노래 실력과 능력. 알트구 청소년 예배당 성악단 결성 및 연주 실력

AltSU의 청소년 예배당에서 성악 합창 및 공연 기술 형성. 작품 공연을 진행하기 전에 각 가수는 노래를 불러야합니다. 노래 연습은 두 가지 문제를 해결합니다. - 목소리를 최상으로 가져옵니다. 작업 조건가수에게 좋은 연주 기술을 심어줍니다. 발성 장치의 워밍업은 발성 및 기술 훈련에 앞서 진행됩니다.

체계적으로 이 개념을 혼동해서는 안 되지만 실제로는 두 작업을 동시에 수행할 수 있습니다. 아직 적절한 소리가 충분하지 않은 초보 가수의 경우 노래를 부르는 것은 수업의 기술적인 부분입니다. 발성 연습을 학습 목표와 의식적으로 결합하는 것이 중요합니다. 악보. 악보는 이를 달성하는 데 도움이 되며 청각적 표현을 시각적 표현과 연결할 수 있습니다. 아마추어 연주자가 특정 소리 시퀀스를 노래하고 오선지에서 이 시퀀스를 봅니다.

인토네이션 결함이 있는 경우 리더는 해당 사운드 또는 멜로디 간격을 가리킵니다. 따라서 음악적으로 훈련되지 않은 가수는 눈에 띄지 않게 음악 문해력에 합류합니다. 수업이나 공연 전에 노래를 부를 필요성은 음성 형성 기관을 점차 활성 작업 상태로 만드는 법칙에 의해 결정됩니다. 성가는 휴식과 노래 활동 사이의 연결 고리이며 한 생리적 상태에서 다른 생리적 상태로 연결되는 다리입니다.

아마추어 합창단의 전체 노래 과정은 정신의 생리적 능력과 특성에 따라 조정되어야 합니다. 예배당에 온 사람들의 전형적인 결점을 생각해보십시오. 1. 보컬준비 안된 남자들 노래 부를 때 호흡이 고르지 않고, 어깨를 들다가 숨이 막히는 것 같다. 이러한 표면적 쇄골 호흡은 소리와 신체 모두에 악영향을 미칩니다. 이 단점을 없애기 위해 우리는 다물고 있는 입에 숨을 고르게 분배하고 반하품 자세를 취하면서 노래를 불렀다. 2. 강제적이고 긴장된 소리.

과도하게 증가한 역학, 선명도, 무례한 성능으로 구별됩니다. 이 경우 소리의 강도는 노래의 예술적 평가에 대한 잘못된 기준이며 공명기를 사용하는 것이 아니라 소리를 강하게 밀어서 라우드니스를 얻습니다. 결과적으로 인대에 압력이 가해집니다. 우선 합창단원들의 목소리의 아름다움과 본격적인 소리의 아름다움은 호흡기관의 물리적인 긴장과 후두의 작용이 아니라 음성이 필요한 강도와 음색을 얻는 공명기를 사용하는 능력.

이것은 높은 위치에서 닫힌 입으로 노래 연습, 피아노에서 체인 호흡으로 노래, 메조 피아노 스피커, 칸틸레나 운동, 소리의 균일성, 차분한 호흡 유지에 도움이 될 것입니다. 3. 플랫하고 얕은 화이트 사운드. 종종 아마추어 합창단의 그러한 소리는 민속 공연 스타일과 동일시됩니다.

그런 소리로 노래하는 아마추어 합창단은 일반적으로 민속이나 학문적 노래 방식을 전혀 모르고 그들의 성대와 합창 기술은 무력합니다. 우선, 목구멍에서 노래를 제거하고 횡격막으로 옮기고 하품 기술을 개발하여 헤드 공진기 (32, p.56) 지점으로 둥근 소리를 보내야합니다. 이 모든 것은 소리 형성의 단일 방식으로 수행되어야 하며, 가려진 모음 e, u, y에 대한 연습은 유용할 뿐만 아니라 모든 모음을 반올림하여 mi, me, ma 음절에서 지속적인 소리를 노래합니다. 4. 다양한 소리.

단일 방식의 모음 형성이 없다는 특징이 있습니다. 즉, 열린 모음은 가볍고, 열린 모음은 더 많이 수집되고 어둡게 들립니다. 이것은 가수들이 노래하는 동안 구강 뒤쪽에서 하품의 고정된 위치를 유지하는 방법을 모르기 때문에 발생합니다. 이를 없애기 위해 가수는 단일 방식으로 노래하는 방법, 즉 모든 모음을 반올림 방식으로 형성하는 방법을 배워야 합니다. 5. 깊고 부서지는 소리.

하품이 후두 가까이에서 매우 깊게 이루어질 때 과도한 소리 중첩으로 인해 발생할 수 있습니다. 그러한 노래는 항상 다소 음소거되고 멀게 남아 있으며 종종 목구멍 배음이 있습니다. 우선, 하품을 완화하고 소리를 더 가깝게 만들고 모음 zi, mi, ni, bi, di, li, la, le 등으로 음절을 부르는 연습을 해야 합니다. 가벼운 스토카토를 사용한 레퍼토리.

노래 연습은 주로 합창단의 보컬 인식, 올바른 소리 형성, 음색 색상 및 음색의 순도를 목표로 합니다. 주요 관심사는 조화입니다. 잘 만들어진 유니즌은 앙상블 하모니와 사운드의 선명도를 제공합니다. 그러나 이런 종류의 운동은 더 많은 것을 줄 수 있습니다. 선명도 개발에 좋은 도움이 될 것입니다. 뮤지컬 귀일부 작곡 작업을 할 때 직면하게 될 억양의 어려움을 극복할 수 있도록 가수를 준비시킵니다.

챈팅 연습의 기본은 어떤 식 으로든 반음 또는 온음이있는 조합입니다. 음색이나 반음을 올바르게 연주하는 방법을 가르치는 것은 노래의 순수성을 보장하는 것을 의미합니다. 노래할 줄 모르는 합창단은 배우지 않는 합창단입니다. 여러 가지 이유로 대부분의 가수에서 대략적인 인토네이션을 쉽게 감지할 수 있습니다. 불행히도 이것은 아마추어 가수뿐만 아니라 많은 전문 가수에게도 적용됩니다.

조잡한 억양은 불충분한 귀 문화의 결과입니다. 듣는 문화는 학습 과정에서 자라나고 발전됩니다. 분명히 이 과정에는 몇 가지 결함이 있습니다. 소리와 인토네이션의 순도는 보컬에서 불가분의 관계로 연결되어 있고 상호 의존적입니다. 올바르게 형성된 톤은 항상 선명하게 들리며, 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 여기에서 올바른 노래 소리에 대한 투쟁이 이어집니다. 단점을 없애고 특별한 연습을 통해 올바른 노래 실력을 심어주는 것이 가장 좋습니다.

우리는 이러한 연습을 사용하여 가수의 공연 기술을 개발합니다. 1. 개발 노래하는 숨결그리고 소리 공격. 초기 기술은 올바른 호흡을 하는 능력입니다. 코를 통해 조용히 흡입합니다. 첫 번째 체조 연습에서는 호흡이 가득 차고 소리로 수행되는 후속 연습에서는 음악 문구의 지속 시간과 역학에 따라 드물게 다른 충만도를 취합니다. 첫 번째 운동에서는 s의 소리와 함께 이빨을 꽉 쥐고 숨을 내쉬었습니다. 이 경우 가슴은 흡입 위치, 흡입 기억 및 복근의 점진적인 이완으로 인해 횡경막이 부드럽게 기본 위치로 돌아갑니다.

호흡기 근육의 활성 상태와 긴장이 후두, 목, 얼굴 근육에 반사적으로 전달되어서는 안됩니다. 조용한 운동에서는 호흡 지원의 첫 번째 느낌이 있습니다. 2. 하나의 소리에 대한 연습. 후속 운동에서 호흡이 소리와 결합될 때 이러한 감각을 개발하고 강화해야 합니다.

우선, 하나의 지속된 사운드가 기본, 즉 입을 다물고 있는 mf의 뉘앙스에서 가장 편안한 톤. 이전 연습에서 익숙한 근육 감각을 따라 합창단원들은 소리를 듣고 순수함, 균일함 및 안정성을 달성합니다. 소리의 평탄함과 결합된 호흡의 평탄함이 그것을 제공하고 확인됩니다. 이 연습에서는 소리의 공격이 전개됩니다. 후렴구가 호흡을 마스터함에 따라 모든 유형의 어택의 품질과 무엇보다도 부드러움에 대한 요구 사항이 점점 더 엄격해집니다. 3. 감마 연습.

호흡 발달과 소리 공격을 위한 연습의 다음 주기는 두 개의 소리에서 점진적으로 시작하여 십진수 옥타브 내의 음계로 끝나는 음계와 같은 순서를 기반으로 합니다. 이러한 운동에서 호흡 기술과 지원 느낌이 더욱 어려워집니다. 탄성 호흡에 부드럽게 연결된 소리의 변화에 ​​\u200b\u200b적응합니다. 지속적인 소리를 부를 때와 비늘 같은 시퀀스를 부를 때의 호흡 감각의 차이는 가만히 서 있을 때와 걸을 때 다리의 근육 탄력 감각의 차이와 비슷하다.

두 번째 경우 지지대가 한 다리에서 다른 다리로 움직이고 몸이 충격을 느끼지 않고 부드럽게 움직입니다. 4. 운동하기 논 레가토. 가장 가벼운 스트로크로 레가토가 아닌 사운드의 올바른 조합 기술을 시작하는 것이 좋습니다. 비 레가토 스트로크에서 소리 사이의 감지할 수 없는 휴지기는 후두와 인대가 다른 피치로 재건할 시간을 갖기에 충분합니다. Non Legato에서 사운드를 연결할 때 각 후속 사운드가 충격 없이 발생하는지 확인해야 합니다. 5. 레가토 연습.

레가토 스트로크는 노래에서 가장 일반적으로 사용되며 소유에 특별한주의를 기울여야합니다. 드라이, 심플, 레가티시모의 세 가지 유형의 레가토가 연습에서 모두 연습됩니다. 약간의 끊김 없이도 미끄러지지 않고 끝에서 끝까지 소리가 부드럽게 연결되는 것이 특징 인 건식 레가토로 시작해야합니다. 레가토 연습에서는 부드럽거나 혼합된 사운드 공격만 사용됩니다.

확고한 어택은 휴지 없이도 소리를 나눕니다 10,c 64 . 간단한 레가토에서 소리에서 소리로의 전환은 눈에 띄지 않는 슬라이딩으로 이루어집니다. 이 기술의 최상의 성능을 위해 드라이 레가토 기술을 사용하여 다음 사운드가 나타나기 직전에 슬라이딩 전환이 짧게 이루어지도록 해야 합니다. 주어진 템포 리듬. 레가티시모는 노래할 때 단순한 레가토의 가장 완벽한 실행에 불과합니다.

레가토 스트로크를 수행할 때 예술적 작업에 따라 두 가지 호흡 기술을 사용할 수 있습니다. 첫 번째는 현악기 용 활이 하나 인 Legato의 연주와 유사한 지속적이고 고른 숨을 내쉬는 것입니다. 다음 소리로 넘어가기 전에 숨을 내쉬는 속도를 늦추는 두 번째 감소는 레가토 스트로크를 수행할 때 현의 활을 변경하는 것과 유사합니다. 6. Stacatto에서 운동하십시오. 스타카토 스트로크로 노래하는 것은 호흡과 단단한 공격을 개발하는 데 매우 유용합니다.

한 소리의 반복으로 시작한 다음 음계, 아르페지오, 점프 등으로 점차 이동해야 합니다. 모든 유형의 스타카토 소프트, 하드, 스타카티시모를 적용합니다. Staccato를 부를 때 소리 사이의 일시 중지 인 휴지기에서 근육이 이완되지 않고 흡입 위치에 엄격하게 고정됩니다. 소리를 내쉬는 순간의 교대와 휴지기의 정지에서 숨을 참는 것은 매우 리드미컬해야 하며 각 소리에 크레센도와 디미누엔도가 동반되어서는 안 됩니다. 이 기술은 현 10,c에서 활을 제거하지 않고 바이올린으로 스타카토를 연주하는 것과 유사합니다. 67 . 스타카토를 연주할 때 미숙한 가수는 각 소리가 들리기 전에 숨을 쉬려는 시도를 경험하여 스타카토를 부정확하게 만들고 이 연습의 수행은 쓸모가 없습니다. Staccato 호흡을 노래하기위한 준비 체조 운동은 각 미세 흡입 후 미세 용량으로 점진적으로 이루어지며 호흡은 고정되어 있으며 호흡과 휴지기의 교대는 엄격하게 리드미컬 한 호기가 있어야합니다. 7. 아르페지오 운동과 점프.

노래하는 아르페지오 연습은 호흡에 새로운 요구 사항을 부여합니다. 소리 사이의 간격이 넓을수록 레가토 스트로크로 부를 때 연결하기가 더 어렵습니다.

넓은 간격의 스트로크는 소리의 레지스터 조건을 소리에서 소리로 급격히 변경하고 호흡의 흐름을 증가시킵니다. 긴 간격으로 올라가기 전에 호흡기의 근육이 활성화되고 흡입 모방이 적용됩니다. 부드럽고 자유롭고 순간적으로 다이어프램을 외부에서 아래로 밀어 거짓 호흡이 적용됩니다. 복부 근육은 앞으로 움직이며 완전한 부동성과 가슴 상부 및 중간 부분의 자유로운 안정성이 있습니다.

이 기술의 어려움은 흡입이 아니라 호기에서 수행된다는 것입니다. 8. 숨을 죽이는 리셉션. 때때로 호흡을 바꿀 때, 특히 리듬이 무너지고 구조의 교차점에서 일시 중지가 없는 빠른 템포에서 구의 끝이 흐려지는 경우가 있습니다. 이 경우 문구의 끝으로주의를 전환하여 문구의 마지막 소리 끝에 드롭하여 즉각적인 호흡 변화 기술을 제안하는 것이 유용합니다. 다음 소리를 취하는 것에 대해 생각하지 말고 이전 소리를 제거하는 것에 대해 생각하십시오.

이 경우 다이어프램이 즉시 눌러지고 흡입 위치에 고정되며 이러한 방식으로 문구의 마지막, 때로는 매우 짧은 소리가 제거되어 즉각적인 호흡과 반사적으로 결합됩니다. 이 연습을 수행할 때 리더는 휴지기가 즉각적이고 그 이전의 소리가 극도로 완료되었는지 확인합니다.

비트마다 호흡이 바뀝니다. 호흡 10c.65를 떨어뜨릴 때 소리의 끝을 강조하는 것은 허용되지 않습니다. 공진기 사용 기술 및 관절 장치. 공명기와 조음 기관이 기능적으로 연결되어 있기 때문에 이러한 기술은 조합되어 자랍니다. 자연적인 형태에서 공진기는 일반적으로 범위의 자체 섹션에서 각각 독립적으로 작동합니다. 훈련은 자연스럽게 흉부 공진기를 포함하여 범위의 기본 톤으로 시작됩니다.

적절한 음색 튜닝은 전체 범위에 걸쳐 높은 위치에서 가까운 소리로 노래하는 것입니다. 이러한 상황을 고려하여 첫 번째 연습이 제공됩니다. si 및 mi 음절에서 단일 지속 기본 사운드를 노래하여 근접 및 고음에서 헤드 공진기를 켜는 데 도움이 될 뿐만 아니라 si-ya와 mi-ya 음절의 조합에 대한 여러 소리. 남성 합창단에서는 가성음이 음역의 저음으로 전이되면서 첫 번째 옥타브 D에서 시작하여 순수한 가성으로 하강 시퀀스를 연주함으로써 높은 위치의 느낌을 얻을 수 있습니다.

특정 모음과 자음의 조합은 가깝고 높은 ​​소리를 얻는 데 기여합니다. b, d, s, l, m, p, s, t, c의 조합은 소리 n, p, g, k를 더 가깝게 만듭니다. 모음과 e, y는 고음에 기여합니다. 머리와 가슴을 연결하여 lu, li, du, di, mu, mi, zu, zi 음절에 혼합 소리 형성을 달성하는 것이 편리합니다. 대부분의 노래 연습은 모든 가수에게 외롭고 편리한 중립 영역에서 우리가 수행한다고 말해야합니다.

그들은 조용한 뉘앙스로 연주되지만 전반적인 활동이 뛰어납니다. 그리고 1-2개의 최종 연습만이 모든 성부의 전체 범위를 커버하고 완전한 자유음으로 노래됩니다. 우리는 레퍼토리 작업을 위해 보컬 장치를 준비하면서 보컬 연습으로 각 리허설을 시작합니다. 레퍼토리는 작품 모음입니다. 실행 가능한 주제또는 그렇지 않으면 성가대, 모든 활동의 기초를 형성하고 참가자의 창의적 활동 개발에 기여하며 리허설이든 창작 콘서트이든 합창단 작업의 다양한 형태와 단계와 직접 연결되어 있습니다. 또는 집단의 창조적 경로의 정점.

레퍼토리는 전체 교육 과정에 영향을 미치며 이를 기반으로 음악 및 이론 지식이 축적되고 보컬 및 합창 기술이 개발되며 합창단의 예술적 및 공연 방향이 형성됩니다. 집단 기술의 성장, 개발 전망, 작업 수행과 관련된 모든 것, 즉 노래하는 방법은 능숙하게 선택된 레퍼토리에 달려 있습니다. 연주자의 세계관 형성, 인생 경험의 확장은 레퍼토리의 이해를 통해 발생하므로 합창 연주를 위한 작품의 높은 이념적 내용은 레퍼토리 선택의 첫 번째이자 기본 원칙입니다. 아마추어 그룹의 레퍼토리는 아마추어 예술의 개념 자체가 다면적이고 이질적이기 때문에 형성, 장르, 스타일, 주제, 예술적 측면에서 다양합니다. 유능하고 성실한 연주로도 성인 및 어린이 학술 합창단 콘서트 프로그램, 공연자와 청취자 모두의 주요 목표가되어야하는 특별한 마음 상태를 항상 느끼지는 않습니다.

이 상태는 영의 삶이라고 정의할 수 있습니다. 이 국가가 예술가, 작가, 화가, 음악가를 점령하면 기적이 일어납니다! 이 상태에서 사람은 다른 사람의 영혼을 이해하고 가장 실제적인 감정으로 다른 사람의 삶을 살며 과거에서 신비롭게 침투하여 미래를보고 무생물에 생명을 불어 넣습니다.

그리고 그러한 영의 삶이 무대에 나타나면 신성한 불꽃은 예술을 통한 교육이라는 것을 전달합니다. 이 양육은 자신과 같은 사람들과 친족 관계를 열고 느끼기 위해 사람의 영혼에 호소하기 때문입니다 (34, p.147). 그러나 무대 위의 합창단은 어떻게 이 진정한 영혼의 삶을 불러일으킬 수 있을까요? 결국, 그들에게 필요한 것은 환생이라고 불리는 것, 다른 심리적 상태로의 전환, 환각의 지점까지 강화되는 것입니다! 상상과 환상의 작품! 그러나 모든 사람의 정신이 그렇게 유연하고 비유적인 사고가 너무 밝은 것은 아닙니다. 합창 공연의 진정한 무대 창작에는 다른 많은 장애물이 있습니다. 일이나 공부로 인한 육체적 피로, 신경과민, 콘서트와 무관한 식사와 휴식, 충분히 배운 작품 등 무대에서 영혼의 생명을 얻기 위해서는 사람이 아직 만나보지 못한 것을 상상하고 느껴야 한다. 자신의 삶.

그리고 항상 작업 결과를 정확하게 평가할 수 있는 것은 아닙니다.

오직 지휘자만이 그의 판단자이자 스승으로서 그를 목표로 이끌어 예술적 취향, 지성, 도덕적 태도예술과 삶으로.

지휘자, 예술가, 교사는 가짜에 만족할 권리가 없습니다! 그리고 모든 합창단이 다른 지성, 기질, 인생 경험, 기분, 상태 등 무대에서 살도록 가르치는 것은 매우 어렵지만 예술에 영성이 부족한 것에 대한 설명이 있지만 정당화 될 수 없습니다.

말한 내용에서 적어도 두 가지 결론을 도출해야 합니다. 첫째, 지휘자-합창단 지휘자가 지휘자-예술가가 되기 위해서는 교육, 학식, 예술적 취향, 교육적 기술 및 창의적 기질에 대한 특별한 잠재력이 있어야 합니다.

그러한 지도자는 많은 다른 사람들일반적인 공감, 정신의 창조적 고양, 새로운 생각과 감정으로 성인이나 어린이의 상상력과 환상을 풍요롭게합니다. 합창의 두 번째 영성은 종종 성악 및 합창 음악 연주의 일반 원칙에 대한 무지 또는 무지로 인해 방해를 받는 경우가 많으며, 이를 준수하는 것은 예술성을 위한 기술적 지원 역할을 하고 영감의 출현에 기여합니다.

가장 일반적인 문제 1. 음악 메트릭과 텍스트 논리의 관계 2. 동적 대비의 사용 3. 작품의 영혼으로서의 템포 4. 억양의 품질에 대한 정신 감정 상태의 영향 5. 음색 배열 6 . 구상적 사고의 지표로서의 건전한 과학 7. 합창 앙상블 8. 형식 형성 9. 실행 중인 슈퍼 태스크. 합창 공연의 다양한 작업은 위의 내용으로 소진되지 않습니다. 음악 메트릭 및 텍스트 로직.

노래의 표현력에 큰 장애물은 단어의 논리적 강세와 음악의 운율 악센트 사이의 불일치입니다. 특히, 이러한 불일치는 커플릿(couplet) 형태에서 관찰된다. 그 결과 모국어의 이상한 느낌이 나고 의미가 어렵게 인식됩니다. 러시아어로 민요그리고 초원에서 공연 중 일부 텍스트 줄은 논리적 스트레스와 미터법 스트레스 사이의 불일치로 눈에 띄게 구별되며 때로는 현대 정확한 발음의 미학을 과도하게 위반합니다-모기와 춤을 췄습니다-관절을 부수었습니다-어머니에게 소리 쳤습니다 등 민요를 연주할 때 자주 하는 일이다.

이 현상의 원인은 러시아인뿐만 아니라 민요 1. 이 곡들은 무대용이 아니었다. 2. 창작자와 연주자의 범위는 처음에는 마을, 마을, 지역의 경계로 제한되었으므로 노래의 가사는 어린 시절부터 친숙했습니다. 많은 노래가 동작, 작업, 춤으로 연주되어 음계의 우월성을 미리 결정했습니다.

이러한 조건과 기타 조건이 함께 특정 스타일의 성능으로 이어졌으며 원칙적으로 보존되어야 합니다. 그러나 말과 음악의 강세의 일치는 원칙적으로 말과 이미지의 표현력을 높이는 반면 불일치는 인상을 약화시키고 지운다. 따라서 가능할 때마다 연주 수단을 통해 단어와 음악 사이의 미터법 불일치를 극복하고 단어의 강세를 다소 강조할 필요가 있습니다. 또 다른 문제는 추가 스트레스와 관련이 있습니다. 규칙은 다음과 같습니다. 1. 한 단어에 강세가 하나 이상 없어야 합니다. 2. 안으로 간단한 문장하나 이상의 강조 단어가 없어야 합니다. 3. 안으로 의문문주된 강세는 의문사에 떨어진다.

다음 문제는 지속적인 소리에 대한 스트레스의 변위입니다. 단어에 대한 무감각한 태도와 이 단어가 표현하는 이미지로 인해 그러한 변위가 자주 발생합니다. 한 단어로 두 가지 스트레스가 나옵니다. 이것은 허용될 수 없습니다.

동적 대조. Stulova G.P.에 따르면 수행 작업을 이해하는 데 중요한 청각 기능은 강도와 ​​높이가 균일한 소리 감각을 받을 때 청각 기관의 신경 에너지가 상대적으로 빠르게 고갈된다는 것입니다. 기악이든 성악이든 연주의 예술성을 평가하는 이 미학적 기준에 따르면 다이나믹 콘트라스트의 원리인 뉘앙스의 다양성과 미묘함이 가장 생생한 청각적 인상을 남깁니다. 성악과 합창 연주에서 역학의 빈약함은 종종 불완전한 성부 인도와 관련이 있습니다.

큰 소리로 부르는 것보다 부드럽게 잘 부르는 것이 더 어렵다는 사실, 보컬 크레센도의 소리가 가늘어지는 것, 특히 디미누엔도- 어려운 일전문가에게도. 이것은 전체 작업의 수행에 대한 주된 이유 중 하나이며 때로는 전체 프로그램이 대부분의 합창단, 음파에 가장 편리한 약 하나입니다. 다양하고 깊게! 그 이유는 작품에 대한 비 유적 해석, 빈곤에 있습니다. 창의적인 상상력연주자, 특히 지휘자.

다이나믹스는 음악의 빛과 그림자입니다. 다른 이미지에는 다른 조명이 필요합니다. 불완전한 발성이라도 연주자들이 단어 하나하나, 작품 전체의 이미지 속으로 들어가 그것을 노래로 표현하려고 노력한다면 다이내믹한 팔레트가 인상적일 것이다. 따라서 지휘자의 주된 임무는 p 또는 pp, mf 또는 ff의 뉘앙스가 필요한 느낌을 합창단에서 불러 일으키는 것입니다! 동시에 지휘자는 가수들이 역동적인 감각을 통해 원하는 심리적 상태에 들어갈 수 있도록 합창단에게 필요한 소리를 요구하기 위해 시선과 몸짓의 강도를 사용해야 합니다. 공연의 역동적인 모습을 라이브로 보여주겠다는 목표에 대한 이해가 있다면 그 결과는 분명 가창에 영향을 미칠 것이다.

다음은 텍스트 D. Bortnyansky, op의 이미지에서 오는 뉘앙스의 한 예입니다. M. Kheraskova Kohl은 영광 스럽습니다. 이 작품에서 역학을 마스터하는 기술은 완벽하게 실행됩니다 mp 우리 주님이 사랑으로 시온에서 영광스럽다면 - 그는 언어를 설명할 수 없습니다. 작은 mf에서-모든 곳, 주님, 모든 곳에서 당신은 영광스러운 영광입니다-sp의 날-밤에-낮과 밤의 대조-빛은 mf와 같습니다 당신은 태양으로 필사자를 가볍고 자유롭게 비 춥니 다-p-당신 조용한 사랑으로 아이들처럼 하나님, 우리를 사랑하십시오-mf-당신은 자유롭게 식사로 우리를 포화시킵니다 Crescendo 그리고 시온 도시에 우리를 세우십시오. 추수 감사절 - sp - 오 하나님, 당신은 죄인을 평화롭게 방문합니다 - 그리고 당신은 당신의 육체로 먹습니다 pp - 당신은기도하는 마음으로 죄인을 방문합니다, 하나님 - 그리고 당신은 당신의 육체로 먹습니다.

역동적인 팔레트를 개발하는 것은 음악의 반복으로 인해 구절 형식에서 특히 어렵습니다.

텍스트에 대한 창의적인 접근이 필요합니다. 작품의 영혼의 속도. 올바른 템포는 예술적 이미지의 심리적 본질에 대한 정확한 타격의 결과입니다. 유일한 올바른 템포에서 조금만 벗어나도 음악의 성격이 바뀝니다. 잘못된 템포는 뮤지컬 캐리커처로 이어질 수 있습니다.

부정확한 템포감각의 원인은 무대화와 자제력 부족, 미감이나 오해의 소지가 있는 예술적 이미지, 지휘자나 합창단의 무대에서의 체력 저하 등이다. 매우 빠르고 매우 느린 것을 포함하여 전체 작업 동안 변경 없이 유지되어야 합니다. 어렵지만 완벽한 움직임의 균일 함으로 놀라운 조화와 아름다움이 생깁니다.

예를 들어 M. Glinka의 Passing Song 또는 F. Schubert의 Miller를 연주하는 동안 템포가 찢어지면 음악적 예술적 이미지의 주요 항목 인 움직임의 연속성이 손실됩니다! 정확성과 균일성은 음악 움직임 문제의 양면입니다. 세 번째 측면은 속도의 변동성입니다. 음악은 메트로놈이 아니며 매우 자주 템포가 숨 쉬고 있습니다. 콘서트 연습에서 합창단과 반주자 사이의 템포에서 눈에 띄는 불일치가 종종 있습니다. 이것은 지휘자가 템포의 작은 변화를 통해 이미지의 본질을 강조하려고 하지만 반주자가 이를 알아차리지 못했고 느끼지 못했을 때 발생합니다.

작품의 영혼의 속도. L. Beethoven의 이 정의에 따르면, 템포를 느낀다는 것은 음악적 이미지의 영혼을 이해하는 것을 의미합니다! 연주 초반에 지휘자가 집중해야 할 중요한 것은 템포감이다. 정신 감정 상태가 억양의 질에 미치는 영향. 합창단의 순수한 억양은 합창단 장의 주요 문제 중 하나입니다. 그러나 대다수는 피치의 억양에만 관심이 있는 반면, 예술적으로 덜 중요하고 어려운 또 다른 문제인 감정의 억양, 예술적 이미지가 있습니다! 느낌의 인토네이션은 음색, 다이내믹스와 연결되어 피치에 직접적인 영향을 미칩니다. 아카펠라 작품의 인토네이션은 종종 그러한 문제에 직면합니다. 합창단 장에게는 주어진 코드에 필요한 사운드를 한 포트 또는 다른 포트에서 보여줄 수있는 악기가 없습니다.

악기의 이상적인 조율에도 불구하고 피아노의 단련된 음계는 때때로 심리적으로 미묘한 억양의 예술적 작업과 일치하지 않습니다.

목소리는 기질이 없는 살아있는 악기입니다. 음성 억양은 청각뿐만 아니라 청각적 표현을 크게 날카롭게 할 수 있는 느낌에 의해서도 규제됩니다. 템퍼링되지 않은 악기 바이올린, 첼로를 노래하고 연주하는 진정한 예술적 경험이 간격을 줄이는 방향과 증가시키는 방향 모두에서 메인 피치에서 다소 눈에 띄는 편차로 이어지는 것은 우연이 아닙니다. 이 접근 방식을 사용하면 단련된 악기에 대한 인토네이션을 구축해도 인토네이션 중에 감정의 자유로운 움직임을 방지하기 때문에 예술적인 결과를 얻지 못합니다.

심리적 상태와 관련된 자유 시스템의 자유로운 예술적 억양의 가장 간단한 경험은 감정적 톤이 다른 메이저 및 마이너 트라이어드를 노래하는 것입니다. 장례식 미성년자의 섬세한 연주, 가벼운 슬픔, 결단력 등으로 음색과 함께 1 단계와 5 단계의 높이가 다소 변경됩니다.

장3화음에서는 3도의 피치가 다양합니다. 합창단이 피아노와의 발산을 두려워하지 않고 자유롭게 음조를 내는 것이 좋지만 반대로 의식적으로 건전한 심리학 분야로 이동합니다. 이것은 음악 연습에서 절대적인 높이를 만나지 않기 때문에 적절한 공연 접근 방식과 훈련의 결과인 전문가와 아마추어 가수 모두에게 매우 접근 가능합니다. 음악 소리, 그리고 사운드 영역 - 알려진 폭을 가진 서로 가까운 사운드 스트립이며 간격은 많은 억양 음영 및 변형에서 다릅니다. 17p.54. 말한 내용에 대한 흥미로운 설명은 G. Enescu의 오페라 Oedipus Rex에서 제공되며, 여기서 작곡가는 음표 위에 특수 기호로 지정된 소리 위 또는 아래의 4분의 1 음조를 내야 한다는 요구 사항을 표시했습니다.

반주와 함께 작품의 억양. 이 경우 억양에 대한 동일한 예술적 심리적 접근이 가능할 뿐만 아니라 필요합니다.

이러한 인토네이션의 가능성은 인토네이션의 사운드 영역과 때때로 메인 피치에서 상당한 편차가 있는 노래하는 비브라토의 특성에 의해 허용됩니다. 분명히 이것이 비브라토 없이 노래하는 것보다 비브라토로 노래하는 것이 더 표현력이 풍부한 또 다른 이유입니다. 비 진동 노래에서는 기악 반주를 배경으로 목소리의 날카로운 억양이 거짓으로 들리기 때문에 관능적 인 비유적인 억양의 가능성이 좁아집니다.

모달 감각은 메이저 메이저 또는 마이너 마이너의 색상을 얻을 수 있습니다. 놀랍도록 민감한 인토네이션은 코드의 기능적 색상을 따릅니다. 같은 소리가 지속되더라도 반주에서 기능적이고 모달적인 하모니 변화와 함께 음색과 음높이의 변화에 ​​미묘하게 반응합니다. 이것은 심리적 억양입니다. 음악의 모달 및 화음 변화는 예술적 이미지의 심리학과 함께 느낌과 연결되기 때문입니다.

그것은 선율과 조화의 억양 모드 모두에 흔적을 남깁니다. 음색 편곡. 소리의 높이, 역동성 및 힘과 함께 목소리의 음색은 감각 콘텐츠의 주요 전달자입니다. 노래의 음색 광채에 대한 열망은 표현력의 주요 방법 중 하나입니다. 음색의 품질이 비브라토를 결정합니다. 비브라토가 들어간 목소리는 감각적으로 의미심장하다. 비브라토의 출현은 음악적으로 표현되는 연주, 영적 경외감의 성취, 영혼의 현의 진동에 의해 촉진됩니다. 아카데믹 합창과 독창에서는 이미지가 아닌 소리를 위해, 소리만 나면 목소리를 내는 경향이 강하다! 이러한 경향은 음색 측면에서 연주를 단조롭게 만듭니다.

한편, 목소리의 생산은 그 자체로 끝이 아니다. 보컬 아트예술적 이미지를 만드는 데 필요한 모든 소리 속삭임, 비명, 강하고 흡인 공격, 무진동 노래, 단음 등 가능! 학문적 보컬 사운드에 대한 기준의 모든 엄격함과 함께 음색 색상을 지시하는 단어입니다.

불행하게도 아마추어 합창단은 종종 음색의 단조로움에 시달립니다. 그 이유는 다음과 같습니다. 1. 예술 작업의 단점 2. 합창단의 지적, 예술적 발달에 맞지 않는 레퍼토리 연주 3. 불충분한 성악 처리 4. 진동 창법 5. 연령 의존성 아마추어 합창단은 무한한 가능성을 열어줍니다. 건전한 과학은 비 유적 사고의 지표입니다.

노래에서 표현력의 또 다른 비축은 다음을 사용하는 것입니다. 다양한 종류건전한 과학. 예술적인 이미지로 생각하는 지휘자가 이 분야에서도 공연을 다양화하고 정신화하는 것은 어렵지 않을 것이다. 사운드 사이언스의 특성상 작업이 통합될수록 다른 터치의 등장이 더 신선하고 장식적인 요소가 될 것입니다. 이미지의 해석과 사운드 사이언스의 적절한 방법의 사용은 각 아티스트의 지휘자의 취향과 상상력의 문제입니다. 문제는 단어에 대한 시적이고 예술적으로 비유적인 인식과 표현에 동조하는 것입니다.

이것은 쉬운 일이 아닙니다. 단어로 작업하는 극적 배우가 유능하게 노래하는 법을 배운다면 단어로 작업하는 합창단 장도 예술적인 노래를 배우지 않기 때문입니다. 그리고 지휘자는 시를 표현적으로 읽을 수 있을 뿐만 아니라 아마추어 가수들에게 이것을 가르쳐야 합니다. 왜냐하면 노래는 동일한 예술적 읽기이며 음악 덕분에 훨씬 더 표현적이기 때문입니다! 건전한 과학 분야에서 합창단장의 무기고는 매우 풍부합니다.

다이나믹, 리듬, 음색의 다양한 악센트 다른 유형사운드 어택은 소프트, 하드, 기음 레가토 및 비 레가토 스타카토, 마르카토 이 모든 터치는 다양한 조합으로 부드러움과 경도, 볼륨 및 속도 등의 다양한 색조로 연주됩니다. 그들은 단어와 음악 사이의 연결이 예술적으로 더 깊고 더 양각되는 로맨스와 합창 미니어처는 말할 것도 없고 많은 2행 형식의 노래에 사용될 수 있습니다.

예는 무수히 많습니다. 들판의 러시아 민요에서 자작나무 한 그루가 3절 뒤에 서 있고 레가토 소리가 선두로 4절 가사와 4절 발랄라이카에서 연주의 타악기적 성격을 흉내 내듯이 레가토가 아닌 노래로 전환하는 것이 매우 자연스럽다. 이 악기. B. Dvarionas가 Salome Neris Sister Blue Viliya의 구절에 대한 노래에서 처음 두 구절의 사려 깊은 서사적 성격은 3 절에서 전투 그림으로 대체됩니다. 음표가 없어도 사운드 사이언스의 성격은 여기서 바뀌어야 한다는 것이 분명합니다. Legato p Flow, Vilnyale, to Viliya, Run with her to the Neman, Say we love the Motherland She is dearer to life Legato mp - 우리는 승리로 돌아올 것입니다 나물, mp - 이슬로 깨끗이 씻으십시오.

Staccato - Legato f - Let the roadside stones - 우리에 대해 지구에 알리기 Marcato - 우리가 적을 어떻게 몰아냈는지 Diminuendo를 쫓는 방법 - Legato mp - 서둘러, 자매 Vilia On the azure path to the Neman, p - Say, freedom to people 우리는 인생보다 모든 사람에게 더 소중합니다 Diminuendo - pp. 작곡가는 때때로 합창 악보에 소리 과학의 주인공이나 근본적인 변화를 나타냅니다.

그러나 기본적으로 소리전달의 비유적 해석은 지휘자의 창의성의 결과이다. 합창단 앙상블. 합창 앙상블의 유형은 메트로 리듬, 인토네이션, 하모닉, 음색, 다이내믹, 아고직, 딕셔너리, 정형화 등 다양합니다. 합창단의 예술적 연주에 가장 파괴적인 영향을 미치는 것은 템포 리듬의 불일치, 주로 도입부와 후퇴부의 비동시성입니다.

이런 종류의 앙상블은 리허설 작업의 첫 번째 장소 중 하나 여야합니다. 템포리듬의 일관성, 도입과 후퇴의 절대적인 동시성, 아고직의 유연성, 단일한 템포감과 리듬감이 특징인 합창단은 많은 단점에도 불구하고 호감을 주는 것으로 알려져 있다. 분명히 그 이유는 음악적 느낌이 주로 지하철의 리듬감이기 때문이다. 그 정확성은 조화를 제공하고 불협화음은 부조화하고 불쾌합니다.

리듬의 예술적 해석은 합창단이 특히 리듬 앙상블의 미묘한 감각을 가질 것을 요구합니다. 아카펠라의 폴리포니 연주는 종종 전체와 관련하여 개별 부분의 사운드 불균형으로 인해 어려움을 겪습니다. 이유 1. 성악의 수와 질 면에서 합창단의 인력이 불평등하다. 2. 화성의 불확실한 연주. 합창단이 처음 2성부를 부른 순간부터 시작하여 3~4성부로 합창음의 화성적 색채를 온전히 구현하는 문제가 발생한다.

하모니는 음악 이미지의 심리학에서 없어서는 안될 부분입니다. 조화로운 색상의 흐름과 변화는 연주자의 마음에 단어와 느낌으로 연결되어야 합니다. 합창단은 역동적 인 앙상블 사운드에 노래하는 데 익숙하지 않기 때문에 대부분의 경우 메인 멜로디가있는 소프라노가 모든 것을 지배합니다. 전체 합창단을 듣지 마십시오! 합창 파트의 불평등 한 장비로 지휘자의 하모닉 앙상블 관리 역할이 특히 커집니다.

공연 중에 지휘자는 화음의 틈을 듣고 표정이나 몸짓으로 이퀄라이징하고 더 중요한 목소리를 강조하고 약한 목소리를 강화하고 인공 앙상블을 만들어야합니다. 모든 기술적 문제에 대해 화음 앙상블은 연주자가 화음을 부르는 것뿐만 아니라 화음의 생명을 느끼는 곳에서 훨씬 낫습니다. 형성. 합창단은 익숙하면서도 낯선 느낌을 잘 노래하고, 연주의 음색과 강약, 개인의 표현적 순간을 감상할 수 있지만, 전체적으로는 단조롭고 지루하다. 일의.

연주자의 임무는 텍스트와 음악의 절정을 결합하는 것입니다. 이 목표는 템포, 아고직, 다이내믹 상승 및 하강, 음향 과학, 음색 색상 등의 음악적 표현 수단을 모두 합산합니다. 일반적으로 커플릿 형식에서는 각 커플릿에 고유한 절정이 있습니다. 지휘자의 임무는 가장 중요하고 음악적 수단그것을 강조하십시오. 기술은 성장하는 음향의 상단에 있는 다양한 페르마타, 역동적인 악센트 SF 및 SP, 합창 부분을 느리게 하거나 끄기, 솔로 후 투티, 일반적인 일시 중지 등입니다. 가장 중요한 것은 형태 감각을 갖고 작업을 이해하며 구현을 위해 노력하는 것입니다.

대련 형태의 건축학 정렬의 고전적인 예는 M. Blanter의 노래 공연입니다. 태양이 산 뒤로 사라졌습니다. 이미지의 주인공은 역학을 형성하는 주요 수단인 템포에 의해 만들어집니다. 공연은 ppp의 뉘앙스로 오케스트라의 드럼 롤로 시작됩니다. 첫 번째 구절의 후렴구는 pp. 두 번째 구절에서 합창단은 p에서 mf로 음파가 증가합니다. mf에서 f까지 세 번째 절입니다. 넷째 - ff. 이 구절의 마지막 두 줄이 반복되면 음량이 감소하기 시작하고 오케스트라 소리의 울림과 밀도가 제거됩니다.

노래의 길이는 점차적으로 퇴색되기에 충분하지 않지만 5절이 2절의 가사임을 알 수 있다. mf에서 p로의 역순 뉘앙스. 여섯 번째 구절은 첫 번째 구절의 반복으로 pp에서 ppp로 희미해집니다. 공연 형식의 창의적인 솔루션은 노래가 멀리서 나타나서 마치 지나가는 것처럼 접근했다가 다시 멀리 사라지는 군인의 형성에 대한 거의 눈에 띄는 그림을 만듭니다.

슈퍼 작업. 작품의 내용을 표현하기 위해서는 먼저 작품의 주된 사상을 이해하고 그 작품에 생명을 불어넣은 감정이 스며들어야 한다. 이것이 작업의 주요 작업입니다! 그것의 표현은 실행의 슈퍼 태스크입니다.

단순한 작품에서 주된 감정적 내용은 사랑으로, 슬프게, 다정하게 모호하지 않게 표현되는 경우가 많지만, 이런 경우에도 가장 중요한 작업에 대한 정의가 필요할 때가 있습니다. 복잡한 작업에서 가장 중요한 작업은 때로는 선과 악, 삶과 죽음 등의 철학적 개념으로 더 자세하게 표현되어야 합니다. 이러한 작업에서 음악의 주요 분위기에 대한 질문은 항상 모호하지 않습니다. 예를 들어 M. Partskhaladze 합창단에서와 같이 비극적 인 터치로 가벼운 슬픔을 만드는 대조적 인 이미지로 구성되는 경우가 많습니다. -고백, 겸손과 회개, 영혼의 고통과 치유 G. Caccini, Ave Maria 등 슈퍼 작업은 예외없이 Stanislavsky의 작업을 끌어들이는 주요, 주요, 모든 것을 포괄하는 목표로 명확하게 이해되어야합니다. 콘서트 공연을 위한 악보는 마지막 세부 사항까지 집에서 합창단장이 연구합니다. 기술적인 어려움을 파악하고 이를 극복하기 위한 방법의 선택과 함께 작품에 대한 조형적, 수행적 분석이 필요하다.

이와 관련하여 다시 한 번 창의적인 무대의 출현에 기여하는 공연의 가장 중요한 요소에 대해 무대 위의 영혼의 삶의 웰빙? 업무와 성과를 넘어선 이해? 실행 건축학의 표현적인 형태? 용이성, 음성 형성의 자연성? 억양의 순수성과 심리적 형상성? 다양한 예술적 이미지를 묘사하는 음색의 풍부함? 풍부한 동적 색상? 속도의 정확성과 유연성? 단어의 음악적 미터법 구현의 논리, 텍스트의 우선 순위? 건전한 과학의 다양한 스트로크와 이미지? 지휘자와 합창단의 창의적인 웰빙 무드? 작품의 예술적 이미지와 지휘자의 표정과 가소성의 준수? 경쾌한 노래와 반주 악기의 정확한 비율은 합창단에 유리합니다.

합창 공연의 특수성은 주로 합창단장이 항상 합창단원들의 예술적 열망을 조정하고 그들의 창의적인 노력을 단일 채널로 통합하는 어려운 작업에 직면한다는 사실에 있습니다.

리허설 기간 동안 리더는 이 작업 해석의 타당성과 진실성에 대해 팀을 설득해야 합니다.

그는 합창단의 각 구성원이 창작 과정에 적극적으로 참여하려는 성향을 불러일으키는 책임 있는 임무에 직면해 있습니다. 아마추어 합창단의 주요 목표는 청중을 위해 일하는 것이 아니라 폭풍우가 치는 콘서트와 공연 활동이 아니라 어떤 대가를 치르더라도 전문 합창단에 가까워 지거나 심지어 능가하려는 욕구가 아니라 문화적 요구를 충족시키는 것입니다. 회원의.

따라서 아마추어 공연에서 교육적인 측면이 가장 중요하며 주로 팀 구성원 자체의 교육과 관련이 있습니다. 중요한 부분이 과정의 자연스러운 결과로 콘서트 활동이 들어갑니다. 콘서트 공연 활동은 합창단의 창작 활동에서 가장 중요한 부분입니다.

모든 리허설 및 교육 과정의 논리적 결론입니다. 콘서트 무대에서 합창단의 공개 공연은 공연자들에게 정서적 고양과 흥분으로 결정되는 특별한 심리적 상태를 유발합니다. 아마추어 예술가들은 예술적 이미지의 세계와의 접촉에서 진정한 기쁨을 경험하며, 그 이미지의 해석자입니다.

각 콘서트 공연은 신중하게 생각해야 합니다. 합창단의 실패한 공연은 참가자들에게 깊은 감동을 안겨줍니다. 가장 어려운 유형의 콘서트 공연은 한두 부분으로 구성된 합창단의 독립 콘서트입니다. 예배당에서의 이러한 콘서트를보고라고합니다. 콘서트 프로그램은 다양해야 한다. 이는 대조되는 다양한 작품을 선택함으로써 달성된다. 예술적 이미지, 성격 음악적 소재, 프레젠테이션 스타일 등 무대에서의 지휘자의 행동, 그의 예술성, 매력은 콘서트의 성공에 큰 영향을 미칩니다.

콘서트 및 공연 활동을 계획해야 합니다. 그룹의 콘서트 공연 횟수는 예술성과 창작 능력, 공연 기술 수준, 준비된 레퍼토리의 질과 양에 따라 결정됩니다. 너무 적은 콘서트 공연은 너무 많은 것만큼이나 나쁩니다. 합창단의 각 콘서트 공연은 합창단과 함께 분석되고 논의되어야 합니다.

향후 콘서트 및 공연 활동에서이를 제거하기 위해 긍정적 인 측면에 주목하고 단점에주의를 기울일 필요가 있습니다.

작업 종료 -

이 주제는 다음에 속합니다.

아마추어 합창단에서 전문 연주 기술 습득

그것은 사람들의 감정, 생각, 의지를 통합하는 능력을 가지고 있으며, 이로 인해 사람들의 문화 교육 수단으로 매우 중요합니다. 합창에 참여하는 것은 동지애와 우정의 정신을 사람들에게 일깨워줍니다.. 현재 인구의 상당 부분은 고도의 예술적 가치, 고전에 관심이 없습니다..

이 주제에 대한 추가 자료가 필요하거나 원하는 내용을 찾지 못한 경우 작업 데이터베이스에서 검색을 사용하는 것이 좋습니다.

받은 자료로 무엇을 할 것입니까?

이 자료가 유용한 것으로 판명되면 소셜 네트워크 페이지에 저장할 수 있습니다.

MAUDO "A.S. Pushkin의 이름을 딴 Orenburg Children 's School of Arts"

추상적인

주제:

보컬 및 합창 강사나 자격 범주

사블리나 엘레나 바디모브나

2014년

계획

나 .노래를 부르기 위한 발성기구 준비의 중요성 ...... .. 2부터

1. 초기 단계의 전형적인 어려움.

2. 성악과 합창 연습의 중요성.

II .연주 능력 개발 .................. .. 3부터

1. 노래하는 호흡과 소리 공격의 발달.

2. 공명기 및 조음 장치 사용 기술.

III . 마지막 부분. 결론 .................................................. 6시부터

IV . 사용 문헌 목록 ……………………………… 7시부터

체계적인 개발

"성악 합창단의 형성과 합창단의 연주 실력"

나 .노래를 부르기 위해 발성기구를 준비하는 가치.

아마추어 합창단의 보컬 작업은 하이라이트. 실습에서 알 수 있듯이 합창단에 오는 대부분의 사람들은 노래 실력이 없으며 종종 시끄러운 노래, 꽉 막힌 목 소리, 쉰 목소리, 떨림 등 특정 보컬 결함이 특징 인 사람들이옵니다.

작품 공연을 진행하기 전에 각 가수는 노래를 불러야합니다. 노래 연습은 두 가지 문제를 해결합니다. 목소리를 최상의 작업 조건으로 만드는 것과 가수에게 좋은 연주 기술을 심어주는 것입니다. 발성 기술 훈련에 앞서 발성 장치를 "워밍업"합니다. 체계적으로 이 개념을 혼동해서는 안 되지만 실제로는 두 작업을 동시에 수행할 수 있습니다. 아직 올바른 소리에 대한 충분한 지식이 없는 초보 가수에게 "찬송"은 수업의 기술적인 부분입니다. 악보를 가르치기 위해 발성 연습을 의식적으로 결합하는 것이 중요합니다. 악보는 이를 달성하는 데 도움이 되며 청각적 표현을 시각적 표현과 연결할 수 있습니다. 아마추어 연주자가 특정 소리 시퀀스를 노래하고 오선지에서 이 시퀀스를 봅니다. 인토네이션 결함이 있는 경우 리더는 해당 사운드 또는 멜로디 간격을 가리킵니다. 따라서 음악적으로 훈련되지 않은 가수는 눈에 띄지 않게 음악 문해력에 합류합니다.

1. 초기 단계의 일반적인 어려움.수업이나 공연 전에 노래를 부를 필요성은 음성 형성 기관을 점차 활성 작업 상태로 만드는 법칙에 의해 결정됩니다. 성가는 휴식과 노래 활동 사이의 연결 고리이며 한 생리적 상태에서 다른 생리적 상태로 연결되는 다리입니다. 아마추어 합창단의 전체 노래 과정은 정신의 생리적 능력과 특성에 따라 조정되어야 합니다. 합창단에 오는 사람들의 전형적인 결점을 생각해보십시오.

보컬 준비가 안 된 남자들은 노래를 부르면서 고르지 못한 호흡을 하고, 어깨를 들썩이며 숨이 막히는 듯하다. 이러한 표면적 쇄골 호흡은 소리와 신체 모두에 악영향을 미칩니다. 이 단점을 없애려면 입을 다물고 호흡을 고르게 분배하고 "하품"자세를 취한 상태에서 운동을 수행해야합니다.

강제적이고 긴장된 소리. 과도하게 증가한 역학, 선명도, 무례한 성능으로 구별됩니다. 이 경우 소리의 강도는 노래의 예술적 평가에 대한 잘못된 기준이며 공명기를 사용하는 것이 아니라 소리를 강하게 밀어서 라우드니스를 얻습니다. 결과적으로 인대에 "압력"이 가해집니다. 우선 합창단원들의 목소리의 아름다움과 본격적인 소리의 아름다움은 호흡기관의 물리적인 긴장과 후두의 작용이 아니라 음성이 필요한 강도와 음색을 얻는 공명기를 사용하는 능력. 이것은 높은 위치에서 닫힌 입으로 노래 연습, 피아노에서 체인 호흡으로 노래, 메조 피아노 스피커, 칸틸레나 운동, 소리 균일성, 차분한 호흡 유지에 도움이 될 것입니다.

- "평평하고 작은 "하얀 소리". 종종 아마추어 합창단의 그러한 소리는 민속 공연 스타일과 동일시됩니다. 그런 소리로 노래하는 아마추어 합창단은 일반적으로 민속이나 학문적 노래 방식을 전혀 모르고 그들의 성대와 합창 기술은 무력합니다. 우선, 목구멍에서 노래를 제거하고 다이어프램으로 옮기고 가수의 "하품"기술을 개발하여 둥근 소리를 헤드 공진기 지점으로 보내야합니다.

이 모든 것은 소리 형성의 단일 방식으로 수행되어야 합니다. 동시에 "덮인"모음에 대한 연습이 유용합니다. e", "유", "y", 지속되는 소리를 음절로 노래할 뿐만 아니라 미, 나, 엄마, 모든 모음을 반올림합니다.

쓴 소리. 그것은 단일 방식의 모음 형성이 없다는 특징이 있습니다. 즉, "열린"모음 소리가 가볍고 열리고 "덮여"-더 많이 수집되고 어두워집니다. 이것은 가수들이 노래를 부르는 과정에서 구강 뒤쪽에서 "하품"의 고정된 위치를 유지하는 방법을 모르기 때문에 발생합니다. 이를 없애기 위해 가수는 단일 방식으로 노래하는 방법, 즉 모든 모음을 반올림 방식으로 형성하는 방법을 배워야 합니다.

깊고 "으스러지는" 소리. 과도한 소리 중첩으로 인해 "하품"이 후두에 가깝게 매우 깊게 만들어질 때 발생할 수 있습니다. 그러한 노래는 항상 다소 음소거되고 멀게 남아 있으며 종종 목구멍 배음이 있습니다. 우선, "하품"을 완화하고 소리를 더 가깝게 만들고 "가까운"모음으로 음절 노래를 연습해야합니다. 지, 미, 니, 비, 디, 리, 라, 르 기타 결점을 수정하면 가벼운 스타카토를 사용하여 빛, 투명한 소리의 작품 레퍼토리에 포함시키는 데 도움이 될 것입니다.

2. 보컬 및 합창 연습의 중요성.노래 연습은 주로 합창단의 보컬 인식, 즉 소리의 올바른 형성, 음색 색상 및 음색의 순도를 목표로 합니다. 주요 관심사는 조화입니다. 잘 만들어진 유니즌은 앙상블 하모니와 사운드의 선명도를 제공합니다. 그러나 이런 종류의 운동은 더 많은 것을 줄 수 있습니다. 그들은 음악적 예리함을 개발하는 데 좋은 도움이 될 것이며 일부 작곡 작업을 할 때 직면하게 될 억양 어려움을 극복하도록 가수를 준비시킬 것입니다. 챈팅 연습의 기본은 어떤 식 으로든 반음 또는 온음이있는 조합입니다. 음색이나 반음을 올바르게 연주하는 방법을 가르치는 것은 노래의 순수성을 보장하는 것을 의미합니다. 여러 가지 이유로 대부분의 가수에서 대략적인 인토네이션을 쉽게 감지할 수 있습니다. 불행히도 이것은 아마추어 가수뿐만 아니라 많은 전문 가수에게도 적용됩니다. 조잡한 억양은 불충분한 귀 문화의 결과입니다. 듣는 문화는 학습 과정에서 자라나고 발전됩니다. 분명히 이 과정에는 몇 가지 결함이 있습니다. 소리와 억양의 순도는 불가분의 관계로 연결되어 있고 상호 의존적입니다. 성악적으로 올바른 형태의 톤은 항상 선명하게 들리며 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 사운드가 잘못 형성되면 명확한 톤이 없습니다.

II . 공연 기술 개발.

단점을 없애고 특별한 연습을 통해 올바른 노래 실력을 심어주는 것이 가장 좋습니다. 우리는 가수의 공연 기술을 개발하기 위해 이러한 연습을 사용합니다.

노래하는 호흡의 발달과 소리의 공격. 초기 기술은 올바른 호흡을 하는 능력입니다. 코를 통해 조용히 흡입합니다. 첫 번째 체조 연습에서는 호흡이 가득 차고 다음 연습에서는 (소리로 수행됨) 악절의 지속 시간과 역학에 따라 조금씩 그리고 다양한 충만도를 취합니다. 첫 번째 연습에서 날숨은 단단히 꽉 물린 치아를 통해 이루어집니다 (소리 s..s..s..). 이 경우 가슴은 흡입 위치 ( "흡기 기억")로 유지되고 복근의 점진적인 이완으로 인해 횡경막이 부드럽게 기본 위치로 돌아갑니다. 호흡기 근육의 활성 상태와 긴장이 후두, 목, 얼굴 근육에 반사적으로 전달되어서는 안됩니다. 조용한 운동에서는 호흡 지원의 첫 번째 느낌이 있습니다.

- 하나의 소리에 대한 연습.후속 운동에서 호흡이 소리와 결합될 때 이러한 감각을 개발하고 강화해야 합니다. 우선, 하나의 지속된 사운드가 기본, 즉 가장 편리함, 음색, 뉘앙스 mf, 닫힌 입. 이전에 익숙한 근육 감각을 따라

연습, 합창단원들은 소리를 듣고 순도, 균일성, 안정성을 얻습니다. 호흡의 균일성은 소리의 균일성과 결합되어 제공되고 확인됩니다. 이 연습에서는 소리의 공격이 전개됩니다. 후렴구가 호흡을 마스터함에 따라 모든 유형의 어택의 품질과 무엇보다도 부드러움에 대한 요구 사항이 점점 더 엄격해집니다.

- 감마 연습.호흡 및 소리 공격 개발을 위한 다음 연습 주기는 음계와 같은 시퀀스를 기반으로 하며 두 소리에서 점차적으로 시작하여 한 옥타브 내 음계로 끝납니다. 이러한 운동에서 호흡 기술과 지원 느낌이 더욱 어려워집니다. 탄성 호흡에 부드럽게 연결된 소리의 변화에 ​​\u200b\u200b적응합니다. 지속적인 소리를 부를 때와 비늘 같은 시퀀스를 부를 때의 호흡 감각의 차이는 가만히 서 있을 때와 걸을 때 다리의 근육 탄력 감각의 차이와 비슷하다. 두 번째 경우 지지대가 한 다리에서 다른 다리로 움직이고 몸이 충격을 느끼지 않고 부드럽게 움직입니다.

- 레가토가 아닌 연습.소리를 올바르게 연결하는 기술을 시작하는 것이 좋습니다. 비 레가토,가장 가벼운 스트로크로. 뇌졸중의 소리 사이에 감지할 수 없는 휴지 논 레가토후두와 인대가 다른 높이로 재건할 시간이 있으면 충분합니다. 소리를 합칠 때 논 레가토각 후속 소리가 충격없이 발생하도록 달성해야합니다.

- 레가토 연습. 해치 레가토노래할 때 가장 흔하므로 소지품에 특별한 주의를 기울여야 합니다. “연습에서는 세 가지 유형이 모두 해결됩니다. 레가토: 건조하고 단순하며 레가티시모. 건조를 시작해야 합니다. 레가토,약간의 휴지없이 "연속적으로"소리가 매끄럽게 연결되는 것이 특징입니다. 틈은 있지만 미끄러지지 않습니다. 연습에서 레가토소리 공격은 부드럽거나 혼합된 경우에만 사용됩니다. 탄탄한 어택은 휴지 없이도 소리를 나눕니다. 간단하게 레가토소리에서 소리로의 전환은 눈에 띄지 않는 슬라이딩으로 이루어집니다. 이 기술의 최상의 성능을 위해서는 "드라이" 기술을 사용해야 합니다. 레가토, 이전 사운드의 눈에 띄지 않는 확장 (이 템포 리듬을 따라)으로 다음 사운드가 나타나기 직전에 전환-슬라이딩이 짧게 이루어 지는지 확인하십시오. 에 관하여 레가티시모 , 그런 다음 노래에서 그것은 단순한 레가토의 가장 완벽한 실행에 불과합니다. 레가토 스트로크를 수행할 때 예술적 작업에 따라 두 가지 호흡 기술을 사용할 수 있습니다. 첫 번째 - 성능과 유사한 지속적이고 고른 호흡 레가토현악기용 활 하나. 두 번째는 현의 활을 변경하는 것과 유사하게 다음 소리로 이동하기 전에 숨을 내쉬는 속도를 줄이는 것입니다(스트록을 수행할 때). 레가토).

- Stacat 연습티 영형.호흡과 단호한 공격을 개발하고 뇌졸중으로 노래하는 데 매우 유용합니다. 단음. 하나의 사운드를 반복하여 시작한 다음 스케일, 아르페지오, 점프 등으로 점차 이동해야 합니다. 단음: 소프트, 하드, 스타카티시모 . 노래할 때 단음, 휴지기(caesura)에서는 소리 사이의 멈춤으로 근육이 이완되지 않고 흡입 위치에 엄격하게 고정됩니다. 숨을 내쉬는 순간(소리)과 잠시 숨을 참는 순간(휴식)의 교대는 매우 리드미컬해야 하며 다음을 동반하지 않아야 합니다. 진전그리고 점차 약음모든 소리에. 이 수신은 실행과 유사합니다. 단음현에서 활을 제거하지 않고 바이올린에. 공연할 때 미숙한 가수를 위해 단음각 소리가 들리기 전에 숨을 들이마시려는 시도가 있습니다. 단음부정확하며 이 연습을 실행해도 소용이 없습니다. 노래를 위한 준비 체조 단음: 호흡은 마이크로도즈에 의해 점진적으로 획득된다; 미세호흡을 할 때마다 호흡이 유지(고정)되고 호흡과 휴지기의 교대가 엄격하게 리드미컬해야 합니다. 호기는 또한 미량 투여로 수행되며 정지 - 제왕 절개와 번갈아 가며 수행됩니다.

- Arpeggiated 운동과 점프.노래하는 아르페지오 연습은 호흡에 새로운 요구 사항을 부여합니다. 소리 사이의 간격이 넓을수록 획으로 노래할 때 연결하기가 더 어렵습니다. 레가토. 동작이 넓은 간격으로 갑자기 변경됩니다.

소리에서 소리로 소리 조건을 등록하고 호흡의 흐름을 증가시킵니다. 이동 전

긴 간격 동안 인공 호흡기의 근육이 활성화되고 흡기 모방이 적용됩니다.

(거짓 호흡) 횡경막을 부드럽고 자유롭고 즉각적으로 아래로 미는 것; 바깥쪽으로 이것은 가슴의 상부와 중간 부분의 완전한 부동성과 자유로운 안정성과 함께 복부 근육의 부드러운 육포 움직임으로 표현됩니다. 이 기술의 어려움은 흡입이 아니라 호기에서 수행된다는 것입니다.

- 호흡의 "덤핑" ​​수신.때때로 호흡을 바꿀 때, 특히 리듬이 무너지고 구조의 교차점에서 일시 중지가 없는 빠른 템포에서 구의 끝이 흐려지는 경우가 있습니다. 이 경우 문구의 끝으로주의를 전환하여 문구의 마지막 소리 끝에 드롭하여 즉각적인 호흡 변화 기술을 제안하는 것이 유용합니다. 다음 소리를 취하는 것에 대해 생각하지 말고 이전 소리를 제거하는 것에 대해 생각하십시오. 이 경우 다이어프램이 즉시 눌러지고 흡입 위치에 고정되며 이러한 방식으로 문구의 마지막 (때로는 매우 짧은) 소리 제거가 즉각적인 호흡과 반사적으로 결합됩니다. 이 연습을 수행할 때 리더는 휴지기가 즉각적이고 그 이전의 소리가 극도로 완료되었는지 확인합니다. 비트마다 호흡이 바뀝니다. 숨을 내쉴 때 소리의 끝을 강조하는 것은 허용되지 않습니다.

2. 공명기 및 조음 장치 사용 기술.공명기와 조음 기관이 기능적으로 연결되어 있기 때문에 이러한 기술은 조합되어 자랍니다. 자연적인 형태에서 공진기는 일반적으로 범위의 자체 섹션에서 각각 독립적으로 작동합니다. 훈련은 자연스럽게 흉부 공진기를 포함하여 범위의 기본 톤으로 시작됩니다. 적절한 음색 튜닝은 전체 범위에 걸쳐 높은 위치에서 가까운 소리로 노래하는 것입니다. 이러한 상황을 고려하여 첫 번째 연습이 제공됩니다. 음절에서 단일 지속 기본 소리를 노래합니다. 시" 그리고 "미", 근접 및 고음에서 헤드 공진기를 켜는 데 도움이 될 뿐만 아니라 음절 조합에서 여러 소리의 하강 및 상승 진행 시퀀스 성능 "시아" 그리고 "나 나". 특정 모음과 자음의 조합은 가깝고 높은 ​​소리를 얻는 데 기여합니다. 콤비네이션 "b", "d", "h", "l", "m", "p", "s", "t", "c" 소리를 더 가깝게 만드십시오. " n", "r", "g", "k" - 제거됩니다. 모음은 높은 소리에 기여합니다. "i", "e", "yu". "머리"와 "가슴"을 연결하는 것이 편리하여 음절 " 루", "리", "두", "디", "무", "미", "주", "지".

대부분의 노래 연습은 모든 가수에게 외롭고 편리한 중립 영역에서 수행됩니다. 그들은 조용한 뉘앙스로 연주되지만 전반적인 활동이 뛰어납니다. 그리고 1-2개의 최종 연습만이 모든 성부의 전체 범위를 커버하고 완전한 자유음으로 노래됩니다.

각 리허설은 보컬 연습으로 시작하여 레퍼토리 작업을 위해 보컬 장치를 준비합니다. 특정 합창단이 연주하는 일련의 작품으로서의 레퍼토리는 모든 활동의 기초를 형성하고 참가자의 창의적 활동 개발에 기여하며 합창단 작업의 다양한 형식 및 단계와 직접 연결됩니다. 리허설 또는 창작 콘서트, 집단 창작 경로의 시작 또는 절정. 레퍼토리는 전체 교육 과정에 영향을 미치며 이를 기반으로 음악 및 이론 지식이 축적되고 보컬 및 합창 기술이 개발되며 합창단의 예술적 및 공연 방향이 형성됩니다. 집단 기술의 성장, 개발 전망, 작업 수행과 관련된 모든 것, 즉 노래하는 방법은 능숙하게 선택된 레퍼토리에 달려 있습니다.

연주자의 세계관 형성, 인생 경험의 확장은 레퍼토리의 이해를 통해 발생하므로 합창 연주를위한 작품의 높은 이데올로기 적 내용은 첫 번째이자 근본적인 것입니다.

레퍼토리 선택에서. 아마추어 그룹의 레퍼토리는 "아마추어 예술"이라는 개념 자체가 다면적이고 이질적이기 때문에 형성, 장르, 스타일, 주제, 예술적 측면에서 다양합니다.

성인 및 어린이 학업 합창단 모두 콘서트 프로그램의 유능하고 성실한 공연에도 불구하고 연주자와 청취자 모두의 주요 목표가되어야하는 특별한 마음 상태를 항상 느끼는 것은 아닙니다. 이 상태는 “영의 삶”으로 정의할 수 있습니다. 이 상태에서 사람은 다른 사람의 영혼을 이해하고 실제 감정으로 다른 사람의 삶을 산다. 그리고 그러한 "영의 삶"이 무대에 나타나면 "신성한 불꽃"은 "예술을 통한 교육"을 전달합니다. 하지만 무대 위 성가대에서 이 진정한 "영혼의 삶"을 어떻게 불러일으킬 수 있을까요? 결국, 그들에게 필요한 것은 환생 직전에 강화 된 다른 심리적 상태로의 전환 인 환생이라고하는 것입니다! - 상상과 환상의 작품! 그러나 모든 사람의 정신이 그렇게 유연하고 비유적인 사고가 너무 밝은 것은 아닙니다. 아마추어 합창 활동에서 진정한 무대 창작에 걸림돌은 이외에도 많다. 일이나 공부 후의 육체적 피로, 신경과민, 콘서트와 전혀 관련이 없는 식습관과 휴식, 충분히 학습하지 못한 작품 등이다. 영혼”을 무대 위에서, 사람은 자신의 삶에서 아직 접해보지 못한 것을 상상하고 느껴야 합니다. 그리고 항상 작업 결과를 정확하게 평가할 수 있는 것은 아닙니다. 목표로 이끄는 지휘자 ​​교사 만이 자신의 평가를 통해 교육적인 예술적 취향, 지성, 예술과 삶에 대한 도덕적 태도를 줄 수 있습니다. 교사는 가짜에 만족할 권리가 없습니다! 그리고 모든 합창단이 서로 다른 지성, 기질, 삶의 경험, 기분, 상태 등을 가지도록 하라. 비록 그들에게 "무대에서 살도록" 가르치는 것이 매우 어렵지만, 예술에서 영성이 부족하다는 설명이 있지만, 정당성이 있을 수 없습니다.

III . 마지막 부분. 결론.

합창은 올바른 성악과 공연의 기술 문화를 기반으로 합니다. 따라서 교육 및 합창 작업의 다른 모든 요소가 펼쳐지는 핵심은 노래 실력에 대한 작업입니다. 합창단원들에게 올바른 가창력을 심어준다는 것은 그들의 목소리를 손상으로부터 보호하고 정상적인 발달을 보장하는 것을 의미합니다. 이 문제에 대한 해결책은 합창단의 리더가 현장에서 충분한 훈련을 받았다면 충분히 가능합니다. 보컬 문화그리고 발성 작업에 진지한 관심을 기울입니다. 말한 내용에서 적어도 두 가지 결론을 도출해야 합니다.

1) 지휘자-합창단 지휘자가 지휘자-예술가가 되기 위해서는 교육, 학식, 예술적 취향, 교육적 기술 및 창의적 기질에 대한 특별한 잠재력이 있어야 합니다. 그러한 지도자는 공통된 공감, 정신의 창조적 고조, 새로운 생각과 감정으로 성인이나 어린이의 상상력과 환상을 풍부하게하기 위해 다양한 사람들을 설정할 수 있습니다.

2) 합창의 영성은 종종 성악 및 합창 음악 연주의 일반 원칙에 대한 무지 또는 무지로 인해 방해를 받는 경우가 많으며, 그 준수는 예술성을 위한 기술적 지원 역할을 하고 영감의 출현에 기여합니다.

IV. 사용 문헌 목록.

지보프, V.L. 합창 연주: 이론, 방법론, 실습: 지도 시간스터드용. 더 높은 회계 기관 / V.L. Zhivov-M .: 출판사 Vlados, 2003. - 272p.

Ivanchenko, G.V. 음악 지각의 심리학 / G. V. Ivanchenko - L. "음악", 1988-264s.

Kazachkov, S. A. 레슨에서 콘서트까지 / S. A. Kazachkov - Kazan: 1990년 카잔 대학교 출판사. - 343초.

Lukyanin V. M. 젊은 가수의 교육 및 교육 / V. M. Lukyanini-L .: No. Music "1977.

강력한 교육 도구입니다. - L .: 음악, 1978.-143s.

Morozov V.P. 공명하는 노래의 기술 / V.P.Morozov. -M.: "MGK, IP RAS", 2002. - 496p.

Romanovsky N.V. 합창 사전 / N. V. Romanovsky. – 남: 2000.

음악 교육의 기초가 되는 레퍼토리와 아마추어 합창단의 특징: 컬렉션 과학 논문벨로루시 주립 교육 대학 예술학과 / ed. T. V. Laevskoy. - Barnaul, 2003. - 198쪽.

Pashchenko, A.P. 합창 문화: 연구와 발전의 측면 / A.P. Pashchenko. -K .: "음악. 우크라이나”, 1989.- 136쪽.

포포프, S.V. 아마추어 합창단 / S. V. Popov-M .: "State Musical Publishing House", 1961. - 124 p.

합창단 일. - M .: Profizdat, 1960, - 296 p.

사마린, V.A. 합창단 연구 / V.A. Samarin - M .: "Academia", 2000.-208 p.

소콜로프, V.G. 합창단과 함께 작업 / V.G. Sokolov - M .: "Music", 1983.-192 p.

Chesnokov P. G. 합창단 및 관리: 합창 지휘자 매뉴얼 / P. G. Chesnokov. -M .: 출판사 모스크바, 1961

샤미나, L.V. 아마추어 합창단과 함께 작업 / L. V. Shamin - M .: "Music", 1983, - 174 p.

보컬 스킬은 노래하는 행위의 구성 요소인 동작을 수행하는 부분적으로 자동화된 방법입니다.
그들은 조건부 반사 연결의 생성 및 강화, 이러한 연결 시스템의 형성, 즉 한 시스템에서 다른 시스템으로 잘 전환되는 동적 고정 관념을 기반으로합니다.

보컬 기술의 부분 자동화는 다양한 노래 동작을 수행하는 과정에서 의식 제어가 감소함에 따라 발생합니다. 그러나 이러한 행동의 결과는 마음에 지속적으로 반영됩니다. 기술의 자동화로 인해 노래를 부를 때 수행, 예술적 작업과 같은 더 중요한 작업을 해결할 수 있습니다.

가창력이 없으면 가수가 성악을 마스터할 수 없다.

그래서 보컬 학습의 주요 목표노래 활동의 올바른 방법을 형성하여 자동으로 가져옵니다.

음성 기술은 운동 기술로 간주됩니다. 그러나 이것은 전적으로 사실이 아닙니다. 실제로 노래에는 항상 근육의 움직임이 있으며 네로 없이는 소리를 재현하는 것이 불가능합니다. 그러나 그 중요성에서 노래 기술의 형성에서 지배적 인 것은 청각입니다.

소리를 연주할 때 듣는 일을 청각적 기술로, 근육 활동을 운동성 발성 기술로 따로 생각할 수 없습니다. 청각과 음성 운동은 해부학적으로 다른 시스템이지만 별도로 기능할 수 없기 때문에 노래하는 동안 생리학적으로 분리할 수 없습니다.

음성 재생은 음성 운동을 통해 수행됩니다. 음성 및 운동 기능은 소리를 재생하는 운동 시스템의 주요 조절기인 청각에 의해 행동하도록 자극되고 조절됩니다.

청각의 통제하에 운동 행위가 수행되는 청각과 음성 운동 기술의 조합은 심리학에서 다음과 같이 분류됩니다. 감각 운동 능력.보컬 navka의 유형을 명확히하면 본질을 더 잘 이해하고 형성 방법론을 더 정확하게 결정할 수 있습니다.

기술의 심리적 메커니즘에서 지시와 수행이라는 두 가지 주요 부분이 구별됩니다.

첫 번째는 작업을 수행하는 방법을 정의하고 두 번째는 이를 구현합니다. 조치의 성공 여부는 소위 규제 이미지라는 표시 부분에 달려 있습니다.

따라서 기술을 가르칠 때 에로 형성이 가장 중요합니다.

노래에서 규제하는 이미지는 사운드 이미지입니다. 노래를 부르려면 연주될 소리를 명확하게 상상해야 합니다.

따라서 감각 운동으로서 발성 기술을 형성하는 첫 번째 단계는 선도적 인 감각-청각-링크, 즉 음성-음악 이미지를 생성하는 것입니다. 음성 운동 기술과 관련된 방향 지정 및 프로그래밍 기능을 수행합니다.

따라서 주요 작업 첫 단계발성 기술의 형성은 가능한 한 빨리 조절 성대를 생성할 수 있는 기술을 사용하는 것입니다. 뮤지컬 이미지.

가장 많이 간단한 방법으로다음은 교사가 직접 또는 테이프 녹음을 통해 소리를 시연하는 것입니다. 이 방법은 매우 효과적입니다.

교육을 시작할 때 올바른 음성 형성에 필요한 동작 시연도 사용됩니다.
호흡 근육의 움직임, 아래턱, 입술, 입이 열리는 모양, 하품.

이 모든 것은 설명과 결합되어야 합니다.

동시에 감각인지의 수단인 디스플레이(제1신호체계)와 단어(제2신호체계)가 결합되어 소리에 대한 인식과 이를 바탕으로 형성된 표상이 더욱 커진다. 의식적이고 안정적이며 더 잘 기억됩니다.

설명은 전문적인 사운드의 주요 품질(진원도, 청명도, 높은 위치, 최적의 근접성 및 강도, 정확한 공명), 음색 착색의 개별 기능을 명확하게 특성화하고 올바른 사운드를 얻는 방법도 나타내야 합니다.

따라서 학생은 음성 형성의 감각적 인지와 통합하여 음성 소리의 기본 패턴과 그 재생산에 대한 지식을 개발합니다.

학생은 전문 용어에 익숙해지며, 그런 다음 표시되지 않고 사용할 수 있습니다.
발성 기술을 개발하고 사용하는 과정에서 가수가 노래할 때 느끼는 모든 감각이 중요합니다.

이것은 우선 그가 부른 소리의 청각적 감각이다. 학생은 소리를 재현한 것을 기준으로 청각 감각과 비교합니다.

이러한 감각(실수) 사이에 차이가 있는 경우 올바른 소리를 올바르게 노래하기 위해 새로운 시도(시도)가 이루어지며 발성 장치가 작동하는 방식을 수정합니다. 노래 소리가 제시된 사운드 표준에 해당하면 샘플이 종료됩니다. 따라서 원하는 음성 형성 방법을 찾을 수 있습니다.

공진기 및 근육 감각, 청각 감각은 노래하는 동안 피드백으로 작용하여 음성 형성 과정이 제어되고 수정되어 보컬 기술이 형성됩니다.

따라서 학습 과정에서 이러한 감각에 학생의 관심을 구체적으로 고정하고 올바른 소리가 나면 잘 이해하고 기억하도록 도와야합니다.

보컬 스킬의 습득은 여러 단계로 이루어집니다. 초기 단계에서규제 성악적 이미지가 생성되고 성악 수행 방식에 대한 이해가 형성되고이를 구현하려는 시도가 이루어집니다.

그러나 초보 가수에게 이러한 시도는 여전히 불안정하고 부정확하며 많은 실수와 불필요한 움직임이 있습니다. 그는 사운드 재생의 모든 구성 요소를 주의 깊게 모니터링해야 하며 그의 관심은 매우 강렬합니다.

다음 단계에서주어진 음향 규범에 따라 조절 반사 연결이 형성됩니다. 훈련이 진행됨에 따라 이러한 연결이 강화되고 불필요한 동작과 실수가 제거되며 개별 동작의 수행이 명확해지고 품질이 향상됩니다. 그들은 자동화되어 단일 노래 행위로 병합됩니다.

이것이 조절 반사 연결 시스템이 형성되는 방식입니다-동적 고정 관념. 가수의 관심은 주로 최종 결과, 즉 향상된 음질로 옮겨집니다. 이 단계에서음성 형성 과정에서 청각과 함께 진동 및 근육 감각이 더 큰 자리를 차지하기 시작합니다.

다음은 소리 재생 상황의 변화(예를 들어 범위의 상단 또는 하단 부분에서 소리 및 음성 형성 방법의 마스터링, 수행된 작업의 정서적 및 의미적 내용에 따라 소리 등).

마지막 단계에서 발성 기술은 유연성을 획득하고 개선 과정이 진행됩니다.

생리학자 Sechenov에 따르면 인간의 모든 활동은 근육 운동의 결과입니다. 이 진술은 발성 기술에도 적용됩니다. 발성 기술도 운동 기능이기 때문입니다. 그리고 운동 기능은 개발 및 통합이 필요한 조건반사입니다.

발성 및 기교를 형성하는 과정에서 결정적인 역할은 학생의 행동을 자신의 말로 평가하고 설명하고 수정하며 올바른 소리의 예를 제공하는 교사에게 있습니다. 결과적으로 학생은 청각 및 근육 감각을 개발하고 개발합니다.

발성 장치의 움직임을 포함한 모든 움직임은 대뇌 피질에 의해 분석되고 합성됩니다. 뇌는 신경 자극의 도움으로 발성 장치를 제어합니다. 신경 임펄스는 발성 장치의 근육 운동을 교정합니다. 즉, 보컬과 테크닉의 형성이 생리적 기초그리고 크게 의존 신경계그리고 그 활동은 발성 장치의 청각과 근육 감각 사이의 관계 발달에서 비롯됩니다.

모든 유형의 활동은 특정 기술 개발과 관련이 있습니다. 보이스 트레이닝, 가창 트레이닝은 발성 및 기교의 발달입니다. 이러한 기술의 형성은 발성 장치 구조의 해부학과 능력, 욕구, 관심, 인내 및 성과와 같은 학습에 대한 학생의 태도에 의해 크게 영향을 받습니다.

보컬을 배울 때 노래하는 동안 근육, 청각, 진동 등의 감각을 제어하고 분석할 수 있는 것이 매우 중요합니다. 이것은 경구개, 구개 커튼, 후두, 기관, 가슴 및 얼굴, 복강에 대한 감각입니다.
가수의 감각은 관찰, 주의, 기억과 연결되어 있습니다. 즉, 연주자는 항상 공연을 분석하고 세심해야합니다.

아시다시피 초보 연주자 인 어린이는 비자발적 관심을 갖게되었습니다. 그들은 종종주의가 산만 해지고 관심있는 일을합니다. 자발적인 관심을 개발하는 것은 교사의 임무입니다. 지속적으로 주의력을 개발하고 작고 구체적인 작업을 수행할 때 학생들이 주의를 기울이도록 일관되게 가르칠 필요가 있습니다. 밤에 잠을 자고 휴식을 취한 후 아침에 주의력이 더 활발해집니다. “최고의 휴식은 활동의 변화”라는 말이 있습니다. 이 표현은 학습 과정에서 채택되고 적용되어야 합니다. 다양한 형태주의를 전환하기 위해 노력하십시오.

보컬에 종사하다 보면 많은 텍스트를 외워야 합니다. 암기는 반복을 기반으로 합니다. 그러나 무의식적인 반복은 피해야 합니다. 텍스트를 학습할 때 논리와 이미지가 연결되어야 합니다. 그런 다음 우리는 좋은 기억력을 개발할 것입니다. 즉, 학습 한 자료를 빠르게 암기하고 오랫동안 저장하고 정확하게 재현합니다. 음악을 공부하는 과정에서 특히 음성, 시각, 청각, 논리적, 음악적 기억력이 발달합니다.

보컬리스트의 작업에서 감정 상태는 중요한 역할을 합니다. 우울한 상태에서는 양질의 작업이 불가능합니다. 이 상태에서는 기억과 사고가 모두 작동하지 않습니다. 그러므로 선의와 낙관주의의 분위기가 교실을 지배해야 합니다.

그러나 학생이 아직 자신의 권한 범위 내에 있지 않은 기술 작업을 완료하기 위해 너무 열심히 노력하는 경우가 있습니다. 그리고 그것은 불안과 긴장을 만듭니다. 학습은 긴 과정이며 어려움은 점진적으로 극복된다는 점을 기억해야 합니다.

학생이 자신의 능력에 자신이없고 수줍음이 많고 소심한 긴장의 경우가 있습니다. 이 단점도 점차 제거됩니다. 콘서트 공연의 결과와 교사의 승인 및 지원을 통해 자신감이 발전합니다.

보컬 및 기술 능력을 개발하고 향상시키기 위해 교사는 학생들에게 실행 가능한 작업을 제공하고 학생이 완료해야 하는 특정 작업을 결정해야 합니다. 작업은 학생의 긍정적인 경험을 기반으로 해야 합니다.

발성 및 기교 발달을 위해서는 취한 행동과 학습 과정에 대한 의식적인 태도를 이해하는 것이 중요합니다. 그리고 긍정적인 결과를 위해서는 새로운 것을 배우려는 욕구, 의지, 욕구가 중요합니다. 그리고 이 모든 것은 노동이며 그것 없이는 창의성이 있을 수 없습니다. 보컬 창의성은 보컬 및 기술 기술을 습득하고 이를 실제로 적용할 필요성을 의미합니다.

그러나 이러한 기술을 습득하더라도 "재능"과 같은 개념을 특징 짓는 신경계 활동의 자연 데이터와 기능이 매우 중요하기 때문에 각 연주자는 자신의 결과를 갖게 될 것입니다. 창작 활동이 불가능한 것.

기본 노래 실력

아이들에게 올바르게 노래하는 법을 가르치기 위해서는 노래하는 자세를 관찰해야 합니다.

노래 설치- 소리와 호흡의 질이 크게 좌우되는 노래를 부를 때 신체의 올바른 위치입니다. 아이들에게 노래를 가르 칠 때 아이들이 어떻게 앉고, 서고, 머리와 몸을 잡고, 입을 어떻게 벌리는 지 지켜봐야합니다.

의자는 아이들의 키에 맞춰야 합니다.

노래하는 동안 5-6 세 어린이는 의자 등받이에 기대지 않고 똑바로 앉아야합니다. 이 자세에서는 호흡기 근육이 더 잘 작동하기 때문입니다. 발은 바닥과 직각을 이룹니다. 손은 배와 무릎 사이에 자유롭게 눕습니다. (어린이가 의자 등받이에 기대어 음악을 들을 수 있습니다.)

2-4 세 어린이는 의자 등받이에 기대어 발을 90 ° 각도로 바닥에 놓고 앉을 수 있습니다. 팔도 자유다.

머리를 똑바로 유지하고 목을 펴지 말고 긴장하지 마십시오.

입을 수직으로 벌리고 시끄러운 "하얀" 소리를 피하기 위해 넓게 펴지 마십시오. 아래턱은 자유롭고 입술은 움직이고 탄력적이어야합니다.

아이들과 함께 노래를 배우려면 앉아야합니다. 그리고 이미 배운 노래는 서있는 동안 부를 수 있습니다. 이 위치에서는 3 살짜리 어린이의 경우에도 호흡기 근육이 더 활발하게 작동하고 노래의 음량이 눈에 띄게 향상되기 때문입니다.

서서 노래할 때는 머리를 곧게 펴고 팔을 내린다.

교실에서 아이들의 조직은 자료의 더 나은 동화와 음악적 능력 개발을 위한 필수 조건 중 하나입니다.

어린 그룹에서는 음악 감독과 교육자를 더 잘보고 듣기 위해 가장 어린 아이들과 불안정한 주의력, 불안한 성격을 가진 아이들이 앞줄에 앉습니다.

2학년, 중학생, 시니어 그룹맨 앞줄에 덜 가진 아이들이 있습니다. 청각 발달, 음성 범위가 적고 징계가 불충분하며 새로 등록한 어린이.

아이들이 멜로디를 더 잘 들으려면 높은 음역이 아이들에게 더 가깝게 악기를 설정해야 합니다. 교사는 올바른 자세로 큰 의자에 아이들 앞에 앉습니다. 그는 수업을 받을 준비가 되어 있어야 합니다. 노래를 알고 지휘할 수 있어야 합니다.

안에 유치원아이들은 가장 간단한 노래 기술을 배웁니다.

♦ 올바른 소리 형성;

♦ 올바른 호흡;

♦ 좋은 어법;

♦ 억양의 순도;

♦ 앙상블 - 조화롭고 조율된 노래. 각각의 노래 실력에 대해 자세히 살펴보겠습니다.

사운드 프로덕션

소리를 추출하는 방법입니다. 아이들은 비명을 지르거나 긴장하지 않고 자연스러운 밝은 톤으로 노래해야 합니다. 예는 매우 중요합니다. 아이들이 그를 모방하고 더 높은 음역에서 노래하기 시작하기 때문에 교사도 높이 노래해야합니다.

소리 형성은 유추되고 선율적이며 때로는 갑작스러울 수 있습니다. 미취학 아동은 소리가 덜컥거리는 경향이 있으므로 처음부터 주니어 그룹, 아이들에게 소리를 그리고 악구의 끝을 늘리도록 가르치는 것이 필요합니다. 교사는 민요와 같이 모음이 우세한 특징이 있고 소리의 길이를 늘리는 데 기여하는 적절한 노래를 선택합니다. 온건하고 느린 속도로 작곡된 노래를 부르면 소리 형성이 길어지는 데 도움이 됩니다.

미취학 아동, 특히 어린 아동은 혀로 단어를 발음하는 경향이 있습니다. 따라서 모음의 긴 노래와 자음의 명확한 발음에 대해 그들과 함께 연습하는 것이 특히 중요합니다.

호흡

호흡은 노래에서 매우 중요합니다. 아이들과 특별한 호흡 운동 없음 미취학 연령~에 음악 수업수행되지 않았습니다. 그들은 매일 아침 운동에서 일어난다.

음악 수업에서 노래를 부르면 어린이의 호흡이 강화되고 깊어집니다. 음악 감독은 아이들이 노래를 부르기 전과 악절 사이가 아니라 단어 중간에 숨을 쉬도록 합니다. 어떤 아이들은 호흡이 짧아서가 아니라 숨을 조절하는 방법을 모르기 때문에 불규칙하게 숨을 쉰다. 뮤지컬 감독, 교육자는 호흡을 멈추지 않고 노래하는 방법, 어디로 가야하는지 보여주는 것으로 충분하며 아이는 이에 쉽게 대처할 수 있습니다.

아이들이 숨쉬는 법을 배우도록 돕기 위해 처음에는 짧은 악구로 된 노래를 부릅니다. 시니어 및 학교 준비 그룹에서는 (체인으로) 구로 노래를 부르면 도움이됩니다.

올바른 호흡은 억양의 순도, 정확한 표현, 연주의 표현력, 소리의 통일성에 달려 있습니다. 아이들에게 노래를 가르칠 때 교사는 호흡의 복잡성을 설명하지 않고 공연 과정에서 호흡하는 방법을 명확하게 보여줍니다. 아이들이 흡입 할 때 어깨를 들어 올리지 않도록하여 조용하고 차분하게하십시오. 노래 구, 문장의 구조에 따라 천천히 숨을 내쉬고 숨을 쉴 수있는 능력으로 이끈다.

어법

노래 연주의 표현력은 멜로디의 억양적으로 정확한 노래뿐만 아니라 단어 발음의 정확성과 명확성(어법)에도 달려 있습니다. 멜로디의 음질은 종종 가수의 어법에 따라 다릅니다. 불충분 한 명확성과 단어 발음의 명확성으로 인해 노래는 느리고 무색 해집니다. 소리의 길이와 표현력이 부족합니다. 그러나 텍스트의 과도한 밑줄에서 과도한 긴장과 소리가 나타납니다.

교사는 어린이들에게 사전을 노래하도록 가르치고, 청취자가 노래 내용을 이해할 수 있도록 노래를 부르는 것이 필요하다고 설명하고, 개별 단어와 구를 발음하는 방법을 보여 주어야 합니다.

사전 작업은 언어 및 유치원 개발에 관한 모든 작업과 관련이 있습니다. 단어는 모음과 자음의 조합으로 구성됩니다. 노래에서 단어를 발음할 때 모음 소리가 특히 중요합니다. (a, o, u, uh, i, s)- 노래를 부르는 길이가 노래의 기본이다. 그러나 어법의 명확성을 위해 자음의 명확한 발음도 따라야 합니다.

노래할 때 자음이 느리게 발음되고 명확하지 않으면 노래가 표현력이 떨어지고 이해할 수 없게 됩니다. 텍스트의 실행은 명확하고 의미 있고 표현력이 있어야 합니다. 목소리로 논리적 강세를 강조할 수 있어야 합니다. 그래서 러시아 민요 "들판에 자작 나무가 있었다"에서 단어가 강조되어야합니다 자작나무, 곱슬기타 연설에서와 마찬가지로 노래에서도 강세 모음은 논리적 강세를 유지한다는 점을 기억해야 합니다. "a"처럼 들리는 모음 "o"를 제외하고 노래에서 강조되지 않은 모음도 변경되지 않습니다. 소가 아닌 "karova"를 노래해야합니다. "10월"이 아닌 "Aktyabr"; 내 것이 아니라 5월. "and"와 같이 노래에서 강세가 없는 모음 "e"를 발음하는 것은 불가능합니다. 예를 들면 다음과 같습니다. "하지만 늑대는 우리를 다리 위로 보내지 않습니다. // 그는 다리에서 회색으로 쉬고 있습니다."(A. Filippenko의 음악 "On the Bridge"노래).

강세가없는 모음 "I"는 "I"처럼 가볍고 밝게 발음 될 수 있고 "e"처럼 덜 밝게 발음 될 수 있지만 어떤 경우에도 "and"처럼 발음되지는 않습니다. 따라서 "oily" 또는 "masleny"는 부를 수 있지만 "olive"는 부를 수 없습니다. "10월" 또는 "10월"에 있지만 "10월"에는 없습니다.

자음은 가능한 한 모음의 음성을 방해하지 않도록 가능한 한 빠르고 명확하게 발음됩니다. 따라서 음절 끝에 있는 자음은 다음 음절의 시작 부분에서 발음됩니다. 예: "조명이 반짝입니다." 수행: hoo-nki sve-rka-yut.자음이 단어 끝에 있으면 끌 수 없습니다. 예를 들면 : "오, 정말 좋은 산타 클로스입니다." 단어 끝에 있는 자음은 "삼킬" 수 없으며 발음해야 합니다. 단어 끝에 있는 일부 자음은 소리를 바꿉니다. 예를 들어, 다음과 같이 작성됩니다. 낙엽,그리고 노래 - 시트 팻(M. Krasev "Leaves are falling"의 노래). 음성 발음에 적용되는 다른 규칙은 일반적으로 노래 어법에 사용됩니다. 예를 들어, 그들은 노래 무엇,하지만 원하는 것하지만 원하다, 간식,하지만 눈, 왜하지만 왜, 시장,하지만 물고기.

좋은 사전, 표현력있는 노래의 조건은 노래의 음악적 이미지 인 단어의 의미에 대한 어린이의 이해입니다. 노래의 프레이즈는 언어 및 멜로디 표현의 내용에 따라 결정됩니다.

단어의 정확한 발음은 다음을 통해 촉진됩니다.

♦ 그것을 배우는 과정에서 노래 가사의 교사에 의한 표현적인 읽기; 모든 그룹에 적용됩니다.

♦ 노래하는 목소리로 조용히, 높은 음조로, 적당한 속도-모든 단어가 명확하고 표현력있게 들립니다.

시니어 및 학교 준비 그룹에서는 노래의 리듬에 따라 높은 소리로 속삭이는 텍스트를 일괄 발음하는 것이 좋습니다. 이 기술은 다음에서 연주되는 노래를 배울 때 특히 유용합니다. 빠른 속도, 예를 들어 M. Rauchverger의 "Blue Sledge".

나이가 어리거나 나이가 많은 아이들은 종종 단어의 어미, 접두사를 잘못 발음합니다. 이러한 경우 개별 어린이와 전체 그룹 모두 음절로 단어를 발음하도록 초대하는 것이 적절합니다.

위의 기술은 텍스트의 설명과 동화가 노래의 정서적 인식을 향상시키고 음악적 이미지를 심화시키고 건조한 형식적인 훈련으로 변하지 않도록 매우 신중하게 사용해야 합니다.