Pintura de El Greco com a mão no peito. El Greco - "Retrato de um senhor com a mão no peito"

Svetlana Obukhova

Sobre a vida do cretense Domenico Theotokopuli, o artista que conquistou o espanhol Toledo sob o nome de El Greco, ou seja, o grego, quase não restaram evidências. A "loucura" de seu personagem e a estranha maneira pictórica surpreenderam muitos e os forçaram a pegar uma caneta - mas apenas algumas cartas sobreviveram. Um deles contém as seguintes linhas: “... o tempo estava lindo, o sol da primavera brilhava suavemente. Dava alegria a tudo e a cidade parecia festiva. Imagine minha surpresa quando entrei na oficina de El Greco e vi que as persianas das janelas estavam fechadas e, portanto, era difícil ver o que havia ao redor. O próprio El Greco estava sentado em um banquinho, sem fazer nada, apenas acordado. Ele não queria sair comigo, pois, segundo ele, o sol atrapalhava sua luz interior...”

Quase não há evidências do homem Domenico, apenas ecos: que ele viveu em grande estilo, manteve a biblioteca mais rica, leu muitos filósofos e também processou clientes (ele era amado, mas na maioria das vezes não compreendido), morreu quase na pobreza, como raios finos luz do dia romper as frestas das "persianas fechadas" de sua vida. Mas eles não distraem do principal - da luz interior que preenche as pinturas do artista El Greco. Especialmente retratos.

Não possuem paisagens que se abrem atrás do retratado, não há abundância de detalhes que atraiam o olhar curioso. Até mesmo o nome do herói costuma ser deixado de fora. Porque tudo isso impediria de ver o rosto. E olhos, profundos, escuros, olhando diretamente para você. É difícil romper com eles e, se você se forçar, veja o gesto - e pare novamente para pensar.

Assim é o "Retrato de um senhor com a mão no peito" (1577-1579), escrito pelo mestre logo após sua mudança para Toledo. Este retrato é reconhecido como um dos melhores da pintura espanhola do século XVI. Outlander El Greco criou "imagens brilhantes vida espanhola e histórias", que retratam "seres vivos genuínos, combinando em si tudo o que deve ser admirado em nosso povo, tudo heróico e indomável, com aquelas propriedades opostas que não podem deixar de ser refletidas sem destruir sua própria essência" (A. Segovia). Aristocratas das antigas famílias de Toledo tornaram-se os verdadeiros heróis de El Greco, ele os viu Luz interior- sua nobreza e dignidade, fidelidade ao dever, inteligência, sofisticação de maneiras, coragem, contenção externa e impulso interno, a força de um coração que sabe pelo que vive e morre ...

Dia após dia, os visitantes da galeria do Prado param diante do fidalgo desconhecido, surpresos, com as palavras: “Que vivo...” Quem é esse cavaleiro? Por que ele abre seu coração com tanta sinceridade? Por que seus olhos são tão atraentes? E este gesto de juramento? E o punho da espada?... Talvez destas questões tenha surgido a lenda de que aquele retratado no retrato é outro grande espanhol: Miguel de Cervantes. Um guerreiro e escritor que contou ao mundo a história de um cavaleiro de triste imagem, que recebeu o mesmo dom divino de El Greco - ver as pessoas como elas deveriam ser, ver sua luz interior ...

E outras pinturas do Museu do Prado no Hermitage...

El Greco "Cristo Abraçando a Cruz" 1600 - 1605

Retratado contra o fundo de um céu tempestuoso típico de El Greco, Cristo abraça a cruz com seus braços graciosos, olhando para cima com calma condenação. A pintura foi um grande sucesso e muitas versões dela foram criadas na oficina de El Greco.

El Greco "A Sagrada Família com Santa Ana e o Pequeno João Batista" c. 1600 - 1605

O período tardio da obra de El Greco é caracterizado pelo uso de cores penetrantes e flashes; o espaço está completamente cheio de figuras que obscurecem o horizonte. As formas desenhadas com um traço vibrante perdem sua materialidade. O pequeno João Batista chama o telespectador ao silêncio, para não perturbar a paz do menino Cristo...

Velasquez - Retrato de Filipe IV Retrato de Rei Filipe IV. 1653-1657

Fundamentos do retrato psicológico em arte europeia deitado pintor espanhol Diego Rodríguez de Silva Velázquez. Ele nasceu em uma família nobre pobre em Sevilha, estudou com Herrera, o Velho e Pacheco. Em 1622 ele veio pela primeira vez para Madrid. Na prática, esta viagem não teve muito sucesso - Velasquez não encontrou um lugar digno para si. Ele esperava encontrar o jovem rei Filipe IV, mas o encontro não aconteceu. No entanto, rumores sobre o jovem artista chegaram à corte e, já no ano seguinte, 1623, o primeiro ministro, o duque de Olivares (também natural de Sevilha), convidou Velázquez a Madrid para pintar um retrato do rei. Essa obra, que não chegou até nós, causou uma impressão tão agradável no monarca que ele imediatamente ofereceu a Velázquez o cargo de pintor da corte. Logo entre o rei e Velasquez houve bastante relações amigáveis, o que não era muito típico das ordens que prevaleceram na corte espanhola. O rei que governou o maior império do mundo não era considerado um homem, mas uma divindade, e o artista não podia nem contar com privilégios nobres porque ganhava a vida trabalhando. Enquanto isso, Philip ordenou que doravante apenas Velasquez pintasse seus retratos. O grande monarca foi surpreendentemente generoso e solidário com Velasquez. O estúdio do artista estava localizado nos aposentos reais, e uma cadeira para Sua Majestade foi instalada lá. O rei, que tinha a chave da oficina, vinha aqui quase todos os dias observar a obra do artista. Durante o serviço real de 1623 a 1660, Velásquez pintou cerca de uma dezena de retratos do seu senhor. Destes, um pouco mais de 10 pinturas chegaram até nós. Assim, em média, Velasquez retratava seu suserano cerca de uma vez a cada três anos. Pintar retratos do rei foi obra de Velasquez, e ele fez esse trabalho com perfeição. Graças a isso, temos um complexo de obras único em seu gênero: nos retratos de Velásquez, pode-se traçar caminho da vida O rei Philip tão claramente quanto mais tarde se tornou um costume apenas na era da fotografia. A evolução é bem visível nas telas do artista. Em primeiro lugar, o próprio rei está mudando, 18 anos no primeiro retrato e 50 anos no último, seu rosto carrega a marca da idade e das mudanças espirituais. Em segundo lugar, a percepção do artista sobre seu modelo se aprofunda, passando de superficial a perspicaz. Com o tempo, a forma como o modelo é apresentado e as técnicas artísticas mudam. A maneira de Velazquez é transformada sob a influência de seu próprio crescimento criativo, bem como sob a influência das modernas tradições nacionais e estrangeiras. Neste busto, Filipe IV é mostrado contra um fundo escuro, vestindo uma túnica preta com gola branca que destaca o rosto do monarca. Velasquez evita luxo ostensivo no retrato do rei e mostra " rosto humano» o monarca sem qualquer lisonja ou malandragem da corte. Sentimos claramente que a pessoa que nos olha da tela está infeliz, últimos anos reinados não foram fáceis para o rei. Esta é uma pessoa que conheceu a decepção, mas ao mesmo tempo - uma pessoa cuja carne está cheia de grandeza inata, que nada pode abalar. Outro grande artista, espanhol até a medula dos ossos - Pablo Ruiz Picasso diz isso sobre a imagem do rei espanhol: “não podemos imaginar outro Filipe IV, exceto aquele criado por Velazquez ...”

"Retrato do Rei Filipe IV" (c. 1653 - 1657)

Um de últimos retratos monarca. É interessante notar que não há um único elemento aqui que fale do status real da pessoa retratada. Velazquez serviu a Filipe IV por quase quarenta anos - de 1623 até sua morte, pintou retratos do rei e de sua família, grandes telas de enredo para a Coleção Real.

Diego Velasquez "Retrato do bobo da corte Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Retrato da Rainha Marianne da Áustria" 1652-1653

Ticiano (Tiziano Vecellio) "Vênus com Cupido e Organista" 1555

O músico toca, sentado aos pés de Vênus e admirando o corpo nu da deusa, um jogo abstrato com o Cupido. Alguns viram nesta imagem uma obra puramente erótica, enquanto outros a perceberam simbolicamente - como uma alegoria de sentimentos, onde a visão e a audição atuam como ferramentas para a compreensão da beleza e da harmonia. Ticiano escreveu cinco versões deste tema.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Penitente Maria Madalena 1583

Após sua conversão, Maria Madalena dedicou sua vida ao arrependimento e à oração, afastando-se do mundo. Nesta tela, ela é retratada olhando para o céu e inundada luz divina. A imagem é escrita em cores escuras e espessas, características do estilo de Veronese no período tardio de sua obra. Antes de entrar para as Coleções Reais da Espanha, a obra pertenceu a o rei inglês Carlos I (executado em 1649)

Anthony van Dyck "Retrato de um homem com um alaúde" 1622-1632

Anthony van Dyck deve sua fama justamente ao gênero retrato, que na hierarquia pintura europeia ocupava uma posição bastante baixa. No entanto, na Flandres, nessa época, uma tradição de arte do retrato já havia se desenvolvido. Van Dyck pintou centenas de retratos, vários autorretratos e se tornou um dos criadores do estilo de retrato cerimonial do século XVII. Nos retratos de seus contemporâneos, ele mostrou seu mundo intelectual, emocional, vida espiritual, o caráter vivo de uma pessoa.
O modelo tradicional deste retrato é Jacob Gautier, alaudista da corte inglesa de 1617 a 1647, mas a presença de uma espada e, em maior medida, as características estilísticas da obra, indicam que deve ser datado muito antes de A viagem de Van Dyck a Londres, que lança dúvidas sobre essa teoria. A presença de um instrumento musical não significa necessariamente que a modelo era musicista. Como símbolo, os instrumentos musicais eram frequentemente representados em retratos, como uma indicação do refinamento intelectual e da sensibilidade dos retratados.

Juan Bautista Maino "A Adoração dos Pastores" 1612-1614

Uma das obras-primas de Maino. na coleção Hermitage Estadual outra versão desta história, escrita por Maino, é mantida. O artista nasceu em Pastrana (Guadalajara) e viveu em Roma de 1604 a 1610. Nesta obra, escrita em seu retorno à Espanha, sente-se a influência de Caravaggio e Orazio Gentileschi. Em 1613, Maino tornou-se membro da ordem dominicana, e a pintura entrou no ciclo dos altares do mosteiro de São Pedro Mártir em Toledo.

Georges de Latour "O Músico Cego com a Lira" ca. 1625-1630

Latour retrata um velho músico cego tocando um realejo, e ele repetiu essa história muitas vezes. A artista, que trabalhou sob a influência do estilo de Caravaggio, reproduz com entusiasmo os detalhes - o padrão que enfeita instrumento musical, rugas no rosto de um cego, seus cabelos.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Retrato de Fernando VII" 1814-1815

Após a derrota de Napoleão em 1814, Fernando VII voltou ao trono espanhol. No retrato, é representado com manto real forrado a arminho, com cetro e as ordens de Carlos III e o Velocino de Ouro.
Fernando VII, que governou o país até 1833, fundou o Museu do Prado em 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Maria von Santa Cruz, a esposa do primeiro diretor do Prado, foi uma das mulheres mais veneradas na Espanha de seu tempo.
Em um retrato de 1805, Goya retratou a marquesa como a musa da poesia lírica, Euterpe, reclinada em um dossel e com uma lira na mão esquerda. A escolha dessa imagem se deve à paixão da marquesa pela poesia.

Francisco Goya - "Outono (Vindima)" 1786 - 1787

Francisco Goya - A Vindima. fragmento

Em 1775 - 1792, Goya criou sete séries de tapeçarias de papelão para os palácios Escorial e Prado nos arredores de Madrid. Esta pintura, em particular, pertence à série das estações e foi destinada à sala de jantar do Príncipe das Astúrias no Prado. Goya retratou o enredo clássico como uma cena cotidiana, que reflete a natureza da relação entre as diferentes classes - a imagem mostra os donos do vinhedo com o filho e a empregada.

Francisco Goya "Retrato do General José de Urrutia" (c. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - um dos mais proeminentes chefes militares espanhóis e o único oficial do exército de origem não aristocrática no século XVIII que alcançou o posto de capitão-general - é representado com a Ordem de São Jorge, que ele foi premiado pela imperatriz russa Catarina, a Grande, por participar da captura de Ochakov durante a campanha da Criméia de 1789.

Peter Paul Rubens "Retrato de Marie de Medici". OK. 1622-1625.

Maria Medici (1573 - 1642) era filha do grão-duque da Toscana Francesco I. Em 1600 ela se tornou a esposa do rei francês Henrique IV. Desde 1610, ela era regente de seu filho, o futuro rei Luís XIII. Rubens, ela encomendou uma série de obras glorificando a si mesma e a seu falecido marido. O retrato mostra a rainha usando um cocar de viúva e contra um fundo inacabado.

Domenico Tintoretto "Mulher mostrando os seios" ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Retrato de Felix Maximo Lopez, primeiro organista da Capela Real" 1820

Pintor neoclássico espanhol, mantendo traços do estilo rococó. Lopez foi considerado um dos melhores retratistas de seu tempo, perdendo apenas para Francisco de Goya. Começou a estudar pintura em Valência aos 13 anos e, quatro anos depois, ganhou vários primeiros prêmios na Academia de San Carlos, o que lhe valeu uma bolsa para estudar na prestigiada Academia Real de Belas Artes de San Fernando, na capital. Após completar seus estudos, Lopez trabalhou por vários anos na oficina de Mariano Salvador Maella, seu professor. Em 1814, após a ocupação francesa, López já era um artista bastante conhecido, então o rei espanhol Fernando VII o chamou a Madri e o nomeou pintor oficial da corte, apesar de o próprio Francisco Goya ter sido o "primeiro artista real". naquela hora. Vicente López foi um artista prolífico, pintou sobre temas religiosos, alegóricos, históricos e mitológicos, mas, acima de tudo, foi, claro, um retratista. Durante sua longa carreira, ele pintou retratos de quase todos os pessoa famosa Espanha na primeira metade do século XIX.
Este retrato do primeiro organista da capela real e do famoso músico e compositor foi pintado pouco antes da morte do artista e foi completado por seu filho mais velho, Ambrosio López.

Anton Raphael Mengs "Retrato de Maria Luísa de Parma, Princesa das Astúrias" 1766

Juan Sanchez Cotán "Natureza morta com caça, legumes e frutas" 1602

Don Diego de Acedo está na corte desde 1635. Além do "serviço do bobo da corte", ele atuou como mensageiro real e estava encarregado do selo do rei. Aparentemente, os livros, papéis e materiais de escrita retratados na foto falam dessas atividades. Acredita-se que o retrato foi pintado em Fraga, província de Huesca, durante a viagem de Filipe IV a Aragão, na qual foi acompanhado por Diego de Acedo. Ao fundo ergue-se o pico de Maliceos da serra de Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Removendo a Pedra da Estupidez" c. 1490

Em uma cena satírica com figuras tendo como pano de fundo uma paisagem, é retratada uma operação para extrair a "pedra da estupidez". Inscrição fonte gótica lê-se: - "Mestre, remova rapidamente a pedra. Meu nome é Lubbert Das." Lubbert é um substantivo comum que denota ignorância e inocência. Um cirurgião com um cocar em forma de funil invertido, simbolizando a ignorância, "extrai" uma pedra (nenúfar) da cabeça de um paciente crédulo e exige dele um pagamento generoso. Naquela época, os simples acreditavam que uma pedra na cabeça era a culpada de sua estupidez. Isso é o que os charlatães usaram.

Raphael (Raffaello Santi) "Sagrada família com um cordeiro" 1507

Maria ajuda o pequeno Cristo a sentar-se no cordeiro - símbolo cristão a próxima Paixão de Cristo, e S. Joseph os observa. O quadro foi pintado em Florença, onde o artista estudou a obra de Leonardo da Vinci, influenciado por suas composições com a Sagrada Família. No Museu do Prado, esta é a única obra de Rafael escrita no período inicial.

Albrecht Dürer "Retrato de um Homem Desconhecido" ca. 1521

O retrato pertence a período tardio obra de Dürer. Escrito de maneira semelhante ao estilo artistas holandeses. Um chapéu de abas largas chama a atenção para o rosto da pessoa retratada, a luz que incide da esquerda concentra a atenção do espectador sobre ele. O segundo foco de atenção no retrato são as mãos, e sobretudo a esquerda, nas quais o desconhecido segura um pergaminho - aparentemente explicando sua condição social.

Rogier Van der Weyden "Lamentação" c. 1450

O tríptico do altar do mosteiro de Miraflores serviu de modelo (conservado em galeria de Arte Berlim), criado por Van der Weyden antes de 1444 e repetido com algumas diferenças. Nesta versão, com a parte superior adicionada em um período desconhecido, Maria, Cristo, St. John e o doador (cliente da pintura) - membro da família Broers - estão retratados no mesmo espaço. A artista expressa expressivamente a dor da Mãe de Deus, pressionando o corpo de seu filho morto contra o peito. Ao grupo trágico da esquerda opõe-se a figura do doador, separado por uma pedra. Ele está em um estado de concentração em oração. Naquela época, os clientes frequentemente pediam para se retratar nas pinturas. Mas suas imagens eram sempre secundárias - em algum lugar no fundo, no meio da multidão, etc. Aqui o doador é representado em primeiro plano, mas separado do grupo principal por uma pedra e com a ajuda da cor.

Alonso Cano "Cristo morto apoiado por um anjo" c. 1646 - 1652

Tendo como pano de fundo uma paisagem crepuscular, um anjo sustenta o corpo sem vida de Cristo. A iconografia incomum desta tela é explicada pelo fato de estar associada não aos textos evangélicos, mas ao chamado Cristo de São Pedro. Gregório. Segundo a lenda, o Papa Gregório Magno teve uma visão do Cristo morto apoiado por dois anjos. Kano interpretou essa história de uma maneira diferente - apenas um anjo apóia o corpo imóvel de Cristo.

Bartolome Esteban Murillo "Nossa Senhora do Rosário" ca. 1650 -1655

A obra de Bartolome Esteban Murillo completa a idade de ouro da pintura espanhola. As obras de Murillo são impecavelmente precisas na composição, ricas e harmoniosas em cores e belas no mais alto sentido da palavra. Seus sentimentos são sempre sinceros e delicados, mas nas telas de Murillo não há mais aquela força espiritual e profundidade que tanto chocam nas obras de seus contemporâneos mais velhos. A vida do artista está ligada à sua terra natal, Sevilha, embora tenha visitado Madrid e outras cidades. Depois de estudar com o pintor local Juan del Castillo (1584-1640), Murillo trabalhou muito por encomenda de mosteiros e templos. Em 1660 tornou-se presidente da Academia de Belas Artes de Sevilha.
Com suas telas sobre temas religiosos, Murillo procurou trazer consolo e segurança. Não é por acaso que muitas vezes pintou a imagem da Mãe de Deus. De quadro em quadro, a imagem de Maria passava na forma de uma linda jovem de traços regulares e olhar sereno. Sua aparência inocente deveria evocar um sentimento de doce ternura no espectador. Nesta pintura, Bartolome Murillo retratou a Madona e Jesus com um rosário, um tradicional rosário católico, ao qual foi dada oração grande importância na época do artista. Nesta obra, ainda são perceptíveis os traços do naturalismo que prevaleciam nas obras dos representantes da escola de Sevilha na primeira metade do século XVII, mas o estilo de pintura de Murillo já é mais livre do que em seu trabalho cedo. Essa maneira livre é especialmente pronunciada na representação do véu da Virgem Maria. A artista usa luz forte para destacar as figuras contra um fundo escuro e criar um contraste entre os tons delicados do rosto da Virgem e do corpo do menino Cristo e as sombras profundas nas dobras dos tecidos.
Na Andaluzia do século XVII, a imagem da Mãe de Deus com o Menino era muito procurada. Murillo, cuja vida criativa foi passada em Sevilha, pintou muitas dessas pinturas, imbuídas de ternura. Neste caso, a Mãe de Deus com um rosário é retratada. E aqui, como em primeiros anos da sua obra, o artista mantém-se fiel à sua predileção pelos contrastes de luz e sombra.

Bartolome Esteban Murillo "O Bom Pastor" 1655-1660

A imagem está imbuída de profundo lirismo e bondade. O título é retirado do Evangelho de João: "Eu sou o bom pastor". Isso sugere que a imagem retrata Cristo, embora em uma idade muito precoce. Na foto de Murillo, tudo é lindo e simples. O artista adorava pintar crianças, e colocou todo esse amor na beleza da imagem desse menino-Deus. Nas décadas de 1660 e 1670, durante o auge de sua habilidade pictórica, Murillo se esforçou para poetizar seus personagens e foi frequentemente acusado de algumas imagens sentimentais e de sua beleza deliberada. No entanto, essas acusações não são totalmente justas. A criança retratada na foto pode ser vista hoje tanto em Sevilha quanto nas aldeias vizinhas. E foi precisamente nisso que se manifestou a orientação democrática da obra da artista - em igualar a beleza da Madona com a beleza das mulheres espanholas comuns, e a beleza de seu filho, o pequeno Cristo, com a beleza das molecas de rua.

Alonso Sanchez Coelho "Retrato da Infante Isabella Clara Eugenia e Catalina Michaela" 1575

O retrato da princesa, de oito e nove anos, segura uma coroa de flores. Sanchez Coelho pintou retratos de infantas - as filhas amadas do rei Filipe II e sua terceira esposa Isabel de Valois - desde muito cedo. Todos os retratos são feitos de acordo com os cânones de um retrato da corte - meninas com roupas magníficas e expressões faciais impassíveis.

Anton Raphael Mengs. Retrato do rei Carlos III. 1767

Carlos III foi considerado talvez o único monarca verdadeiramente esclarecido da história da Espanha. Foi ele quem fundou o Museu do Prado em 1785, primeiro como um museu de história natural. Carlos III sonhou que o Museu do Prado, junto com o vizinho jardins botânicos tornou-se o centro da educação científica.
Tendo subido ao trono, começou a realizar sérias reformas políticas e econômicas, de que o país tanto precisava naquela época. No entanto, seus esforços foram em vão - seu filho Carlos IV não compartilhava das visões progressistas de seu pai e, após a morte de Carlos III, as reformas acabaram.
Este retrato é absolutamente típico de seu tempo. A cada detalhe, o artista chama a atenção para a posição ocupada pela modelo: manto guarnecido de arminho, cruz de Malta incrustada de joias, armadura reluzente são atributos indispensáveis ​​da grandeza real. Exuberantes cortinas e pilastras (elemento arquitetura clássica) é um fundo tradicional para tais retratos.
Mas já neste retrato é surpreendente como o rosto da modelo é apresentado. Mengs não faz nenhuma tentativa de encolher seu nariz real em forma de cebola ou suavizar as linhas em suas bochechas enrugadas. Graças à máxima individualidade, esta pintura cria um sentido de vida que os predecessores de Mengs não conseguiram alcançar. O retrato faz sentir simpatia por Carlos III, que está pronto para "mostrar" sua aparência imperfeita.

Antoine Watteau "Festival no Parque" c. 1713 - 1716

Esta cena encantadora é um exemplo típico das "celebrações galantes" de Watteau. nevoeiro leve, contornos lubrificantes, a estátua de Netuno quase escondida na folhagem acima da fonte e uma cor dourada desbotada - tudo isso transmite uma atmosfera de prazer agudo, mas fugaz.
A pintura pertenceu a Isabella Farnese, segunda esposa do rei Filipe V.

Antonio Carnicero "Elevação do balão de ar quente em Aranjuez" c. 1784

A pintura foi encomendada pelo duque e pela duquesa de Oswan, reflete o espírito do Iluminismo, que despertou o interesse pelas conquistas do progresso científico. retratado evento real: em 1784, nos Jardins Reais de Aranjuez, na presença do monarca, membros de sua família e cortesãos, foi realizado um voo no balão Montgolfier. Antonio Carnicero era conhecido por suas encantadoras cenas de gênero, e esta tela é uma de suas obras mais ambiciosas.

José de Madrazo y Agudo "Amor Celestial e Amor Terrestre" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Cordeiro de Deus" 1635-1640

Um cordeiro está deitado sobre uma mesa cinza, destacando-se nitidamente contra um fundo escuro em uma luz brilhante bem focada. Qualquer pessoa no século 17 reconheceria imediatamente nele o "cordeiro de Deus" e entenderia que isso é um indício do auto-sacrifício de Cristo. A lã do cordeiro é notavelmente escrita e parece tão macia que é difícil tirar os olhos do animal e querer tocá-lo.

Juan Pantoja de la Cruz "Retrato da Rainha Isabel de Valois" c. 1604 - 1608

Pantoja de la Cruz pintou este retrato, repetindo a obra de Sofonisba Anguishola - o original incendiado no palácio em 1604. A artista apenas acrescentou uma capa de pele de marmota ao traje da rainha.
Sofonisba Anguixola é uma artista cremonense que trabalhou na corte espanhola. Foi o primeiro retrato de uma jovem rainha de uma série feita pelo artista. A imagem é escrita de maneira próxima ao espanhol, mas em cores mais quentes e claras.

Jean Rann "Retrato de Carlos III quando criança" 1723

Luis Melendez "Natureza morta com uma caixa de doces, um pretzel e outros objetos" 1770

O maior mestre de espanhol natureza morta XVIII c., Luis Melendez nasceu na Itália, na família de um miniaturista das Astúrias. Em 1717, a família mudou-se para Madrid, onde o jovem ingressou no departamento preparatório da Academia de San Fernando, e entre os mais talentosos de seus alunos ficou em primeiro lugar. No entanto, em 1747, foi forçado a deixar a Academia por causa de seu pai, que foi expulso em decorrência do conflito. Nesse período, Melendez volta a visitar a Itália. Ajudando inicialmente o pai, tornou-se miniaturista e, voltando da Itália, foi convidado por Fernando VI para ilustrar livros na Capela Real de Madri. No gênero da natureza morta, ao qual o artista se voltou no início da década de 1760, nova cara a criatividade dele.
Esta natureza morta foi pintada em período maduro criatividade do artista. Nessa época, itens de luxo, utensílios de prata aparecem em suas composições. Mas, no entanto, o artista ainda adere aos seus ideais e trabalha de acordo com tradição do gênero. A tangibilidade material de cada um dos objetos pintados na tela nos faz recordar os melhores exemplos de natureza morta na arte mundial. O vidro transparente palpável do vidro é refletido na superfície opaca e brilhante do vaso de prata. Macio, pretzel em um guardanapo branco, parece cheirar a pão recém-assado. O gargalo de uma garrafa selada brilha opacamente. Um garfo de prata se projeta ligeiramente além da borda da mesa iluminada. Na composição dessa natureza-morta, não há disposição ascética de objetos em uma fileira, característica, por exemplo, das naturezas-mortas de Zurbaran. Talvez tenha algo em comum com as amostras holandesas. Mas o tom é mais escuro, os objetos são menores e a composição é mais simples.

Juan de Arellano "Cesta de Flores" 1670

Pintor barroco espanhol especializado em arranjos florais, nasceu em Santorcase em 1614. A princípio estudou no ateliê de um artista agora desconhecido, mas aos 16 anos mudou-se para Madri, onde estudou com Juan de Solis, artista que fazia encomendas para a rainha Isabella. Juan de Arellano por muito tempo viveu de pequenas encomendas, incluindo pinturas murais, até decidir dedicar-se exclusivamente à pintura de flores e tornar-se um mestre inigualável nesta área. Acredita-se que o mestre começou copiando obras de outros artistas, principalmente italianos, as naturezas-mortas flamengas acrescentaram elegância e rigor ao seu estilo. Mais tarde, a essa combinação, ele adicionou suas próprias descobertas composicionais e uma paleta de cores característica.
A composição bastante simples desta natureza morta é característica de Arellano. As cores puras e intensas das plantas destacam-se brilhantemente contra um fundo acastanhado neutro devido à iluminação intensa.

Talvez um dos primeiros retratos de El Greco criados na Espanha seja o chamado "Retrato de um cavalheiro com a mão no peito" (c. 1577-1579). Isso é evidenciado principalmente pela maneira pictórica mais tradicional, escura, construída sobre tons de tons acastanhados com uma pincelada densa e lisa. É típica a neutralidade psicológica da interpretação, que no futuro dará lugar a uma caracterização muito mais ativa.

Esse retrato famoso El Greco é, por assim dizer, a imagem de um nobre de seu tempo erigida no âmbito do cânone. Elegante, muito calmo, com um gesto de juramento ou convicção, colocando a mão direita no peito, o desconhecido caballero encarna a característica da aristocracia espanhola sociedade, ou seja, a expressão em aparência equanimidade, moderação, dignidade.

O punho da espada Toledo é um detalhe eloqüente de sua aparência rígida, um terno preto, decorado com gola alta e punhos de renda branca como a neve. Antonina Vallantin observa com razão que esse tipo de espanhol penetrou no palco e já vivia nas páginas dos romances, mas para ser retratado teve que esperar a chegada de El Greco a Toledo.

O retrato, no entanto, é inerente inconsistência interna, uma vez que o aspecto ideal da imagem não corresponde exatamente à personalidade da pessoa retratada - retrata-se uma natureza pouco significativa. A impressão é conseguida pela estrutura pictórica da tela, onde o rosto e a mão com a disposição simbólica dos dedos sobressaem do fundo escuro como pontos de luz; a beleza preciosa da renda fina e cintilante, o punho de uma espada, como se estivesse suspenso no ar, adquire uma fragilidade especial. O distanciamento do olhar do caballero, dotado da típica estranheza elgrekiana, aumenta a expressividade da imagem.

O homem no espelho da arte: o gênero do retrato

Retrato(retrato francês) - uma imagem de uma pessoa ou grupo de pessoas específico. O gênero do retrato se espalhou nos tempos antigos na escultura e depois na pintura e nos gráficos. Mas semelhança esta não é a única coisa que o artista tem a transmitir. É muito mais importante quando o mestre transfere a essência interior de uma pessoa para a tela e transmite a atmosfera do tempo. Distinguirporta da frente E câmara retratos. há retratosemparelhado E grupo. Destinam-se a decorar os salões principais, e a elogiar certas pessoas, e a preservar a memória de pessoas unidas por laços profissionais, espirituais, familiares. categoria especialé auto-retrato, em que o artista se retrata.

Qualquer um dos retratos pode ser atribuído a um retrato psicológico ou
a um retrato-personagem, ou a um retrato-biografia.

A arte ajuda a conhecer uma pessoa. Não só para ver o seu exterior
rosto, mas também para entender sua essência, caráter, humor, etc. O retrato é quase
sempre realista. Afinal, seu principal objetivo é o reconhecimento dos retratadosuma pessoa nele. No entanto, geralmente a tarefa do artista não é a exatacopiando funcionalidades externas modelos, não uma imitação da natureza, mas uma “recriação pitoresca” da imagem de uma pessoa. Não é por acaso que o desejoapenas se reconheça no retrato, e talvez até descubra algo novo nele mesmo.
A atitude do artista para com o modelo é transmitida involuntariamente ao espectador. importante
é tudo o que expressa emoções, atitude perante a vida, perante as pessoas: expressões faciais
rosto retratado, expressão dos olhos, linha dos lábios, giro da cabeça, postura,
gesto.
Muitas vezes interpretamos uma obra sob a perspectiva do homem de hoje.
dia, atribuímos ao personagem características completamente atípicas de sua época, ou seja, nos esforçamos para compreender o desconhecido através do conhecido.
Também é muito importante mostrar a condição social da pessoa retratada, para criar uma imagem típica de um representante de uma determinada época.

Como gênero, o retrato apareceu há vários milênios na arte antiga. Entre os afrescos do famoso Palácio de Knossos, encontrados por arqueólogos durante escavações na ilha de Creta, estão linha inteira imagens pictóricas de mulheres relacionadas a século XVI BC. Embora os pesquisadores tenham chamado essas imagens de "damas da corte", não sabemos quem os mestres cretenses tentaram mostrar - deusas, sacerdotisas ou nobres vestidas com vestidos elegantes.
"Parisiense". Afresco do Palácio de Knossos, século XVI aC

O mais famoso foi o retrato de uma jovem, chamada pelos cientistas de “parisiense”. Vemos à nossa frente uma imagem de perfil (segundo as tradições da arte da época) de uma jovem, muito coquete e sem descuidar da maquilhagem, como evidenciam os seus olhos de olheiras escuras e os lábios pintados de cores vivas.
Os artistas que criaram retratos a fresco de seus contemporâneos não se aprofundaram nas características dos modelos, e a semelhança externa nessas imagens é muito relativa.
Crenças religiosas no antigo Egito associadas ao culto
morto, determinou o desejo de transmitir uma semelhança de retrato na imagem escultórica de uma pessoa: a alma do falecido deveria encontrar seu recipiente.

No início do século XX. Os arqueólogos descobriram para o mundo inteiro um retrato maravilhoso da rainha Nefertiti.

Criado em Século 14 BC e.,esta imagem impressiona pela suavidade das linhas do perfil, a graça do pescoço flexível, a leveza arejada e as transições fluidas dos traços irregulares, mas encantadores do rosto feminino.. Nefertiti não era apenas a rainha do Egito, ela era reverenciada como uma deusa. A mais famosa e talvez a mais bela das esposas dos faraós egípcios vivia com seu marido coroado em um enorme e luxuoso palácio na margem leste do Nilo.

Em arte Grécia antiga um lugar especial é ocupado por imagens generalizadas e idealizadas de heróis ou deuses. Mesclando espiritual e físicopintores e escultores viram a personificaçãobeleza e harmonia do homem.