"Forbannede" malerier. De mest mystiske maleriene i historien
Kunst har alltid vært ansett som nært knyttet til den mystiske sfæren. Tross alt er ethvert bilde et energisk avtrykk av originalen, spesielt hvis vi snakker om om portretter. Det antas at de er i stand til å påvirke ikke bare de som de er skrevet fra, men også andre mennesker. Du trenger ikke se langt etter eksempler: la oss gå til russisk maleri fra 1800- og begynnelsen av 1900-tallet.
Mystikken til portrettet av Maria Lopukhina
De herlige skjønnhetene som ser på oss fra maleriene til store malere vil for alltid forbli akkurat slik: unge, sjarmerende og fulle av vital energi. Den sanne skjebnen til vakre modeller er imidlertid ikke alltid så misunnelsesverdig som det kan virke ved første øyekast. Dette er veldig lett å se fra eksemplet med det berømte portrettet av Maria Lopukhina, malt av Vladimir Borovikovsky.
Maria Lopukhina, avstammet fra Tolstoy-grevefamilien, stilte umiddelbart etter sitt eget bryllup (hun var 18 år gammel) for Vladimir Borovikovsky. Portrettet ble bestilt av mannen hennes. I skrivende stund så Maria rett og slett nydelig ut. Ansiktet hennes utstrålte så mye sjarm, spiritualitet og drømmer... Det kunne ikke være tvil om at et langt og langt liv ventet den sjarmerende modellen. lykkelig liv. Det er et uforståelig faktum, men Maria døde av forbruk da hun var bare 23 år gammel.
Mye senere skulle poeten Polonsky skrive "Borovikovsky reddet hennes skjønnhet ...". Imidlertid, umiddelbart etter den unge skjønnhetens død, ville ikke alle ha delt denne oppfatningen. Tross alt var det på den tiden snakk i Moskva om at det var det skjebnesvangre portrettet som var skyld i Maria Lopukhinas død.
De begynte å vike unna dette bildet, som fra et spøkelse. De trodde at hvis den unge damen så på henne, ville hun snart dø. I følge noen rapporter drepte det mystiske portrettet rundt ti jenter i ekteskapelig alder. De sa at faren til Mary, en berømt mystiker, etter at datteren hans døde, lokket hennes ånd inn i dette maleriet.
Imidlertid, nesten hundre år senere, var Pavel Tretyakov ikke redd og skaffet seg dette visuelle bildet for sitt eget galleri. Etter dette "roet bildet seg". Men hva var det - tom sladder, et merkelig sammentreff av omstendigheter, eller er det noe mer skjult bak det mystiske fenomenet? Dessverre vil vi mest sannsynlig aldri vite svaret på dette spørsmålet.
Ilya Repin - et tordenvær for sittere?
Det er usannsynlig at noen vil hevde at Ilya Efimovich Repin er en av de største russiske malerne. Men det er en merkelig ting tragisk omstendighet: mange som hadde æren av å være hans oppsittere døde snart. Blant dem er Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov og den italienske skuespilleren Mercy d'Argenteau. Så snart kunstneren tok opp portrettet av Fjodor Tyutchev, døde han også. Selvfølgelig var det i alle tilfeller objektive årsaker til døden, men her er tilfeldigheter... Selv de heftige mennene som poserte for Repin for lerretet «Barge Haulers on the Volga» sies å ha gitt sjelen sin til Gud for tidlig.
"Barge Haulers on the Volga", 1870-1873 Imidlertid skjedde den mest forferdelige historien med maleriet "Ivan den grusomme og hans sønn Ivan 16. november 1581", som i vår tid er bedre kjent som "Ivan den grusomme dreper sønnen hans." Selv balanserte mennesker følte seg urolige når de så på lerretet: Drapsscenen var malt for realistisk, det var for mye blod på lerretet som virket ekte.
Utstilt i Tretyakov-galleriet lerretet gjorde et merkelig inntrykk på besøkende. Noen gråt foran bildet, andre falt i stupor, og andre fikk hysteriske anfall. Og den unge ikonmaleren Abram Balashov kuttet lerretet med en kniv 16. januar 1913. Han ble sendt til et mentalsykehus, hvor han døde. Lerretet ble restaurert.
"Ivan den grusomme dreper sønnen sin", 1883-1885 Det er kjent at Repin tenkte lenge før han tok på seg filmen om Ivan the Terrible. Og med god grunn. Kunstneren Myasoedov, som bildet av tsaren ble malt fra, drepte snart i sinne nesten sin unge sønn, som også ble kalt Ivan, som den myrdede Tsarevich. Bildet av sistnevnte var basert på forfatteren Vsevolod Garshin, som senere ble gal og begikk selvmord ved å kaste seg ned en trapp...
Et drap som aldri skjedde
Historien om at Ivan the Terrible er en sønn-morder er bare en myte.
Det antas at Ivan den grusomme drepte sønnen sin i et sinneanfall med et slag mot templet fra staven hans. Ulike forskere gir forskjellige grunner: fra en hjemlig krangel til politisk friksjon. I mellomtiden sier ingen av kildene direkte at prinsen og tronfølgeren ble drept av sin egen far!
"Piskarevsky Chronicler" sier: "Kl. 12 om natten til sommeren november 7090 på den 17. dagen ... Tsarevich John Ioannovichs død." Novgorod Fourth Chronicle rapporterer: «Samme år (7090) hvilet tsarevitsj John Ioannovich ved Matins i Sloboda.» Dødsårsaken er ikke offentliggjort.
På 60-tallet av forrige århundre ble gravene til Ivan den grusomme og sønnen hans åpnet. Det var ingen skader karakteristisk for hjerneskade på prinsens hodeskalle. Derfor var det ingen filicide?! Men hvor kom legenden om ham fra?
Antonio Possevino - Vatikanets representant i Russland under Ivan den grusomme og de store problemene Dens forfatter er jesuittmunken Anthony Possevino (Antonio Possevino), sendt til Moskva som en ambassadør fra paven med et forslag ortodokse kirke komme under Vatikanets myndighet. Ideen fikk ikke støtte fra den russiske tsaren. Possevin skal i mellomtiden ha blitt øyenvitne til en familieskandale. Keiseren var sint på sin gravide svigerdatter, kona til sønnen Ivan, for hennes "uanstendige utseende" - enten glemte hun å ta på seg et belte, eller så tok hun på seg bare én skjorte når hun skulle ha på seg fire. I øyeblikkets hete begynte svigerfaren å slå den uheldige kvinnen med en stav. Prinsen sto opp for sin kone: før dette hadde faren allerede sendt sine to første koner til klosteret, som ikke kunne bli gravid fra ham. Johannes den yngre var ikke urimelig redd for at han skulle miste den tredje – faren hennes ville rett og slett drepe henne. Han stormet mot presten, og i et voldsanfall slo han til med staven og gjennomboret sønnens tempel. Imidlertid, bortsett fra Possevin, bekrefter ikke en eneste kilde denne versjonen, selv om senere andre historikere, Staden og Karamzin, lett tok den opp.
Moderne forskere antyder at jesuitten kom opp med legenden som gjengjeldelse for det faktum at han måtte returnere til pavehoffet «uten en slurp».
Under utgravningen ble det funnet rester av giftstoffer i beinvevet til prinsen. Dette kan tyde på at Johannes den yngre døde av forgiftning (som ikke var uvanlig på den tiden), og ikke av å bli truffet av en hard gjenstand!
Likevel ser vi i Repins maleri nettopp versjonen av filicide. Det er utført med en så ekstraordinær sannhet at du ikke kan unngå å tro at det er akkurat det som skjedde i virkeligheten. Derfor, selvfølgelig, "killer" energien.
Og igjen utmerket Repin seg
Selvportrett av Repin En gang fikk Repin i oppdrag å lage et enormt monumentalt maleri, "The Ceremonial Meeting of the State Council." Maleriet ble fullført i slutten av 1903. Og i 1905 brøt den første russiske revolusjonen ut, hvor lederne til tjenestemennene som er avbildet på lerretet falt. Noen mistet stillingene og titlene, andre betalte til og med med livet: Statsråd V.K. Plehve og Storhertug Sergei Alexandrovich, tidligere generalguvernør i Moskva, ble drept av terrorister.
I 1909 malte kunstneren et portrett på oppdrag fra Saratov City Duma.Han var knapt ferdig med arbeidet da Stolypin ble skutt og drept i Kiev.
Hvem vet - kanskje hvis Ilya Repin ikke hadde vært så talentfull, hadde kanskje ikke tragediene skjedd. Tilbake på 1400-tallet skrev vitenskapsmannen, filosofen, alkymisten og tryllekunstneren Cornelius Agrippa fra Nettesheim: «Pass på malerens pensel – portrettet hans kan vise seg å være mer levende enn originalen.»
P. A. Stolypin. Portrett av I. Repin (1910) Mystisk maleri "Stranger" av Ivan Kramskoy
Maleri utrolig nok opplevde to perioder med masseinteresse i seg selv, og i helt forskjellige tidsepoker. For første gang – etter å ha blitt skrevet i 1883, ble det ansett som legemliggjørelsen av aristokratiet og var svært populær blant den sofistikerte St. Petersburg-publikummet.
Uventet skjedde en ny bølge av interesse for det "ukjente" i andre halvdel av 1900-tallet. Leilighetene ble dekorert med reproduksjoner av Kramskoys arbeid klippet ut fra magasiner, og kopier av "Det ukjente" var en av de mest populære bestillingene fra kunstnere på alle nivåer. Riktignok var maleriet av en eller annen grunn allerede kjent under navnet "Stranger", kanskje under påvirkning av Bloks verk med samme navn. Til og med "Stranger"-godterier ble laget med Kramskoys maleri på esken. Dermed ble den feilaktige tittelen på verket endelig "opplivet".
Mange års forskning på "hvem er avbildet i Kramskoys maleri" har ikke gitt resultater. I følge en versjon var prototypen på "symbolet på aristokrati" en bondekvinne ved navn Matryona, som giftet seg med adelsmannen Bestuzhev.
"The Stranger" av Ivan Kramskoy er et av de mest mystiske mesterverkene i russisk maleri.
Ved første øyekast er det ingenting mystisk i portrettet: skjønnheten kjører langs Nevsky Prospect i en åpen vogn.
Mange betraktet Kramskoys heltinne som en aristokrat, men en moteriktig fløyelsfrakk trimmet med pels og blå satengbånd og en stilig berethatt, kombinert med øyenbryn med blyant, leppestift og rouge på kinnene, markerer henne som en dame av den daværende demi-monde. Ikke en prostituert, men helt klart den bevarte kvinnen til en adelig eller rik mann.
Men da kunstneren ble spurt om denne kvinnen eksisterte i virkeligheten, gliste han bare og trakk på skuldrene. Uansett er det ingen som har sett originalen.
I mellomtiden nektet Pavel Tretyakov å kjøpe et portrett til galleriet sitt - kanskje han var redd for troen på at portretter av skjønnheter "suger styrken" ut av levende mennesker.
Ivan Nikolaevich Kramskoy Den "fremmede" begynte å reise til private møter. Og ganske snart ble hun kjent. Den første eierens kone forlot ham, den andres hus brant ned, og den tredje gikk konkurs. Alle disse ulykkene ble tilskrevet det fatale bildet.
Kramskoy selv slapp ikke unna forbannelsen. Mindre enn et år etter opprettelsen av «Ukjent» døde hans to sønner etter hverandre.
Det "fordømte" bildet gikk til utlandet. De sier at der forårsaket hun alle slags problemer for eierne sine. I 1925 vendte "The Stranger" tilbake til Russland og tok likevel sin plass i Tretjakovgalleriet. Siden den gang har det ikke skjedd flere hendelser.
Kanskje hele poenget er at portrettet burde ha tatt sin rettmessige plass helt fra starten?
Nesten alle betydningsfulle kunstverk har et mysterium, en "dobbeltbunn" eller en hemmelig historie som du ønsker å avdekke.
Musikk på baken
Hieronymus Bosch, "Hagen" jordiske gleder", 1500-1510.
Fragment av en del av en triptyk
Tvister om betydninger og skjulte betydninger Det mest kjente verket til den nederlandske kunstneren har ikke stilnet siden det dukket opp. Høyre fløy av triptyken kalt "Musical Hell" skildrer syndere som blir torturert i underverdenen ved hjelp av musikkinstrumenter. En av dem har musikknoter stemplet på baken. Oklahoma Christian University-student Amelia Hamrick, som studerte maleriet, oversatte notasjonen fra 1500-tallet til moderne stil og spilte inn "en 500 år gammel ass-sang fra helvete."
Naken Mona Lisa
Den berømte "La Gioconda" finnes i to versjoner: nakenversjonen heter "Monna Vanna", den ble malt av den lite kjente kunstneren Salai, som var student og sitter av den store Leonardo da Vinci. Mange kunsthistorikere er sikre på at det var han som var modellen for Leonardos malerier "Døperen Johannes" og "Bacchus". Det er også versjoner som Salai, kledd i en kvinnes kjole, fungerte som bildet av Mona Lisa selv.
Gammel fisker
I 1902 malte den ungarske kunstneren Tivadar Kostka Csontvary maleriet " Gammel fisker" Det ser ut til at det ikke er noe uvanlig i bildet, men Tivadar la inn en undertekst som aldri ble avslørt i løpet av kunstnerens levetid.
De færreste tenkte på å plassere et speil i midten av bildet. I hver person kan det være både Gud (den gamle mannens høyre skulder er duplisert) og Djevelen (den gamle mannens venstre skulder er duplisert).
Var det en hval?
Hendrik van Antonissen, Shore Scene.
Det ser ut som et vanlig landskap. Båter, folk i fjæra og et øde hav. Og bare en røntgenundersøkelse viste at folk samlet seg i kysten av en grunn - i originalen så de på kadaveret av en hval som var skylt i land.
Imidlertid bestemte kunstneren at ingen ville se på en død hval, og omskrev maleriet.
To "Frokoster på gresset"
Edouard Manet, "Luncheon on the Grass", 1863.
Claude Monet, "Luncheon on the Grass", 1865.
Kunstnerne Edouard Manet og Claude Monet er noen ganger forvirret – de var tross alt begge franskmenn, levde samtidig og jobbet i stil med impresjonisme. Monet lånte til og med tittelen på et av Manets mest kjente malerier, "Luncheon on the Grass", og skrev sin egen "Luncheon on the Grass."
Dobler ved siste nattverd
Leonardo da Vinci, "Nattverden", 1495-1498.
Da Leonardo da Vinci skrev Nattverden, la han særlig vekt på to skikkelser: Kristus og Judas. Han brukte veldig lang tid på å lete etter modeller for dem. Til slutt klarte han å finne en modell for bildet av Kristus blant de unge sangerne. Leonardo klarte ikke å finne en modell for Judas på tre år. Men en dag kom han over en fylliker på gaten som lå i en renne. Han var en ung mann som hadde blitt eldet av sterk drikking. Leonardo inviterte ham til en taverna, hvor han umiddelbart begynte å male Judas fra ham. Da fylliken kom til fornuft, fortalte han artisten at han allerede hadde posert for ham en gang. Det var flere år siden da han sang i kirkekoret, Leonardo malte Kristus fra ham.
"Nattvakt" eller "Dagvakt"?
Rembrandt, "Nattvakt", 1642.
Et av Rembrandts mest kjente malerier, «The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenburg», hang i forskjellige rom i omtrent to hundre år og ble oppdaget av kunsthistorikere først på 1800-tallet. Siden figurene så ut til å dukke opp mot en mørk bakgrunn, ble den kalt "Night Watch", og under dette navnet gikk den inn i statskassen for verdenskunst.
Og først under restaureringen som ble utført i 1947, ble det oppdaget at maleriet i hallen hadde klart å bli dekket med et sotlag, som forvrengte fargen. Etter å ha ryddet det originale maleriet, ble det til slutt avslørt at scenen representert av Rembrandt faktisk finner sted i løpet av dagen. Plasseringen av skyggen fra kaptein Koks venstre hånd viser at handlingens varighet ikke er mer enn 14 timer.
Veltet båt
Henri Matisse, "Båten", 1937.
Henri Matisses maleri "The Boat" ble stilt ut på New York Museum of Modern Art i 1961. Først etter 47 dager la noen merke til at maleriet hang opp ned. Lerretet viser 10 lilla linjer og to blå seil på hvit bakgrunn. Kunstneren malte to seil av en grunn; det andre seilet er en refleksjon av det første på overflaten av vannet.
For ikke å gjøre en feil i hvordan bildet skal henge, må du ta hensyn til detaljene. Det større seilet skal være toppen av maleriet, og toppen av maleriets seil skal være mot øverste høyre hjørne.
Bedrag i selvportrett
Vincent van Gogh, "Selvportrett med et rør", 1889.
Det er legender om at Van Gogh angivelig kuttet av sitt eget øre. Nå er den mest pålitelige versjonen at van Gogh skadet øret hans i et lite slagsmål med en annen artist, Paul Gauguin.
Selvportrettet er interessant fordi det gjenspeiler virkeligheten i en forvrengt form: kunstneren er avbildet med høyre øre bandasjert fordi han brukte et speil under arbeidet. Faktisk var det venstre øre som ble rammet.
Alien bjørner
Ivan Shishkin, "Morgen i furuskogen", 1889.
Det berømte maleriet tilhører ikke bare Shishkin. Mange kunstnere som var venner med hverandre, ty ofte til "hjelpen fra en venn", og Ivan Ivanovich, som malte landskap hele livet, var redd for at de rørende bjørnene hans ikke ville bli slik han ønsket. Derfor henvendte Shishkin seg til sin venn, dyrekunstneren Konstantin Savitsky.
Savitsky tegnet kanskje de beste bjørnene i historien Russisk maleri, og Tretyakov beordret at navnet hans skulle vaskes av lerretet, siden alt i maleriet "fra konseptet til utførelsen, alt snakker om måten å male på, om den kreative metoden som er særegen for Shishkin."
Den uskyldige historien om "gotisk"
Grant Wood, " amerikansk gotisk", 1930.
Grant Woods arbeid regnes som et av de mest merkelige og deprimerende i amerikansk maleris historie. Bildet med den dystre faren og datteren er fylt med detaljer som indikerer alvorlighetsgraden, puritanismen og den retrograde naturen til menneskene som er avbildet.
Faktisk hadde kunstneren ikke til hensikt å skildre noen redsler: under en tur til Iowa la han merke til et lite hus i gotisk stil og bestemte seg for å skildre de menneskene som etter hans mening ville være ideelle som innbyggere. Grants søster og tannlegen hans er udødeliggjort ettersom karakterene Iowans ble så fornærmet av.
Salvador Dalis hevn
Maleriet «Figur ved et vindu» ble malt i 1925, da Dali var 21 år gammel. På det tidspunktet hadde Gala ennå ikke kommet inn i artistens liv, og musen hans var søsteren Ana Maria. Forholdet mellom bror og søster ble dårligere da han skrev i et av maleriene «noen ganger spytter jeg på portrettet av min egen mor, og dette gir meg glede». Ana Maria kunne ikke tilgi en slik sjokkerende oppførsel.
I sin bok fra 1949, Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, skriver hun om sin bror uten ros. Boken gjorde Salvador rasende. I ytterligere ti år etter det husket han henne sint ved enhver anledning. Og så, i 1954, dukket opp maleriet "En ung jomfru som hengir seg til sodomiens synd med hjelp av hornene til hennes egen kyskhet". Kvinnens positur, krøllene hennes, landskapet utenfor vinduet og fargeskalaen på maleriet gjenspeiler tydelig «Figur ved vinduet». Det er en versjon om at Dali tok hevn på søsteren sin for boken hennes.
Danae med to ansikter
Rembrandt Harmens van Rijn, "Danae", 1636 - 1647.
Mange hemmeligheter til et av Rembrandts mest kjente malerier ble avslørt først på 60-tallet av det tjuende århundre, da lerretet ble opplyst med røntgenstråler. For eksempel viste filming at i en tidlig versjon ansiktet til prinsessen som gikk inn kjærlighetsaffære med Zevs liknet det ansiktet til Saskia, malerens kone, som døde i 1642. I den endelige versjonen av maleriet begynte det å ligne ansiktet til Gertje Dirks, Rembrandts elskerinne, som kunstneren bodde sammen med etter sin kones død.
Van Goghs gule soverom
Vincent Van Gogh, "Soverom i Arles", 1888 - 1889.
I mai 1888 skaffet Van Gogh seg et lite studio i Arles, i Sør-Frankrike, hvor han flyktet fra parisiske kunstnere og kritikere som ikke forsto ham. I et av de fire rommene setter Vincent opp et soverom. I oktober er alt klart, og han bestemmer seg for å male «Van Goghs soverom i Arles». For kunstneren var fargen og komforten i rommet veldig viktig: alt måtte vekke tanker om avslapning. Samtidig er bildet utformet i alarmerende gultoner.
Forskere av Van Goghs arbeid forklarer dette med det faktum at kunstneren tok revebjelle, et middel mot epilepsi, som forårsaker alvorlige endringer i pasientens oppfatning av farge: hele den omkringliggende virkeligheten er malt i grønne og gule toner.
Tannløs perfeksjon
Leonardo da Vinci, "Portrett av Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
Den allment aksepterte oppfatningen er at Mona Lisa er perfeksjon og smilet hennes er vakkert i sitt mysterium. Den amerikanske kunstkritikeren (og deltidstannlegen) Joseph Borkowski mener imidlertid at heltinnen å dømme etter ansiktsuttrykket hennes har mistet mange tenner. Mens han studerte forstørrede fotografier av mesterverket, oppdaget Borkowski også arr rundt munnen hennes. «Hun «smiler» nettopp på grunn av det som skjedde med henne», mener eksperten. "Ansiktsuttrykket hennes er typisk for folk som har mistet fortennene."
Major på ansiktskontroll
Pavel Fedotov, "Major's Matchmaking", 1848.
Publikum, som først så maleriet "Major's Matchmaking", lo hjertelig: kunstneren Fedotov fylte det med ironiske detaljer som var forståelige for den tidens publikum. For eksempel er majoren tydeligvis ikke kjent med reglene for edel etikette: han dukket opp uten de nødvendige bukettene til bruden og moren hennes. Og handelsforeldrene hennes kledde selv bruden i en ballkjole, selv om det var dagtid (alle lampene i rommet ble slukket). Jenta prøvde tydeligvis en lavt snittkjole for første gang, er flau og prøver å stikke av til rommet sitt.
Hvorfor er Liberty naken?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Frihet på barrikadene", 1830.
Ifølge kunstkritiker Etienne Julie, baserte Delacroix kvinnens ansikt på den berømte parisiske revolusjonæren - vaskedamen Anne-Charlotte, som gikk til barrikadene etter brorens død i hendene på kongelige soldater og drepte ni gardister. Kunstneren avbildet henne med bare bryster. I henhold til planen hans er dette et symbol på fryktløshet og uselviskhet, så vel som demokratiets triumf: det nakne brystet viser at Liberty, som en allmenning, ikke bruker korsett.
Ikke-firkantet firkant
Kazimir Malevich, "Black Suprematist Square", 1915.
Faktisk er "Black Square" ikke svart i det hele tatt og ikke firkantet i det hele tatt: ingen av sidene av firkanten er parallelle med noen av dens andre sider, og ingen av sidene av den firkantede rammen som rammer inn bildet. EN mørk farge- dette er resultatet av å blande forskjellige farger, blant hvilke det ikke var svart. Det antas at dette ikke var forfatterens uaktsomhet, men en prinsipiell posisjon, ønsket om å skape en dynamisk, mobil form.
Spesialister fra Tretyakov-galleriet oppdaget forfatterens inskripsjon på det berømte maleriet av Malevich. Inskripsjonen lyder: "Slaget mellom de svarte i den mørke hulen." Denne setningen refererer til tittelen på det humoristiske maleriet av den franske journalisten, forfatteren og kunstneren Alphonse Allais, "Slaget om negrene i en mørk hule i nattens død", som var et helt svart rektangel.
Melodrama av den østerrikske Mona Lisa
Gustav Klimt, "Portrett av Adele Bloch-Bauer", 1907.
Et av Klimts mest betydningsfulle malerier viser kona til den østerrikske sukkermagnaten Ferdinad Bloch-Bauer. Hele Wien diskuterte den stormfulle romantikken til Adele og kjent kunstner. Den sårede ektemannen ønsket å hevne seg på sine elskere, men valgte veldig uvanlig måte: han bestemte seg for å bestille et portrett av Adele fra Klimt og tvinge ham til å lage hundrevis av skisser til kunstneren begynte å kaste opp fra henne.
Bloch-Bauer ønsket at arbeidet skulle vare i flere år, slik at sitteren kunne se hvordan Klimts følelser bleknet. Han ga et sjenerøst tilbud til kunstneren, som han ikke kunne nekte, og alt viste seg i henhold til scenariet til den forførte mannen: arbeidet ble fullført på 4 år, elskerne hadde for lengst avkjølt seg til hverandre. Adele Bloch-Bauer visste aldri at mannen hennes var klar over forholdet hennes til Klimt.
Maleriet som brakte Gauguin tilbake til livet
Paul Gauguin, "Hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi?", 1897-1898.
Det meste kjent maleri Gauguin har en særegenhet: den "leses" ikke fra venstre til høyre, men fra høyre til venstre, som de kabbalistiske tekstene som kunstneren var interessert i. Det er i denne rekkefølgen allegorien om menneskets åndelige og fysiske liv utspiller seg: fra sjelens fødsel (et sovende barn i nedre høyre hjørne) til dødstimens uunngåelige (en fugl med en øgle i klørne i nedre venstre hjørne).
Maleriet ble malt av Gauguin på Tahiti, hvor kunstneren rømte fra sivilisasjonen flere ganger. Men denne gangen fungerte ikke livet på øya: total fattigdom førte ham til depresjon. Etter å ha fullført lerretet, som skulle bli hans åndelige testamente, tok Gauguin en boks med arsenikk og dro til fjells for å dø. Men han beregnet ikke dosen, og selvmordet mislyktes. Neste morgen svaiet han til hytta og sovnet, og da han våknet kjente han en glemt livstørst. Og i 1898 begynte virksomheten hans å bli bedre, og en lysere periode begynte i arbeidet hans.
112 ordtak i ett bilde
Pieter Bruegel den eldre, "Nederlandske ordspråk", 1559
Pieter Bruegel den eldre skildret et land bebodd av bokstavelige bilder av nederlandske ordtak fra den tiden. Maleriet inneholder omtrent 112 gjenkjennelige idiomer. Noen av dem brukes fortsatt i dag, for eksempel: "svøm mot strømmen", "slå hodet i veggen", "bevæpnet til tennene" og "store fisker spiser lite fisk".
Andre ordtak gjenspeiler menneskelig dumhet.
Kunstens subjektivitet
Paul Gauguin, "Breton Village in the Snow", 1894
Gauguins maleri «Breton Village in the Snow» ble solgt etter forfatterens død for bare syv franc og dessuten under navnet «Niagara Falls». Mannen som holdt auksjonen hengte ved et uhell maleriet opp ned fordi han så en foss i det.
Skjult bilde
Pablo Picasso, "Blue Room", 1901
I 2008 avslørte infrarød stråling at skjult under det blå rommet var et annet bilde - et portrett av en mann kledd i dress med sløyfe og hvilende hodet på hånden. «Så snart Picasso hadde ny idé, tok han opp børsten og legemliggjorde den. Men han hadde ikke mulighet til å kjøpe et nytt lerret hver gang en muse besøkte ham, forklarer han mulig årsak denne kunstkritikeren Patricia Favero.
Utilgjengelige marokkanere
Zinaida Serebryakova, "Naken", 1928
En dag mottok Zinaida Serebryakova et fristende tilbud - å dra på en kreativ reise for å skildre nakenfigurene til orientalske jomfruer. Men det viste seg at det rett og slett var umulig å finne modeller på de stedene. Zinaidas oversetter kom til unnsetning - han brakte søstrene og forloveden til henne. Ingen før eller etter har klart å fange nakne orientalske kvinner som er lukket.
Spontan innsikt
Valentin Serov, "Portrett av Nicholas II i en jakke," 1900
I lang tid kunne ikke Serov male et portrett av tsaren. Da artisten ga helt opp, ba han Nikolai om unnskyldning. Nikolai ble litt lei seg, satte seg ved bordet og strakte ut armene foran seg... Og så gikk det opp for kunstneren - her er bildet! En enkel militærmann i offisersjakke med klare og triste øyne. Dette portrettet regnes som den beste skildringen av den siste keiseren.
En annen toer
© Fedor Reshetnikov
Det berømte maleriet "Deuce Again" er bare den andre delen av en kunstnerisk trilogi.
Den første delen er "Ankom på ferie." Åpenbart en velstående familie, vinterferier, en gledelig utmerket student.
Den andre delen er "En toer igjen." En fattig familie fra arbeiderklassens utkant, høyden av skoleåret, en oppgitt idiot som igjen fikk dårlig karakter. Øverst i venstre hjørne kan du se maleriet "Ankommet for ferie".
Den tredje delen er "Re-eksamen". Et landlig hus, sommer, alle går, en ondsinnet ignorant, som strøk på den årlige eksamen, blir tvunget til å sitte innenfor fire vegger og stappe. I øvre venstre hjørne kan du se maleriet "Deuce Again".
Hvordan mesterverk blir født
Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844
I 1842 reiste fru Simon med tog i England. Plutselig begynte et kraftig regnskyll. Den eldre mannen som satt overfor henne reiste seg, åpnet vinduet, stakk hodet ut og stirret i omtrent ti minutter. Ute av stand til å holde igjen nysgjerrigheten, åpnet kvinnen også vinduet og begynte å se fremover. Et år senere oppdaget hun maleriet "Rain, Steam and Speed" på en utstilling ved Royal Academy of Arts og kunne gjenkjenne den samme episoden på toget i det.
Anatomi leksjon fra Michelangelo
Michelangelo, "Skapelsen av Adam", 1511
Et par amerikanske neuroanatomi-eksperter mener at Michelangelo faktisk etterlot seg noen anatomiske illustrasjoner i et av hans mest kjente verk. De mener at høyre side av maleriet skildrer en enorm hjerne. Overraskende nok kan til og med komplekse komponenter bli funnet, slik som lillehjernen, synsnervene og hypofysen. Og det iøynefallende grønne båndet passer perfekt til plasseringen av vertebralarterien.
"The Last Supper" av Van Gogh
Vincent Van Gogh, Café Terrace at Night, 1888
Forsker Jared Baxter mener at Van Goghs maleri «Cafe Terrace at Night» inneholder en kryptert dedikasjon til Leonardo da Vincis «Last Supper». I midten av bildet står en kelner med langt hår og i en hvit tunika som minner om Kristi klær, og rundt ham er det nøyaktig 12 kafébesøkende. Baxter trekker også oppmerksomheten til korset som ligger rett bak servitøren i hvitt.
Dalis bilde av minne
Salvador Dali, "The Persistence of Memory", 1931
Det er ingen hemmelighet at tankene som besøkte Dali under opprettelsen av mesterverkene hans alltid var i form av veldig realistiske bilder, som kunstneren deretter overførte til lerret. Derfor, ifølge forfatteren selv, ble maleriet "The Persistence of Memory" malt som et resultat av assosiasjoner som oppsto fra synet av bearbeidet ost.
Hva er det Munch skriker om?
Edvard Munch, "Skriket", 1893.
Munch snakket om ideen om et av de mest mystiske maleriene i verdensmaleriet: "Jeg gikk langs en sti med to venner - solen gikk ned - plutselig ble himmelen blodrød, jeg stoppet, følte meg utmattet og lente meg mot gjerdet - jeg så på blod og flammer over den blåsvarte fjorden og byen - vennene mine gikk videre, og jeg sto og skalv av begeistring og kjente det endeløse skriket gjennomtrengende naturen." Men hva slags solnedgang kan skremme kunstneren så mye?
Det er en versjon om at ideen om "skriket" ble født til Munch i 1883, da flere kraftige utbrudd av Krakatoa-vulkanen skjedde - så kraftige at de endret temperaturen på jordens atmosfære med én grad. Store mengder støv og aske spredte seg over hele kloden, og når til og med Norge. Flere kvelder på rad så solnedgangene ut som om apokalypsen var i ferd med å komme – en av dem ble en inspirasjonskilde for kunstneren.
En forfatter blant folket
Alexander Ivanov, "Kristi tilsynekomst for folket", 1837-1857.
Dusinvis av sittere poserte for Alexander Ivanov for hovedmaleriet hans. En av dem er kjent ikke mindre enn kunstneren selv. I bakgrunnen, blant reisende og romerske ryttere som ennå ikke har hørt døperen Johannes preken, kan du se en karakter i en kappetunika. Ivanov skrev det fra Nikolai Gogol. Forfatteren kommuniserte tett med kunstneren i Italia, spesielt om religiøse spørsmål, og ga ham råd under maleprosessen. Gogol mente at Ivanov "for lenge siden har dødd for hele verden, bortsett fra arbeidet hans."
Michelangelos gikt
Raphael Santi, "The School of Athens", 1511.
Raphael skapte den berømte fresken "The School of Athens", og udødeliggjorde vennene sine og bekjente i bildene av gamle greske filosofer. En av dem var Michelangelo Buonarotti "i rollen" som Heraclitus. I flere århundrer holdt fresken hemmelighetene til Michelangelos personlige liv, og moderne forskere har antydet at kunstnerens merkelig kantede kne indikerer at han hadde en leddsykdom.
Dette er ganske sannsynlig, gitt særegenhetene ved livsstilen og arbeidsforholdene til renessansekunstnere og Michelangelos kroniske arbeidsnarkoman.
Speil av ekteparet Arnolfini
Jan van Eyck, "Portrett av paret Arnolfini", 1434
I speilet bak ekteparet Arnolfini kan du se speilbildet til ytterligere to personer i rommet. Mest sannsynlig er dette vitner til stede ved kontraktsinngåelsen. En av dem er van Eyck, som det fremgår av den latinske inskripsjonen plassert, i strid med tradisjonen, over speilet i midten av komposisjonen: "Jan van Eyck var her." Slik ble kontrakter vanligvis forseglet.
Hvordan en ulempe ble til et talent
Rembrandt Harmens van Rijn, selvportrett i en alder av 63, 1669.
Forsker Margaret Livingston studerte alle Rembrandts selvportretter og oppdaget at kunstneren led av skjeling: i bildene ser øynene hans i forskjellige retninger, noe som ikke observeres i portrettene av andre mennesker av mesteren. Sykdommen resulterte i at kunstneren kunne oppfatte virkeligheten i to dimensjoner bedre enn mennesker med normalt syn. Dette fenomenet kalles "stereoblindhet" - manglende evne til å se verden i 3D. Men siden maleren må jobbe med et todimensjonalt bilde, kan nettopp denne feilen til Rembrandt være en av forklaringene på hans fenomenale talent.
Syndfri Venus
Sandro Botticelli, "Venus fødsel", 1482-1486.
Før utseendet til "Venus fødsel" bildet av en naken kvinnekropp i maleriet symboliserte det bare ideen om opprinnelig synd. Sandro Botticelli var den første av de europeiske malerne som ikke fant noe syndig i ham. Dessuten er kunsthistorikere sikre på at den hedenske kjærlighetsgudinnen symboliserer et kristent bilde i fresken: utseendet hennes er en allegori om gjenfødelsen av en sjel som har gjennomgått dåpsritualet.
Lutspiller eller lutspiller?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Lutespilleren", 1596.
I lang tid ble maleriet utstilt i Eremitasjen under tittelen "Lutespilleren". Først på begynnelsen av 1900-tallet var kunsthistorikere enige om at maleriet viser en ung mann (sannsynligvis Caravaggios bekjente, kunstneren Mario Minniti, poserte for ham): på notene foran musikeren kan man se et opptak av bassen linje av Jacob Arkadelts madrigal "Du vet at jeg elsker deg" . En kvinne kunne knapt ta et slikt valg - det er bare hardt for halsen. I tillegg ble luten, som fiolinen helt i kanten av bildet, ansett som et mannlig instrument i Caravaggios tid.
Et av de mest kjente "forbannede" maleriene er "The Crying Boy" - en reproduksjon av maleriet Spansk kunstner Giovanni Bragolina. Historien om opprettelsen er som følger: kunstneren ønsket å male et portrett av et gråtende barn og tok sin lille sønn som sitter. Men siden babyen ikke kunne gråte på forespørsel, fikk faren med vilje ham til tårer ved å tenne fyrstikker foran ansiktet hans.
Kunstneren visste at sønnen var livredd for brann, men kunsten var kjærere for ham enn nervene til hans eget barn, og han fortsatte å håne ham. En dag, drevet til et punkt av hysteri, klarte ikke babyen det og ropte og felte tårer: "Brenn deg!" Det tok ikke lang tid før denne forbannelsen gikk i oppfyllelse - to uker senere døde gutten av lungebetennelse, og snart ble han brent levende i eget hjem og faren hans... Det er bakgrunnen. Maleriet, eller rettere sagt dets reproduksjon, fikk sin illevarslende berømmelse i 1985 i England.
Dette skjedde takket være en rekke merkelige tilfeldigheter - branner i boligbygg begynte å oppstå etter hverandre i Nord-England. Det var menneskelige skader. Noen ofre nevnte at av all eiendommen var det bare en billig gjengivelse av et gråtende barn som på mirakuløst vis overlevde. Og slike rapporter ble flere og flere, helt til endelig en av branninspektørene offentlig kunngjorde at i alle de brente husene, uten unntak, ble "Crying Boy" funnet intakt.
Umiddelbart ble avisene overveldet av en bølge av brev som rapporterte om ulike ulykker, dødsfall og branner som skjedde etter at eierne kjøpte dette maleriet. Selvfølgelig begynte "The Crying Boy" umiddelbart å bli ansett som forbannet, historien om dens skapelse dukket opp og ble overgrodd med rykter og fiksjon... Som et resultat publiserte en av avisene en offisiell uttalelse om at alle som har denne reproduksjonen må bli kvitt det umiddelbart, og myndighetene Fra nå av er det forbudt å kjøpe og oppbevare det hjemme.
Den dag i dag er "The Crying Boy" hjemsøkt av beryktethet, spesielt i Nord-England. Originalen er forresten ikke funnet ennå. Riktignok hang noen tvilere (spesielt her i Russland) bevisst dette portrettet på veggen, og det ser ut til at ingen ble brent. Men likevel er det svært få som ønsker å teste legenden i praksis.
Et annet kjent «brennende mesterverk» er «Vannliljer» av impresjonisten Monet. Kunstneren selv var den første som led av det - verkstedet hans brant nesten ned av ukjente årsaker.
Så brant de nye eierne av "Vannliljer" ned - en kabaret i Montmartre, huset til en fransk filantrop og til og med New York Museum samtidskunst. For øyeblikket er maleriet i Mormoton-museet i Frankrike, og viser ikke dets "brannfarlige" egenskaper. Ha det.
Et annet, mindre kjent og ytre sett umerkelig maleri, henger «brannstifteren» i Kongelig museum Edinburgh. Dette er et portrett av en eldre mann med armen utstrakt. I følge legenden begynner noen ganger fingrene på hånden til en gammel mann malt i olje å bevege seg. Og den som så dette uvanlige fenomenet vil definitivt dø av brann i nær fremtid.
To kjente ofre for portrettet er Lord Seymour og sjøkaptein Belfast. De hevdet begge å ha sett den gamle mannen bevege fingrene, og begge døde i brannen. Overtroiske byfolk krevde til og med at direktøren for museet skulle fjerne det farlige maleriet ut av fare, men han var selvfølgelig ikke enig - det er dette ubeskrivelige portrettet uten spesiell verdi som tiltrekker de fleste besøkende.
Den berømte "La Gioconda" av Leonardo da Vinci gleder ikke bare, men skremmer også folk. I tillegg til antagelser, fiksjon, legender om selve verket og om smilet til Mona Lisa, er det en teori om at dette mest kjente portrettet i verden har en ekstremt negativ effekt på betrakteren. Det er for eksempel offisielt registrert mer enn hundre tilfeller der besøkende som har sett på maleriet i lang tid mistet bevisstheten.
Den mest kjente saken skjedde med fransk forfatter Stendhal, som besvimte mens han beundret mesterverket. Det er kjent at Mona Lisa selv, som poserte for artisten, døde ung, 28 år gammel. Og du Stor mester Leonardo jobbet ikke med noen av kreasjonene sine så lenge og nøye som på La Gioconda. I seks år, frem til sin død, skrev Leonardo om og korrigerte maleriet, men han oppnådde aldri helt det han ønsket.
Velazquezs maleri "Venus with a Mirror" fikk også fortjent rykte. Alle som kjøpte den gikk enten konkurs eller døde en voldsom død. Selv museer ønsket egentlig ikke å inkludere hovedkomposisjonen, og maleriet endret stadig sin "registrering". Det endte med at en dag en gal besøkende angrep lerretet og skar det med en kniv.
Et annet "forbannet" maleri som er viden kjent, er verket til den californiske surrealistiske kunstneren "Hands Resist Him" av Bill Stoneham. Kunstneren malte den i 1972 fra et fotografi der han og hans yngre søster står foran hjemmet deres.
På bildet frøs en gutt med uklare ansiktstrekk og en dukke på størrelse med en levende jente foran en glassdør som de små barnehendene presses til fra innsiden. Det er mye å gjøre med dette bildet. skumle historier. Det hele startet med at den første kunstkritikeren som så og satte pris på verket døde brått.
Da ble bildet anskaffet av en amerikansk skuespiller, som heller ikke levde lenge. Etter hans død forsvant verket for en kort stund, men så ble det ved et uhell funnet i en søppelhaug. Familien som plukket opp marerittmesterverket tenkte å henge det i barnehagen. Som et resultat begynte den lille datteren å løpe inn på foreldrenes soverom hver kveld og skrike at barna på bildet kjempet og endret plassering. Faren min installerte et bevegelsesfølende kamera i rommet, og det gikk av flere ganger i løpet av natten.
Selvfølgelig skyndte familien seg med å kvitte seg med en slik skjebnegave, og snart ble Hands Resist Him lagt ut på nettauksjon. Og så strømmet det inn mange brev til arrangørene med klager på at folk følte seg syke mens de så filmen, og noen hadde til og med hjerteinfarkt. Den ble kjøpt av eieren av en privat kunstgalleri, og nå begynte det å komme klager til adressen hans. To amerikanske eksorsister henvendte seg til og med ham med tilbud om deres tjenester. Og synske som har sett bildet hevder enstemmig at ondskapen utgår fra det.
Foto - prototype av maleriet "Hands Resist Him":
Det er flere mesterverk av russisk maleri som også har triste historier. For eksempel maleriet "Troika" av Perov, kjent for alle siden skolen. Dette rørende og triste bildet skildrer tre bondebarn fra fattige familier som drar et tungt lass, spennet til det på samme måte som trekkhester.
I midten står en blond liten gutt. Perov lette etter et barn til bildet inntil han møtte en kvinne med en 12 år gammel sønn ved navn Vasya, som gikk gjennom Moskva på pilegrimsreise.
Vasya forble den eneste trøsten til moren, som begravde mannen hennes og andre barn. Først ville hun ikke at sønnen skulle posere for maleren, men så takket hun ja. Like etter at maleriet var fullført, døde imidlertid gutten ... Det er kjent at etter sønnens død kom en fattig kvinne til Perov og ba ham om å selge henne et portrett av hennes elskede barn, men maleriet var allerede henger i Tretjakovgalleriet. Riktignok reagerte Perov på morens sorg og malte et portrett av Vasya spesielt for henne.
En av de lyseste og mest ekstraordinære geniene innen russisk maleri, Mikhail Vrubel, har verk som også er assosiert med de personlige tragediene til kunstneren selv. Dermed ble portrettet av hans elskede sønn Savva malt av ham kort tid før barnets død. Dessuten ble gutten uventet syk og døde plutselig. Og "The Defeated Demon" hadde en skadelig effekt på psyken og helsen til Vrubel selv.
Kunstneren kunne ikke rive seg bort fra bildet, han fortsatte å legge til ansiktet til den beseirede ånden, og også endre fargen. "Den beseirede demonen" hang allerede på utstillingen, og Vrubel kom stadig inn i salen, uten å ta hensyn til de besøkende, satte seg foran maleriet og fortsatte å jobbe, som om han var besatt.
De nære ham ble bekymret for tilstanden hans, og han ble undersøkt av den berømte russiske psykiateren Bekhterev. Diagnosen var forferdelig - tabes ryggmarg, nær galskap og død. Vrubel ble innlagt på sykehuset, men behandlingen hjalp ikke, og han døde snart.
En interessant historie er knyttet til maleriet "Maslenitsa", i lang tid dekorere lobbyen på Ukraine Hotel. Det hang og hang, ingen så egentlig på det, før det plutselig ble klart at forfatteren av dette verket var en psykisk syk person ved navn Kuplin, som på sin egen måte kopierte maleriet av kunstneren Antonov. Egentlig er det ikke noe spesielt forferdelig eller enestående i bildet av en psykisk syk person, men i seks måneder begeistret det Runets vidstrakte.
Antonovs maleri
Kuplins maleri
En student skrev et blogginnlegg om henne i 2006. Essensen koker ned til det faktum at det, ifølge en professor ved et av Moskva-universitetene, er hundre prosent, men ikke åpenbart, tegn i bildet, som det umiddelbart er klart at kunstneren er gal. Og til og med angivelig basert på dette tegnet, kan du umiddelbart stille en riktig diagnose.
Men, som studenten skrev, oppdaget ikke den utspekulerte professoren skiltet, men ga bare vage hint. Og så, sier de, folkens, hjelp den som kan, for jeg finner det ikke selv, jeg er helt utslitt og sliten. Det er ikke vanskelig å forestille seg hva som startet her.
Innlegget spredte seg over hele nettverket, mange brukere skyndte seg å lete etter svaret og skjelte ut professoren. Bildet fikk vill popularitet, det samme gjorde studentens blogg og professorens navn. Ingen klarte å løse gåten, og til slutt, da alle var lei av denne historien, bestemte de seg:
1. Det er ikke noe skilt, og professoren har bevisst «feildirigert» studentene slik at de ikke skulle hoppe over forelesninger.
2. Professoren er selv psykopat (selv fakta ble sitert om at han faktisk ble behandlet i utlandet).
3. Kuplin assosierte seg med snømannen som ruver i bakgrunnen av bildet, og dette er hovedløsningen på mysteriet.
4. Det var ingen professor, og hele historien var en strålende flashmob.
Forresten ble det også gitt mange originale gjetninger for dette skiltet, men ingen av dem ble anerkjent som riktige. Historien forsvant gradvis, selv om du noen ganger kan støte på ekko av den på RuNet. Når det gjelder bildet, gjør det for noen virkelig et uhyggelig inntrykk og forårsaker ubehagelige opplevelser.
Under Pushkins tid var portrettet av Maria Lopukhina en av de viktigste "skrekkhistoriene". Jenta levde et kort og ulykkelig liv, og etter å ha malt portrettet døde hun av forbruk. Hennes far Ivan Lopukhin var en berømt mystiker og mester i frimurerlosjen.
Derfor gikk ryktene om at han hadde klart å lokke ånden avdøde datter inn i dette portrettet. Og at hvis unge jenter ser på bildet, vil de snart dø. I følge salongsladderene ødela portrettet av Maria minst ti adelskvinner i giftepliktig alder ...
Ryktene ble lagt til ro av filantropen Tretyakov, som i 1880 kjøpte portrettet til galleriet hans. Det var ingen signifikant dødelighet blant kvinnelige besøkende. Samtalene stilnet. Men restene ble igjen.
Flere titalls mennesker som på en eller annen måte kom i kontakt med Edvard Munchs maleri «Skriket», hvis verdieksperter anslår til 70 millioner dollar, ble utsatt for ond skjebne: de ble syke, kranglet med sine nærmeste, falt i en alvorlig depresjon, eller døde til og med plutselig. Alt dette ga maleriet et dårlig rykte, slik at museumsbesøkende så på det med forsiktighet og husket de forferdelige historiene som ble fortalt om mesterverket.
En dag mistet en museumsansatt ved et uhell et maleri. Etter en tid begynte han å få forferdelig hodepine. Det skal sies at før denne hendelsen hadde han ingen anelse om hva en hodepine var. Migreneanfallene ble stadig hyppigere og kraftigere, og det endte med at stakkaren tok selvmord.
En annen gang slapp en museumsarbeider et maleri mens det ble hengt fra en vegg til en annen. En uke senere var han i en forferdelig bilulykke som førte til at han fikk brukne ben, armer, flere ribbein, et brukket bekken og en alvorlig hjernerystelse.
En av museumsbesøkende prøvde å ta på maleriet med fingeren. Noen dager senere startet det en brann i huset hans, der mannen brant i hjel.
Livet til selveste Edvard Munch, født i 1863, var en rekke uendelige tragedier og omveltninger. Sykdom, pårørendes død, galskap. Moren hans døde av tuberkulose da barnet var 5 år gammel. Ni år senere døde Edwards elskede søster Sophia av en alvorlig sykdom. Så døde broren Andreas, og legene diagnostiserte hans yngre søster med schizofreni.
Tidlig på 90-tallet fikk Munch et alvorlig nervesammenbrudd og lang tid gjennomgikk elektrosjokkbehandling. Han giftet seg aldri fordi tanken på sex skremte ham. Han døde i en alder av 81 år, og etterlot en enorm kreativ arv til Oslo by: 1200 malerier, 4500 skisser og 18 tusen grafiske verk. Men toppen av arbeidet hans forblir selvfølgelig «Skriket».
Den nederlandske kunstneren Pieter Bruegel den eldre malte "The Adoration of the Magi" over to år. Han "kopierte" Jomfru Maria fra sin fetter. Hun var en ufruktbar kvinne, som hun fikk stadige slag fra mannen sin. Det var hun som, som enkel middelaldersk nederlandsk sladret, "infiserte" bildet. "The Magi" ble kjøpt av private samlere fire ganger. Og hver gang ble den samme historien gjentatt: ingen barn ble født i familien på 10-12 år...
Til slutt, i 1637, kjøpte arkitekten Jacob van Kampen maleriet. På den tiden hadde han allerede tre barn, så forbannelsen skremte ham ikke spesielt.
Sannsynligvis det mest kjente dårlige bildet av internettrommet med følgende historie: En viss skolejente (japansk nevnes ofte) tegnet dette bildet.
Hvis du ser på henne i 5 minutter på rad, vil jenta endre seg (øynene hennes blir røde, håret blir svart, hoggtenner vil dukke opp). Faktisk er det tydelig at bildet tydeligvis ikke ble tegnet for hånd, slik mange liker å påstå. Selv om ingen gir klare svar på hvordan dette bildet fremstod.
Følgende maleri henger beskjedent uten ramme i en av butikkene i Vinnitsa. "Rain Woman" er den dyreste av alle verk: den koster $500. Ifølge selgerne er maleriet allerede kjøpt tre ganger og deretter returnert. Klienter forklarer at de drømmer om henne. Og noen sier til og med at de kjenner denne damen, men de husker ikke hvor. Og alle som noen gang har sett inn i de hvite øynene hennes vil for alltid huske følelsen regnfull dag, stillhet, angst og frykt.
Hvor kom det fra? uvanlig bilde, sa forfatteren, Vinnytsia-artisten Svetlana Telets. "I 1996 ble jeg uteksaminert fra Odessa Art University. Grekova», minnes Svetlana. "Og seks måneder før fødselen til "Woman", virket det alltid for meg som om noen konstant så på meg.
Jeg drev slike tanker fra meg selv, og så en dag, forresten, ikke i det hele tatt regnfull, satt jeg foran et blankt lerret og tenkte på hva jeg skulle tegne. Og plutselig så jeg tydelig konturene til en kvinne, ansiktet hennes, farger, nyanser. På et øyeblikk la jeg merke til alle detaljene i bildet. Jeg skrev det viktigste raskt - jeg var ferdig med det på omtrent fem timer.
Det virket som om noen ledet hånden min. Og så var jeg ferdig med å male i en måned til.»
Ved ankomst til Vinnitsa stilte Svetlana ut maleriet i en lokal kunstsalong. Kunstkjennere kom bort til henne nå og da og delte de samme tankene som hun selv hadde under arbeidet.
"Det var interessant å observere," sier kunstneren, "hvor subtilt en ting kan materialisere en tanke og inspirere den i andre mennesker."
For noen år siden dukket den første kunden opp. En ensom forretningskvinne gikk lenge rundt i gangene og så nøye etter. Etter å ha kjøpt "Woman", hengte jeg den på soverommet mitt.
To uker senere ringte en nattsamtale i Svetlanas leilighet: «Vennligst hent henne. Jeg kan ikke sove. Det virker som det er noen i leiligheten foruten meg. Jeg tok den til og med av veggen og gjemte den bak skapet, men jeg kan fortsatt ikke.»
Så dukket det opp en annen kjøper. Så kjøpte en ung mann maleriet. Og jeg kunne heller ikke holde ut lenge. Han brakte det til kunstneren selv. Og han tok ikke engang pengene tilbake. "Jeg drømmer om henne," klaget han. – Hver kveld dukker han opp og går rundt meg som en skygge. Jeg begynner å bli gal. Jeg er redd for dette bildet!
Den tredje kjøperen, etter å ha lært om beryktetheten til "kvinnen", vinket den bare av. Han sa til og med at han syntes ansiktet til den skumle damen var søtt. Og hun vil nok komme overens med ham. Kom ikke overens.
"Først la jeg ikke merke til hvor hvite øynene hennes var," husket han. "Og så begynte de å dukke opp overalt." Hodepine begynte, årsaksløse bekymringer. Trenger jeg det?!
Så «Rain Woman» kom tilbake til artisten igjen. Ryktet spredte seg over hele byen om at dette maleriet var forbannet. Det kan gjøre deg gal på én natt. Kunstneren selv er ikke lenger glad for at hun malte slik skrekk.
Sveta mister imidlertid ikke optimismen ennå:
– Hvert maleri er født av en eller annen grunn spesifikk person. Jeg tror at det vil være noen som "Woman" ble skrevet for. Noen leter etter henne - akkurat som hun leter etter ham.
Knyttet til mange kunstverk Mystiske historier og gåter. Dessuten mener noen eksperter at mørke og hemmelige krefter er involvert i opprettelsen av en rekke malerier. Det er grunnlag for en slik uttalelse. Altfor ofte skjedde fantastiske fakta og uforklarlige hendelser med disse fatale mesterverkene - branner, dødsfall, galskapen til forfatterne ... Et av de mest kjente "forbannede" maleriene er "The Crying Boy" - en reproduksjon av et maleri av den spanske kunstneren Giovanni Bragolin. Historien om opprettelsen er som følger: kunstneren ønsket å male et portrett av et gråtende barn og tok sin lille sønn som sitter. Men siden babyen ikke kunne gråte på forespørsel, fikk faren med vilje ham til tårer ved å tenne fyrstikker foran ansiktet hans.
Hvis du ser på henne i 5 minutter på rad, vil jenta endre seg (øynene hennes blir røde, håret blir svart, hoggtenner vil dukke opp). Faktisk er det tydelig at bildet tydeligvis ikke ble tegnet for hånd, slik mange liker å påstå. Selv om ingen gir klare svar på hvordan dette bildet fremstod. Følgende maleri henger beskjedent uten ramme i en av butikkene i Vinnitsa. "Rain Woman" er den dyreste av alle verk: den koster $500. Ifølge selgerne er maleriet allerede kjøpt tre ganger og deretter returnert. Klienter forklarer at de drømmer om henne. Og noen sier til og med at de kjenner denne damen, men de husker ikke hvor. Og alle som noen gang har sett inn i hennes hvite øyne vil for alltid huske følelsen av en regnværsdag, stillhet, angst og frykt.
2005) snakket vi om verk der det i tillegg til hovedplottet er en annen - en skjult. Det vises når du nærmer deg maleriet, beveger deg bort fra det eller ser på det fra en bestemt vinkel. Nå vil du lære om de mest sannferdige maleriene, som likevel kalles "lokkeduer", om spøkelsesaktige silhuetter, "toøyde", "treøyde", samt sjelden form ikoner
G. Teplov. Stilleben falsk. 1737 Statens eremitagemuseum, Saint Petersburg.
P. Drozhdin. "Portrett av kunstneren A.P. Antropov med sønnen foran portrettet av kona." 1776 Russisk museum, St. Petersburg.
R. Magritte. "Menneskeskjebne." 1933 National Gallery of Art, Washington.
Ukjent artist. "Lilies of France" (seks silhuetter av Bourbon-familien). 1815
O. Kanyu. "Corporal of Violets (silhuetter av Bonaparte, hans kone og sønn)." 1815 Tittelen på maleriet inneholder en påminnelse om at Napoleon begynte sin militærtjeneste med rang som korporal.
S. Del Prete. "Hemmeligheten mellom høstbladene" 1991 Galleri i Bern, Sveits.
V. Bregeda. "Profeti". 1994
N. Zamyatina. "Drømmer om Hellas." 2004
Ordene er "toøyde": haier - kjeltringer, murringer - ikke murrer, fred - Moscow State University, holdbar - nøyaktig. Forfattere: Olga og Sergey Fedina.
postkort. "Min kone og min svigermor." Begynnelsen av det tjuende århundre. Russland.
Ja, Botvinik. "Min mann og min svigerfar." Første halvdel av det tjuende århundre. USA.
G. Fischer. "Mamma, pappa og datter." 1968 USA.
S. Orlov. "En rose for to." 2004 Moskva.
S. Dali. "The Vanishing Bust of Voltaire." 1940 Dali Museum, St. Petersburg, USA.
To malerier av Salvador Dali: til venstre - "Hodet til en kvinne i form av en kamp." 1936; til høyre er "Spania". 1938
V. Koval. "Kovalland (selvportrett av kunstneren)". 1994
Trippelikon "Deesis ordre". XIX århundre. Russland.
Vitenskap og liv // Illustrasjoner
Ikon med ansiktene til Jesus og Maria Magdalena. Første halvdel av 1600-tallet. Melheim, Tyskland.
Portrett Alexandra III med sin kone og sønn. Slutten av 1800-tallet. Kirkemuseum ved kirken St. Mitrophan av Voronezh, Moskva.
Gabriel von Max. "Scarf of Saint Veronica" 1870-årene. Tyskland.
"Frelser ikke laget av hender." 1970-tallsfotografi fra maleriet ukjent artist, Russland.
EKTE LUKKET
To kunstnere argumenterte - Zeuxis og Parrhasius: hvem av dem er bedre. Zeuxis malte en drueklase og plasserte bildet nær det åpne vinduet. Fugler som flyr forbi så druene, satte seg ned og prøvde å hakke de malte bærene. Det var Parrhasius sin tur. "Så hvor er jobben din?" - "Der, bak gardinen." Zeuxis gikk bort til gardinen og prøvde å trekke den til side. Og det viste seg å være malt. En legende ble født i Antikkens Hellas, ca 500 f.Kr.
Det er mer sannferdig enn det kan virke ved første øyekast. Faktum er at mange fugler ikke har stereoskopisk syn, siden øynene deres er plassert på begge sider av hodet. Det det ene øyet ser, ser det andre ikke. På grunn av mangelen på et generelt synsfelt, kan ikke hjernen danne et tredimensjonalt bilde. Og erfarne jegere vet at en primitiv, umalt modell av en and tiltrekker seg en flygende drake ikke verre enn en levende lokkefugl.
Det som er viktig for oss i den greske legenden er at maleriet lurte ikke fuglene, men øyet til malermesteren. russisk kunstner XIXårhundre av Fjodor Tolstoj er det malerier som gjenspeiler handlingen til den gamle greske legenden. På en av dem er det et stilleben, "dekket" med et ark kalkerpapir. Et av hjørnene er bøyd. Og denne delen av stillebenet ser så autentisk ut at du ufrivillig føler ønsket om å flytte kalkerpapiret lavere for å se bildet i sin helhet. Malerier av denne typen kalles "falske", selv om vi snakker om kanskje den mest sannferdige av alle malerisjangre.
Utseendet til denne typen maleri ble mulig først etter oppfinnelsen av perspektiv, chiaroscuro og ... oljemaling. Oppskrifter for deres forberedelse finnes i bøker fra 1200-tallet. Men først på begynnelsen av 1400-tallet nederlandsk kunstner Jan van Eyck (1390-1441) forbedret teknologien for å forberede maling så mye at han ofte kalles oppfinneren av oljemalerteknikken. Han var den første som påførte den på en ny måte, og påførte tynne gjennomsiktige lag med maling oppå hverandre, og oppnådde eksepsjonell dybde og fargerikdom, samt subtiliteten til lys og skygge og fargeoverganger. Etter Jan van Eyck kunne kunstnere oppnå et bilde som lett kunne forveksles med originalen.
Grunnleggeren av trompe l'oeil-sjangeren i Russland er Grigory Teplov, kunstner, poet, musiker, filosof, statsmann på 1700-tallet. Et av verkene hans er på forrige side. Det er synd at reproduksjoner av trompe l’oeil-bilder i blader og bøker ikke klarer å formidle følelsen som dukker opp når man ser på originalen. Dette er forresten grunnen til at du sjelden ser lokkeduer i kunstbøker. Dette skyldes i stor grad forskjellen i størrelse mellom maleriet og dets trykte gjengivelse, og det faktum at ønsket effekt vanligvis oppstår avhengig av avstanden mellom bildet og betrakteren.
Det finnes en annen type bedrag. I det russiske museet i St. Petersburg er det for eksempel et maleri av Pyotr Drozhdin, en kunstner fra 1700-tallet. På den avbildet forfatteren familien til læreren hans, kunstneren Antropov. Ser du nøye etter, legger du merke til at faren og sønnen står ved siden av ikke kona og moren, men ved siden av portrettet hennes. Kanten på staffeliet, som først virket som en lys åpning i veggen, skiller de som står fra bildet.
Den belgiske kunstneren Rene Magritte fra 1900-tallet brukte også "easels"-teknikken. Kantene deres er nesten usynlige, og tegningene passerer umerkelig inn i hovedplottet på bildet og smelter sammen med det. I det ene landskapet fortsetter skogen, som starter utenfor vinduet, på det malte staffeliet, i det andre flyter havet fra staffeliet ut i det "ekte" havet.
Magritte er en mester i paradoksmalerier. På ett lerret kombinerte han gjenstander og fenomener som var uforenlige i livet; for eksempel daghimmelen og et hus nedsenket i nattens mørke, eller en person som ser i speilet foran seg, ser bare bakhodet i det. Han brukte også prinsippet om paradoks i titlene på maleriene sine. Da han, etter egen innrømmelse, manglet fantasi, samlet han venner og ba om hjelp til å finne et navn. Et landskap med et staffeli, for eksempel, kalles «Human Lot».
SPØKKELSESILHOUETTER
Det er en spesiell teknikk for å lage et skjult bilde: når kunstnere bruker konturene til tegnede objekter. For første gang dukket det tilsynelatende opp malerier med "skjulte silhuetter" i middelalderens Frankrike. Deres viktigste helter var selvfølgelig kongene. Vi vet allerede godt at liljen er et symbol på Bourbon-dynastiet, i det minste fra kostymene til hovedpersonene fra filmene basert på romanen til Alexandre Dumas "The Three Musketeers". For to hundre år siden, da kunstnere malte buketter av kongeliljer, gjorde kunstnere bøyningene på stilkene, konturene til bladene og kronbladene til menneskelige ansikter. Når du gjetter hemmeligheten, blir buketten til et portrett av kongefamilien. Etter at Bourbon-dynastiet ble styrtet, begynte kunstnere å male keiser Napoleon med sin kone og sønn. Men Josephine elsket fioler, så de erstattet liljer.
I løpet av de siste århundrene har kunstnere selvfølgelig utvidet temaene sine. lignende verk. Et eksempel er et maleri hvor man først ser noen tørre blader som flyr i luften. Det er også et stykke papir malt på lerretet med inskripsjonen på fransk: "En drøm båret bort av vinden og tiden." Vanligvis skriver ikke kunstnere navnet på forsiden av maleriet. Her i nedre venstre hjørne av lerretet står det skrevet på tysk: «Hemmeligheten mellom høstbladene». Dette er ikke bare tittelen på maleriet, men også nøkkelen som avslører kunstnerens intensjon - Sandro Del Prete. Navnet hans er kjent over hele verden i dag. Og han begynte som amatør (jeg forteller deg dette spesielt for deltakerne i konkurransen om mysteriemaling). I ungdommen studerte Del Prete tegning i bare seks måneder; inntil han var 44 år gammel anså han ikke seg selv profesjonell kunstner og jobbet for et forsikringsselskap i hjembyen Bern, Sveits, hvor han fortsatt bor.
I maleriet av Taganrog-kunstneren Victor Bregeda, som også ble tiltrukket av denne teknikken, bøyer knelende skikkelser seg i bønn på bakgrunn av et øde fjellandskap. Dette er bare en del av handlingen du ser med en gang, men tittelen – «Prophecy» – antyder at hovedinnholdet ikke er så åpenbart og ennå ikke er avslørt. Usynlig i første øyeblikk, på bildet er det de som pilegrimene bøyde seg for: Gud Faderen, Gud Sønnen og den bevingede rytteren - en engel som steg ned fra himmelen.
Muskovitten Natalia Zamyatinas maleri "Dreams of Greece" ser ut som et vanlig stilleben med en porselensvase og frukt. Tittelen ser ikke helt ut til å stemme overens med bildet. Men se nærmere på draperiet. Hva skjuler (eller avslører) foldene på stoffet og konturene til vasen?
DOBBELVISNING
Begrepet som ga tittelen til denne delen av artikkelen ble laget av Sergei Fedin, en forfatter og forfatter av mange publikasjoner i tidsskriftet Science and Life. Han kalte toøyde tekster som kan leses på to måter. La oss ta ordet "haier" som et eksempel. De to første bokstavene "ak" kan også skrives som én bokstav "zh". Og "y" kan lett avbildes som lik "ye". La oss la bokstavene i midten være uendret og få et ord som lett kan leses på to måter: «haier» og «skurker». Her er det gitt flere eksempler på slike inskripsjoner.
Ordet "dobbeltsinnet" tilsvarer det engelske "ambigram" - dual. Vi snakker om verbal dobbeltsyn her fordi ved å bruke deres eksempel er det lettere å forstå oppfatningen av doble bilder i maleri.
Hva ser vi etter når vi beveger blikket vårt langs dobbeltsynets linjer? Et kjent brev. Det samme skjer i malerier. Hjernen ser etter kjente bilder som allerede er i minnet, noe som er helt annerledes enn lagring av fotografiske bilder. Minne er en slags "koder" som fanger opp egenskapene til et bilde, for eksempel tilstedeværelsen av rette og buede seksjoner av linjer, grenser for endringer i lysstyrke, farge og lignende.
Når vi ser nærmere på de to øynene, finner vi bokstaver som vi ikke la merke til i begynnelsen, og legger til et annet ord fra dem. Det samme skjer med det skjulte bildet.
Ingen har ennå kommet opp med ordet «tre-øyne», altså bildet av tre ord forskjellige betydninger i én oppføring. Hvis du lykkes, sørg for å sende arbeidet ditt til den mystiske malekonkurransen. Men de pittoreske tre-seerne er allerede skapt, og vi skal nå fortelle deg om dem.
TO-FACET OG TRE-FACET MALERI
I forrige utgave av magasinet, i artikkelen "Invisible-Visible", kom du over et bilde av en kvinnes hode, som ser enten ung eller gammel ut, avhengig av plasseringen av bildet. La oss nå bli kjent med et portrett som ikke trenger å snus. På spørsmålet: "Er det en ung eller gammel kvinne?" - forskjellige folk gi motsatte svar. Noen sier - en jente, andre - en gammel kvinne. Bildet har for lengst blitt en klassiker. Men de som ser henne for første gang hver gang, må forklare hvordan de ser det andre bildet: "Damens øye er jentas øre, og nesen er den ovale av et ungt ansikt." I følge fysiologer betaler betrakteren, som ser på et portrett, størst oppmerksomhet til øynene og nesen. Derfor avhenger som regel førsteinntrykket av hvilken del av bildet blikket ditt faller på i første øyeblikk. Etter litt trening kan du lære å bestille selv hvem du vil se.
Når det gjelder antall publikasjoner i bøker og blader, er handlingen med en ung og gammel kvinne langt foran alle andre illusjonsbilder. Dens forfatter kalles noen ganger den amerikanske tegneserieskaperen W. Hill, som publiserte verket i 1915 i magasinet "Puck" (oversatt til russisk som "Puck" - alv, eventyrånd). Bildet tilskrives noen ganger psykiateren E. Boring, som brukte portrettet på 1930-tallet for å illustrere arbeidet hans. I det vitenskapelige miljøet kalles "To damer" fortsatt "kjedelig figur". Faktisk, tilbake i de første årene av 1900-tallet, ble et postkort med det samme bildet og inskripsjonen: "Min kone og min svigermor" satt i omløp i Russland. Prototypen for det var et tysk postkort fra 1880 (ukjent forfatter).
Bildet av de to damene er jevnlig gjengitt i psykologibøker. Men det er fortsatt stort sett ukjent hvordan menneskesinnet oppfatter doble bilder. Artister fortsetter bare å utvikle en allerede kjent teknikk. I første halvdel av 1900-tallet dukket det opp et lignende portrett av en eldre og ung mann. Så, i 1968, ga kunstneren G. Fischer begge damene en ny frisyre og fikk en tredje karakter. Faktisk la han bare til ett element, og bildet ble kjent som "Mamma, pappa og datter." Kvinnens hår ble til mannens profil, noe som resulterte i tre personer i portrettet.
På moderne maleri Moskva-kunstneren Sergei Orlov (se s. 132) det er ikke bare to forskjellige ansikter, men også to kvinnelige skikkelser, som tilhører både en jente og en gammel kvinne. Den gamle damen ser på blomsten hun holder i hånden. Den unge kvinnen sitter med ryggen til oss, retter håret og snur hodet til venstre.
Verkene til Sergei Orlov, Victor Bregeda og andre kunstnere som jobber på denne måten kan sees på Internett. Det er et spesielt prosjekt "Duality" http://hiero.ru/project/Dubl av nettstedet "Hieroglyph", der forfatterne stiller ut verk for diskusjon.
Ikke en eneste bok om illusoriske malerier er komplett uten en historie om arbeidet til spanjolen Salvador Dali. 300 år etter Arcimboldo gjenopplivet han retningen til illusoriske malerier.
På det første bildet ser betrakteren to rikt kledde kvinner. En mann i turban leder dem inn i galleriet. Kunstneren forvandler denne scenen til et annet plot. En kontur dannes fra galleribuen menneskelig hode- bilde av et skulpturelt portrett av den franske filosofen Voltaire av Houdon.
Handlingen til Voltaire dukker opp gjentatte ganger i Dalis verk. To ganger brukte han også plottet til maleriet «Hodet til en kvinne i form av en kamp» (over til venstre), der skikkelsene til galopperende ryttere og mennesker som suser over et gult felt, danner ansiktet til en kvinne. Men så ble "Head of a Woman in the Form of a Battle" inkludert som en detalj av et annet lerret: "Spania". Dette faktum viser hvor vanskelig det er å finne en ny, original løsning for et tosidig bilde.
Hvis jeg skulle organisere en utstilling av de beste dobbeltmaleriene, ville jeg ved siden av Dalis verk plassert malerier av den samtidige Volgograd-kunstneren Vladislav Koval. Og selvfølgelig - "Stalingrad Madonna", der bildet av en kvinne med en baby i armene er vevd av bjørkegrener. I maleriet «Waying Ashore» blir de fjerne kystklippene som er synlige i horisonten, til en ensom, hengende skikkelse av en sjømann. I maleriet "Icarus" sees helten enten fly eller falle. I det neste maleriet blir en iskald soldat pakket inn i en regnfrakk til en Madonna og et barn. I verket "Pyramid" kombinerte V. Koval, for første gang i kunsthistorien, flere doble bilder til et komplett kunstverk. Og jeg brukte nesten alt maleteknikker som jeg snakket om. Dette inkluderer konstruksjon av nye bilder fra landskapsdetaljer og malerier, hvis innhold avhenger av betraktningsvinkel eller avstand. I dag er Koval en av de mest kjente artistene i Russland. Hans berømmelse har en merkelig begynnelse. Mens han studerte i Moskva, sendte han brev til sine slektninger i Volgograd og limte ikke inn frimerker på konvoluttene, men tegnet dem. Alle sendte brev nådde sine mottakere uten ekstra betaling. Da pressedepartementet utlyste en konkurranse blant artister, tok studenten Vladislav Koval med seg en stabel med konvolutter til arrangørene. Og han ble vinneren, den yngste blant deltakerne.
Uvanlige ikoner
Eksempler på mystiske malerier finnes selv i en så streng og kanonisk kunstform som ikoner. Til museet gammel russisk kunst I Moskva brakte de en gang ikonet "Jesus i fengsel." På dens fremre del er det en skildring av Jesus med lenker på føttene, og rundt er lidenskapens instrumenter, det vil si tortur. Navnet er angitt ved siden av hver enkelt. Basert på særegenhetene ved stavemåten til ordene, bestemte kunsthistorikere at forfatteren var en gammeltroende. Det unike med ikonet var at bildet ble krysset av smale vertikale striper. Det ble antydet at dette er spor etter gitteret som en gang dekket Kristi bilde. Løsningen på de mørke stripene viste seg imidlertid å være mye mer interessant, og den tilhører lederen av Canon-verkstedet for ikonmaleri, kunstkritikeren og kunstneren Alexander Renzhin.
Det viser seg at ikonet en gang inneholdt ikke ett, men tre bilder. Stripene er ikke annet enn spor fra vertikale plater som ble festet til rammen (rammen) til ikonet. De var nær overflaten og etterlot derfor merker. På begge sider av hver plate ble det tegnet (vanligvis skrevet) deler av ytterligere to ikoner. Stående overfor ikonet, kunne du se ett bilde, bevege seg til venstre - et annet, til høyre - et tredje. Platene til ikonet gikk tapt, men Renzhin klarte å finne nøyaktig det samme komplette ikonet. Det viste seg at på 12 plater var deler av bildene av Guds mor og døperen Johannes skrevet på begge sider. Når du ser på ikonet fra siden, passer delene av bildet sammen til en enkelt helhet.
Lagerrommene til Museet for religionshistorie i St. Petersburg inneholder ikoner av lignende type, men med et annet emne. På en av dem i forgrunnen er det en due, et symbol på Den Hellige Ånd. Men så snart du beveger deg til høyre, vises bildet av Gud Faderen, og til venstre - ansiktet til Gud Sønnen. Det er vanskelig for en moderne seer, bortskjemt med lyseffekter, å forestille seg kraften i inntrykket av de trippelikonene på de troende fra tidligere århundrer, spesielt i skumringen av en kirke som kun er opplyst av stearinlys. I tillegg, på 1900-tallet, ble en lignende teknikk brukt i reklame, og derfor mistet den sin uvanlighet.
Det er ikoner hvis overflate ikke er flat, men profilert, med vertikale spor med et trekantet tverrsnitt. På den ene siden av hvert spor er det skrevet bildet synlig til venstre, og på den andre siden bildet synlig til høyre. Når du ser forfra, ser du en "blanding" av to bilder. Derfor plasserte de i kirken en stor lysestake foran et slikt ikon slik at det bare kunne sees fra to sider.
Det er et kirkemuseum ved Church of St. Mitrofan of Voronezh i Moskva på 2nd Khutorskaya Street. Der, blant andre interessante utstillinger, kan du se et trippelbilde. Dette er ikke et ikon, men et portrett kongelig familie. Stående overfor portrettet ser du keiser Alexander III. Flytt til høyre - bildet av keiserinne Maria Feodorovna vises. Tilskuere som står til venstre ser den unge arvingen, den fremtidige keiseren Nicholas II. Et merkelig trekk ved bildet bidro til å fastslå tidspunktet for opprettelsen. En blodig flekk er synlig på Nikolais høyre tempel. Dette er et spor etter et japansk sverd. I 1890-1891 forpliktet arvingen reise rundt i verden, og det ble gjort et forsøk på livet hans i Japan. En japansk politimann slo Nicholas med sverdet, men den unge arvingen bøyde seg og ble bare lettere såret. Angriperen hadde ikke tid til å slå en gang til; han ble slått ned, men ikke av vertene som tok imot den fornemme gjesten, men av den greske prinsen George, som fulgte Nicholas.
LEGENDEN OM SAINT VERONICA
I 1879 ble det holdt en utstilling i St. Petersburg tyske kunstnere. En av dem, Gabriel von Max, presenterte maleriet "Lommetørkleet til Saint Veronica" med bildet av et stykke grovt lerret spikret til veggen med Kristi ansikt i sentrum. Det uvanlige med bildet var at seerne kunne se Frelserens øyne enten lukkede eller åpne. Datidens aviser skrev at arrangørene måtte sette stoler i salen, da noen damer besvimte og utbrøt: «Ser! Ser!»
Selvfølgelig vakte det mystiske maleriet oppmerksomheten til storbykunstnere som prøvde å avdekke hemmeligheten, og kunstneren Ivan Kramskoy skrev en artikkel om det for magasinet "New Time", hvor han avslørte teknikken som den tyske forfatteren oppnådde ønsket effekt.
Legenden om Saint Veronica spredte seg over hele Europa i middelalderen. Senere ble det den offisielle kirketradisjonen, det vil si at den ble anerkjent som sann som de som er nedtegnet i evangeliet. Da Jesus Kristus ble ført til Golgata-fjellet for å bli korsfestet der, tørket en viss medfølende kvinne ved navn Veronica svetten som hadde skygget for øynene hans med et lommetørkle. Samtidig ble Frelserens ansikt i tornekronen på mirakuløst vis preget inn på skjerfet. Legenden dannet grunnlaget Ortodoks ikon"Frelser ikke laget av hender." Den enkleste måten for oss, ikke-spesialister, å gjenkjenne dette ikonet er ved bildet av et skjerf som Jesu ansikt er skrevet på, selv om selve skjerfet (oftere sier de "plat") er tegnet annerledes og ganske konvensjonelt. Vestlige kristne kaller et lignende bilde «Scarf of St. Veronica».
Fra en kjenner av russisk kunst, prest Valentin Dronov, hørte jeg en historie, som jeg siterer her ordrett: "To eller tre ganger i livet mitt måtte jeg se ikonet til "Frelseren ikke laget av hender", som viste et mirakuløst Jesu øyne på det virket enten åpne eller lukkede. Det var avhengig av sinnstilstand ber Hvis han var rolig, så det ut til at Frelseren sov. Hvis han var spent, åpnet øynene seg.» Hjemme holdt Valentins far et fotografi av dette bildet, som er gitt her.
Jeg har ennå ikke klart å finne noe lignende i museene våre. Guiden til Betlehem, byen der, ifølge legenden, Kristus ble født, sier at en av freskene på søylen i Fødselskirken har samme egenskap: «ansiktet på ikonet åpner og lukker øynene.»
Ikonet som er beskrevet er svært sjeldent, så alle bevis fra personer som har sett eller i det minste hørt om slike bilder er viktig. Vi ber leserne sørge for å rapportere dette til redaktøren av bladet.
