Beethoven og andre tyske komponister. Musikkkulturen i Tyskland i andre halvdel av 1800-tallet Motsetninger i utviklingen av tysk musikk

Max Bruchs symfonier er ikke like populære som fiolinkonsertene hans eller Scottish Fantasy og blir sjelden fremført. Imidlertid regjerer Harmony i dem, og vekker i lytterens sjel en ambisjon om visdom og styrke, styrker ånden og hjelper til med å takle alle vanskeligheter. Bemerkelsesverdige innspillinger av Bruchs verk, i tillegg til hovedkonsertstykkene, inkluderer et sett med tre av hans sjelden fremførte symfonier; prosjekt utført av dirigent Kurt Masur. En av disse innspillingene vil høres nå - En veldig vakker Adagio fra den tredje symfonien i E-dur

Gewandhausorchester Leipzig

Kurt Masur, dirigent

Musikk er lydens kunst og hver lyd i den har sin egen betegnelse. Notat (lat. nōta - "tegn", "merke") i musikk er en grafisk betegnelse på lyden av et musikalsk verk, et av hovedsymbolene for moderne musikknotasjon. Variasjoner i…

Navnet til Max Bruch (1838-1920) er ikke så høyt i den musikalske verden som navnene til Mendelssohn og Brahms. Men hans fiolinkonsert nr. 1 i g-moll, op. 26, inntar en verdig plass i de stores stamtavle romantiske mesterverk. Max Bruch ble født samme år som Mendelssohn laget de første utkastene til sin fiolinkonsert i e-moll. Bruch-konserten hadde premiere ti år etter Schumanns død. Et tiår senere var det kjent konsert for fiolin og orkester av Brahms. Det er imidlertid en til flott musiker, hvis kunst forenet de navngitte fiolinkonsertene til en tradisjon som har vært uavbrutt i et århundre. Han het Josef Joachim. På tittelside partituret til Bruchs fiolinkonsert er dedikert til: Josef Joachim som et tegn på vennskap.

Skissene til konserten i g-moll kan dateres tilbake til 1857, da 19 år gamle Bruch ble uteksaminert fra konservatoriet i Köln, hvor Ferdinand Hiller og Carl Reinecke var hans lærere. Allerede som 20-åring underviste Bruch i musikkteoretiske fag ved konservatoriet. Den ene etter den andre, urfremføringer av hans operaer, oratorier, symfonier, instrumentalkonserter, kammerensembler, vokalsykluser... Bruchs kor er spesielt populære i Tyskland. Han dirigerer operaforestillinger og symfonikonserter i forskjellige byer i Tyskland og i utlandet. Blant studentene til Max Bruch er representanter for nasjonale komponistskoler, slike fremragende mestere i det tjuende århundre som italieneren Ottorino Respighi, engelskmannen Ralph Vaughan Williams.

Max Bruch

Johann Philipp Kirnberger (tysk Johann Philipp Kirnberger; døpt 24. april 1721, Saalfeld - 27. juli 1783, Berlin) - tysk musikkteoretiker, komponist, fiolinist, lærer.

I følge F. W. Marpurg studerte Kirnberger i 1739-41 i Leipzig med J. S. Bach, som han betraktet som den største tyske komponisten. I 1741 - 50 tjente han som musikklærer og kapelmester i polske aristokratiske familier, var kapelmester kloster i Lviv. Siden 1754 har Kirnberger, en fiolinist og kapelmester ved hoffkapellet i Berlin, undervist i komposisjon til Anna Amalia av Preussen, den yngre søsteren til kong Fredrik den store av Preussen.
Kirnberger søkte publisering av Bachs korarrangementer, som han skrev om i et brev til Leipzig-forlaget Breitkopf:

Når det gjelder de mer enn 400 Bach-koralene som C. F. E. Bach samlet inn og mange av dem ble transkribert av hans egen hånd, er det ekstremt viktig for meg at disse koralene, som nå står til min disposisjon, blir bevart for fremtidige musikere, komponister og musikk kjennere.

Kirnberger kjøpte koralmanuskriptene fra C.F.E. Bach. For å fremme publisering ga Kirnberger disse manuskriptene gratis til Breitkopfs forlag (som forble deres eier etter Kirnbergers død).

Den mest fremtredende representanten for fiolinspill i Tyskland i første halvdel av 1800-tallet var den berømte Ludwig Spohr.

Sønnen til en lege som bodde i Braunschweig, Spohr ble plassert fra en veldig tidlig alder under ekstremt gunstige forhold for utviklingen av hans musikalsk talent. Spohrs far spilte fløyte (!), og moren hans var sanger og ganske god pianist. Gutten lyttet med særlig glede til hjemmemusikk og var veldig glad da de kjøpte en liten fiolin til ham: han kunne spille sanger og romanser sunget av moren på gehør. Guttens talenter ble lagt merke til av en fransk emigrant, Dufour, som bodde i byen der Spohrs foreldre også flyttet fra Braunschweig. Dufour, som selv spilte ganske bra på fiolin og cello, veiledet Spohrs studier og han begynte å skrive sine egne komposisjoner (de sier at Spohrs fiolinduetter går tilbake til denne tiden).

Dette ble fulgt av år med studier, arbeid som solist i kapellet til hertugen av Brunswick, omvisninger i europeiske byer. For eksempel i Danmark snakket Spohr tilfeldigvis med en dame som var en stor beundrer av talentet hans. Hun ba meg fortelle henne noen detaljer fra hans tidligere liv og spurte tilfeldig om ikke Spohr ville ha gjort det bedre ved å ta opp farens handel. Spur svarte som følger:

Christian Cannabich (tysk: Christian Cannabich; 28. desember 1731 - 20. januar 1798, Frankfurt am Main) - tysk kapelmester, fiolinist og komponist, representant for Mannheim-skolen.

Elev av J. Stamitz, N. Jommelli (komposisjon). Han jobbet i orkestrene i Mannheim og München. Fiolinist ved Mannheim Court Chapel (siden 1774 dets direktør). Fra 1778 bodde han i München. Etter J. Stamitz død ble han anerkjent som leder av Mannheimskolen. Vennen V.A. Mozart. Cannabih brukte nye prinsipper for orkestrering basert på jevn fordeling av tematisk materiale blant alle orkestergrupper, en av de første som introduserte Symfoniorkester klarinetter. Den ledende sjangeren for kreativitet er symfonien. Forfatter av rundt 90 symfonier, 40 operaer og balletter, konserter for fiolin og orkester, kammer- og instrumentalensembler. Mozart taler i sine brev med ros om Cannabihs talent. Uansett, Mozart beskriver ham som den beste musikksjefen han noensinne har sett.

Carl Orff (Carl Orff; Carl Heinrich Maria Orff, 10. juli 1895, München – 29. mars 1982, München) er en tysk komponist og lærer, mest kjent for kantaten Carmina Burana (1937). Som en stor komponist på 1900-tallet bidro han også sterkt til utviklingen musikkutdanning.

Karl Orffs far, en offiser, spilte piano og flere strengeinstrumenter. Moren hans var også en god pianist. Det var hun som oppdaget sønnens talent for musikk og tok opp opplæringen hans.

Orff lærte å spille piano i en alder av 5. Allerede i en alder av ni skrev han lange og korte musikkstykker for sitt eget dukketeater.

I 1912-1914 studerte Orff ved Musikkakademiet i München. I 1914 fortsatte han studiene hos Herman Zilcher. I 1916 jobbet han som kapelmester ved Munich Chamber Theatre. I 1917, under første verdenskrig, gikk Orff til frivillig tjeneste i hæren i det første bayerske feltartilleriregimentet. I 1918 ble han invitert til stillingen som kapelmester i Nasjonalteateret Mannheim under ledelse av Wilhelm Furtwängler, og deretter begynte han å jobbe ved Palace Theatre i Storhertugdømmet Darmstadt.

I 1923 møtte han Dorothea Günther og i 1924 opprettet han sammen med henne Günther-Schule-skolen for gymnastikk, musikk og dans (tysk: Günther-Schule) i München. Fra 1925 til slutten av livet var Orff avdelingsleder ved denne skolen, hvor han jobbet med unge musikere. Han hadde konstant kontakt med barn og utviklet sin teori om musikkundervisning.

Carl (Heinrich Karsten) Reinecke(Tysk Carl (Heinrich Carsten) Reinecke ; 23. juni1824, Altona, nå en del av Hamburg - 10. mars 1910, Leipzig) - tysk komponist, dirigent og pianist.

Fra han var seks år studerte han musikk sammen med sin far, Johann Rudolf Reinecke. I 1835 debuterte i hjembyen som pianist, og turnerte deretter i Europa, hvor han fikk berømmelse som en "grasiøs utøver av verk Mozart ". De unge mennenes musikalske idoler var Clara Wieck og Franz List; på grunn av Reineckes sjenerte natur, var han dårlig egnet for rollen som en turnerende virtuos pianist.

MED 1843 til 1846 takket være et stipend fra kong Christian VIII av Danmark studerte han ved konservatoriet i Leipzig i piano og komposisjon. Felix Mendelssohn, som på den tiden var kapelmester for Gewandhaus, organiserte offentlige opptredener for ham. I samme periode møtte Reinecke Robert Schumann. Reinecke var sterkt påvirket av verkene til Mendelssohn og Schumann, som hadde stor innflytelse på hans egne komposisjoner.

Hvordan ville livet vårt vært uten musikk? I årevis har folk stilt seg selv dette spørsmålet og kommet til den konklusjonen at uten de vakre lydene av musikk, ville verden vært et helt annet sted. Musikk hjelper oss til å oppleve glede mer fullt ut, finne vårt indre og takle vanskeligheter. Komponister som jobbet med verkene sine, ble inspirert av en rekke ting: kjærlighet, natur, krig, lykke, tristhet og mange andre. Noen av de skapte musikalske komposisjoner vil for alltid forbli i menneskers hjerter og minne. Her er en liste over de ti største og mest talentfulle komponistene gjennom tidene. Under hver av komponistene finner du en lenke til et av hans mest kjente verk.

10 BILDER (VIDEO)

Franz Peter Schubert - østerriksk komponist, som bare levde i 32 år, men musikken hans kommer til å leve i svært lang tid. Schubert skrev ni symfonier, rundt 600 vokale komposisjoner, samt et stort antall kammer- og solopianomusikk.

"Kveldsserenade"

Tysk komponist og pianist, forfatter av to serenader, fire symfonier og konserter for fiolin, piano og cello. Han opptrådte på konserter fra han var ti år gammel, først opptrådt med solokonsert på 14 år. I løpet av sin levetid ble han populær først og fremst takket være valsene og ungarske dansene han skrev.

"Ungarsk dans nr. 5".

Georg Friedrich Handel - tysk og engelsk komponist Barokktiden skrev han rundt 40 operaer, mange orgelkonserter, så vel som kammermusikk. Händels musikk har blitt spilt ved kroningen av engelske konger siden 973, den høres også ved kongelige bryllupsseremonier og brukes til og med som hymnen til UEFA Champions League (med et lite arrangement).

"Musikk på vannet"

Joseph Haydn- en berømt og produktiv østerriksk komponist fra den klassiske epoken, han kalles faren til symfonien, siden han ga et betydelig bidrag til utviklingen av denne musikalsk sjanger. Joseph Haydn er forfatter av 104 symfonier, 50 pianosonater, 24 operaer og 36 konserter

"Symfoni nr. 45".

Pjotr ​​Iljitsj Tsjaikovskij er den mest kjente russiske komponisten, forfatteren av mer enn 80 verk, inkludert 10 operaer, 3 balletter og 7 symfonier. Han var svært populær og kjent som komponist i løpet av sin levetid, opptrådte i Russland og i utlandet som dirigent.

"Waltz of the Flowers" fra balletten "Nøtteknekkeren".

Frederic Francois Chopin er en polsk komponist som også regnes som en av de beste pianister av alle tider. Han skrev mye musikalske verk for piano, inkludert 3 sonater og 17 valser.

"Regnvals".

Den venetianske komponisten og virtuose fiolinisten Antonio Lucio Vivaldi er forfatter av mer enn 500 konserter og 90 operaer. Han hadde stor innflytelse på utviklingen av italiensk og verdens fiolinkunst.

"Elvesang"

Wolfgang Amadeus Mozart er en østerriksk komponist som overrasket verden med sitt talent med tidlig barndom. Allerede i en alder av fem var Mozart i ferd med å komponere små stykker. Totalt skrev han 626 verk, inkludert 50 symfonier og 55 konserter. 9.Beethoven 10.Bach

Johann Sebastian Bach - tysk komponist og organist fra barokktiden, kjent som en mester i polyfoni. Han er forfatter av mer enn 1000 verk, som inkluderer nesten alle viktige sjangere fra den tiden.

"Musikalsk vits"

Hans Leo Hassler(døpt 26.10.1564 - 06.08.1612) - Tysk komponist og organist fra sen renessanse og tidlig barokk. En av de mest betydningsfulle komponistene som utviklet den italienske stilen i Tyskland på begynnelsen av det syttende århundre.

Johann Heinrich Scheidemann(cirka 1595 - 26. september 1663) - tysk organist og komponist fra barokktiden. En av lederne for den nordtyske orgelskolen. En viktig forgjenger for Dietrich Buxtehude og J.S. Bach.

Heinrich Schutz(10/08/1585 - 11/06/1672) - den store tyske komponisten og organisten i barokktiden. Vurderes på lik linje med Claudio Monteverdi og Johann Sebastian Bach. Han kombinerte den venetianske antifonale og monodiske teknikken med protestantisk musikk, og skapte også den første tyske operaen.

Hieronymus Praetorius(08/10/1560 - 01/27/1629) - Nordtysk komponist og organist sen renessanse og tidlig barokk. Navnebroren til den mer kjente komponisten Michael Pretorius, selv om det var mange i familien til Jerome Pretorius fremragende musikere 1500-1700-tallet

Johann Adam Reincken(døpt 10. desember 1643 - 24. november 1722) - nederlandsk-tysk komponist og organist fra barokktiden. En av de fremtredende representantene for den nordtyske skolen, en venn av Dietrich Buxtehude, hadde stor innflytelse på den unge Johann Sebastian Bach.

Johann Hermann Schein (Schein) (Johann Hermann Schein)(20.01.1586 - 19.11.1630) - Tysk komponist og poet fra tidlig barokk. Han var blant de første som utviklet den innovative italienske stilen i tysk musikk. Han ble ansett som en raffinert og elegant komponist i sin tid.

Johannes Nucius (Nux, Nucis))(ca. 1556 - 25.03.1620) - Tysk komponist og musikkteoretiker fra sen renessanse og tidlig barokk. Å være langt unna store sentre musikalsk aktivitet var han en utsøkt komponist i stil med den fransk-flamske komponisten Orlando di Lasso. Satt sammen en svært innflytelsesrik avhandling om retorisk anvendelse av komposisjonsteknikker.

Johann Ulrich Steigleder(22. mars 1593 - 10. oktober 1635) - Sørtysk komponist og organist fra barokktiden. Det mest kjente medlemmet av Steigleder-musikalfamilien fra Stuttgart, som inkluderer hans far Adam (1561-1633) og bestefar Utz (d. 1581), som var hoffmusiker og diplomat.

Johann Jakob Froberger(døpt 19. mai 1616 - 7. mai 1667.) - Tysk barokkkomponist, virtuos cembalo og organist. En av tidens mest kjente komponister ga han et stort bidrag til utviklingen av klaverrepertoaret og skapte de første eksemplene på programmusikk. Takket være mange reiser ga han et stort bidrag til utvekslingen musikalske tradisjoner Tyskland, Italia og Frankrike. Hans arbeid ble studert av musikere på 1700-tallet, inkludert komponister som Handel og Bach, og til og med Mozart og Beethoven.

Richard Wagner hadde en betydelig innvirkning på utviklingen av ikke bare musikken til den europeiske tradisjonen, men også verden kunstnerisk kultur som regel. Wagner fikk ingen systematisk musikalsk utdanning, og i sin utvikling som en mester i musikk er han avgjørende forpliktet til seg selv. Forholdsvis tidlig ble komponistens interesser, helt fokusert på operasjangeren, tydelige.

I mye større grad enn alle europeiske komponister XIX århundre betraktet Wagner sin kunst som en syntese og som en måte å uttrykke et visst filosofisk konsept på. Dens essens er satt i form av en aforisme i følgende passasje fra Wagners artikkel " Kunststykke av fremtiden": "Akkurat som en person ikke vil være fri før han med glede godtar båndene som forbinder ham med naturen, slik vil kunsten ikke bli fri før han ikke har noen grunn til å skamme seg over sin forbindelse med livet." Fra dette konseptet stammer to grunnleggende ideer: kunst må skapes av et fellesskap av mennesker og tilhøre dette fellesskapet; den høyeste formen for kunst er musikkdrama, forstått som en organisk enhet av ord og lyd. Bayreuth ble legemliggjørelsen av den første ideen, hvor Opera teater for første gang begynte å bli tolket som et kunsttempel, og ikke som en underholdningsinstitusjon; legemliggjørelsen av den andre ideen er den nye operaformen "musikalsk drama" skapt av Wagner. Det var hennes skaperverk som ble målet kreativt liv Wagner. Noen av dens elementer ble nedfelt i tidlige operaer komponist fra 1840-tallet - "Den flygende nederlender", "Tannhäuser" og "Lohengrin".

Teorien om musikkdrama ble mest fullstendig nedfelt i Wagners sveitsiske artikler ("Opera og drama", "Kunst og revolusjon", "Musikk og drama", "Fremtidens kunstverk"), og i praksis - i hans senere operaer: " Tristan og Isolde ", tetralogien "Nibelungens ring" og mysteriet "Parsifal". I følge Wagner er et musikkdrama et verk der den romantiske ideen om syntesen av kunst (musikk og drama) blir realisert, et uttrykk for programmatisitet i opera. For å gjennomføre denne planen, forlot Wagner tradisjonene med operaformer som eksisterte på den tiden - først og fremst italiensk og fransk. Han kritiserte den første for utskeielser, den andre for pompøsitet. Med rasende kritikk angrep han verkene til de ledende representantene for klassisk opera (Rossini, Meyerbeer, Verdi, Aubert), og kalte musikken deres "kandisert kjedsomhet." I et forsøk på å bringe operaen nærmere livet, kom han opp med ideen om en gjennomgående dramatisk utvikling - fra begynnelse til slutt, ikke bare av en akt, men av hele verket og til og med en syklus av verk (alle fire operaer av Der Ring des Nibelungen-syklusen).

I klassisk opera Verdi og Rossini separate numre (arier, duetter, ensembler med kor) deler en enkelt musikalsk sats i fragmenter. Wagner forlot dem fullstendig til fordel for store ende-til-ende vokale og symfoniske scener som flyter over i hverandre, og erstattet arier og duetter med dramatiske monologer og dialoger. Wagner erstattet ouverturer med preludier - korte musikalske introduksjoner til hver akt, på et semantisk nivå, uløselig knyttet til handlingen. Dessuten, fra operaen Lohengrin, ble disse preludiene fremført ikke før åpningen av teppet, men allerede med scenen åpen. Ytre handling i de sene Wagner-operaene (spesielt i Tristan og Isolde) er redusert til et minimum, den overføres til den psykologiske siden, til karakterenes følelser. Wagner mente at ordet ikke er i stand til å uttrykke den fulle dybden og betydningen av indre opplevelser, derfor er det orkesteret, og ikke vokaldelen, som spiller hovedrollen i det musikalske dramaet. Sistnevnte er fullstendig underordnet orkestrering og anses av Wagner som et av instrumentene til et symfoniorkester. Samtidig tilsvarer vokaldelen i et musikkdrama en teatralsk dramatisk tale. Det er nesten ingen sang, arioznost i den. I forbindelse med vokalens spesifikasjoner i Wagners operamusikk (eksepsjonell lengde, obligatoriske krav til dramatisk dyktighet, nådeløs utnyttelse av de ekstreme registrene til stemmens tessitura), har nye stereotypier blitt etablert i soloframføringspraksis. sangstemmer- Wagnersk tenor, Wagnersk sopran.

Wagner la eksepsjonell vekt på orkestrering og, mer generelt, til symfoni. Wagners orkester sammenlignes med et eldgammelt kor som kommenterte det som skjedde og formidlet en «skjult» mening. Ved å reformere orkesteret skapte komponisten en tubakvartett, introduserte en basstuba, en kontrabasstrombone, utvidet strenggruppe, brukte seks harper. I hele operahistorien før Wagner brukte ingen komponist et orkester av denne størrelsesorden (for eksempel er Der Ring des Nibelungen fremført av et firedobbelt orkester med åtte horn). Wagners innovasjon innen harmoni er også generelt anerkjent. Tonaliteten som han arvet fra wienerklassikerne og tidlige romantikere, utvidet han kraftig ved å intensivere kromatismen og modale endringer. Etter å ha svekket (enkelt for klassikerne) det unike ved forbindelsene mellom sentrum (tonic) og periferien, bevisst unngått den direkte oppløsningen av dissonans til konsonans, ga han spenning, dynamikk og kontinuitet til modulasjonsutviklingen. telefonkort Wagnersk harmoni regnes som "Tristan-akkord" (fra opptakten til operaen "Tristan og Isolde") og skjebnens ledemotiv fra "Nibelungenes ring". Wagner introduserte et utviklet system med ledemotiver. Hvert slikt ledemotiv (kort musikalsk karakteristikk) er en betegnelse på noe: en bestemt karakter eller levende vesen (for eksempel ledemotivet til Rhinen i Rhingullet), gjenstander som ofte fungerer som karakterkarakterer (ringen, sverdet og gullet i ringen, en kjærlighetsdrikk i Tristan og Isolde), handlingsscener (ledemotivene til gralen i Lohengrin og Valhalla i Rhingullet) og til og med en abstrakt idé (mange ledemotiver om skjebne og skjebne i Ring of the Nibelung-syklus, sløvhet, et kjærlig blikk hos Tristan og Isolde).

Det Wagnerske ledemotivsystemet ble mest utviklet i Ringen - akkumulert fra opera til opera, flettet sammen med hverandre, hver gang de mottar nye utviklingsalternativer, kombinerer og samhandler alle ledemotivene i denne syklusen i den komplekse musikalske teksturen til den. siste opera The Death of the Gods. Ved å forstå musikk som personifiseringen av kontinuerlig bevegelse, førte utviklingen av følelser Wagner til ideen om å slå sammen disse ledemotivene til en enkelt strøm av symfonisk utvikling, til en "endeløs melodi" (unendliche Melodie). Fraværet av en tonic støtte (gjennom hele operaen Tristan und Isolde), ufullstendigheten av hvert tema (gjennom hele Der Ring des Nibelungen-syklusen, med unntak av den klimatiske begravelsesmarsjen i operaen The Death of the Gods) bidrar til at en kontinuerlig oppbygging av følelser som ikke får oppløsning, noe som gjør det mulig å holde lytteren i konstant spenning (som i opptaktene til operaene Tristan og Isolde og Lohengrin). A. F. Losev definerer det filosofiske og estetiske grunnlaget for Wagners arbeid som "mystisk symbolikk".

Nøkkelen til å forstå det ontologiske konseptet til Wagner er tetralogien «Nibelungens ring» og operaen «Tristan og Isolde». For det første ble Wagners drøm om musikalsk universalisme fullstendig nedfelt i Ringen. "I Ringen ble denne teorien nedfelt gjennom bruken av ledemotiver, når hver idé og hvert poetisk bilde umiddelbart er spesifikt organisert ved hjelp av et musikalsk motiv," skriver Losev. I tillegg reflekterte "ringen" fullt ut lidenskapen for ideene til Schopenhauer. Imidlertid må det huskes at bekjentskap med dem skjedde da teksten til tetralogien var klar og arbeidet med musikken begynte. I likhet med Schopenhauer føler Wagner universets ugunstige og til og med meningsløse grunnlag. Den eneste meningen med tilværelsen antas å være å gi avkall på denne universelle viljen og, stupe ned i avgrunnen av rent intellekt og passivitet, å finne ekte estetisk nytelse i musikk. Imidlertid anser Wagner, i motsetning til Schopenhauer, det som mulig og til og med forhåndsbestemt en verden der folk ikke lenger vil leve i navnet til den konstante jakten på gull, som i Wagner-mytologien symboliserer verdens vilje. Ingenting er sikkert kjent om denne verden, men det er ingen tvil om at den kommer etter den globale katastrofen. Temaet for den globale katastrofen er svært viktig for ontologien til "ringen" og er tilsynelatende en ny omtanke om revolusjonen, som ikke lenger forstås som en endring i det sosiale systemet, men som en kosmologisk handling som endrer selve essensen av universet.

Når det gjelder Tristan og Isolde, ble ideene nedfelt i den betydelig påvirket av en kort fascinasjon for buddhismen og samtidig dramatisk historie kjærlighet til Mathilde Wesendonck. Det er her Wagners lenge søkte sammenslåing av splittet menneskelig natur finner sted. Denne forbindelsen oppstår med Tristan og Isoldes avgang til glemselen. Tenkt på som en fullstendig buddhistisk fusjon med den evige og uforgjengelige verden, løser den, ifølge Losev, motsetningen mellom subjektet og objektet som Europeisk kultur. Det viktigste er temaet kjærlighet og død, som for Wagner henger uløselig sammen. Kjærlighet er iboende i en person, og underordner ham fullstendig til seg selv, akkurat som døden er den uunngåelige slutten på livet hans. Det er i denne forstand Wagners kjærlighetsdrikk skal forstås. "Frihet, lykke, nytelse, død og fatalistisk forhåndsbestemmelse - dette er hva en kjærlighetsdrikk er, så briljant skildret av Wagner," skriver Losev. Wagners opera-reform hadde en betydelig innvirkning på europeisk og russisk musikk, og markerte det høyeste stadiet av musikalsk romantikk og la samtidig grunnlaget for fremtidige modernistiske bevegelser. Direkte eller indirekte assimilering av Wagneriansk operaestetikk (spesielt nyskapende "gjennom" musikalsk dramaturgi) markerte en betydelig del av påfølgende operaverk. Bruken av ledemotivsystemet i operaer etter Wagner ble triviell og universell. Ikke mindre betydelig var virkningen av innovative musikalsk språk Wagner, spesielt hans harmoni, der komponisten reviderte de "gamle" (tidligere ansett som urokkelige) kanoner for tonalitet.

Blant russiske musikere var Wagners venn A. N. Serov en ekspert og propagandist. N. A. Rimsky-Korsakov, som offentlig kritiserte Wagner, opplevde likevel (spesielt i senere arbeid) Wagners innflytelse innen harmoni, orkesterskriving og musikalsk dramaturgi. Verdifulle artikler om Wagner ble etterlatt av en stor russer musikalsk kritiker G.A. Larosh. Generelt er "Wagnerian" mer direkte følt i verkene til "pro-vestlige" komponister. Russland XIXårhundre (for eksempel A. G. Rubinshtein) enn representanter for den nasjonale skolen. Påvirkningen fra Wagner (musikalsk og estetisk) er notert i Russland i de første tiårene av 1900-tallet, i verkene til A. N. Skrjabin. I vest, den såkalte Weimar-skolen (selvnavn - Ny tysk skole), som utviklet seg rundt F. Liszt i Weimar. Dets representanter (P. Cornelius, G. von Bülow, I. Raff og andre) støttet Wagner, først og fremst i hans ønske om å utvide omfanget musikalsk uttrykksevne(harmoni, orkesterskrift, operadramaturgi).

Blant vestlige komponister påvirket av Wagner er Anton Bruckner, Hugo Wolf, Claude Debussy, Gustav Mahler, Richard Strauss, Bela Bartok, Karol Szymanowski, Arnold Schoenberg (i tidlig arbeid). Reaksjonen på Wagner-kulten var den "anti-wagneriske" tendensen som motarbeidet ham, store representanter som var komponisten Johannes Brahms og musikalsk estetikk E. Hanslik, som forsvarte musikkens immanens og selvforsyning, dens usammenheng med eksterne, ikke-musikalske "irritanter"

I Russland er anti-Wagneriske følelser karakteristiske for den nasjonale fløyen av komponister, først og fremst M. P. Mussorgsky og A. P. Borodin. Holdningen til Wagner blant ikke-musikere (som ikke evaluerte så mye Wagners musikk som hans motstridende utsagn og hans "estetiserende" publikasjoner) er tvetydig. For eksempel skrev Friedrich Nietzsche i sin artikkel "Casus Wagner":

Var Wagner musiker i det hele tatt? I alle fall var han mer enn noe annet ... Hans plass er i et annet område, og ikke i musikkhistorien: han bør ikke forveksles med dens store sanne representanter. Wagner og Beethoven er blasfemi ..." I følge Thomas Mann så Wagner i kunsten en hellig okkult handling, et universalmiddel mot alle samfunnets sår ...".

De musikalske kreasjonene til Wagner i XX-XXI århundrer fortsetter å leve på de mest prestisjefylte operascener, ikke bare Tyskland, men hele verden (med unntak av Israel).Wagner skrev Der Ring des Nibelungen med lite håp om at det skulle bli funnet et teater som kunne iscenesette hele eposet og formidle dets ideer til lytteren. Imidlertid var samtidige i stand til å sette pris på dens åndelige nødvendighet, og eposet fant veien til betrakteren. Rollen til "Ringen" i dannelsen av den tyske nasjonalånden kan ikke overvurderes. I midten av det nittendeårhundret da "Nibelungens ring" ble skrevet, forble nasjonen splittet; tyskerne husket ydmykelsen av Napoleon-kampanjene og Wien-traktatene; nylig tordnet en revolusjon som rystet appanage-kongenes troner – da Wagner forlot verden, var Tyskland allerede forent, ble et imperium, bæreren og sentrum for all tysk kultur. "Nibelungens ring" og arbeidet til Wagner som helhet, selv om det ikke var det eneste, var for det tyske folket og for den tyske ideen om at mobiliserende drivkraft som tvang politikere, intelligentsiaen, militæret og hele samfunnet til å forene seg .

I 1864, etter å ha oppnådd den bayerske kongen Ludwig II, som betalte gjelden hans og støttet ham ytterligere, flyttet han til München, hvor han skrev komisk opera«The Nuremberg Mastersingers» og de to siste delene av Ring of the Nibelungen: «Siegfried» og «The Death of the Gods». I 1872 skjedde grunnsteinsnedleggingen til Festspillene i Bayreuth, som åpnet i 1876. Der urfremføringen av tetralogien Nibelungens Ring fant sted 13. – 17. august 1876. I 1882 ble mysterieoperaen Parsifal satt opp i Bayreuth. Samme år dro Wagner til Venezia av helsemessige årsaker, hvor han døde i 1883 av et hjerteinfarkt. Wagner er gravlagt i Bayreuth.

Verdens største komponister gjennom tidene: Kronologiske og alfabetiske lister, referanser og verk

100 store komponister i verden

Liste over komponister i kronologisk rekkefølge

1. Josquin Despres (1450-1521)
2. Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594)
3. Claudio Monteverdi (1567 -1643)
4. Heinrich Schütz (1585-1672)
5. Jean Baptiste Lully (1632-1687)
6. Henry Purcell (1658-1695)
7. Arcangelo Corelli (1653-1713)
8. Antonio Vivaldi (1678-1741)
9. Jean Philippe Rameau (1683-1764)
10. Georg Handel (1685-1759)
11. Domenico Scarlatti (1685 -1757)
12. Johann Sebastian Bach (1685-1750)
13. Christoph Willibald Gluck (1713-1787)
14. Joseph Haydn (1732 -1809)
15. Antonio Salieri (1750-1825)
16. Dmitrij Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)
17. Wolfgang Amadeus Mozart (1756 –1791)
18. Ludwig van Beethoven (1770 -1826)
19. Johann Nepomuk Hummel (1778 -1837)
20. Nicollo Paganini (1782-1840)
21. Giacomo Meyerbeer (1791 -1864)
22. Carl Maria von Weber (1786 -1826)
23. Gioacchino Rossini (1792 -1868)
24. Franz Schubert (1797 -1828)
25. Gaetano Donizetti (1797 -1848)
26. Vincenzo Bellini (1801 –1835)
27. Hector Berlioz (1803 -1869)
28. Mikhail Ivanovich Glinka (1804 -1857)
29. Felix Mendelssohn-Bartholdy (1809 -1847)
30. Fryderyk Chopin (1810 -1849)
31. Robert Schumann (1810 -1856)
32. Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813 -1869)
33. Franz Liszt (1811 -1886)
34. Richard Wagner (1813 -1883)
35. Giuseppe Verdi (1813 -1901)
36. Charles Gounod (1818 -1893)
37. Stanislav Moniuszko (1819 -1872)
38. Jacques Offenbach (1819 -1880)
39. Alexander Nikolaevich Serov (1820 -1871)
40. Cesar Franck (1822 -1890)
41. Bedrich Smetana (1824 -1884)
42. Anton Bruckner (1824 -1896)
43. Johann Strauss (1825 -1899)
44. Anton Grigorievich Rubinstein (1829 -1894)
45. Johannes Brahms (1833 -1897)
46. ​​Alexander Porfiryevich Borodin (1833 -1887)
47. Camille Saint-Saens (1835 -1921)
48. Leo Delibes (1836 -1891)
49. Mily Alekseevich Balakirev (1837 -1910)
50. Georges Bizet (1838 -1875)
51. Modest Petrovich Mussorgsky (1839 -1881)
52. Pjotr ​​Iljitsj Tsjaikovskij (1840 -1893)
53. Antonin Dvorak (1841 -1904)
54. Jules Massenet (1842 -1912)
55. Edvard Grieg (1843 -1907)
56. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844 -1908)
57. Gabriel Fauré (1845 -1924)
58. Leos Janacek (1854 -1928)
59. Anatoly Konstantinovich Lyadov (1855 -1914)
60. Sergei Ivanovich Taneev (1856 -1915)
61. Ruggero Leoncavallo (1857 -1919)
62. Giacomo Puccini (1858 -1924)
63. Hugo Wolf (1860 -1903)
64. Gustav Mahler (1860 -1911)
65. Claude Debussy (1862 -1918)
66. Richard Strauss (1864 -1949)
67. Alexander Tikhonovich Grechaninov (1864 -1956)
68. Alexander Konstantinovich Glazunov (1865 -1936)
69. Jean Sibelius (1865 -1957)
70. Franz Lehár (1870–1945)
71. Alexander Nikolaevich Skryabin (1872 -1915)
72. Sergei Vasilyevich Rachmaninov (1873 -1943)
73. Arnold Schoenberg (1874 -1951)
74. Maurice Ravel (1875 -1937)
75. Nikolai Karlovich Medtner (1880 -1951)
76. Bela Bartok (1881 -1945)
77. Nikolai Yakovlevich Myaskovsky (1881 -1950)
78. Igor Fedorovich Stravinsky (1882 -1971)
79. Anton Webern (1883 -1945)
80. Imre Kalman (1882 -1953)
81. Alban Berg (1885 -1935)
82. Sergei Sergeevich Prokofjev (1891 -1953)
83. Arthur Honegger (1892 -1955)
84. Darius Millau (1892 -1974)
85. Carl Orff (1895 -1982)
86. Paul Hindemith (1895 -1963)
87. George Gershwin (1898–1937)
88. Isaak Osipovich Dunayevsky (1900 -1955)
89. Aram Ilyich Khachaturian (1903 -1978)
90. Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906 -1975)
91. Tikhon Nikolaevich Khrennikov (født i 1913)
92. Benjamin Britten (1913 -1976)
93. Georgy Vasilievich Sviridov (1915 -1998)
94. Leonard Bernstein (1918 -1990)
95. Rodion Konstantinovich Shchedrin (født i 1932)
96. Krzysztof Penderecki (f. 1933)
97. Alfred Garievich Schnittke (1934 -1998)
98. Bob Dylan (f. 1941)
99. John Lennon (1940-1980) og Paul McCartney (f. 1942)
100. Sting (f. 1951)

MESTERVERK I KLASSISK MUSIKK

De mest kjente komponistene i verden

Liste over komponister i alfabetisk rekkefølge