Verdens mest mystiske bilder. Mystiske malerier "Ukjent"

2005) handlet det om verk der det i tillegg til hovedplottet er ett til - skjult. Det manifesterer seg når du nærmer deg bildet, beveger deg bort fra det eller ser i en bestemt vinkel. Nå vil du lære om de mest sannferdige maleriene, som likevel kalles "triks", om spøkelsesaktige silhuetter, "dobbeltseere", "trippelseere", og også om en sjelden type ikoner.

G. Teplov. Stilleben er et triks. 1737. State Eremitage, St. Petersburg.

P. Drozhdin. "Portrett av kunstneren A. P. Antropov med sønnen foran et portrett av sin kone." 1776. Russisk museum, St. Petersburg.

R. Magritte. "Menneskets skjebne". 1933 nasjonal kunstgalleri, Washington.

Ukjent artist. "Lilies of France" (seks silhuetter av Bourbon-familien). 1815.

O. Kanyu. "Korporale fioler (silhuetter av Bonaparte, hans kone og sønn)". 1815. Tittelen på maleriet inneholder en påminnelse om at Napoleon begynte militærtjeneste i rang som korporal.

S. Del Prete. "Hemmeligheten mellom høstløv". 1991. Galleri i Bern, Sveits.

V. Bregeda. "Profeti". 1994

N. Zamyatina. "Drømmer om Hellas". 2004

Ord - "dobbeltøyde": haier - kjeltringer, murring - ikke nynn, fred - Moskva statsuniversitet, holdbar - nøyaktig. Forfattere - Olga og Sergey Fedin.

postkort. "Min kone og min svigermor." Begynnelsen av XX århundre. Russland.

I. Botvinik. "Min mann og min svigerfar." Første halvdel av det tjuende århundre. USA.

G. Fisher. "Mamma, pappa og datter." 1968 USA.

S. Orlov. "Rose for to". 2004 Moskva.

S. Dali. "Forsvinnende byste av Voltaire". 1940 Dali Museum, St. Petersburg, USA.

To malerier av Salvador Dali: til venstre - "Hodet til en kvinne i form av en kamp." 1936; til høyre - "Spania". 1938

V. Koval. "Kovalland (selvportrett av kunstneren)". 1994

Treenighetsikonet "Deesis-ordenen". XIX århundre. Russland.

Vitenskap og liv // Illustrasjoner

Ikon med ansikter til Jesus og Maria Magdalena. Første halvdel av 1600-tallet. Melheim, Tyskland.

Portrett Alexander III med sin kone og sønn. Sent XIXårhundre. Kirkemuseum ved St. Mitrofan-kirken i Voronezh, Moskva.

Gabriel von Max. "Lommetørkle til Saint Veronica". 1870-årene. Tyskland.

"Frelser ikke laget av hender". 1970-tallsfotografi fra et maleri ukjent artist, Russland.

EKTE BEDRAG

To kunstnere argumenterte - Zeuxis og Parrhasius: hvem av dem er bedre. Zeuxis tegnet en haug med druer og plasserte bildet nær det åpne vinduet. Fugler som flyr forbi så druene, satte seg ned og prøvde å hakke på de malte bærene. Det var Parrhasius sin tur. "Vel, hvor er jobben din?" - "Der, bak gardinen." Zeuxis gikk bort til gardinen og prøvde å trekke den tilbake. Og hun ble malt. Legenden ble født i antikkens Hellas, omtrent 500 år før vår tidsregning.

Det er mer sant enn det kan virke ved første øyekast. Faktum er at mange fugler ikke har stereoskopisk syn, siden øynene deres er plassert på begge sider av hodet. Det det ene øyet ser, ser det andre ikke. På grunn av mangelen på et felles synsfelt kan ikke hjernen dannes volumetrisk bilde. Og erfarne jegere vet at en primitiv, umalt modell av en and tiltrekker seg en flygende drake ikke verre enn en levende lokkefugl.

Det som er viktig for oss i den greske legenden er at bildet ikke lurte fuglene, men øyet til malermesteren. russisk kunstner XIXårhundre av Fjodor Tolstoj, er det malerier som gjenspeiler handlingen til en gammel gresk legende. På en av dem - et stilleben, "dekket" med et ark kalkerpapir. Et av hjørnene er bøyd. Og denne delen av stilleben ser så autentisk ut at du ufrivillig føler et ønske om å flytte kalkerpapiret lavere for å se hele bildet. Malerier av denne typen kalles "bedrag", men vi snakker kanskje den mest sannferdige av alle malerisjangre.

Utseendet til denne typen malerier ble mulig først etter oppfinnelsen av perspektiv, chiaroscuro og ... oljemaling. Oppskrifter for deres forberedelse finnes i bøkene fra XIII århundre. Men først på begynnelsen av det femtende århundre nederlandsk maler Jan van Eyck (1390-1441) forbedret teknologien for malingpreparering så mye at han ofte kalles oppfinneren av oljemalingsteknikken. Han var den første som brukte det på en ny måte, og påførte tynne gjennomsiktige lag med maling oppå hverandre, og oppnådde eksepsjonell dybde og fargerikdom, samt subtile lys og skygge og fargeoverganger. Etter Jan van Eyck var kunstnere i stand til å oppnå et slikt bilde, som var lett å forveksle med originalen.

Grunnleggeren av snag-sjangeren i Russland er Grigory Teplov, kunstner, poet, musiker, filosof, statsmann på 1700-tallet. Et av verkene hans er på forrige side. Det er synd at gjengivelser av lokkeduer i blader og bøker ikke klarer å formidle følelsen som dukker opp når man ser på originalen. Forresten, dette er grunnen til at triks sjelden sees i kunstbøker. Dette skyldes i stor grad forskjellen i størrelsen på maleriet og dets trykte gjengivelse, samt det faktum at ønsket effekt vanligvis oppstår avhengig av avstanden mellom bildet og betrakteren.

Det finnes en annen type svik. I det russiske museet i St. Petersburg er det for eksempel et maleri av Pyotr Drozhdin, en kunstner fra 1700-tallet. På den avbildet forfatteren familien til læreren hans, kunstneren Antropov. Ser du nøye etter, legger du merke til at far og sønn ikke står ved siden av sin kone og mor, men med hennes portrett. Kanten på staffeliet, som først virket som en lysåpning i veggen, skiller de som står fra bildet.

Den belgiske kunstneren på 1900-tallet, Rene Magritte, brukte også "easel"-teknikken. Kantene deres er nesten usynlige, og tegningene smelter umerkelig sammen med hovedplottet i bildet og smelter sammen med det. På det ene landskapet - skogen, som starter utenfor vinduet, fortsetter på det malte staffeliet, på det andre - renner havet fra staffeliet inn i det "ekte" havet.

Magritte er en mester i paradoksmalerier. På det ene lerretet koblet han gjenstander og fenomener som er uforenlige i livet; for eksempel daghimmelen og et hus nedsenket i nattemørke, eller en person som ser i et speil foran seg, ser bare bakhodet i det. Han brukte også prinsippet om paradoks i titlene på maleriene sine. Da han etter egen innrømmelse manglet fantasi, samlet han venner og ba om hjelp til å finne et navn. Et landskap med staffeli kalles for eksempel «The Destiny of Man».

SPØKKELSESILHOUETTER

Det er en spesiell teknikk for å lage et skjult bilde: når kunstnere bruker konturene til de tegnede objektene. For første gang dukket det tilsynelatende opp malerier med "skjulte silhuetter" i middelalderens Frankrike. Deres viktigste helter var selvfølgelig kongene. Det faktum at liljen er et symbol på Bourbon-dynastiet er allerede godt kjent for oss, i det minste fra kostymene til hovedpersonene fra filmene basert på romanen til Alexandre Dumas "De tre musketerer". For to hundre år siden, da kunstnere malte buketter av kongeliljer, gjorde kunstnere kurvene på stilkene, konturene til bladene og kronbladene til menneskelige ansikter. Når du gjetter hemmeligheten, blir buketten til et portrett av kongefamilien. Etter at Bourbon-dynastiet ble styrtet, begynte kunstnere å male keiser Napoleon med sin kone og sønn. Men Josephine elsket fioler, så de erstattet liljer.

Gjennom århundrene har kunstnere selvsagt utvidet fagstoffet lignende verk. Et eksempel er et maleri hvor du først ser noen tørre blader som flyr gjennom luften. Og på lerretet ligger et stykke papir med en inskripsjon på fransk: "En drøm båret bort av vind og tid." Vanligvis skriver ikke kunstnere navnet på forsiden av bildet. Her, i nedre venstre hjørne av lerretet, står det skrevet på tysk: «Hemmeligheten mellom høstbladene». Dette er ikke bare navnet på maleriet, men også nøkkelen som avslører intensjonen til kunstneren - Sandro Del Prete. Navnet hans er kjent over hele verden i dag. Og han startet som amatør (jeg rapporterer dette spesielt for deltakerne i konkurransen om mystiske malerier). I ungdommen studerte Del Prete tegning i bare seks måneder, frem til han var 44 år gammel så han ikke på seg selv som en profesjonell kunstner og jobbet i et forsikringsselskap i den sveitsiske byen Bern, hvor han fortsatt bor.

I et maleri av den Taganrog-baserte kunstneren Viktor Bregeda, som også ble tiltrukket av denne teknikken, står figurer som kneler i bønn på bakgrunn av et ørkenfjellslandskap. Dette er bare en del av handlingen du ser med en gang, men tittelen – «Prophecy» – antyder at hovedinnholdet ikke er så åpenbart og ennå ikke er avslørt. Usynlig i første øyeblikk inneholder bildet de som pilegrimene bøyde seg for: Gud Faderen, Gud Sønnen og den bevingede rytteren - en engel steg ned fra himmelen.

Maleriet "Dreams of Greece" av Muscovite Natalya Zamyatina ser ut som et vanlig stilleben med en porselensvase og frukt. Tittelen ser ikke ut til å matche bildet så godt. Men se nærmere på draperiet. Hva skjuler (eller avslører) foldene på stoffet og konturene til vasen?

DOBLE ØYNE

Begrepet som ga navnet til delen av artikkelen ble oppfunnet av forfatteren og forfatteren av mange publikasjoner i tidsskriftet "Science and Life" Sergei Fedin. Han kalte dobbeltøyde tekster som kan leses på to måter. La oss ta ordet "haier" som et eksempel. De to første bokstavene "ak" kan skrives som én bokstav "zh". Og "s" er lett å skildre på samme måte som "e". La oss la bokstavene i midten være uendret og få et ord som er lett å lese på to måter: «haier» og «skurker». Her er det gitt flere eksempler på slike inskripsjoner.

Ordet "dobbeløyd" tilsvarer det engelske "ambigram" - dual. Vi snakker om verbale dobbeltsyn her fordi, ved å bruke deres eksempel, er det lettere å forstå oppfatningen av doble bilder i maleri.

Hva leter vi etter, beveger blikket vårt langs dobbeltsynets linjer? Et kjent brev. Det samme skjer på bilder. Hjernen søker etter kjente bilder som allerede er i minnet, noe som er ganske ulikt lagring av fotografiske bilder. Minne er en slags "koder" som fanger opp egenskapene til bildet, slik som tilstedeværelsen av rette og buede seksjoner av linjer, grensene for skiftende lysstyrke, farge og lignende.

Når vi ser nærmere på to-øynene, finner vi bokstavene vi ikke la merke til i utgangspunktet, og vi legger til det andre ordet fra dem. Det samme skjer med det skjulte bildet.

Foreløpig har ingen kommet opp med ordet «tre-øyne», det vil si bildet av tre ord med ulik betydning i én oppføring. Hvis du lykkes, sørg for å sende inn arbeidet ditt til konkurransen om mysteriummaling. Men de pittoreske trillingene er allerede skapt, og vi skal nå snakke om dem.

TO-FACET OG TRE-FACET MALERI

I forrige utgave av magasinet, i artikkelen "Usynlig-synlig" møtte du bildet av et kvinnelig hode, som ser enten ungt eller gammelt ut, avhengig av plasseringen av bildet. La oss nå bli kjent med et portrett som ikke trenger å snus. På spørsmålet: "Forestiller det en ung eller gammel kvinne?" - forskjellige folk gi motsatte svar. Noen sier - en jente, andre - en gammel kvinne. Bildet har for lengst blitt en klassiker. Men for de som ser henne for første gang, må de hver gang forklare hvordan de kan se det andre bildet: "Damens øye er jentas øre, og nesen er den ovale av et ungt ansikt." I følge fysiologer betaler betrakteren, som ser på portrettet, mest oppmerksomhet til øynene og nesen. Derfor er førsteinntrykket vanligvis avhengig av hvilken del av bildet øynene dine falt på i det første øyeblikket. Etter litt trening kan du lære å bestille selv hvem du vil se.

Når det gjelder antall publikasjoner i bøker og blader, er handlingen med en ung og gammel kvinne langt foran alle andre illusoriske bilder. Forfatteren kalles noen ganger den amerikanske tegneserieskaperen W. Hill, som publiserte verket i 1915 i magasinet "Pak" (oversatt til russisk "Puck" - en alv, en eventyrånd). Noen ganger tilskrives bildet psykiateren E. Boring, som brukte portrettet på 1930-tallet som illustrasjon for sitt arbeid. I det vitenskapelige miljøet kalles «To damer» fortsatt «Kedelig figur». Faktisk, tilbake i de første årene av det 20. århundre, ble et postkort satt i omløp i Russland med det samme bildet og inskripsjonen: "Min kone og min svigermor." Det tyske postkortet fra 1880 fungerte som en prototype for det (forfatteren er ukjent).

Bildet med to damer er jevnlig gjengitt i bøker om psykologi. Men det er fortsatt stort sett ukjent hvordan menneskesinnet oppfatter dualistiske bilder. Kunstnere fortsetter bare å utvikle en allerede velkjent teknikk. I første halvdel av 1900-tallet dukket det opp et lignende portrett av en eldre og ung mann. Så, i 1968, laget kunstneren G. Fischer en ny frisyre for begge damene og fikk en tredje skuespiller. Faktisk la han bare til ett element, og bildet ble kjent som «Mamma, pappa og datter». Kvinnens hår ble til profilen til en mann, takket være at det var tre personer i portrettet.

På samtidsmaleri Moskva-kunstneren Sergei Orlov (se s. 132) det er ikke bare to forskjellige ansikter, men også to kvinnelige skikkelser som tilhører både jenta og kjerringa på samme tid. Den gamle damen ser på blomsten hun holder i hånden. Den unge sitter med ryggen til oss, retter håret og snur hodet til venstre.

Verkene til Sergei Orlov, Victor Bregeda og andre kunstnere som jobber på denne måten kan sees på Internett. Det er et spesielt prosjekt "Dualities" http://hiero.ru/project/Dubl av nettstedet "Hieroglyph", der forfatterne stiller ut verkene sine for diskusjon.

Ikke en eneste bok om illusoriske malerier er komplett uten en historie om arbeidet til spanjolen Salvador Dali. 300 år etter Arcimboldo gjenopplivet han retningen til illusoriske malerier.

På det første bildet ser betrakteren to rikt kledde kvinner. Mannen i turbanen leder dem inn i galleriet. Kunstneren forvandler denne scenen til et annet plot. En kontur dannes fra buen til galleriet menneskelig hode- et bilde av et skulpturelt portrett av den franske filosofen Voltaire av Houdon.

Handlingen med Voltaire finnes gjentatte ganger i verkene til Dali. To ganger brukte han også handlingen til maleriet «Hodet til en kvinne i form av et slag» (øverst til venstre), der skikkelsene til galopperende ryttere og mennesker som suser over et gult felt, summerer seg til et kvinneansikt. Men så kom "Hodet til en kvinne i form av en kamp" inn som en detalj av et annet lerret: "Spania". Dette faktum viser hvor vanskelig det er å finne en ny, original løsning for et tosidig bilde.

Hvis jeg ble arrangør av en utstilling av de beste dualistiske maleriene, ville jeg ved siden av verkene til Dali plassere malerier av den moderne Volgograd-kunstneren Vladislav Koval. Og absolutt - "Stalingrad Madonna", der bildet av en kvinne med en baby i armene er vevd av bjørkegrener. I maleriet "Decommissioning to Shore" forvandles de fjerne kystklippene som er synlige i horisonten til en ensom, hengende skikkelse av en sjømann. I maleriet "Icarus" ses helten hennes enten fly eller falle. På neste lerret blir en soldat pakket inn i en regnfrakk, frysende, til en Madonna med et barn. I verket "Pyramid" kombinerte V. Koval for første gang i kunsthistorien flere doble bilder til et integrert kunstverk. Og brukt nesten alt maleteknikker som jeg har snakket om. Her og konstruksjonen av nye bilder fra detaljene i landskapet, og malerier, hvis innhold avhenger av synsvinkel eller avstand. I dag er Koval en av de mest kjente artister Russland. Hans berømmelse har en merkelig begynnelse. Mens han studerte i Moskva, sendte han brev til sine slektninger i Volgograd og satte ikke frimerker på konvolutter, men tegnet. Alle sendte brev kom frem til mottakerne uten tilleggsbetaling. Da pressedepartementet utlyste en konkurranse blant artister, tok studenten Vladislav Koval med seg en pakke med konvolutter til arrangørene. Og han ble vinneren, den yngste blant deltakerne.

Uvanlige ikoner

Eksempler på mystiske malerier finnes selv i en så streng og kanonisk kunstform som ikoner. Til museet gammel russisk kunst i Moskva brakte de en gang ikonet "Jesus i fangehullet". På forsiden av den er Jesus avbildet med lenker på føttene, og rundt er lidenskapens instrumenter, det vil si tortur. Hver har et navn ved siden av. Basert på særegenhetene ved å skrive ord, bestemte kunstkritikere at forfatteren var en gammeltroende. Det unike med ikonet var at bildet ble krysset av smale vertikale striper. Det har blitt antydet at dette er spor etter et gitter som en gang dekket Kristi bilde. Ledetråden til de mørke stripene viste seg imidlertid å være mye mer interessant, og den tilhører lederen av Canon-ikonmalerverkstedet, kunsthistorikeren og kunstneren Alexander Renzhin.

Det viser seg at ikonet en gang inneholdt ikke ett, men tre bilder. Stripene er ikke annet enn spor av vertikale plater som ble festet til rammen (innstillingen) til ikonet. De festet seg tett til overflaten og etterlot derfor spor. På begge sider av hver plate ble det tegnet (det er vanlig å si - skrevet) deler av ytterligere to ikoner. Stående foran ikonet kunne du se ett bilde, bevege seg til venstre - et annet, til høyre - det tredje. Platene til ikonet gikk tapt, men Renzhin klarte å finne nøyaktig det samme hele ikonet. Det viste seg at deler av bildene av Guds mor og døperen Johannes var skrevet på begge sider av 12 plater. Når du ser på ikonet fra siden, blir delene av bildet kombinert til en enkelt helhet.

Lagerrommene til Museet for religionshistorie i St. Petersburg inneholder ikoner av denne typen, men med en annen handling. På en av dem forgrunnen- due, et symbol på Den Hellige Ånd. Men så snart du beveger deg til høyre, vil bildet av Gud Faderen vises, til venstre - ansiktet til Gud Sønnen. Det er vanskelig for en moderne seer, bortskjemt med lyseffekter, å forestille seg kraften i inntrykket av tredelte ikoner på de troende fra tidligere århundrer, og til og med i skumringen av en kirke kun opplyst av stearinlys. I tillegg, på 1900-tallet, ble en lignende teknikk brukt i reklame, og derfor mistet den sin uvanlighet.

Det er ikoner hvis overflate ikke er flat, men profilert, med vertikale trekantede riller. På den ene siden av hvert spor er det skrevet et bilde, synlig til venstre, og på den andre, synlig til høyre. Når du ser forfra, ser du en "blanding" av de to bildene. Derfor ble det i kirken plassert en stor lysestake foran et slikt ikon slik at det bare kunne sees fra to sider.

Ved kirken St. Mitrofan av Voronezh i Moskva på 2nd Khutorskaya Street er det et kirkemuseum. Der blant andre interessante utstillinger du kan se et tredelt bilde. Dette er ikke et ikon, men et portrett kongelig familie. Stående foran portrettet ser du keiser Alexander III. Flytt til høyre - bildet av keiserinne Maria Feodorovna vises. Tilskuerne, som står til venstre, ser den unge arvingen, den fremtidige keiseren Nicholas II. Et merkelig trekk ved bildet bidro til å fastslå tidspunktet for opprettelsen. På det høyre tempelet til Nikolai er en blodig flekk synlig. Dette er fotavtrykket til et japansk sverd. I 1890-1891 forpliktet arvingen reise rundt i verden, og det ble gjort et attentat mot ham i Japan. En japansk politimann slo Nikolai med et sverd, men den unge arvingen svingte og fikk bare et mindre sår. Den andre gangen angriperen ikke hadde tid til å slå, ble han slått ned, men ikke av vertene som tok imot den fornemme gjesten, men av den greske prinsen George som fulgte Nicholas.

LEGENDEN OM SAINT VERONICA

I 1879 ble det holdt en utstilling med tyske kunstnere i St. Petersburg. En av dem, Gabriel von Max, presenterte maleriet «Lommetørkleet til St. Veronica» med bildet av et stykke grovt lerret spikret til veggen med Kristi ansikt i sentrum. Det uvanlige med bildet var at publikum kunne se Frelserens øyne enten lukkede eller åpne. Datidens aviser skrev at arrangørene måtte sette stoler i salen, da noen av damene besvimte og utbrøt: "Se! Se!"

Selvfølgelig vakte det mystiske bildet oppmerksomheten til hovedstadens kunstnere som prøvde å avdekke hemmeligheten, og kunstneren Ivan Kramskoy skrev en artikkel om det for magasinet Novoe Vremya, hvor han avslørte teknikken som den tyske forfatteren oppnådde ønsket effekt med .

Legenden om Saint Veronica spredte seg over hele Europa i middelalderen. Senere ble det den offisielle kirketradisjonen, det vil si at den ble anerkjent som sann som de som er nedtegnet i evangeliet. Da Jesus Kristus ble ført til Golgata for å bli korsfestet der, tørket en medfølende kvinne ved navn Veronica svetten fra ansiktet hans med et lommetørkle som hadde dekket øynene hennes. Samtidig ble Frelserens ansikt i tornekronen på mirakuløst vis preget inn på skjerfet. Tradisjonen dannet grunnlaget Ortodokse ikoner"Frelser ikke laget av hender". Det er lettest for oss, ikke-spesialister, å gjenkjenne dette ikonet ved bildet av et skjerf som Jesu ansikt er skrevet på, selv om selve skjerfet (oftere sier de "plats") er tegnet annerledes og ganske konvensjonelt. Blant vestlige kristne kalles et lignende bilde «Scarf of St. Veronica».

Fra en kjenner av russisk kunst, prest Valentin Dronov, hørte jeg en historie som jeg siterer her ordrett: "To eller tre ganger i mitt liv måtte jeg se ikonet til Frelseren Not Made by Hands, som viste en mirakuløs egenskap. øynene til Jesus på det virket enten åpne eller lukkede.Det var avhengig av sinnstilstand ber. Hvis han var rolig, så det ut til at Frelseren sov. Men hvis han var i opphisselse, åpnet øynene seg." Hjemme holdt far Valentin et fotografi av dette bildet, som er gitt her.

Jeg har ennå ikke klart å finne noe lignende i museene våre. I en guide til Betlehem, byen hvor Kristus ifølge legenden ble født, sies det at en av freskene på søylen i Fødselskirken har samme egenskap: "ansiktet på ikonet åpner og lukker sitt øyne."

Ikonet som er beskrevet er svært sjeldent, så alle bevis på personer som har sett eller i det minste hørt om slike bilder er viktig. Vi ber leserne informere redaktørene av tidsskriftet om det.

15. januar 2013, 20:34

1. "Gråtende gutt"- maleri Spansk kunstner Giovanni Bragolina. Det er en legende om at guttens far (som også er forfatteren av portrettet), prøver å oppnå lysstyrke, vitalitet og naturlighet på lerretet, tente fyrstikker foran babyens ansikt. Faktum er at gutten var redd for brann til døden. Gutten gråt - faren tegnet. En gang kunne ikke ungen holde ut og ropte til faren sin: "Du brenner selv!". En måned senere døde barnet av lungebetennelse. Og et par uker senere ble det forkullede liket av kunstneren funnet i hans eget hus ved siden av et maleri av en gråtende gutt som overlevde brannen. Dette kunne ha endt der, men i 1985 rapporterte britiske aviser at i nesten alle utbrente bygninger fant brannmenn reproduksjoner av Crying Boy, som brannen ikke en gang rørte. 2. "Hender motstå ham"- maleri Amerikansk kunstner Bill Stoneham. Forfatteren sier at maleriet forestiller seg selv i en alder av fem år, at døren er en representasjon av skillelinjen mellom den virkelige verden og drømmenes verden, og dukken er en guide som kan lede gutten gjennom denne verden. Hendene representerer alternative liv eller muligheter. Maleriet ble en kjent urban legende i februar 2000 da det ble lagt ut for salg kl eBay auksjon med en bakhistorie som forteller at maleriet er "hjemsøkt". Ifølge legenden, etter døden til den første eieren av maleriet, ble maleriet funnet på en søppelfylling blant en haug med søppel. Familien som fant henne hentet henne hjem, og allerede den første natten løp en liten fire år gammel datter inn på foreldrenes soverom og skrek at «barna på bildet slåss». Neste kveld – at «barna på bildet var utenfor døren». Neste natt satte familiens overhode opp et bevegelsesregistrerende videokamera i rommet der maleriet hang. Videokameraet fungerte flere ganger, men ingenting ble fanget. 3. "Regnkvinne"- maleri av Vinnitsa-kunstneren Svetlana Telets. Selv seks måneder før bildet ble opprettet, begynte noen visjoner å besøke henne. I lang tid Det virket for Svetlana at noen så på henne. Noen ganger hørte hun til og med rare lyder i leiligheten hennes. Men jeg prøvde å skyve de tankene vekk. Og etter en stund, ideen til nytt maleri. Bilde mystisk kvinne ble født plutselig, men det virket for Svetlana som om hun hadde kjent henne lenge. Ansiktstrekk, som om de er vevd av tåke, klær, spøkelsesaktige linjer av figuren - kunstneren malte en kvinne uten å tenke på et minutt. Det var som om en usynlig kraft ledet hånden hennes. Et rykte spredte seg rundt i byen om at dette maleriet var forbannet, etter at en tredje kjøper returnerte maleriet noen dager senere uten engang å ta pengene. Alle som hadde dette bildet sa at om natten så det ut til å våkne til liv og gå som en skygge i nærheten. Folk begynte å få hodepine, og selv etter å ha skjult bildet i skapet, forsvant ikke følelsene av tilstedeværelse. 4. I løpet av Pushkins tid var portrettet av Maria Lopukhina, malt av Vladimir Borovikovsky, en av de viktigste "skrekkhistoriene". Jenta levde et kort og ulykkelig liv, og etter å ha malt portrettet døde hun av forbruk. Hennes far, Ivan Tolstoj, var en berømt mystiker og mester i Frimurerlogen. Derfor gikk rykter om at han klarte å lokke ånden død datter til dette portrettet. Og at hvis unge jenter ser på bildet, vil de snart dø. I følge versjonen av salongsladder drepte portrettet av Mary minst ti adelskvinner i ekteskapelig alder ... 5. "Vannliljer"- Impresjonistisk landskap av Claude Monet. Da kunstneren og vennene hans feiret ferdigstillelsen av maleriet, brøt det ut en liten brann i atelieret. Flammen ble raskt fylt med vin og la ingen vekt på dette. Kun en måned hang bildet i en kabaret i Montmartre. Og så en natt brant stedet ned til grunnen. Men «Liljene» klarte å redde. Maleriet ble kjøpt av den parisiske filantropen Oscar Schmitz. Et år senere brant huset hans ned. Brannen startet fra kontoret, der det skjebnesvangre lerretet hang. Den overlevde mirakuløst. Et annet offer for Monets landskap var New York Museum of Modern Art. Vannliljene ble brakt hit i 1958. Fire måneder senere blusset det opp her også. EN jævla bilde sterkt forkullet.
6. I et maleri av Edvard Munch "Hyle" den skildrer en hårløs lidende skapning med et hode som ligner en omvendt pære, med hendene presset mot ørene i gru og med munnen åpen i et stille skrik. De krampaktige bølgene til denne skapningens angst ekko gjennom luften rundt hodet. Denne mannen (eller kvinnen) ser ut til å være fanget i sitt eget skrik-skrik, og for ikke å høre det, dekket han for ørene. Det ville vært rart om det ikke fantes legender rundt dette bildet. Det sies at alle som kom i kontakt med henne led av dårlig stein. En ansatt ved museet, som ved et uhell mistet maleriet, begynte å lide av alvorlig hodepine og begikk til slutt selvmord. En annen ansatt, som tilsynelatende også hadde skjeve hender, mistet maleriet og hadde en ulykke dagen etter. Noen brant til og med ned et døgn etter kontakt med maleriet. 7. Et annet lerret som stadig følger med problemer er "Venus med et speil" Diego Velasquez. Den første eieren av maleriet - en spansk kjøpmann - gikk konkurs, handelen hans ble verre for hver dag, helt til det meste av varene hans ble fanget av pirater til sjøs, og flere skip sank. Kjøpmannen solgte alt han hadde under hammeren og solgte også maleriet. Den ble kjøpt opp av en annen spanjol, også en kjøpmann, som eide rike lagerbygninger i havnen. Nesten umiddelbart etter at pengene til lerretet ble overført, tok kjøpmannens varehus fyr etter et plutselig lynnedslag. Eieren var blakk. Og igjen auksjonen, og igjen selges maleriet blant annet, og igjen kjøpes det av en velstående spanjol ... Tre dager senere ble han knivstukket i hjel i eget hus under et ran. Etter det kunne ikke maleriet finne sin nye eier på lenge (det hadde et rykte som var for skadet), og lerretet reiste rundt ulike museer inntil en galning i 1914 skar henne med en kniv.
8. "Demon beseiret" Mikhail Vrubel hadde en skadelig effekt på psyken og helsen til kunstneren selv. Han klarte ikke å rive seg løs fra bildet, han fortsatte å fullføre ansiktet til den beseirede Ånden og endre fargen. "Den beseirede demonen" hang allerede på utstillingen, og Vrubel kom stadig inn i salen, uten å ta hensyn til de besøkende, satte seg foran bildet og fortsatte å jobbe, som om han var besatt. Pårørende var bekymret for tilstanden hans, og han ble undersøkt av den berømte russiske psykiateren Bekhterev. Diagnosen var forferdelig - en flik i ryggmargen, nær galskap og død. Vrubel ble innlagt på sykehuset, men behandlingen hjalp lite, og han døde snart.

Maleriene til store kunstnere kan ikke bare glede og gi estetisk nytelse, men også forårsake mystisk ærefrykt og til og med frykt. Mange malerier av mestere er fulle av mysterier. Vår historie handler om dem.

Talentfulle malerier vekker alltid indre ærefrykt og beundring blant kunstelskere. Maleriene til de store mestrene fascinerer og fengsler, fordi nydelige bilder vekke i sjelene det mest intime, det som ofte en person søker å skjule selv for seg selv. Carl Jung kalte det det ubevisste.

Derfor blir malerier av kjente kunstnere oppfattet som mystiske meldinger der verdens hemmeligheter avsløres. For å løse dem må du være så oppmerksom som mulig på detaljene og symbolene til maleriene.

Mer enn én generasjon kunstkritikere vil prøve å nøste opp chifferene til Hieronymus Bosch, tenke på koden til malerier av Leonardo da Vinci, og Michelangelo, og Botticelli, fryser av glede foran nederlendernes malerier. Hva kan vi si om maleriene fra modernismens og postmodernismens tid, hvor skjønnhet, spiritualitet og presisjon av linjer har viket for kulturelle symboler, sammenveving av linjer og kubiske former.

Malerier med mening av Pablo Picasso og Frida Kahlo, Jackson Pollock og Salvador Dali avslører livets tragiske og mystiske sider moderne mann. For å lese dem må du ha omfattende kunnskap og kreativ intuisjon.

Vi inviterer deg til å besøke det virtuelle galleriet og finne ut hvilke berømte malerier av kunstnere som er fulle av gåter eller hvilke dramatiske historier som er assosiert med:

Nattverden (Leonardo da Vinci)

Mange vil legge merke til at dette mesterverket ikke akkurat er et maleri, men en freskomaleri. Imidlertid er en fresco det samme lerretet, kun laget på våt gips. Snakk om mysteriet med dette bildet begynte tilbake på 1800-tallet, da aristokratiets sinn ble fengslet av forskjellige mystiske læresetninger, frimurerlosjer og forskjellige hemmelige samfunn. I det 21. århundre ble interessen for fresken gjenopplivet takket være Dan Browns bok Da Vinci-koden og serien Da Vincis demoner.

Faktisk inneholder denne kreasjonen av den største renessansekunstneren mange hemmelige tegn som danner underteksten til fresken. Først av alt bør det bemerkes at kunstneren arbeidet med opprettelsen i tre år, frem til 1498 (Leonardo skrev åpenbart ikke på fuktig grunn - dette er en grunn til å vurdere " siste måltid"et maleri, ikke en freske). Komposisjonen ble bestilt av dogen av Venezia, Ludovico Sforza, en berømt rake, mystiker, kjøpmann og intrigør.

Begrepet troskap i familie liv var fremmede for Sforza, var han ukuelig i sine lidenskaper, som hans fromme kone, hertuginne Beatrice d'Este, led av. Selv om hun var en av de mest vakre kvinner fra renessansen, lurte Ludovico henne med en utrolig konstanthet med de beste i Venezia.

Bare Beatrices død tvang Sforza til å revurdere prioriteringene sine og ta en pause i søket. kjærlighetsglede. For å forevige hennes minne bestilte hertugen av Venezia da Vincis Nattverden.

Den første gåten på lerretet er forbundet med denne bakgrunnen: apostelen Johannes, som sitter på Kristi høyre hånd, ser utad mer ut som en kvinne enn en mann. Dermed ble formodningen født om at dette var Maria Magdalena, Jesu kone. Det ble også bekreftet av tegnet som tilbøyelighetene til disse to karakterene skaper. Det viser seg en figur som ligner en kombinasjon av to trekanter, som i mystisk lære betydde forbindelsen mellom de feminine og maskuline prinsippene som grunnlaget for universet.

Den andre gåten er bildet av Judas. I begynnelsen av arbeidet med maleriet fant Leonardo veldig raskt en sitter for bildet av Jesus. De ble en ung sanger fra kirkekoret. Hans skjønnhet og gode utseende slo kunstneren.

Men for Judas måtte naturen letes i nesten tre år. En gang, i en grøft, så Leonardo en fylliker komme ned. Han brakte ham til spisesalen og skrev i løpet av få dager Kristi antipode. Etter å ha snakket med sitteren, fikk kunstneren vite at livet hans gikk nedover fra det øyeblikket han poserte for bildet av Jesus da Vinci. Dermed blir Kristus og den som forrådte ham avskrevet fra én person med en forskjell på tre år.

Den tredje gåten er at det er et selvportrett av Leonardo i maleriet. Dette er apostelen Thaddeus, som sitter nummer to fra høyre.

Den fjerde koden er det gjentatte tallet tre. Ta en nærmere titt på lerretet, alle karakterene er gruppert i tre. Dette viser det symbolske chifferet til den hellige treenighet - Sønnen, Ånden og Gud.

Skapelsen av Adam (Michelangelo)

En freske fra 1500-tallet av en av de berømte renessansemestrene viser Gud som strekker ut hånden til Adam. Dette er den fjerde av de ni scenene i Genesis, som forfatteren avbildet i Det sixtinske kapell. Maleriet skildrer hvordan Gud puster sjel inn i et nyskapt menneske.

Anatomer har slått fast at Skaperens lilla kappe, som englene er samlet under, ligner den menneskelige hjernen i omrisset. Michelangelo, som alle artister på den tiden, studerte anatomi i detalj, så han visste godt hvordan dette organet ser ut. Men hvorfor avbildet han ham i et maleri med en religiøs handling?

Kunstkritikere antydet at den progressive kunstneren og tenkeren på denne måten påpekte at kraften som beveger og utvikler en person er sinnet. I tillegg er det en rekke andre nyanser du bør være oppmerksom på:

1. Stillingen til Adam er symmetrisk med Guds holdning. Imidlertid er det første mennesket avslappet, og bare det guddommelige sinn er i stand til å fylle ham med energi.
2. Helter, pakket inn i Skaperens kappe, skaper omrisset av den menneskelige hjernen. Dessuten skisserte Michelangelo hypofysen, pons varolii (overfører impulser fra hjernen til ryggmargen) og vertebrale arterier med linjer.

Maleriet er et veltalende budskap fra en progressiv humanistisk kunstner som trodde på kraften i menneskesinnet.

"Flamske ordtak" (Peter Brueghel den eldste)

Maleriet ble laget av en nederlandsk maler på midten av 1500-tallet. Ved første øyekast er handlingen enkel - en vanlig dag på torget. Imidlertid er det 112 separate komposisjonskomponenter på lerretet som legemliggjør populære fraseologiske vendinger.

Se nøye på bildet og se illustrasjoner for idiomer: bank hodet mot veggen; bind djevelen til puten; henge en bjelle på en katt (en urimelig handling); snakke med to munner; stek sild til egg o.l.

Dette bildet er av stor interesse ikke bare for kunsthistorikere og kulturforskere, men også for filologer.

Danae (Rembrandt Harmens van Rijn)

Den nederlandske kunstneren malte dette bildet i 11 år (1636–1647). Ved første øyekast vises heltinnen på lerretet gammel gresk myte Danae, som ble gjemt i fangehullet av sin egen far. Årsaken til dette er profetien, ifølge hvilken kongen av Argos vil falle i hendene på barnebarnet sitt.

Rembrandts Danae er et symbol på mannlig forgjengelighet. Ved å studere bildet fant kunstkritikere at Danaes ringfinger har giftering, selv om hun ifølge legenden var en ugift ung dame da hun ble fengslet. I tillegg var det ikke noe gullregn på bildet, som Zevs kastet for å føde liv i Danae.

Det andre punktet som forvirret forskerne var at heltinnens ansikt ikke så ut som Saskia van Uylenbürch, Rembrandts unge kone, som fungerte som modell for alle maleriene hans på 1630-tallet. Dette er desto mer merkelig, siden "Danae" ble malt av kunstneren for å dekorere sitt eget hjem. Så hvem, i stedet for kona, fanget han på lerretet?

Svaret kom på 1950-tallet, da kunsthistorikere begynte å bruke røntgen for å studere malerier. Det viste seg at Danae i utgangspunktet likevel ble avskrevet fra Saskia, og senere skrev kunstneren om bildet hennes, og ga trekkene til sykepleieren til sønnen Gertje Dirks. Etter Saskias død ble hun hans elskerinne, samboer og nye muse.

"Soverom på Arly" (Vincent van Gogh)

Vincent van Gogh er ikke i stand til å motstå forfølgelsen av den parisiske beau monde, og rømmer fra hovedstaden i Frankrike. Våren 1888 trekker han seg tilbake til et lite uthus i Arly, kjøpt for penger fra arven. Kunstneren har endelig funnet sitt hjem og sitt eget verksted. I Arly bodde han en stund i påvente av en annen parisisk flyktning, Paul Gauguin. Sammen med ham ønsket Van Gogh å skape et brorskap av kunstnere.

Maleriet "Bedroom at Arly", eller "Yellow Bedroom", er et dokumentarisk bevis på malerens psykiske lidelse. Ifølge den kan psykiatere studere endringer hos en person som lider av schizofreni. Her er tegnene du bør se etter:

1. Mettet, og til og med påtrengende gul farge. Det ser unaturlig ut i det indre av soverommet. Alt handler om revebjelle, som Vincent van Gogh kjempet mot epileptiske anfall med. Regelmessig bruk av denne medisinen fører til en endring i fargeoppfatning. Folk ser verden i gul-grønn farge.
2. Sammenkoblingen av gjenstander i rommet: to stoler, to puter, to portretter, et par graveringer av Van Gogh. Dermed prøvde forfatteren å finne ro i sinnet, å takle ensomhet.
3. Lukkede skodder er et symbol på kunstnerens indre isolasjon og en følelse av trygghet.
4. Speilet på veggen ble kjøpt av Van Gogh for selvportretter. Folk nektet å posere for ham fordi de ikke oppfattet maleriene hans som kunst.
5. Det røde teppet på sengen spilte en dramatisk rolle i malerens liv. Under et av angrepene kuttet han av øreflippen og, pakket seg inn i dette teppet, forsøkte han å overvinne frykten som hadde grepet ham.

Bildet er en refleksjon av kunstnerens indre verden. I Van Goghs tilfelle er «Bedroom at Arly» historien om hans ensomhet og galskap.

"Skrik" (Edvard Munch)

Skriket er et av de mest mystiske maleriene på 1900-tallet. Hun legemliggjorde forutanelsen om en universell tragedie som grep kunstneren under en av hans turer. Munch så en blodig solnedgang flamme på himmelen, og innerst inne hørte han ropet fra naturens lidelse. Det var dette han ønsket å vise på lerretet sitt.

Den hårløse mannen, som ligner et skjelett i omriss, åpner munnen på vidt gap og lukker ørene i forferdelse - slik slår det gjennomtrengende hylet fra naturen ham. Følelsen som kunstneren opplevde og viste på lerretet ble profetisk. "Skriket" har blitt et symbol på det tjuende århundre - et århundre med vold, kriger, grusomhet, menneskehat og tortur av miljøet.

En rekke mystiske historier er knyttet til bildet. Så alle eierne av "Scream" led ulykke - ruin, død, ulykker. Da bildet kom til museet, viste flere arbeidere uaktsomhet i arbeidet med det - de slapp lerretet. Etter en stund tok den ene selvmord, og den andre brant i hjel. bilulykke. Disse ulykkene var assosiert med den fatale handlingen til mesterverket.

Forskere er sikre på at, som i tilfellet med Van Gogh, er lerretet legemliggjørelsen av den mentale lidelsen til skaperen, Edvard Munch.

"Gammel fisker" (Tivadar Kostka Chontvari)

En farmasøyt fra Ungarn, etter å ha sett en profetisk drøm, solgte apoteket, kjøpte alt nødvendig for å tegne og gikk for å lære ferdighetene fra libanesiske malere.

Da han kom tilbake til hjemlandet på begynnelsen av det tjuende århundre, presenterte han et originalt verk - maleriet " gammel fisker". Det så ut til at det ikke var noe spesielt med det: publikum visste ikke hva som var så mystisk i dette lerretet. Alt handler om underteksten, som ikke er så lett å lese. Det var mulig å løse det først etter 50 år.

Chontwari malte rare og litt skremmende malerier, så de var ikke populære. Som et resultat døde han i fattigdom, og lerretene hans havnet i søppeldynga. Bare noen få malerier av mesteren har overlevd og havnet på museet i byen Pec. Blant dem var «Gamlefiskeren».

En av museumsansatte tenkte å bruke et speil for å avsløre underteksten til mesterverket. Det viste seg at hvis du deler bildet i to med et speil, dannes to antagonistplott: den første viser Gud som seiler i en båt på et stille hav, og den andre viser djevelen i et rasende hav. Dette er en slik metafor for kompleksiteten i å være skapt av en ungarsk kunstner.

Dette er bare en liten del av dem kjente malerier som forårsaker mystisk ærefrykt og tilbedelse. Skapelsene til Mikhail Vrubel, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Gustav Klimt og Kazemir Malevich fremkaller glede, redsel og tilbedelse. De er løst, de blir beundret, det tar år å forstå innholdet deres. Kunnskap om mysteriene til de store lerretene er et skritt mot kunnskapen om mennesket og verden.

Utvalgte nyheter

17:56

Noen kunstverk som om å slå seeren på hodet, målløs og fantastisk. Noen av dem trekker deg inn i tankene og på jakt etter semantiske lag, hemmelig symbolikk. Noen malerier er dekket med hemmeligheter og mystiske mysterier, og noen overrasker med en ublu pris.

Maleri, hvis du ikke tar hensyn til realistene, har alltid vært, er og vil være merkelig. Metaforisk, på jakt etter nye former og uttrykksmidler. Men flere merkelige bilder fremmed enn andre.

Selvfølgelig er "rar" et ganske subjektivt begrep., og hver har sine egne fantastiske malerier som skiller seg ut fra en rekke andre kunstverk.

Vi har bevisst ikke inkludert i denne samlingen Salvador Dali, hvis verk faller helt inn under formatet til dette materialet og er de første som kommer til tankene.

1. Edvard Munch "Skrik"

1893, papp, olje, tempera, pastell. 91x73,5 cm

Nasjonalgalleriet, Oslo

"The Scream" regnes som en landemerkebegivenhet ekspresjonisme og en av de mest kjente malerier i verden.

«Jeg gikk langs stien med to venner- solen gikk ned - plutselig ble himmelen blodrød, jeg stoppet, følte meg utslitt, og lente meg mot gjerdet - jeg så på blodet og flammene over den blåsvarte fjorden og byen - vennene mine fortsatte, og jeg ble stående skjelver av begeistring, føler et endeløst skrik gjennomtrengende natur, sa Edvard Munch om maleriets historie.

Det er to tolkninger av det avbildede: det er helten selv som blir grepet av redsel og lydløst skriker, og presser hendene mot ørene hans; eller helten lukker ørene for ropet fra verden og naturen som lyder rundt ham. Munch skrev 4 versjoner av Skriket, og det finnes en versjon om at dette maleriet er frukten av en manisk-depressiv psykose som kunstneren led av. Etter et behandlingsforløp på klinikken kom Munch ikke tilbake til arbeidet med lerretet.

2. Paul Gauguin «Hvor kom vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi?"

1897-1898, olje på lerret. 139,1x374,6 cm

Museum kunst, Boston

Dyp filosofisk bilde postimpresjonisten Paul Gauguin ble skrevet av ham på Tahiti, hvor han flyktet fra Paris. På slutten av arbeidet ønsket han til og med å begå selvmord, fordi "jeg tror at dette lerretet ikke bare er overlegent alle mine tidligere, og at jeg aldri vil skape noe bedre eller til og med lignende."

I regi av Gauguin selv, maleriet bør leses fra høyre til venstre - tre hovedgrupper av figurer illustrerer spørsmålene som stilles i tittelen. Tre kvinner med et barn representerer begynnelsen på livet; mellomgruppe symboliserer den daglige tilværelsen av modenhet; i den siste gruppen, ifølge kunstneren, "virker en gammel kvinne som nærmer seg døden forsonet og overgitt til sine tanker", ved hennes føtter "representerer en merkelig hvit fugl ... ordenes meningsløshet."

3. Pablo Picasso "Guernica"

1937, olje på lerret. 349x776 cm

Reina Sofia-museet, Madrid

Stor freskomaleri "Guernica", skrevet av Picasso i 1937, forteller om et raid av en frivillig enhet fra Luftwaffe på byen Guernica, som et resultat av at byen med seks tusen ble fullstendig ødelagt. Bildet ble malt på bare en måned - de første arbeidsdagene med bildet jobbet Picasso i 10-12 timer og allerede i de første skissene kunne man se hovedideen. Dette er en av de beste illustrasjonene fascismens mareritt, så vel som menneskelig grusomhet og sorg.

"Guernica" presenterer dødsscener, vold, grusomheter, lidelse og hjelpeløshet, uten å spesifisere deres umiddelbare årsaker, men de er åpenbare. Det sies at Pablo Picasso i 1940 ble innkalt til Gestapo i Paris. Samtalen gikk umiddelbart over til bildet. "Gjorde du det?" - "Nei, du gjorde det."

4. Jan van Eyck "Portrett av Arnolfini"

1434, olje på tre. 81,8x59,7 cm

London Nasjonalgalleriet, London

Portrett antagelig av Giovanni di Nicolao Arnolfini og hans kone er en av de mest komplekse verk Vestlig malerskole fra den nordlige renessansen.

Det berømte maleriet er helt fylt med symboler, allegorier og ulike referanser – opp til signaturen «Jan van Eyck var her», som gjorde det ikke bare til et kunstverk, men til et historisk dokument som bekrefter en reell begivenhet som kunstneren var til stede ved.

I Russland senere år bildet fikk stor popularitet på grunn av portrettlikheten til Arnolfini med Vladimir Putin.

5. Mikhail Vrubel "Sittende demon"

1890, olje på lerret. 114x211 cm

Tretyakov-galleriet, Moskva

Maleriet av Mikhail Vrubel overrasker med bildet av en demon. Den triste langhårede fyren er ikke i det hele tatt som de universelle ideene om hvordan han skal se ut ond ånd. Kunstneren selv snakket om sitt mest kjente maleri:

"Demonen er ikke så mye en ond ånd, hvor lidende og sørgelig, med alt dette er ånden mektig, majestetisk. Dette er et bilde av styrken til den menneskelige ånd, indre kamp, ​​tvil. Demonen sitter på tragisk vis, med triste, store øyne rettet mot det fjerne, omgitt av blomster. Komposisjonen understreker begrensningen til demonens figur, som om den er klemt mellom de øvre og nedre tverrstengene på rammen.

6. Vasily Vereshchagin "Krigens apoteose"

1871, olje på lerret. 127x197 cm

Statens Tretyakov-galleri, Moskva

Vereshchagin er en av de viktigste russerne kampmalere, men han malte kriger og kamper ikke fordi han elsket dem. Tvert imot prøvde han å formidle til folk sin negative holdning til krigen. En gang utbrøt Vereshchagin, i følelsenes hete: «Mer kampmalerier Jeg vil ikke skrive - det er det! Jeg tar det jeg skriver for nært hjertet mitt, roper ut (bokstavelig talt) sorgen til alle sårede og drepte. Sannsynligvis var resultatet av dette utropet det forferdelige og fortryllende maleriet "The Apotheosis of War", som skildrer et felt, kråker og et fjell av menneskehodeskaller.

Bildet er skrevet så dypt og emosjonelt at bak hver hodeskalle som ligger i denne haugen, begynner du å se mennesker, deres skjebner og skjebnen til de som ikke lenger vil se disse menneskene. Vereshchagin selv, med trist sarkasme, kalte lerretet et "stilleben" - det skildrer "død natur".

Alle detaljene i bildet, inkludert den gule fargen, symboliserer død og ødeleggelse. Den klare blå himmelen understreker bildets dødhet. Ideen om "Apotheosis of War" kommer også til uttrykk ved arr fra sabler og kulehull på hodeskallene.

7. Grant Wood "American Gothic"

1930, olje. 74x62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

«American Gothic» er en av de mest gjenkjennelige bilder i amerikansk kunst på 1900-tallet, det mest kjente kunstneriske memet fra det 20. og 21. århundre.

Maler med dystre far og datter fylt med detaljer som indikerer alvorlighetsgraden, puritanismen og retrograden til menneskene som er avbildet. Sinte fjes, en høygaffel midt i bildet, gammeldagse klær selv etter 1930-standarden, en synlig albue, sømmer på bondens klær som gjentar formen til en høygaffel, og derfor en trussel som rettes mot hvem som helst som inngriper. Alle disse detaljene kan ses uendelig på og kryper av ubehag.

Interessant nok dommerne i konkurransen ved Chicago Institute Kunsten oppfattet "gotisk" som en "humoristisk Valentine", og folket i Iowa ble fryktelig fornærmet av Wood for å fremstille dem i et så ubehagelig lys.

8. Rene Magritte "Lovers"

1928, olje på lerret

Maleri "Lovers" ("Lovers") finnes i to versjoner. På den ene kysser en mann og en kvinne, hvis hoder er pakket inn i en hvit klut, og på den andre "ser" de på betrakteren. Bildet overrasker og fascinerer. Med to figurer uten ansikter formidlet Magritte ideen til kjærlighetens blindhet. Om blindhet i enhver forstand: elskere ser ingen, vi ser ikke deres sanne ansikter, og dessuten er elskere et mysterium selv for hverandre. Men med denne tilsynelatende klarheten fortsetter vi fortsatt å se på Magritte-elskerne og tenke på dem.

Nesten alle Magrittes malerier– dette er gåter som ikke kan løses helt, siden de reiser spørsmål om selve essensen av å være. Magritte snakker hele tiden om det synliges svik, om dets skjulte mysterium, som vi vanligvis ikke legger merke til.

9. Marc Chagall "Walk"

1917, olje på lerret

Statens Tretyakov-galleri

Vanligvis ekstremt alvorlig i sitt maleri skrev Marc Chagall et herlig manifest om sin egen lykke, fylt med allegorier og kjærlighet. «Walk» er et selvportrett med kona Bella. Hans elskede svever i himmelen og ser ut til å bli dratt inn i flyet og Chagall, som står usikkert på bakken, som om han bare rørte henne med tærne på skoene. Chagall har en meis i den andre hånden - han er glad, han har en meis i hendene (sannsynligvis maleriet sitt), og en trane på himmelen.

10. Hieronymus Bosch "The Garden of Earthly Delights"

1500-1510, olje på tre. 389x220 cm

Prado, Spania

"The Garden of Earthly Delights"- Den mest kjente triptyken til Hieronymus Bosch, som har fått navnet sitt fra temaet for den sentrale delen, er dedikert til vellystens synd. Til dags dato har ingen av de tilgjengelige tolkningene av bildet blitt anerkjent som den eneste sanne.

Utholdende sjarm og fremmedhet på samme tid triptyken er hvordan kunstneren uttrykker hovedideen gjennom mange detaljer. Bildet er fullt av gjennomsiktige figurer, fantastiske strukturer, monstre som har blitt hallusinasjoner, infernalske karikaturer av virkeligheten, som han ser på med et søkende, ekstremt skarpt blikk. Noen forskere ønsket å se i triptyken et bilde av menneskelivet gjennom prisme av dets forfengelighet og bilder av jordisk kjærlighet, andre - vellysthetens triumf. Men uskylden og en viss løsrivelse som enkeltpersoner tolkes med, samt den gunstige holdningen til dette arbeidet fra kirkemyndighetenes side, får en til å tvile på at forherligelsen av kroppslige nytelser kan være dens innhold.

11. Gustav Klimt "Three Ages of Woman"

1905, olje på lerret. 180x180 cm

Nasjonalgalleriet Moderne kunst, Roma

«Three Ages of Woman» er gledelig på samme tid, og trist. I den er historien om en kvinnes liv skrevet i tre figurer: uforsiktighet, fred og fortvilelse. Den unge kvinnen er organisk innvevd i livets pryd, den gamle kvinnen skiller seg ut fra henne. Kontrasten mellom det stiliserte bildet av en ung kvinne og det naturalistiske bildet av en gammel kvinne får en symbolsk betydning: den første fasen av livet bringer med seg uendelige muligheter og metamorfoser, den siste er en uforanderlig konstanthet og konflikt med virkeligheten.

Lerretet slipper ikke taket, klatrer inn i sjelen og får deg til å tenke på dybden i kunstnerens budskap, så vel som på dybden og livets uunngåelighet.

12. Egon Schiele "Familie"

1918, olje på lerret. 152,5x162,5 cm

Belvedere Gallery, Wien

Schiele var elev av Klimt, men som enhver utmerket student kopierte han ikke læreren sin, men lette etter en ny. Schiele er mye mer tragisk, merkelig og skremmende enn Gustav Klimt. I verkene hans er det mye av det som kan kalles pornografi, ulike perversjoner, naturalisme og samtidig sårende fortvilelse.

"Familie" - hans siste arbeid , der desperasjonen blir tatt til det absolutte, til tross for at dette er det minst merkelige bildet av ham. Han malte den rett før sin død, etter at hans gravide kone Edith døde av spanskesyken. Han døde i en alder av 28 bare tre dager etter Edith, etter å ha klart å tegne henne, seg selv og deres ufødte barn.

13. Frida Kahlo "Two Fridas"

1939

Hard livshistorie Meksikansk kunstner Frida Kahlo ble viden kjent etter utgivelsen av filmen "Frida" med Salma Hayek i hovedrolle. Kahlo malte for det meste selvportretter og forklarte det enkelt: "Jeg maler meg selv fordi jeg tilbringer mye tid alene og fordi jeg er det motivet jeg kjenner best."

Ingen av Frida Kahlos selvportretter smiler ikke: et seriøst, til og med sørgmodig ansikt, sammensmeltede tykke øyenbryn, en litt merkbar bart over tett sammenpressede lepper. Ideene til maleriene hennes er kryptert i detaljene, bakgrunnen, figurene som dukker opp ved siden av Frida. Symbolikken til Kahlo er basert på nasjonale tradisjoner og er nært forbundet med den indiske mytologien fra den før-spanske perioden.

I en av de beste bildene- "To Fridas"- hun uttrykte maskulin og feminin, koblet i det av et enkelt sirkulasjonssystem, som demonstrerer dets integritet.

14. Claude Monet «Waterloo Bridge. Tåkeeffekt»

1899, olje på lerret

State Hermitage Museum, St. Petersburg

Når du ser bildet på nær avstand betrakteren ser ikke annet enn et lerret som hyppige tykke oljestrøk påføres. All magien i verket avsløres når vi gradvis begynner å bevege oss bort fra lerretet til en større avstand. Først begynner uforståelige halvsirkler å dukke opp foran oss, som passerer gjennom midten av bildet, så ser vi de klare konturene til båtene, og etter å ha beveget seg en avstand på omtrent to meter, er alle forbindelsesarbeider skarpt tegnet foran oss og stille seg opp i en logisk kjede.

15. Jackson Pollock "Nummer 5, 1948"

1948, fiberplate, olje. 240x120 cm

Det merkelige med dette bildet er at lerretet til den amerikanske lederen av abstrakt ekspresjonisme, som han malte ved å helle maling over et stykke fiberplate spredt utover gulvet, er det dyreste maleriet i verden. I 2006, på Sotheby's-auksjonen, betalte de 140 millioner dollar for det. David Giffen, en filmprodusent og samler, solgte den til den meksikanske finansmannen David Martinez.

"Jeg fortsetter å bevege meg bort fra konvensjonelle verktøy kunstner, som staffeli, palett og børster. Jeg foretrekker pinner, spader, kniver og helle maling eller en blanding av maling med sand eller knust glass eller hva som helst. Når jeg er inne i et maleri, er jeg ikke klar over hva jeg gjør. Forståelse kommer senere. Jeg har ingen frykt for å endre eller ødelegge bildet, for maleriet lever av seg selv. eget liv. Jeg hjelper henne bare med å komme ut. Men hvis jeg mister kontakten med maleriet, er det skittent og rotete. Hvis ikke, så er dette ren harmoni, den enkle måten du tar og gir.

16. Joan Miro "Mann og kvinne foran en haug med ekskrementer"

1935, kobber, olje, 23x32 cm

Joan Miro Foundation, Spania

Bra tittel. Og hvem skulle trodd at dette bildet forteller oss om borgerkrigenes gru.

Bildet er laget på et ark av kobber for uken mellom 15. og 22. oktober 1935. Ifølge Miro er dette resultatet av et forsøk på å skildre tragedien borgerkrig i Spania. Miro sa at dette er et bilde om en periode med uro. Maleriet viser en mann og en kvinne som strekker seg etter hverandres armer, men ikke beveger seg. De forstørrede kjønnsorganene og illevarslende fargene er blitt beskrevet som "fulle av avsky og motbydelig seksualitet".

17. Jacek Yerka "Erosion"

Polsk ny-surrealist kjent over hele verden takket være deres fantastiske bilder der realiteter forenes og skaper nye. Det er vanskelig å betrakte hans ekstremt detaljerte og til en viss grad rørende verk én etter én, men slik er formatet på materialet vårt, og vi måtte velge én – for å illustrere hans fantasi og dyktighet. Vi anbefaler deg å lese mer.

18. Bill Stoneham "Hands Resist Him"

1972

Dette arbeidet kan selvsagt ikke vurderes til verdenskunstens mesterverk, men at det er merkelig er et faktum.

Rundt bildet med en gutt, en dukke og håndflater, presset mot glasset, er det legender. Fra «på grunn av dette bildet dør de» til «barna i det er i live». Bildet ser virkelig skummelt ut, noe som gir opphav til mye frykt og formodninger hos mennesker med svak psyke.

Det forsikret kunstneren på bildet han selv er avbildet i en alder av fem, at døren er en representasjon av skillelinjen mellom den virkelige verden og drømmenes verden, og dukken er en guide som kan lede gutten gjennom denne verden. Hendene representerer alternative liv eller muligheter.

Maleriet ble kjent i februar 2000. da det ble listet for salg på eBay med en historie som sa at maleriet er "hjemsøkt". «Hands Resist Him» ble kjøpt for 1025 dollar av Kim Smith, som deretter ble oversvømmet med brev fra skumle historier og krever å brenne bildet

Mystiske historier og mysterier er knyttet til mange malerier. Dessuten mener noen eksperter at mørke og hemmelige krefter er involvert i opprettelsen av en rekke lerreter. Det er grunnlag for en slik påstand. Altfor ofte skjedde fantastiske fakta og uforklarlige hendelser med disse fatale mesterverkene - branner, dødsfall, galskapen til forfatterne ... Et av de mest kjente "forbannede" maleriene er "Crying Boy" - en reproduksjon av et maleri av den spanske kunstneren Giovanni Bragolin . Historien om opprettelsen er som følger: kunstneren ønsket å male et portrett av et gråtende barn og tok sin lille sønn som sitter. Men siden babyen ikke kunne gråte på bestilling, brakte faren ham bevisst til tårer og tente fyrstikker foran ansiktet hans.

Hvis du ser på henne i 5 minutter på rad, vil jenta endre seg (øynene blir røde, håret blir svart, hoggtenner vil dukke opp). Faktisk er det tydelig at bildet tydeligvis ikke er tegnet for hånd, som mange liker å si. Selv om ingen gir klare svar på hvordan dette bildet så ut. Det neste bildet henger beskjedent uten ramme i en av butikkene i Vinnitsa. «Rain Woman» er den dyreste av alle verk: den koster 500 dollar. Ifølge selgerne er maleriet allerede kjøpt tre ganger, og deretter returnert. Klienter forklarer at de drømmer om henne. Og noen sier til og med at han kjenner denne damen, men husker ikke hvor. Og alle som noen gang har sett inn i de hvite øynene hennes vil for alltid huske følelsen regnfull dag, stillhet, angst og frykt.