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러시아 음악 문화에서 무소르그스키의 창의성의 가치. 무소르그스키의 실내악 독창성

체레네바 율리아 니콜라에브나

"M.P. Mussorgsky 작품의 국적 주제"

(오페라 "Boris Godunov"의 예에서)

시 예산 교육 기관

자녀를 위한 추가 교육

"차이코프스카야 지구 어린이 미술 학교"

전화: 8-3424152798(팩스), 8-3424152051,

[이메일 보호]

푸기나 스베틀라나 니콜라에브나,

이론 분야의 교사

소개

19세기 후반은 모든 러시아 예술의 위대한 여명기입니다. 사회적 모순의 급격한 악화는 1960년대 초에 거대한 사회적 고양으로 이어집니다. 60년대의 혁명적 사상은 문학, 회화, 음악에 반영되었다. 러시아 문화의 주요 인물들은 예술의 단순성과 접근성을 위해 싸웠고 그들의 작품에서 그들은 단순한 러시아 사람들의 삶을 현실적으로 보여주고자 했습니다.

모든면에서 러시아의 음악 문화는 갱신되고있었습니다. 이때 "The Mighty Handful"이라는 음악 서클이 형성됩니다. 그들은 스스로를 M.I. Glinka의 상속자라고 불렀습니다. 그들에게 가장 중요한 것은 사람들의 음악에 대한 구체화였으며, 그 구체화는 진실하고 밝으며 꾸밈이 없으며 광범위한 청중이 이해할 수 있습니다.

가장 독창적인 작곡가 중 한 명인 Modest Petrovich Mussorgsky는 특히 국적에 대한 생각에 물들었습니다. 사실주의 작가로서 그는 사회적으로 첨예한 화두에 이끌려 일관되고 의식적으로 민족성에 대한 생각을 작품 속에 드러낸다.

이 작업의 목적 : 오페라 "Boris Godunov"의 예에서 M. Mussorgsky의 작업에서 국적의 역할.

민속 테마와 관련된 M. Mussorgsky의 삶의 단계를 고려하십시오.

오페라 "Boris Godunov"의 민속 장면 분석

"Mighty Handful"과 민요

60 년대 음악적 창의성에서 뮤지컬 서클 "The Mighty Handful"이 선두 자리를 차지했습니다. 이를 위해 그는 엄청난 재능, 창조적 용기, 내면의 힘에 대한 권리를 부여 받았습니다. 회의에서 소수의» 젊은 음악가들이 공부했습니다 최고의 작품고전 유산과 현대성. 여기에서 작곡가의 민족적 견해가 형성되었습니다.

Balakirev 서클에서는 민요에 대한 신중하고 사랑스러운 연구가있었습니다. 없는 국가 정체성은 없다. 진정한 예술, 그리고 진정한 예술가는 결코 사람들의 부와 고립되어 창조할 수 없을 것입니다. M.I. Glinka는 그의 작품에서 러시아 사람들의 멜로디를 미묘하고 고도로 예술적으로 번역 한 최초의 인물이며 러시아 민속 음악 창의성의 특징과 패턴을 공개했습니다. “우리는 음악을 만들지 않습니다. 사람을 만듭니다. 우리는 녹음하고 편곡할 뿐입니다.”라고 M. Glinka가 말했습니다. The Mighty Handful의 작곡가들이 따랐던 것은 Glinka의 원칙이었지만, 민속학에 대한 그들의 태도는 Glinka에 비해 새로운 시대를 열었습니다. Glinka가 민요를 듣고 때때로 녹음하고 그의 작품에서 재현했다면 Kuchkists는 다양한 컬렉션에서 민요를 체계적이고 신중하게 연구하고 특별히 녹음 된 노래를 처리했습니다. 당연히 민요의 의미에 대한 반성도 있었다. 음악 예술.

1866 년 M. Balakirev가 편집 한 민요 모음집이 출판되었으며 이는 수년간의 작업 결과입니다. N. Rimsky-Korsakov는 나중에 "100 개의 러시아 민속 노래"(1878) 컬렉션에 포함 된 민요를 수집하고 신중하게 연구했습니다.

"Mighty Handful"의 구성원은 민요에 대해 많이 알고있었습니다. 그들 모두는 상트 페테르부르크에서 태어났습니다.

(A. Borodin 만 예외) 따라서 어린 시절부터 들었습니다. 민요그녀를 몹시 사랑했습니다. 프 스코프 지방에서 처음 10 년 동안 살았던 M. Mussorgsky는 "피아노 연주의 가장 기본적인 규칙을 알기 전에 러시아 민속 생활의 정신에 익숙해지는 것이 음악 즉흥 연주의 주요 원동력이었습니다. "라고 썼습니다. N. Rimsky-Korsakov는 어린 시절에 노래와 춤과 함께 이교도 시대부터 보존 된 Shrovetide에 대한 고대 작별 의식을 관찰했습니다. 그의 어머니와 삼촌은 민요를 잘 불렀습니다. Vilna에서 태어난 C. Cui는 어린 시절부터 폴란드, 리투아니아 및 벨로루시 노래를 아주 잘 알고있었습니다.

그것은 민요, 그것에 의존하는 것입니다. 그것이 작곡가가 예술에서 자신의 길을 결정하는 데 가장 먼저 도움이 된 것입니다.

^ 민요에 대한 M. P. Mussorgsky의 태도

M. Mussorgsky는 민요를 열정적으로 사랑했습니다. 그는 다양한 컬렉션에서 그것을 연구하고 그의 작곡에 관심이 있는 멜로디를 메모했습니다. 사실, Mussorgsky는 M. Balakirev 및 N. Rimsky-Korsakov와 같이 그가 녹음 한 노래를 컬렉션으로 결합하지 않았고 처리하지 않았으며 출판 준비를하지 않았습니다. 그는 때때로 별도의 오선지에 이러한 메모를 작성했지만 거의 항상 언제 누구로부터 노래를 녹음했는지 기록했습니다.

사람들에 대한 작곡가의 사랑의 기원은 어린 시절에 있습니다. 어린 시절을 보낸 Karevo 마을에서 그는 사방이 노래에 둘러싸여있었습니다. 그의 어린 시절 가장 좋아하는 이미지 중 하나는 헌신적이고 친절한 유모였습니다. 그녀는 많은 노래와 동화를 알고있었습니다. 기본적으로 그녀의 동화는 단순한 러시아 사람들, 그들의 삶과 운명에 관한 것입니다. 남은 생애 동안 Modest는 때로는 무섭고 때로는 웃기지 만 항상 매력적이고 흥미 진진한 그녀의 동화를 기억했습니다. 이것은 포크 판타지의 세계와의 첫 만남이었습니다. 이 이야기를들은 그는 아직 아주 작았지만 피아노에 몰래 다가가 발끝으로 일어나 마법의 이미지의 구체화를 상상하는 기괴한 하모니를 선택하는 것을 좋아했습니다.

긴 겨울 저녁그는 회전하는 소녀들의 노래를 들었습니다. 휴일에는 라운드 댄스, 게임, 댄스에 직접 참여하고 희극 공연을 응시했습니다. 그는 어린 시절 배운 포크 멜로디를 잘 기억합니다. 그 당시 그는 농민 아이들과 함께 시간을 보냈습니다. 그들의 가족에게는 금지되지 않았습니다. 그리고 그는 자신이 "마스터"라는 사실을 잊고 동등과 동등으로 쉽게 대했습니다. 그들과 함께 그는 재미와 장난을 나누었고, 나이를 초월한 고난에 대한 진지한 토론에 참여했습니다. 일상 생활.

아마도 이것은 그의 정맥에 혼혈이 흐르고 있다는 사실에서 비롯되었을 것입니다. 그의 친할머니 Arina Yegorovna는 단순한 농노였습니다. 할아버지는 아이를 낳은 후 그녀와 결혼했고, 그 후 그들은 입양되어야 했습니다. Modest는 그의 조상 중에 사람들의 여성이 있다고 생각하게되어 기쁩니다 (그런데 Arina Yegorovna는 그의 대모입니다). 일반적으로 마을의 어린 시절은 때때로 밝고 고요한 행복의 기억에 겸손하게 나타납니다.

무소르그스키가 34세였을 때 그는 형을 위해 자신의 재산 몫을 포기했습니다. 그는 농민을 희생시키면서 사는 지주의 지위에 혐오감을 느꼈습니다. Mussorgsky는 어린 시절부터 농민과의 대화를 기억하고 자신의 눈으로 본 그들의 힘든 운명을 기억합니다. 그는 농민들의 울부짖음과 탄식을 기억합니다. 그 후 민속을 주제로 한 그의 많은 작품에는 그가 어린 시절부터 기억하는 한탄이나 한탄의 주제가 있습니다.

겸손한 Petrovich는 자신의 눈으로 본 어린 시절의 농민과의 대화, 힘든 운명을 기억합니다. 그는 농민들의 울부짖음과 탄식을 기억합니다. 그 후 많은 작품에서 그가 어린 시절부터 기억했던 한탄이나 한탄의 주제를 찾을 수 있습니다.

MP Mussorgsky는 일반 사람들을 소중히 여겼습니다. 따라서 국적이라는 주제는 그의 작업의 주요 주제이다. 그의 편지 중 하나에서 그는 이렇게 썼습니다. -어린 시절에 그가 농민의 말을 듣고 그들의 노래에 유혹을받는 것은 이유가 없었습니다 ...”(V. Nikolsky에게 보내는 편지)

1980년대에 무소르그스키는 민중 생활, 상인, 관료적 삶의 장면을 묘사한 것으로 유명해진 Ivan Fyodorovich Gorbunov를 만나 친구가 되었습니다. Modest Petrovich는 그의 재능을 높이 평가했습니다. Gorbunov는 Marfa의 노래로 "Khovanshchina"에 포함 된 노래 "The Baby Came Out"을 Mussorgsky에게 불렀습니다.

The Sorochinskaya Fair에서 작업하기 위해 Mussorgsky는 우크라이나 민요가 필요했습니다. 27개의 우크라이나 민요가 그의 기록에 보존되어 있습니다. 그는 다른 친숙한 얼굴의 많은 노래를 녹음했습니다. 그들 중 한 명은 작가 Vsevolod Vladimirovich Krestovsky였습니다. 민속 예술민속 정신으로 많은 노래, 전설 및 이야기를 썼습니다.

1871년 무소르그스키는 지리학회 회의에 참석했다. 유명한 이야기꾼 T. G. Ryabinin은 그곳에서 서사시를 공연했습니다. Mussorgsky는 몇 가지 매우 흥미로운 메모를 작성했습니다. 그는 Kromy 근처의 장면에 서사시 "About the Volga and Mikula"의 성가를 소개했습니다.

국적의 주제는 오페라 Boris Godunov의 작곡가에 의해 생생하게 구현됩니다.

^ 오페라 "보리스 고두노프"

본질적으로 Mussorgsky는 뛰어난 뮤지컬 극작가였습니다. 그가 현실의 현상을 완전하고 생생하게 보여줄 수 있었던 것은 극장에서였다. 그는 살아있는 인간의 캐릭터를 음악으로 창조하는 위대한 대가였으며 사람의 감정뿐만 아니라 자신의 감정까지 전달했습니다. 모습, 습관, 움직임. 그러나 작곡가를 극장으로 끌어 들인 가장 중요한 것은 오페라에서 개인뿐만 아니라 전체 국민의 삶, 극적인 근대성과 함께 울려 퍼지는 역사의 페이지를 보여줄 수있는 기회였습니다.

오페라 "Boris Godunov"는 작곡가에게 특별한 의미를 가졌습니다. 거의 10 년간의 작업 결과였습니다. 동시에 러시아 문화에 많은 훌륭한 창조물을 준 그의 강력하고 독창적 인 재능의 높은 개화의 시작.

오페라의 대본은 A.S. Pushkin의 작업을 기반으로했습니다. 푸쉬킨의 비극은 고난의 시대의 먼 역사적 사건을 반영합니다. Mussorgsky의 오페라에서 그들은 새롭고 현대적인 사운드를 받았습니다. 특히 작곡가는 국민과 짜르 정권의 비 호환성에 대한 생각을 강조했습니다. 결국 시인이자 작곡가 인 Boris가 보여준 것처럼 마음과 영혼을 부여받은 군주는 사람들에게 자유를 부여 할 수 없으며 원하지도 않습니다. 이 아이디어는 날카롭고 현대적으로 들렸으며 19세기 후반에 진보적인 러시아인의 마음을 사로잡았습니다. "현재의 과거"- 이것이 작곡가가 자신의 작업을 정의한 방법입니다.

오페라의 주인공은 사람이다. 오페라의 장르는 민속 뮤지컬 드라마로 정의됩니다.

대본을 편집하면서 Mussorgsky는 푸쉬킨의 비극을 변경했습니다. 그는 특히 국민의 결정적 역할에 대한 생각을 강조했다. 그래서 엔딩을 바꿨습니다. 비극의 끝에서 시인 "사람들은 침묵합니다." 그리고 Mussorgsky와 함께 사람들은 항의하고 반란을 일으키고 있습니다. 오페라를 마무리 짓는 대중 봉기의 이 그림은 아마도 가장 중요한 것일 것이다(4막).

오페라 "Boris Godunov"는 바순이 포크 스타일의 긴 모노 포닉 멜로디를 이끄는 작은 오케스트라 도입부로 시작됩니다. 서론의 시작은 작가의 이야기처럼 슬픈 반성처럼 들린다. Mussorgsky는 인용하지 않았거나 예전에 말했듯이 원래 멜로디를 "빌리지 않았습니다". 그러나이 멜로디는 농민 서정적이고 그려진 노래의 놀라운 억양 화환처럼 그에게 형성되었습니다. 목관악기와 양치기 피리의 조화가 잘 어우러져 작곡가가 이 곡을 썼다는 게 믿기지 않는다. “고향에 대한 생각인 영적 충동은 Mussorgsky에게 곡의 줄기를 제안했습니다. 여기서 음악은 한 층 한 층 더, 더, 더 깊게 성장하기 시작했습니다 ... 귀는 자연스럽게 멜로디를 쉽게 받아들이고 메모리는 전체 오페라에 대해 그것을 기억할 것이며, 추가 옵션을 깨닫지도 못한 채 뼈대처럼 단단히 고정할 것입니다. » 한편, 멜로디의 발아와 그 유기적 변화로 인한 인상의 힘은 무소르그스키의 생각이 처음부터 포착하여 멋진 발견으로 이끌었던이 겸손한 노래 줄기라는 것은 의심 할 여지가 없습니다. , 음악의 확장 속으로. .V.Asafiev.

서론 - 러시아 멜로디, 한 목소리로 시작, 때로는 서론의 시작 부분을 합창으로 부르는 것 같음 남성 목소리그래야만 다른 목소리, 사람들의 목소리가 그들과 합류합니다. 진입 동기는 깊은 고통입니다. 작곡가가 오페라를 민속 뮤지컬 드라마로 정의한 것은 당연합니다. 사람이 전부이고 드라마가 모두입니다. 2행 형식으로 서론의 주요 주제가 반복적으로 돌아와 오케스트라의 다른 목소리에 합류합니다. 그리고 그것은 슬픔에 잠긴 불만에서 강력한 사람들의 힘의 엄청난 울림으로 바뀝니다. 이것은 첼로, 더블베이스 및 바순의 저음입니다.

이미 첫 번째 그림에서 Mussorgsky는 사람들과 지배 엘리트 사이의 Muscovite 국가 내 깊은 불화를 느끼게하고 아직 자신의 힘을 깨닫지 못한 강제적이고 억압받는 사람들의 진정한 이미지를 만듭니다.

작곡가는 민중의 비극을 다양한 방식으로 드러낸다. 진행중인 차르 선거에 대한 군중의 무관심을 특징 짓는 여러 일상 에피소드에서 Mussorgsky는 외적인 만화 형식을 통해 비극적 내용을 보여주는 자신이 가장 좋아하는 방법을 사용합니다. 유머 없이는 청중의 당혹감을 전하고 ( "Mityukh, Mityukh, 왜 소리 지르는거야?"), 그는 여성 분쟁과 벌어진 싸움 ( "Dove, Neighbor"등)을 그립니다. 합창단이 연주하는 낭독과 합창단의 개별 목소리에서 민속 방언의 특징적인 억양이 정확하게 재현됩니다. 합창 암송- Mussorgsky가 처음 도입한 혁신적인 기술입니다. 왕좌에 앉은 사람에게 억압되고 억압되고 완전히 무관심한 사람들-프롤로그의 영웅입니다.

그림의 음악적 행동의 기준점은 "누구에게 우리를 떠나는가"합창단의 두 공연이기도합니다. 무대 디자인에 따르면 여기의 울음은 실제가 아니라 연출일 뿐이지만 도입부 주제처럼이 후렴구는 진정한 민속 감정의 표현으로 인식된다. 농민의 영혼에 쌓인 모든 고통이 표현 된 그의 민요 억양의 힘이다. 슬픔에 잠긴 사람들은 Godunov에게 이렇게 말합니다. "우리 아버지, 누구를 위해 우리를 떠나십니까?" 이 합창단에는 사람들이 그러한 속박 상태에 오랫동안 머물 수 없다는 것이 분명해질 정도로 오래된 슬픔이 있습니다.

여기에 애도의 요소와 서정적인 여운이 어우러졌다. 농민 노래 스타일의 영향은 멜로디 호흡의 자유, 박자 기호의 가변성, 멜로디에 의해 점점 더 넓은 범위를 포착하는 데 반영됩니다. 다 성음의 유형도 특징적입니다. 각 성부는 독립성을 유지하고 때때로 다른 성부와 조화를 이루기 위해 메인 멜로디의 변형을 연주합니다.

프롤로그의 두 번째 그림에서 Boris는 왕이되었습니다. 모스크바 크렘린의 광장. 강력한 종소리가 보리스의 결혼식과 함께합니다. 백성들은 무릎을 꿇고 새로운 왕이 나타나기를 기다리고 있습니다. 합창단은 "오, 하늘의 붉은 태양이 얼마나 영광스러운가"라고 들립니다. 그것은 동일합니다 밝은 테마사람들. 합창단의 주제는 러시아 작곡가들이 반복적으로 사용하는 민요입니다. Boris Godunov가 나타나면 사람들은 Boyar Shuisky의 명령에 따라 그를 칭찬합니다.

5년은 프롤로그와 1막의 사건을 분리합니다. 국민과 왕 사이의 갈등은 더욱 심화되었습니다. 첫 번째 그림에서 Pimen은 사람들을 대신하여 자신의 선고를 왕-형사에게 전달합니다. 두 번째 그림에서는 방랑자 Varlaam과 Misail과 선술집 여주인의 예에서 Borisov의 통치에 대한 사람들의 적대적인 태도가 드러납니다.

1 막의 두 그림 속 인물의 이미지가 다릅니다. 감방의 장면에서 많은 것을보고 경험하고 다년간의 삶의 경험으로 현명한 장엄한 Pimen이 의인화됩니다. 민중의 지혜그리고 양심. 이 이미지는 러시아 국민의 높은 도덕적 자질을 일반화한 표현입니다. Varlaam은 특정 사회 유형에 내재 된 긍정적 특성과 부정적 특성을 모두 반영하는 특성을 가진 장르의 일상 인물입니다. Varlaam은 Borisov 국가의 하위 낭송 계층에 속하며 당연히 반항적이고 반항적 인 정신의 소유자로 밝혀졌습니다. Varlaam의 코믹한 모습 뒤에는 방랑과 술 취함에 목적없이 낭비되는 강력하고 영웅적인 힘을 짐작할 수 있습니다. Pimen과 Varlaam의 이미지는 오페라에서 중요한 역할을합니다. Mussorgsky가 목자의 기적적인 치유에 대한 이야기와 함께 Boyar duma 장면에 Pimen을 다시 나타나게하여 Boris의 얼굴에 사람들의 평결을 표현한 것은 아무것도 아닙니다. Varlaam은 Misail과 함께 Kromy 근처에서 두 번째로 대중 봉기의 지도자 중 한 명으로 활동합니다.

액션의 두 번째 장면 1에서 노래 번호는 중요한 역할을 합니다. 전체 그림의 중심 에피소드는 Varlaam의 노래 "도시의 카잔에 있었던 일"입니다. 작곡가는 여기에서 다른 색상이 필요했습니다. 그는 러시아의 영웅적인 과거 시대의 전투 주제를 보여줘야했습니다. 댄스곡에서 무소르그스키는 1절만 취하고 사람들에게 알려진 역사적 노래를 덧붙인다. 음악적으로 그는 정통을 사용하여 댄스 곡으로 해결합니다. 민속 테마. Varlaam의 목소리에는 술 취한 환락 만 들리는 것이 아닙니다. 거대하고 억누를 수 없는 힘이 이 남자에게서 느껴진다. "배 교자"인 왕에 대한 대중적인 반란을 일으킬 사람은 바로 그 사람입니다.

애도의 유치한 인상, 농민의 애도는 Mussorgsky에서 오페라의 또 다른 이미지 인 Holy Fool에 영감을주었습니다. 성스러운 바보는 러시아 국민의 매우 생생한 이미지입니다. 영원한 사람들의 슬픔을 구현 한 그의 이미지는 사람들의 권리를 박탈당한 위치를 상징합니다. 그러나 굴욕이 아무리 크더라도 사람들 사이에는 높은 감정이 산다. 인간 존엄성정의로운 보복에 대한 믿음은 사라지지 않습니다. 이러한 특징은 성스러운 바보의 이미지에서도 표현되었습니다.

영웅의 초기 특성화는이 장면에서 (푸쉬킨처럼) 무의미한 텍스트로 부르는 슬픈 노래로 제공됩니다. 이 노래는 Holy Fool의 주요 음악 테마를 포함하는 짧은 3마디 소개로 시작됩니다. 배경 모티프(단조롭게 반복되는 두 번째 성가)에는 애도의 억양이 있다. 그들은 두 번째 동기와 겹쳐져 있으며 첫 번째 유형과 비슷하며 Mussorgsky가 자주 사용하는기도, 불만의 억양을 기반으로합니다.

성스러운 바보의 억양에 합창단의 멜로디가 들리기 시작하여 광장에있는 사람들이 왕에게로 향합니다. 사람들은 차르가 성전에서 나와 사람들에게 왕의 은총을 베풀기를 기다리고 있었습니다. 음악에서 처음에는 프롤로그의 합창단(“당신은 누구에게 우리를 떠나고 있습니까”)에서처럼 한탄과 요청을 듣지만 점차 기도는 감탄과 외침으로 바뀝니다.

날카로운 비명을 지르는 사람들은 고개를 숙이고 (멜로디가 내려감) 합창단의 역학이 사라지고 군중이 Godunov를 위해 헤어졌습니다. 이것이 하나님의 기름 부음받은 왕의 두려움입니다. "Kleb"의 후렴구는 그것이 시작된 소리에서 끝납니다. 사람들의기도는 성스러운 바보 파티에서 계속 들립니다.

오페라의 절정 인 민중 봉기는 반항적 인 민중의 합창단이다. 이것은 모든 민속 장면의 진정한 정점입니다. 텍스트, 부분적으로 뮤지컬 캐릭터이 합창단의 일부는 소위 강도, 용감한 민요 샘플에서 영감을 받았습니다. 합창단 "Dispersed, cleared up"은 의지가 강하고 강력한 성격과 형식의 웅장 함과 발전으로 다른 모든 합창단과 차별화됩니다. 큰 확장 코드가 포함된 동적 세 부분 형식으로 작성되었습니다. 안에 주요 주제불굴의 강인함과 난폭한 충동이 구현된다. 그것은 이동성, 신속함과 무거움 및 힘을 결합합니다. 강장제를 반복적으로 반복하면(마치 "드릴링"하는 것처럼) 견고함과 강인함을 느끼게 됩니다. 여섯 번째로의 멜로디 점프는 기량과 범위의 표현처럼 들립니다. 테마는 모바일 반주를 배경으로 마치 재촉하듯 멜로디를 휘젓는다.

오름차순의 연속적인 음성 도입은 폭력적이고 불협화음의 외침을 제공합니다 (이 인상은 주제를 지원하는 호른 악기의 날카로운 감탄으로 더욱 강화됩니다). 동시에 목소리의 모방적 도입은 주제의 더욱 강력한 두 번째 사운드로 이어지는 지속적인 증가를 만듭니다. 이번에는 오케스트라 패브릭이 더 복잡해졌습니다 (특히 주제의 메아리를 기반으로 한 피어싱, 휘파람 목 관악기 모티프가 나타남). 합창단의 목소리는 동시에 얽혀서 포크 폴리포니의 정신으로 복잡한 폴리포닉 텍스처를 형성하고 피벗 포인트에서만 일제히 병합됩니다. 중간 부분은 특별한 돌진, 열정으로 구별됩니다. 여기에 익숙하지 않은 자유의 감각으로 인한 기쁨이 지배합니다. 이 합창단은 사람들의 이미지가 발전하면서 얻은 새로운 품질의 표현입니다. 억양적으로 다른 민속 장면의 에피소드와 연결됩니다 (Varlaam의 노래, 프롤로그 "누구에게 우리를 떠나고 있습니까"의 합창).

"Boris Godunov"는 세계 발전의 새로운 단계를 기록한 새로운 유형의 오페라입니다. 오페라 예술. 60년대와 70년대의 진보적 해방사상을 반영한 이 작품에서 한 민족 전체의 삶이 그 모든 복잡성 속에서 진정으로 보여지며, 대중에 대한 억압에 기초한 국가 체제의 비극적 모순이 깊숙이 드러난다. 한 나라 전체의 삶을 보여주는 것은 개인의 내면 세계와 그들의 복잡하고 다양한 성격에 대한 생생하고 설득력 있는 묘사와 결합됩니다.

결론

포크 음악은 아름다운 주제로 "마이티 핸디"라는 공동체의 구성원인 작곡가들의 작품에 영양을 공급했을 뿐만 아니라, 그들의 작품이 국가적 또는 역사적 특징.

무소르그스키의 작품은 농민 혁명의 숨결로 부채질됩니다. Stasov에 따르면 Mussorgsky는 그의 음악에서 "러시아인, 삶, 캐릭터, 관계, 불행, 견딜 수없는 부담, 굴욕, 꽉 막힌 입의 바다"를 보여주었습니다.

Mussorgsky는 러시아뿐만 아니라 세계 오페라 역사상 처음으로 사람들을 통일 된 것으로 제시하는 습관을 깨뜨 렸습니다. Mussorgsky는 다양한 개별 유형의 일반화된 이미지를 결합합니다. 오페라 "Boris Godunov"의 장르가 민속 뮤지컬 드라마로 정의 된 것은 당연합니다.

Boris Godunov는 세계 오페라 예술 발전의 새로운 단계를 기록한 새로운 유형의 오페라입니다.

Mussorgsky는 사람들을 주인공으로 만들었습니다.

전경은 민속 합창단의 역동성을 보여줍니다. 오페라가 시작될 때 사람들은 활동하지 않고 오페라가 끝나면 (A. 푸쉬킨과 달리) 반항하고 일어납니다.

합창단을 나누고 사람들의 개별 복제품을 골라 냈습니다.

혁신적인 기법 도입 - 합창 암송

작곡가는 부랑자, 거지, 고아와 같은 새로운 이미지를 소개합니다.

오페라에서 Mussorgsky는 애도, 애도, 드로우 링, 만화, 합창, 춤과 같은 농민 민요에 의존했습니다.

민속 기원은 음악에 밝은 독창성을 부여합니다. 작곡가는 민요 장르에 능통합니다. 억압되고 복종하는 사람들의 이미지에는 탄식의 억양과 길게 늘어진 노래가 수반됩니다. 자유를 향해 탈출하는 세력의 즉흥적인 향연은 춤과 게임 유형의 폭력적인 리듬으로 전달됩니다. 진정한 포크 멜로디를 직접 사용한 예가 있습니다. 댄스 곡의 요소는 Varlaam의 음악, 애도의 억양 및 영적 구절-성스러운 바보의 일부로 침투합니다.

Mussorgsky는 뛰어난 뮤지컬 극작가였습니다. 사람의 감정과 성격뿐만 아니라 외모, 습관, 움직임도 훌륭하게 전달했습니다. 그는 오페라에서 개인뿐만 아니라 국가 전체의 삶, 극적인 근대성과 함께 울려 퍼지는 역사의 페이지를 보여주기 위해 노력했습니다.

M. Mussorgsky는 러시아 국민의 삶, 슬픔 및 희망에 대한 이야기에 모든 작업을 바친 진정한 민속 작곡가입니다. 그의 음악은 날카롭게 반영되었다 사회적 문제 60~70년대 러시아인의 삶. Mussorgsky의 작품은 매우 독창적이고 혁신적이어서 여전히 다른 나라의 작곡가들에게 강한 영향을 미치고 있습니다.

서지

Abyzova E.N. 겸손한 Petrovich Mussorgsky. M. "음악", 1986.

"Mighty Handful"의 작곡가. M. "음악", 1968.

M. P. Mussorgsky: 인기 논문. L. "음악", 1979.

뮤지컬 문학. 러시아 뮤지컬 클래식. 연구 3년차 / M. Shornikova. 로스토프 n/a: 피닉스, 2005.

러시아 음악 문학: 6 - 7칸용. 어린이 음악 학교. M. "음악", 2000.

애플리케이션

부록 1

겸손한 페트로비치 무소르그스키

부록 2

Mussorgsky의 작업은 주로 Glinka 및 Dargomyzhsky의 작업과 함께 최고의 고전 전통과 관련이 있습니다. 그러나 비판적 사실주의 학파의 추종자였던 무소르그스키는 평생 동안 발견자의 험난한 길을 걸었습니다. 그의 창의적인 모토는 "새로운 해안으로! 두려움없이 폭풍, 얕은 곳, 함정을 통해!"라는 단어였습니다. 그들은 역경과 실망의 시기에 작곡가에게 길잡이 역할을 했고, 수년간의 강렬한 창의적 탐구에 영감을 주었습니다. Mussorgsky는 예술을 사람들 사이의 의사 소통 수단뿐만 아니라 사람들을 교육하는 수단으로 이해하면서 사람들에게 말하고 싶었던 삶의 진실을 드러내는 데 예술의 임무를 보았습니다. Mussorgsky 유산의 정점은 그의 민속 뮤지컬 드라마 Boris Godunov와 Khovanshchina입니다. 러시아 최고의 작곡가 중 한 사람의 뛰어난 작품은 세계 오페라 드라마 발전사에 대한 진정한 계시입니다. 사람들의 운명은 무엇보다도 Mussorgsky를 걱정했습니다. 그는 특히 중요한 시대의 역사적 사건에 매료되었습니다. 이 기간 동안 사회 정의를 위한 투쟁에서 대규모 인간 대중이 움직이기 시작했습니다. 오페라 "Boris Godunov"와 "Khovanshchina"에서 Mussorgsky는 다양한 역사적 시대와 다양한 사회 집단을 보여 주어 음모의 외부 사건뿐만 아니라 캐릭터의 내면 세계, 캐릭터의 경험도 진실하게 드러냈습니다. 미묘한 심리학자이자 극작가 인 Mussorgsky는 예술을 통해 그의 현대 사회에 역사에 대한 새롭고 진보 된 이해를 전달하고 가장 시급하고 시급한 삶의 질문에 대한 답을 제공했습니다. Mussorgsky의 오페라에서 사람들은 주인공이되고 역사적 발전 과정에서 보여집니다. 오페라 무대에서 처음으로 민중의 불안과 민중의 반란의 모습이 사실적인 힘으로 구현된다. "Boris Godunov"와 "Khovanshchina"는 진정으로 혁신적인 작품입니다. Mussorgsky의 혁신은 주로 그의 미적 관점에 의해 결정되며 현실의 진정한 반영에 대한 끊임없는 열망에서 비롯됩니다. Mussorgsky의 오페라에서 혁신은 다양한 영역에서 나타났습니다. 오페라와 오라토리오 장르에서 항상 사람들의 이미지는 합창단을 통해 이루어졌습니다. 안에 오페라 합창단진정한 심리학자 인 Mussorgsky도 나타납니다. 대량 합창 장면은 사람들의 영적 삶, 그들의 생각 및 열망을 드러냅니다. "Khovanshchina"와 "Boris Godunov"에서 합창단의 중요성은 무한히 큽니다. 이 오페라의 합창단은 다양성, 생생한 진실성 및 깊이로 놀라움을 금치 못합니다. 무소르그스키의 합창단은 음악 구성 방식에 따라 두 그룹으로 나눌 수 있다. 첫 번째는 오케스트라의 유무에 관계없이 동시에 ( "소형"합창단) 연주자의 목소리가 모두 함께 들리는 것을 포함합니다. 두 번째 합창단은 "대화"라고 할 수 있습니다. 프롤로그의 오페라 "Boris Godunov"에는 합창단이 여러 그룹으로 나뉘는 자유 대화의 원칙에 기반한 대규모 민속 장면이 있습니다. 개별 그룹이 눈에 띈다 문자; 그들은 의견을 교환하고 (특별한 종류의 합창 암송) 논쟁하고 사건에 대해 토론합니다. 여기에서 참가자의 구성은 항상 변경됩니다. 솔리스트의 목소리가 들리고 전체 군중 (합창단)이 노래를 부르고 여러 여성 목소리, 그런 다음 다시 독주자. Mussorgsky가 그의 오페라에서 대규모 매스 장면을 구성하는 것은 이러한 원칙에 따릅니다. 이러한 형식의 합창 프레젠테이션은 가지각색의 다양한 군중의 성격과 분위기를 가장 사실적으로 표현하는 데 기여합니다. 합창단과 다른 오페라 형식 모두에서 Mussorgsky는 한편으로 기존의 형식을 따릅니다. 오페라 전통 , 반면에 그는 작품의 새로운 내용을 종속시켜 자유롭게 수정합니다. 그는 작업 초기(1858-1868)에 이미 주요 오페라 및 극작으로 눈을 돌렸습니다. 그는 완전히 다른 세 가지 주제에 매료되었습니다. Sophocles의 비극을 바탕으로 한 "Oedipus Rex"(1858), Flaubert의 소설을 바탕으로 한 "Salambo"(1863), Gogol의 희극을 바탕으로 한 "The Marriage"(1865); 그러나 세 곡 모두 미완성 상태로 남아 있습니다. "Oedipus Rex"의 줄거리에서 Mussorgsky는 극심한 갈등 상황, 강한 캐릭터의 충돌, 대량 장면의 드라마에 관심이있었습니다. 19세의 작곡가는 줄거리에 매료되었지만 계획을 개발하고 완료하는 데 실패했습니다. 오페라의 모든 음악 중에서 합창단과 관현악단을 위한 신전의 도입부와 무대만이 보존되어 있다. 오페라 "Salambo"의 아이디어는 Serov의 오페라 "Judith"의 영향으로 발생했습니다. 두 작품 모두 고대 동양적 풍미, 영웅적 음모의 기념비적 성과 애국심의 드라마가 특징입니다. 작곡가는 오페라 대본을 직접 작성하여 Flaubert의 소설 내용을 크게 수정했습니다. "Salambo"의 음악에서 살아남은 장면과 단편은 매우 표현력이 뛰어납니다 (Salambo의기도, 희생 장면, 감옥에있는 Mato 장면 등). 나중에 그들은 Mussorgsky의 다른 오페라 작품 (특히 오페라 "Boris Godunov"에서)에 사용되었습니다. Mussorgsky는 오페라 "Salambo"를 끝내지 않았고 다시는 돌아 오지 않았습니다. 작업 과정에서 그는 그 역사적 플롯이 그에게 낯설고 멀다는 것, 그가 동양의 음악을 정말로 알지 못한다는 것, 그의 작품이 이미지의 진실에서 벗어나기 시작하여 오페라 진부함에 접근하고 있음을 발견했습니다. "60년대 중반부터 러시아 문학, 회화 및 음악에는 민속 생활, 실제 생활 이미지 및 플롯의 사실적인 재현에 큰 매력이 있습니다. Mussorgsky는 Gogol의 코미디 "결혼"을 기반으로 한 오페라 작업을 시작합니다. 음성 억양의 가장 충실한 전송을 위해 Gogol의 산문을 변경하지 않고 음악으로 설정하고 텍스트의 모든 단어를 정확히 따라 가며 미묘한 뉘앙스를 모두 드러냅니다. "대화 오페라"라는 아이디어는 Dargomyzhsky의 Mussorgsky가 차용했습니다. 같은 원리로 푸쉬킨 오페라 "돌손 손님"을 썼지만 "결혼"의 1막을 완성한 무소르그스키는 일반화된 특징 없이 구두 텍스트의 모든 세부 사항을 명확하게 설명하는 자신이 선택한 방법의 한계를 깨달았습니다. 감정 l 이 작업은 그에게 실험용으로만 제공될 것입니다. 이 작업으로 Mussorgsky의 창조적 개성 형성 기간 인 검색 및 의심의 기간이 끝납니다. 그의 새로운 작곡인 오페라 "Boris Godunov"를 위해 작곡가는 열정과 열정을 가지고 착수하여 2년 이내에 음악을 작곡하고 오페라 악보를 만들었습니다(1868년 가을-1870년 12월). Mussorgsky의 음악적 사고의 유연성 덕분에 작곡가는 독백, 아리아 및 아리오소, 다양한 앙상블, 듀엣, 테르세토 및 합창단과 같은 가장 다양한 형태의 프레젠테이션을 오페라에 도입할 수 있었습니다. 후자는 대량 장면이 너무 많고 무한한 다양성의 음악화 된 음성 억양이 보컬 표현의 기초가되는 오페라의 가장 특징적인 것으로 밝혀졌습니다. 사회적이고 사실적인 민속 드라마 Boris Godunov를 만든 후 Mussorgsky는 한동안 큰 음모를 떠났고 (70 년대, "개혁"기간) 나중에 다시 열정과 열정으로 오페라 창의성에 전념했습니다. 그의 계획은 웅장합니다. 그는 역사적인 뮤지컬 드라마 "Khovanshchina"와 Gogol의 이야기 "Sorochinsky Fair"를 기반으로 한 코믹 오페라에서 동시에 작업을 시작합니다. 동시에 푸가 체프 봉기 시대의 음모 인 푸쉬킨의 이야기 "선장의 딸"을 바탕으로 한 "Pugachevshchina"를 바탕으로 오페라를 쓰기로 결정했습니다. 이 작품은 17~18세기 러시아의 자발적인 민중봉기를 다룬 역사적 오페라 3부작에 포함될 예정이었다. 그러나 혁명적 오페라 "Pugachevshchina"는 결코 쓰여지지 않았습니다. Mussorgsky는 거의 그의 시대가 끝날 때까지 "Khovanshchina"와 "Sorochinsky Fair"에서 작업했으며 이후에 많은 판이 나온 두 오페라를 완전히 끝내지 못했습니다. 여기에서 형성 과정에서 성악 및 기악 표현의 형태에 대해 말하면서 "소리의 진실"(Dargomyzhsky)을 찾기 위해 "결혼"에서 Mussorgsky가 완성 된 숫자와 앙상블을 완전히 포기했음을 다시 한 번 상기하고 싶습니다. 오페라 "Boris Godunov"와 "Khovanshchina"에서 우리는 모든 종류의 오페라 번호를 찾습니다. 그들의 구조는 3 부분 (Shaklovity의 아리아)에서 거대한 자유 암송 장면 (차임이있는 장면에서 Boris의 독백)에 이르기까지 다양합니다. 각 새로운 오페라 Mussorgsky는 앙상블과 합창단을 점점 더 자주 사용합니다. "Boris Godunov" 이후에 쓰여진 "Khovanshchina"에는 14 개의 합창단이 있으며, 이는 연극위원회에 "합창 오페라"라고 부르는 근거를 제공했습니다. 사실, Mussorgsky의 오페라에는 완성 된 아리아가 상대적으로 적고 아리오소가 비교할 수 없을 정도로 더 많습니다. 즉, 캐릭터의 작고 깊은 감정적 음악적 특성입니다. 전체의 드라마투르기와 유기적으로 연결되는 아리아 이야기와 일상의 성악 형식, 언어적 텍스트가 음악적 구조를 결정하고 지시하는 독백은 매우 중요합니다. 이 지역 검색의 정점과 결과는 오페라 "Khovanshchina"에서 Martha의 일부였습니다. 이 파티에서 작곡가는 진정한 멜로디와 음성 표현력의 "가장 큰 합성"을 달성했습니다. Mussorgsky의 오페라에서 오케스트라의 역할은 매우 중요합니다. 악기 소개와 독립된 장면에서 오케스트라는 종종 "마무리"할 뿐만 아니라 주요 분위기와 행동의 내용, 때로는 전체 작업의 아이디어를 드러냅니다. 오케스트라는 Mussorgsky의 오페라에서 중요한 역할을 하는 일정한 음악적 특성 또는 소위 leitmotif를 연주합니다. Leitmotifs 및 leittems는 작곡가에 의해 다른 방식으로 해석됩니다. 때로는 완전히 동일한 음악 자료가 플롯의 이벤트에 해당하는 다른 상황에 나타납니다. 다른 경우 뮤지컬 테마, 점차적으로 모습을 바꾸는 것은 특정 이미지의 내적, 영적 측면을 드러냅니다. 그러나 변형하더라도 테마는 항상 기본 윤곽을 유지합니다. 개별 인물의 초상화 스케치와 장르의 군중 장면에서 최대의 생명력과 진실성을 달성하기 위해 Mussorgsky는 그의 뮤지컬 드라마에서도 진정한 포크 멜로디를 광범위하게 사용합니다. "Boris Godunov"에서 프롤로그 "하늘에서 붉은 태양의 영광이 이미 얼마나 영광"의 두 번째 그림에서 합창단, 첫 번째 막에서 Varlaam의 노래 "How yong rides", Kromy 근처 장면의 합창단- "Not a 매가 날아간다", "태양, 달이 바래다"; 민요는 Shynkarka와 합창단 "Dispersed, cleared up"의 기초가되었으며 중간 부분에는 민요 "Play, my bagpipes"가 사용되었습니다. "Khovanshchina"에서는 분열 합창단 (2 막과 3 막, 합창단 "Victory, in shy")의 기초를 형성 한 여러 교회 찬송가 외에도 외계인 합창단 (장면 뒤)이 다음과 같이 작성되었습니다. 1 막의 포크 멜로디 "옛날 옛적에 대부", 노래 Martha의 "A Baby Came Out", 합창 ( "Near the River", "Sat Late in the Evening", "Floats, Swims a Swan")에서 네 번째 막. 우크라이나 민속은 "Sorochinsky Fair"에서 널리 표현됩니다. 2 막-Kuma의 노래 "Along the steppes, along the free ones", 듀엣 주제 "Doo-doo, ru-doo-doo", Khivri의 노래 " Trampled the Stitch"와 Brudeus에 대한 자신의 노래; 3 막의 두 번째 장면-오페라 마지막 장면 전체의 주요 음악 소재가 된 Parasi "Green Periwinkle"의 진정한 포크 댄스 곡과 결혼식 노래 "On the Bank at the Headquarters". 무소르그스키의 오케스트라는 문자열 그룹. 오페라 "보리스 고두노프"*에서 독주 악기의 사용은 제한되어 있습니다. 금관 악기는 작곡가가 세심한 주의를 기울여 소개합니다. Mussorgsky의 악보에서 색채 기법을 사용하는 것은 일반적으로 특별한 경우에 드뭅니다. 예를 들어, 종소리 장면에서 작곡가는 단 한 번만 피아노(4개의 손)를 도입하여 악보를 채색합니다. 분수의 사랑 장면 ( "Boris Godunov")에서 하프와 잉글리시 호른의 모습도 특별한 색채 장치에 기인해야합니다. Mussorgsky의 오페라 작품에 대한 연구-대중 민속 장면, 음악적 연설 및 조화로운 언어 전달에 대한 그의 숙달-을 통해 작곡가의 극작술이 우리 시대에 근접함을 느낄 수 있습니다. Mussorgsky의 작업은 역사적인 과거일 뿐만 아니라; 오늘날의 주제는 그의 저서에 살아 있습니다. 무소르그스키의 미학적 관점은 60년대의 국가적 정체성의 번영과 불가분의 관계가 있습니다. 19세기, 70년대. -포퓰리즘 등과 같은 러시아 사상의 흐름과 함께 그의 작업의 중심에는 국민의 의지와 판단이 결정되는 국가 역사상 가장 중요한 사건 인 "단일 아이디어로 움직이는 사람"으로서의 사람들이 있습니다. 큰 힘으로 나타납니다. 국내 과거의 이야기에서 그는 현대 질문에 대한 답을 찾고있었습니다. 동시에 Mussorgsky는 "인간 본성의 가장 훌륭한 특징"의 구체화, 심리적 및 음악적 초상화의 생성을 그의 목표로 설정했습니다. 그는 러시아 농민 예술에 의존하고 이 예술의 정신에 부합하는 독창적인 형태의 드라마, 멜로디, 성우, 하모니 등을 창조하는 것이 특징인 독창적이고 진정한 국가적 스타일을 위해 노력했습니다. M.I.A.S. Dargomyzhsky의 전통을 계승한 Mussorgsky의 언어는 그의 발견 중 많은 부분이 20세기에 와서야 받아들여지고 발전된 급진적인 참신함으로 특징지어집니다. 특히 그의 오페라의 다차원 "다성"극작, 서유럽 고전 (소나타 포함)의 규범과는 거리가 먼 그의 자유로운 변형 형식, 그의 멜로디-자연스럽고 "말함으로써 생성", 즉- 러시아 연설, 노래의 특징적인 억양에서 자라며이 캐릭터의 감정 구조에 해당하는 형태를 취합니다. Mussorgsky의 조화로운 언어는 고전적인 기능의 요소가 민요 조화의 원칙, 인상주의 기법, 표현 주의적 음파의 결과와 결합되는 개별적입니다.

주요 작품 목록

오페라 "보리스 고두노프"(1869년, 1872년 2판)

오페라 "Khovanshchina"(c.1873-1880, 미완성). 부제: 민속 뮤지컬 드라마. 2 막의 끝 (Shaklovity의 발언 "And order to be found"이후)과 5 막의 일부 부분 (Martha와 Andrey Khovansky의 장면이 조화되지 않음)을 제외하고 모든 음악이 clavier에 보존되었습니다. " Martha's Love Funeral'은 분실되었고, 아마도 schismatics의 분신의 마지막 장면일 것입니다. 3 막의 두 부분 (궁수 합창단과 마르타의 노래)이 악보에 보존되어 있습니다. 편집자: N. A. Rimsky-Korsakov(1883), B.V. Asafiev (1931), D. D. Shostakovich (1958). clavier의 중요한 판: P.A. 램(1932).

오페라 “결혼. 3 막의 절대적으로 놀라운 이벤트”(1868, 완료되지 않음). 부제: 산문에 나타난 극음악의 경험. N. V. Gogol의 동명 연극 텍스트를 기반으로합니다. V. V. Stasov에게 바칩니다. clavier의 1 막이 보존되었습니다. 편집자: M. M. Ippolitova-Ivanov(1931), G. N. Rozhdestvensky(1985). 에디션: 1908(피아노 악보, N. A. Rimsky-Korsakov 편집), 1933(저자 에디션).

오페라 "Sorochinsky Fair"(1874-1880, 완료되지 않음). N. V. Gogol의 동명 이야기를 기반으로합니다. 헌정: "Dumka Parasi" - E. A. Miloradovich, "Song of Khivri" - A. N. Molas. 1886년 저자판에는 "키브리의 노래", "둠카 파라시", "호팍의 명랑한 커플"이 출판되었다. 편집자: Ts. A. Cui(1917), V. Ya. Shebalin(1931).

오페라 "Salambo"(1863-1866, 미완성). 부제: G. Flaubert "Salambo"의 소설을 바탕으로 V. A. Zhukovsky, A. N. Maikov, A. I. Polezhaev의 시를 소개합니다. 오페라는 4막(7개의 장면)으로 구성되어 있었습니다. clavier에는 "Song of the Balearic"(1 막, 1 장면)이 쓰여 있습니다. 카르타고의 타니타 신전의 장면(2막, 2그림), 몰록 신전 앞의 장면(3막, 1그림), 아크로폴리스 지하 감옥의 장면. 바위에 던전. 사슬에 묶인 마토(4막 1장), 여성 합창단(Priestesses는 Salammbo를 위로하고 그녀에게 결혼식 옷을 입힙니다) (4th act, 2nd scene), ed.: 1884 (4th act의 2nd scene에서 Women 's Choir의 악보 및 clavier, N. A. Rimsky- 편집 및 편곡 Korsakov), 1939 (ed.). Zoltan Peszko 편집(1979)

목소리와 피아노: 어린 시절. 로맨스와 노래 모음 (1857-1866). 어린이. 어린 시절의 에피소드. 작곡가의 가사에 대한 보컬 사이클(1870) 유모와 함께(1868; "음악적 진리 A.S. Dargomyzhsky의 위대한 교사"에게 헌정됨; 변형 제목: 어린이). "노 썬" A. A. Golenishchev-Kutuzov (1874)의 구절에 대한 보컬 사이클. 죽음의 노래와 춤. A. A. Golenishchev-Kutuzov (1877)의 구절에 대한 보컬 사이클. 성악과 피아노를 위한 오페라 결혼, 보리스 고두노프, 소로친스카야 박람회, 호반시나의 성악 편곡

미완의 노래와 로맨스: 쐐기풀 산. 전례가 없는 (Mussorgsky의 말, 변형 제목: 하늘과 땅 사이) Grave letter (Mussorgsky의 표현, 변형 제목: "Evil Fate", "Evil Death", N.P. Opochinina의 죽음). 이제 ed에서 수행됩니다. VG 카라티기나

피아노:전시회의 그림, 연극의 순환(1874); Maurice Ravel, Sergei Gorchakov(1955), Lawrence Leonard, Keith Emerson 등을 포함한 다양한 작곡가에 의해 편성됨 Polka "Ensign"(1852). 인터메조. 헌신적인 A. 보로딘(1861). 즉석 "Betov와 Lyuba의 추억"(1865). 유모와 나. 어린 시절의 추억에서 (1865). Scherzo "Seamstress"(1871) 등

오케스트라와 합창단을 위한: 샤밀의 행진곡, 4부작 남성 합창단오케스트라와 함께하는 솔리스트(테너와 베이스)(1859). 헌신적인 A. Arseniev. 대머리 산의 밤 ( "이반의 대머리 산의 밤") (1867), 교향곡 사진; ed.: 1886(N. A. Rimsky-Korsakov 편집). Modo classico의 Intermezzo(오케스트라를 위한, 1867). 헌신적인 Alexander Porfiryevich Borodin; 에드. 1883년(N. A. Rimsky-Korsakov 편집). 카르스 점령. 대규모 오케스트라를 위한 엄숙한 행진곡(1880); ed.: 1883 (N. A. Rimsky-Korsakov 편집 및 편곡). 오케스트라를 위한 Scherzo B-dur; 인용: 1858; 전용: A. S. Gussakovsky; ed.: 1860. Joshua Nun, 솔리스트, 합창단 및 피아노용(1866; 1877, Nadezhda Nikolaevna Rimskaya-Korsakova의 두 번째 판; 1883, N. A. Rimsky-Korsakov가 편집 및 편곡한 판). "Jewish Melodies"(1867; 1874 - 두 번째 버전, Mussorgsky의 포스트 스크립트 "두 번째 프레젠테이션, Vladimir Vasilyevich Stasov의 의견에 따라 개선됨"; 1871 - 에디션, 피아노 합창단). Alla marcia notturna. 오케스트라를 위한 작은 행진곡(야간 행렬의 특성상)(1861).

비잔존 및/또는 손실된 구성: 흑해의 폭풍. 피아노를 위한 대형 뮤지컬 사진. 세 명의 여성 목소리를 위한 발성: Andante cantabile, Largo, Andante giusto (1880). 피아노를 위한 소나타 C장조. 네 손에 (1861).

M.P. Mussorgsky의 챔버 보컬 창의성

보컬 미니어처는 중요한 장소작곡가의 작품에서. Mussorgsky는 Dargomyzhsky가 그에게 가장 가까운 전임자의 전통을 발전시킵니다.

I. 로맨스와 노래의 문학적 주요 출처는 Nekrasov와 Golenishchev-Kutuzov의 이름과 관련이 있으며 ( "Without the Sun"과 "Songs and Dances of Death"는 그의 텍스트에서 생성되었습니다) Mussorgsky는 러시아 음악에 대해 발견했습니다. . 또한 Mussorgsky는 종종 자신의 텍스트를 만들었습니다 ( "Children 's"주기). 그는 훌륭한 스타일리스트였으며 그가 필요로 하는 사람의 연설 유형을 재현하는 방법을 알고 있었습니다.

II. 음악적 언어는 여러 설정과 관련이 있습니다.

1. 장르를 통한 일반화의 원리. 이 원칙은 각 장르 자체가 특정 의미론적 부하를 수반한다는 사실에 기반합니다. 작곡가는 그것을 통해 작곡의 의미를 드러내기 위해 특정 장르에 의존한다.

2. 장르의 역설적 독해("죽음의 노래와 춤").

3. 특징적인 암송. Mussorgsky는 음악과 단어의 최대 융합을 위해 노력하면서 Dargomyzhsky의 접근 방식을 개발합니다. 특징적인 레치타티브는 특정한 삶의 상황과 감정 상태에서 특정 사회계층에 속하는 사람의 이미지를 형상화한다. 이와 관련하여 다양한 상황에서 아동의 행동과 말이 재현되는 "Children 's"주기가 흥미 롭습니다. Mussorgsky는 음악에서 어린이와 성인의 말의 차이를 포착합니다.

4. 반주의 범위를 넘어서는 피아노 파트의 역할은 매우 중요하다.

III. 로맨스와 노래의 주제.

1. 서정적 주제는 창작 초기에 나타났다. 그것은 "젊은 시절"이라는 주기에서 가장 분명하게 드러납니다.

2. 사회적 주제에 대한 호소는 무소르그스키 작품의 성숙기를 특징짓는다. 이 주제는 다양한 특징적인 초상화에서 드러납니다.

a) 농민의 이미지는 깊은 심리학, 동정 및 연민으로 구현됩니다. 이 노래 그룹에는 "Songs and Dances of Death"주기의 "Lullaby to Eremushka", "Kalistrat", "Trepak"이 포함됩니다.

b) 성스러운 바보의 이미지는 Mussorgsky (서양 대응물-Rigoletto, Quasimodo)와 함께 러시아 음악에 처음 나타납니다. Mussorgsky의 보컬 미니어처에서 이러한 이미지의 예는 Svetik Savishna입니다.

c) 성직자의 이미지 - "신학교";

d) 어린 시절의 이미지. 어린 시절의 세계는 자발성과 성실함의 밝은 세계 ( "Children 's"주기의 "장난")라는 두 가지 평면으로 드러납니다. 또 다른 "평면"은 고난과 걱정으로 가려진 어린 시절입니다. "고아", "죽음의 노래와 춤"의 "자장가";

e) 풍자적 이미지 - "Rayok", "Goat".

3. Mussorgsky 전쟁의 주제는 그것을 드러내는 작품이 많지 않지만 특이한 비극적 파토스로 표시됩니다. 예를 들어 발라드 "Forgotten", "Songs and Dances of Death"의 "Commander"가 있습니다.

4. Mussorgsky의 죽음의 주제는 특별한 비극으로 해결됩니다. 그녀에게 "죽음의 노래와 춤"이라는 별도의 보컬 사이클이 있습니다. 주기의 초기 계획에는 12 개의 작품이 포함되었지만 3 개가 생성되었습니다. 작곡가는 "She"라는 제목을 부여했습니다. 그런 다음 "사령관"이 켜졌습니다.

중세 회화에서 발전한 "죽음의 춤"이라는 장르. 이 장르의 프레스코 화는 다양한 영지와 계급의 사람들과 함께 죽음의 둥근 춤을 추거나 사냥, 잔치에서 삶의 다양하고 종종 밝고 즐거운 순간에 사람들을 추월하는 죽음을 묘사했습니다. 이 작품의 내용에서 특히 중요한 순간은 삶과 죽음의 대조, 끊임없는 죽음의 존재 (사람은 언제든지 죽을 수 있음), 죽음에 직면 한 사람들의 평등 (권력, 부, 행운은 구할 수 없음)입니다. 그것). Mussorgsky는주기의 각 작업이 특정 장르에 해당하고 특정 생활 상황을 드러내기 때문에 어느 정도이 전통을 따릅니다. 주기의 장르 - "자장가", "세레나데", "Trepak", 행진 - "사령관".

동시에 연극화의 특징이 사이클에 나타납니다. 각 작업은 설정에 작업을 소개하는 소개로 시작됩니다.

"자장가"- 죽어가는 아이의 어머니와 죽음 사이의 대화. 어머니의 발언은 발전함에 따라 점점 더 강렬 해지고 죽음의 주제는 변하지 않습니다 (아날로그는 Schubert의 "Forest King"입니다).

"세레나데"- 서정적이지 않고 기사답게: 죽음은 죽어가는 소녀에게 기사의 형태로 나타납니다.

"트레팍"- 얼어 붙은 술 취한 농부. 눈보라의 이미지 인 소리 표현 기술을 사용합니다. 이 노래는 대조되는 두 부분으로 구성되어 있습니다. 트레팍 "아, 노인, 비참한 작은 남자"의 정신으로 죽음의 독백과 역설적으로 행복한 죽음의 꿈을 그린 그림입니다. 여기에서 죽음은 삶의 고난으로부터의 해방자로 드러납니다.

"사령관"전체주기의 정점입니다. 이 작업은 4개 모두의 디자인에서 가장 크고 가장 복잡하며 여러 섹션으로 구성됩니다. I-입문, 전투 그림 그리기; II- "그때 달이 비추는"죽음의 모습; III - 죽음의 독백 "전투가 끝났습니다"; IV - 죽음의 춤 "무겁고 축축한 대지의 춤" - 이 마지막 섹션전체 주기의 의미론적 결과입니다.

독창성, 대담성 및 20 세기 음악 예술을 여러면에서 예상 한 아이디어 구현 방식의 독창성면에서 뛰어난 독학 작곡가 인 M.P. Mussorgsky와 비교할 수있는 러시아 고전은 거의 없습니다.

같은 생각을 가진 사람들 사이에서도 그는 이상을 수호하는 용기, 포부, 일관성으로 두각을 나타냈습니다.

무소르그스키의 성악 작품

성악은 작곡가의 창조적 유산에서 결정적인 위치를 차지합니다. 컬렉션 "Young Years"(50-60s)에서 그는 A. Dargomyzhsky 라인을 강화하는 경향으로 계속 개발합니다. 컬렉션은 작곡가의 창의적 성숙의 시작을 표시하고 이미지와 분위기의 범위를 결정했습니다(나중에 나타날 풍자적 이미지는 제외). 이미지가 중요한 역할을 한다 농민 생활, 캐릭터의 캐릭터의 구체화 - 사람들의 대표. N. Nekrasov ( "Calistrat", "Lullaby to Eremushka")의 말에 대한 로맨스가 컬렉션의 정점으로 간주되는 것은 우연이 아닙니다.

MP 무소르그스키

60년대 말까지. 작곡가의 작품이 가득 풍자적 이미지(전체 풍자 갤러리는 "Raik"에 구현되어 있습니다). 성숙기와 말기 직전에 일련의 심리적 스케치 (아이의 눈을 통한 세계) 인 자체 텍스트에 "Children 's"라는주기가 나타납니다.

나중에 Mussorgsky의 작업은 "Songs and Dances of Death", "Without the Sun", 발라드 "Forgotten"으로 표시됩니다.

Modest Petrovich의 보컬 작품은 전체적으로 다음과 같은 분위기를 다룹니다.

가사, 초기 구성에 존재하며 이후 점점 더 비극적 인 색조로 칠해집니다. 이 대사의 서정적 비극적 절정은 보컬 사이클 Without the Sun(1874)입니다.

"민속 사진", 스케치, 농민 생활 장면( "Kalistrat", "Lullaby to Eremushka", "Orphan", "Flower Savishna") "Songs and Dances of Death"주기에서 발라드 "Forgotten"및 "Trepak"과 같은 높이로 이어집니다.
사회 풍자 라인(60-70년대 로맨스: "신학교", "클래식", "염소"("세속 동화"), "라욕"에서 최고조에 달함).

위의 어느 항목에도 속하지 않는 별도의 작품 그룹은 보컬 사이클 "Children 's"(1872)와 "Songs and Dances of Death"( "Trepak"제외)입니다.

일상적인 시작, 풍자적 또는 사회적 스케치를 통해 가사에서 발전하는 작곡가 무소르그스키의 성악은 점점 더 비극적인 분위기로 채워지고 이는 그의 후기 작품에서 거의 정의가 되며 발라드 "Forgotten"과 "Songs and Dances of 죽음". 때로는 더 많고 때로는 덜 분명하지만 비극적 인 주제는 이미 "Calistrat"와 "Lullaby Yeryomushka"에서 극적으로 극적인 고통을 느꼈습니다.

그는 장르의 외적 특징만을 유지하면서 자장가의 의미론적 본질을 다시 생각한다. 그래서 "Kalistrat"와 "Lullaby to Eremushka"

(Pisarev는 "사악한 자장가"라고 불렀습니다)

- 그냥 달래는 것이 아닙니다. 아이의 행복을 꿈꾸는 꿈입니다. 그러나 급성 들리는 테마현실과 꿈의 비양립성은 자장가를 비탄으로 바꾼다(이 주제의 절정은 "죽음의 노래와 춤"이라는 주기로 제시될 것이다).

비극적 인 주제의 특이한 연속이 관찰됩니다.

V « 고아"(구걸하는 작은 아이),
« Svetik Savishna"(상인의 아내가 거부 한 성스러운 바보의 슬픔과 고통-오페라 "Boris Godunov"의 성스러운 바보에서 가장 완벽하게 구현 된 이미지).

Mussorgsky 음악의 비극적 인 정점 중 하나는 발라드 "Forgotten"입니다. Vereshchagin의 재능을 하나로 묶은 작품입니다 (그가 쓴 반전 시리즈에서 "The Apotheosis of War"로 선정 된 그림 "Forgotten"이 있습니다. 발라드 아이디어의 기초를 형성했습니다), Golenishchev-Kutuzov (텍스트) . 작곡가는 또한 대조적인 이미지 병치를 사용하여 군인 가족의 이미지를 음악에 도입합니다. 가장 비극적인 수준은 자장가를 배경으로 어머니가 아들을 안고 이야기하는 약속을 병치함으로써 달성됩니다. 그의 아버지의 임박한 귀환과 마지막 문구 :

"그리고 그 사람은 잊혀졌습니다. 하나는 거짓말입니다."

보컬 사이클 "죽음의 노래와 춤"(1875) - 절정 보컬 창의성무소르그스키.

역사적으로 음악 예술에서 죽음의 이미지, 기대에 누워 가장 예상치 못한 순간에 종종 생명을 앗아가는 것은 두 가지 주요 hypostases로 표현되었습니다.

죽은 정적, 뻣뻣함 (중세 시대에는 Dies irae 시퀀스가 그런 상징이되었습니다);

Dance macabre (죽음의 춤)의 죽음의 이미지-장례식이 진행되는 스페인 사라 밴드에서 온 전통, 엄숙한 애도 춤; Berlioz, Liszt, Saint-Saens 등의 작업에 반영됩니다.

이 주제의 구현과 관련하여 Mussorgsky의 혁신은 죽음이 이제 "춤"뿐만 아니라 노래도 한다는 사실에 있습니다.

대규모 보컬 사이클은 4개의 로맨스로 구성되며, 각 로맨스에는 죽음이 희생자를 기다리고 있습니다.

1시간 "자장가". 죽음은 아기 침대 위에서 자장가를 부른다.

2시간 "세레나데". 방랑 기사의 모습을 한 죽음은 죽어가는 소녀의 창문 아래에서 세레나데를 부른다.
3시간 "트레팍". 농부는 눈보라, 서리가 내린 대초원에서 얼고 죽음은 그에게 노래를 부르며 빛과 기쁨과 부를 약속합니다.
4시간 "사령관". 죽음이 장군으로 전장에 나타나 쓰러진 자들에게 연설하는 그랜드 피날레.

주기의 이데올로기 적 본질은 "거짓"으로 강조되는 거짓말, 그 부분의 기초가되는 각 일상 장르의 사용에 대한 성실성을 폭로하기 위해 죽음의 전능함에 대한 항의와 투쟁입니다.

M.P. Mussorgsky의 음악적 언어

암송 억양 기반과 완벽하게 설계된 피아노 파트 성악 작품작곡가는 종종 개별 작가의 스타일 기호로 표시되는 형식을 통해 실현됩니다.

오페라 창의성

성악과 마찬가지로, 오페라 장르 Mussorgsky는 독창성과 작곡가의 재능뿐만 아니라 그의 진보적 견해, 이념적 및 미학적 열망을 생생하게 드러냅니다.

창작유산에 오페라 3편 완성

"Boris Godunov", "Khovanshchina", "Sorochinsky 박람회";

실현되지 않은 채 남아 있었다

"Salambo"(역사적 음모),

"결혼"(1개의 액션이 있음),

전혀 실현되지 않은 많은 계획.

오페라(The Marriage 제외)를 통합하는 순간은 존재감입니다. 민속 이미지기본적으로,그리고 그들은 사용됩니다:

V 일반 계획사람들의 집단적 이미지로서, 사람들은 하나의 영웅입니다.

개별 영웅의 개별화 된 표현 - 사람들의 대표.

작곡가가 민속 이야기로 전환하는 것이 중요했습니다. "Salambo"의 아이디어가 카르타고와 로마의 충돌 이야기라면 다른 오페라에서는 걱정하지 않습니다. 고대 역사, 그러나-역사상 가장 어려운시기에 가장 큰 격변의 순간에 Rus '( "Boris Godunov", "Khovanshchina").

무소르그스키의 피아노 작품

이 작곡가의 피아노 작품은 "Pictures at an Exhibition"(1874)이라는 유일한 사이클로 대표되지만 그럼에도 불구하고 러시아 피아니즘의 밝고 뛰어난 작품으로 음악사에 들어갔습니다. 이 아이디어는 V. Hartmann의 작품을 기반으로 하며, 10개의 연극으로 구성된 주기가 그의 기억에 바쳐집니다( « 드워프", " 오래된 자물쇠”,“튈르리 공원”,“소”,“부화되지 않은 병아리 발레”,“두 유대인”,“리모 주 시장”,“카타콤”,“바바 야가”,“골든 게이트”또는“영웅의 문”), 주기적으로 번갈아 가며 특별한 테마 - "Walk". 한편으로는 Hartmann의 작품 갤러리를 걷는 작곡가 자신을 묘사합니다. 다른 한편으로 그것은 러시아 국가 원칙을 구현합니다.

주기의 장르적 독창성은 한편으로는 전형적인 프로그램 세트를 의미하고 다른 한편으로는 "Walk"가 후렴구 역할을 하는 론달 형식을 의미합니다. 그리고 '걷기'라는 주제가 정확히 반복되지 않는다는 점을 감안하면 변주적 특징이 나타난다.

게다가, « 전시회 사진'은 피아노의 표현 가능성을 통합합니다.

"오케스트라"사운드가 달성되는 덕분에 색채;
미술 애호가;
주기의 음악에서 작곡가의 성악 스타일(가창력과 암송성 및 외침 모두)의 영향이 눈에 띕니다.

이러한 모든 기능 덕분에 Pictures at an Exhibition은 음악 역사상 독특한 작품이 되었습니다.

M.P. Mussorgsky의 교향곡

교향곡 창작 분야의 대표적 작품은 베를리오즈의 전통을 이어가는 마녀의 안식일인 이반의 대머리 산의 밤(1867)이다. 이 작품의 역사적 의미는 그것이 러시아 음악에서 사악한 환상의 첫 번째 예 중 하나라는 사실에 있습니다.

관현악법

오케스트라 부분에 대한 그의 접근 방식에서 작곡가로서의 MP Mussorgsky의 혁신은 즉시 이해되지 않았습니다. 많은 동시대 사람들은 새로운 지평의 발견을 무력감으로 인식했습니다.

그에게 주된 원칙은 관현악 수단을 최소한으로 사용하여 표현에서 최대한의 표현을 달성하는 것이었습니다. 그 오케스트레이션은 보컬의 특성을 취합니다.

음악 및 표현 수단 사용에 대한 혁신적인 접근 방식의 본질은 음악가가 다음과 같이 공식화했습니다.

"... 표현적인 형태의 연설을 만들고 이를 기반으로 새로운 음악 형식을 만듭니다."

사람들의 이미지가 주요 이미지 중 하나 인 Mussorgsky와 위대한 러시아 고전을 비교하면 다음과 같습니다.

초상화 표시 방법이 특징 인 Glinka와 달리 Modest Petrovich에게 가장 중요한 것은 형성 과정에서 개발중인 민속 이미지의 표시입니다.
Glinka와 달리 Mussorgsky는 대중의 사람들을 대표하는 개별 캐릭터를 골라냅니다. 또한 그들 각각은 특정 상징의 전달자 역할을합니다 (예를 들어 Boris Godunov의 Pimen은 단순한 현자가 아니라 역사 자체의 의인화입니다).

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겸손한 페트로비치 무소르그스키(1839-1981) - 시대를 앞서가는 세계적으로 중요한 러시아 작곡가. 그의 유산이 20세기 예술의 아이디어의 원천이 된 혁신가, 유럽 예술의 개혁가(고야, 슈만, 고골, 베를리오즈, 플로베르, 도스토옙스키와 함께). 음악이 직업이 아니라 삶의 목적이었던 그의 영혼의 위대함에 의한 진정한 러시아 예술가. 그는 독특한 예술적 재능과 직감을 가졌습니다. 남자전용 어려운 운명그리고 성격, 영적으로 풍부하고 관심사 (역사, 철학, 문학)에서 다재다능한 Mussorgsky는 훌륭한 작가이자 그의 노래와 대본의 저자, 가수 및 피아니스트였습니다. 작곡가의 미적 견해는 판단의 독립성과 독창성, 예술에 대한 견해에 대한 확신이 특징입니다. 그의 음악적 우상은 Palestrina, Bach, Beethoven, Liszt, Berlioz였습니다. 무소르그스키는 "슈만 시대"의 러시아 낭만주의자입니다. 글린카, 고골, 다르고미즈스키, 도스토옙스키, 레핀에 이어 그는 러시아 영성의 시험이자 개인적인 금욕주의로서 고전-로맨틱 국경을 경험했습니다. 반면 무소르그스키는 러시아인이다. 사실주의 화가, 대중 회복 시대의 남자. 그의 견해는 포퓰리즘에 대한 사회적 비난의 영향으로 형성되었습니다. Mussorgsky는 음악에서 사람들과의 생생하고 직접적인 대화를 보았습니다. 음악 문구는 음성 억양 표현력의 법칙에 따라 만들어집니다. 그는 자신을 서클과 학교 밖에 있다고 생각했습니다. 지난 몇 년"Mighty Handful"에서 자신을 분리하고 그의 음악과 예술에 대한 견해의 고립을 선언했습니다. 인간 본성과 정신의 불가해한 복잡성에 주목한 최초의 음악가인 그는 비극과 그로테스크의 거장이자 오페라의 심리학자이자 극작가였습니다.

프 스코프 지방의 Karevo 마을에서 Rurik 가족을 대표하는 지주의 가족으로 태어났습니다. 그는 어머니와 함께 피아노를 배웠고 9살 때 필드의 협주곡을 연주했습니다. 1849 년에 그는 상트 페테르부르크에있는 Peter and Paul School에 입학했고 1852 년에는 School of Guards ensigns에 입학했습니다. 곧 Mussorgsky의 첫 번째 작품인 피아노 폴카 Ensign이 출판되었습니다. 몇 년 동안 그는 A. Gerke에게서 피아노 레슨을 받았습니다. 1856년에 그는 위고의 이야기를 바탕으로 오페라를 쓰기 시작했습니다. 같은 해에 그는 Preobrazhensky Guards Regiment에 입대했습니다. 1857년에 그는 A. Dargomyzhsky와 Ts. Cui를 만났고 그들을 통해 M. Balakirev와

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V. Stasov는 "Mighty Handful"의 회원이되었습니다. 긴장한 후 영적 위기군대에서 은퇴하고 작곡에 시간을 할애하기 시작했습니다. Mussorgsky의 음악은 공개 콘서트 프로그램에 등장하기 시작했습니다. 1863-1865년. 그는 G. Flaubert의 동명의 이야기를 바탕으로 오페라 "Salambo"의 대본과 음악을 작업했습니다. 그 당시 그는 한 부처에서 관리로 일했지만 1867년에 제명되었습니다. 1867년 여름 무소르그스키는 관현악단을 위한 첫 번째 중요한 작품인 Night on Bald Mountain을 썼습니다. Mussorgsky의 다음 오페라 아이디어는 Gogol의 코미디 텍스트를 기반으로 한 "결혼"이었습니다 (미완성 상태로 남아 있음).

1869년 초에 그는 공직으로 돌아와 오페라 Boris Godunov의 초기 버전을 Pushkin과 N. Karamzin을 기반으로 한 자신의 대본으로 완성한 다음 새 버전을 준비하기 시작했습니다. 1872 년에 오페라가 다시 거부되었지만 그 발췌 부분이 공개적으로 공연되기 시작했으며 clavier는 출판사 V. Bessel에서 출판되었습니다. 마침내 마린스키 극장은 오페라 제작을 수락했습니다. Boris Godunov의 초연은 대성공이었습니다 (1874).

1870년 무소르그스키는 자신의 말로 "Children's" 보컬 사이클을 완성했고 2년 후 그의 두 번째 역사 오페라 "Khovanshchina"(민속 뮤지컬 드라마) 작업을 시작했습니다. 1870년대 Mussorgsky는 V. Hartmann의 그림에서 영감을 얻은 보컬 사이클 "Without the Sun"과 "Songs and Dances of Death"(시인 A. Golenishchev-Kutuzov의시)와 피아노 사이클 "Pictures at an Exhibition"을 작곡했습니다. 동시에 그는 Gogol을 기반으로 한 코믹 오페라 "Sorochinsky Fair"를 만드는 아이디어에 관심을 갖게되었습니다. 1878년에 그는 "Mephistopheles' Song about a Flea"를 작곡한 가수 Daria Leonova의 반주자로 러시아 남부를 여행했습니다. 1881년에 그는 병원에 입원했고 그곳에서 사망했습니다.

챔버 보컬 아트. 1865년 말, 1866년 전체, 1867년 전체 및 1868년 일부는 Mussorgsky의 가장 완벽한 작품 중 하나인 전체 로맨스 시리즈의 창작 기간으로 간주됩니다. 그의 로맨스는 대부분 독백이었고 작곡가 자신이 강조했습니다 (예를 들어 로맨스 "슬프게 바스락 거리는 잎사귀"에는 " 뮤지컬 스토리"). Mussorgsky가 가장 좋아하는 장르는 자장가였습니다. 그는 "Children 's"주기의 "Lullaby to the Doll"에서 "Songs and Dances of Death"의 비극적 인 자장가에 이르기까지 매우 자주 사용했습니다. 이 노래에는 애정과 부드러움, 유머와 비극, 슬픈 예감과 절망이 있습니다.

1864 년 5 월 작곡가들은 민속 생활에서 Nekrasov의 말로 "Calistrat"라는 보컬 플레이를 만들었습니다. "Calistratus"의 전체 내러티브 어조에서 웃음, 신랄한 민속 유머를 추적 할 수 있지만 작업의 의미는 대부분 비극적입니다. .

1866-1868 년에 Modest Petrovich는 "The Orphan", "Seminarian", "Pick Mushrooms"및 "Mischievous"와 같은 여러 성악 민속 사진을 만들었습니다. 그들은 Nekrasov의시의 거울 이미지이며

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방랑자의 그림. 동시에 작곡가는 풍자 장르에서 손을 뻗었습니다. 그는 뮤지컬 작품의 일반적인 주제를 뛰어 넘는 "염소"와 "클래식"이라는 두 곡을 만들었습니다. Mussorgsky는 첫 번째 노래를 불평등 한 결혼이라는 주제를 다루는 "세속적 동화"라고 설명했습니다. "클래식" 풍자는 음악 평론가새로운 러시아 학교의 열렬한 반대자였던 Famintsyn.

그의 유명한 로맨스 "Rayok"에서 Mussorgsky는 "Classic"에서와 동일한 원칙을 개발하여 더욱 날카롭게 만들었습니다. 이 로맨스는 바커가 있는 민속 인형극을 모방한 것입니다. 이 음악은 Mighty Handful 협회의 전체 반대 그룹을 보여줍니다.

'세미나리스트'의 보컬 신은 건강하고 순진한 시골 소년이 지겹고 쓸데없는 라틴어 단어를 장황하게 늘어놓는 가운데 방금 경험한 모험의 기억이 머리에 떠오르는 모습을 보여준다. 교회에서 봉사하는 동안 그는 신부의 딸을 쳐다 보았고 아버지에게 구타를당했습니다. 보컬 구성의 코미디는 광범위하고 무례하지만 대담함과 힘이 결여되지 않은 무의미한 라틴어 단어의 후두둑과 함께 한 음표에 표현되지 않은 중얼 거림, 신부 Stesha의 아름다움에 대한 신학생의 노래 및 약 그의 범죄자 - 사제. The Seminarist에서 Mussorgsky는 그의 영웅의 사회적 지위에 따라 교회 노래의 패러디를 만들었습니다. 길게 늘어진 애절한 노랫말과 전혀 어울리지 않는 가사가 어우러져 코믹한 느낌을 자아낸다. The Seminarist의 원고는 해외에서 인쇄되었지만 러시아 검열에서 금지되었습니다. 이 장면은 신성한 물건과 신성한 관계를 재미있는 방식으로 보여줍니다. 이 금지는 Mussorgsky를 몹시 격분했습니다. Stasov에게 보낸 편지에서 그는 다음과 같이 썼습니다. “지금까지 음악가는 검열되었습니다. "신학자"의 금지는 "숲의 부스와 달 숭배자"의 나이팅게일에서 음악가가 회원이된다는 주장 역할을합니다. 인간 사회, 그리고 내 모든 것이 금지된다면 지칠 때까지 돌을 깎는 것을 멈추지 않을 것입니다.

한편 Modest Petrovich의 재능은 "Children 's"사이클에서 드러납니다. 이 컬렉션의 노래는 어린이에 관한 노래입니다. 그들에서 작곡가는 자신이 세계에 대한 어린이 인식의 모든 특징을 밝힐 수있는 심리학자임을 증명했습니다. 음악학자 Asafiev는 이 주기의 내용과 의미를 "어린이의 성찰적 성격 형성"으로 정의했습니다. 유모에게 너도밤 나무에 대해 이야기하는 아이도 있습니다. 동화, 구석에 놓인 아이, 그는 새끼 고양이에게 책임을 전가하려고 시도하고, 정원에있는 나뭇 가지 오두막에 대해 이야기하는 소년, 그에게 날아간 벌레에 대해 이야기하고, 소녀는 인형을 침대. Franz Liszt는 이 노래에 너무 기뻐서 즉시 피아노를 위해 이 노래를 필사하기를 원했습니다.

보컬 사이클 "Songs and Dances of Death"에서 작곡가는 많은 사람들에게 비참한 것으로 판명 된 러시아 현실을 재현합니다.

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사람들의. 사회적으로 고발하는 용어로 죽음이라는 주제는 의제에 포함되지 않습니다. 마지막 장소당시 러시아 예술에서 : Perov, Vereshchagin, Kramskoy의 그림, Nekrasov의시 "Frost, Red Nose", "Arina, the Soldier 's Mother"등 Mussorgsky의 보컬주기가이 행에 있습니다. 이 작품에서 모데스트 페트로비치는 행진곡, 춤, 자장가, 세레나데 등의 장르를 사용했는데, 이는 혐오스러운 죽음의 침입에 대한 의외성과 부조리함을 강조하려는 욕구에서 비롯되었다. 무한히 먼 개념을 모은 Mussorgsky는 주제 공개의 극도의 예리함에 도달했습니다.

주기는 "Lullaby", "Serenade", "Trepak", "Commander"와 같이 플롯 역학을 증가시키는 원칙에 따라 배열된 4개의 노래로 구성됩니다. "Lullaby"의 아늑하고 한적한 방 설정에서 청취자는 "Serenade"의 밤 거리로 이동 한 다음 "Trepak"의 황량한 들판으로 이동하고 마지막으로 "The Commander"의 전장으로 이동하여 액션이 점차 커집니다. . 삶과 죽음의 반대, 그들 사이의 영원한 투쟁 - 이것은 전체주기의 극적인 기초입니다.

Lullaby는 죽어가는 아이의 요람 옆에 앉아있는 어머니의 깊은 슬픔과 절망의 장면을 묘사합니다. 모든 음악적 수단을 사용하여 작곡가는 어머니의 살아있는 불안과 죽음의 고요함을 강조하려고합니다. 죽음의 문구는 암시적이고 불길하게 부드럽습니다. 노래가 끝날 무렵 어머니의 말은 점점 더 간절하게 들리기 시작하고 죽음은 단조로운 "안녕, 안녕, 안녕"을 반복합니다.

두 번째 곡 '세레나데'에서 사랑은 죽음과 대립한다. 도입부는 풍경을 보여줄 뿐 아니라 감성적으로 뜨거워진 청춘과 사랑의 분위기를 전한다. 작곡가가 감옥에서 혁명적 소녀의 죽음을 노래에서 보여 주었다는 가정이있었습니다. 그러나 Mussorgsky는 많은 젊은 삶을 질식시킨 당시의 일상 생활에서 자신의 힘을 사용하지 않고 무익하고 쓸모없이 죽은 많은 러시아 여성과 소녀의 운명을 포착했습니다.

"Trepak"은 더 이상 노래가 아니라 술 취한 농부와 함께 춤추는 죽음의 춤입니다. 댄스 테마는 점차 크고 다양한 그림으로 펼쳐집니다. 댄스 테마는 단순하거나 불길하고 우울하게 들립니다. 대조는 춤과 자장가의 대립에 기초한다.

"The Commander"라는 노래는 나머지 작곡가보다 훨씬 늦은 1877년경에 작곡되었습니다. 이 노래의 주제는 전쟁터에 아들을 보내야 하는 사람들의 비극이다. 노래를 작곡하는 동안 발칸 반도에서 비극적 인 군사 사건이 발생하여 모두의 관심을 끌었습니다. 곡의 도입부는 독립된 파트로 작성됩니다. 처음에는 애절한 멜로디 "하나님이 성도들과 함께 쉬십시오"가 들리고 음악이 청취자를 노래의 정점과 전체 보컬주기 인 승리의 죽음의 행진으로 이끈다. Mussorgsky는 1863 년 봉기 중에 연주 된 폴란드 혁명가 "불의 연기와 함께"에서이 부분에 대한 엄숙한 비극적 멜로디를 가져 왔습니다.

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보컬 사이클 "Songs and Dances of Death"는 작곡가의 현실적인 열망의 정점입니다. 20세기에 이 작업은 D.D. 쇼스타코비치.

오페라 예술. 1868 년 Modest Petrovich는 Gogol의 "결혼"을 주제로 오페라를 쓰기로 결정했습니다. Gogol의 화려한 작품은 작곡가와 정신이 매우 가깝습니다. Mussorgsky는 전체 작업을 시가 아니라 산문이 아닌 음악으로 설정하는 아이디어를 구상했으며 그 전에는 아무도 이것을 수행하지 않았습니다.

1868년 7월 작곡가는 오페라의 1막을 완성하고 2막을 작곡하기 시작했습니다. 그러나 그는 그의 친구 중 한 명이 그에게 제안한 Pushkin의 "Boris Godunov"라는 주제에 매료되어 오랫동안이 작업을 수행하지 않았습니다. 뮤지컬의 밤 L.I. Shestakova. Pushkin의 작업을 읽은 후 Mussorgsky는 음모에 매료되었습니다.

그는 1868년 9월 오페라 Boris Godunov 작업을 시작했으며 11월 14일에 이미 1막 전체가 작성되었습니다. 1869년 11월 말에 오페라는 완전히 완성되었습니다. 작곡가가 음악뿐만 아니라 텍스트도 작곡했다는 점을 감안할 때 속도는 놀랍습니다. 1870년 여름, 무소르그스키는 완성된 오페라를 제국 극장의 감독관에게 넘겼습니다. 위원회는 회의에서 고려 이 일받아들이지 않았습니다. 음악의 참신함과 독특함은 음악 예술위원회의 유서 깊은 대표자들을 당혹스럽게 만들었습니다. 또한 그들은 부재에 대해 저자를 비난했습니다. 여성 역할. 친구들의 끈질긴 설득과 시에나에서 오페라를 보려는 열렬한 열망으로 인해 그는 오페라 악보 수정을 맡게되었습니다. 그는 별도의 장면을 추가하여 전체 구성을 상당히 확장했습니다. 예를 들어, 그는 "크로미 아래의 장면"과 전체 폴란드 공연을 작곡했습니다.

오랜 시련 끝에 1874년 1월 24일 오페라 "보리스 고두노프" 전체가 공연되었다. 이 공연은 Mussorgsky의 진정한 승리였습니다. 아무도 오페라에 무관심하지 않았습니다. 젊은 세대는 기뻐하며 오페라를 강타로 받아 들였습니다. 비평가들은 그의 음악을 무례하고 맛도없고 성급하고 미성숙하다고 부르며 작곡가를 독살하기 시작했습니다. 그러나 많은 사람들은 위대한 작품이 나타났고 아직 그와 동등하지 않다는 것을 이해했습니다.

그의 생애의 마지막 5-6년 동안 무소르그스키는 "Khovanshchina"와 ""라는 두 개의 오페라를 동시에 작곡하는 데 매료되었습니다. 소로친스카야 박람회". 그들 중 첫 번째 음모는 오페라 "Boris Godunov"가 극장에서 상연되었을 때 Stasov가 그에게 제안했습니다.

오페라 "Khovanshchina"의 행동은 Rus의 사회 세력의 치열한 투쟁 시대에 발생합니다. 17세 말 Peter I의 활동이 시작되기 직전에 대중적 불안, 격렬한 폭동, 궁전 투쟁 및 종교적 투쟁의 시대였던 세기. 러시아 국가. 역사적 자료가 너무 광범위해서 오페라 구성의 틀에 맞지 않았습니다. 중요한 것을 다시 생각하고 선택하면서 작곡가는 시나리오 계획과 오페라 음악을 여러 번 재 작업했습니다. 이전에 생각했던 많은 것 중에서 Modest Petrovich는

저장소 BSPU 100

거절하다. Khovanshina는 러시아 역사를 바탕으로 한 오페라로 생각되었습니다. Mussorgsky는 캐릭터의 아이디어를 만드는 데 도움이 된 모든 자료를 신중하게 연구했습니다. 역사적 인물. 작곡가는 항상 특성화에 대한 특별한 갈망을 가지고 있었기 때문에 그는 종종 Khovanskys에 대한 비난이 담긴 익명의 편지에서, 회개하는 궁수에게 자비를 베푸는 왕실 헌장에서 승리를 기리는 궁수.

"Khovanshina"에서 작곡가는 러시아 화가 V. I. Surikov의 "Streltsy Execution의 아침"과 "Boyar Morozova"의 두 가지 뛰어난 그림의 주제를 예상했습니다. Mussorgsky와 Surikov는 서로 독립적으로 작업했으며 더 놀라운 것은 주제 해석의 일치입니다.

궁수는 오페라에서 가장 완전하게 보여집니다. 두 가지 유형의 행진을 비교하면 이미지의 독창성이 명확하게 시작됩니다 (두 번째 유형은 Petrovtsy입니다). 궁수 자리 - 이것은 노래, 대담, Petrovtsy - 순전히 브라스 밴드의 악기 소리입니다. 민속 생활과 민속 심리학의 모든 폭을 통해 Petrine 사람들은 외부에서만 오페라에 윤곽이 그려집니다. 청취자는 사람들의 눈을 통해 그들을 봅니다. Peter의 군대는 잔인하고 얼굴이없고 무자비하게 그들의 삶에 침입하는 모든 것을 나타냅니다.

오페라의 또 다른 민속 그룹은 모스크바 외계인입니다. 이 집단적 이미지의 출현은 닉네임의 주역을 맡은 사람들의 입장뿐만 아니라이 투쟁을 판단하는 사람들의 눈을 통해 일어나는 사건을 보여주고 싶은 작곡가의 열망으로 설명된다. 영향을 받지만 외부.

다른 사회 집단 인 schismatics가 오페라에서 중요한 역할을합니다. 그들은 특별한 영적 힘으로 작용합니다. 역사적 배경육체적인 죽음(분신)을 당하게 됩니다.

1873 년 여름, Modest Petrovich는 오선지에 넣기 위해 서두르지 않고 친구들에게 오페라 5 막에서 발췌 한 부분을 연주했습니다. 무소르그스키는 1878년에야 자기 희생을 하기 전에 안드레이 코반스키와 함께 마르타의 장면을 작곡했습니다. 그는 1880년에 마침내 오페라를 만들기 시작했습니다.

1880년 8월 22일 스타소프에게 보낸 편지에서 무소르그스키는 이렇게 썼습니다. 림스키-코르사코프, 그리고 나중에 쇼스타코비치가 각자의 방식으로 구현한 악보가 무소르그스키의 아이디어다.