Baroko epochos muzikos instrumentai. XVII amžiaus instrumentinė muzika Kokie instrumentai buvo populiarūs XVII a

Vargonai

Sudėtingas muzikos instrumentas, sudarytas iš oro pūstuvo, medinių ir metalinių vamzdžių rinkinio skirtingų dydžių ir iš atlikimo pulto (sakyklos), ant kurios yra registro rankenėlės, kelios klaviatūros ir pedalai.

Klavesinas

Virginal

Spinetas

Špinetas yra mažas klavesinas, kuris yra kvadrato, stačiakampio arba penkiakampio formos.

Klaviciteriumas

Klaviciterium yra vertikalaus korpuso klavesinas.

Klavikordas

Styginių stygos

barokinis smuikas

Pagrindinis straipsnis: barokinis smuikas

kontrabosas

Didžiausias ir giliausiai skambantis orkestro lankas. Žaidžiama stovint arba sėdint ant aukštos taburetės.

Styginiais nupeštos

baroko liutnia

XVI amžiuje buvo labiausiai paplitusi šešių stygų liutnia (XV a. buvo žinomi penkių stygų instrumentai), pereinant į XVII a. (vėlyvojo baroko epocha), styginių skaičius siekė dvidešimt keturias. Dažniausiai būdavo nuo 11 iki 13 stygų (9-11 porų ir 2 pavieniai). Build-kordas d-moll (kartais mažoras).

Teorbas

Theorbo yra bosinė liutnios versija. Stygų skaičius nuo 14 iki 19 (daugiausia pavieniai, bet buvo ir instrumentų su poromis).

Quitarrone

Kitarrone – vadinamųjų bosų atmaina. Itališka gitara (instrumentas ovalo korpuso, priešingai nei ispanų g.). Stygų skaičius yra 14 vienetų. Quitarrone išvaizda praktiškai nesiskiria nuo theorbo, tačiau turi skirtingą kilmę.

archilutas

Mažesnis už teorbą. Dažniausiai jame buvo 14 stygų, pirmosios šešios pagal Renesansui būdingą derinimą – (skirtingai nuo barokinės liutnios, kurioje pirmosios šešios stygos davė d-moll akordą) buvo pastatytos švariame kvarte, išskyrus 3 ir 4, kurie buvo pastatyti didžiajame trečdalyje.

Andželika

Mandora

Gallichon

Citra

archicitra

Mandolina

barokine gitara

Pagrindinis straipsnis: barokine gitara

Barokinė gitara dažniausiai turėjo penkias poras (choras) žarninių stygų. Pirmosios barokinės arba penkių chorų gitaros žinomos nuo XVI amžiaus pabaigos. Būtent tada prie gitaros buvo pridėtas penktasis choras (prieš tai buvo aprūpintas keturiomis porinėmis stygomis). Dėl rasgeado stiliaus šis instrumentas itin populiarus.

Suverkite kitus

skubu gurdy

„Hurdy gurdy“ turi nuo šešių iki aštuonių stygų, kurių dauguma skamba vienu metu ir vibruoja dėl trinties į dešine ranka pasuktą ratą. Viena ar dvi atskiros stygos, kurių skambančioji dalis kaire ranka trumpinama arba pailginama strypų pagalba, atkuria melodiją, o likusios stygos skleidžia monotonišką dūzgimą.

Žalvaris

prancūziškas ragas

Barokinis ragas neturėjo mechanikos ir leido išgauti tik natūralios skalės tonus; groti kiekvienu klavišu buvo naudojamas atskiras instrumentas.

Ragas

Pučiamasis pučiamasis kandiklis muzikos instrumentas be vožtuvų, su kūgio formos vamzdeliu.

Trombonas

Trombonas atrodo kaip didelis, ovalo formos metalinis vamzdis. Kandiklis dedamas į viršutinę jo dalį. Apatinis trombono posūkis yra kilnojamas ir vadinamas sparnais. Ištraukus skambutį garsas susilpnėja, o įstumiant – pakeliamas.

Mediniai pučiamieji

skersinė fleita

Blokas fleita

Chalumot

Obojus

Fagotas

kvarfagotas

Kvartfagotas – padidintas fagotas. Raštu ketvirčio fagoto partija rašoma taip pat, kaip fagoto, tačiau puikiai skamba ketvirta po užrašu.

kontrafagotas

Kontrafagotas yra fagoto bosinė versija.

Būgnai

timpanai

Timpani yra tam tikro aukščio mušamasis muzikos instrumentas. Žingsnis reguliuojamas varžtais arba specialiu mechanizmu, dažniausiai pedalo pavidalu.

2 SKYRIUS. Gitara užkariauja Europą

XVII amžiuje gitara toliau užkariavo Europą.
Viena iš to meto gitarų priklauso Londono Karališkojo muzikos koledžo muziejui. 1581 m. Lisabonoje sukūrė tam tikras Melchioras Diasas.
Šios gitaros struktūra turi bruožų, kuriuos savo kūryboje daugiau nei du šimtmečius kartos muzikos instrumentų meistrai.

XVII amžiaus itališka battente gitara iš Milano Sforcos pilies kolekcijos.

Visos to meto gitaros buvo gausiai ornamentuotos. Tokio išskirtinio daikto gamybai meistrai naudoja vertingas medžiagas: retus medžius (ypač juodą - juodmedį), dramblio kaulą, vėžlio kiautą. Apatinis denis ir bortai dekoruoti inkrustacija. Viršutinis denis, atvirkščiai, išlieka paprastas ir pagamintas iš spygliuočių medienos (dažniausiai eglės). Kad nebūtų slopinama vibracija, medinėmis mozaikomis apipjaustyta tik rezonatoriaus anga ir korpuso kraštai per visą perimetrą.
Pagrindinis puošybos elementas – rozetė iš reljefinės odos. Ši rozetė ne tik nukonkuruoja visos spintelės grožį, bet ir sušvelnina skleidžiamus garsus. Akivaizdu, kad šių prabangių instrumentų savininkus domino ne tiek stiprumas ir galia, kiek skambesio įmantrumas.
Vienas pirmųjų XVII amžiaus gitarų pavyzdžių, atkeliavusių pas mus, yra Paryžiaus konservatorijos Muzikos instrumentų muziejaus kolekcijoje. Ant jo nurodytas amatininko venecijietis Cristofo Coco vardas ir data 1602 m. Plokščias korpusas pagamintas iš dramblio kaulo plokščių, pritvirtintų siauromis rudos medienos juostelėmis.

Augustine Quesnel gitaristas 1610 m

XVII amžiuje razgueado stilius, atgabentas iš Ispanijos, kur buvo populiarus, paplito didelėje dalyje Europos. Gitara iškart praranda svarbą, kurią anksčiau turėjo rimtiems muzikantams. Nuo šiol jis naudojamas tik akompanuojant, norint „dainuoti, groti, šokti, šokinėti... trypti kojomis“, kaip rašo Louis de Briseno savo „Metodo“ (Paryžius, 1626 m.) pratarmėje.
Teoretikas iš Bordo Pierre'as Trichet taip pat apgailestaudamas pažymi (apie 1640 m.): „Gitara, arba hyterna, yra plačiai naudojamas instrumentas tarp prancūzų ir italų, bet ypač tarp ispanų, kurie ją naudoja taip nevaržomai kaip niekas kitas. tauta." Ji tarnauja kaip muzikinė akompanimentė šokiams, kurie šoka, „visa trūkčioja, juokingai ir juokingai gestikuliuoja, todėl grojimas instrumentu tampa neaiškus ir sutrikęs“. Ir pasipiktinęs tuo, ką turi stebėti, Pierre'as Trichet tęsia: „Prancūzijoje damos ir kurtizanės, kurios yra susipažinusios su ispanų mada, bando ją mėgdžioti. Tuo jie panašūs į tuos, kurie, užuot gerai pavalgę savo namuose, eina pas kaimyną valgyti lašinių, svogūnų ir juodos duonos.

David Teniers jaunesnysis gitaristas

Mattia Pretti koncertas 1630 m

Nepaisant to, gitara išlieka populiari Prancūzijoje. Gitara lengvai naudojama baletuose. Filmuose „Sen Žermeno miško fėja“ (1625) ir „Turtinga našlė“ (1626) ispaniškais kostiumais pasipuošę muzikantai, siekdami didesnio patikimumo, groja gitara. Pirmajame balete šakono atlikėjai „gitaros garsus pritaiko prie vikriems kojų judesiams“. Antrajame, Jo Didenybės pastatytame Didžiojoje Luvro salėje, grenadierių įėjimas taip pat išskleidžiamas akomponuojant gitarai. Anot Mercure de France, šiame spektaklyje dviems sarabandos šokėjams gitara akomponavo pats Liudvikas XIII.

Gerritas van Honthorstas groja gitara 1624 m

Gitaristas Janas Vermeeris 1672 m

XVII amžiaus viduryje prasideda naujas gitaros klestėjimas. Ir šį kartą atnaujinimas ateina iš Prancūzijos. Norėdami išmokyti groti gitarą jaunąjį Prancūzijos karalių, į teismą kviečiamas garsus mokytojas ir muzikantas Francesco Corbetta (1656). Nedrįsus teigti (skirtingai nei kai kurie dvariškiai), kad per aštuoniolika mėnesių Liudvikas XIV pranoko savo mokytoją, galima neabejoti tikra karaliaus aistra instrumentui. Jo valdymo metais gitara vėl tampa aristokratijos ir kompozitorių numylėtiniu. Ir vėl gitaros mada užkariauja visą Europą.

Graviravimas iš seno „Pjesės gitarai“ leidimo viršelio. 1676 m

Francisco Goya šokis ant upės kranto 1777 m

Francisco Goya aklas gitaristas 1788 m

Ramon Baie Jaunas vyras su gitara. 1789 Prado muziejus. Madridas

Liudviko XIV (m. 1715 m.) valdymo pabaigoje gitaros istorijoje ateina lūžis – karališkieji rūmai tampa jai abejingi.
Tačiau jis vis dar populiarus tarp žmonių. Mademoiselle de Charolais jos užsakytame portrete pristatoma su gitara rankose, lengvai plėšiančia jos stygas. Watteau ir Lancret įveda gitarą į meilės scenų vaizdavimą. Ir kartu tai įrankis farso aktoriams ir keliaujantiems komikams!
Watteau ir Lancre darbai bei gitara yra atskiras puslapis prancūzų tapyba, todėl nusprendžiau šioje medžiagoje šiems menininkams skirti atskiras galerijas.

Jeanas Antoine'as Watteau
Jeanas Antoine'as Watteau

Rosalba Carriere Jean-Antoine Watteau portretas 1721 m

Prancūzų tapytojas ir braižytojas, rokoko stiliaus įkūrėjas ir didžiausias meistras. 1698–1701 m. Watteau mokėsi pas vietinį menininką Geriną, kurio reikalavimu nukopijavo Rubenso, Van Dycko ir kitų flamandų tapytojų darbus. 1702 m. Watteau išvyko į Paryžių ir netrukus susirado mokytoją bei globėją Claude'o Gillot'o, teatro menininko ir dekoratoriaus, tapusio scenų iš šiuolaikinio teatro gyvenimo, asmenyje. Watteau greitai pranoko savo mokytoją savo įgūdžiais ir apytiksliai. 1708 įžengė į dekoratoriaus Claude'o Audran studiją. 1709 m. Watteau nesėkmingai bandė laimėti Dailės akademijos Didįjį prizą, tačiau jo darbai patraukė kelių įtakingų žmonių dėmesį, tarp kurių buvo filantropas ir tapybos žinovas Jeanas de Julienne, meno prekeivis Edmondas Francois Gersinas, bankininkas. ir kolekcininkas Pierre'as Crozatas, kurio namuose kurį laiką gyveno menininkas ir kt. 1712 m. Watteau buvo supažindintas su akademiko titulu ir 1717 m. tapo Karališkosios tapybos ir skulptūros akademijos nariu. Watteau mirė Nogent-sur-Marne 1721 m. liepos 18 d.

Jean-Antoine Watteau italų komedija 1714 m

Jean Antoine Watteau vaizdas pro medžius Pierre'o Crozat parke 1714-16

Jean-Antoine Watteau Gilles su šeima 1716 m

Jeano Antoine'o Watteau Pierrot istorija

Jean Antoine Watteau daina apie meilę 1717 m

Jean-Antoine Watteau Mezzetin 1717–1919 m

Nicola Lancre
Nikolas Lankretas

Nicolaso ​​Lancre'o autoportretas 1720 m

Prancūzų menininkas, gimęs Paryžiuje. Iš pradžių jis mokėsi pas Pierre'ą Duliną, o maždaug nuo 1712 m. keletą metų dirbo vadovaujamas Claude'o Gillot, per kurį susipažino su Jeanu Antoine'u Watteau, kuris padarė didelę įtaką jo kūrybai. Lancre'as kreipėsi į tas pačias temas kaip ir Watteau: jis parašė italų commedia dell'arte veikėjus ir „galantiškų švenčių“ scenas. Be to, jis iliustravo La Fontaine pasakėčias ir kūrė žanro paveikslai. Lancret mirė Paryžiuje 1743 m.

Nicola Lancret koncertas parke 1720 m

Nicola Lancre atostogos sode

Nicola Lancre koncertas parke

Nicola Lancre galantiškas pokalbis

Naujas gitaros iškilimas, pasak Michelio Brenet, siejamas su dviejų talentingų dainininkų pasirodymu salonuose. Jie atlieka duetus, akompanuodami patys. Tai garsieji Pierre'as Geliotas ir Pierre'as de la Garde'as.
Garsusis Michelio Bartolomeo Olivier paveikslas „Arbata anglų kalba ir koncertas Princesės de Conti namuose“ perteikia šių pasaulietinių susibūrimų atmosferą.

Iš Vikipedijos, laisvosios enciklopedijos

Klaviatūros

Vargonai

Sudėtingas muzikos instrumentas, sudarytas iš oro įpurškimo mechanizmo, įvairių dydžių medinių ir metalinių vamzdžių rinkinio bei atlikimo pulto (lektoriaus), ant kurio yra registro rankenėlės, kelios klaviatūros ir pedalai.

Klavesinas

Virginal

Spinetas

Špinetas yra mažas klavesinas, kuris yra kvadrato, stačiakampio arba penkiakampio formos.

Klaviciteriumas

Klaviciterium yra vertikalaus korpuso klavesinas.

Klavikordas

Styginių stygos

barokinis smuikas

Baritonas

Bosinis altas „pėdos“ (gamba) tipas. Baritono garsas buvo išgaunamas šešių žarnų stygų lanku, po jomis išdėstytos simpatiškos stygos. Iš simpatinių (papildomų) stygų garsas buvo išgaunamas žiupsneliu kairės rankos nykščiu.

Violone

Bosinis altas „pėdos“ (gamba) tipas.

Lironas

Bosinis altas „pėdos“ (gamba) tipas. Specialiai pritaikytas groti akordais.

Violončelė

Violončelė yra boso-tenoro registro styginis instrumentas. 4 stygos derinamos kvintomis (į ir didelės oktavos druska, D maža, la pirma). Violončelė pasirodė XV amžiaus pabaigoje ir XVI amžiaus pradžioje. Klasikines violončeles sukūrė XVII–XVIII a. italų meistrai. Antonio Amati ir Girolamo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari.

kontrabosas

Didžiausias ir giliausiai skambantis orkestro lankas. Žaidžiama stovint arba sėdint ant aukštos taburetės.

Styginiais nupeštos

baroko liutnia

XVI amžiuje buvo labiausiai paplitusi šešių stygų liutnia (XV a. buvo žinomi penkių stygų instrumentai), pereinant į XVII a. (vėlyvojo baroko epocha), styginių skaičius siekė dvidešimt keturias. Dažniausiai būdavo nuo 11 iki 13 stygų (9-11 porų ir 2 pavieniai). Build-kordas d-moll (kartais mažoras).

Teorbas

Theorbo yra bosinė liutnios versija. Stygų skaičius nuo 14 iki 19 (daugiausia pavieniai, bet buvo ir instrumentų su poromis).

Quitarrone

Kitarrone – vadinamųjų bosų atmaina. Itališka gitara (instrumentas ovalo korpuso, priešingai nei ispanų g.). Stygų skaičius yra 14 vienetų. Quitarrone išvaizda praktiškai nesiskiria nuo theorbo, tačiau turi skirtingą kilmę.

archilutas

Mažesnis už teorbą. Dažniausiai jame buvo 14 stygų, pirmosios šešios pagal Renesansui būdingą derinimą – (skirtingai nuo barokinės liutnios, kurioje pirmosios šešios stygos davė d-moll akordą) buvo pastatytos švariame kvarte, išskyrus 3 ir 4, kurie buvo pastatyti didžiajame trečdalyje.

Andželika

Mandora

Gallichon

Citra

archicitra

Mandolina

barokine gitara

Barokinė gitara dažniausiai turėjo penkias poras (choras) žarninių stygų. Pirmosios barokinės arba penkių chorų gitaros žinomos nuo XVI amžiaus pabaigos. Būtent tada prie gitaros buvo pridėtas penktasis choras (prieš tai buvo aprūpintas keturiomis porinėmis stygomis). Dėl rasgeado stiliaus šis instrumentas itin populiarus.

Suverkite kitus

skubu gurdy

„Hurdy gurdy“ turi nuo šešių iki aštuonių stygų, kurių dauguma skamba vienu metu ir vibruoja dėl trinties į dešine ranka pasuktą ratą. Viena ar dvi atskiros stygos, kurių skambančioji dalis kaire ranka trumpinama arba pailginama strypų pagalba, atkuria melodiją, o likusios stygos skleidžia monotonišką dūzgimą.

Žalvaris

prancūziškas ragas

Barokinis ragas neturėjo mechanikos ir leido išgauti tik natūralios skalės tonus; groti kiekvienu klavišu buvo naudojamas atskiras instrumentas.

Ragas

Pučiamasis pučiamasis kandiklis muzikos instrumentas be vožtuvų, su kūgio formos vamzdeliu.

Trombonas

Trombonas atrodo kaip didelis, ovalo formos metalinis vamzdis. Kandiklis dedamas į viršutinę jo dalį. Apatinis trombono posūkis yra kilnojamas ir vadinamas sparnais. Ištraukus skambutį garsas susilpnėja, o įstumiant – pakeliamas.

Mediniai pučiamieji

skersinė fleita

Blokas fleita

Chalumot

Obojus

Fagotas

kvarfagotas

Kvartfagotas – padidintas fagotas. Raštu ketvirčio fagoto partija rašoma taip pat, kaip fagoto, tačiau puikiai skamba ketvirta po užrašu.

kontrafagotas

Kontrafagotas yra fagoto bosinė versija.

Būgnai

timpanai

Timpani yra tam tikro aukščio mušamasis muzikos instrumentas. Žingsnis reguliuojamas varžtais arba specialiu mechanizmu, dažniausiai pedalo pavidalu.

Parašykite apžvalgą apie straipsnį "Baroko epochos muzikos instrumentai"

Pastabos

Ištrauka, apibūdinanti baroko epochos muzikos instrumentus

– Ar bus koks nors įsakymas iš jūsų aukštuomenės? - tarė jis Denisovui, padėdamas ranką prie skydelio ir vėl grįždamas į adjutanto ir generolo žaidimą, kuriam buvo pasiruošęs, - ar aš turėčiau likti su jūsų garbe?
- Įsakymai? - susimąstęs pasakė Denisovas. - Ar gali pasilikti iki rytojaus?
- O, prašau... Ar galiu pasilikti su tavimi? – rėkė Petja.
– Taip, kaip tiksliai tau liepė iš genego „ala – dabar išlipk“? – paklausė Denisovas. Petja paraudo.
Taip, jis nieko nesakė. Manau ar tai įmanoma? – klausiamai pasakė jis.
- Na, gerai, - pasakė Denisovas. Ir, kreipdamasis į savo pavaldinius, davė įsakymą, kad partija vyktų į paskirtą poilsio vietą prie sargybos miške ir kad karininkas ant kirgizų žirgo (šis karininkas veikė kaip adjutantas) eitų ieškoti Dolokhovo, sužinoti, kur jis. buvo ir ar jis ateis vakare . Pats Denisovas su esauliu ir Petya ketino važiuoti į miško pakraštį su vaizdu į Šamševą, kad pamatytų prancūzų, kurie turėjo būti nukreipti rytojaus puolimui, vietą.
- Na, Dievo odė, - kreipėsi jis į valstietį dirigentą, - nuvesk mane į Šamševą.
Denisovas, Petja ir Esaulas, lydimi kelių kazokų ir belaisvį nešančio husaro, per daubą nuvažiavo į kairę, į miško pakraštį.

Lietus praėjo, nuo medžių šakų krito tik rūkas ir vandens lašai. Denisovas, Esaulas ir Petja tylėdami nusekė kepurėle užsidėjusį valstietį, kuris, lengvai ir be garso žingsniuodamas kojomis, apsivilkęs batus per šaknis ir šlapius lapus, nuvedė juos į miško pakraštį.
Išėjęs į išvoloką, valstietis stabtelėjo, apsidairė ir patraukė link retėjančios medžių sienos. Prie didelio ąžuolo, kuris dar nebuvo numetęs lapų, jis sustojo ir paslaptingai mostelėjo jam ranka.
Denisovas ir Petja privažiavo prie jo. Iš tos vietos, kur sustojo valstietis, matėsi prancūzai. Dabar už miško lyg pusiau kalva leidosi šaltinio laukas. Dešinėje, per stačią daubą, matėsi nedidelis kaimas ir dvaras apgriuvusiais stogais. Šiame kaime, dvare ir palei visą kalnelį, sode, prie šulinių ir tvenkinio, ir per visą kelią įkalnėn nuo tilto iki kaimo, ne daugiau kaip du šimtai sazhenų, minios žmonių. buvo galima pamatyti banguojančiame rūke. Jų nerusiški klyksmai buvo aiškiai girdimi ant kalną draskančių vežimų arklių ir vieni kitų šauksmų.
- Duok čia kalinį, - tyliai pasakė Denisopas, nenuleisdamas akių nuo prancūzų.
Kazokas nulipo nuo žirgo, pašalino berniuką ir kartu su juo priėjo prie Denisovo. Denisovas, rodydamas į prancūzus, paklausė, kokios tai kariuomenės. Berniukas, susikišęs atšalusias rankas į kišenes ir kilstelėjęs antakius, išsigandęs pažvelgė į Denisovą ir, nepaisant akivaizdaus noro pasakyti viską, ką žinojo, atsakymuose sutriko ir tik patvirtino tai, ko klausė Denisovas. Denisovas, susiraukęs, nusisuko nuo jo ir atsisuko į Esaulą, sakydamas jam savo mintis.
Petja, greitais judesiais sukdamas galvą, pirmiausia žvilgtelėjo į būgnininką, paskui į Denisovą, paskui į esaulą, tada į prancūzus kaime ir kelyje, stengdamasis nepraleisti kažko svarbaus.
- Pg „ateina, o ne pg“ yra Dolokhovas, tu turi bg „at! .. A?“ – linksmai blyksčiodamas akyse tarė Denisovas.
„Vieta patogi“, - sakė Esulas.
- Mes atsiųsime pėstininkus iš apačios - per pelkes, - tęsė Denisovas, - jie nušliaups į sodą; tu paskambinsi su kazokais iš ten, - Denisovas parodė į mišką už kaimo, - o aš iš čia, su savo gusagais.
„Daugybėje tai nebus įmanoma – tai pelkė“, – sakė Esaulas. - Įklimpsite arklius, turite apeiti į kairę ...
Jiems taip šnekant potekste, apačioje, įduboje nuo tvenkinio, suskambo vienas šūvis, pradėjo baltuoti dūmai, kitas ir draugiškas, tarsi linksmas, šimtų prancūzų balsų klyksmas. ant puskalnio pasigirdo. Pirmą minutę ir Denisovas, ir Esaulas atsilošė. Jie buvo taip arti, kad jiems atrodė, kad jie buvo šių šūvių ir riksmų priežastis. Tačiau šūviai ir riksmai jiems nepriklauso. Žemiau, per pelkes, bėgo kažkoks raudonas žmogus. Akivaizdu, kad prancūzai į jį šaudė ir šaukė.
- Juk tai mūsų Tikhonas, - pasakė esaulas.
- Jis! jie yra!
„Eka, nesąžiningas“, - pasakė Denisovas.
- Išeik! - užmerkęs akis, pasakė esaulas.
Vyras, kurį jie vadino Tikhonu, pribėgęs prie upės, įkrito į ją taip, kad purslai praskriejo, ir, akimirką pasislėpęs, visas juodas nuo vandens, išlipo keturiomis ir nubėgo toliau. Iš paskos bėgę prancūzai sustojo.
- Na, protingas, - tarė Esulas.
- Koks žvėris! – tarė Denisovas taip pat susierzinęs. Ir ką jis padarė iki šiol?
- Kas čia? – paklausė Petja.
- Tai mūsų plastikas. Nusiunčiau jį pasiimti kalbos.
„Ak, taip“, - ištarė Petja iš pirmojo Denisovo žodžio, linktelėdamas galva, tarsi jis viską suprastų, nors neabejotinai nesuprato nė žodžio.
Tikhonas Shcherbaty buvo vienas iš labiausiai reikalingų žmonių partijoje. Jis buvo valstietis iš Pokrovskio netoli Gzhatya. Kai savo veiksmų pradžioje Denisovas atėjo į Pokrovskoje ir, kaip visada, skambindamas viršininkui, paklausė, ką jie žino apie prancūzus, viršininkas atsakė, nes visi viršininkai tarsi gindamiesi atsakė, kad nežino. nieko, žinok, kad jie nežino. Bet kai Denisovas jiems paaiškino, kad jo tikslas – nugalėti prancūzus, ir paklausus, ar prancūzai į juos nepakliuvo, viršininkas pasakė, kad plėšikų tikrai buvo, bet jų kaime tais užsiima tik Tishka Shcherbaty. reikalais. Denisovas įsakė pasikviesti Tikhoną ir, pagirdamas jį už jo veiklą, priešais viršininką pasakė keletą žodžių apie ištikimybę carui ir tėvynei bei neapykantą prancūzams, kurių turėtų laikytis tėvynės sūnūs.
„Mes nedarome jokios žalos prancūzams“, - sakė Tikhonas, matyt, nedrąsiai išgirdęs šiuos Denisovo žodžius. - Mes tik taip, vadinasi, dėl medžioklės plepėjome su vaikinais. Lyg būtų sumuštos dvi dešimtys Miroderovų, kitaip mes nieko blogo nepadarėme... – Kitą dieną, kai Denisovas, visiškai pamiršęs apie šį valstietį, paliko Pokrovskį, jam buvo pranešta, kad Tichonas įstojo į partiją ir paprašė jį leisti. paliko su juo. Denisovas liepė jį palikti.
Tikhonas, kuris iš pradžių taisė žiaurų darbą – kūrenti laužus, tiekdamas vandenį, nulupdamas arklius ir pan., netrukus pademonstravo didelį norą ir sugebėjimą partizaninis karas. Naktį jis išeidavo plėšti ir kaskart atsinešdavo suknelę ir prancūziškus ginklus, o kai liepdavo, atnešdavo kalinius. Denisovas atidavė Tikhoną nuo darbo, pradėjo vežtis jį į keliones ir įtraukė į kazokus.
Tikhonas nemėgo joti ir visada vaikščiojo, niekada neatsilikdamas nuo kavalerijos. Jo ginklai buvo šleifas, kurį jis dėvėjo labiau juokdamasis, smėlis ir kirvis, kuriuos jis turėjo kaip vilkas turi dantis, vienodai lengvai skindamas blusas iš vilnos ir sukandęs storus kaulus. Tikhonas vienodai ištikimai iš visų jėgų kirviu skaldė rąstus ir, paėmęs kirvį už užpakalio, iškirto juo plonus kaiščius ir iškirto šaukštus. Denisovo partijoje Tikhonas užėmė savo ypatingą, išskirtinę vietą. Kai reikėjo padaryti ką nors ypač sunkaus ir negrazaus - apversti pečiu vagoną purve, ištraukti arklį iš pelkės už uodegos, nulupti odą, lipti į patį prancūzų vidurį, nueiti penkiasdešimt mylių. per dieną – visi kikendami rodė į Tikhoną.
„Ką, po velnių, jis daro, galinga merenina“, - sakė jie apie jį.
Kartą prancūzas, kurį Tichonas pasiėmė, šovė į jį iš pistoleto ir pataikė į nugarą. Ši žaizda, nuo kurios Tikhonas buvo gydomas tik degtine, viduje ir išorėje, buvo linksmiausių pokštų objektas visame būryje ir juokeliai, kuriems Tikhonas noriai pasidavė.
– Ką, broli, ar ne? Ali susiraukė? kazokai juokėsi iš jo, o Tichonas, tyčia tupintis ir veidmainiavęs, apsimesdamas piktas, barė prancūzus pačiais juokingiausiais keiksmais. Šis incidentas turėjo įtakos tik Tikhonui, kad po sužeidimo jis retai atvesdavo kalinius.

Ukrainos švietimo ir mokslo ministerija

SevNTU

Katedra: Ukrainistika. Kultūrologija. Pedagogika.

Esė apie kultūros studijas

Tema: „Baroko epochos instrumentinė muzika (XVII-XVIII a. I pusė). Žanrų kilmė – simfonija, koncertas. Antonio Vivaldi darbas.

Atlieka studentas

grupė IM-12d

Stupko M.G.

Patikrinta:

Kostennikovas A.M.

Sevastopolis 2007 m

Planas:

Įvadas.

Pagrindinė dalis:

1) Baroko muzikos skirtumai:

Iš Renesanso.

Iš klasicizmo.

2) Baroko epochos instrumentinių žanrų bendrosios charakteristikos.

3) Vakarų Europos instrumentinės muzikos istorija.

Baigiamoji dalis.

1) Barokinės instrumentinės muzikos įtaka vėlesnei muzikai.

Perėjimas į klasicizmo epochą (1740-1780).

Baroko technikos ir technikos įtaka po 1760 m.

Džiazas.

2) Išvada.

IV. Šaltinių sąrašas.

Įvadas:

Baroko epocha (XVII a.) – viena įdomiausių epochų pasaulio kultūros istorijoje. Ji įdomi savo dramatiškumu, intensyvumu, dinamika, kontrastingumu ir tuo pačiu harmonija, vientisumu, vieningumu.

Ypatingą vaidmenį šioje eroje užima muzikinis menas, kuris prasideda tarsi lemiamu lūžio tašku, bekompromisine kova su senuoju „griežtu stiliumi“.

Plečiasi muzikinio meno raiškos galimybės, kartu vyrauja tendencija atskirti muziką nuo žodžio – į intensyvų instrumentinių žanrų, daugiausiai siejamų su baroko estetika, plėtojimą. Atsiranda stambios ciklinės formos (concerto grosso, ansamblio ir solo sonatos), kai kuriose siuitos fantaziškai kaitaliojasi teatrališkos uvertiūros, fugos, vargonų tipo improvizacijos. Būdingas tampa polifoninio ir homofoninio muzikos rašymo principų palyginimas ir susipynimas.Baroko laikotarpio rašymo ir atlikimo technika tapo neatsiejama ir reikšminga klasikinio muzikos kanono dalimi. To meto kūriniai yra plačiai atliekami ir tyrinėjami.

Baroko muzikos skirtumai

nuo renesanso

Baroko muzika iš Renesanso perėmė polifonijos ir kontrapunkto vartojimo praktiką. Tačiau šie metodai buvo taikomi skirtingai. Renesanso laikais muzikinė harmonija buvo kuriama tuo, kad švelniame ir ramiame polifonijos judesyje sąskambiai pasirodė antraeiliai ir tarsi atsitiktinai. Tačiau baroko muzikoje tapo svarbi sąskambių atsiradimo tvarka: ji reiškėsi pagal hierarchinę funkcinės tonacijos schemą (arba funkcinę mažor-modalinę sistemą) pastatytais akordais. Apie 1600 m. tonacijos apibrėžimas iš esmės buvo netikslus, subjektyvus. Pavyzdžiui, kai kurie madrigalų kadencijose pastebėjo tam tikrą toninį vystymąsi, o iš tikrųjų ankstyvosiose monodijose tonacija vis dar buvo labai neapibrėžta. Įtakos turėjo silpnas vienodos temperamento sistemos teorijos vystymasis. Pasak Shermano, pirmą kartą tik 1533 m. italas Giovanni Maria Lanfranco pasiūlė ir į vargonų-klavijo atlikimo praktiką įvedė vienodo temperamento sistemą. O sistema išplito daug vėliau. Ir tik 1722 m. pasirodo J. S. Bacho „Gerai temperuotas klavieras“. Kitas Baroko ir Renesanso epochos muzikinės harmonijos skirtumas buvo tas, kad ankstyvuoju periodu toninis poslinkis dažniau pasireiškė tercijomis, o baroko laikotarpiu dominavo moduliacija kvartais ar kvintomis (veikė funkcinės tonacijos sampratos atsiradimas). ). Be to, baroko muzika naudojo ilgesnes melodines linijas ir griežtesnį ritmą. Pagrindinė tema buvo išplėsta arba savaime, arba pasitelkiant basso continuo akompanimentą. Tada ji pasirodė kitu balsu. Vėliau Pagrindinė temaėmė reikštis per basso continuo, ne tik pasitelkiant pagrindinius balsus. Melodijos ir akompanimento hierarchija buvo neryški.

Stilistiniai skirtumai lėmė perėjimą nuo renesanso ricercarų, fantazijų ir kanzonų prie fugų – vienos pagrindinių baroko muzikos formų. Monteverdi tai pavadino nauju, laisvu stiliumi seconda pratica (antroji forma), o ne prima pratica (pirmoji forma), kuri apibūdino tokių Renesanso epochos meistrų kaip Giovanni Pierluigi da Palestrina motetus ir kitas bažnytines choralo formas. Pats Monteverdi naudojo abu stilius; jo mišios „In illo tempore“ parašytos senuoju stiliumi, o „Švenčiausios Mergelės Vėlinės“ – nauju stiliumi.

Buvo ir kitų, gilesnių baroko ir renesanso stilių skirtumų. Baroko muzika siekė aukštesnio lygio emocinio išsipildymo nei Renesanso muzika. Baroko raštuose dažnai buvo aprašyta viena specifinė emocija (džiaugsmas, liūdesys, pamaldumas ir pan.; plg.afekto teorija). Baroko muzika dažnai buvo rašoma virtuoziškiems dainininkams ir muzikantams ir dažniausiai buvo daug sunkiau atliekama nei Renesanso muzika, nepaisant to, kad detalus instrumentinių partijų įrašymas buvo viena svarbiausių baroko laikotarpio naujovių. Tai tapo beveik privaloma naudotimuzikinės dekoracijos, dažnai atliekama muzikanto formaimprovizacija. Tokios išraiškos kaippažymi inegalestapo universalus; atlieka dauguma muzikantų, dažnai su didele taikymo laisve.

Kitas svarbus pokytis buvo tai, kad aistra instrumentinei muzikai pranoko aistrą vokalinei muzikai. Vokaliniai kūriniai, tokie kaipmadrigalai Ir arijos, tiesą sakant, dažniau jie buvo ne dainuojami, o atliekami instrumentiškai. Tai liudija amžininkų liudijimai, taip pat instrumentinių kūrinių rankraščių skaičius, kurių skaičius viršijo pasaulietiškumą reprezentuojančių kūrinių skaičių. vokalinė muzika . Laipsniškas gryno instrumentinio stiliaus, besiskiriančio nuo XVI a. vokalinės polifonijos, atsiradimas buvo vienas svarbiausių žingsnių pereinant nuo Renesanso prie baroko. Iki XVI amžiaus pabaigos instrumentinė muzika beveik nesiskyrė nuo vokalinės ir daugiausia susideda iš šokių melodijų, gerai žinomų populiarių dainų aranžuočių ir madrigalų (daugiausia klavišiniams irliutnios), taip pat polifoninius kūrinius, kuriuos būtų galima apibūdinti kaipmotetų, canzone, madrigalaibe poezijos.

Nors įvairūs gydymo būdai,toccata, fantazijos Ir preliudijosnes liutnia ir klavišiniai instrumentai žinomi nuo seno, ansamblinė muzika dar nėra išsikovojusi savarankiško egzistavimo. Tačiau sparti pasaulietinių vokalinių kompozicijų raida Italijoje ir kitose Europos šalyse buvo naujas postūmis kurti kamerinę muziką instrumentams.

Pavyzdžiui, į Anglijaplačiai paplitęs grojimo menasaltas- įvairaus diapazono ir dydžio styginiai instrumentai. Smuikai dažnai prisijungdavo prie vokalinės grupės, užpildydami trūkstamus balsus. Ši praktika tapo įprasta, o daugelis leidimų buvo pažymėti „Fit for Voices arba Violas“.

Daugybė vokalinių arijų ir madrigalų buvo atliekami kaip instrumentiniai kūriniai. Pavyzdžiui, madrigalas"Sidabrinė gulbė"Orlando Gibbonsasdešimtyse kolekcijų, pažymėtų etiketėmis ir pristatomos kaip instrumentinis kūrinys.

Iš klasicizmo

Po baroko sekusioje klasicizmo epochoje kontrapunkto vaidmuo sumažėjo (nors kontrapunkto meno raida nesustojo), išryškėjo homofoninė muzikos kūrinių struktūra. Muzikoje mažiau ornamentikos. Kūriniai pradėjo linkti į aiškesnę struktūrą, ypač parašyti sonatos forma. Moduliacijos (rakto keitimas) tapo struktūriniu elementu; kūrinių imta klausytis kaip dramos kupinos kelionės per klavišų seką, išvykimų ir atėjimų į toniką seriją. Moduliacijos buvo ir baroko muzikoje, tačiau neatliko struktūrizavimo funkcijos.

Klasikinės epochos kūriniuose daug emocijų dažnai atsiskleisdavo vienoje kūrinio dalyje, o baroko muzikoje viena dalis nešė vieną, aiškiai nubrėžtą jausmą. Ir galiausiai klasikiniuose kūriniuose dažniausiai buvo pasiekta emocinė kulminacija, kuri buvo išspręsta kūrinio pabaigoje. Barokiniuose kūriniuose, pasiekus šią kulminaciją, iki pat paskutinės natos išliko lengvas pagrindinės emocijos pajautimas. Barokinių formų gausa buvo atspirties taškas sonatos formos raidai, išplėtodama daugybę pagrindinių kadencijų variantų.

Baroko epochos instrumentinių žanrų bendrosios charakteristikos.

Žanrų kilmė – simfonija, koncertas. Sonata XVII a

Simfonijos prototipu galima laikyti itališką uvertiūrą, kuri susiformavo valdant Scarlatti XVII amžiaus pabaigoje. Ši forma jau tada buvo vadinama simfonija ir susideda iš allegro, andante ir allegro, sujungtų į vieną. Kita vertus, simfonijos pirmtakas buvo orkestrinė sonata, kurią sudarė kelios dalys paprasčiausiomis formomis ir dažniausiai tuo pačiu tonu. Klasikinėje simfonijoje tik pirmoji ir paskutinė dalys turi tuos pačius klavišus, o vidurinės parašytos su pagrindine, o tai lemia visos simfonijos klavišą. Vėliau Haydnas laikomas klasikinės simfonijos formos ir orkestrinio kolorito kūrėju; Mocartas ir Bethovenas svariai prisidėjo prie jos vystymosi.

Žodis Koncertas, kaip muzikinės kompozicijos pavadinimas, atsirado Italijoje XVI amžiaus pabaigoje. Trijų dalių koncertas pasirodė XVII amžiaus pabaigoje. Šios formos koncerto įkūrėju laikomas italas Corelli (žr.).

Koncertas paprastai susideda iš 3 dalių (kraštutinės dalys yra greito judesio). XVIII amžiuje simfonija, kurioje daugelis instrumentų vietomis atliko solo, buvo vadinama concerto grosso. Vėliau simfonija, kurioje vienas instrumentas, palyginti su kitais, įgavo savarankiškesnę reikšmę, tapo žinoma kaip symphonique concertante, concertirende Sinfonie. Genetiškai concerto grosso asocijuojasi su fugos forma, paremta nuosekliu temos perėjimu balsais, kaitaliojant su neteminėmis konstrukcijomis – intarpais. Concerto grosso paveldi šį principą su tuo skirtumu, kad pradinė koncerto konstrukcija yra polifoninė. Concerto grosso yra 3 tekstūrų tipai:

polifoninis;

homofoninis;

choralas (choralinis).

(jų beveik nerasta gryna forma. Vyrauja sintetinė tekstūra – homofoninis-polifoninis sandėlis).

Sonata (nepainioti su sonatos forma). Iki XVII amžiaus pabaigos instrumentinių kūrinių rinkinys, taip pat vokalinis motetas, aranžuotas instrumentams, buvo vadinamas sonata. Sonatos buvo suskirstytos į du tipus: kamerinę sonatą (ital. fotoaparato sonata ), kurią sudarė skirtingais klavišais parašyti preliudai, ariosas, šokiai ir kt., bei bažnytinė sonata (ital. sonata da chiesa ), kuriame vyravo kontrapunktinis stilius. Nemažai instrumentinių kūrinių, parašytų daugeliui orkestro instrumentų, buvo vadinami ne sonata, o didžiuoju koncertu (ital. concerto grosso ). Sonata taip pat naudojama koncertuose solo instrumentui su orkestru, taip pat simfonijose.

Pagrindiniai baroko epochos instrumentiniai žanrai.

concerto grosso ( concerto grosso)

Fuga

Liukso numeris

Allemande

Courant

Sarabandė

Gigue

Gavotte

Menuetas

Sonata

Kamerinė sonata Sonata da camera

bažnyčios sonata sonata da chiesa

Trio sonata

Klasikinė sonata

Uvertiūra

Prancūzų uvertiūra (fr. uvertiūra)

Itališka uvertiūra (italų k.) sinfonija)

Partita

Kanzona

Simfonija

Fantazija

Reachercar

Toccata

Preliudija

Chaconne

Passacaglia

Choralinis preliudas

Pagrindiniai baroko epochos instrumentai.

Vargonai sakralinėje ir kamerinėje pasaulietinėje muzikoje tapo pagrindiniais baroko muzikos instrumentais. Plačiai buvo naudojamas ir klavesinas, plėšiamos ir lenktinės stygos, mediniai pučiamieji instrumentai: smuikai, barokinė gitara, barokinis smuikas, violončelė, kontrabosas, įvairios fleitos, klarnetas, obojus, fagotas. Baroko epochoje tokio plačiai paplitusio plėšiamo styginio instrumento, kaip liutnia, funkcijos buvo iš esmės susiaurintos iki basso continuo akompanimento ir pamažu jis buvo pakeistas tokia forma. klavišiniai instrumentai. Ankstesniame Renesanso populiarumą praradęs ir vargšų bei valkatų įrankiu tapęs „Hurdy gurdy“ gimė antrą kartą; iki XVIII amžiaus pabaigos. kaimo gyvenimą pamėgusių prancūzų aristokratų madingu žaisliuku išliko šurmulys.

Vakarų Europos instrumentinės muzikos istorija.

Italijos instrumentinė muzika.

XVII amžiaus Italija atliko savotiškos didžiulės eksperimentinės studijos vaidmenį, kurioje vyko atkaklūs ieškojimai ir laipsniškas naujų progresyvių instrumentinės muzikos žanrų ir formų formavimasis. Šie novatoriški ieškojimai paskatino sukurti didelius meno lobius.

Tokios atviros, demokratiškos muzikavimo formos atsirado kaip bažnytiniai koncertai, kuriuose skambėjo ne tik dvasinė, bet ir pasaulietinė muzika. Šie koncertai parapijiečiams buvo rengiami bažnyčių ir katedrų patalpose sekmadieniais po mišių. Įvairūs liaudies melodijų varijavimo būdai plačiai įsiskverbė į profesionalią muziką.

XVII amžiaus instrumentinės muzikos istorija. Italijoje tokia yra instrumentinių ansamblių su pagrindiniu smuiko vaidmeniu kūrimo istorija, nes tik dabar jis pagaliau pakeitė kamerinį išskirtinį šešių stygų smuiką ketvirčių tertų sistema, nustumta į šalį liutnią. Penktoji sistema smuiką padaro instrumentu, ypač suderintu su išraiškingomis harmonijos galimybėmis, vis labiau besiskverbiančiomis į instrumentinę muziką.

Venecija sukūrė pirmąją smuiko mokyklą Italijoje, kurioje pirmą kartą susiformavo profesionalaus styginių trio (du smuikai ir bosas) kompozicija ir buvo apibrėžtas šiam kolektyvui būdingas žanras – daugiabalsė trio sonata.

Amžiaus viduryje susiformuoja sonata, kaip naujo tipo ciklas.

Tai sukėlė:

1) naujo teminio, perkeltinio tikrumo, konkretumo ieškojimas;

2) kompozicijos apimties išplėtimas, dalių apsisprendimas;

3) dinamikos ir lyrikos kontrastas makro ir mikro skalėse.

Pamažu sonata iš kontrastinės kompozicinės formos virsta ciklu.

Vystosi ir siuitų žanras. Pamažu kuriamas koncerto tipas – grosso, šio žanro

Italų instrumentinės muzikos atstovai:

Girolamo Frescobaldi (1583-1643).

XVII amžiaus Italijos vargonų mokyklos įkūrėjas. Jis sukūrė: kanzonų, tokatų, sodrių kačių, choralo adaptacijas vargonams, taip pat klavesino fugas, kanzonas ir partitas. Jis nukrypo nuo griežto praėjusių amžių rašto ir padėjo pamatus naujam laisvam stiliui. Melodingos temos įgavo įvairių žanrinių bruožų, priartindamos jas prie kasdienybės, žemiško gyvenimo. Frescobaldi sukūrė emociškai ryškias ir individualizuotas temas. Visa tai buvo naujas ir šviežias žodis instrumentinėje polifonijoje, to meto melodijoje ir harmoniniame mąstyme.

Arcangelo Corelli (1653–1713)

Didžiausias smuikininkas XVII a. Kūrybinį palikimą sudaro šeši opusai: - Dvylika trio sonatų (su akompanimentu vargonais) - 1685 m.

Dvylika trio sonatų (su klavesinu akompanimentu) – 1685 m.

Dvylika trio sonatų (su akompanimentu vargonais) – 1689 m.

Dvylika trio sonatų (su klavesinu akompanimentu) – 1694 m.

Vienuolika sonatų ir variacijų smuikui (su pritarimu klavesinui) – 1700 m.

Dvylika concerto grosso – 1712 m

Būdinga: teminių kontrastų nebuvimas dalyse; solo ir tutti (vaidinimas) gretinimas muzikiniam audiniui suaktyvinti; aiškus ir atviras vaizduotės pasaulis.

Corelli suteikė sonatai klasikinį formos išbaigtumą. Tapo žanro įkūrėju concerto grosso.

Antonio Vivaldi (1678-1741). Kūrimas.

Italų kompozitorius, smuikininkas, dirigentas, pedagogas. Mokėsi pas savo tėvą Dževaną Batistą Vivaldį, Venecijos Šv. Marko katedros smuikininką, galbūt ir pas G. Legrenzi. 1703-25 m. mokytojas, vėliau orkestro dirigentas ir koncertų vadovas, taip pat Pietos moterų konservatorijos direktorius (nuo 1713 m.) (1735 m. vėl trumpai vadovavo kapelmeisteriu). Jis kūrė muziką daugeliui pasaulietinių ir dvasinių konservatorijos koncertų. Tuo pat metu rašė operas Venecijos teatrams (dalyvavo jų pastatyme). Kaip virtuoziškas smuikininkas koncertavo Italijoje ir kitose šalyse. Pastaraisiais metais praleido Vienoje.

Vivaldi kūryboje koncertas grosso pasiekė aukščiausią viršūnę. Remdamasis A. Corelli pasiekimais, Vivaldi nustatė 3 dalių ciklinę formą concerto grosso, išskyrė virtuozišką solisto partiją. Jis sukūrė solo žanrą instrumentinis koncertas, prisidėjo prie virtuoziško smuiko technikos kūrimo. Vivaldi muzikinis stilius išsiskiria melodingumu, dosnumu, skambesio dinamiškumu ir išraiškingumu, rašto orkų skaidrumu, klasikine harmonija derinama su emociniu turtingumu. Vivaldi koncertai buvo koncertinio žanro modeliai daugeliui kompozitorių, tarp jų ir J. S. Bachui (jis perrašė apie 20 Vivaldi koncertų smuikui klavesinui ir vargonams). Ciklas „Metų laikai“ – vienas ankstyviausių programinės orkestrinės muzikos pavyzdžių.

Vivaldi indėlis į instrumentacijos kūrimą yra reikšmingas (jis pirmasis gabous, ragus, fagotus ir kitus instrumentus panaudojo kaip savarankiškus, o ne dubliuojančius). Vivaldi instrumentinis koncertas buvo klasikinės simfonijos formavimosi etapas. Sienoje buvo sukurtas Vivaldi vardu pavadintas Italijos institutas (vadovas F.Malipiero).

Kompozicijos:

operos (27)-
įskaitant Rolandą – įsivaizduojamą beprotį (Orlando fiato pozzo, 1714 m., teatras „Sant'Angelo“, Venecija), Neroną, tapusį Cezariumi (Nerone fatto Cesare, 1715 m., ten pat), Darijaus karūnavimą (L „incoronazione di Daria“, 1716 m. , ten pat), Meilėje triumfuojanti apgaulė (L "inganno trionfante in amore, 1725, ten pat), Farnache (1727, ten pat, vėliau dar vadinamas Farnache, Ponto valdovas), Kunegonda (1727, ten pat), Olimpijas (1727 m. 1734, ten pat), Griselda (1735, teatras "San Samuele", Venecija), Aristidas (1735, ten pat), Oracle in Messenia (1738, teatras "Sant'Angelo", Venecija), Feraspas (1739, ten pat) ;

oratorija-
Mozė, faraono dievas (Moyses Deus Pharaonis, 1714), triumfuojanti Judita (Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Magų garbinimas (L "Adorazione delli tre Re Magi, 1722);

pasaulietinės kantatos (56)-
įskaitant 37 balsui su basso continuo, 14 balsui su styginiais, orkestru, didžiąja kantata Gloria ir Hymen (1725);

kultinė muzika (apie 55 kūriniai) -
įskaitant Stabat Mater, motetus, psalmes ir kt.;

instrumentinis. veikia-
76 sonatos (su basso continuo), iš jų 30 smuikui, 19 2 smuikams, 10 violončelei, 1 smuikui ir violončelei, 2 liutniai ir smuikui, 2 obojui; 465 koncertai, iš jų 49 koncertai grossi, 331 vienam instrumentui su basso continuo (228 smuikui, 27 violončelei, 6 viol d "amour, 13 skersinėms, 3 išilginėms fleitoms, 12 obojui, 38 fagotui, 1 mandolina) 38 2 instrumentams su basso continuo (25 smuikui, 2 violončelei, 3 smuikui ir violončelei, 2 ragams, 1 mandolinoms), 32 3 ar daugiau instrumentų su basso continuo.

Domenico Scarlatti (1685–1757).

Kompozitorius, didžiausias italų klavieros muzikos meistras. Dauguma puikių klavierių sonatų pavadintos Essercizi (pratimai ), kurį Domenico parašė savo talentingai mokinei Marijai Barbarai, kuri visą gyvenimą buvo atsidavusi mokytojui. Manoma, kad kitas garsus Domenico mokinys buvo ispanų kompozitorius Padre Antonio Soler.

Scarlatti klaverio stiliaus originalumas atsiskleidė 30-yje 1738 m. datuojamų sonatų. Scarlatti sonatos yra pats tikriausias ir rafinuotiausias ispanų muzikos stiliaus atspindys, jose su dideliu gyvybingumu užfiksuota ispaniškų šokių ir šokių dvasia bei ritmas. gitaros kultūra. Šios sonatos dažnai turi griežtai dvejetainę formą (AABB), tačiau jos vidinis turinys labai įvairus.

Tarp ryškiausių kompozitoriaus stiliaus bruožų – disonansinių harmonijų spindesys ir drąsios moduliacijos. Scarlatti klaverio rašto išskirtinumas siejamas su faktūros turtingumu: tai reiškia kairės ir dešinės rankų sukryžiavimą, repeticijas, triles ir kitus ornamentikos būdus. Šiandien Domenico sonatos laikomos viena iš originaliausių kūrinių, kada nors parašytų klavišiniams instrumentams.

Vokietijos instrumentinė muzika.

Instrumentinėje muzikoje XVII a. vargonai užėmė didžiulę vietą. Pirmosiose vokiečių vargonų kompozitorių kartose įdomiausios buvo Scheidto (1587-1654) ir Johanno Frobergerio (1616-1667) figūros. Jų reikšmė labai svarbi polifoninių formų istorijai pakeliui į fugą ir choralo aranžuotes. Frobergeris sujungė vargonų ir klavesino muziką (improvizacija, patosas, virtuoziškumas, mobilumas, smulkus detalių išdirbimas). Tarp tiesioginių Bacho pirmtakų yra Johanas Adam, Georg Böhm, Johann Pachelbel, Dietrich Buxtelhude. Stambūs ir originalūs menininkai, jie tarsi atstovauja įvairioms ikibacho vargonų meno pusėms: Pachelbel – „klasikinė“ linija, Buxtelhude – „barokas“. Buxtelhude'o kūrybai būdinga kompozicijos sklaida, vaizduotės laisvė, polinkis į patosą, dramatiškumą, oratoriškos intonacijos.

Johanas Sebastianas Bachas.

Dauguma instrumentinės muzikos yra grynai pasaulietinė (išimtis – muzika vargonams). Instrumentinėje muzikoje vyksta įvairių sričių, žanrų, pateikimo tipų sąveikos ir abipusio turtėjimo procesas. Muzika klavieriui ir vargonams užima pagrindinę vietą.

Klavieras yra kūrybinė laboratorija. Bachas peržengė repertuaro ribas, instrumentui keldamas kraštutinius reikalavimus. Klaverio stilius išsiskiria energinga ir didinga, santūria ir subalansuota emocine struktūra, tekstūros sodrumu ir įvairove, intonaciniu sodrumu. Bachas pristatė naujas grojimo technikas. Kūriniai: kūriniai pradedantiesiems (mažieji preliudai, fugatos), preliudai ir fugos (HTK), siuitos, koncertai (itališkai), tokatos, fantazijos (laisva improvizacija, patetiškai pakylėtas tonas, virtuoziška faktūra), „Fugos menas“ (sukūrė klasikinė fuga).

Didelis vaidmuo Bacho kūryboje tenka vargonams. Vargonų stilius paliko pėdsaką visame kompozitoriaus instrumentiniame mąstyme. Būtent vargonai priklauso žanrui, jungiančiam instrumentinę muziką su dvasinėmis kantatomis ir aistros – choralų aranžuotėmis (daugiau nei 150). Vargonų kūriniai patraukė į nusistovėjusias formas, tradicinius žanrus, kuriems Bachas suteikė kokybiškai naują interpretaciją: preliudiją ir fugą (išskyrė dvi kompozicines sferas, jas patobulino, sujungdamas į naują sintezę).

Bachas rašė ir kitiems instrumentams: siuitoms violončelei, kameriniams ansambliams, siuitoms orkestrui, koncertams, kurie suvaidino didžiulį vaidmenį tolimesnėje muzikinėje raidoje.

Didžiulis Bacho palikimas turi moralinį poveikį. Jis gerokai peržengė vieną stilių, vieną erą.

Anglijos instrumentinė muzika.

Anglų instrumentinės muzikos srityje formavosi klaverinė mokykla (verzhdinelists - instrumento pavadinimu). Atstovai: Bird, Bull, Morny, Gibbons... Įdomiausi jų kūriniai – variacijos šokių ir dainų tema.

Georgas Friedrichas Hendelis.

Instrumentinė muzika – nurodanti kompozitoriaus braižą, siejama su vokaliniais kūriniais, tai įvaizdžiai, vaizdinės muzikos su žodžiu savybės turi įtakos tematikai, bendrai pjesių išvaizdai, atskiroms partijoms. Apskritai būdingas spindesys, patosas, skambesio tankumas, šventinis iškilmingumas, pilnas skambumas, chiaroscuro kontrastai, temperamentas, improvizacijų išsiliejimas.

Kūrybiniam įvaizdžiui labiausiai būdingas concerto grosso žanras ir koncertas apskritai (vargonams, orkestrui...). Hendelis leido laisvai komponuoti koncertų ciklą, nesilaikė principo „greitai-lėtai“. Jo koncertai (taip pat ir vargonams) yra grynai pasaulietiniai kūriniai su šokio dalimis. Bendrame tone vyrauja šventiškumas, energija, kontrastas, improvizacija.

Hendelis dirbo ir kituose instrumentinės muzikos žanruose: sonatos (trio-sonatos), fantazijos, kaprikos, variacijos, rašė pramoginę muziką (dvikoncertus, „Muzika ant vandens“).

Nepaisant to, pirmaujančią kūrybos sritį užima sintetiniai žanrai: opera, oratorija.

Prancūzijos instrumentinė muzika.

XVII amžius – instrumentinės muzikos istorijos viršūnė. Pasaulio muzikinės kultūros lobynas – prancūzų klavecino virtuozų Jacques'o Chambonnière'o, Louiso Coupreno ir Francois Coupren kūryba. Mėgstamiausias žanras buvo mažų šokių kūrinių rinkinys, kuris seka vienas kitą. F. Kuprenas – naujo instrumentinės muzikos žanro kūrėjas rondo (grojimo klavesinu menas). Klavesino muzikos stilius išsiskiria melodijos sodrumu, ornamentų gausa, lanksčiu grakščiu ritmu.

Baigiamoji dalis.

Barokinės instrumentinės muzikos įtaka vėlesnei muzikai.

Perėjimas į klasicizmo epochą (1740-1780)

Pereinamoji fazė tarp vėlyvojo baroko ir ankstyvojo klasicizmo, kupina prieštaringų idėjų ir bandymų suvienodinti skirtingus požiūrius į pasaulį, turi kelis pavadinimus. Jis vadinamas „galantišku stiliumi“, „rokoko“, „ikiklasikiniu laikotarpiu“ arba „ankstyvuoju klasikiniu laikotarpiu“. Šiuos kelis dešimtmečius baroko stiliumi ir toliau dirbusiems kompozitoriams vis dar sekėsi, tačiau jie jau priklausė ne dabarčiai, o praeičiai. Muzika buvo kryžkelėje: senojo stiliaus meistrai turėjo puikią techniką, o publika jau norėjo naujos. Pasinaudojęs šiuo noru, Carlas Philippas Emmanuelis Bachas išgarsėjo: buvo puikus senojo stiliaus meistras, tačiau sunkiai dirbo, kad jį atnaujinti. Jo klaverinės sonatos pasižymi laisvumu struktūroje, drąsiu kūrinio struktūros darbu.

Šiuo pereinamuoju momentu išaugo skirtumas tarp sakralinės ir pasaulietinės muzikos. Dvasinės kompozicijos išliko daugiausia baroko rėmuose, o pasaulietinė muzika patraukė į naują stilių.

Ypač katalikiškose Vidurio Europos šalyse baroko stilius dvasinėje muzikoje gyvavo iki XVIII amžiaus pabaigos, taip pat ir savo laiku. antikvarinis stilius Renesansas išliko iki XVII amžiaus pirmosios pusės. Haidno ir Mocarto mišiose ir oratorijose, kurių orkestruotė ir ornamentika yra klasikinės, kontrapunktinėse ir harmoninėse struktūrose buvo daug baroko technikų. Baroko nuosmukį lydėjo ilgas senosios ir naujos technikos sambūvio laikotarpis. Daugelyje Vokietijos miestų baroko atlikimo praktika išliko iki 1790-ųjų, pavyzdžiui, Leipcige, kur savo gyvenimo pabaigoje dirbo J. S. Bachas.

Anglijoje nuolatinis Hendelio populiarumas užtikrino sėkmę mažiau žinomiems kompozitoriams, kurie kūrė dabar jau blėstančiu baroko stiliumi: Charles Avison (angl. Charlesas Avisonas ), Williamas Boyesas (angl. Viljamas Boisas ) ir Thomas Augustine Arn (inž. Tomas Augustinas Arnas ). Žemyninėje Europoje šis stilius jau pradėtas laikyti senamadišku; turėti ją reikėjo tik kuriant sakralinę muziką ir baigiant tuomet pasirodžiusią daugelyje konservatorijų.

Baroko technikos ir technikos įtaka po 1760 m

Kadangi daugelis baroko muzikos tapo muzikinio ugdymo pagrindu, baroko stiliaus įtaka išliko ir po baroko pasitraukimo kaip atliekančiojo kompozitoriaus stilius. Pavyzdžiui, nors bendra boso gitara nustojo naudoti, ji išliko muzikinio užrašo dalimi. XIX amžiuje baroko meistrų partitūros buvo spausdinamos pilnais tiražais, o tai paskatino iš naujo domėtis „griežto rašto“ kontrapunktu (pavyzdžiui, rusų kompozitorius S. I. Tanejevas jau XIX a. pabaigoje parašė teorinis darbas „Mobilus griežto rašymo kontrapunktas“).

Barokui pavadinimą suteikė XX a. Pradėtas sistemingas to laikmečio muzikos tyrimas. Baroko formos ir stiliai paveikė tokius įvairius kompozitorius kaip Arnoldas Schoenbergas, Maxas Regeris, Igoris Stravinskis ir Bela Bartok. Dvidešimtojo amžiaus pradžioje atgijo susidomėjimas brandžiais baroko kompozitoriais, tokiais kaip Henry Purcell ir Antonio Vivaldi.

Nemažai šiuolaikinių kompozitorių kūrinių buvo išleisti kaip „prarasti, bet iš naujo atrasti“ baroko meistrų kūriniai. Pavyzdžiui, koncertas altui, kurį sukūrė Henri Casadesus (fr. Henris Gustavas Casadesusas ), bet jis priskyrė Hendeliui. Arba keli Fritzo Kreislerio kūriniai (vok. Fricas Kreisleris ), priskyrė mažai žinomiems baroko kompozitoriams Gaetano Pugnani (ital. Gaetano Pugnani ) ir Padre Martini (ital. Padre Martini ). O XXI amžiaus pradžioje yra kompozitorių, rašančių tik baroko stiliumi, pavyzdžiui, Giorgio Paccioni (Ital. Giorgio Pacchioni).

XX amžiuje daugelis kūrinių buvo sukurti „neobarokiniu“ stiliumi, daugiausia dėmesio skiriant polifonijos imitacijai. Tai tokių kompozitorių kaip Giacinto Scelsi, Paul Hindemith, Paul Creston ir Bohuslav Martinu kūriniai. Muzikologai bando užbaigti nebaigtus baroko epochos kompozitorių kūrinius (žinomiausias iš jų – J. S. Bacho „Fugos menas“). Kadangi muzikinis barokas buvo visos eros bruožas, šiuolaikiniai kūriniai, parašyti „po baroko“, dažnai pasirodo televizijos ir filmų reikmėms. Pavyzdžiui, kompozitorius Peteris Schickelis P. D. K. Bacho pseudonimu parodijuoja klasikinius ir baroko stilius.

XX amžiaus pabaigoje atsirado istoriškai pagrįstas performansas (arba „autentiškas atlikimas“ arba „autentiškumas“). Taip buvo bandoma detaliai atkurti baroko epochos muzikantų atlikimo manierą. Kvanco ir Leopoldo Mocarto kūriniai sudarė baroko muzikos atlikimo aspektų tyrimo pagrindą. Autentiškas atlikimas buvo susijęs su stygų, pagamintų iš gyslelių, o ne iš metalo, naudojimu, klavesino rekonstrukcija, senų garso kūrimo manierų ir pamirštų grojimo technikų panaudojimu. Šiomis naujovėmis pasinaudojo keli populiarūs ansambliai. Tai „Anonymous 4“, Senosios muzikos akademija, Bostono Haydno ir Hendelio draugija, „St. Martin in Fields“ akademija, Williamo Christie „Les Arts Florissants Ensemble“, „Le poeme harmonique“, Kotrynos Didžiojo orkestras ir kt.

XX–XXI amžių sandūroje išaugo susidomėjimas baroko muzika, o pirmiausia – baroko opera. Įžymūs operos dainininkai, tokie kaip Cecilia Bartoli, įtraukė baroko kūrinius į savo repertuarą. Spektakliai atliekami tiek koncertiniu, tiek klasikiniu variantu.

Džiazas

Baroko muzika ir džiazas turi bendrų pagrindų. Baroko muzika, kaip ir džiazas, daugiausia rašoma nedideliems kolektyvams (tuo metu dar nebuvo realios galimybės suburti šimtų muzikantų orkestrą), primena džiazo kvartetą. Taip pat baroko kūriniai palieka platų lauką improvizacijos atlikimui. Pavyzdžiui, daugelyje baroko vokalinių kūrinių yra dvi vokalinės dalys: pirmoji dalis dainuojama/grojama taip, kaip nurodo kompozitorius, o vėliau kartojama, tačiau vokalistas improvizaciniu būdu pagrindinę melodiją papuošia trilomis, gracijomis ir kitomis dekoracijomis. Tačiau, skirtingai nei džiaze, ritmas ir pagrindinė melodija nesikeičia. Barokinė improvizacija tik papildo, bet nieko nekeičia.

XX amžiaus šeštojo dešimtmečio kietojo džiazo stiliaus dalis buvo tendencija traukti paraleles džiazo kompozicijos su baroko muzika. Tokiais muzikiškai ir estetiškai tolimais laikotarpiais atradę bendrus harmoninius ir melodinius principus, muzikantai susidomėjo J.S.Bacho instrumentine muzika. Šių idėjų plėtojimo keliu pasuko nemažai muzikantų ir ansamblių. Tarp jų yra Dave'as Brubeckas, Billas Evansas, Gerry'is Mulliganas, bet tai pirmiausia reiškia „Moderniojo džiazo kvartetą“, kuriam vadovauja pianistas Johnas Lewisas.

Išvada.

Baroko epocha paliko didžiulį kiekį pasaulio kultūros šedevrų, o nemaža dalis jų yra instrumentinės muzikos kūriniai.Taigi barokas gyvena muzikinėje kasdienybėje, lengvosios muzikos intonacijose ir ritmuose, pagarsėjusiame „pagal Vivaldi muziką“, mokyklos normose. muzikos kalba. Baroko epochoje gimę žanrai gyvi ir vystosi savaip: fuga, opera, kantata, preliudas, sonata, koncertas, arija, variacijos...Atsekę ir išanalizavę jos istoriją įsitikinate, kad beveik visa šiuolaikinė muzika yra kažkaip susijusi su baroko epochos muzika, atskirai – su instrumentine. Iki šiol kuriami senosios muzikos ansambliai, ir tai daug ką pasako...

Šaltinių sąrašas:

Enciklopedinis Brockhauso ir Efrono žodynas (1890-1907).

Sposobinas I. „Muzikinė forma“. M., 1984 m

Sherman N. S. „Lygio temperamento formavimas“. M., 1964 m.

Livanova T.N., „Vakarų Europos muzikos istorija iki 1789 m. (XVII a.)“, vadovėlis 2 t. T. 1. M., 1983 m

Rosenshield. "Istorija užsienio muzika iki XVIII amžiaus vidurio. M. „Muzika“ 1979 m

Kolesovas. „Paskaitos apie pasaulio istoriją meninė kultūra“. Kijevas-2000

en.wikipedia.org

muzlit.ru

krugosvet.ru

Apsauginis lakštas.

Baroko epocha (XVII a.) – viena įdomiausių epochų pasaulio kultūros istorijoje. Ypatingą vaidmenį šioje epochoje užima muzikinis menas, kuris prasideda tarsi lemiamu lūžio tašku, bekompromisine kova su senuoju „griežtu stiliumi“.Dominavimas pagaliau nustatomas pasaulietinė muzika(nors Vokietijoje ir kai kuriose kitose šalyse bažnyčia taip pat išlaiko didelę reikšmę).

Baroko muzika, palyginti su Renesanso muzika, tampa sudėtingesnė, o klasicizmo muzika labiau struktūrizuota, mažiau ornamentuota ir atskleidžianti daug emocijų, o baroko muzikoje viena dalis nešė vieną, aiškiai atsektą jausmą.

Išskirtinių muzikantų dėka atsiranda nauji muzikos žanrai, tokie kaip simfonija ir koncertas, sonata vystosi, fuga pasiekia neregėtą populiarumą.. Reikšmingiausia koncerto rūšis yra grosso, šio žanropastatytas ant stiprių kontrastų; instrumentai skirstomi į dalyvaujančius viso orkestro skambesyje ir į mažesnę solinę grupę. Muzika kuriama staigiais perėjimais nuo garsių iki tylių dalių, greiti perėjimai priešinami lėtiesiems.

Neabejotinai baroko instrumentinės muzikos lopšys ir centras yra Italija, kuri pasauliui padovanojo daugiausiai puikių virtuozų kompozitorių (Girolamo Frescobaldi (1583-1643),Domenico Scarlatti (1685–1757),Antonio Vivaldi (1678-1741), Arcangelo Corelli (1653-1713). Šių didžiausių kompozitorių muzika nenustoja džiuginti klausytojų.

Stengiasi neatsilikti nuo Italijos ir kitų Vakarų Europos šalių: Vokietijos, Prancūzijos, Anglijos.

Vokietijoje reikšmingiausia figūra buvo J.S. Bachas, kuris savo kūryboje skyrė vargonams pagrindinį vaidmenį. Didžiulis Bacho palikimas turi moralinį poveikį. Jis gerokai peržengė vieną stilių, vieną erą.

Pasaulio muzikinės kultūros lobynas – prancūzų klavecino virtuozų Jacques'o Chambonnière'o, Louiso Coupreno ir Francois Coupren kūryba.

Anglų instrumentinės muzikos srityje kūrėsi klaverinė mokykla. Žymiausias kompozitorius buvo Georgas Friedrichas Hendelis. Kūrybiniam įvaizdžiui labiausiai būdingas concerto grosso žanras ir koncertas apskritai (vargonams, orkestrui...). Hendelis leido laisvai komponuoti koncertų ciklą, nesilaikė principo „greitai-lėtai“. Jo koncertai (taip pat ir vargonams) yra grynai pasaulietiniai kūriniai su šokio dalimis.

Vėliau baroko instrumentinė muzika padarė didelę įtaką visai vėlesnei muzikai, o bendrų bruožų randama net džiaze.

Jau dabar kuriasi senosios muzikos ansambliai.

Fleita yra vienas seniausių muzikos instrumentų. Jie yra skersiniai ir išilginiai. Išilginiai laikomi tiesiai į priekį, pučiant orą į angą viršutiniame fleitos gale. Skersinės laikomos horizontalia kryptimi, pučiant orą į šoninę fleitos angą.

Pats pirmasis išilginės fleitos paminėjimas egzistuoja m Graikų mitologija ir Egipto istorija (trečiasis tūkstantmetis prieš Kristų).

Kinijoje pirmą kartą paminėta skersinė fleita su penkiomis ar šešiomis pirštų skylutėmis datuojama I tūkstantmetyje prieš Kristų, kaip ir Japonijoje bei Indijoje. Revoliuciniai fleitos dizaino pokyčiai įvyko pačiame XIX amžiaus viduryje, padedant Theobaldui Boehmui.

Nors šiuolaikinės fleitos yra mediniai pučiamieji instrumentai, dažniausiai jos gaminamos iš metalų lydinių, naudojant auksą, sidabrą ir net platiną. Tai suteikia jiems ryškesnį garsą ir lengviau groti nei medinės fleitos, buvusios prieš metalines fleitas praėjusiais šimtmečiais.

Fleita yra vienas virtuoziškiausių simfoninio orkestro instrumentų. Jos parijose gausu arpedžių ir ištraukų.

Variniai muzikos instrumentai

Variniai instrumentai - grupė pučiamųjų muzikos instrumentų , kurio žaidimo principas – išgauti harmoninius sąskambius keičiant pučiamo oro srauto stiprumą ar lūpų padėtį.

Pavadinimas „varis“ istoriškai grįžta į medžiagą, iš kurios buvo pagaminti šie įrankiai, mūsų laikais, be vario, jie dažnai naudojami jų gamybai.žalvario, rečiau sidabro , ir kai kurie viduramžių ir baroko instrumentai su panašiu garso kūrimo būdu (pvz. gyvatė ) buvo pagaminti iš medžio.

Variniai pučiamieji instrumentai apima modernų ragas, trimitas, kornetas, fliugelhornas, trombonas, tūba . Atskira grupė yra sakshornai . Senoviniai variniai instrumentai - maišas (šiuolaikinio trombono pirmtakas), gyvatė ir kiti Kai kurie liaudies instrumentai taip pat yra variniai, pavyzdžiui, Vidurinės Azijos karnay.

Varinių pučiamųjų instrumentų istorija

Menas pūsti įdubą ragas gyvūnas ar kiaute buvo žinomas jau senovėje. Vėliau žmonės išmoko iš metalo gaminti specialius įrankius, panašius į ragus, skirtus kariniams, medžioklės ir religiniams tikslams.

Šiuolaikinių žalvarinių instrumentų protėviai buvo medžiokliniai ragai, kariniai ragai ir stulpo ragai. Šie įrankiai, kurie neturėjo mechanizmo vožtuvai davė keletą garsųnatūralus mastas , išgautas tik atlikėjos lūpų pagalba. Iš čia atsirado karinės ir medžioklės fanfaros bei signalai, paremti natūralaus masto garsais, kurie tvirtai įsitvirtino muzikinėje praktikoje.

Tobulėjant metalo apdirbimo ir metalo gaminių gamybos technologijai, atsirado galimybė gaminti tam tikrų matmenų ir pageidaujamo apdailos laipsnio vamzdžius pučiamiesiems instrumentams. Tobulėjus variniams vėjo vamzdžiams ir tobulėjant menui išgauti didelį kiekį garsų iš natūralaus jų mastelio, atsirado koncepcija.natūralūs instrumentai , tai yra instrumentai be mechanizmo, galintys gaminti tik natūralų mastelį.

XIX amžiaus pradžioje buvo išrastas vožtuvo mechanizmas, kuris kardinaliai pakeitė atlikimo techniką ir padidino varinių pučiamųjų instrumentų galimybes.

Varinių instrumentų klasifikacija

Variniai pučiamieji instrumentai skirstomi į kelias šeimas:

• Vožtuvų įrankiai turėti kelis vartus (dažniausiai tris ar keturis), valdomus atlikėjo pirštais. Vožtuvo principas yra akimirksniu į pagrindinį vamzdelį įtraukti papildomą karūnėlę, kuri padidina instrumento ilgį ir nuleidžia visą jo sistemą. Keli vožtuvai, jungiantys skirtingo ilgio vamzdžius, leidžia gauti chromatinę skalę. Dauguma šiuolaikinių varinių varinių instrumentų yra vožtuviniai – ragai, trimitai, tūbai, sakshornai ir tt Yra dviejų konstrukcijų vožtuvai – „sukamasis“ ir „stovintis“ (stūmoklis).
• Jungo įrankiai naudokite specialų U formos ištraukiamą vamzdelį - sceną, kurios judėjimas keičia oro ilgį kanale, taip sumažinant arba padidinant ištraukiamus garsus. Pagrindinis muzikoje naudojamas roko instrumentas yra trombonas.
• natūralūs instrumentai neturi jokių papildomų vamzdelių ir gali išgauti tik natūralaus masto garsus. XVIII amžiuje ypatingasgamtos ragų orkestrai . Iki XIX amžiaus pradžios natūralūs instrumentai buvo plačiai naudojami muzikoje, vėliau, išradus vožtuvų mechanizmą, jie nebenaudojami. XIX–XX amžių kompozitorių (Wagnerio, R. Strausso, Ligeti) partitūrose kartais aptinkami ir natūralūs instrumentai specialiems garso efektams. Natūralūs instrumentai yra senoviniai trimitai ir prancūziški ragai, taip patalpinis ragas , fanfaros, bugle, signaliniai rageliai (medžioklė, paštas) ir panašiai.
• Vožtuvų instrumentai ant korpuso turi skylutes, atidarytas ir uždarytas atlikėjo pirštais, kaip irmediniai pučiamieji . Tokie instrumentai buvo plačiai paplitę iki XVIII a., tačiau dėl tam tikrų nepatogumų jais groti vėliau ir jie nustojo naudoti. Pagrindiniai vožtuviniai variniai instrumentai – kornetas (cinkas), gyvatė , ophicleid, vožtuvo vamzdis . Jie taip pat apima pašto ragas.

Šiais laikais, atgimstant susidomėjimui senąja muzika, grojimas natūraliais ir vožtuviniais instrumentais vėl tampa praktika.

Žalvariniai instrumentai taip pat gali būti klasifikuojami pagal jų akustines savybes:

• Pilnas― instrumentai, kuriais galite išgauti pagrindinį harmoninės skalės toną.
• pusė― instrumentai, kurių pagrindinio tono negalima išgauti, o skalė prasideda antruoju harmoniniu sąskambiu.

Varinių pučiamųjų instrumentų panaudojimas muzikoje

Variniai pučiamieji instrumentai plačiai naudojami įvairiuose muzikos žanruose ir kompozicijose. Dalissimfoninis orkestras jie sudaro vieną pagrindinių jos grupių. Į standartinę simfoninio orkestro sudėtį įeina:

• Ragai (lyginis skaičius nuo dviejų iki aštuonių, dažniausiai keturi)
• Vamzdžiai (nuo dviejų iki penkių, dažniausiai nuo dviejų iki trijų)
• Trombonai (paprastai trys: du tenorai ir vienas bosas)
• Vamzdis (dažniausiai vienas)

XIX amžiaus partitūrose dažnai buvo įtrauktas ir simfoninis orkestras kornetai , tačiau, tobulėjant atlikimo technikai, jų dalys pradėtos atlikti vamzdžiais. Kiti pučiamųjų instrumentai orkestre pasirodo tik retkarčiais.

Variniai instrumentai yra pagrindasdūdų orkestras , kuri, be minėtų priemonių, taip pat apima sakshornai skirtingų dydžių.

Solinės literatūros pučiamiesiems yra gana daug – jau ankstyvojo baroko epochoje egzistavo virtuoziški natūralių vamzdžių ir ragų atlikėjai, kuriems kompozitoriai noriai kūrė savo kompozicijas. Romantizmo epochoje šiek tiek sumažėjus susidomėjimui pučiamaisiais instrumentais, XX amžiuje buvo atrastos naujos pučiamųjų instrumentų atlikimo galimybės ir žymiai išplėstas jų repertuaras.

Kameriniuose ansambliuose pučiamųjų instrumentai naudojami palyginti retai, tačiau patys juos galima sujungti į ansamblius, iš kurių dažniausiai pasitaiko pučiamųjų kvintetas (du trimitai, ragas, trombonas, tūba).

Trimitai ir trombonai vaidina svarbų vaidmenį džiazas ir daugybė kitų šiuolaikinės muzikos žanrų.

Ksilofonas

klasifikacija
Susiję instrumentai
Ksilofonas „Wikimedia Commons“.

Ksilofonas(iš graikų kalbos. ξύλον - medis + φωνή - garsas) -mušamasis muzikos instrumentas su tam tikru žingsniu. Tai įvairių dydžių medinių kaladėlių serija, suderinta pagal tam tikras natas. Strypai mušami pagaliukais su sferiniais antgaliais arba specialiais plaktukais, kurie atrodo kaip maži šaukšteliai (muzikų žargonu šie plaktukai vadinami „ožio kojomis“).

Tembras ksilofonas yra aštrus ir spaudžiamas forte ir švelnus fortepijonui.

Instrumento istorija

Ksilofonas turi senovės kilmė– tarp skirtingų tautų buvo ir tebėra sutinkami paprasčiausi tokio tipo instrumentai Afrika, Pietryčių Azija , Lotynų Amerika .

Europoje pirmasis ksilofono paminėjimas datuojamas XVI amžiaus pradžioje: Arnoltas Schlickas savo traktate apie muzikos instrumentus mini panašų instrumentą, vadinamą hueltze glechter. Iki XIX amžiaus europietiškas ksilofonas buvo gana primityvus instrumentas, susidedantis iš maždaug dviejų dešimčių medinių strypų, surištų į grandinę ir išdėstytų ant lygaus paviršiaus grojimui. Patogumas neštis tokį instrumentą patraukė keliaujančių muzikantų dėmesį.

Guzikovo patobulintas ksilofonas

Ksilofono tobulinimas prasidėjo 1830 m. Baltarusijos muzikantas Michoelis Guzikovas išplėtė savo diapazoną iki dviejų su puse oktavų, taip pat pakeitė dizainą, specialiu būdu išdėliodamas strypus keturiose eilėse. Šis ksilofono modelis buvo naudojamas daugiau nei šimtą metų.

Šiuolaikiniame ksilofone strypai išdėstyti dviem eilėmis kaip fortepijono klavišai, su skardinių vamzdelių pavidalo rezonatoriais ir padėti ant specialaus stalinio stovo, kad būtų lengviau judėti.

Ksilofono vaidmuo muzikoje

Pirmasis žinomas ksilofono panaudojimas orkestre yra Septynios variacijos.Ferdinandas Caueris parašyta 1810 m metų. Jo partijos įtrauktos į jo kūrinius prancūzų kompozitorius Kastneris. Viena garsiausių kompozicijų, kurioje dalyvauja ksilofonas, yra simfoninė poemaCamille Saint-Saens "Mirties šokis" ( 1872 ).

Šiuo metu ksilofonas naudojamassimfoninis orkestras , scenoje, itin retai – kaip solo instrumentas ("Fantazė japoniškų graviūrų temomis" ksilofonui ir orkestrui, op. 211, () 1964) Alana Hovaness).

Domra

Domra yra senas rusiškas styginis muzikos instrumentas. Jo likimas yra nuostabus ir unikalus savo rūšimi.

Iš kur ji atsirado, kaip ir kada domra atsirado Rusijoje, tyrinėtojams tebėra paslaptis. IN istoriniai šaltiniai apie domrą išliko mažai informacijos, dar mažiau senovės rusų domros atvaizdų atkeliavo iki mūsų. O ar ant pas mus atkeliavusių dokumentų vaizduojamos domros, ar kokie kiti tais laikais įprasti plėšiami instrumentai, taip pat nežinia. Pirmasis domros paminėjimas buvo rastas XVI amžiaus šaltiniuose. Jie kalba apie domrą kaip apie instrumentą, kuris tuo metu jau buvo gana įprastas Rusijoje.

Šiuo metu yra dvi labiausiai tikėtinos domros kilmės versijos. Pirmoji ir labiausiai paplitusi versija apie rytines Rusijos domros šaknis. Iš tiesų, instrumentai, panašūs savo dizainu ir garso išgavimo būdu, egzistavo ir tebeegzistuoja Rytų šalių muzikinėse kultūrose. Jei kada nors matėte ar girdėjote kazachų dombrą, turkišką baglamą ar tadžikų rubabą, galbūt pastebėjote, kad jie visi turi apvalią arba ovalią formą, plokščią garso lentą, garsas išgaunamas smogiant skirtingo dažnio ir intensyvumo plektrai. Visuotinai priimta, kad visi šie instrumentai turėjo vieną protėvį – rytinį tanburą. Būtent tanburas turėjo ovalo formą ir plokščią garso lentą, grojo su specialia iš improvizuotų medžiagų išskaptuota lustu – plektrumu. Spėjama, kad instrumentas, vėliau pavirtęs į domrą, buvo atvežtas arba totorių-mongolų jungo laikais, arba palaikant prekybinius ryšius su Rytų šalimis. Ir pats pavadinimas „domra“ neabejotinai turi tiurkų šaknį.

Kita versija remiasi prielaida, kad domra kilmė iš Europos liutnios. Iš esmės viduramžiais bet kokia styga buvo vadinama liutnia. plėšytas instrumentas, kuris turėjo kūną, kaklą ir stygas. Savo ruožtu liutnia taip pat kilo iš rytietiško instrumento – arabiško al-ud. Galbūt domros išvaizdai ir dizainui įtakos turėjo Vakarų, Europos, slavų instrumentai, pavyzdžiui, lenkų-ukrainiečių kobza ir patobulinta jos versija - bandura. Tiesiog bandura daug ką pasiskolino tiesiai iš liutnios. Atsižvelgiant į tai, kad viduramžiais slavai nuolat palaikė sudėtingus istorinius ir kultūrinius santykius, žinoma, domra taip pat gali būti laikoma gimininga visiems to meto Europos styginiams plėšiamiesiems instrumentams.

Taigi, remdamiesi iki šiol sukauptomis žiniomis ir tyrimais, galime daryti išvadą, kad domra buvo tipiškas rusiškas instrumentas, kuris, kaip ir daugelyje mūsų valstybės kultūros ir istorijos, apjungė europietiškus ir azijietiškus bruožus.

Nepaisant to, kad ir kokia būtų tikroji domros kilmė, yra gerai žinoma, kad instrumentas tokiu pavadinimu egzistavo Rusijoje ir buvo neatsiejama XVI–XVII a. Rusijos kultūros dalis. Jį grojo buffon muzikantai, ką liudija tyrėjams gerai žinoma patarlė „Džiaugiuosi, kad bufai kalba apie savo domras“. Be to, karališkajame dvare buvo visa „Pramogų kamera“, savotiška muzikinė ir pramoginė grupė, kurios pagrindas buvo bufonai su savo domromis, arfomis, ragais ir kitais senovės rusų muzikos instrumentais. Be to, kai kurių tyrinėtojų teigimu, domra tuo metu jau buvo sukūrusi ansamblinių veislių šeimą. Mažiausias ir girgždantis buvo vadinamas „domriška“, didžiausias ir žemiausiai skambantis – „bass domra“.

Taip pat žinoma, kad domra ir domra atlikėjai - bufonai ir "domrachi" turėjo didelį populiarumą tarp žmonių. Įvairios šventės, šventės ir liaudies šventės visais laikais ir tarp visų tautų buvo lydimos dainomis ir groti muzikos instrumentais. Rusijoje viduramžiais linksminti žmones buvo „domračejevų“, „žąsų“, „skrypočikovų“ ir kitų muzikantų dalis. Domra, kaip arfa, jie akomponavo liaudies epas, epai, legendos, o liaudies dainose domra palaikė melodinę liniją. Autentiškai žinoma, kad buvo įkurta amatų domrų ir domrų stygų gamyba, kurios gabenimo į teismą ir Sibirą įrašai saugomi istoriniuose dokumentuose ...

Spėjama, kad domros gaminimo technologija buvo tokia: iš vientiso medžio gabalo buvo išgraužtas kūnas, prie jo pritvirtinama lazda-grifas, traukiamos virvelės ar gyvūnų gyslos. Jie žaidė su skeveldra, plunksna, žuvies kaulu. Palyginti paprasta technologija, matyt, leido instrumentą plačiai naudoti Rusijoje.

Tačiau čia domros istorijoje ateina pats dramatiškiausias momentas. Susirūpinę pasaulietinės kultūros raida, bažnyčios tarnautojai paėmė ginklą prieš muzikantus ir bufonų pasirodymus paskelbė „demoniškais žaidimais“. Dėl to 1648 metais caras Aleksejus Michailovičius išleido dekretą dėl masinio nekaltų instrumentų – „demoniškų žaidimų“ įrankių – naikinimo. Garsiajame potvarkyje rašoma: „Kur bus domrai, surnai, pyptelėjimai, psalteriai, hari, ir visokie zujantys indai... liepė paimti ir, sulaužius tuos demoniškus žaidimus, liepė sudeginti“. XVII amžiaus vokiečių keliautojo Adomo Olearijaus teigimu, rusams instrumentinė muzika apskritai buvo uždrausta, o kartą per Maskvos upę buvo pervežti ir ten sudeginti keli vežimėliai, prikrauti iš gyventojų paimtų instrumentų. Persekiojami buvo ir muzikantai, ir buferis apskritai.

Galbūt tokio išties tragiško likimo vingio nėra nutikę jokiam pasaulio muzikos instrumentui. Taigi, ar dėl barbariško naikinimo ir draudimo, ar dėl kitų priežasčių, bet po XVII amžiaus tyrinėtojai neranda jokio reikšmingo senosios domros paminėjimo. Senovės rusiško instrumento istorija čia baigiasi ir būtų galima joje padaryti tašką, bet... Domrai buvo lemta tiesiogine to žodžio prasme atgimti iš pelenų!

Tai atsitiko dėl išskirtinio tyrinėtojo ir muzikanto, neįprastai talentingo ir nepaprasto žmogaus - Vasilijaus Vasiljevičiaus Andrejevo veiklos. 1896 m. Vyatkos provincijoje jis atrado nežinomą instrumentą pusrutulio formos korpusu. Iš jo išvaizdos darydamas prielaidą, kad tai yra domra, jis nuėjo pas garsųjį meistrą Semjoną Ivanovičių Nalimovą. Kartu jie sukūrė naujo instrumento dizainą, pagrįstą rastojo forma ir dizainu. Istorikai vis dar ginčijasi, ar Andrejevo rastas instrumentas tikrai buvo sena domra. Nepaisant to, 1896 metais rekonstruotas instrumentas buvo vadinamas „domra“. Apvalus kūnas, vidutinio ilgio kaklas, trys stygos, ketvirta sistema – taip atrodė rekonstruota domra.

Tuo metu Andrejevas jau turėjo balalaikų orkestrą. Tačiau norint įgyvendinti jo genialų sumanymą, Didžiajam Rusijos orkestrui reikėjo pirmaujančios melodingos instrumentų grupės, o atkurta domra su naujomis galimybėmis puikiai tiko šiam vaidmeniui. Kalbant apie Didžiojo Rusijos orkestro kūrimo istoriją, verta paminėti dar vieną išskirtinį asmenį, be kurio idėja, ko gero, nebūtų radusi savo įsikūnijimo. Tai pianistas ir profesionalus kompozitorius Nikolajus Petrovičius Fominas, artimiausias Andrejevo bendražygis. Būtent dėl ​​profesionalaus Fomino požiūrio Andrejevo ratas, iš pradžių mėgėjas, studijavo natų raštą, buvo profesionalus, o vėliau savo pasirodymais užkariavo klausytojus tiek Rusijoje, tiek užsienyje. Ir jei Andrejevas pirmiausia buvo idėjų generatorius, tai Fominas tapo asmeniu, kurio dėka iš tikrųjų domras ir balalaikas pradėjo tobulėti kaip visaverčiai akademiniai instrumentai.

Bet grįžkime prie domros. Laikotarpiu 1896-1890 m. V. Andrejevas ir S. Nalimovas sukūrė ansamblines domros veisles. Pirmuosius kelis dešimtmečius po naujo gimimo domra vystėsi kartu su orkestro ir ansamblio pasirodymu.

Tačiau beveik iš karto buvo atskleisti kai kurie Andrejevo domros galimybių apribojimai, dėl kurių buvo bandoma jį konstruktyviai patobulinti. Pagrindinė užduotis buvo išplėsti instrumento asortimentą. 1908 m., dirigento G. Liubimovo siūlymu, meistras S. Burovas sukūrė keturstygę domrą su penktąja sistema. „Keturių stygų“ gavo smuiko diapazoną, tačiau, deja, tembru ir spalva buvo prastesnis už „trijų stygų“. Vėliau atsirado ir jo ansamblio atmainos bei keturių stygų domrų orkestras.

Susidomėjimas domra kasmet augo, plėtėsi muzikinis ir techninis akiratis, atsirado virtuoziškų muzikantų. Galiausiai 1945 m. buvo sukurtas pirmasis instrumentinis koncertas domrai su rusų liaudies instrumentų orkestru. garsus koncertas g-moll Nikolajus Budaškinas buvo parašytas orkestro koncertmeisterio prašymu. Osipovas Aleksejus Simonenkovas. Šis įvykis atvėrė naują erą domros istorijoje. Atsiradus pirmajam instrumentiniam koncertui, domra tampa soliniu, virtuozišku instrumentu.

1948 m. Maskvoje Valstybiniame muzikiniame ir pedagoginiame institute, pavadintame I. I. vardu, buvo atidarytas pirmasis Rusijoje liaudies instrumentų skyrius. Gnezinai. Pirmasis domros mokytojas buvo puikus kompozitorius Ju. Šišakovas, o vėliau – jaunieji šio vardo orkestro solistai. Osipova V. Miromanovas ir A. Aleksandrovas – pirmosios grojimo trijų stygų domra mokyklos kūrėjai. Ačiū aukštesniajam profesinis išsilavinimas iš pradžių liaudiškas instrumentas domra per trumpą laiką praėjo akademinės scenos kelią, kuriame šimtmečius užtruko simfoninio orkestro instrumentai (juk smuikas kadaise buvo liaudies instrumentas!).

„Domra“ pasirodymas juda į priekį milžinišku tempu. 1974 m. įvyko I visos Rusijos liaudies instrumentų atlikėjų konkursas, kurio nugalėtojais tapo puikūs virtuozai domristai - Aleksandras Cigankovas ir Tamara Volskaja (žr. kūrybinė veikla kurie dešimtmečiams į priekį lėmė domros meno raidos kryptį tiek pačioje atlikimo srityje, tiek domros repertuare.

Šiandien domra yra jaunas, perspektyvus instrumentas, turintis didžiulį, pirmiausia muzikinį ir išraiškingą potencialą, turintis tikrai rusiškas šaknis ir, nepaisant to, pakilęs į akademinio žanro aukštumas. Koks bus jo tolesnis likimas? Žodis yra jūsų, brangūs domistai!

Balalaika

apibūdinimas
Korpusas klijuojamas iš atskirų (6-7) segmentų, ilgo kaklo galva šiek tiek atlenkta atgal. Metalinės stygos (XVIII a. dvi iš jų buvo gysluotos; šiuolaikinės balalaikos turi nailonines arba anglines stygas). Ant šiuolaikinės balalaikos grifto yra 16-31 metalinis griovelis (iki XIX a. pabaigos - 5-7 priverstiniai grifai).

Garsas garsus, bet švelnus. Dažniausios garso išgavimo technikos: barškėjimas, pizzicato, double pizzicato, single pizzicato, vibrato, tremolo, frakcijos, gitaros triukai.

statyti

Iki to laiko, kai Vasilijus Andrejevas balalaiką pavertė koncertiniu instrumentu XIX amžiaus pabaigoje, ji neturėjo nuolatinės, visur paplitusios sistemos. Kiekvienas atlikėjas instrumentą derino pagal savo atlikimo stilių, bendrą grojamų kūrinių nuotaiką, vietos tradicijas.

Andrejevo įdiegta sistema (dvi stygos vieningai – nata „mi“, viena – kvortu aukštesnė – nata „la“ (ir pirmosios oktavos „mi“ ir „la“) plačiai paplito tarp koncertinių balalaikų grotojų ir pradėjo vadinti „akademiniu". Taip pat yra „liaudiška" sistema - pirmoji eilutė yra „druska", antroji - "mi", trečioji - "do". Šioje sistemoje triados lengviau paimamos, trūkumas tai sunkumas grojant atviromis stygomis.Be to, kas paminėta, yra ir regioninės instrumento derinimo tradicijos.Retos vietinės nuostatos siekia dvi dešimtis ..

Veislės

Šiuolaikiniame rusų liaudies instrumentų orkestre naudojamos penkios balalaikų atmainos: prima, antroji, altas, bosas ir kontrabosas. Iš jų tik prima yra solinis, virtuozinis instrumentas, o likusiems priskiriamos grynai orkestrinės funkcijos: sekundė ir altas įgyvendina akordo pritarimą, o bosas ir kontrabosas atlieka boso funkciją.

Paplitimas

Balalaika yra gana paplitęs muzikos instrumentas, studijuojamas Rusijos, Baltarusijos, Ukrainos ir Kazachstano akademinėse muzikinėse mokymo įstaigose.

Mokymosi balalaikoje trukmė vaikų muzikos mokykloje yra 5 - 7 metai (priklausomai nuo mokinio amžiaus), o vidutiniškai švietimo įstaiga- 4 metai, aukštojoje mokykloje 4-5 metai. Repertuaras: liaudies dainų aranžuotės, klasikinių kūrinių aranžuotės, autorinė muzika.

Istorija
Nėra vieno požiūrio į balalaikos atsiradimo laiką. Manoma, kad balalaika plinta nuo XVII amžiaus pabaigos. Tobulėjo V. Andrejevo dėka kartu su meistrais Paserbskiu ir Nalimovu. Sukurta modernizuotų balalaikų šeima: pikolo, prima, sekundė, altas, bosas, kontrabosas. Balalaika naudojama kaip solo koncertas, ansamblis ir orkestro instrumentas.

Etimologija
Jau pats instrumento pavadinimas yra kurioziškas, tipiškai liaudiškas, skiemenų skambesiu perteikiantis grojimo juo charakterį. Žodžių „balalaika“ šaknis arba, kaip dar buvo vadinama „balabayka“, jau seniai traukė tyrinėtojų dėmesį giminingumu su tokiais rusiškais žodžiais kaip balakat, balabonit, balabolit, joker, o tai reiškia plepėti, tuščią. skambučiai (grįžkite prie bendrinės slavų kalbos *bolbol tos pačios reikšmės ). Visos šios sąvokos, viena kitą papildydamos, perteikia balalaikos esmę – lengvo, juokingo, „triukšmingo“, nelabai rimto instrumento.

Pirmą kartą žodis „balalaika“ aptinkamas rašytiniuose paminkluose, datuojamuose Petro I valdymo laikais.

Pirmasis rašytinis balalaikos paminėjimas yra 1688 m. birželio 13 d. dokumente „Atmintis nuo Streltsy ordino iki Mažosios Rusijos ordino“ (RGADA), kuriame, be kita ko, pranešama, kad Maskvoje buvo atvežtas Streltsy ordinas. “<...>miestietis Savka Fiodorovas<...>Taip<...>valstietis Ivaška Dmitrijevas, o su jais buvo atvežta balalaika, kad jie vežimo arkliu vežimu nuvažiavo prie Yausky vartų, dainavo dainas ir grojo balalaiką toi, o sargybiniai lankininkai, stovėję prie Yausky vartų sargyboje, bardavo.<...>».

Kitas rašytinis šaltinis, kuriame minima balalaika, yra Petro I pasirašytas „Regitras“, nurodantis 1715 m.: Sankt Peterburge, per juokdarių „princo-tėčio“ N. M. Zotovo vestuves, be kitų instrumentų. nešamas mumerių, buvo pavadintos keturios balalaikos.

Pirmą kartą šis žodis buvo patvirtintas XVIII amžiaus pradžios ukrainiečių kalboje (1717–1732 m. dokumentuose) „balabaika“ forma (akivaizdu, kad tai senesnė jo forma, išlikusi ir Kursko bei Karačiovo tarmėse ). Rusų kalba pirmą kartą V. I. Maikovo eilėraštyje „Elisey“, 1771 m., 1 daina: „Tu sureguliuok man švilpuką ar balalaiką“.

Violončelė (itališka violončelė, sutrumpinta violončelė, vokiška violončelė, prancūziška violončelė, angliška violončelė)

Boso ir tenoro registro sulenkiamas styginis muzikos instrumentas, žinomas nuo pirmojo pusės XVI a amžiaus, tokios pat struktūros kaip smuikas ar altas, bet daug didesnės. Violončelė turi plačias išraiškos galimybes ir kruopščiai išplėtotą atlikimo techniką, naudojama kaip solo, ansamblio ir orkestro instrumentas.

Instrumento atsiradimo ir raidos istorija

Violončelės atsiradimas siekia XVI amžiaus pradžią. Iš pradžių jis buvo naudojamas kaip bosinis instrumentas, akomponuojantis dainuojant ar grojant aukštesnio registro instrumentu. Buvo daugybė violončelės atmainų, kurios viena nuo kitos skyrėsi dydžiu, stygų skaičiumi ir derinimu (dažniausiai derino toną žemesniu už šiuolaikinį).
XVII–XVIII amžiuje iškilių Italijos mokyklų muzikos meistrų (Nicolo Amati, Giuseppe Guarneri, Antonio Stradivari, Carlo Bergonzi, Domenico Montagnana ir kt.) pastangomis buvo sukurtas klasikinis violončelės modelis su tvirtai nusistovėjusiu kūno dydžiu. XVII amžiaus pabaigoje pasirodė pirmieji soliniai kūriniai violončelei - Giovanni Gabrieli sonatos ir ricercars. Nuo XVIII amžiaus vidurio violončelė pradėta naudoti kaip koncertinis instrumentas dėl ryškesnio, pilnesnio skambesio ir tobulėjančios atlikimo technikos, galiausiai išstūmusią iš muzikinės praktikos viola da gamba. Violončelė taip pat yra simfoninio orkestro ir kamerinių ansamblių dalis. Išskirtinio muzikanto Pablo Casalso pastangomis violončelė galutinai pripažinta vienu iš pirmaujančių muzikos instrumentų XX amžiuje. Vystantis šio instrumento atlikimo mokykloms, atsirado daug virtuoziškų violončelininkų, kurie nuolat koncertuoja solo.
Violončelės repertuaras labai platus, jame gausu koncertų, sonatų, nekomponuotų kūrinių.


]Grojimo violončele technika

Mstislavas Rostropovičius su Stradivario Duport violončele.
Grojimo ir potėpių principai atliekant violončele yra tokie patys kaip ir smuiku, tačiau dėl didesnio instrumento dydžio ir skirtingos žaidėjo padėties grojimo violončele technika yra kiek apribota. Naudojami flageoletai, pizzicato, nykščio statymai ir kitos žaidimo technikos. Violončelės skambesys sultingas, melodingas ir įtemptas, šiek tiek suspaustas viršutiniame registre.
Violončelės stygos struktūra: C, G, d, a (do, didelės oktavos druska, re, la mažos oktavos), tai yra oktava žemiau alto. Violončelės diapazonas dėl išvystytos grojimo a styga technikos yra labai platus – nuo ​​C (iki didelės oktavos) iki a4 (ketvirtos oktavos A) ir aukštesnės. Natos rašomos boso, tenoro ir aukštųjų dažnių klavišais pagal tikrąjį garsą.


instrumentą laikė kojų blauzdos
Grojant atlikėja violončelę remia į grindis tik XIX a. pabaigoje paplitusia kapstana (prieš tai instrumentas buvo laikomas už kojų blauzdų). Ant šiuolaikinių violončelių plačiai naudojamas prancūzų violončelininko P. Tortelier išrastas lenktas kapstanas, suteikiantis instrumentui plokštesnę padėtį, šiek tiek palengvinantis grojimo techniką.
Violončelė plačiai naudojama kaip solo instrumentas, violončelių grupė naudojama styginių ir simfoniniuose orkestruose, violončelė yra privalomas styginių kvarteto narys, kuriame ji yra žemiausia (išskyrus kontrabosą, kuris kartais naudojamas it) instrumentų skambesį, taip pat dažnai naudojamas kituose kameriniuose ansambliuose. Orkestro partitūroje violončelės partija įrašyta tarp altų ir kontrabosų partijų.

Smuiko sukūrimo istorija

Muzikos istorija mano, kad smuikas tobuliausia forma atsirado XVI a. Tuo metu jau buvo žinomi visi viduramžiais veikę lankiniai instrumentai. Jie buvo išdėstyti tam tikra tvarka, o to meto mokslininkai su didesne ar mažesne tikimybe žinojo visą jų kilmę. Jų skaičius buvo didžiulis ir dabar nebereikia gilintis į šio reikalo gelmes.

Naujausi tyrinėtojai padarė išvadą, kad smuikas jokiu būdu nėra sumažintas „viola da gamba“. Be to, pakankamai tiksliai nustatyta, kad abiejų šių tipų prietaisai savo įrenginyje labai skiriasi vienas nuo kito. Visi instrumentai, susiję su „viole da gamba“, turėjo plokščią nugarą, plokščius kraštus, kaklą, padalintą raiščiais, galvą rečiau trefoil pavidalu ir dažniau su gyvūno ar žmogaus galvos atvaizdu, išpjovomis viršutinis instrumento paviršius lotyniškos raidės "C" kontūrais ir galiausiai stygų derinimas ketvirtais ir trečdaliais. Atvirkščiai, „viola da brachio“, kaip tiesioginis šiuolaikinio smuiko pirmtakas, turėjo penktą stygų derinimą, išgaubtą nugarą, šiek tiek paaukštintos briaunos, grifas be jokių griovelių, galva – smuiko formos. slinktis ir įpjovos arba „efs“, mažųjų raidžių kontūruose, nukreiptuose vienas į kitą, lotyniškas f kursyvu.
Ši aplinkybė lėmė tai, kad tikrąją smuikų šeimą sudarė nuoseklus gamba mažinimas. Taip susidarė pilna senojo „kvarteto“ ar „kvinteto“ kompozicija, sudaryta tik iš įvairaus dydžio altų. Tačiau kartu su visa smuikų šeimos atsiradimu buvo sukurtas ir patobulintas instrumentas, kuris turėjo visas išskirtines ir svarbiausias charakterio bruožai modernus smuikas. Ir šis instrumentas, tiesą sakant, yra net ne „rankinis altas“ tiesiogine to žodžio prasme, o vadinamoji „rankinė lyra“, kuri, kaip slavų kraštų liaudies instrumentas, sudarė šiuolaikinio pagrindą. smuikų šeima. Didysis Rafaelis(1483-1520) viename iš savo 1503 m. paveikslų puikiai pavaizduotas šis instrumentas. Ją apmąstant, nekyla nė menkiausios abejonės, kad iki visiško „rankų lyros“ virsmo tobulu mūsų laikų smuiku liko visai nedaug. Vienintelis skirtumas, skiriantis Rafaelio įvaizdį nuo šiuolaikinio smuiko, slypi tik stygų skaičiumi - jų yra penkios, kai yra du bosiniai - ir kaiščių kontūrai, kurie vis dar labai primena smuiko kaiščius. senas smuikas.
Nuo tada įrodymų padaugėjo neįtikėtinu greičiu. Nereikšmingos senovės „lyros da brachio“ įvaizdžio pataisos suteiktų jam labiausiai nepriekaištingą panašumą į šiuolaikinį smuiką. Šie liudijimai seno smuiko pavidalu datuojami dar 1516 ir 1530 m., kai Bazelio knygnešys pasirinko senas smuikas su savo prekės ženklu. Tuo pat metu žodis „smuikas“ prancūziško stiliaus smuiku pirmą kartą pasirodė XVI amžiaus pradžios prancūzų žodynuose. Henri Pruneer (1886-1942) teigia, kad jau 1529 m. šis žodis yra kai kuriuose to meto verslo dokumentuose. Tačiau požymius, kad „smuiko“ sąvoka atsirado apie 1490 m., reikėtų laikyti abejotinais. Italijoje žodis violonista smuiko reikšme pradėjo atsirasti nuo 1462 m., o pats žodis smuikas smuiko reikšme pradėtas vartoti tik po šimto metų, kai paplito. Anglai prancūzišką šio žodžio rašybą perėmė tik 1555 m., tačiau po trejų metų ją pakeitė visiškai angliškas „smuikas“.
Rusijoje, remiantis seniausių paminklų liudijimais, lankiniai instrumentai buvo žinomi labai seniai, tačiau nė vienas iš jų taip neišsivystė, kad vėliau taptų simfoninio orkestro instrumentu. Seniausias senovės rusų lankas yra pyptelėjimas. Gryniausia forma buvo ovalus, šiek tiek kriaušės formos medinis korpusas, ant kurio buvo ištemptos trys stygos. Švilpuku jie grojo arkiniu lanku, kuris neturėjo nieko bendra su šiuolaikiniu. Švilpuko atsiradimo laikas nėra tiksliai žinomas, tačiau yra prielaida, kad „pypsėjimas“ pasirodė Rusijoje kartu su „rytų“ instrumentų – domra, surna ir smyk – prasiskverbimu. Šis laikas paprastai nustatomas XIV antroje pusėje ir XV amžiaus pradžioje. Sunku pasakyti, kada atsirado „smuikai“ tiesiogine to žodžio prasme. Neabejotinai žinoma tik tai, kad pirmieji smuikininko paminėjimai XVI–XVII amžių abėcėlės knygose „taip pat rodo, kad vertėjai apie tai neturėjo jokio supratimo“. Bet kokiu atveju, pasak P. F. Findeiseno (1868-1928), šis instrumentas Maskvos Rusijos buitiniame ir viešajame gyvenime dar nebuvo žinomas, o pirmieji smuikai visiškai užbaigta forma Maskvoje pasirodė, matyt, tik pradžioje. XVIII a. Tačiau abėcėlių knygelių sudarytojai, kažkada nematę tikro smuiko, suprato tik tai, kad šis instrumentas turi būti styginis, todėl klaidingai palygino jį su „gusli“ ir „mažąja rusų lira“, žinoma, tikrai nebuvo tiesa.
Daugiau ar mažiau detalių naujojo smuiko aprašymų Vakaruose ima atsirasti tik nuo XVI amžiaus vidurio. Taigi Philibert Jambes de Fair (1526-1572), apibūdindamas šiuolaikinio smuiko bruožus ir išskirtinius bruožus, cituoja daugybę pavadinimų, iš kurių galima daryti išvadą, kad „smuikų šeima“ buvo sukurta remiantis smuiko pavyzdžiu ir panašumu. altas. Nuo to laiko, nuo 1556 m., smuikas egzistavo iki XVII amžiaus pabaigos kelių atmainų, žinomų prancūziškais pavadinimais dessus, quinte, haute-contre, tailee ir basse. Tokia forma smuikų šeimos sudėtis susiformavo tuo metu, kai apie jį pradėjo rašyti Peeras Maryanas (1588-1648). „Dvidešimt keturių gauja“ – taip kažkada buvo vadinama Les vingt-quatre – susidėjo iš tų pačių instrumentų, tačiau pavadinimai jau perkelti. Po dessus sekė haute-contre, o kvintas buvo tarp tailee ir basse, tačiau jų tūriai tiksliai atitiko ankstesnius, ką tik paminėtus duomenis. Vėliau šioje smuikų kompozicijoje įvyko dar vienas pokytis, dėl kurio aukštasis kontrastas visiškai išnyko, užleisdamas vietą dessui, o tailee susijungė su kvintu, perimdamas pastarojo tvarką. Taip įsitvirtino naujo tipo keturbalsio lanko derinys, kuriame dessus atitiko pirmąjį ir antrąjį smuikus, tailee arba quinte – altus ir basą – violončeles.
Dabar sunku tiksliai nustatyti, kada įvyko galutinis to instrumento, kuris dabar žinomas „smuiko“ pavadinimu, užbaigimas. Greičiausiai šis tobulėjimas vyko nuolatine serija, ir kiekvienas meistras atsinešė kažką savo. Nepaisant to, galima aiškiai teigti, kad XVII amžius buvo smuiko „aukso amžius“, kai instrumento struktūroje įvyko galutinis santykių užbaigimas ir kai buvo pasiektas toks tobulumas, kad nebebuvo bandoma jo „patobulinti“. jau galėtų peržengti. Istorija atmintyje išlaikė didžiųjų smuiko keitiklių vardus ir susiejo šio instrumento kūrimą su trijų smuikų gamintojų šeimų vardais. Visų pirma, tai Kremono meistrų Amati šeima, tapusi Andrea Guarneri (1626?-1698) ir Antonio Stradivari (1644-1736) mokytojais. Tačiau smuikas savo galutinį užbaigimą labiausiai dėkingas Giuseppe-Antonio Guarneri (1687-1745) ir ypač Antonio Stradivari, kuris yra gerbiamas kaip didžiausias šiuolaikinio smuiko kūrėjas.
Tačiau ne visiems patiko viskas smuiku, kurį tuo metu jau buvo įkūręs didysis kremonietis. Daugelis bandė pakeisti Stradivari priimtus santykius, ir, žinoma, niekam tai nepavyko. Vis dėlto įdomiausias buvo kai kurių labiausiai atsilikusių meistrų noras sugrąžinti smuiką į netolimą praeitį ir primesti jam pasenusias alto savybes. Kaip žinote, smuikas neturėjo jokių niūrių. Tai leido išplėsti jo skambesį ir patobulinti grojimo smuiku techniką. Tačiau Anglijoje šios smuiko savybės atrodė „abejotinos“, o instrumento „intonacija“ nebuvo pakankamai tiksli. Todėl, siekiant pašalinti galimą garso išgavimo „netikslumą“, smuiko grifoje buvo įvestos griovelės, o leidykla, vadovaujama Johno Playfordo (1623–1686?), nuo 1654 iki 1730 m. sudaryta pagal "modalinę tabulatūrą" . Tačiau teisingumas reikalauja pasakyti, kad tai buvo vienintelis atvejis, žinomas grojimo smuiku istorijoje. Kiti bandymai tobulinti ir palengvinti grojimą šiuo instrumentu apsiribojo styginių derinimu arba vadinamąja „scordatura“. Tai buvo prasminga, ir daugelis garsių smuikininkų, tokių kaip Tartini (1692–1770), Lolli (1730–1802), Paganini (1784–1840) ir keletas kitų, kiekvienas savo instrumentą derino savaip. Kartais šis stygų derinimo būdas naudojamas ir dabar, siekiant ypatingų, meninių tikslų.
Stradivarijaus smuikas. Nuotrauka iš gruhn.com Taigi tobuliausią įsikūnijimą smuikas gavo XVII amžiaus pabaigoje. Antonio Stradivari buvo paskutinis, atnešęs jį į dabartinę būseną, o François Tourt, XVIII amžiaus meistras, gerbiamas kaip modernaus lanko kūrėjas. Tačiau kuriant smuiką ir jį įgyvendinant realiame gyvenime viskas buvo mažiau sėkminga. Labai sunku keliais žodžiais perteikti visą ilgą ir įvairiapusę šios smuiko technikos raidos ir tobulėjimo istoriją. Užtenka pasakyti, kad smuiko pasirodymas sukėlė daug priešininkų. Daugelis tiesiog apgailestavo dėl prarastų alto grožybių, kiti sugalvojo ištisus „traktatus“, nukreiptus prieš nekviestą nepažįstamąjį. Tik puikių smuikininkų, ryžtingai perkėlusių smuiko techniką į priekį, dėka smuikas užėmė pelnytai vietą. XVII amžiuje šie virtuoziški smuikininkai buvo Giuseppe Torelli ir Arcangelo Corelli. Ateityje Antonio Vivaldi (1675–1743) įdėjo daug darbo smuiko labui ir, galiausiai, visa nuostabių smuikininkų, kuriems vadovauja Niccolò Paganini, galaktika. modernus smuikas turi keturias stygas, suderintas kvintomis. Viršutinė styga kartais vadinama penktąja, o apatinė – bosu. Visos smuiko stygos yra gyslinės arba žarninės, o tik „bosas“ yra supintas plonu sidabriniu siūlu arba „gimpu“, kad skambesys būtų išsamesnis ir gražus. Šiuo metu visi smuikininkai „penktam“ naudoja metalinę stygą ir lygiai tokią pat, tik dėl minkštumo apvyniotą plonu aliuminio siūlu – A stygą, nors kai kurie muzikantai naudoja ir gryno aliuminio A stygą be jokio „gimpo“. Šiuo atžvilgiu metalinė styga mi ir aliuminė la privertė sustiprinti re stygos skambesį, kuris tada dar buvo gyslotas, o tai buvo padaryta naudojant aliuminio „gimpą“, kuris buvo apvyniotas kaip „baskas“, pastarasis ir, beje, jai pasitarnavo. Nepaisant to, visi šie įvykiai labai nuliūdina tikruosius žinovus, nes metalinių stygų skambėjimo skambėjimas ir aštrumas kitais atvejais yra labai pastebimas ir nemalonus, tačiau nėra ką veikti ir tenka taikstytis su aplinkybėmis.
Smuiko stygos, derintos pagal instrumento reikalavimus, vadinamos atviromis arba tuščiomis ir skamba grynųjų kvintų nusileidimo tvarka nuo antros oktavos mi iki mažos druskos. Stygų tvarka visada svarstoma nuo viršaus iki apačios, ir šis paprotys išliko nuo senų laikų visų lankomų ir styginiai instrumentai„su rankena“ arba „baru“. Natos smuikui rašomos tik „tvirtiniu raktu“ arba G klavišu.
Sąvoka „atvira“ arba orkestro vartojimui – tuščia styga reiškia stygos garsą per visą jos ilgį nuo stovo iki veržlės, tai yra tarp tų dviejų taškų, kurie nustato tikrąjį jos aukštį derinimo metu. Stygos ilgis paprastai nustatomas pagal tuos pačius taškus, nes orkestre atsižvelgiama į skambančią stygos dalį, o ne į jos „absoliučią vertę“, esančią tarp kaklo ir kaiščių. Muzikos natose atvira eilutė žymima mažu apskritimu arba nuliu, esančiu virš arba po nata.
Kai kuriais atvejais, kai to reikalauja kūrinio muzikinis audinys, galite sureguliuoti stygą pustoniu žemyn, kad gautumėte mažos oktavos F čiržą „baskui“ arba antrąjį „penktą“.
Šaltinis music-instrument.ru

Istorija statoma elektrinė gitara (elektrinė gitara)

XX amžiaus technologijų raida nepaisė kultūrinės žmogaus egzistencijos pusės. Elektroninių prietaisų, skirtų atkūrimui ir, svarbiausia, garso apdorojimui, atsiradimas galiausiai negalėjo paveikti pačių muzikos instrumentų. Be bandymų sukurti iš esmės naujus muzikos instrumentus, buvo bandoma „modernizuoti“ ir gerai žinomus senuosius. Taigi Lloydas Loheris 1924 metais sukūrė pirmąjį magnetinį pikapą – įrenginį, kuris metalinės stygos virpesius paverčia elektriniu signalu. Šis talentingas inžinierius dirbo tuo metu, kur jūs manote? - pas Gibsoną! Tačiau, kaip suprantate, iki „Les Paul“ sukūrimo dar gana toli – net 28 metai, todėl pirmosios masinės elektrinės gitaros jokiu būdu nebuvo pagamintos Gibsono. Ir tai padarė įmonė, pavadinta Electro String Company, kurios vienas iš įkūrėjų buvo Adolfas Rickenbackeris, kuris vėliau įkūrė, kaip tikriausiai jau atspėjote, labai garsią Rickenbacker kompaniją, kuri išleido firminę gitarą Johnui Lennonui – 325JL. Šių pirmųjų gitarų korpusai buvo pagaminti iš aliuminio, todėl ir gavo nuoširdų pavadinimą „keptuvės“. Šis įvykis įvyko 1931 m. Nežinau, ar buvo dar kokių bandymų prie gitaros pritvirtinti pikapą, tikriausiai buvo, bet tik 1951 metais jie įgavo tas labai klasikines ir atpažįstamas formas. Ir Leo Fenderis tai padarė išleisdamas savo garsųjį Telecaster ir tai jau buvo proveržis, kažkas panašaus į erdvėlaivio iškėlimą į orbitą su žmogumi, žinoma, laive. Korpusas buvo pagamintas iš medžio, nors jis neturėjo nieko bendro dizaino su klasikine gitara. Kažkodėl daugelis galvoja, kad elektrinės gitaros gaminamos iš kas žino ko: metalo, plastiko ir kai kurių kitų itin modernių medžiagų, ne – gitaros buvo gaminamos ir gaminamos iki šiol daugiausia iš medžio, kaip ir žmogus. 70% vandens.
Nuo to momento elektrinė gitara, galima sakyti, atsirado kaip muzikos instrumentas ir kultūros reiškinys. Gibsonas, žinoma, neatsiliko ir 1952 metais išleido savo legendinį „Les Paul“. O bandomasis kadras buvo atliktas 1954 m., kai „Fender“ iškėlė „Stratocaster“ į orbitą. Šių modelių ir gamintojų gitaromis pradėjo groti bliuzo, roko ir kantri muzikantai. Žinoma, nuo to laiko buvo daug įvairių gražių ir nelabai populiarių bei nepopuliarių gitarų, bet vargu ar šiai dienai kas nors sugalvojo ką nors reikšmingesnio, jei neatsižvelgsi į garso apdorojimą. Žinoma, yra įvairių naujovių, tokių kaip septintos ir net aštuntos stygos pridėjimas (paprastai tai yra gitaros, skirtos ekstremalių stilių ir krypčių grupėms ir muzikantams), tačiau visa tai yra reiškiniai, kurių „nebuvo. savo reikšme priartėti prie aukščiau išvardytų „atradimų“.
Bet įdomiausia, kad gitara vis tiek liko gitara. Kažkodėl daugelis nuo muzikos nutolusių žmonių mano, kad elektrinė gitara yra muzikos instrumentas, neturintis nieko bendra su klasikine gitara. Skirtumas, žinoma, didelis, nuo išvaizdaį grojimo techniką, tačiau vis tiek tai yra vienas ir tas pats instrumentas su tuo pačiu (su kai kuriomis išimtimis) derinimu ir akordų pirštais, o tai reiškia, kad žinant dainų akordus galima vienodai sėkmingai groti tiek elektrinėmis, tiek akustinėmis gitaromis. .

TRUMPA GITAROS ISTORIJA IR DABARTINĖ JOS BŪKLĖ

Gitara, kaip žinote, yra nacionalinis ispanų instrumentas. Iki šiol gitaros kilmė nebuvo tiksliai nustatyta. Reikia manyti, kad jos prototipas yra Asirijos-Babilono kefara arba Egipto cithara. Ją į Iberijos pusiasalį galėjo atvežti romėnai (lotyniška gitara) arba arabai (maurų gitara). Pirmajame žaidė „punteado“ technika, tai yra su žiupsneliu, antruoju, kuris turėjo aštresnį skambesį, žaidė „rasgueado“ technika, tai yra barškindamas stygas visomis dešinės rankos pirštai.

Šiuolaikinio tipo ar bet kuriuo atveju jai artima gitara tikriausiai atsirado susiliejus šioms dviem senovės citharos atmainoms ne anksčiau kaip XVI a. Turime netiesioginį požymį apie šią dvejopą gitaros kilmę, skirtingą iki šiol grojimo būdą: folk - "rasgueado", - kilęs iš grojimo maurų gitara, ir profesionalus - "punteado", - kilęs iš lotynų kalbos gitara. .

Iki patekimo į kitas Europos šalis (XVI-XVII a.) gitara turėjo penkias stygas, suderintas ketvirčio santykiu, kaip ir susijusi liutnia. Neaišku, ar šeštoji eilutė buvo pridėta Vokietijoje ar Italijoje. Šioje galutinėje formoje gitara įgijo rimto instrumento teises. Remiantis šiuo savo muzikinių galimybių padidėjimu, šešių stygų gitara išgyveno pirmąjį klestėjimą (nuo XVIII a. pabaigos iki XIX a. vidurio). Per šį laikotarpį gitara iškėlė daugybę puikių virtuozų ir kompozitorių, tokių kaip ispanai Aguado ir Sor bei italai Giuliani, Leniani, Carcassi, Carulli, Zani de Ferranti, Regondi, Moretti ir kt. Šių gitaristų koncertinė veikla Europos šalyse iškėlė gitarą į aukštą profesinį lygį ir pelnė daugybę gerbėjų iš didžiausių muzikantų, poetų ir rašytojų. Kai kurie iš jų – kompozitoriai Monteverdi, Rossini, Gretry, Ober, Donizetti, Verdi, Massenet – savo operose naudojo gitarą; kiti – kompozitoriai Lully, Weber, Diabelli, Berlioz, Gounod – patys grojo gitara; kiti – Glinka, Čaikovskis – mėgo klausytis gitaros. Ypač reikia pažymėti, kad garsus smuikininkas Paganinis tuo pat metu buvo puikus gitaristas ir parašė nemažai kūrinių gitara. Poetai ir rašytojai: Goethe, Kerner, Lenau, Byron, Shelley, Derzhavin, Puškinas, Lermontovas, L. Tolstojus, Baudelaire'as ir daugelis kitų pamėgo gitarą ir savo kūriniuose skyrė jai ne vieną puslapį.

Beveik iki XIX amžiaus pabaigos trukusį gitaros klestėjimą pakeitė jos nuosmukis, daugiausia dėl fortepijono atsiradimo. Tačiau nuo XX amžiaus pradžios matome naują gitaros klestėjimo laikotarpį, kurį, matyt, nulėmė plačiosios visuomenės požiūrio į ją, kaip į senovinį ir vieną išraiškingiausių liaudies instrumentų, pasikeitimas. . Dėl to atsirado nemažai išskirtinių gabumų gitaros virtuozų, daugiausia ispanų: Tarrega, Llobet, Segovia, Pujol ir kiti, kurie ištobulino grojimo gitara meną ir lygino gitarą su kitais tradiciniais solo instrumentais. Ir vėl, kaip ir pirmojo klestėjimo epochoje, gitara pritraukia daug draugų iš ryškiausių kompozitorių, tokių kaip Turinas, de Falla, Pons, Roussel ir kt.

Mūsų šalyje kartu su šešių stygų gitara buvo plačiai paplitusi jos atmaina – septynių stygų gitara, daugiausia su tretine sistema.

Akordeonas, mygtukas akordeonas

Nendrinių instrumentų (akordeono, sagų akordeono ir kt.) istorija ir atmainos

Akordeonas – muzikos instrumentas, kuriame garsai skleidžiami laisvai slystančiomis metalinėmis nendrėmis – plonomis plokštelėmis, vibruojančiomis veikiant dumplių pumpuojamam oro srautui. Kaire ranka atlikėjas valdo dumples, taip pat spaudžia boso ir akordo mygtukus, kad akomponuotų melodiją, kuri grojama dešine ranka.

Rusijoje, Maskvoje, yra geriausias ir didžiausias pasaulyje Armonikos muziejus (pasaulyje yra 4 tokie muziejai: taip pat yra Nacionalinės armonikos muziejus Vokietijoje Klingentalyje, Armonikos muziejus Italijoje Castelfidardo mieste. ir akordeono muziejuje JAV .Super Ior-Delucy).

Bendroji nendrinių instrumentų raidos istorija

Pirmasis žinomas instrumentas, turintis nendrinį garso išgavimo principą, yra senovės Rytų Sheng (kilęs iš Birmos, Tibeto, Laoso ir Kinijos). Tiksli šio instrumento sukūrimo data nežinoma, tačiau manoma, kad jam daugiau nei 2000 metų. Jis buvo laikomas „grynu“ instrumentu, tai yra tinkamu sakralinei muzikai atlikti. Maždaug 700 m sheng buvo patobulintas populiarus instrumentas, buvo galima groti 12 klavišų, šiems instrumentams buvo sukurtas harmonijos vadovėlis.



Armonikų, sagų akordeonų ir akordeonų atsiradimas Rusijoje

Harmonikos atsiradimas Rusijoje datuojamas XIX amžiaus 40-ųjų pradžioje. privilegijuotiems gyventojų segmentams, kaip nurodyta literatūros šaltiniai, pirko rankines armonikas užsienyje, o per baudžiauninkus armonikos atsirado ir išpopuliarėjo kaimuose. Yra prielaida, kad armonikas galėjo importuoti užsienio meistrai, užsakytas Tulos ginklų gamykloms.
Tarp Tulos amatininkų buvo nuomonė, kad ginklanešiai Sizovas ir Škunajevas išrado armonikas. Remiantis kai kuriais pranešimais, jie buvo pagaminti XIX amžiaus 30-aisiais. Tulos provincijoje, tačiau nežinoma, kokios harmonikos klausime- apie labialinius ar rankinius.



Bendra informacija apie harmonikų įtaisą

Armonika galima vadinti visus muzikos instrumentus, kurių garsas atkuriamas metaliniu liežuviu (balsu), kuris laisvai praslysta, vibruodamas veikiamas oro srauto. Oras armonikose tiekiamas plaštakos ar pėdos dumplės (rankinės armonikos, armonikos), vėduoklės (organolų, vargonų) pagalba arba iškvepiamas ir įkvepiamas atlikėjo plaučiais (burnos armonikos). Visose šiuolaikinėse armonikose nendrė viename gale tvirtinama kniedėmis ant metalinio pagrindo, vadinamo rėmu (važiuokle). Rėmas kartu su kniedyta liežuvėliu vadinamas strypu.



Sheng (gonofui, ken, lusheng)

Sheng yra vienas iš seniausių armonikų šeimos instrumentų, kilęs iš Birmos, Tibeto, Laoso ir Kinijos. Remiantis senovės kinų rankraščiais (2–3 tūkst. m. pr. Kr.), mokslininkai nustatė ankstyviausią instrumento pavadinimą – Yu. Tada jis buvo pradėtas vadinti chao, ho, sheng - priklausomai nuo jo gamybai naudojamos formos ir medžiagos. Taip pat žinomos ir kitos sheng veislės – chonofui arba gonofui (Japonija), ken (Laosas), lusheng ir hulusheng (Pietvakarių Kinija). Rusijoje ir kitose Europos šalyse šengai kartais buvo vadinami kiniškais burnos organais.



Bibelharmonika, orkestras, elodikonas

Kai Europoje pasirodė pirmieji muzikos instrumentai, sukurti naujuoju garso kūrimo principu (slystantis metalinis liežuvis), vargonininkai naudojo senąsias muzikos instrumentų formas: nešiojamuosius vargonus, regalijas, pozityviuosius (nešiojamuosius) vargonus ir kt. Tai aiškiai matyti. pirmųjų tokio pobūdžio instrumentų pavyzdyje.

Sintezatorius

Elektroninis muzikos instrumentas, sintezuojantis garsą naudojant vieną ar daugiau garso bangų generatorių. Norimas garsas pasiekiamas keičiant elektrinio signalo savybes (analoginiuose sintezatoriuose) arba reguliuojant centrinio procesoriaus parametrus (skaitmeniniuose sintezatoriuose).

Sintezatorius, pagamintas iš dėklo su klaviatūra, vadinamas klaviatūros sintezatoriumi.
Sintezatorius, pagamintas dėklo pavidalu be klaviatūros, vadinamas sintezatoriaus moduliu ir valdomas iš MIDI klaviatūros.
Jei klaviatūros sintezatoriuje yra įmontuotas sekveneris, jis vadinamas darbo stotimi.
Sintezatorių tipai:

Priklausomai nuo naudojamos technologijos, sintezatoriai skirstomi į keletą tipų:

Analoginiai sintezatoriai įgyvendina adityvinius ir atimančius sintezės tipus. Pagrindinis analoginių sintezatorių bruožas yra tas, kad garsas generuojamas ir apdorojamas naudojant tikras elektros grandines. Dažnai įvairių sintezės modulių prijungimas atliekamas naudojant specialius kabelius - pataiso laidus, todėl „lopas“ yra įprastas tam tikro sintezatoriaus tembro pavadinimas tarp muzikantų.

Pagrindinis analoginių sintezatorių privalumas yra tas, kad visi garso pobūdžio pokyčiai laikui bėgant, pavyzdžiui, filtro ribinio dažnio judėjimas, vyksta itin sklandžiai (nepertraukiamai). Trūkumai yra didelis triukšmo lygis, derinimo nestabilumo problema dabar įveikta. Garsiausi šiandien naudojami analoginiai sintezatoriai: Mimimoog Voyager, LittlePhatty, Prophet '08, Andromeda A6.

Virtualūs analoginiai sintezatoriai yra analoginio ir skaitmeninio sintezatoriaus hibridas, kurio korpuse yra programinės įrangos komponentas. Garsiausios iš jų yra: Access Virus TI, Nord Lead 2x, Nord Modular, DSI Poly Evolver.

Skaitmeniniams sintezatoriams priskiriami patys skaitmeniniai sintezatoriai, taip pat jų variantai: virtualūs sintezatoriai-įskiepiai / autonominiai ir interaktyvūs sintezatoriai. Jie įgyvendina įvairių tipų sintezę. Originalių bangų formų kūrimui ir grojimui, garso modifikavimui filtrais, vokais ir kt. naudojami skaitmeniniai įrenginiai, pagrįsti vienu centriniu procesoriumi ir keliais koprocesoriais.

Tiesą sakant, skaitmeninis sintezatorius yra labai specializuotas kompiuteris. Pažangiausi šiuolaikinių skaitmeninių sintezatorių modeliai (Korg OASYS, Roland Fantom, Yamaha Tyros), kaip ir asmeniniai kompiuteriai, leidžia atnaujinti Operacinė sistema, yra puslapių meniu, įtaisytieji žinyno failai, ekrano užsklandos ir pan.

Virtualūs sintezatoriai yra skaitmeninių sintezatorių pogrupis, tačiau jie yra speciali programinės įrangos rūšis. Garsui sukurti naudojamas asmeninio kompiuterio centrinis procesorius ir RAM, o garsui išvesti į atkūrimo įrenginį – kompiuterio garso plokštė.

Virtualūs sintezatoriai gali būti tiek atskiri programinės įrangos produktai, tiek tam tikro formato papildiniai (VST, DXi, RTAS, TDM, LADSPA ir kt.), skirti veikti pagrindinės programos viduje, dažniausiai kelių kanalų įrašymo priemonėje (Cubase VST, „Cakewalk Sonar“, „Logic Pro“, „Pro Tools“, „Ardour“ ir kt.). Dėl didelio prieinamumo didėja virtualių sintezatorių populiarumas, įskaitant realių instrumentų modelius (pvz., Native Pro53 – Prophet sintezatoriaus emuliatorius, Novation V-Station – Novation K-Station sintezatoriaus emuliatorius, Korg Legacy – Korg M1 sintezatoriaus emuliatorius, Wavestation , PolySix, MS20 ir kt.).

>Interaktyvūs arba namų sintezatoriai taip pat yra įvairūs skaitmeniniai sintezatoriai, skirti specialiai namų ir salonų mėgėjų muzikavimui, taip pat interaktyviam muzikiniam ugdymui. Paprastai šie sintezatoriai neturi pažangaus garso redagavimo priemonių, įskaitant realiojo laiko valdiklius. Pabrėžiamas tikroviškas įvairių orkestro instrumentų imitavimas ir automatinio akompanimento funkcijos naudojimas. Tokiu atveju, norint groti bet kokį muzikos kūrinį, atlikėjui nereikia programuoti balsų ar įrašyti dalių į sekvencerį – tereikia pasirinkti paruoštą balsą melodijai ir stilių automatiniam akompanimentui.

Žinoma, tokių sintezatorių valdymas yra daug paprastesnis nei profesionaliai atliekančių modelių ir dažnai prieinamas net vaikui. Daugelyje tokio tipo sintezatorių yra mokomieji žaidimai, tokie kaip „atspėk natą“ arba „atspėk akordą“, paruoštos muzikos rinkiniai, skirti klausytis ir mokytis, karaokės funkcija su dainų tekstų rodymu ekrane ir kt. Šiai sintezatorių kategorijai priklauso Yamaha PSR, Casio CTK / WK, Roland E / VA / EXR šeimos ir kt.

Garso sintezės tipai:

Priklausomai nuo garso bangų generavimo ir jų transformacijos metodo, garso sintezė gali būti klasifikuojama taip:

Sumuojanti (adityvioji) sintezė, kurioje naudojamas kelių paprastos (dažniausiai sinusinės) formos bangų su skirtingais dažniais ir amplitudėmis superpozicijos (superpozicijos) principas. Pagal analogiją su elektriniais vargonais šios bangos vadinamos registrais ir žymimos kaip 16' (tonas viena oktava žemesnis nei paimtas), 8' (pradinis tonas), 4' (tonas viena oktava aukštesnis nei paimtas) ir kt. (paveikslėlis yra atitinkamo vargonų registro vamzdžio ilgis pėdomis). Gryna forma jis randamas elektriniuose vargonuose (Hammond, Farfisa) ir jų skaitmeniniuose emuliatoriuose (Korg CX-3, Roland VK-8 ir kt.). Instrumento skambesys sodresnis, tuo daugiau registrų naudojama projektuojant.

Subtraktyvioji (atimtinė) sintezė, kai pradinė savavališka bangos forma keičia tembrą, kai praeina per įvairius filtrus, apvalkalo generatorius, efektų procesorius ir kt. Šio tipo sintezė yra plačiai naudojama beveik visuose šiuolaikiniuose sintezatorių modeliuose.

Operatoriaus (FM, iš angl. Frequency Modulation) sintezė, kurioje vyksta kelių paprastos formos bangų sąveika (dažnio moduliavimas ir sumavimas). Kiekviena banga kartu su jos charakteristikomis vadinama operatoriumi, tam tikra operatorių konfigūracija sudaro algoritmą. Kuo daugiau operatorių naudojama kuriant sintezatorių, tuo sodresnis tampa instrumento garsas. Pavyzdžiui, iki šių dienų populiarus sintezatorius Yamaha DX-7 (1984 m.) turi 6 operatorius, kuriuos sukonfigūruoja 36 skirtingi algoritmai.

Fizinė sintezė, kurios metu dėl galingų procesorių panaudojimo vienokio ar kitokio tipo muzikos instrumentuose imituojami realūs fiziniai procesai. Pavyzdžiui, pučiamųjų švilpuko instrumentų, tokių kaip fleita, parametrai bus vamzdžio ilgis, profilis ir skersmuo, oro srauto greitis, korpuso medžiaga; styginiams instrumentams – korpuso dydis, medžiaga, stygos ilgis ir įtempimas ir kt. Fizinę sintezę naudoja tokie instrumentai kaip Yamaha VL-1, Korg OASYS, Alesis Fusion ir kt.

Banginė (PCM) sintezė, kurios metu garsas sukuriamas grojant tikrų muzikos instrumentų garso fragmentams (pavyzdžiams ir multisampliams), anksčiau įrašytiems į instrumento atmintį. Garsiausias šios grupės sintezatorius yra Waldorf Wave, dar žinomas kaip brangiausias sintezatorius pasaulyje.

Hibridinė sintezė, kuriai taikomas vienoks ar kitoks skirtingų garso sintezės metodų derinys, pavyzdžiui, „sumavimas + atėmimas“, „banga + atėmimas“, „operatorius + atėmimas“ ir kt. Dauguma šiuolaikinių instrumentų yra sukurti hibridinės sintezės pagrindu, nes turi labai galingus įrankius tembrui keisti pačiame plačiausiame diapazone.

Šiuolaikinio sintezatoriaus valdymas:

Šiuolaikinio profesionalaus sintezatoriaus valdymas yra sudėtingas procesas, susijęs su kelių šimtų ar net tūkstančių įvairių parametrų, atsakingų už tam tikrus garso aspektus, valdymu. Kai kuriuos parametrus galima valdyti realiu laiku naudojant sukamąsias rankenėles, ratukus, pedalus, mygtukus; kiti parametrai naudojami tam tikrų charakteristikų iš anksto užprogramuotiems laiko pokyčiams. Šiuo atžvilgiu skaitmeninių sintezatorių tembrai (lopai) taip pat dažnai vadinami programomis.

Klaviatūra ir dinaminis sekimas naudojami klavišo paspaudimo padėčiai ir greičiui sekti. Pavyzdžiui, pereinant nuo apatinių klavišų prie viršutinių, tembras gali sklandžiai pereiti iš violončelės į fleitą, o stipriau paspaudus klavišą į bendrą skambesį įtraukiami timpanai.

Apvalkalas naudojamas tam tikram garso parametrui keisti neperiodiškai. Paprastai voko grafikas yra trūkinė linija, susidedanti iš atakos (Attack), decay (Decay), palaikymo (Sustain) ir decay (Release) (taip pat žr. ADSR apvalkalą), tačiau įvairiuose sintezatorių modeliuose jie yra paprastesni (ADR). ), taip pat sudėtingesnius daugiapakopius vokus. Iš viso Vokas yra svarbi sintezatoriaus savybė.

Filtras naudojamas tam tikrai dažnių juostai išjungti iš viso signalo spektro. Dažnai filtras taip pat turi rezonansą, kuris leidžia smarkiai padidinti dažnių juostą ties ribine riba. Filtro charakteristikų keitimas naudojant realiojo laiko valdiklius, klaviatūros sekimą ir (arba) vokus leidžia gauti itin įvairias garso parinktis. Bendras filtrų skaičius yra svarbi sintezatoriaus charakteristika.

Žiedinis moduliatorius leidžia moduliuoti pradinį signalą kitu tam tikro (fiksuoto arba slankiojo) dažnio signalu, dėl kurio pastebimas harmonikų praturtinimas. Pavadinimas „Ring“ (angl. „call“) atsirado dėl to, kad šis mazgas dažnai padeda išgauti „varpelio“ skambesį.

Žemo dažnio osciliatorius naudojamas periodiškai keisti tam tikrus garso parametrus, tokius kaip aukštis, garsumas, filtro ribinis dažnis ir kt. Cikliškai keičiant garsumą, sukuriamas tremolo efektas, pakeitus aukštį sukuriamas vibrato efektas, periodiškas filtro ribinio dažnio pokytis vadinamas „wah-wah“ efektu.

Garsui užbaigti naudojamas efektų apdorojimas. Šiuolaikiniuose sintezatoriuose dažniausiai būna gana daug efektinių procesorių (pavyzdžiui, Korg Karma – 8 procesoriai, Roland Fantom – 6 procesoriai ir kt.). Procesoriai veikia nepriklausomai vienas nuo kito, nors, jei pageidaujama, juos galima sujungti į nuosekliąsias grandines. Šiuolaikiniai efektų procesoriai įgyvendina daugybę erdvinių (reverb, delay, aidas), moduliacijos (flanšas, choras, fazeris) ir kitų (overamp, dažnio poslinkis, harmonikų sodrinimas) efektų algoritmų.

Pažangiausi modeliai turi priemones valdyti efektų parametrus iš realiojo laiko valdiklių, vokų, LFO ir kt.

Šiuolaikinio fortepijono mechaniką XVII amžiaus pabaigoje išrado italų meistras Cristofori. oficiali data- GERAI. 1709), jo projekte plaktukai buvo po stygomis. Instrumentas buvo pavadintas gravicembalo col piano e forte, - pianoforte, o vėliau fortepijono pavadinimas buvo sutvirtintas.

Cristofori išradimas pažymėjo anglų sistemos mechanikos vystymosi pradžią. Kitus mechanikos tipus sukūrė Marius Prancūzijoje (1716) ir Schroeteris Vokietijoje (1717-21). Sebastianas Erardas išrado dvigubą repeticijų mechaniką, kuris leido išgauti garsą greitai dar kartą paspaudus klavišą nuo pusės. Anglų sistemos mechanikoje toks pakartojimas buvo įmanomas tik tada, kai raktas buvo visiškai pakeltas.

Rusijoje fortepijono verslas pirmiausia buvo siejamas su Sankt Peterburgu. Vien XVIII amžiuje čia dirbo daugiau nei 50 fortepijono meistrų. Pirmosios pusės fortepijonų gamyklos gamybos raidai įtakos turėjo pirmojo Rusijos fortepijonų gamintojo, Imperatoriškojo rūmų tiekėjo, anglų meistro G. Faverier, vokiečių meistrų I.-A. Tischnerio veikla, K.-I. Wirthas, A.-H. Schroederis, I.-F. Schroederis ir nuo 1840 m. belgas G.-G. Lichtentalis. Iki šiol žinomi daugiau nei 600 fortepijono meistrų, dirbusių Rusijoje iki 1917 metų revoliucijos. Šiomis studijomis užsiima Sankt Peterburgo konservatorijos fortepijono magistras, filologijos mokslų kandidatas Sergejevas M. V..
viduryje Vokietijoje atsidarė J. Blutnerio, K. Bechsteino gamyklos, JAV – Steinway ir sūnų, ilgus metus neprilygstamas.
XX amžiuje atsirado iš esmės nauji instrumentai – elektroniniai fortepijonai ir sintezatoriai, taip pat speciali garso kūrimo forma – paruoštas fortepijonas.

Pirmasis muzikos kūrinys, parašytas specialiai fortepijonui, pasirodė 1732 m. (Lodovico Giustini sonata). Tačiau po keturiasdešimties ar penkiasdešimties metų, Haidno ir Mocarto laikais, kompozitoriai masiškai pradėjo skirti dėmesio fortepijonui, o ne klavesinui.

Fortepijonai skirstomi į fortepijonus – instrumentus su horizontaliomis stygomis – ir vertikalius pianinus. Pirmasis žinomas vertikalusis fortepijonas priskiriamas K.-E. Friederici (Gera, Vokietija), kuris jį sukūrė 1745 m. Tačiau jau 1742 m. panašus instrumentas išėjo iš Johanno Söcherio dirbtuvių Zanthofene (Bavarija). 1748 m. toks G. Silbermannas taip pat pagamino tokius pačius instrumentus. Vertikalių fortepijonų atmainos – piramidiniai, fortepijoniniai-lyriniai, fortepijoniniai-biuriniai, fortepijoniniai-arfa ir kt. Nuo XIX amžiaus vidurio gaminami tik fortepijonai ir fortepijonai.

Fortepijono garsas sukuriamas plaktuku smogiant į stygas. Stygos ištemptos ant ketaus rėmo smeigtukų (smeigtukų) pagalba, einančios per aukštųjų ir bosų kaiščius, priklijuotus prie rezonansinio denio (fortepijone denis yra vertikalioje padėtyje, fortepijonuose - į a. horizontalioje padėtyje). Kiekvienam garsui yra skirtas styginių choras: trys vidutiniams ir aukštiesiems diapazonams, du arba vienas žemiesiems. Daugumos fortepijonų diapazonas yra 88 pustoniai nuo A subkontroktavos iki 5-osios oktavos (senesni instrumentai gali apsiriboti 4-os oktavos A nata iš viršaus; galite rasti ir platesnio diapazono instrumentų). Neutralioje padėtyje stygos, išskyrus paskutinę pusantros–dvi oktavos, liečiasi su slopintuvais (duslintuvais). Paspaudus klavišus, įsijungia svirtelių, dirželių ir plaktukų įtaisas, vadinamas fortepijono mechanika. Paspaudus amortizatorius palieka atitinkamą stygų chorą, kad styga galėtų laisvai skambėti, o plaktukas, apmuštas veltiniu (veltiniu), atsitrenkia į ją.
Piano pedalai
Šiuolaikiniai pianinai turi du ar tris (naujausiuose modeliuose keturis) pedalus. Ankstesniuose instrumentuose tam pačiam tikslui buvo naudojamos ištraukiamos svirtys, kurias pianistas turėjo spausti keliais.
Dešinysis pedalas (kartais vadinamas tiesiog „pedalu“, nes naudojamas dažniausiai) vienu metu pakelia visas amortizatorius, todėl atleidus klavišą toliau skamba atitinkamos stygos. Be to, visos kitos instrumento stygos taip pat pradeda vibruoti, tapdamos antriniu garso šaltiniu. Dešinysis pedalas naudojamas dviem tikslais: kad išgautų garsų seka būtų neatsiejama (legato grojimas) ten, kur dėl techninių sunkumų to neįmanoma padaryti pirštais, bei praturtinti garsą naujais obertonais. Yra du pedalo naudojimo būdai: tiesioginis pedalas – pedalo paspaudimas prieš nuspaudžiant laikomus klavišus ir atidėtas pedalas, kai pedalas paspaudžiamas iš karto po klavišo paspaudimo ir prieš jį atleidžiant. Natose šis pedalas žymimas raide P (arba santrumpa Ped.), o jo nuėmimas – žvaigždute. Romantizmo ir impresionizmo epochų kompozitorių muzikoje šie pavadinimai dažnai aptinkami, dažniausiai tam, kad skambesiui suteiktų ypatingą skonį.
Kairysis pedalas naudojamas garsui slopinti. Fortepijonuose tai pasiekiama perkeliant plaktukus į dešinę, kad vietoj trijų choro stygų jos smogtų tik dvi (anksčiau kartais tik viena). Fortepijone plaktukai juda arčiau stygų. Šis pedalas naudojamas daug rečiau. Natose jis žymimas una corda, jo pašalinimas – tre corde arba tutte le corde. Be garso slopinimo, kairiojo pedalo naudojimas grojant fortepijonu leidžia sušvelninti garsą, padaryti jį šiltesnį ir gražesnį dėl atpalaiduojamų choro stygų vibracijos.
Vidurinis (arba trečiasis, nes istoriškai buvo pridėtas paskutinis) pedalas arba sostenuto pedalas skirtas pasirinktinai pakelti amortizatorius. Nuspaudus vidurinį pedalą, paspaudus klavišus pakeltos amortizatoriai lieka pakelti tol, kol pedalas nuimamas. Jis, kaip ir dešinysis pedalas, gali būti naudojamas groti legato, tačiau nepraturtins garso kitų stygų vibracija. Šio pedalo šiandien nėra daugelyje fortepijonų ir jis yra daugelyje fortepijonų. Yra fortepijonų, kuriuose vidurinis pedalas „slenka“ į kairę ir taip yra fiksuojamas, o tarp plaktukų ir stygų dedamas specialus audinys, dėl kurio garsas tampa labai tylus, todėl muzikantas gali groti pvz. naktį.
Fortepijonas gali būti naudojamas ir kaip solo instrumentas, ir kartu su orkestru (pavyzdžiui, fortepijoniniuose koncertuose su orkestru). Groti pianinu – geros technikos, dėmesio ir atsidavimo reikalaujanti veikla. Treniruotes rekomenduojama pradėti nuo vaikystė. Vaikų muzikos mokyklos(DMSh) Rusijoje mokymas trunka 5 arba 7 metus, priklausomai nuo programos, kai kurie studentai po studijų baigimo lieka dar vienerius ar dvejus metus, kol įstoja į muzikos mokyklą. Po muzikos mokyklos ar lygiaverčio mokymo galite tęsti mokslus muzikos mokykloje ar kolegijoje, o vėliau – konservatorijoje, universitete, tapdami profesionalus pianistas. Muzikos mokykloje bendras fortepijonas taip pat yra privalomas dalykas beveik visoms specialybėms. Nuostabūs pianistai XX amžius – Sergejus Rachmaninovas, Emilis Gilelsas, Svjatoslavas Richteris, Vladimiras Horowitzas, Arthuras Rubinsteinas, Glenas Gouldas ir kt.
Fortepijonui reikalingos tinkamos priežiūros sąlygos, taip pat reguliarus derinimas, nes laikui bėgant susilpnėja instrumento stygų įtempimas. Derinimo dažnis priklauso nuo instrumento klasės, pagaminimo kokybės, amžiaus, priežiūros ir eksploatavimo sąlygų. Derinimą, kaip taisyklė, atlieka ne pats atlikėjas, o specialistas – fortepijono derintojo meistras, nors teoriškai, turėdamas po ranka elektroninį derintuvą ir žinodamas tikslias kiekvienos stygos dažnines charakteristikas, kiekvienas gali tai padaryti. derinimas, net jei jis neturi muzikinės klausos.
Tai viena iš Delphic Games nominacijų.