Definisjon av stilleben i maleri. Stilleben i maleri: typer og beskrivelse
stilleben stilleben
(Fransk natur morte, italiensk natura morta, bokstavelig talt - død natur; nederlandsk stilleven, tysk Stilleben, engelsk stilleben, bokstavelig talt - stille eller ubevegelig liv), sjanger visuell kunst(hovedsakelig staffelimaleri), som er dedikert til bildet av tingene rundt en person, plassert som regel i et ekte husholdningsmiljø og komposisjonsmessig organisert i en enkelt gruppe. Den spesielle organiseringen av motivet (den såkalte iscenesettelsen) er en av hovedkomponentene figurativt system stilleben sjanger. I tillegg til livløse gjenstander (for eksempel husholdningsartikler), skildrer stilleben gjenstander av dyreliv, isolert fra naturlige forbindelser og dermed forvandlet til en ting - fisk på bordet, blomster i en bukett, etc. Som komplement til hovedmotivet, livet kan inneholde bilder av mennesker, dyr, fugler, insekter. Bildet av ting i et stilleben har sitt eget kunstnerisk verdi, selv om det i utviklingsprosessen ofte tjente til å uttrykke symbolsk innhold, løse dekorative problemer eller nøyaktig fikse den objektive verden i naturvitenskap, etc. Samtidig kan stilleben karakterisere ikke bare ting i seg selv, men også den sosiale statusen , innhold og livsstil av dem eier, generere en rekke assosiasjoner og sosiale analogier.
Stillebenmotiver som detaljer i komposisjoner finnes allerede i kunsten i det antikke østen og antikken, noen fenomener i middelalderkunsten i Fjernøsten er delvis sammenlignbare med stilleben (for eksempel den såkalte "blomster-fugler"-sjangeren ), men fødselen av stilleben som uavhengig sjanger foregår i moderne tid, da i arbeidet til de italienske og spesielt de nederlandske mestrene i renessansen, utvikler oppmerksomheten seg mot den materielle verden, til dens konkret-sanselige bilde. Historien om stilleben som en sjanger av staffelimaleri, og spesielt dens type "trompe l" oeil (den såkalte snag), åpnes av "Still Life" av italieneren Jacopo de Barbari (1504), som illusjonistisk sett gjenskaper objekter nøyaktig. halvparten av XVI- begynnelsen av 1600-tallet, som ble tilrettelagt av de naturvitenskapelige tilbøyelighetene som er karakteristiske for denne epoken, kunstens interesse i hverdagen og personvern mennesket, samt selve utviklingen av metoder for den kunstneriske utviklingen av verden (verkene til nederlenderen P. Aartsen, Fleming J. Brueghel Velvet, etc.).
Stillebens storhetstid - XVII århundre. Mangfoldet av dens typer og former på den tiden er assosiert med utviklingen av nasjonalrealistiske malerskoler. I Italia og Spania ble fremveksten av stilleben i stor grad lettet av arbeidet til Caravaggio og hans tilhengere ( cm. karavaggisme). Favoritt-temaene for stilleben var blomster, grønnsaker og frukt, sjømat, kjøkkenutstyr osv. (P. P. Bonzi, M. Campidoglio, J. Recco, J. B. Ruoppolo, E. Baskenis, etc.). Det spanske stilleben er preget av sublim alvorlighet og spesiell betydning av bildet av ting (X. Sanchez Cotan, F. Zurbaran, A. Pereda, etc.). Interesse for tingenes hverdagslige natur, intimitet, ofte demokratisme av bilder ble tydelig manifestert i det nederlandske stilleben. Den er preget av spesiell oppmerksomhet til overføringen av lysmiljøet, den mangfoldige teksturen av materialer, subtiliteten i tonale forhold og fargeskjema - fra den utsøkt beskjedne fargen på "monokrom frokost" av V. Kheda og P. Klas til intenst kontrasterende, koloristisk spektakulære komposisjoner av V. Kalf ("desserter"). Det nederlandske stilleben kjennetegnes ved overflod av forskjellige typer av denne sjangeren: "fisk" (A. Beyeren), "blomster og frukt" (J. D. de Hem), "banket vilt" (J. Venike, M. Hondekuter), allegorisk stilleben "vanitas "("forfengelighetens forfengelighet") osv. Det flamske stillebenet (hovedsakelig "markeder", "butikker", "blomster og frukt") skiller seg ut for sitt omfang og samtidig dekorative komposisjoner: disse er salmer til fruktbarhet og overflod (F. Snyders, J. Feit), I det XVII århundre. Tysk (G. Flegel, K. Paudis) og fransk (L. Bozhen) stilleben er også i utvikling. MED sent XVII V. i det franske stilleben triumferte de dekorative trendene innen hoffkunst (blomster av J. B. Monnoyer og hans skole, jaktstilleben av A. F. Deport og J. B. Oudry). På denne bakgrunn skiller verkene til en av de mest betydningsfulle mesterne av fransk stilleben - J. B. S. Chardin, preget av strenghet og komposisjonsfrihet, subtile fargeløsninger seg ut med ekte menneskelighet og demokrati. I midten av XVIII århundre. i perioden med den endelige dannelsen av det akademiske hierarkiet av sjangere, oppsto begrepet "nature morte", som reflekterte den foraktfulle holdningen til denne sjangeren av tilhengere av akademiskisme, som foretrakk sjangere hvis område var "levende natur" ( historisk sjanger, portrett osv.).
På 1800-tallet stillebenets skjebne ble bestemt av de ledende malermesterne, som arbeidet i mange sjangre og involverte stillebenet i kampen estetiske synspunkter Og kunstneriske ideer(F. Goya i Spania, E. Delacroix, G. Courbet, E. Manet i Frankrike). Blant mesterne på 1800-tallet som spesialiserte seg på denne sjangeren, skiller A. Fantin-Latour (Frankrike) og W. Harnet (USA) seg også ut. Den nye fremveksten av stilleben ble assosiert med fremføringen av postimpresjonismens mestere, for hvem tingenes verden blir et av hovedtemaene (P. Cezanne, V. van Gogh). Siden begynnelsen av XX århundre. stilleben er et slags kreativt laboratorium for maleri. I Frankrike følger fauvismens mestere (A. Matisse og andre) veien for økt identifikasjon av de emosjonelle og dekorative-ekspressive mulighetene til farge og tekstur, og representantene for kubismen (J. Braque, P. Picasso, X. Gris og andre), ved å bruke spesifikasjonene til stillebens kunstneriske og analytiske muligheter, søker å etablere nye måter å formidle rom og form på. Stilleben tiltrekker seg også mestere av andre trender (A. Kanoldt i Tyskland, G. Morandi i Italia, S. Lukyan i Romania, B. Kubista og E. Filla i Tsjekkia, etc.). Sosiale trender i stilleben på 1900-tallet er representert ved arbeidet til D. Rivera og D. Siqueiros i Mexico, R. Guttuso i Italia.
Stilleben dukket opp i russisk kunst på 1700-tallet. sammen med bekreftelsen av sekulært maleri, som gjenspeiler tidens kognitive patos og ønsket om å sannferdig og nøyaktig formidle den objektive verden ("triks" av G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov, etc.). Den videre utviklingen av russisk stilleben i en betydelig tid var episodisk. Det er en viss økning i første halvdel av XIX århundre. (F. P. Tolstoy, skole til A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky) er assosiert med ønsket om å se skjønnhet i det lille og vanlige. I andre halvdel av XIX århundre. I. N. Kramskoy, I. E. Repin, V. I. Surikov, V. D. Polenov, I. I. Levitan vendte seg bare av og til til stilleben av skisseaktig natur; hjelpeverdi av stilleben i kunst system Wanderers fulgte fra ideen deres om den dominerende rollen til det plottematiske bildet. Den uavhengige verdien av stilleben-studiet øker med omgang XIX og XX århundrer. (M. A. Vrubel, V. E. Borisov-Musatov). Storhetstiden til russisk stilleben faller på begynnelsen av 1900-tallet. Hans beste eksempler inkluderer de impresjonistiske verkene til K. A. Korovin, I. E. Grabar; verkene til kunstnerne i "Kunstens verden" (A. Ya. Golovin og andre) som subtilt leker med tingenes historiske og hverdagslige karakter; skarpt dekorative bilder av P. V. Kuznetsov, N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, M. S. Saryan og andre malere av Blue Rose-sirkelen; lyse stilleben gjennomsyret av fylden av å være av mesterne av "Jack of Diamonds" (P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, V. V. Rozhdestvensky, A. V. Lentulov, R. R. Falk, N. S. Goncharova). Sovjetisk stilleben, utvikler seg i tråd med kunsten sosialistisk realisme beriket med nytt innhold. På 20-30-tallet. det inkluderer og filosofisk refleksjon modernitet i verk skjerpet i komposisjon (K. S. Petrov-Vodkin), og tematiske "revolusjonære" stilleben (F. S. Bogorodsky og andre), og forsøk på konkret å gjenvinne "tingen" som avvises av de såkalte ikke-objektivene gjennom eksperimenter i felten av farger og tekstur (D. P. Shterenberg, N. I. Altman), og en fullblods gjenskaping av den fargerike rikdommen og mangfoldet i den objektive verden (A. M. Gerasimov, Konchalovsky, Mashkov, Kuprin. Lentulov, Saryan, A. A. Osmerkin og andre. ), som samt søken etter subtil fargeharmoni, poetiseringen av tingenes verden (V.V. Lebedev, N.A. Tyrsa, etc.). På 40-50-tallet. P.V. Kuznetsov, Yu. P. P. Konchalovsky, V. B. Elkonik, V. F. Stozharov, A. Yu. Nikich jobber aktivt i stilleben. Blant stillebens mestere i unionsrepublikkene skiller A. Akopyan i Armenia, T. F. Narimanbekov i Aserbajdsjan, L. Svemp og L. Endzelina i Latvia seg ut, N. I. Kormashov i Estland. Tiltrekningen til den økte "objektiviteten" til bildet, estetiseringen av verden av ting rundt en person bestemte interessen for stilleben til unge kunstnere på 70- og begynnelsen av 80-tallet. (Ya. G. Anmanis, A. I. Akhaltsev, O. V. Bulgakova, M. V. Leis, etc.).
V. Kheda. "Frokost med bjørnebærpai." 1631. Kunstgalleri. Dresden.
P. Cezanne. "Fersken og pærer" Sent på 1880-tallet Museum of Fine Arts oppkalt etter A. S. Pushkin. Moskva.
K. S. Petrov-Vodkin. "Morgen stilleben". 1918. Russisk museum. Leningrad.
I. I. Mashkov. "Snedd Moskva: brød". 1924. Tretyakov-galleriet. Moskva.
Kilde: Populær kunstleksikon." Ed. Felt V.M.; M.: Forlag " Sovjetisk leksikon", 1986.)
stilleben(Fransk natur morte - død natur), en av maleriets sjangere. Stilleben skildrer naturens gaver (frukt, blomster, fisk, vilt), så vel som ting laget av menneskehender (servise, vaser, klokker, etc.). Noen ganger sameksisterer livløse gjenstander med levende vesener - insekter, fugler, dyr og mennesker.
Stilleben inkludert i plott komposisjoner, allerede funnet i maleri eldgamle verden(veggmalerier i Pompeii). Det er en legende om at den antikke greske kunstneren Apelles avbildet druer så dyktig at fuglene forvekslet ham med en ekte og begynte å hakke. Som en selvstendig sjanger utviklet stilleben seg på 1600-tallet. og opplevde deretter sin lyse storhetstid i arbeidet til de nederlandske, flamske og spanske mestrene.
I Holland var det flere varianter av stilleben. Kunstnerne malte "frokoster" og "desserter" på en slik måte at det virket som om en person var et sted i nærheten og snart ville komme tilbake. En pipe ryker på bordet, en serviett er krøllet, vin i et glass er ikke ferdig, en sitron kuttes, brød er knust (P. Klas, V. Kheda, V. Kalf). Også populære var bilder av kjøkkenutstyr, vaser med blomster, og til slutt "Vanitas" ("forfengelighet av forfengelighet"), stilleben med temaet livets skrøpelighet og dets kortsiktige gleder, som kaller til å huske sanne verdier og ta vare på sjelens frelse. Favorittattributter til "Vanitas" er en hodeskalle og en klokke (J. van Strek. "Vanity of vanities"). Nederlandske stilleben, så vel som stilleben fra 1600-tallet generelt, er preget av tilstedeværelsen av skjulte filosofiske overtoner, kompleks kristen eller kjærlighetssymbolikk (sitronen var et symbol på måtehold, hunden var troskap osv.) Samtidig tiden gjenskapte kunstnere i stilleben med kjærlighet og entusiasme verdens mangfold (spill av silke og fløyel, tunge teppeduker, glitrende sølv, saftige bær og edelvin). Sammensetningen av stilleben er enkel og stabil, underlagt diagonalen eller formen til en pyramide. Den viktigste "helten" er alltid fremhevet i den, for eksempel et glass, en kanne. Mestere bygger subtilt relasjoner mellom objekter, motstående eller omvendt matchende farge, form, overflatetekstur. De minste detaljene er nøye skrevet ut. Disse maleriene er små i størrelse og er utformet for nær undersøkelse, lang kontemplasjon og forståelse av deres skjulte betydning.
Flemingerne malte tvert imot store, noen ganger enorme lerreter beregnet på å dekorere palasshallene. De er preget av en festlig flerfarge, en overflod av gjenstander og kompleksiteten i komposisjonen. Slike stilleben ble kalt "butikker" (J. Feit, F. Snyders). De avbildet bord strødd med vilt, sjømat, brød, og ved siden av dem - eierne som tilbyr varene sine. Rikelig mat, som om den ikke passet på bordene, hang ned, falt ut direkte på publikum.
Spanske artister foretrakk å begrense seg til et lite sett med elementer og jobbet på en diskret måte fargevalg. Retter, frukt eller skjell i maleriene til F. Zurbarana og A. Frontene er rolig plassert på bordet. Formene deres er enkle og edle; de er nøye støpt med chiaroscuro, nesten håndgripelig, komposisjonen er strengt balansert (F. Zurbaran. "Still life with appelsiner og sitroner", 1633; A. Pereda. "Still life with a clock").
På 1700-tallet den franske mester J.-B. MED. Chardin. Hans malerier, som skildrer enkle, solide redskaper (skåler, en kobbergryte), grønnsaker, enkel mat, er fylt med livspust, varmet opp av ildstedets poesi og bekrefter hverdagens skjønnhet. Chardin malte også allegoriske stilleben (Still Life with Attributes of the Arts, 1766).
I Russland dukket de første stillebenene opp på 1700-tallet. i dekorative malerier på veggene til palasser og "dummy" malerier, der gjenstander ble gjengitt så nøyaktig at de virket ekte (G. N. Teplov, P. G. Bogomolov, T. Ulyanov). På 1800-tallet lurertradisjoner har blitt tenkt nytt. Stilleben opplever en oppgang i første etasje. 1800-tallet i arbeidet til F.P. Tolstoj, som tenkte om tradisjonene for "triks" ("Bær av røde og hvite rips", 1818), kunstnere venetiansk skole, I. T. Khrutsky. I dagligdagse gjenstander søkte kunstnere å se skjønnhet og perfeksjon.
En ny storhetstid for sjangeren kommer på slutten. 19 - beg. 20. århundre, da stilleben blir et laboratorium for kreative eksperimenter, et middel til å uttrykke kunstnerens individualitet. Stilleben inntar en betydelig plass i postimpresjonistenes arbeid - V. van Gogh, P. Gauguin og fremfor alt P. Cezanne. Komposisjonens monumentalitet, gjerrige linjer, elementære, stive former i Cezannes malerier er designet for å avsløre strukturen, grunnlaget for tingen og minne om verdensordenens urokkelige lover. Kunstneren skulpturerer formen med farger, og understreker dens materialitet. Samtidig gir unnvikende fargespill, spesielt kaldt blått, stillebenene hans en følelse av luft og romslighet. Linjen til Cezanne stilleben ble videreført i Russland av mesterne " Jack of Diamonds"(I.I. Mashkov, P.P. Konchalovsky etc.), kombinerer det med tradisjonene til den russiske folkekunst. Kunstnere "Blå rose"(N.N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin) laget nostalgiske komposisjoner i antikk stil. Filosofiske generaliseringer gjennomsyrer stillebenene til K.S. Petrova-Vodkina. På 1900-tallet i sjangeren stilleben, P. Picasso, A. Matisse, D. Morandi. I Russland var de største mesterne i denne sjangeren M.S. Saryan, P.V. Kuznetsov, A. M. Gerasimov, V. F. Stozharov og andre.
Roger Fenton. Frukt. 1860 Graham Clarke. Fotografen. Oxford, 1997
Fred og Gloria McDurrs fotografiske leksikon definerer ordet "stilleben" som følger: Generelt begrep for fotografier av livløse gjenstander, produkter og varer, ofte for bruk i reklame. Når små gjenstander plasseres på overflaten av et bord, blir stillebenfotografering noen ganger referert til som "bordplate"-fotografering. Med unntak av den siste avklaringen, denne definisjonen samsvarer fullt ut med det som brukes i forhold til maling. Interessant nok dukket selve begrepet opp mye senere enn bildet, og refererer til begynnelsen av 1800-tallet. Den franske kombinasjonen nature morte (død eller mortifisert natur) skiller seg fra engelsk stilleben og tysk stilleben (rolig, stille liv) ikke bare i rettskrivning, men også i betydning. I Holland var det ikke et enkelt begrep i det hele tatt: hver spesialisering (frokoster, blomsterbuketter, fiskestilleben) hadde sitt eget navn.
Livløse gjenstander har vært til stede i kunstverk siden paleolittisk tid. Til forskjellige tider får de sin egen rolle og betydning. Verkene til Hans Holbein, Caravaggio eller Jan Vermeer er ikke stilleben, men i deres verk får han en spesiell plass både kunstnerisk og meningsmessig. Stilleben dukket opp som en selvstendig sjanger først på 1600-tallet.
Fotografi, som lånte nesten alle sjangere fra maleriet, gjorde ikke et unntak for stilleben. Som fotografiets historie viser, var det stillebenet som viste seg å være minst representert i fotokunsten, selv om denne historien faktisk begynte med det. Blant de tidlige heliografiske eksperimentene til Nicephore Niepce var et stilleben, bestående av en flaske, en kniv, en skje, en bolle og et brød som lå på et bord. Hippolyte Bayard laget i 1839 en komposisjon av gipsavstøpninger, Jacques-Louis Daguerre laget flere stilleben med gipsavstøpninger, små skulpturer, malerier og fragmenter av eldgamle friser, Henry Fox Talbot - med skjell og fossiler. Det er verdt å merke seg at stilleben med kunstattributter også ble funnet i maleriet til Jean Baptiste Chardin.
Fotografer gjentok ofte komposisjonen og brukte de samme motivene som kunstnerne. Henry Fox Talbots uttalelse om at "den nederlandske malerskolen fungerer som vår autoritative kilde for skildring av gjenstander fra hverdagslivet" ser ikke ut til å ha gått upåaktet hen, som for eksempel dokumentert av verkene til Roger Fenton, William Lake Price og Drew Diamond. Hovedobjektene for slike stilleben var blomster, frukt eller dødt vilt. I Frankrike var arbeidet til Adolphe Braun likt den fotografiske versjonen av arbeidet til Jean-Baptiste Oudry, en populær hoffmaler fra 1800-tallet av den kongelige jakten til Ludvig XV.
Stilleben ble vanligvis skutt innendørs, men det var unntak. På grunn av den dårlige lysfølsomheten til tidlige fotografiske materialer, foretrakk en rekke fotografer å jobbe i hagen eller forhagen. Eventuelle improviserte materialer (stiger, river, trillebårer, bøtter osv.) ble brukt, som ofte ble blandet med medbrakte husholdningsartikler, friske blomster, trær side om side med livløse gjenstander. Slik er for eksempel stillebenene til Louis-Remy Robert, Hippolyte Bayard og Richard Jones.
Fotografiske stilleben om emnet Vanitas (lat. «spøkelse», «forfengelighet»), hvor en integrert egenskap er hodeskallen, dukker opp på midten av 1800-tallet, for eksempel av Louis Jules Duboc-Soleil, og fra tid til annen dukker opp på 1900-tallet - Alfred Stieglitz, Irvin Penn, Robert Mapplethorpe og andre.
På begynnelsen av 1900-tallet lette fotografiet etter nye måter og gjenstander for å legemliggjøre sjangeren stilleben. Det er ikke lenger nok å bare fange objektene som er arrangert sammen. Kompliserte vinkler, nærbilder, fotogrammer, lidenskap for objektets form og tekstur – alt dette gir den gamle sjangeren et nytt utseende. Utvalget av gjenstander utvides: sammen med så banale hverdagsting som en gaffel eller briller dukker det opp industrigjenstander (verktøy, deler av maskiner og maskinverktøy). Alfred Renger-Patch, Alexander Rodchenko, Andre Kertets, Edward Steichen, Boris Ignatovich, Arkady Shaikhet, Bauhaus-fotografer, Edward Weston, William Underhill og andre var engasjert i lignende søk.
Verden av vanlige ting blomstrer igjen i midten av århundret med stillebenene til Josef Sudek. Mykt diffust lys gir en vanlig blomst i glass en lyrisk-melankolsk stemning.
I andre halvdel av forrige århundre er stilleben stadig mer etterspurt i reklamebransjen. Den lykkelige foreningen av handel og kunst er nedfelt i stillebenene til Irwin Pena. Klassisk, stilig, ironisk, men alltid enkel og sofistikert. Takket være denne mesteren ble forsiden til et motemagasin for første gang i 1944 dekorert med et fotografisk stilleben.
Blant russiske fotografer fra andre halvdel av 1900-tallet som jobbet i denne sjangeren, tilhører Boris Smelov et spesielt sted. Hans klassiske stilleben fra den gamle hverdagen i St. Petersburg ble preget av deres perfekte komposisjon og upåklagelige teknikk. Joel-Peter Witkin er en uovertruffen mester i det "sjokkerende" stillebenet. Oversettelse fra fransk "død natur" på denne saken gjenspeiler forfatterens lidenskaper nøyaktig - ulike deler Menneskekroppen på egen hånd («Torso») eller innrammet av blomster og frukt («Head of a Woman», «Feast of Fools», etc.).
I kvantitative termer er fotografisk stilleben mye dårligere enn andre sjangre, og dukker bare av og til opp i en eller annen forfatters verk. Bla gjennom fotohistoriebøker og samlingskataloger store museer, sjansen for å finne en egen seksjon dedikert til stilleben er nesten null.
avgangsarbeid
1. Historien om utviklingen av stilleben
I billedkunsten kalles et stilleben (fra fransk natur morte - "død natur") vanligvis bildet av livløse gjenstander kombinert til en enkelt komposisjonsgruppe. For mange, tysk eller engelsk versjon betegnelser stilleben og fortsatt leben (stille liv). På nederlandsk høres betegnelsen på denne sjangeren ut som stilleven, det vil si "stille liv", etter mange kunstneres og kunsthistorikeres mening er dette det mest nøyaktige uttrykket for essensen av sjangeren, men det er styrken til tradisjonen at «stilleben» er et kjent og forankret navn. Et stilleben kan både ha en selvstendig mening og være integrert del komposisjoner sjangermaleri. Stilleben uttrykker menneskets forhold til verden rundt seg. Det avslører forståelsen av det vakre, som er iboende i kunstneren som en mann i sin tid.
Stilleben, som en uavhengig sjanger, oppsto i Flandern og Holland på begynnelsen av 1500- og 1600-tallet, og nådde raskt ekstraordinær perfeksjon i å formidle mangfoldet av gjenstander i den materielle verden. Prosessen med å bli et stilleben gikk omtrent på samme måte i mange land. Vest-Europa. Men hvis vi tar kunsthistorien samlet, så refererer det første stadiet i utviklingen av stilleben til den paleolittiske perioden. Det er to hovedteknikker brukt av gamle kunstnere: naturalisme og ornamentalitet. Så begynner disse to strømmene å konvergere mer og mer, og et "halvbevisst" stilleben dukker opp, et bilde av individuelle deler av et objekt. En ekte hel gjenstand kan bare finnes i bronsealderen. Dette andre stadiet i utviklingen av stilleben får sin storhetstid i kunsten til Egypt. Objekter er alltid avbildet isolert fra hverandre. For første gang introduseres motivet til en blomst, temaet snittplanter. Korrelasjon av proporsjoner vises i verkene til egeisk kunst. Gjenstander er avbildet i tre kvartaler arrangert i grupper. Tradisjonene med egeisk maleri fant sin fortsettelse i gresk kultur. Vi kan bedømme denne sjangeren av kunst etter vasene. Gjenstander henger ikke lenger i luften, men har sine egne " ekte sted«i verdensrommet: et skjold som lener seg mot et tre, en mantel kastet over en gren – det såkalte «hengende» stilleben. også i skolescener et «musikalsk» stilleben er ofte avbildet. En annen type gresk stilleben kan skilles - "antikk". Kunstnere lager bilder av verksteder: biter av statuer, en sag, en hammer, skisseplater. Det er nesten umulig å finne bilder av blomster og dyr på greske vaser.
I middelalderkunsten, som et resultat av fragmenteringen av komposisjonen, delingen av billedlerretet i særegne registre, blir motivet et attributt, og ikke et objekt for bildet. Ornament fortsetter også å spille en viktig rolle, spesielt aktivt brukt i glassmalerier i katolske katedraler. Den strenge, intenst asketiske kunsten i Byzantium, som skapte udødelige, monumentalt-generaliserte, sublimt heroiske bilder, brukte bilder av individuelle objekter med ekstraordinær uttrykksevne.
I gammelt russisk ikonmaleri spilte også de få gjenstandene som kunstneren introduserte i sine strengt kanoniske verk en viktig rolle. De brakte spontanitet, vitalitet, noen ganger så det ut til å være et åpent uttrykk for følelser i et verk dedikert til et abstrakt mytologisk plot.
Stilleben spilte en enda større rolle i maleriene til kunstnere på 1400- og 1500-tallet under renessansen. Maleren som først tegnet nøye oppmerksomhet på verden rundt ham, søkte å indikere stedet, for å bestemme verdien av hver ting som tjener en person. Husholdningsartikler fikk den adelen og den stolte betydningen som eieren deres, den de tjente. På store lerreter inntok et stilleben vanligvis en veldig beskjeden plass: et glasskar med vann, en elegant sølvvase eller delikate hvite liljer på tynne stilker, ofte sammenkrøpet i hjørnet av bildet. Men i skildringen av disse tingene var det så mye poetisk kjærlighet til naturen, deres betydning er så sterkt åndeliggjort at her kan du allerede se alle funksjonene som senere bestemte selvstendig utvikling hele sjangeren.
Objekter, et materiell element, fikk en ny betydning i maleriene på 1600-tallet - i den utviklede stillebensjangerens tid. I komplekse komposisjoner med et litterært plot tok de plass sammen med andre helter i arbeidet. Ved å analysere verkene fra denne tiden kan man se hvilken viktig rolle stillebenet begynte å spille i bildet. Ting begynte å dukke opp i disse verkene som hovedpersonene, og viste hva en kunstner kan oppnå ved å vie sin dyktighet til denne typen kunst.
Gjenstander laget av dyktige, flittige, kloke hender bærer preg av en persons tanker, ønsker og tilbøyeligheter. De tjener ham, gleder ham, inspirerer til en legitim følelse av stolthet. Ikke rart vi lærer om epoker som lenge har forsvunnet fra jordens overflate fra de skårene av tallerkener, husholdningsredskaper og rituelle gjenstander som for arkeologer blir spredte sider av menneskehetens historie.
kikker inn verden, trenge med et nysgjerrig sinn inn i dets lover, avdekke livets fascinerende mysterier, kunstneren reflekterer det mer og mer fullstendig og multilateralt i sin kunst. Han skildrer ikke bare verden rundt seg, men formidler også sin forståelse, sin holdning til virkeligheten.
Historien om dannelsen og utviklingen av ulike sjangre av maleri er levende bevis på utrettelig arbeid menneskelig bevissthet streber etter å omfavne det uendelige mangfoldet av aktiviteter, for å forstå det estetisk. Sjangeren stilleben var spesielt uttalt i nederlandsk maleri proto-renessanse. Det er fortsatt en del av interiøret, men samtidig skaper kunstnernes kjærlighet til detaljer fantastiske små stilleben: tallerkener, et arbeidsbord, sko som står på gulvet. Alt dette er avbildet med samme kjærlighet som skikkelsene til mennesker og helgener. I Italia dukker stillebenet opp fra naturen. I fremtiden mottar objektet en slags uavhengig aktivitet, blir en deltaker i handlingen. Siden proto-renessansen har den objektive verden blitt mer og mer realistisk, noen ganger til og med nesten håndgripelig. Det slutter å være lureri, men blir hverdag. På 1500-tallet begynte kunstnerne fra den nordlige renessansen å avsløre gjenstander, rive av dekslene deres (for eksempel huden fra dyr).
Stilleben er en relativt ung sjanger. Den fikk uavhengig betydning i Europa først på 1600-tallet. Historien om utviklingen av stilleben er interessant og lærerik. Stillebenet blomstret spesielt fullt og levende i Flandern og Nederland. Stilleben tar endelig form som en uavhengig sjanger av maleri. Dens fremvekst er forbundet med de revolusjonære historiske hendelsene, som et resultat av at disse landene, etter å ha oppnådd uavhengighet, på begynnelsen av 1600-tallet, la inn på veien til borgerlig utvikling. For Europa på den tiden var dette et viktig og progressivt fenomen. Nye horisonter åpnet seg før kunsten. Historiske forhold, nye sosiale relasjoner rettet og bestemte kreative krav, endringer i å løse problemene som maleren står overfor. uten å vise direkte historiske hendelser, kunstnere tok et nytt blikk på verden, fant nye verdier i mennesket. Livet dukket rutinemessig opp foran dem med hittil ukjent betydning og fylde. De ble tiltrukket av det nasjonale livets særegenheter, innfødt natur, ting som beholder preg av arbeid og dager vanlige folk. Det var herfra, fra en bevisst, dyptgående, tilskyndet interesse for menneskenes liv av systemet selv, at separate og uavhengige sjangere ble født. husholdningsmaling, landskap, oppstått og stilleben.
Stillebenskunsten, som utviklet seg på 1600-tallet, bestemte hovedkvalitetene til denne sjangeren. Maleri, dedikert til verden ting, snakket om de grunnleggende egenskapene som ligger i gjenstander rundt en person, avslørte holdningen til kunstneren og samtiden til det som er avbildet, uttrykte naturen og fullstendigheten av kunnskapen om virkeligheten. Maleren formidlet den materielle eksistensen av ting, deres volum, vekt, tekstur, farge, funksjonelle verdi av husholdningsartikler, deres levende forbindelse med menneskelig aktivitet. Skjønnheten og perfeksjonen til husholdningsredskaper ble bestemt ikke bare av deres nødvendighet, men også av dyktigheten til skaperen deres. Stilleben fra den revolusjonære epoken til det seirende borgerskapet reflekterte kunstnerens respekt for nye former nasjonalt liv landsmenn, respekt for arbeid.
Formulert på 1600-tallet ble sjangerens oppgaver i generelt eksisterte i Europaskolen fram til midten av det nittendeårhundre. Dette betyr imidlertid ikke at kunstnerne ikke satte seg nye oppgaver, mekanisk repeterte ferdige løsninger.
I løpet av epokene har ikke bare metodene og måtene å male et stilleben endret seg på, men kunstnerisk erfaring akkumulert, i løpet av dannelsesprosessen utviklet det seg et mer komplekst og stadig berikende syn på verden.
Opprettelse av kreative lyse aksenter på barnerommet, laget i teknikken til batikk
Batikk er et mønster brukt på en spesiell måte. Det handler om om den originale metoden for å dekorere stoff ved å bruke mønstre med smeltet voks, etterfulgt av å farge de delene av stoffet som forble utildekket ...
Teknologiske trekk ved stilleben i grafikk
Historien om grafisk kunst som kunstform går flere tusen år tilbake. Grafikk er den eldste av alle kunst...
Tradisjoner og nyvinninger i kunsten til impresjonistiske kunstnere
Til midten 1800-tallet franske malere var en del av systemet, og opplevde innflytelsen fra en kompleks profesjonell institusjon som hadde avdelinger innen alle større kunster ...
Kunstkultur Frankrike i den klassiske epoken
For å forstå hvorfor denne trenden innen kunst oppsto og fikk en slik popularitet i Frankrike, la oss gå til historien til denne staten på begynnelsen av 1600-tallet. Etter attentatet på kong Henry IV i 1610, offisielt frem til 1614 ...
japansk tegneserie
Fremkomsten av anime De første japanske animasjonsfilmene dukket opp i 1917. Dette var små filmer fra ett til fem minutter lange, og de ble laget av enkeltartister...
Japansk minimalistisk design
De første rudimentene til minimalisme i Europa finnes allerede på 1700-tallet: i 1777 reiste den største tyske poeten, filosofen og kunstneren Johann Wolfgang Goethe en slags skulptur i hagen til sommerhuset sitt i Weimar ...
Instruksjon
Stilleben som sjanger skilte seg ikke ut umiddelbart, i lang tid malerier som viser blomster og husholdningsartikler ble brukt som et innrammingstilskudd til andre lerreter, samt dekorasjon på møbeldører. De første uavhengige maleriene dukket opp rundt 1600-tallet. Så begynte bildene av gjenstander å bli brukt som allegorier, og hver gjenstand hadde en ekstra symbolsk betydning. Senere ble stilleben populær blant artister, men ble ansett som en underordnet sjanger.
Det finnes flere typer stilleben, en av de tidligste og vanligste er blomsterstilleben, den nest mest populære er stilleben på det serverte bordet. Det symbolske stillebenet fortsetter å eksistere. et annet syn som har dukket opp relativt nylig er et abstrakt stilleben, i denne stilen er ikke gjenstander avbildet realistisk, formene er skisseaktige, og fargene er blottet for jevne overganger.
Hvis du er glad i å tegne, har du sikkert laget mange tegninger og malerier i denne sjangeren. For å tegne et stilleben trenger du ikke bruke tid og krefter på å lete etter interessante gjenstander for tegning, du kan alltid tegne god komposisjon varer som alltid er for hånden. Bruk draperi som bakteppe, et lite stykke stoff er fint. Ordne gjenstandene slik at du får flere planer, husk at gjenstandene stor størrelse skal være i bakgrunnen og være de som er mindre. Sett en ekstra sidefargekilde, dette vil gi volum til objektene. Regelmessige øvelser med slike produksjoner vil tillate deg å finpusse tegneferdighetene dine.
Relaterte videoer
Kilder:
- Komposisjon i stilleben
- Hva er stilleben
Flink stilleben er født lenge før du henter maling og pensel. Suksess avhenger av hvordan du velger objektene du skal tegne og hvordan du arrangerer dem i rommet.
Instruksjon
Tenk på et stilleben-tema. Selvfølgelig kan du legge alle elementene på bordet samtidig, men komponentene forent av en historie, gjettet av personligheten til eieren deres, eller i det minste stilistisk, vil se mye mer logisk ut.
Sorter alle komponentene etter form. Det er ønskelig at det er variert – finn gjenstander høyt og lavt, bredt og smalt. Ellers vil monotonien av former i bildet føre til at alt vil blande seg i en masse og gjenstandene vil ganske enkelt "falle ut" av synsfeltet.
Pass på at den ikke består av produkter og ting som ikke stemmer i fargen. Hvis du synes det er vanskelig å avgjøre dette med øyet, bruk fargehjulet. Skriv inn en likesidet trekant i den. Vinklene vil indikere tre primærfarger som passer godt med hverandre. Som ekstra farger kan du ta nyanser som er på sidene av de viktigste.
Velg riktig bakgrunn. Du kan legge ut et stilleben på et draperi eller avdekket overflate. Det er viktig at det er nøytralt i fargen (hvis nyanser av gjenstander er mettet) eller kombinert med hele komposisjonen. Bakgrunnen bør uansett ikke ta brorparten av seerens oppmerksomhet.
Hva er stilleben?
Stilleben er en sjanger av maleri som skildrer livløs natur. Sjangeren oppsto på 1600-tallet.
Stilleben er først og fremst overraskende og interessant fordi det får folk til å se skjønnhet og harmoni i hverdagslige, kjedelige ting som omgir oss hele tiden, men som ikke trekker vår oppmerksomhet mot seg selv.
Sjangeren er ikke så enkel som den ser ut ved første øyekast: i de fleste av disse maleriene bruker kunstnere allegori - de prøver å fortelle folk noe viktig gjennom et bestemt sett med objekter, deres arrangement, valgte farger, den generelle komposisjonen, for å formidle hva bekymrer dem, for å fortelle om deres følelser og tanker.
Til tross for den dystre oversettelsen "død natur", lerreter er ofte fulle av lyse farger, gleder betrakteren med sin originalitet og særhet, vekker ønsket om å leve og beundre verden rundt dem, for å se skjønnheten i den.
Det er mange typer og underarter av stilleben, for eksempel plottematisk, kreativ, pedagogisk og kreativ, pedagogisk. De er også delt inn etter fargene som brukes, belysning, farge, ytelsestid, plassering osv.
Grunnleggerne av stilleben som en selvstendig sjanger var nederlenderne og flamske kunstnere. Opprinnelig dukket maleriene opp i religiøs bruk. Også i epoken med opprinnelsen til sjangeren ble malerier av en dyster natur med en dyp filosofisk betydning og mørke toner, i midten av komposisjonen, som var hodeskaller, stearinlys og noen andre attributter, utbredt. Så, gradvis utviklet, tok sjangeren flere og flere nye retninger og ble igjen og igjen mer og mer utbredt i alle samfunnskretser. Blomster, bøker, grønnsaker og frukt, sjømat, retter og andre husholdningsartikler - alt gjenspeiles i kunst. Noen av de mest kjente stillebenmalerne var Ambrosius Baschart, Miguel Parra, Jan Brueghel, Joseph Launer, Severin Rosen, Edward Ladell, Jan Davids de Heem, Willem van Aelst, Cornelis Briese.
Cezanne, Paul. Stilleben med granateple og pærer. 1885-1890 
Cezanne, Paul. Stilleben med epler og appelsiner. 1895-1900
I Russland oppsto sjangeren på begynnelsen av 1700-tallet, men ingen var seriøst engasjert i dette, det ble ansett som en "lavere" sjanger. På begynnelsen av 1900-tallet nådde stillebenmaleriet sitt høydepunkt; kunstnere skapte sine mesterverk, satte seg nye oppgaver og nådde ufattelige høyder i mestring, brukte uvanlige teknikker, valgte nye bilder. Russisk stilleben, i motsetning til det vestlige, utviklet seg ikke gradvis, men i et akselerert tempo. Skaper i denne sjangeren, slike russiske artister som K. Petrov-Vodkin, I. Levitan, I.F. Khrutsky, V. Nesterenko, I.E. Grabar, M. Saryan, A. Osmerkin, P.P. Konchalovsky, S.E. Zakharov, S.I. Osipov og mange andre.
I. Levitan 
I. Levitan
I moderne maleri gjennomgår stilleben et nytt oppsving og inntar nå en fullverdig plass blant andre sjangre innen kunst. Nå er det en av de mest ettertraktede retningene innen maleri. Med et stort antall muligheter for selvrealisering i kreativitet, maler kunstnere et bredt utvalg av stilleben. Og seerne kjøper på sin side malerier, dekorerer interiøret med dem, liver opp hjemmet og bringer komfort og glede til det. Museene fylles stadig på med stilleben, flere og flere nye utstillinger åpner i ulike byer og land, dit mengder av kunstinteresserte tilskuere kommer. Flere århundrer senere, etter å ha passert en lang fullverdig utviklingsvei, er stilleben fortsatt relevant og har ikke mistet sin betydning i verdensmaleriet.
