 몇 가지 물건도 중요한 역할을 했습니다. 그들은 자발성과 활력을 가져 왔으며 때로는 추상적 인 신화 적 음모에 전념하는 작품에서 열린 감정 표현처럼 보였습니다.

정물화는 르네상스 시대의 15-16세기 예술가들의 그림에서 훨씬 더 큰 역할을 했습니다. 처음 그린 화가 세심한 주의주변 세계에서 사람에게 봉사하는 모든 것의 가치를 결정하기 위해 장소를 나타내려고 노력했습니다. 가정 용품은 그들이 섬기는 주인의 고귀함과 자랑스러운 중요성을 얻었습니다. 큰 캔버스에서 정물은 일반적으로 매우 겸손한 장소를 차지했습니다. 물이 담긴 유리 그릇, 우아한 은색 꽃병 또는 얇은 줄기에 섬세한 흰 백합이 종종 그림 구석에 모여 있습니다. 그러나 이러한 것들의 묘사에는 자연에 대한 시적 사랑이 너무 많았고 그 의미는 너무 영적이어서 나중에 결정한 모든 기능을 이미 볼 수 있습니다. 자주 개발전체 장르.

물질적 요소인 사물은 정물화 장르가 발달한 17세기 회화에서 새로운 의미를 부여받았다. 문학적 음모가있는 복잡한 작곡에서 그들은 작품의 다른 영웅들과 함께 자리를 잡았습니다. 이 시대의 작품을 분석해보면 정물이 그림에서 얼마나 중요한 역할을 하기 시작했는지 알 수 있다. 이 작품들에 메인으로 등장하기 시작한 것들이 문자, 예술가가 이런 종류의 예술에 자신의 기술을 바침으로써 달성할 수 있는 것을 보여줍니다.

숙련되고 근면하며 현명한 손으로 만든 물건에는 사람의 생각, 욕망, 성향이 각인되어 있습니다. 그들은 그를 섬기고, 그를 기쁘게 하고, 합당한 자부심을 불러일으킵니다. 고고학자들에게 인류 역사의 흩어진 페이지가되는 접시, 가정 용품 및 의식 물건의 파편에서 지구 표면에서 오랫동안 사라진 시대에 대해 배우는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

들여다보다 세계, 호기심 많은 마음으로 법칙에 침투하여 삶의 매혹적인 신비를 풀고 예술가는 그것을 그의 예술에 점점 더 완전하고 다방면으로 반영합니다. 그는 주변 세계를 묘사할 뿐만 아니라 현실에 대한 이해와 태도도 전달합니다.

다양한 장르의 회화가 형성되고 발전한 역사는 지칠 줄 모르는 작업의 산 증거입니다. 인간의 의식무한한 다양한 활동을 포용하고 미학적으로 이해하기 위해 노력합니다. 정물의 장르는 특히 네덜란드 회화프로토 르네상스. 여전히 인테리어의 일부이지만 동시에 예술가의 세부 사항에 대한 사랑은 접시, 작업 테이블, 바닥에 서있는 신발과 같은 놀라운 작은 정물을 만듭니다. 이 모든 것은 사람과 성도의 모습과 같은 사랑으로 묘사됩니다. 이탈리아에서는 정물이 풍경에서 나옵니다. 앞으로 개체는 일종의 독립적인 활동을 받고 작업에 참여하게 됩니다. 프로토 르네상스 이후 객관적인 세계는 점점 더 현실적이고 때로는 거의 유형화되었습니다. 더 이상 가짜가 아니라 일상이 된다. 16세기에 북부 르네상스의 예술가들은 물체를 드러내고 덮개를 찢기 시작했습니다(예: 동물의 피부).

정물은 비교적 젊은 장르입니다. 그것은 17세기에야 유럽에서 독립적인 의미를 갖게 되었습니다. 정물 개발의 역사는 흥미롭고 유익합니다. 정물화는 플랑드르와 네덜란드에서 특히 완전하고 생생하게 번성했습니다. 정물화는 마침내 독립적인 회화 장르로 구체화됩니다. 그것의 출현은 혁명적 인 역사적 사건과 관련이 있으며, 그 결과 처음에 독립을 얻은 이들 국가 XVII 세기부르주아 발전의 길에 착수했습니다. 당시 유럽에서 이것은 중요하고 진보적인 현상이었습니다. 예술 이전에 새로운 지평이 열렸습니다. 역사적 조건, 새로운 섭외지시되고 결정된 창의적인 요청, 화가가 직면한 문제 해결의 변화. 직접적으로 묘사하지 않고 역사적 사건, 예술가들은 세상을 새롭게 바라보고 인간의 새로운 가치를 발견했습니다. 인생은 지금까지 알려지지 않은 의미와 충만함으로 일상적으로 그들 앞에 나타났습니다. 그들은 국가 생활의 특성에 매료되었습니다. 자연, 노동과 날의 흔적을 간직한 것들 보통 사람들. 여기에서 사람들의 삶에 대한 의식적이고 심층적이며 자극적 인 관심에서 일상 회화, 풍경의 분리되고 독립적 인 장르가 탄생하고 정물이 생겼습니다.

17세기에 발전한 정물의 예술은 이 장르의 주요 특성을 결정했습니다. 그림, 세상에 헌신사물, 사람을 둘러싼 사물에 내재 된 기본 속성에 대해 이야기하고 묘사 된 것에 대한 작가와 동시대의 태도를 드러내고 현실 지식의 본질과 완전성을 표현했습니다. 화가는 사물의 물질적 존재, 부피, 무게, 질감, 색상, 가정 용품의 기능적 가치, 인간 활동과의 살아있는 연결을 전달했습니다. 가정 용품의 아름다움과 완성도는 그 필요성뿐만 아니라 제작자의 기술에 의해서도 결정되었습니다. 승리한 부르주아 혁명 시대의 정물화는 새로운 형식에 대한 예술가의 존중을 반영했습니다. 국민생활동포 여러분, 일을 존중하십시오.

17세기에 공식화된 장르의 과제 일반적으로까지 유럽 학교에 존재 19세기 중반세기. 그러나 이것이 아티스트가 기성 솔루션을 기계적으로 반복하여 새로운 작업을 설정하지 않았다는 의미는 아닙니다.

시대가 진행되는 동안 정물화를 그리는 방법과 방식이 변했을뿐만 아니라 예술적 경험이 축적되어 형성 과정에서 더 복잡하고 지속적으로 풍요로운 세계관이 발전했습니다.

죽은 자연 -꽃, 과일, 죽은 게임, 물고기, 모든 활동의 속성과 같은 무생물의 이미지에 전념하는 미술 장르, 주로 이젤 그림.

훌륭한 정의

불완전한 정의 ↓

정물

프랑스 국민 자연 죽음-죽은 자연), 회화 장르 중 하나. 정물화는 자연의 선물(과일, 꽃, 생선, 게임)과 인간의 손으로 만든 것(식기, 꽃병, 시계 등)을 묘사합니다. 때때로 무생물은 곤충, 새, 동물 및 사람과 같은 살아있는 존재와 공존합니다.

에 포함된 정물 플롯 구성, 이미 그림에서 발견 고대 세계(폼페이의 벽화). 고대 그리스 예술가 Apelles가 포도를 너무 능숙하게 묘사하여 새들이 그를 진짜 포도로 착각하고 쪼아 먹기 시작했다는 전설이 있습니다. 독립적인 장르로서 정물화는 17세기에 발전했습니다. 그런 다음 네덜란드, 플랑드르 및 스페인 마스터의 작업에서 밝은 전성기를 경험했습니다.

네덜란드에는 여러 종류의 정물이 있었습니다. 작가들은 마치 사람이 근처 어딘가에 있고 곧 돌아올 것 같은 방식으로 "아침 식사"와 "디저트"를 그렸습니다. 파이프가 테이블에서 담배를 피우고 냅킨이 구겨지고 잔에 담긴 와인이 완성되지 않고 레몬이 잘리고 빵이 부러집니다 (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). 또한 주방 용품, 꽃 화병, 마지막으로 "Vanitas"( "vanity of vanities"), 삶의 연약함과 단기적 기쁨을 주제로 한 정물 이미지가 인기를 끌었습니다. 참값그리고 영혼의 구원을 돌보십시오. "Vanitas"의 가장 좋아하는 속성은 해골과 시계입니다(J. van Strek. "Vanity of vanities"). 일반적으로 17세기 정물화뿐만 아니라 네덜란드 정물화는 숨겨진 철학적 함축, 복잡한 기독교 또는 사랑의 상징주의(레몬은 절제의 상징, 개는 충실함 등)의 존재가 특징입니다. 시간이 지나면서 예술가들은 세상의 다양성을 사랑과 열정으로 정물화로 재창조했습니다(비단과 벨벳, 두꺼운 카펫 식탁보, 반짝이는 은, 즙이 많은 딸기, 고귀한 포도주). 정물의 구성은 단순하고 안정적이며 대각선 또는 피라미드 모양에 따라 다릅니다. 주요 "영웅"은 예를 들어 유리, 주전자와 같이 항상 강조 표시됩니다. 마스터는 물체 사이의 관계를 미묘하게 구축하고 반대하거나 반대로 색상, 모양, 표면 질감을 일치시킵니다. 조심스럽게 퇴원 가장 작은 세부 사항. 크기가 작은 이 그림은 면밀한 조사, 오랜 숙고 및 숨겨진 의미 이해를 위해 설계되었습니다.

반대로 Flemings는 궁전 홀을 장식하기 위해 크고 때로는 거대한 캔버스를 그렸습니다. 그들은 축제의 다색, 풍부한 물건 및 구성의 복잡성으로 구별됩니다. 이러한 정물화를 "상점"(J. Feit, F. Snyders)이라고 불렀습니다. 그들은 게임, 해산물, 빵이 흩어져있는 테이블을 묘사했으며 그 옆에는 물건을 제공하는 주인이있었습니다. 풍성한 음식은 테이블에 맞지 않는 듯 늘어져 청중에게 직접 떨어졌습니다.

스페인 예술가들은 자신을 작은 물건 세트로 제한하는 것을 선호했고 절제된 방식으로 작업했습니다. 색 구성표. F. Zurbaran과 A. Pereda의 그림에 나오는 접시, 과일 또는 조개가 테이블 위에 차분하게 놓여 있습니다. 그들의 형태는 단순하고 고귀합니다. 거의 눈에 띄는 chiaroscuro로 조심스럽게 성형되었으며 구성이 엄격하게 균형을 이룹니다 (F. Zurbaran. "오렌지와 레몬이있는 정물", 1633; A. Pereda. "시계가있는 정물").

18세기에 프랑스 거장 J.-B. S. 샤르댕. 소박하고 견고한 식기(그릇, 구리냄비), 채소, 소소한 음식을 그린 그의 그림은 삶의 숨결을 담고 있으며, 난로의 시로 따뜻해지며 일상의 아름다움을 긍정한다. Chardin은 또한 우화적인 정물화를 그렸습니다(Still Life with Attributes of the Arts, 1766).

러시아에서는 18세기에 최초의 정물화가 등장했습니다. 궁전 벽의 장식 그림과 물체가 너무 정확하게 재현되어 실제처럼 보이는 "더미"그림에서 (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). 19세기 속임수 전통이 다시 생각되었습니다. 정물은 상반기에 급증하고 있습니다. 19 세기 "트릭"( "빨간색과 흰색 건포도의 열매", 1818)의 전통을 재고 한 F. P. Tolstoy, 베네치아 학교의 예술가 및 I. T. Khrutsky의 작품에서. 일상적인 사물에서 예술가들은 아름다움과 완벽함을 보려고 노력했습니다.

장르의 새로운 전성기는 마지막에 온다. 19 - 구걸. 20세기, 정물화는 창작 실험의 실험실, 작가의 개성을 표현하는 수단이 된다. 정물화 중요한 장소후기 인상파의 작품-W. Van Gogh, P. Gauguin 및 무엇보다도 P. Cezanne. 세잔의 그림에서 구성의 기념비성, 인색한 선, 기본적이고 엄격한 형태는 사물의 구조와 기초를 드러내고 세계 질서의 흔들리지 않는 법칙을 상기하도록 설계되었습니다. 작가는 형태를 색으로 조형하여 물질성을 강조한다. 동시에 애매한 색상, 특히 차가운 파란색은 그의 정물화에 공기와 공간감을줍니다. Cezanne 정물 라인은 "Jack of Diamonds"(I. I. Mashkov, P. P. Konchalovsky 및 기타)의 주인이 러시아의 전통과 결합하여 러시아에서 계속되었습니다. 민속 예술. "Blue Rose"(N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin)의 예술가들은 향수를 불러 일으키는 골동품 스타일의 구성을 만들었습니다. K. S. Petrov-Vodkin의 정물은 철학적 일반화로 가득 차 있습니다. 20세기에 P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi는 정물 장르에서 창의적인 작업을 해결했습니다. 러시아에서이 장르의 가장 위대한 거장은 M. S. Saryan, P. V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov 등이었습니다.

훌륭한 정의

불완전한 정의 ↓

지침

장르로서의 정물은 당장 눈에 띄지 않았고, 오랫동안꽃과 가정 용품을 묘사한 그림은 가구 문 장식뿐만 아니라 다른 캔버스의 프레임 추가로 사용되었습니다. 최초의 독립 회화는 17세기경에 등장했습니다. 그런 다음 물체의 이미지가 우화로 사용되기 시작했으며 각 물체에는 추가적인 상징적 의미가 있습니다. 나중에 정물화는 예술가들 사이에서 인기를 얻었지만 열등한 장르로 간주되었습니다.

여러 유형의 정물이 있으며 가장 초기에 가장 흔한 것은 꽃 정물이고 다음으로 가장 인기 있는 것은 서빙되는 테이블의 정물입니다. 상징적인 정물은 계속해서 존재합니다. 비교적 최근에 등장한 또 다른 보기는 추상적 정물화입니다. 이 스타일에서는 물체가 사실적으로 묘사되지 않고 형태가 스케치적이며 색상이 부드러운 전환이 없습니다.

그림 그리기를 좋아한다면 이 장르에서 많은 그림과 그림을 그렸을 것입니다. 정물화를 그리기 위해 재미있는 물건을 찾는 데 시간과 노력을 들일 필요가 없으며 언제든지 그릴 수 있습니다. 좋은 구성항상 가까이에 있는 아이템. 휘장을 배경으로 사용하세요. 작은 천 조각이 좋습니다. 여러 가지 계획을 세울 수 있도록 물건을 배열하십시오. 큰 사이즈배경에 있어야 하며 크기가 더 작아야 합니다. 측면 색상 소스를 추가하면 개체에 볼륨이 추가됩니다. 이러한 제작물에 대한 정기적인 연습을 통해 드로잉 기술을 연마할 수 있습니다.

"숲 제비꽃과 물망초"

포레스트 바이올렛과 물망초

Isaac Levitan의 그림은 러시아 자연의 가수의 푸른 하늘과 흰 구름과 같습니다. 캔버스에만 열린 공간이 아니라 야생 꽃의 꽃다발입니다. 민들레, 라일락, 수레 국화, 부조화, 양치류, 진달래... 숲을 지나면 작가의 작업장은 "온실이나 꽃집"으로 변했다. Levitan은 꽃 정물을 좋아했고 학생들에게 색과 꽃차례를 모두 보도록 가르쳤습니다. "그들은 페인트가 아니라 꽃 냄새가 나야합니다."

"사과와 나뭇잎"

사과와 잎

Ilya Repin의 작품은 러시아 박물관의 화려한 설정을 유기적으로 시작했습니다. 순회 예술가는 학생 Valentin Serov를 위해 작곡을 작곡했습니다. 너무 아름다워서 선생님이 직접 붓을 들었습니다. 일반 정원의 사과 6개 - 구겨지고 "통"이 있고 잎 더미가 덮여 있음 단풍, 영감의 원천으로.

"꽃다발. 플록스»

꽃다발. 플록스

Ivan Kramskoy의 그림. "재능있는 사람은 분지, 물고기 등을 묘사하는 데 시간을 낭비하지 않을 것입니다. 이미 모든 것을 가지고 있고 할 일이 많은 사람들에게 좋습니다. "Kramskoy가 Vasnetsov에 썼습니다. 그럼에도 불구하고 삶의 끝에서 정물화의 장르 유명한 초상화 화가주의를 기울이지 않았습니다. XII 여행 전시회에서 유리 꽃병에 담긴 플록스 꽃다발이 발표되었습니다. 그림은 vernissage가 열리기 전에 구입했습니다.

"정물"

정물

카지미르 말레비치는 사실주의를 우회하여 인상주의와 큐비즘을 통해 "검은 광장"으로 가는 길에 있다. 프랑스 칠보 기법의 두꺼운 검은 선, 납작한 접시, 볼륨감 있는 과일 등 한 그림의 틀 안에서도 과일이 담긴 꽃병은 창의적인 연구의 결실입니다. 그림의 모든 구성 요소는 색상으로만 통합됩니다. 아티스트 특유의 밝고 채도가 높습니다. 파스텔톤에 도전하듯 실생활.

"청어와 레몬"

청어와 레몬

네 명의 아이들과 그림. 예술가의 삶에서 이러한 조합이 틀림없이 장르를 결정합니다. 그래서 그것은 Zinaida Serebryakova와 함께 일어났습니다. 많은 가족 초상화메뉴를 만들 수있는 정물 : "Fruit Basket", "Asparagus and Strawberries", "Grapes", "Fish on Greens"... 실제 마스터의 손에 "청어와 레몬"이 있습니다. 예술 작품이 됩니다. 시와 단순함: 나선형 레몬 껍질과 프릴이 없는 생선.

"사모바르가 있는 정물"

사모바르가 있는 정물

Serov, Korovin 및 Vasnetsov의 학생, "Jack of Diamonds"-Ilya Mashkov는 주변 세계를 묘사하는 것을 좋아했지만 더 밝습니다. 도자기 인형과 베고니아, 호박... 고기, 게임-오래된 주인의 정신, 모스크바 빵-수도의 스몰 렌 스크 시장에서 스케치. 그리고 러시아 전통에 따르면-사모바르가없는 곳. 과일과 밝은 요리로 축제 생활 영역의 정물은 삶의 연약함을 상기시키는 두개골로 보완됩니다.

"메달이 있는 에뛰드"

메달로 공부하다

소비에트 스타일의 정물화. 20 세기 예술가 Anatoly Nikich-Krilichevsky는 한 장의 사진에서 소련 최초의 스피드 스케이팅 세계 챔피언 인 Maria Isakova의 평생을 보여주었습니다. 컵으로, 각각 - 수년간의 훈련; 격렬한 투쟁에서 수여된 메달; 편지와 거대한 꽃다발. 아름다운 사진예술가와 스포츠 성공의 예술적 연대기를 위해. 정물 이야기.