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N. Davydov - 바야니스트 기술의 이론적 기초

카비불리나 인나 유리예브나

MBOUDOD "Children's Music School No. 13", 카잔

버튼 아코디언 클래스의 초기 기술력 개발

모든 예술 작품은 작가의 창의적인 아이디어, 풍부한 상상력의 구체화입니다. 자신의 생각을 실현하는 과정에서 작가는 모든 창작의지와 모든 기술을 총동원하며, 작가의 재능과 기술이 높을수록 최종 결과물은 더욱 인상적이고 의미심장하게 나타난다. 예외는 아니며 뮤지컬 공연 예술. 그러나 자신의 아이디어를 캔버스에 고정하고 자신과 관객 사이에 중개자가 필요하지 않은 화가와 달리 공연 음악가는 작곡가의 아이디어를 해석합니다. 이것에 대해 말하면, 우리는 먼저 음악 작품의 사운드 표현, 예술적 이미지의 비전 (청각)을 구현하는 데 도움을주는 아티스트의 기술을 의미합니다.

아코디언 연주를 배우는 과정에서 음악 학교의 교사는 일반 교육 및 음악 및 예술 과제와 함께 학생들의 기술 개발 과제에 직면합니다.

넓은 의미에서 기술이란 공연예술의 물질적인 측면으로 가장 중요한 전승수단이다. 예술적 콘텐츠공장.

좁은 의미에서 기술은 손가락 움직임의 궁극의 정확성과 속도로 정의할 수 있습니다.

아코디언 연주자 또는 아코디언 연주자의 전체 기술은 작은 (손가락)과 큰 것으로 나눌 수 있으며 모피로 연주하는 기술과 소리 생성 기술, 즉 본질적으로 학생이하는 모든 것은 만지는 것부터 시작됩니다. 핵심은 기술입니다. 정밀한 기술에는 다양한 음계와 아르페지오 악절, 멜리스마, 손가락 리허설, 이중 음표가 포함됩니다. 큰 손가락 트레몰로, 옥타브, 코드, 점프, 브러시 기술.

기술의 발달은 주로 학생의 타고난 능력에 달려 있습니다. 그러나 평균 연주 데이터를 가진 학생들도 음계, 아르페지오 및 화음, 연습 및 에튀드와 같은 다양한 유형의 교육 자료에 대해 정확하고 체계적으로 작업한다면 높은 기술적 숙달을 달성할 수 있습니다.

스케일, 아르페지오, 코드가 주요 기술 공식입니다. 이 자료에 대한 체계적이고 일관된 작업은 기본 게임 기술 및 능력 개발에 필요한 조건입니다. 성공적인 작업오버 스케일, 아르페지오 및 코드는 많은 기술적 어려움을 극복하는 데 도움이 됩니다.

1) 합리적인 운지법을 더 잘 선택할 수 있습니다.

2) 가늘고 자유로운 손가락 유창함을 만듭니다.

3) 양손의 움직임 조정을 촉진합니다.

4) 모피의 부드러움과 움직임 방향의 변화;

5) 다양한 소리 추출 기법으로 다양한 획과 뉘앙스를 보다 정확하게 수행할 수 있도록 도와줍니다.

또한 스케일, 아르페지오 및 코드 연주는 이론적 지식을 실제로 통합하는 데 기여하고 학생들의 조화와 리듬 감각을 개발합니다.

기술의 발전은 학생들이 음계나 아르페지오를 연주할 때마다 특정 음악 과제를 해결하고, 귀로 소리의 특성을 제어하고, 역동적인 음영, 스트로크 및 리듬을 관찰해야만 성공할 수 있습니다.

음계, 아르페지오 및 코드를 일정한 크기로 연주하면서 지속 시간을 유지해야 합니다.

음계에 대한 연구는 모피의 변화와 함께 (반음계와 같은) 모든 소리를 연속으로 연주하는 연습이 선행됩니다 : 매 3 소리, 6 소리마다 그리고 그 후에는 흰색 키로만 연주합니다.

왼손 손가락을 올바르게 설정하려면 2, 3 소리의 "조각"으로 저울을 연주하는 것이 유용합니다.

저울은 일반적으로 손, 손, 손가락의 설정이 고정되면 연구되기 시작합니다. 벨로우즈를 움직일 때마다 짝수의 길이로 느린 템포로 연주를 시작합니다.

자녀에게 리드미컬하게 연주하도록 가르치려면 메트로놈을 사용할 수 있습니다.

아르페지오 - 화음을 펼칩니다. 연습으로 학습을 시작하는 것도 좋습니다. 촉각 방향을 개발하기 위해 키보드를 보지 마십시오.

복잡성의 물리적 범주는 화음으로 연주됩니다. 코드는 손의 움직임으로 연주됩니다. 마치 공중에 떠 있는 것처럼 미리 화음을 잡을 손가락을 준비해야 합니다. 작업은 신중하게 시작해야 합니다. 적당한 속도운동으로.

가장 편안한 화음 연주 빠른 속도- 손 전체의 작은 참여로 붓으로 하는 연주입니다. 코드를 연주할 때 손가락을 건반 위로 높이 올려서는 안 되며 수집된 상태여야 합니다. 코드 진행을 연주하는 과정에서 다음을 수행해야 합니다.

1) 임의의 배음을 남기지 않고 이전 코드에서 손가락을 동시에 제거합니다.

2) 다음 화음을 연주하기 위해 손가락의 위치를 준비합니다.

3) 브러시를 적절하게 움직입니다.

4) 키의 손가락을 동시에 눌러 새 코드를 가져옵니다.

샤마와 아르페지오를 연주하는 방법.

1등석

음계: 획 - 레가토, 비레가토, 스타카토.

지속:

2등석

음계는 다양한 미터-리듬 조합으로 다양한 스트로크로 연주할 수 있습니다. 긴 아르페지오.

2가지 옵션:

1) 손으로 옮기는 것;

2) 첫 번째 손가락을 대고 브러시를 옮깁니다.

참조 사운드는 아르페지오에서 더 강한 악센트와 적극적인 손가락 움직임으로 강조되어야 합니다. 아르페지오는 다양한 스트로크와 다양한 리듬 패턴과 함께 사용할 수 있습니다.

양손으로 아르페지오를 연주하는 것은 비실용적입니다. 왼쪽 건반의 저음은 한 옥타브로 제한되어 있기 때문에 움직이지 않고 세 개의 건반을 따라 왼손 손가락을 움직여도 어떤 음도 발전되지 않기 때문입니다. 유용한 기술이지만 오른손을 움직이기 어렵게 만들뿐입니다.

학생의 기술 개발 작업에서 상호 작용, 독립성, 손가락 유창성, 손목 움직임을 통한 손의 빠른 움직임 등 다양한 기술을 개발하는 데 사용되는 연습이 중요한 역할을합니다.

운동을 "일종의 반제품"으로 간주하는 Neuhaus는 일반적으로 모든 운동이 손가락과 키 사이의 접촉을 개발하는 데 필요하다고 썼습니다.

연습을 할 때 학생이 연습의 목적과 연습이 가져올 수 있는 이점을 명확하게 이해하여 필요한 작업 수행에 최대한 집중하고 게임의 품질을 모니터링하는 것이 매우 중요합니다. . V. Safonov는 다음과 같이 썼습니다. “가장 건조한 운동에서도 소리의 아름다움을 꾸준히 관찰하십시오. 운동은 압박감과 약간의 스포츠 열정을 가지고 플레이하는 데 중요합니다. 그 반대의 경우, 연주의 질에 대한 적절한 통제 없이 부주의한 연주는 학생을 무질서하게 만들고 학습 중인 곡의 연주에 부정적인 영향을 미칩니다.”(10, p. 52). 배운 연습은 다음과 같이 사용해야 합니다. 교육 자료, 기억과 육체적 감각에 고정하고 동시에 새로운 운동을 시작하십시오.

연습 작업은 손, 팔, 손가락의 위치가 고정되는 악기 연주 학습 첫 달에 이미 시작됩니다. 초보자의 경우 손의 위치 내에서 다양한 시퀀스를 연습하는 것이 매우 유용합니다(어린이가 레가토 스트로크를 마스터한 후). 가장 간단한 연습부터 시작해야 합니다. 인접한 2~3개의 사운드를 연결하여 점진적으로 5개의 사운드 성능에 도달해야 합니다.

우리는 키를 깊게 누르지 않습니다. 다섯손가락 운동은 수련초반 뿐만 아니라 중,고등학생때도 사용을 하셔야 합니다. 동시에, 운동을 항상 다양하게 하고 더 나은 수행 품질, 더 큰 균일성, 선명도 및 템포 증가를 달성하는 것이 필요합니다. 예를 들어 S. Ganon "Pianist-virtuoso"컬렉션의 연습을 인용 할 수 있습니다. 운동은 손이 한 방향으로 "작동"하고 다른 방향으로 "휴식"하는 방식으로 구성됩니다 (조건부).

운동을 할 때 모피는 긴장해야하고 각 그림에서 숨을 쉬고 맥동이 깨끗하고 손이 자유롭고 키보드로 작업합니다 (즉, 손가락이 키보드 위로 올라가지 않음). 우리는 키를 깊게 누르지 않습니다.

손가락의 독립성은 3분의 1, 6분의 1, 2음부 연습을 할 때 잘 달성됩니다. 이미 연구 첫해에 손가락을 높이 들고 느린 속도로 배워야합니다.

리허설 - 손가락을 번갈아 가며 같은 소리를 빠르고 반복적으로 추출합니다. 리허설은 일반적으로 두 개의 강한 손가락으로 수행됩니다. 또한 다른 손가락으로 연주해야 하므로 사운드의 선명도와 보다 자유로운 연주를 달성하는 데 도움이 됩니다. 리허설은 첫 번째 음표에서 가벼운 손목 움직임을 통해 수행됩니다.

트레몰로는 2가지 유형이 있습니다.

1) 키보드의 트레몰로;

2) 트레몰로 모피.

키보드의 트레몰로 - 인접하지 않은 두 소리 또는 두 개의 자음(간격, 화음 또는 단일 소리와 자음)의 빠르고 반복적인 교대:

모피 트레몰로 - 악기 왼쪽의 움직임을 변경하여 동일한 소리 또는 협화음을 빠르게 반복합니다. 이 경우 키를 누르는 손가락이 키보드에서 제거되지 않습니다. 벨로우즈로 트레몰로를 연주할 때 바의 엄지, 왼쪽 건반의 스트랩, 팔뚝의 3가지 지지점이 있습니다.

오른손과 함께 왼손도 훈련해야 한다. 그리고 이 작업에서는 우선 연주하는 네 손가락(엄지 제외)의 균일한 발달 문제를 해결해야 한다.

왼손의 잘 발달 된 손가락 마이너 스케일왜냐하면 연주할 때 네 번째와 다섯 번째 손가락이 관련됩니다.

작업의 기술적 어려움을 극복하는 좋은 방법은 배우고 있는 작업에서 기술적으로 어려운 부분의 요소를 기반으로 하는 연습입니다. 이러한 연습은 학생들이 직접 선택하거나 구성할 수 있으며 가장 복잡한 턴, 모든 통로로 구성되거나 작업에서 차례로 이어지는 2-3개의 요소를 포함합니다.

에튜드는 기술 발전에 중요한 역할을 합니다. 이 장르의 중요성은 에튜드가 전형적인 연주의 어려움을 해결하는 데 집중할 수 있게 하고 특별히 기술적인 작업과 음악적인 작업을 결합한다는 사실에 있습니다.

따라서 에튜드의 사용은 기술에 대한 유익한 작업을 위한 전제 조건을 만듭니다. 커리큘럼에 이것 또는 저 연구를 포함시키는 것은 두 가지 작업 때문일 수 있습니다.

1) 특정 유형의 기술 개발 및 개발

2) 예술 작품의 기술적 어려움을 극복할 수 있도록 학생들을 준비시킵니다.

첫 번째 경우에는 학생의 전인적 발전이라는 목표가 추구됩니다. 그의 프로그램에는 다양한 유형의 기술에 대한 에튜드가 지속적으로 포함되며 각 에튜드는 학생의 능력보다 어느 정도 높아야 지속적인 기술 성장을 보장합니다. 두 번째 경우에는 음악과 본질적으로 유사할 뿐만 아니라 작업에서 발견되는 기술 유형과 동작 요소를 포함하는 에튜드를 가져와야 합니다. 에튜드의 난이도는 학생의 발달 수준을 초과해서는 안 됩니다.

스케치 작업은 특정 순서로 수행해야 합니다.

1) 수행할 작업의 범위와 성격을 명확하게 파악하기 위해 연구 구성을 연구하고 기술 작업을 결정합니다. 텍스트를 자세히 분석하고 운지법을 설정합니다.

2) 에튜드 학습을 시작하고 가장 어려운 부분을 부분적으로 해결하십시오. 이 작업은 어려운 장소의 특징적인 요소를 포함하는 연습으로 시작해야 합니다.

3) 오른손 발달을 위해 쓰여진 연구에서는 왼손 반주 연주에 주의를 기울이고 그 반대의 경우도 마찬가지입니다.

4) 연구 텍스트의 동화와 동시에 문구, 악센트, 역학의 구현을 모니터링하고 모피 움직임의 경계를 결정합니다.

5) 어느 하나에 익숙해지지 않고 다른 템포로 에튜드를 연주해야 합니다. 느린 속도로 시작하여 작업 과정에서 지속적으로 돌아갑니다.

6) 텍스트를 암기하는 것은 텍스트의 기술적, 예술적 특성을 습득하는 과정에서 이루어져야 합니다.

내 보고서에서 기술 작업은 체계적이고 의도적으로 학생과 함께 수행되어야 함을 다시 한 번 언급하고 싶습니다. 학생의 개별 특성과 준비 정도를 고려하여 교사는 각자에게 특정 기술 작업 프로그램을 작성할 수 있습니다.

특정 예술 및 공연 작업과 별개로 다양한 기술 연습을 끝없이 수행하고 추상적으로 손 기술에 종사하는 것은 불가능하다는 점에서 음악 공연 예술 이론가들은 만장일치입니다. 꽤 흔한 것은 오인모든 것과 같은 기술에 대해-단지 손가락의 속도에 관한 반면 연주하는 음악가가하는 모든 것은 기술입니다 : 사운드 제작 기술, 벨로우즈 기술, 작은 기술, 큰 기술 등. 기술을 향상시키기 위해 사운드 결과를 명확하게 표현하는 것이 더 큰 도움이 됩니다. 기술적으로 어려운 곳에서 매일 힘든 작업이 필요합니다. 리허설, 감마 및 아르페지오와 같은 구절과 같은 친숙한 기술 요소가 있으면 일반적으로 특별한 시간 비용이 필요하지 않습니다. 그러나 매우 자주 개발을 위해 특별한 추가 노력이 필요한 비정상적인 수치도 있습니다. 원하는 결과를 얻는 가장 짧은 방법 인 자신 만의 방법을 찾는 것이 중요합니다. 불행히도 교사는 학생들이 필요한 방법을 찾는 데 항상 도움을 주는 것은 아닙니다. 결과적으로 다른 학생은 한 구절을 작업하는 데 몇 시간을 보내고 미친 듯이 빠른 속도로 그것을 쫓지만 여전히 품질이 없습니다. 기술적으로 어려운 곳에서는 항상 깨닫는 것이 중요합니다. 정확히 작동하지 않는 것은 무엇입니까? 예를 들어, 그러한 경우에 유명한 피아니스트 A. 코르토는 이렇게 조언했습니다.

기술적으로 어려운 곳에서 작업할 때는 느린 속도로 플레이하는 것이 특별한 역할을 해야 합니다. 이러한 연습은 자동화된 손가락 움직임을 개발하는 데 유용합니다. 그러나 느린 템포로 악절의 각 음표를 기계적으로 두드리는 것은 실질적인 이점을 가져다 줄 것 같지 않습니다. 리드미컬한 측면, 프레이징, 뉘앙스는 빠른 속도와 느린 속도 모두에서 연주 중인 곡과 반드시 일치해야 합니다. 동시에 별도의 음으로 슬로우 모션으로 생각할 수 없습니다. 각 톤은 이전 및 후속 사운드와 상관 관계가 있어야 합니다. 주요 기능은 브러시가 아닌 활성 손가락에 의해 수행됩니다.

어려운 도형을 좀 더 견고하게 고정하려면 점선 도형을 비롯한 다양한 도형을 가지고 노는 것이 유용하다. 이러한 게임에서는 각 손가락이 원하는 키에 차례로 고정됩니다.

바얀과 아코디언 연주자의 레퍼토리에는 항상 같은 유형의 기술이 오랫동안 사용되는 작품이 있습니다. 필요한 기술에 정통하더라도 작품을 끝까지 유지하는 것은 육체적으로 어려운 경우가 있습니다. 여기에는 지구력 외에도 공연 중 스트레스 해소 능력이 필요하다. 긴장을 풀려면이 가르침을 배워야합니다. 작품 속 각 출연자는 순간적으로 잠시 휴식을 취해야 할 때 그런 지점이 있어야 한다. 이것은 구 또는 모티프의 끝과 시작, 모피의 변화, 역학의 변화가 될 수 있습니다. 이러한 모든 경우에 손이나 팔뚝을 약간 흔들 수 있습니다. 손, 몸 등의 위치를 약간 바꾸는 것도 도움이 됩니다.

아코디언 연주자와 아코디언 연주자를 위한 가장 일반적인 유형의 장비 중 하나는 소형 장비입니다. 대부분의 연주자들은 스타카토 스트로크를 사용합니다. 그러나이 스트로크는 작업의 비 유적 영역을 항상 완전히 반영하지는 않습니다. 스타카토 스트로크는 미세한 기술에 매우 효과적입니다. 불필요한 움직임 없이 번개처럼 빠른 손가락 타격으로 수행됩니다. 날카 롭고 깨끗하며 탄력있는 스트로크가 필요한 경우 손가락이 약간 구부러지고 둥글어야하며이 경우 "망치"로 작동합니다. 섬세한 테크닉으로 스타카토 스트로크의 가벼움을 얻을 때 피상적으로 연주하는 경향이 있을 수 있습니다. 이것은 피해야 합니다.

모든 종류의 기술은 능숙하게 사용할 때 정확하게 매력적입니다. "빠른 플레이"와 "훌륭한 플레이"는 같은 것이 아닙니다. 그들의 주요 차이점은 거장 게임은 가장 작은 기술 조각조차도 논리적 지점에 도달하기 위해 의도적으로 노력한다는 것입니다.

작곡가의 의도에 따라 연주자는 다양한 기술 리소스. 생각하고 호기심 많은 학생의 경우 먼저 정신적으로 분석한 다음 실제로 다음을 비교하는 것이 유용합니다. Couperin, Rameau, Scarlatti 및 Bach의 오르간 전주곡 및 푸가의 하프시코드 부분에서 역학의 특징. 오르간, 하프시코드 곡 및 민요 편곡 등록. 작품에서 다른 스타일터치의 특성도 다를 것입니다. 그리고 연주자는 자신의 기술을 연마해야 합니다. 음악 콘텐츠, 그러나 특정 목표로 그의 앞에 이 콘텐츠를 가지고 있습니다. 우리 시대의 진보적 인 음악가 중 한 명인 P. Casals는“저에게는 단 하나뿐입니다. 유일한 실제 기술입니다. 음악에 완전히 사용되는 기술입니다. 음악가가 예술적인 이미지를 만드는 데 있어 기술의 역할을 올바르게 이해하는 것이 중요합니다. 기술은 그 자체로 목적이 되어서는 안됩니다. 기술은 음악적이고 예술적인 이미지를 만드는 수단입니다. 따라서 궁극적으로 중요한 것은 손가락의 손재주가 아니라 작곡가의 의도를 설득력있게 전달하는 것입니다. 그러나 이를 위해서는 충분한 기술적 수단을 보유해야 합니다. 그리고 이 주식이 더 풍부하고 다양할수록 가장 완전하고 설득력 있는 음악 콘텐츠 이전 가능성이 더 현실적입니다. 위의 내용을 바탕으로 연주자의 기술의 역할과 중요성은 거의 과대 평가할 수 없다는 결론을 내릴 수 있습니다. 음악가가 자신의 공연 예술의 주요 작업(특정 작품의 예술적 이미지 생성)을 잘 알고 있다면 원하는 사운드 이미지를 얻기 위해 어떤 거대한 작업이 필요한지 이해해야 합니다. 이 경우 직접 구현의 어려움에 대해 이야기하는 것이 아니라 최종 결과인 대중 연설에 선행하는 엄청난 의도적 기술 작업에 대해 이야기하고 있습니다.

서지:

1. Birmak A. "피아니스트의 예술적 기법에 관하여." M. - 1973

2. Bizoni F. "피아니스트 기술에 관하여." M.-1962

3. Ginzburg L. "음악 작업에 대해." M. - 1981

4. Gvozdev V. "기술 개발에 관한 아코디언 연주자의 작업"M. - 1987년

5. Demchenko A. "버튼 아코디언 기술 연습". M. - 1967

6. Zavyalov V. "Bayan 및 교육학 문제." "미술". - 1992년, 재판.

7. Lieberman E. "피아노 기술 작업." M. - 1971

8. Neuhaus M. "피아노 연주 기술에 대하여." M. - 1993년

9. Lips F "바얀 연주의 예술". M. - 1997

10. Safonov D. "피아니스트이자 작곡가의 일상 작업." M. - 1979

11. Ganon Sh. "피아니스트 - 거장" "Leningrad" - 1988.

12.Casals P. "기법에 대한 피아니스트의 작업." 엘. - 1968

음악 학교에서 아코디언 연주자의 기술 교육
Dudina Alevtina Vladimirovna, 교사 추가 교육
다음으로 분류된 문서: 교육 기술
기술은 가장 넓은 의미에서 물질적인 측면입니다.
예술을 전달하는 중요한 수단인 공연예술
작품의 내용. 좁은 의미에서 기술은 궁극적인 것입니다.
손가락 움직임의 정확성과 속도. 모터 플레잉 기술
(손의 모든 부분의 상호 작용, 움직임의 조정), 자유롭게 할 수 있는 능력
버튼 아코디언의 사운드 및 기술 기능을 구매하고
연습문제, 음계, 아르페지오, 에튀드 등의 자료로 연습합니다.
의심 할 여지없이 기술 발전은 자연에 크게 의존합니다.
학생 데이터. 그러나 평균 데이터가 올바르게 제공된 어린이도 있습니다.
조직적인 작업과 목적 의식은 높은 수준에 도달할 수 있습니다.
결과.
학생들과의 작업은 중요 포인트모든 음악가:
올바른 맞춤, 손 위치, 기구 위치. 같지 않은
바이올리니스트, 수년 동안 포지셔닝에 시간을 보낸 성악가,
음성 장치, 아코디언 연주자는 이 문제를 거의 다루지 않습니다. 하지만
올바른 설정 게임기교육 초기 단계에서
연주로 표현하는 능력이 좌우되기 때문에 매우 중요합니다.
예술적 의도.
아코디언 연주자의 무대는 세 가지 구성 요소로 구성됩니다: 좌석, 무대
악기, 손 위치. 착륙 작업을 할 때 다음 사항을 고려해야 합니다.
수행되는 작업의 성격, 심리적 특성 및
또한 음악가, 특히 학생의 해부학적 및 생리학적 데이터(신장,
팔, 다리, 몸의 길이와 구조).
올바른 핏은 몸이 안정적이고 움직임을 제한하지 않는 것입니다.
손, 음악가의 평정을 결정하고 감정을 만듭니다.
분위기. 올바른 핏은 편안하고 창조적인 것입니다.
연주자의 행동의 최대 자유, 악기의 안정성.
하드 또는 세미 하드 시트가 있는 반 의자에 앉아야 합니다.
대략 그의 무릎 높이입니다. 어린 아이들에게
발 아래에 특수 스탠드를 놓거나 의자에 올려 놓으십시오.

짧아진 다리. 아코디언 연주자에는 세 가지 기준점이 있습니다. 의자 지지대와 지지대입니다.
바닥에 발. 지지하기 쉽도록 다리를 벌려야 합니다. 하지만
허리에 하나 이상의 지원 지점을 고려해야합니다. 이것이 주는 것
몸통과 팔의 움직임이 쉽고 자유롭습니다.
악기는 아코디언 연주자의 몸과 평행하게 꾸준히 서 있고 모피는 왼쪽에 있습니다.
잘 알고 있기. 연기자의 몸은 앞으로 약간 기울어 져야합니다.
버튼 아코디언과 신체의 지속적인 접촉을 목적으로 하는 악기. "하단 부분
오른쪽 반신은 오른쪽 허벅지에 있습니다.”라고 많은 사람들이 말합니다.
학교. 그러나 F. Lips가 지적했듯이 이것은 사실이 아닙니다.
목이 쉬다. 이 위치에서 버튼 아코디언이 안정성을 얻습니다.
스퀴즈에서 놀 때. 어깨 끈은 사이에 있도록 조정해야합니다.
연주자와 악기는 자유로운 호흡을 위한 거리였다. 안에
경우에 따라 어깨 끈을 연결하는 스트랩이 사용됩니다.
뒤쪽에. 이것은 벨트에 안정성을 제공하고 더 이상 어깨에서 떨어지지 않습니다. 노동자
왼쪽 스트랩도 손에 맞게 조정되어 손이 자유롭게 움직일 수 있습니다.
키보드를 따라 이동합니다. 물론 합리적인 설정
악기가 전부는 아니지만 아코디언 연주자와 악기는 하나여야 합니다.
예술적 유기체.
전체 학습 기간 동안 다음에게 제공되어야 합니다.
심리적 요인: 주의력, 상상력, 의식, 감정,
그들을 개발하십시오. 아이에게 독립적으로 식별하도록 가르치는 것이 필요합니다.
어려움, 목표 설정.
악기를 마스터하고 연주 기술을 향상시키는 것은 불가능합니다.
연습, 음계, 아르페지오를 공부하고 수행하지 않고. 그 일을 수행하다
연습, 저울, 연습곡은 예술적인 과정입니다.
여기서 성공은 선택에 달려 있습니다. 올바른 방법일하다. 감마 게임,
연습, 아르페지오는 특정 사운드와 연결되지 않으면 쓸모가 없습니다.
작업. 성공적인 기술 개발은 다음과 같은 경우에만 가능합니다.
각 연주에서 학생들이 특정 문제를 해결하는 경우
음악 작업, 소리의 본질은 청각에 의해 제어됩니다.
역동적인 음영, 리듬, 스트로크. 감마에서
대시, 리드미컬, 다이내믹 옵션 제공
더 많은 학생들의 관심을 끌 수 있습니다. 반복하는 과정에서
필요한 특정 기술 공식이 개발되었습니다.
자동화, 정확성, 움직임을 수행하는 자신감.
음악가의 본업은 음악 작업이며,
그의 예술적 비전을 공개합니다. 그러나 이것이 필요한
기술 능력. 아코디언 연주자가 기술을 개발하는 동안
특별한 운동?

현대 음악 교육학은 연습을 중요한 것으로 간주합니다.
그리고 효과적인 치료법학생의 기술 개발을 위해. 다수
연습은 구절의 여러 반복을 기반으로 합니다. 에서
스케일과 아르페지오도 이러한 단순한 요소로 구성됩니다.
운동의 필요성에 대해서는 모든 활동이
운동 선수, 과학자 등 사람은 운동과 관련이 있습니다. 안에
음계와 연습을 공부하는 과정에서 음악가는 리듬을 마스터하고,
동적 음영, 다른 스트로크. 배울 때
연습곡, 음계, 아르페지오 등 다양한 설정이 필요합니다.
작업: 모피 제어, 스트로크, 동적 음영, 리듬, 템포. 이것
기계적이고 무분별한 플레이를 피하면서 의미 있고 창의적으로 플레이하는 데 도움이 될 것입니다.
게임. 학생은 세트를 이해하면서 의식적으로 연주하도록 가르쳐야 합니다.
목표, 게임을 듣고 행동을 평가하십시오.
기술적으로 어려운 장소의 요소를 기반으로 한 연습
배우고 있는 일의, 극복의 좋은 수단입니다
작업의 기술적 어려움. 연습에는 다음이 포함될 수 있습니다.
가장 복잡한 회전율, 통과, 다음 두세 가지 요소
차례로 작동합니다.
숙제는 운동과 저울로 시작해야 합니다. 으로 시작하는
조각, 몇 분을 "저장"하기 위해 학생은 시간을 잃습니다.
"워밍업"되지 않으면 손가락이 비활성화되고 원하는 결과를 얻기 위해
결과가 오래 걸립니다.
어려운 곳을 마스터하려면 학생에게 특별한
음악 연주 작업과 관련된 연습,
일에 대한 학습에서 비롯됩니다. 이 때 운동은
음악과 관련된 특정 목표가 있습니다.
움직임의 물리적 측면.
교사는 각 학생에 따라 운동을 선택합니다.
기술적 어려움. 이 연습은 다음과 함께 복합물을 형성합니다.
모두에게 꼭 필요한 운동. 연습에 대한 이러한 작업,
스케일, 아르페지오는 연주 동작을 구성하여 학생이 다음을 수행할 수 있도록 합니다.
자유, 기술 습득에 대한 자신감,
수행자에게 요구됩니다. 어려운 곳에서 일할 때 특별한 역할
느린 속도로 연주해야 합니다.
자동화된 손가락 움직임의 개발. 리듬, 뉘앙스,
악절은 템포에서 수행되는 것과 일치해야 합니다.

기악 연주자의 기술 발전에 있어서 또 다른 중요한 점은
연구의 체계적인 연구. 연구에 모든 에튜드 포함
프로그램은 다음 작업에 의해 결정됩니다. 특정 개발
기술의 유형, 기술적인 어려움을 극복하기 위해 학생을 준비
예술 작품에서. 첫 번째 경우, 연구는 다음을 위해 연구됩니다.
연습에서 습득 한 기술을 통합하고 기술적으로 개발
학생. 각 에튜드는 가능성보다 약간 높아야 합니다.
그의 지속적인 기술 성장을 보장합니다. 두 번째 경우
에튀드는 기술적인 작업과 연주를 결합한 작품입니다.
어려움, 도전 음악적 표현력. 그러므로 선택된다
그런 종류의 기술, 움직임의 요소,
음악의 본질에 가까운 작업에서 만날 것입니다. 학생
에튜드 실행의 유창함은 목적이 아니라
표현력을 발휘합니다. 결국 에튜드는 교육적인 것일 뿐만 아니라
음악. 모든 연구는 텍스트가 아무리 작고 단순하더라도 반드시
포함하다 예술적 감각. 기술적 어려움도 필요
주의. 따라서 음악 텍스트 분석과 함께 다음을 식별해야 합니다.
인보이스의 특징, 기술적 어려움, 그들의 방법을 결정
극복.
초보자에게는 한 가지 유형의 기술에 대한 스케치가 제공되어야 하지만
한 가지 유형의 기술에 대한 스케치만 로드해야 합니다.
다양한 유형의 장비에 대한 스케치를 번갈아 사용하는 것이 좋습니다.
학생의 성공적인 발전에 기여합니다.
아코디언 선생님은 N. Chaikin의 에튜드에 주목해야합니다.
A. Kholminov, K. Myaskov, V. Galkin, A. Sudarikov, A. Onegin 및 기타.
작곡가, 이러한 에튜드는 기술적 가능성을 고려하여 작성되었기 때문에
우리 악기는 예술적 뮤지컬의 자질을 가지고 있습니다.
공장. 종종 아코디언 교육학에서 그들은 바이올린과
피아노 연습곡(버튼 아코디언 편곡). 그러나 항상 그런 것은 아닙니다.
아이디어는 요구되기 때문에 필요한 기술의 개발에 기여합니다.
특히 바이올리니스트와 피아니스트 사이에서 기술을 개발합니다. 그러므로 선생님은
학생을 위해 설정한 작업을 명확하게 이해해야 합니다.
에튜드를 고를 때
에뛰드 자료는 엄격하게 학기에 선택됩니다.
개별 기술을 위해 설계된 신중한 계획
각 학생의 개발. 그 에튜드에 우선권을 부여하는 것이 필요합니다.
학생에게 유용하고 음악 작품과 관련된,
반년 예정.

일상 업무 over etudes - 이것은 그 자체로 끝이 아니라 마스터링을 위한 수단입니다.
버튼 아코디언을 연주하는 다양한 연주 기술, 이들의 사용
뮤지컬의 가장 완전한 공개를 위한 조각의 기술
예술적 이미지.
아코디언 연주자의 기술 개발의 역할은 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 학생-
음악가는 자신의 활동 과제를 알고 있어야 합니다. 우선, 이
을 통해 음악 작품의 예술적 이미지 생성
그의 악기 - 바얀.
문학:
Akimov Yu.T. 버튼 아코디언 연주 학교. -M .: 소비에트 작곡가, 1989.
Lips F. R. 버튼 아코디언 연주 기술. -M .: 음악, 2004.
Sudarikov A. F. 바얀의 16 레슨(아코디언 연주자). - M. : 작곡가, 2003.
Sudarikov A.F. 유창한 학교. -M .: 작곡가, 2001.

20세기 말에 소련의 바얀 학파는 큰 성공을 거두었습니다. 오늘날 바얀과 아코디언 연주는 음악 문화의 중요한 부분이 되었습니다. 이것은 세계에서 가장 유명한 음악 현장에서 최고의 아코디언 연주자와 아코디언 연주자의 성공, 중요하고 진지한 레퍼토리의 출현, 악기 자체 디자인의 상당한 개선, 과학 및 방법론의 적극적인 개발로 확인됩니다. 생각.

이 작업에서는 버튼 아코디언의 형성과 개선의 역사를 다음과 같이 추적할 필요가 있게 되었습니다. 악기아코디언 작품을 러시아 민속 악기 오케스트라로 조옮김하는 원리를 이해하기 위해 아코디언 악기 개선 과정에서 아코디언 연주자의 가능한 레퍼토리 변화를 연구합니다.

XIX 세기의 70 년대는 N.I가 만든 러시아 최초의 반음계 2 행 하모니카의 등장으로 표시되었습니다. 벨로보로도프. 이 발명은 질적으로 새로운 악기인 바얀(bayan)의 출현으로 가는 중요한 이정표였습니다. XIX 말 - XX 세기 초. Tula, St. Petersburg 및 Moscow의 러시아 거장들은 3열 및 4열 반음계 하모니카를 위한 보다 발전된 체계를 개발하고 있습니다. 이러한 악기는 나중에 Hegström 시스템의 버튼 아코디언이라고 불리게 되었습니다.

버튼 아코디언의 기본 디자인 탄생의 근본적인 순간은 1897년에 우리가 버튼 아코디언이라고 부르는 악기 제작의 추기경, 근본적인 순간이 되는 디자인에 대한 특허를 취득한 Paolo Soprani의 주도권이었습니다. 1907년 상트페테르부르크 마스터 P.E. Sterligov는 4열 오른쪽 키보드로 개선된 콘서트 악기를 만들었습니다. 그리고 1929년에 그는 마침내 기성 화음을 선택적 음계로 전환하는 왼쪽 건반을 디자인합니다.

따라서 개발의 25년 만에 버튼 아코디언은 불완전한 키보드 레이아웃과 제한된 기성품 반주가 있는 가정용 하모니카에서 매우 유망한 디자인 솔루션을 받은 즉시 선택할 수 있는 콘서트 악기로 이동했습니다.

처음에 버튼 아코디언이 영혼의 부름에 따라 손으로 만들어졌다면 20 세기 초, 특히 혁명 이후 버튼 아코디언이 특수 공장에서 대량 생산되기 시작했습니다.

1960 년 모스크바 악기 실험 공장 V. Kolchin의 수석 디자이너는 버튼 아코디언 "Russia"를 만들었습니다. 1962년 Yu.Volkovich는 연속 생산된 "Soloist"의 부서진 공명판이 있는 국내 최초의 음색 악기를 개발했습니다. 1970년에 그는 또한 Jupiter 브랜드의 선택 가능한 4개의 음성 버튼 아코디언을 만들었습니다. 1971년 디자이너 A. Sizov는 바로 선택할 수 있는 왼쪽 키보드에 7개의 레지스터가 있는 콘서트 악기를 만들었습니다.

콘서트 다중 음색 준비 선택 버튼 아코디언의 개발 및 개선 외에도 구색이 확장되고 직렬 악기의 새로운 디자인이 만들어지고 있습니다. 1965 년 N. Samodelkin이 디자인 한 Kirov Factory of Musical Instruments에 선택 가능한 2 음성 버튼 아코디언 "Rubin"이 등장했습니다. 1974년에 Tula의 전문가들은 "Lefty" 버튼 아코디언을 만들었습니다. 1982 년 디자이너 V. Proskurdin은 마스터 L. Kozlov와 함께 5 부분 악기 "Rus"와 4 부분 버튼 아코디언 "Mir"를 만들었습니다.

Bayan이 널리 퍼졌습니다. 고조파는 점차 과거의 일이되었고 버튼 아코디언은 결혼식, 춤, 콘서트장, 클럽 및 기타 축제에서. 훌륭한 화성 및 음색 기능을 갖춘 버튼 아코디언은 피아노처럼 없어서는 안 될 반주 악기가 되었습니다. 비교적 가볍고 휴대하기 쉬웠으며 다양한 악기의 기능을 결합한 작은 오케스트라와 같았습니다.

버튼 아코디언의 장점은 전문 음악가들도 인정했습니다. 그들은 그를 위해 작품을 쓰고, 고전을 필사하고, 복잡한 준비를하기 시작했습니다 (I. Panitsky, V. Zarnov, F. Klimentov, V. Rozhkova, F.A. Rubtsov). 상점에는 초보자와 숙련자 모두 아코디언 연주자를 위한 특별 작곡 악보가 등장했습니다. 학교와 음악 대학에서 바얀 연주자를 위한 수업이 열렸지만 사람들 사이에서는 구식 방식으로 아코디언 연주자라고 불렸습니다.

전쟁 중에 버튼 아코디언은 전면과 후면에서 없어서는 안될 도구임이 입증되었습니다. 사선에서 군인들에게 온 예술가들은 그의 반주, 부상자-병원, 노동자-공장 및 공장에 공연했습니다. 심지어 그들의 아코디언 연주자들도 있었다. 당파 분리. 전쟁 후 포획 된 독일 제 버튼 아코디언과 함께베이스에 버튼이 있고 피아노 포르테와 같은 멜로디에 편리한 키가있는 아코디언이 해외에서 가져 오기 시작했습니다. 국내 생산의 첫 번째 아코디언 중 하나는 "Red Partizan"이라고 불렸고 나중에 다른 브랜드가 나타났습니다.

키보드 행과 운지법의 변화와 버튼 아코디언의 사운드 영역에서 음색 구조적 재구성으로 발생한 버튼 아코디언 조직 및 기술의 돌파구로 인해 동시 발음, 비 전통적 작업 수행 문제 젊은 음악가의 청각 교육, 문제 기반 학습, 아코디언 오케스트라의 기악 구성 분석 및 구조적 조직 및 기타 여러 가지에 관한 것입니다.

버튼 아코디언의 음색 표현력은 매우 중요하고 근본적으로 새로운 기능을 획득했습니다. 오케스트레이션의 가장 중요한 속성은 그의 사운드에서 확립되었습니다. 아코디언 음악의 음색 측면은 작곡과 연주의 유기적인 부분이 되었습니다.

다 성음 장르에 대한 관심 증가, 17-18 세기 다 성음에 대한 호소는 다성 악기뿐만 아니라 오르간 문화의 요소로서의 버튼 아코디언의 공개를 증언합니다. 오르간과 버튼 아코디언 사이에는 눈에 띄는 질감과 음색 관계가 있습니다.

악기의 인기, 레퍼토리의 확장과 함께 연주자의 기량도 높아졌다. 고급 전문가가 나타 났고 작곡가는 더 이상 버튼 아코디언을위한 소나타, 악곡, 심지어 심포니 오케스트라와 함께 버튼 아코디언을위한 협주곡을 작곡하는 것이 부끄러운 일이라고 생각하지 않았습니다. 주요 교향곡과 비교할 수는 없을지 모르지만 전반적으로 큰 발전이었습니다.

1970-1980년대로 접어들면서 각각의 새로운 아코디언 대형 형태에서 새로운 표현의 특징이 느껴졌습니다. 수단 선택의 자유와 바얀 악기의 질적으로 새로운 속성은 작곡가의 작업을 상당히 급진적인 결과로 이끌었습니다. 형식의 기초_뮤지컬웨어하우스_는 보다 자유로운 표현을 받는다. 음성 및 음성 선도는 음성 특성을 잃고 소리에서 소리로의 흐름은 점프의 날카로운 각도, 빈번한 불연속성 및 톤 흐름의 신속성이 전형적인 악기 논리의 영향을 받습니다. 바얀 작곡가의 창의성에는 20세기 음악의 전형적인 모든 유형의 음악 창고가 포함됩니다.

버튼 아코디언의 높은 수준의 개발과 그 음악적 가능성에 대한 확인은 버튼 아코디언 클래스의 고등 교육 기관인 특별 음악원의 개교였습니다. 그 당시이 분야에는 젊은이들을 지배하는 확실한 권위가 없었고 초보 바얀 선수들에게 큰 창의적 기회가 열렸습니다.

20세기 말 국립 바얀 학교는 큰 성공을 거두었고 세계 최대 규모의 콘서트홀에서 공연하는 재능 있는 연주자들의 이름이 널리 알려지게 되었습니다. 음악 교육 Bayan 플레이어는 우리 세기의 20 대 말에서만 받기 시작했습니다. 지난 기간 동안 바얀 예술은 상당한 수준에 도달했습니다.

버튼 아코디언 연주 기술의 향상에 따라 방법론적 사고도 형성되었습니다. 저명한 소비에트 아코디언 연주자-연주자 및 교사-는 이론적 발전에 크게 기여했습니다. 버튼 아코디언에 대한 교육학 및 성능의 다양한 측면에 대한 여러 학교, 자습서, 매뉴얼 및 기사가 나타났습니다. 계속 증가하는 아코디언 연주자의 음악 문화는 악기 자체의 디자인 개선에 적극적으로 영향을 미쳤습니다.

이 모든 중요한 요소는 아코디언 레퍼토리의 형성, 특히 이 기간 동안 만들어진 원본 작품에 영향을 미칠 수밖에 없습니다. 그리고 버튼 아코디언 개발의 각 단계는 비 유적 시스템, 특히 질감, 새로운 표현 효과를 달성하기위한 새로운 기술 사용, 작품의 음악 언어 구조에 신선하고 독창적 인 것을 가져 왔습니다. 지난 수십 년 동안, 예술적 가치가 높고, 훌륭하게 쓰여지고, 형식과 장르가 다양한 작품을 포함하여 방대한 레퍼토리가 축적되었습니다.

바얀을 위한 오리지널 레퍼토리를 만들려는 최초의 시도는 1930년대로 거슬러 올라갑니다. 그러나 당시 등장한 V. Zarnov, F. Klimentov, V. Rozhkov의 연극은 아코디언 연주자-민요 처리 아마추어가 훨씬 더 비전문적으로 만들었으며 계속 증가하는 음악가의 예술적 요구를 충족시킬 수 없었습니다. . 버튼 아코디언의 표현 가능성을 널리 드러 낼 수있는 민속 주제에 대한 진지한 대규모 작곡과 미니어처가 필요했습니다.

30년대 중반부터 러시아 민요 편곡의 가장 저명한 작가 중 한 명은 뛰어난 사라토프 너겟 아코디언 연주자 I. Panitsky였습니다. 민요를 깊이 알고 흡수한 그는 그 특징을 유난히 세심하고 미묘하게 구현할 수 있었다.

Bayan을위한 음악 개발의 주요 이정표는 N. Chaikin, A. Kholminov, Yu. Shishakov가 40 년대 중반에서 50 년대 초반에 만든 작품이었습니다. 그 속에는 뛰어난 예술적 완성도와 설득력으로 최고의 자질이 작곡가들의 특징 : 음악의 억양 구조의 "사교성", 그 안에 표현되는 다양한 감정, 감정 표현의 성실성. 동시에 N. Chaikin이 낭만적 인 전통의 구현에 더 관심이 있다면 Yu.N. Shishakov와 A.N. Kuchkist 전통에 대한 직접적인 의존인 Kholminov가 눈에 띕니다. 동시에 이 작가들의 작품에서는 왼쪽 건반에 기성화음이 있는 버튼 아코디언의 가능성을 극대화하고, 새로운 표현수단으로 음악적 질감을 풍부하게 하려는 열망이 눈에 띈다. 러시아어 버튼 아코디언 민속 오케스트라 Yu.N. Shishakova (1949), A.N. 콜미노프(1950)).

후속 세대의 작곡가들은 주로 현대적인 유형의 악기, 즉 선택 가능한 다중 음색 버튼 아코디언(A. Repnikov, Vl. Zolotarev, V. Vlasov 등)을 위한 작품을 만들었습니다.

다른 장르의 음악과 마찬가지로 아코디언 음악 분야에 종사하는 작곡가들이 잘 알려진 학문적 무기력함, 이전 시대의 일부 작품에 내재된 창의적 사고의 관성을 극복하고 보다 적극적으로 새로운 이미지와 수단을 모색하고자 하는 바람 그들의 억양 구현의.

세기의 전환기와 현재까지 작동하는 버튼 아코디언의 표현 중 하나는? 예를 들어 "Pesnyary", "SS Brigade", "VV", "Strelchenko_band", "Bryats_Band", "Romantic Trio" 등 다양한 재즈 및 팝 악기 앙상블과 전형적인 팝 음악 앙상블에 대한 그의 참여입니다. 현대 미학, "청중을 향한"예술가의 배치, 즉. 연극 예술의 흉내-가소성 속성을 제공하는 청취자(시청자)를 향합니다.

따라서 현 단계에서 음악문화와 예술의 통합적 현상으로서 아코디언 연주라는 맥락에서 레퍼토리의 문제는 물론 다른 점비전: 미학과 예술사의 출현을 위한 전제 조건의 유전적 실증에서 최신 예술 경향과 경향의 맥락에서 발전 가능성과 전망에 대한 연구에 이르기까지.

시 자치 교육 기관

자녀를 위한 추가 교육

"센터 미학 교육어린이 "무지개"

주제에 대한 경험
"중요한 요소로 BAYANIST의 상륙

라제피나 바실리사 세르게예브나,

추가 교육 교사

MAOU DOD CEVD "레인보우"

베레즈니키, 2013

소개………………………………………………………………….2

1장.연주 과정의 중요한 요소인 바얀 연주자의 연주 기구 ..................................................................4

1.1. 아코디언 연주자 연주 장치 ..................................4

1.2 상륙 형성에 대한 접근 방식 분석 체계적인 문헌버튼 아코디언 연주자 ..................................................................................6

제 2 장바야니스트 연주 기구의 중요한 요소인 착지 ..21 2.1 착지 형성을 위한 기본 요건 ..................................21

2.2. 아코디언 연주자의 연주 기구 형성에 착지가 미치는 영향

2.3. 아코디언 연주자를 착륙시키는 주요 기준 ........................ 29

결론……………………………………………………………...31

사용 문헌 목록……………………………......32

소개

현대 세계에서 버튼 아코디언의 인기는 점차 감소했습니다. 따라서 새로운 방식으로 아이들에게 악기를 가르치기 위해 버튼 아코디언을 가르치는 새로운 접근 방식을 찾아야합니다.

버튼 아코디언은 매우 복잡한 악기입니다. 첫째, 두 개의 자판은 구조가 다르며, 왼쪽 자판에는 기성품과 선택판이 동시에 포함되어 있다. 둘째, 악기를 연주할 때 벨로우즈의 움직임에 따라 오른손은 수직으로, 왼손은 수직과 수평으로 움직인다. 마지막으로 세 번째로 키보드를 시각적으로 제어할 수 없습니다.

위와 같은 이유로 초보자 아코디언 교사는 많은 문제에 직면합니다. 그 중 하나는 반드시 초보자 아코디언 연주자에게 올바른 핏을 형성하는 문제가 됩니다. 어린 이용 도구는 무겁고 불편해 보입니다. 그리고 이러한 불편을 제 시간에 방지하지 않으면 악기를 연주하려는 어린이의 욕구가 빨리 사라질 수 있습니다.

공연 장치를 형성하는 동안 요소가 잘못 형성되면 학생의 전문적인 성장이 크게 느려지고 수업이 고통스럽고 결실이 없습니다.

적절한 핏은 바야니스트 연주 기구의 형성을 위한 기초이며, 이는 악기의 설계 특징 때문입니다.

학교 아코디언 연주자의 공연을 분석하면 연습에 따르면 착륙에 충분한 관심을 기울이지 않는 것으로 나타났습니다. 악기가 불안정하여 연주 중 고장이 발생합니다.

작업의 목적: 아코디언 연주자의 착륙을 위한 주요 기준 개발.

목표를 달성하기 위해 다음 작업을 설정했습니다.

선택한 주제에 대한 문헌을 공부하십시오.
바야니스트 연주 장치의 구조를 고려하십시오.
집행 장치 기능의 특징을 연구합니다.
바야니스트의 방법론 문헌에서 좌석 형성에 대한 접근 방식을 분석합니다.
상륙 형성에 대한 기본 요구 사항을 확인하십시오.
아코디언 연주자의 적합도를 결정하는 현대적인 접근 방식을 고려하십시오.
아코디언 연주자의 수행 과정 결과에 대한 잘못된 착지의 영향을 결정합니다.
아코디언 연주자를 착륙시키는 주요 기준을 형성합니다.

작업 중에 다음 방법이 사용되었습니다.

연구 주제에 대한 자료의 일반화 및 체계화
방법론적 문헌 분석;
개인적 관찰 방법;

1장

목적 및 기능적 작업 측면에서 바야니스트의 연주 장치는 모든 악기의 연주 장치 작업과 동일합니다. 그러나 바얀 연주자의 연주 기구는 바얀 연주의 특징인 다양한 요소들로 이루어진 복합적인 시스템이다. 공개 구조적 요소기준 및 지침을 개발할 때 이 시스템의 성능 프로세스에 미치는 영향을 결정하는 것은 필수 요구 사항입니다.

1.1 아코디언 연주자의 연주 기구.

학생들과의 작업은 모든 음악가에게 중요한 포인트인 올바른 핏, 손 배치, 악기 위치에서 시작됩니다. 손과 발성 장치를 설정하는 데 수년을 소비하는 바이올리니스트, 보컬리스트와 달리 아코디언 연주자는 이 문제를 거의 다루지 않습니다. 그러나 훈련 초기 단계에서 게임기의 올바른 설정은 매우 중요하며 공연에서 예술적 아이디어를 표현할 가능성은 그것에 달려 있습니다.

물론 버튼 아코디언을 연주하는 과정에서 가장 활발한 것은 어깨, 팔뚝, 손목, 손가락으로 구성된 견대이지만 연주기구의 다른 부분도 무시해서는 안됩니다. OS Pankov는 다음과 같이 믿었습니다. “연주하는 음악가의 연주 장치는 종종 소리 생성에 직접적으로 관여하는 손가락, 손, 팔뚝으로 이해됩니다. 그러나 그것들을 따로따로 생각할 수는 없습니다. 인체 전체의 운동 반응에 대해 이야기해야 할 것 같습니다. .

그 승인은 공연 동작의 합리화 분야에서 교사와 연주자의 업적과 아코디언 연주자의 공연 예술에 새로운 다채로운 요소를 도입한 것을 기반으로 합니다.

팔과 견갑대만을 공연 기구로 생각하는 것은 불가능하다. 특징버튼 아코디언의 성능은 소리를 추출하기 위해서는 건반을 누르는 것뿐만 아니라 풀무를 리드하는 것도 필요하다는 것입니다. 버튼 아코디언에서 생성되는 소리의 품질을 크게 결정하는 것은 모피의 동작이기 때문에 등 근육의 작업을 더 신중하게 고려해야 합니다. 어깨 거들과 마찬가지로 등도 아코디언 연주자의 연주 장치에서 중요한 부분이라고 자신 있게 주장할 수 있습니다.

버튼 아코디언의 또 다른 특징은 게임 중에 연주자의 무릎에 악기가 있다는 것입니다. 버튼 아코디언을 잡는 방법은 일반적으로 버튼 아코디언 플레이어의 착지라고합니다. 기계 과학뿐만 아니라 맞춤의 변화도 버튼 아코디언에서 생성되는 사운드의 특성에 영향을 미칩니다. Vecheslav Semyonov, Vladimir Zubitsky, Alexander Mordukhovich, Alexander Letunov와 같은 아코디언 작곡가의 현대 레퍼토리를 분석하면 무릎과 발도 연주 과정에 관여한다고 자신있게 말할 수 있습니다. 의심할 여지 없이 이것은 바얀 연주자의 연주 장치의 개념을 크게 확장합니다. 연기자의 엉덩이와 다리를 고려 대상에서 제외할 수는 없습니다. 위의 모든 내용을 통해 다음을 주장할 수 있습니다. 전체 인간 근골격계.

그러나 과학적인 접근은 사람의 근골격 구조만을 수행 장치로 간주하도록 허용하지 않습니다. 모든 움직임과 함께 활동 수행도 예외는 아니며 인간의 운동 시스템은 중추 신경계에 의해 제어, 조절 및 조정됩니다.

전술한 관점에서, 바야니스트의 수행 장치는 사람의 전체 근골격계로 간주되어야 하며 규제되고 조정되어야 합니다.나는 신경계가 있습니다.

바야니스트, 아코디언 연주자의 연주 장치의 준비는 주로 연주되는 음악의 특성, 악기의 디자인 특징, 연주자 자신의 심리적, 해부학적 및 생리학적 특성 때문입니다. 진술 질문에는 세 가지 구성 요소가 포함됩니다. 착륙, 장비 설치, 손 위치.

우리 작업에서는 바얀 연주자의 연주 장치 구성 요소 중 하나만 고려할 것입니다. 착륙.
1.2. 착륙 형성 접근법 분석

바야니스트의 체계적인 문헌에서.

아코디언 연주자를 가르치는 초기 단계에서 교사는 종종 학생 좌석의 올바른 형성과 같은 문제에 직면합니다. 그러한 상황에서 더 자주 그들은 다양한 "학교"와 "튜토리얼"에 도움을 요청합니다.

차례로 우리는 가장 자주 사용되는 문헌에서 상륙 형성에 대한 접근 방식을 고려하려고 노력할 것입니다. 이러한 문헌으로 우리는 다음을 사용할 것입니다. Yu.Akimov, P. Govorushko, A. Onegin, V. Semyonov), A. Ivanov의 저서 "버튼 아코디언 연주 초기 과정" 및 매뉴얼 "버튼 아코디언 연주 초기 훈련 시스템 ", 저자 N. Yakimets.

O. Agafonov는 실제로 "착륙"과 같은 주제에 공간을 할당하지 않으며 말 그대로 세 문장으로 말합니다.

“연주를 시작하기 전에 악기가 몸에 눌리지 않고 연주자의 무릎에 단단히 서도록 어깨끈을 조정해야 합니다. 모피를 짜낼 때 오른쪽 다리가 강조됩니다. 이것은 오른손의 자유로운 움직임을 보장하기 위해 필요합니다.

이 책에는 이미지도 포함되어 있습니다(그림 1).

이 이미지에서 오른쪽 몸의 막대는 허벅지에 닿지 않고 다리가 가깝습니다. 이러한 적합으로 악기는 매우 불안정합니다. 도구가 오른쪽으로 "떠나기" 시작합니다.

다음 예는 V. Alyokhin의 "버튼 아코디언 연주 자습서"입니다. 저자가 아코디언 플레이어의 착륙을 설명하는 방법은 다음과 같습니다.

“악기를 연주할 때는 기본 규칙을 따라야 합니다.

의자의 반쪽 자리에 앉아야 합니다.
다리는 무릎이 좌석 높이에 있는 위치에 있어야 합니다.
몸은 약간 앞으로 기울어야 하고, 왼쪽 다리는 약간 앞으로 밀어야 합니다.
악기는 왼발에 놓고 목은 오른발에 놓습니다.
오른쪽 스트랩은 어깨에 걸칩니다. 왼쪽 끈은 털을 펼쳤을 때 왼손을 받쳐주는 역할을 합니다. 악기 본체와 가슴 사이에 약간의 여유 공간이 있어야 합니다.
아코디언 연주자가 앉아있는 동안 연주하는 경우 악기에는 벨트가 착용되는 오른쪽 및 왼쪽 다리와 어깨의 세 가지 기준점이 있어야 합니다.

~에 흥미가있는 이 설명 5점과 6점이다. "오른쪽 벨트는 어깨에 착용됩니다. 왼쪽 스트랩은 왼손을 받쳐주는 역할을합니다 ... ".어깨 끈은 하나만 사용됩니다. 이것이 6번 항목에서 볼 수 있는 것입니다. "... 세 가지 지지점: BELT를 착용하는 오른쪽 및 왼쪽 다리와 SHOULDER.".이 텍스트는 위의 자습서에서 가져온 그림 2로 확인됩니다. 실제로 "오래된"바얀 학교에서는 하나의 어깨 끈이 사용되었지만 1977 년에 컬렉션이 출시되었고 그 당시 모두가 이미 두 개의 어깨 끈으로 놀고 있었다는 점에 유의하십시오. 저자는 오히려 구식 튜토리얼에서 심기 주제를 가져 왔다는 결론을 내릴 수 있습니다. 즉, 이 문제는 저자에게 특별히 중요하지 않습니다.

Roman Bazhilin은 "버튼 아코디언(아코디언) 연주 자습서"에서 악기의 적합성과 설치에 대해 자세히 설명합니다.

“게임에 대한 편안한 착용감은 무엇보다 안정적이어야 합니다. 수업을 위해서는 편안한 의자를 선택해야 합니다. 의자의 좌석은 학생의 무릎 높이보다 약간 위에 있어야 합니다. 좌석의 반 정도, 충분히 깊게 앉아야 합니다. 발 전체에 서있는 다리는 약간 떨어져 있고 약간 앞으로 밀려납니다. 몸통의 무게는 기구의 무게와 함께 의자의 좌석과 발바닥의 세 지지점에 가해져야 합니다.

에 주의를 기울여야 한다 "편안한 의자", 어느 것이 지정되지 않았으며 또한 "충분히 깊게 앉아야 합니다".

의자에 너무 깊이 앉으면 발의 지지력을 잃게 됩니다.

이 설명은 도구가 그러한 맞춤으로 서 있어야 하는 방법을 지정하지 않습니다. 이 설명서에서는 착륙에 대해 다시 한 번 주의를 기울이지 않는다고 결론을 내릴 수 있습니다.

피 A. Basurmanov가 마지막으로 제안한 튜토리얼입니다. 착륙은 다음과 같이 설명됩니다.

“버튼 아코디언은 약간 앞으로 기울어지고 얕게 의자에 앉아 연주해야 합니다. 게임 중에는 버튼 아코디언 모피가 왼쪽 다리에 있어야 하고 버튼 아코디언 본체의 오른쪽 하단 부분이 오른쪽 다리에 얹혀 있어야 합니다. 다리는 발 전체에 놓여야 합니다. 왼쪽 다리는 약간 앞으로 밀어야 합니다.

이 정의에서는 의자의 강성 만 표시되지 않지만 다른 모든 것은 자세히 설명되어 있으며 저자는 벨트의 올바른 위치, 올바른 기계 과학 및 직접적으로 의존하는 기타 사항에 대해 더 자세히 설명합니다. 도구에 착륙합니다. 물론 위의 모든 내용이 설명되어 있습니다(그림 3). 하지만 사진은 핏의 설명과 조금 상반되기 때문입니다. 그 위에 아코디언 연주자는 의자에 매우 깊이 앉아 있는데, 이는 다시 발을 지탱하지 않습니다.

구체적으로 악기 연주의 "학파"를 고려해 봅시다. Yu.Akimov는 착륙에 대해 다음과 같이 말합니다.

“착륙 작업을 할 때 학생의 신체 데이터를 고려해야 합니다. 채택된 자세는 신체에 안정성을 부여하고 손의 움직임을 제한하지 않아야 하며, 연기자의 평정을 결정하고 경기 전 정서적 분위기를 조성해야 합니다. 안에 초기 기간훈련은 편안하고 수행자에게 작업의 자유, 악기의 안정성을 제공하는 올바른 초기 적합으로 간주될 수 있습니다. 아코디언 연주자는 대략 무릎 높이에 있어야 하는 단단하거나 반 단단한 좌석이 있는 의자에 앉아 연주합니다. 키가 작은 어린이는 벤치에 앉히거나 다리가 짧은 의자에 앉혀야 합니다.

초기 교육 기간에 착륙하는 것에 대한 저자의 의견은 정확하지 않습니다. 어쨌든 생애 처음으로 악기를 잡는 아이는 그 악기에 앉는 것이 불편할 것입니다. 인체는 버튼 아코디언에 특별히 적합하지 않습니다. 정확한 핏은 맨 처음부터 가르쳐야 합니다.

“의자 등받이에 손을 대지 않고 좌석 반쪽에 앉아야 합니다. 다리는 약간 벌리고 바닥 (또는 벤치)에 서서 발 전체에 눕습니다. 연주자의 몸은 학생의 몸과 버튼 아코디언 사이의 지속적인 접촉을 유지하기 위해 악기 쪽으로 약간 앞으로 기울어져야 합니다. 수집된(압축된) 모피가 있는 도구를 엉덩이에 놓습니다. 목 아래 부분은 오른발에 있습니다.

다시 말하지만 "반 의자"이것은 다시 발바닥에 대한 불완전한 지지로 이어질 수 있습니다. 목 아래 부분에 대해 저자는 그것은 다리 위에 있어야 하며 다리에 기대지 않아야 한다고 말합니다. 이렇게 하면 그립으로 연주할 때 악기가 불안정해질 수 있습니다. 그림 4의 예. 결론: 저자는 상륙 문제에 관심이 있지만 일부 요소는 여전히 논란의 여지가 있습니다.

그의 "학교"의 P. Govorushko는 착륙을 설명할 뿐만 아니라 다음과 같이 앉는 것이 더 편리한 이유도 설명합니다.

“얕은 의자에 앉아야 합니다. 이 착륙은 다리에 적절한 지원을 제공합니다. 오른쪽 다리는 오른쪽 어깨 라인에, 왼쪽은 왼쪽 어깨 라인보다 약간 더, 오른쪽 다리 약간 앞에 위치합니다. 털을 펴면 연기자의 몸이 무심코 돌진하는 것이 왼쪽이기 때문에 왼쪽 다리를 옆으로 이끌고 앞으로 나아가는 것이 필요하다. 확장 된 왼쪽 다리는 균형 상실을 방지합니다.

몸의 주요 위치는 약간 앞으로 기울어져 있습니다. 어깨는 자유롭게 낮추고 같은 높이에 있습니다. 요추 부위에서 척추는 자연스럽게 오목합니다. 악기는 내부 또는 외부 모서리가 아닌 모피의 전체 바닥과 함께 왼쪽 허벅지에 배치됩니다. 몸의 오른쪽 아래 부분은 오른쪽 허벅지에 있습니다.

악기의 올바른 위치는 좌석 높이에 따라 다릅니다. 의자는 엉덩이 라인이 무릎까지 약간만 내려갈 정도의 높이여야 합니다. 여기에서 도구가 약간 앞으로 기울어집니다. 이 악기의 위치는 왼쪽 자판 하단의 새끼손가락을 사용하기 위한 필요조건이다. 사용의 편의성을 높이기 위해 악기의 바닥을 사용자에게 더 가까이 가져와야하며 동시에 상단은 가슴에서 어느 정도 떨어져있어 자유로운 호흡에 기여합니다.

디 경기 중 악기의 안정성을 보장하기 위해 어깨 윗부분에 착용하는 어깨 끈이 사용됩니다.

다리가 이런 식으로 서 있어야 하는 이유가 설명되어 있으며 이를 위해 악기가 약간 기울어져야 합니다. 그리고 착륙이 운지법 문제에 도움이되는 경우의 예도 제공됩니다. 그림 5에 있는 이 "학교"의 착륙 이미지.

나는이 "학교"의 자료를 적용 할 때 학생에게 왜 이런 식으로 앉아야하는지 설명해야한다고 생각합니다. 그래야만 적절한 착용감의 큰 이점을 이해하고 감사하게 될 것입니다.

A. Onegin의 "School of Bayan Playing"에서는 상륙에 관한 거대한 장이 있으며 이전 "School"에서와 같이 몇 가지 사항이 자세히 설명되어 있습니다. 방법뿐만 아니라 왜 이런 식으로 앉아야 하는지도 설명합니다.

“첫 레슨부터 올바르고 자연스러운 핏을 배워야 합니다. 아주 깊지 않고 약간 앞으로 기울어 진 가장자리에 더 가까운 의자에 앉아야합니다. 발은 바닥에 단단히 고정되어야 합니다. 어린 학생들은 발 아래에 벤치(스탠드)를 놓거나 적절한 높이의 의자를 주어 다리의 지지대가 몸에 안정을 줄 수 있도록 해야 합니다.

무릎을 너무 넓게 벌려서는 안 되며 왼쪽 다리가 모피 드리블에 참여하지 않도록 주의해야 합니다. 학생은 자유롭고 편안하게 앉아야 하지만, 느슨하게 앉지 말고 모아야 합니다.

머리를 똑바로 유지하고 연주하는 동안 키보드를 보지 마십시오.

의심 할 여지없이이 학교의 상륙은 완벽하게 설명되어 있지만 저자의 추가 내레이션에서 다시 어깨 끈 하나를 볼 수 있습니다 (그림 6). A. Onegin은 다음과 같이 말합니다. “…두 개의 스트랩이 도구를 위한 보다 안정적인 위치를 만듭니다. 그러나 이와 함께 두 개의 스트랩으로 악기를 가슴에 부착하면 악기가 너무 가까워지고 연주자의 경직이 발생하며 손의 움직임의 자유가 제한되고 손에 있는 악기의 이동성이 제한됩니다. 그래서 어린이 음악학교 학생들두 개의 어깨 끈을 사용하지 않는 것이 좋습니다. 이것은 성숙한 연기자에게만 허용됩니다.

아이들은 천성적으로 매우 활동적이며 무언가가 그들을 족쇄하면 확실히 위치를 바꾸지만 버튼 아코디언은 쉬운 악기가 아니며 무릎으로 만 잡고 있으면 아이가 부정확하게 움직이면 악기가 떨어질 수 있습니다. . 이 문제에 대해 저자와 동의하지 않을 수 있습니다.

막내 "학교"중 하나는 V. Semyonov의 "학교"입니다. 올바른 핏뿐만 아니라 저자는 손, 손 또는 손가락의보다 편안한 위치를 위해 게임 중에 핏 변경을 지원합니다. 저자는 이렇게 씁니다.

“먼저 교사는 오른손의 자유롭고 자연스러운 움직임을위한 조건을 만드는 방식으로 학생의 왼쪽 허벅지에 버튼 아코디언을 배치하고 오른쪽 어깨 끈의 길이를 조정 한 다음 더 짧아야하는 왼쪽 어깨 끈의 길이를 조정합니다. 오른쪽보다. 이것은 연주하는 동안 악기 상단에 안정성을 제공합니다.”

이 정의는 V. Semenov에 따르면 도구의 올바른 위치에 대한 기초를 설명합니다. 그리고 그가 핏의 변화를 설명하는 방법은 다음과 같습니다.

“연주 중에 좌석의 일부 요소가 변경될 수 있습니다. 예를 들어 악기를 사용자 쪽으로 기울이면 첫 번째 손가락을 더 편리하게 사용할 수 있고 코드를 연주할 때 오른손의 무게를 더 합리적으로 사용할 수 있습니다. 장비의 수평 위치는 복잡한 벨로우즈 진동 기술을 수행하는 데 이상적입니다. 선택적 키보드의 기존 세 손가락 이동에 약간의 앞으로 기울이기가 편리합니다.

물론 이것은 아코디언 교사에게 유용하고 필요한 정보이지만 교육 초기 단계에서는 학생을 혼동해서는 안됩니다. 프로그램이 더 복잡해지고 이러한 방법을 사용할 수 있게 되면 매우 적절할 것입니다. 이 "School"을 사용할 때 5행 버튼 아코디언용으로 작성되었음을 기억하는 것이 매우 중요합니다(그림 7).

버튼 아코디언 연주에 대한 초기 학습을 위해 설계된 두 개의 추가 설명서를 고려하십시오. A. Ivanov의 "버튼 아코디언 연주 초기 과정"에서 좌석 문제에 대해 자세히 설명합니다. 기본 정의는 다음과 같습니다.

“의자 전체에 앉지 말고 몸이 안정되고 자세가 충분히 편안할 정도로 충분히 깊숙이 앉아야 합니다. 몸이 약간 앞으로 기울어집니다. 의자에 등을 기대거나 너무 똑바로 앉지 마십시오. 똑바로 앉는 것은 더 많은 에너지를 소비하므로 더 빨리 피곤해집니다. 어깨가 내려와야 합니다. 어깨를 올리면 불필요한 긴장이 생깁니다. 손을 몸에 대지 마십시오. 그렇지 않으면 자유로운 움직임이 불가능합니다. 좌석의 높이는 신체의 안정성과 전체적인 착화감의 편안함을 방해하지 않아야 합니다. 발은 적절한 지지와 함께 자연스럽게 위치해야 합니다.

이 문구는 약간 혼란스럽습니다. "... 너무 똑바로 앉지 마세요. 똑바로 앉으면 더 많은 에너지를 소비하므로 더 빨리 피곤해집니다."따라서 A. Ivanov의 장비 뒤에 착륙하는 문제에서 등의 위치는 미스터리로 남아 있습니다. 저자는 다리에 대해 무엇을 말합니까?

“무릎을 높이 올려서는 안 됩니다. 무릎의 높이는 대략 좌석 높이와 같아야 합니다. 털을 움직이기 위해 다리를 서로 누르거나 벌려서는 안 됩니다. 게임 중에는 다리가 움직이지 않아야 합니다.

다시 말하지만 일부 자습서 및 "Schools"에서 만난 정밀도 및 구체화가 없습니다.

이 설명서는 어깨 끈이 하나인 버튼 아코디언을 다시 제안하며, 때때로 두 번째는 어린이만 사용할 수 있습니다.

"... 왼쪽 어깨에 어린 이용 두 번째 벨트를 사용하는 것도 좋습니다."

이 진술은 A. Onegin의 "학교"와 완전히 모순됩니다.

저자는 벤치 또는 발판의 존재에 대해 다음과 같이 씁니다.

“... 다리가 아무리 짧아도 발판을 사용해서는 안 됩니다. 적절한 높이의 의자를 찾는 것이 좋습니다.

이 진술은 많은 자습서 및 "학교"에 동의하지 않습니다.

이 설명서에는 흥미로운 메모도 있습니다.

"연주자는 마치 올바른 키보드를 더 잘 보여주기 위한 목적인 것처럼 청취자를 향해 약간 회전(비스듬히)하여 앉아야 합니다."

따라서 A. Ivanov의 책에는 많은 논쟁적인 문제현대적인 요구 사항을 충족하지 못하는 것입니다.

내가 고려할 마지막 책은 저자 N. Yakimets의 "The System of Initial Learning to Play the Bayan"입니다.

"... 올바른 키보드의 개발은 추측 표현의 개발과 관련이 있습니다 ... 이를 위해서는 상체를 가슴쪽으로 기울인 아코디언을 설치해야합니다 ...".

이 책에서는 이것이 아마도 이전 매뉴얼과 가장 큰 차이점일 것입니다.

결론을 도출할 수 있습니다. 다시 한번착륙이 명확하게 대답할 수 없는 질문인지 확인합니다. 착용감은 악기, 의자, 학생의 나이 등에 따라 다르며 게임 중에도 변경될 수 있습니다. 모든 아코디언 연주자가 착륙에주의를 기울이는 것은 아니며, 이는 그의 추가 전문 활동을 위해 항상 잘 작동하지는 않습니다.

위의 분석 결과, 나는 주요 랜딩 요소의 표와 다른 저자의 반영을 제안합니다.

№	전체 이름. 작가	책 제목	년도 간행물	의자 (키, 깊이, 강성, 스탠드의 존재)	벨트 수	사이의 거리 몸과 도구	다리 위치	피봇 포인트
1	이바노프 아자리 이바노비치	기본 아코디언 코스	1963	의자 전체에 앉지 말고 충분히 깊게 앉으십시오. 무릎을 높이 올려서는 안 됩니다. 무릎의 높이는 대략 좌석 높이와 같아야 합니다. 코스터가 없습니다.	2개 세 번째는 어린이 전용	몸이 약간 앞으로 기울어집니다.	발은 적절한 지지와 함께 자연스럽게 위치해야 합니다. 게임 중에는 다리가 움직이지 않아야 합니다.	___
2	Onegin Alexey Evseevich	바얀 학교	1964	아주 깊지 않고 약간 앞으로 기울어 진 가장자리에 더 가까운 의자에 앉아야합니다. 어린 학생들은 발 아래에 벤치를 놓아야 합니다.	2개 전문가 전용 3위.	본체와 도구 사이에 거리가 있어야 합니다.	다리의 지지가 몸에 안정을 줄 수 있도록 발은 바닥에 단단히 있어야 합니다.	___
3	고보루쉬코 피터 이바노비치	바얀 학교	1971	얕은 의자에 앉아야 합니다. 의자는 엉덩이 라인이 무릎까지 약간만 내려갈 정도의 높이여야 합니다.	3개	몸의 주요 위치는 약간 앞으로 기울어져 있습니다.	오른쪽 다리는 오른쪽 어깨 라인에, 왼쪽은 왼쪽 어깨 라인보다 약간 더, 오른쪽 다리 약간 앞에 위치합니다. 악기는 내부 또는 외부 모서리가 아닌 모피의 전체 바닥과 함께 왼쪽 허벅지에 배치됩니다. 몸의 오른쪽 아래 부분은 오른쪽 허벅지에 있습니다.	___
4	알레킨 바실리 바실리에비치	버튼 아코디언 연주 튜토리얼	1977	의자의 반쪽 자리에 앉아야 합니다.	2개	악기 본체와 가슴 사이에 작은 공간이 있어야 합니다.	다리는 무릎이 좌석 높이에 있는 위치에 있어야 합니다. 왼쪽 다리 - 약간 앞으로 밉니다. 악기는 왼발에 놓고 목은 오른발에 놓습니다.	세 개의 기준점: 벨트를 매는 오른쪽 및 왼쪽 다리와 어깨.
5	아키모프 유리 티모페예비치	바얀 학교	1980	의자는 하드 또는 세미 하드 좌석이어야 하며 대략 학생의 무릎 높이에 있어야 합니다. 키가 작은 어린이는 벤치를 대신해야 합니다. 의자 뒷면을 만지지 않고 좌석의 절반에 앉아야합니다.	3개	연주자의 몸은 학생의 몸과 버튼 아코디언 사이의 지속적인 접촉을 유지하기 위해 악기 쪽으로 약간 앞으로 기울어져야 합니다.	다리는 약간 벌리고 발 전체에 기대어 바닥에 서 있습니다. 모아진 모피가있는 도구를 엉덩이에 놓습니다. 목 아래 부분은 오른발에 있습니다.	___
6	바수르마노프 아르카디 파블로비치	버튼 아코디언 연주 튜토리얼	1989	약간 앞으로 기울어지고 얕은 의자에 앉습니다. .	3개	___	다리는 발 전체에 놓여야 합니다. 왼쪽 다리는 약간 앞으로 밀어야 합니다. 게임 중에는 버튼 아코디언 모피가 왼쪽 다리에 있어야 하고 버튼 아코디언 본체의 오른쪽 하단 부분이 오른쪽 다리에 얹혀 있어야 합니다.	___
7	야키메츠 니콜라이 트로피모비치	버튼 아코디언을 연주하는 초기 학습 시스템	1990	___	3개	몸의 윗부분이 가슴에 약간 기울어 지도록 버튼 아코디언을 설치하십시오. 학생이 성장함에 따라 경사면을 이동하십시오.	___	___
8	아가포노프 올렉 필리포비치	버튼 아코디언 연주 튜토리얼	1998	___	3개	공구가 몸체에 눌리지 않음	모피를 짜낼 때 오른쪽 다리가 강조됩니다.	___
9	세묘노프 베체슬라프 아나톨리에비치	버튼 아코디언 연주의 현대 학교	2003	___	3개 견갑골에서 4번째.	공구가 본체에 단단히 밀착되어 있습니다.	___	___
10	바질린 로만 니콜라예비치	버튼 아코디언 연주 튜토리얼	2004	의자의 좌석은 학생의 무릎 높이보다 약간 위에 있어야 합니다. 좌석의 반 정도, 충분히 깊게 앉아야 합니다.	3개	___	발 전체에 서있는 다리는 약간 떨어져 있고 약간 앞으로 밀려납니다.	3개의 지지점 - 의자의 좌석과 발바닥에 있습니다.

버튼 아코디언 연주를 배우는 초기 단계는 어린이에게 가장 어렵고 책임감 있고 중요합니다. 학생의 발전을 위한 기반을 만드는 것은 그에게 달려 있습니다. 이 기간 동안 음악에 대한 그의 태도, 영적 및 미적 발달이 이루어집니다.

교육의 첫해는 아동의 음악적 및 전문적 발달의 일종의 단계입니다. 초보 뮤지션과 작업하는 과정에서 훈련 및 교육에 대한 특정 기준이 없습니다. 에서 가장 중요한 것은 창작 과정- 음악 수업에서 아이에게 긍정적인 동기를 형성합니다. 여기서 방법은 학습 과정을 활성화하고 버튼 아코디언 연주에 대한 관심을 높이는 데 중요합니다.

모든 어린이는 음악적 성향에 대한 특정 전제 조건을 가지고 태어납니다. 오늘부터 음악 학교 입학 시험이 취소되었습니다. 첫 번째 단계에서 연주할 수 없는 어린이의 음악적 능력을 틀림없이 식별하고 향후 발달을 예측하는 것은 매우 어렵습니다.

같은 책임으로 동시에 두 학교에 다니는 데는 엄청난 심리적, 육체적, 정신적 스트레스가 필요하기 때문에 아이의 관심이 필요합니다. 그러한 양의 정보에 직면하여 아이는 학습이 무엇보다도 큰 인내, 관심 및 다양한 자기 제한이 필요한 작업이라는 것을 이해하기 시작합니다. 모든 어린이가 그러한 정권에 적응할 수있는 것은 아니기 때문에 많은 사람들이 실망하고 학습에 대한 관심이 떨어집니다. 이 중요한 순간을 예방하고 음악 학교에서 공부하려는 욕구를 미리 형성하는 것이 필요합니다.

이 기간 동안의 첫 번째 수업은 주로 본질적으로 정보 제공입니다. 아이가 이해하는 언어로 아이에게 전달하고 무엇보다 음악으로 아이를 사로잡는 것이 중요하다. 더 많이 듣고 캐릭터, 연극 또는 노래의 분위기에 대해 자녀와 이야기하십시오. 학생과 함께 노래를 부르십시오. 이것은 "음악의 창조적인 영역"에 있는 아이를 포함합니다. 개별 작업은 그러한 기회를 제공합니다.

매핑 생활 사실일상 생활에서 각 어린이의 관심사와 취미를 고려하여 필요한 프로그램 정보를 접근 가능한 형식으로 전달할 수 있습니다. 도움으로 다양한 운동, 시각 보조다양한 사진, 비디오, 혁신적인 작업 방법의 형태로 교사는 수업을 흥미롭게 만들고 연령대가 다른 학생들에게 기억에 남도록 만들 수 있습니다.

주로 아이들과 함께 일한다 어린 나이. 그러한 아이들의 신체적, 정신적 특성은 다음을 요구합니다. 특별한 접근. 그들은 매우 부지런하지 않으며 소요되는 45분은 학생과 교사에게 영원처럼 보일 수 있습니다. 그러한 아이들과 함께 일하는 것은 장난스럽게 이루어져야 합니다. 수업은 여러 기간으로 나뉩니다. 자료를 공부하는 처음 15분, 다음 5분 - 음악에 대한 리듬 연습. 왈츠, 행진, 폴카, 스퀘어 댄스 등이 될 수 있으며, 그 동안 음악 스타일에 따라 어린이는 다양한 공연을 할 수 있습니다. 춤 동작명확한 리듬을 유지합니다. 3월 - 3월; 왈츠 - 가벼운 바람의 숨결처럼 손을 움직여 흔들리는 나무 가지 (손). 폴카, 스퀘어 댄스 - 어린이들이 그 이후로 알고 있는 평범하고 단순한 움직임 유치원- 발 뒤꿈치, 발가락 또는 다리가있는 두 개의 스톰프와 핸들이있는 세 개의 슬램. 그리고 같은 행진곡으로 뮤지컬 워밍업을 마무리한다. 이러한 음악적 일시 중지는 어린이의 상상력, 감성, 리듬 감각을 발전시킵니다. 팔, 다리 및 몸의 근육을 이완시킵니다.

다음 15분 동안 복잡성에 따라 새로운 주제를 계속 공부하거나 어린이에게 학습된 자료를 통합하는 작업을 제공합니다. 새로운 주제. 수업이 끝나면 아이가 주제를 배웠고 스스로 숙제를 할 준비가 되었는지 확인하는 것이 중요합니다. 숙제는 명확하고 간결한 언어로 아주 자세하게 작성됩니다. 예: 운동 1 - 정확한 손가락으로, 심장 2줄로 에튜드, 한 조각 - 각 손으로 따로 분해하여 모피의 움직임을 관찰합니다(짜기, 풀기).

학생들과의 작업은 모든 음악가에게 중요한 포인트인 올바른 핏, 손 배치, 악기 위치에서 시작됩니다. 손과 발성 장치를 설정하는 데 수년을 소비하는 바이올리니스트, 보컬리스트와 달리 아코디언 연주자는 이 문제를 거의 다루지 않습니다. 그러나 작업에서 작곡가의 예술적 의도를 표현할 가능성이 그것에 달려 있기 때문에 훈련 초기 단계에서 게임기의 올바른 설정은 매우 중요합니다.

아코디언 연주자의 준비는 착륙, 악기 설치, 손 위치의 세 가지 구성 요소로 구성됩니다. 착륙 작업을 할 때 학생의 해부학적 및 생리학적 데이터, 심리적 특성, 연구 중인 작업의 특성을 고려해야 합니다.

올바른 착용감은 신체가 안정적이고 손의 움직임을 제한하지 않으며 아이의 평정을 결정하고 정서적 분위기를 조성하는 것입니다. 올바른 핏은 편안하고 악기의 최대 안정성과 연주자의 자유로운 행동을 만드는 것입니다.

대략 그의 무릎 높이에 있는 단단하거나 약간 딱딱한 좌석이 있는 의자의 앞쪽 절반에 앉아야 합니다. 어린 아이들은 특수 스탠드로 발 아래에 놓거나 다리가 짧은 의자에 올려 놓습니다. 아코디언 연주자는 세 가지 기준점이 있습니다. 의자에 기대고 발을 바닥에 대고 쉬는 것입니다. 지지하기 쉽도록 다리를 벌려야 합니다. 그러나 허리에 하나 이상의 지원 지점을 고려해야합니다. 이것은 몸통과 팔의 움직임의 가벼움과 자유를 제공합니다. 악기는 학생의 몸과 평행하게 안정적으로 서 있으며 왼쪽 허벅지에 털이 있습니다. 본체가 버튼 아코디언과 지속적으로 접촉하도록 하려면 본체가 악기 쪽으로 약간 앞으로 기울어져야 합니다. 목은 허벅지에 달려 있습니다. 이 위치에서 "스퀴즈"를 연주할 때 버튼 아코디언이 안정성을 얻습니다. 학생의 몸과 악기 사이에 자유로운 호흡 거리가 있도록 어깨 끈을 조정해야 합니다.

경우에 따라 등에서 어깨 끈을 연결하는 끈이 사용됩니다. 이것은 벨트에 안정성을 제공하며 이제 어깨에서 떨어지지 않습니다. 왼손 스트랩도 손이 키보드를 따라 자유롭게 움직일 수 있도록 조정됩니다.

버튼 아코디언을 연주할 때 왼손과 오른손은 다른 기능적 활동을 합니다. 왼손은 파워 원입니다 (모피를 짜내고 풀기). 이 경우 가장 중요한 것은 왼손으로 버튼 아코디언 본체를 들어 올리지 않는 것입니다. 오른쪽 - 키보드의 솔로 연주. 특별한 주의가 필요한 것은 오른손입니다. 손 모양이 둥글어야 합니다. 아이가 지키려면 원하는 모양손, 공, 사과와 같은 물건을 사용할 수 있습니다. 손가락으로 잡고 딱딱한 표면에 굴리면 아이는 원하는 모양을 유지하는 데 익숙해지고 자동으로 붙습니다. 팔꿈치 관절은 바닥과 평행하게 움직여야 하고 팔의 근육은 자유롭고 팔의 움직임을 방해하지 않아야 합니다. 파도와 같은 운동을 사용할 수 있습니다. 자물쇠에 서로 맞물린 손가락을 맞물리고 부드러운 움직임으로 파도를 묘사합니다. 이러한 움직임을 규칙적으로 수행하면 손가락 관절과 어깨 관절의 유연성 발달에 기여합니다. 적절한 개발게임기 및 손 위치.

올바른 손 설정의 주요 기준은 움직임의 자연스러움과 편의성입니다. 아코디언 연주자를 무대에 올릴 때 연주가 필요합니다. 숙제부모의 통제하에 있었다. 결국 학생이이 주제를 동화하는 성공의 90 %가 정확히 숙제를 올바르게 완료하는 데 있다는 것은 비밀이 아닙니다. 그러므로 교사와 부모 사이의 상호 작용 원리는 수업에서 반드시 작동해야합니다. 이를 위해서는 부모가 자녀의 전문 수업에 참석하는 것이 바람직합니다. 이것이 가능하지 않은 경우 학급 학부모 회의에서 자녀의 연주를 듣고 발달을 분석하고 악기에 대한 올바른 적응 및 음악 작품을 연주할 때 저지르는 일반적인 실수를 할 수 있습니다.

초등학생의 초보 아코디언 연주자들이 자신의 능력에 대한 자신감을 얻기 위해서는 언어적 격려를 통해 체계적으로 자극을 주어야 합니다. 그들의 작업과 개발을 평가하는 것은 1 학년에는 없기 때문에 포인트 시스템이 아니라 예를 들어 다양한 그림 (이모티콘 또는 좋아하는 만화 캐릭터)입니다.


엄청난	괜찮은	잘

이 방법을 사용하면 아이는 가능한 한 최고의 칭찬을 받기 위해 노력할 것입니다.

공부할 때 이론적 자료(악보, 음표 길이 및 보표의 위치 ...) 용어를 더 잘 이해하려면 다음을 사용하는 것이 좋습니다.

시각적 다채로운 가이드. 예를 들어, 온음표는 사과 전체이고, 반음표는 사과를 반으로 자른 것입니다.

전환점이자 가장 어려운 순간은 악기 작업을 직접 연구하는 것입니다. 연주를 시작하기 전에 학생은 건반과 악기 자체의 구조, 소리 추출의 원리에 대해 잘 알고 있어야 합니다.

Bayan은 세 가지 주요 부분으로 구성됩니다.

1) 키가있는 목이 부착 된 신체의 오른쪽 (오른쪽 키보드), 오른손 용 스트랩 및 왼손용 큰 스트랩;

2) 외부에 키가 있는 케이스의 왼쪽(왼쪽 키보드)과 왼손용 작은 끈;

3) 몸의 두 부분을 연결하는 접힌 털.

올바른 키보드를 공부하려면 특별한 주의가 필요합니다. 이전에 습득 한 기술과 지식은 키를 누르지 않고 교사의 엄격한 감독하에 실제로 적용됩니다. 먼저 오른손이 게임기의 위치에 대한 모든 규칙을 준수하면서 키보드를 위아래로 움직입니다.

근육은 자유롭고 손의 움직임에 긴장이 없어야 합니다. 오른쪽 아코디언 건반 구조의 특수성은 음악가가 (맹목적으로) 그럼에도 불구하고 연주할 수 있도록 합니다.

오른쪽 키보드 본체의 넥 부분에는 3줄의 기본 키와 보조 키가 있습니다. 행은 모피 측면에서 계산됩니다. 기본 흰색 건반: 첫 번째 행 do, la; 2 일 - 미, 소금; 3 - 시, 레, 파. 모피가 움직이고 키를 동시에 누르면 버튼 아코디언에서 소리가 추출됩니다. 소리의 볼륨은 손가락으로 키를 누르는 힘이 아니라 모피의 움직임에 따라 달라지기 때문에 키는 많은 노력 없이 침착하게 눌러야 합니다. 모피에 의해 펌핑 된 공기는 열쇠로 열린 구멍으로 들어가 철판을 진동 운동으로 "목소리"로 설정합니다. 키에서 손가락을 떼면 구멍이 닫히고 공기가 "목소리"로 흐르지 않고 소리가 멈춥니다. 일부 버튼 아코디언이 케이스 왼쪽에있는 키 또는 특수 환기 밸브를 누르지 않고 모피를 풀고 압축하는 것은 허용되지 않습니다. 모피의 약한 움직임으로 소리는 조용하고 더 활기찬 움직임-시끄럽고 과도한 노력으로-매우 날카 롭고 듣기에 불쾌합니다. 왼손으로 만 모피를 운전해야합니다. 모피의 행동에 오른손이 참여해서는 안됩니다. 발로 모피의 움직임을 도울 수 없습니다. 모피를 적절하게 다루는 것은 표현력 있고 의미 있는 음악 연주를 위한 주요 조건입니다.

초보자 뮤지션과의 수업은 활동의 체계적인 변화와 함께 다양하고 흥미로워야 합니다. 음악 학교에서 수년 동안 공부하면서 아이들은 많이 듣고, 음악과 음악 작품에 대해 이야기하고, 음악 텍스트를 분석하고, 음악적 표현 수단을 통해 특정 예술적 이미지를 인식할 수 있어야 합니다. 첫 번째 수업에서 아이들은 음악의 이론적 기초를 습득할 뿐만 아니라 목소리로 멜로디를 순전히 억양하는 방법을 배우고, 다른 키에서 악기를 선택하고, 그에 대한 조화로운 반주를 듣는 능력을 얻어야 합니다. 우선, 멜로디를 형성하는 음악 소리의 논리적 연결을 느끼도록 아이를 가르치는 것이 필요합니다. 복잡한 곡을 연주하는 학생들이 이미 배운 곡의 멜로디를 기억에서 재생(연주 또는 노래)하지 못하는 경우가 있습니다. 이 현상의 원인은 초기 교육 과정이 잘못 구축되었다는 사실에 있습니다. 교사는 음악 개발을 잊고 교육의 기술 및 기술 측면에주의를 기울였습니다. 가장 간단한 챈트와 노래를 배울 때 아이들은 멜로디에 대한 올바른 청각적 인식을 교육해야 합니다. 동시에 선율적인 연주, 아름다운 프레이즈가 레가토 게임의 올바른 숙달과 관련되어 있음을 기억해야 합니다. "레가토" 멜로디의 연주에서 좋은 "레가토"를 개발하여 레슨을 시작하는 것이 가장 좋습니다.

진정한 좋은 소리는 손가락과 벨로우즈의 직접적인 작업의 결과로 얻어지며, 손가락이 건반에 닿는 방식과 벨로우즈가 지속적으로 서로를 보완하며 항상 기억해야 하는 특정에 상호 의존 음악 재생. 비 레가토, 레가토 연습은 손의 자유를 느끼면서 옥타브에서 옥타브로 손을 옮겨 연주하는 데 유용합니다. 특수 버튼 아코디언 레슨의 창의적인 작업 유형은 매우 다양하며 자신과 그 중요성을 느끼기 시작하는 작은 음악가를 사로 잡습니다. 음악 세계첫 번째 행운으로, 첫 번째로 창의적인 작업. 프로그램 "최종"에서 독립적으로 입력 - 뮤지컬 텍스트는 초보자 음악가를위한 걸작입니다. 그들은 작곡 기술과 함께 음악에 대한 참여를 느끼기 시작하고 열정적으로 연습하기 시작합니다. 학생 그룹과 함께 작업할 때 공동 창작 작업으로 학생들을 사로잡는 것이 중요합니다. 저녁, 공휴일에 대한 준비가 될 수 있습니다. 그리고 여기에서 당신은 확실히 아이들의 상상력의 큰 범위를 만날 것입니다. 그들은 그림 그리기, 대본 쓰기, 그림에 대한 작품 구성 및 연극 공연에 사용하는 것을 좋아합니다. 아이들은 창의력에 불을 붙이고 마음을 사로잡기만 하면 됩니다!

창의적인 작업 유형:

다른 키의 리듬 패턴과 함께 후속 합병증이 있는 멜로디 선택;
노래와 멜로디에 대한 반주 선택;
멜로디 프레이즈를 단어로 구성,
리듬 패턴을 위한 멜로디 작곡;
문구 완성;
질문-답변 문구 쓰기;
그림을 위한 희곡 쓰기;
멜로디를 다른 장르(3월, 폴카, 왈츠, 노래)로 변환;
다양한 변형으로 에튜드를 작곡하는 등...

아동의 청각 조절 발달과 병행하여 "음악 텍스트"의 개념은 음표뿐만 아니라 지속 시간 지정, 동적, 운지법을 의미하는 개념에 포함된 모든 복잡한 기호를 읽는 기술을 개발하는 것이 필수적입니다. 표시 등

작곡가의 의도를 이해하는 열쇠인 모든 수많은 지정을 철저히 연구하고 정확하게 구현하도록 학생을 가르치는 것이 필수적입니다. 운지법을 정확히 준수하는 습관을 기르고 이 문제에 대한 의식적인 태도를 기르는 것은 학생의 기술적 성장에 기여할 것입니다. 운지법은 가능한 한 빨리 어려움을 극복하기 위해 가장 편리한 구절 구분을 위해 교사가 선택한 다음 선택한 것의 편의성에 대한 설명이 이어집니다. 핑거링은 작품의 예술적 목적에 따라 선택됩니다.

연구 첫해에 학생은 에튜드, 다양한 위치 구성 및 5 키 시퀀스, 스케일의 특수 연습을 통해 개발되는 특정 기술을 습득합니다. 저울에 대한 연구는 교육학 문헌에서의 사용과 관련되어 기술 및 예술 작업을 결합해야 합니다. Hoffmann은 "기법은 처음부터 진정한 음악적 발전과 함께 가야 합니다."라고 썼습니다. 저울 게임에서 건전한 균일성에 학생의 관심을 기울여야 합니다. 학습 첫해에 저울, 연습 등의 적절한 학습 및 동화는 미래에 학생의 좋은 기술 발전의 열쇠입니다. 바얀 연주자의 기술 개발은 일반적인 음악적 개발과 연관되어야 합니다. 교육 과정의 가장 중요한 임무는 악기에서 정확하고 생산적인 운동입니다. 그러나 연습은 음계나 교육적인 연습곡만 연주하는 것으로 이해될 수 없습니다...

이 기술에는 예술적 이미지를 구현하는 데 필요한 모든 기술을 습득하는 것이 포함됩니다. "기술은 터치, 핑거링, 프레이징 지식입니다."라고 M. Long은 씁니다. 따라서 순전히 기술적 인 작업에 대한 작업은 사운드, 프레이징 등에 대한 작업과 병행해야합니다. “항상 연습을 성능 작업과 연결하십시오. 부조니. 필요한 기술 작업음악적 발달과 운동 능력의 축적 사이에 격차가 없도록 예술적 과제에 종속됩니다. 예를 들어, 학생의 기술 개발을 상상할 수 없는 음계 및 아르페지오 작업의 결과는 예술 작품을 연주할 때 고려되어야 합니다. 실제로 음계를 잘 연주하는 학생이 필요한 강약과 프레이징으로 학습한 작품에 적용할 수 없는 경우가 있습니다. 학생을 위해 특정 유형의 기술 개발에 필요한 학습을 선택할 때 교사는 기술적인 어려움과 음악 작업화합하고 있습니다. 운동 능력을 동화하고 축적하는 학생은 프레이즈, 뉘앙스를 동시에 연구해야 합니다.

중고 도서:

1. Akimov Yu.T. 버튼 아코디언 연주 학교
2. Lips F. R. 버튼 아코디언 연주 기술
3. 수다리코프. 유창한 학교
4. Barenboim L. 뮤지컬 교수법 및 공연
5. Govorushko M. 아코디언 연주자의 연주 기술 개발 기본 사항
6. Ilyin E.N. 커뮤니케이션의 기술
7. Semyonov I. 버튼 아코디언 연주 현대 학교