Cultura da Europa Ocidental no século XVIII. Os principais dominantes da cultura do Iluminismo europeu do século XVIII Cultura ocidental do século XVIII

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Introdução

Capítulo I Os Valores Fundamentais do Iluminismo

Capítulo II Desenvolvimento da Ciência na Era do Iluminismo

Capítulo III Características estilísticas e de gênero da arte do século XVIII

Conclusão

Bibliografia

INTRODUÇÃO

A relevância do estudo desse tema está diretamente relacionada à importância do período considerado para o desenvolvimento dos estudos culturais.

Cultura européia dos séculos XVII-XIX. Costuma-se combinar a cultura da Nova Era com um conceito comum, caracterizado pela formação e desenvolvimento do modo de produção capitalista.

Para os países da Europa, início do século XVII. em grande parte marcado pela reação política que ocorreu como resultado dos acontecimentos do final do século XVI. A guerra camponesa na Alemanha (1524-1525), que em muitos aspectos foi uma continuação do movimento popular contra a Igreja Católica, terminou com a derrota dos rebeldes.

A consequência disso foi o triunfo do poder feudal, com sua fragmentação, baixo nível de desenvolvimento socioeconômico e cultural. De fato, a primeira revolução burguesa na Europa foi derrotada. A França está envolvida em guerras religiosas e civis.

O objeto de estudo é o processo de desenvolvimento cultural na Europa Ocidental no século XVIII.

O objeto do estudo são as principais conquistas do desenvolvimento cultural na Europa Ocidental.

O objetivo deste trabalho é a necessidade de caracterizar o processo de desenvolvimento cultural na Europa Ocidental no século XVIII.

Atingir esse objetivo envolve a resolução de várias das seguintes tarefas:

1. Identificar os principais valores do Iluminismo.

2. Descreva o desenvolvimento da ciência no Iluminismo.

3. Destacar as principais características de estilo e gênero da arte no século XVIII.

No trabalho foram utilizados os seguintes métodos: descritivo, síntese, análise, indução, dedução, estatística.

Neste trabalho, utilizamos principalmente literatura monográfica e educacional. A utilização deste tipo de literatura permite caracterizar as principais realizações no desenvolvimento da cultura do século XVIII.

CapítuloEU. Valores fundamentais do Iluminismo

A iluminação é um passo necessário no desenvolvimento cultural de qualquer país que esteja abandonando o modo de vida feudal. O Iluminismo é fundamentalmente democrático, é uma cultura para o povo.

Ele vê sua principal tarefa na educação e na educação, em familiarizar todos e todos com o conhecimento.

Como qualquer época cultural e histórica significativa, o Iluminismo formou seu ideal e procurou compará-lo com a realidade, para implementá-lo o mais rápido possível e o mais plenamente possível na prática.

Tendo apresentado a ideia de formação da personalidade, os educadores mostraram que uma pessoa tem mente, força espiritual e física. As pessoas vêm ao mundo iguais, com suas próprias necessidades, interesses, cuja satisfação reside no estabelecimento de formas razoáveis ​​e justas de comunidade humana. As mentes dos iluministas se entusiasmam com a ideia de igualdade: não só perante Deus, mas também perante as leis, perante as outras pessoas.

A ideia da igualdade de todas as pessoas perante a lei, perante a humanidade é a primeira recurso a Era do Iluminismo.

Não é de surpreender que a religião na forma em que foi apresentada pela igreja parecesse aos educadores ateus no calor da luta pelos extremos como o inimigo do homem. Aos olhos dos deístas esclarecedores, Deus se transformou em uma força que apenas introduziu uma certa ordem na matéria eternamente existente. Durante o Iluminismo, a ideia de Deus como um grande mecânico e o mundo como um enorme mecanismo tornou-se especialmente popular.

Graças às conquistas das ciências naturais, surgiu a ideia de que o tempo dos milagres e mistérios já passou, que todos os segredos do universo foram revelados e o Universo e a sociedade estão sujeitos a leis lógicas acessíveis à mente humana. A vitória da razão é a segunda característica da época.

A terceira característica do Iluminismo é o otimismo histórico.

A Era do Iluminismo pode ser corretamente chamada de "era de ouro da utopia". O Iluminismo, antes de tudo, incluía a crença na capacidade de mudar uma pessoa para melhor, transformando "racionalmente" as bases políticas e sociais.

Um guia para os criadores de utopias do século XVIII. serviu como o estado "natural" ou "natural" da sociedade, não conhecendo a propriedade privada e a opressão, a divisão em classes, não se afogando no luxo e não sobrecarregado pela pobreza, não afetado por vícios, vivendo de acordo com a razão e não "segundo às "leis artificiais". Era um tipo de sociedade exclusivamente ficcional e especulativo, que, segundo Rousseau, pode nunca ter existido e que, muito provavelmente, nunca existirá na realidade.

O ideal renascentista de uma pessoa livre adquire o atributo de universalidade. E responsabilidade: o Iluminista pensa não só em si mesmo, mas também nos outros, no seu lugar na sociedade. Os iluministas concentram-se no problema da melhor estrutura social. Os iluministas acreditavam na possibilidade de construir uma sociedade harmoniosa.

Mudanças profundas na vida sócio-política e espiritual da Europa, associadas ao surgimento e desenvolvimento das relações econômicas burguesas, determinaram os principais dominantes cultura XVIII século.

Os principais centros do Iluminismo foram Inglaterra, França, Alemanha.

A partir de 1689 - o ano da última revolução na Inglaterra - começa a Era do Iluminismo. Foi uma era gloriosa, iniciada com uma revolução e terminada com três: industrial na Inglaterra, política na França, filosófica e estética na Alemanha. Por cem anos - de 1689 a 1789. - o mundo mudou. Os resquícios do feudalismo erodiam cada vez mais, as relações burguesas, que finalmente se estabeleceram após a Grande Revolução Francesa, eram cada vez mais barulhentas.

O século XVIII também preparou o caminho para o domínio da cultura burguesa. A velha ideologia feudal foi substituída pela época dos filósofos, sociólogos, economistas, escritores da nova Era do Iluminismo.

Na filosofia, o Iluminismo se opôs a qualquer metafísica (a ciência dos princípios supra-sensíveis e princípios do ser). Contribuiu para o desenvolvimento de qualquer tipo de racionalismo (reconhecendo a razão como a base do conhecimento e do comportamento humano), na ciência - para o desenvolvimento da ciência natural, cuja conquista costuma usar para justificar a legitimidade científica de pontos de vista e a fé em progresso. Não é por acaso que o próprio período do Iluminismo em alguns países foi chamado de nomes de filósofos. Na França, por exemplo, esse período foi chamado de era de Voltaire, na Alemanha - a era de Kant.

Na história da humanidade, os iluministas se preocuparam com os problemas globais:

Como surgiu o estado? Quando e por que surgiu a desigualdade? O que é progresso? E havia respostas tão racionais para essas perguntas quanto nos casos em que se tratava do "mecanismo" do universo.

No campo da moral e da pedagogia, o Iluminismo pregava os ideais de humanidade e depositava grandes esperanças no poder mágico da educação.

No campo da política, jurisprudência e vida socioeconômica - a libertação do homem de laços injustos, a igualdade de todas as pessoas perante a lei, perante a humanidade. Pela primeira vez, a época teve que resolver de forma tão aguda a questão há muito conhecida da dignidade do homem. EM Áreas diferentes atividade, ela foi transformada de diferentes maneiras, mas inevitavelmente levou a descobertas fundamentalmente novas, inovadoras em sua essência.

Se falamos de arte, por exemplo, não é por acaso que esta época em particular foi tão inesperada para si mesma, mas tão eficazmente forçada a responder não só ao problema da "arte e revolução", mas também ao problema da descoberta artística, nascido nas profundezas do novo tipo emergente de consciência.

Os iluministas eram materialistas e idealistas, partidários do racionalismo, do sensacionalismo (as sensações eram consideradas a base do conhecimento e do comportamento) e até da providência divina (confiavam na vontade de Deus). Alguns deles acreditavam no progresso inevitável da humanidade, enquanto outros viam a história como uma regressão social. Daí a peculiaridade do conflito entre consciência históricaépoca e o conhecimento histórico desenvolvido por ela - o conflito é tanto mais agravado quanto mais profundamente a própria época determinou suas preferências históricas, um papel especial no desenvolvimento atual e futuro da humanidade. Como corrente de pensamento social, o Iluminismo foi uma espécie de unidade. Consistia em um estado de espírito especial, inclinações e preferências intelectuais. Em primeiro lugar, estes são os objetivos e ideais do Iluminismo, como liberdade, bem-estar e felicidade das pessoas, paz, não-violência, tolerância religiosa, etc., bem como o famoso pensamento livre, uma atitude crítica em relação a autoridades de todos os tipos, rejeição de dogmas, inclusive eclesiásticos.

A Era do Iluminismo foi um importante ponto de virada no desenvolvimento espiritual da Europa, que influenciou quase todas as esferas da vida sócio-política e cultural. Tendo desmascarado as normas políticas e jurídicas, os códigos estéticos e éticos da velha sociedade de classes, os iluministas fizeram um trabalho titânico na criação de um sistema positivo de valores, dirigido principalmente a uma pessoa, independentemente de sua filiação social, que entrou organicamente no sangue e carne da civilização ocidental.

Os iluministas vieram de diferentes classes e propriedades: aristocracia, nobres, clero, empregados, representantes dos círculos comerciais e industriais. As condições em que viviam também eram variadas. Em cada país, o movimento iluminista trouxe a marca da identidade nacional.

CapítuloII. O desenvolvimento da ciência na Era do Iluminismo

A França no início do século é caracterizada por um desenvolvimento significativo de tendências anti-religiosas, que se tornaram um dos aspectos mais importantes do Iluminismo.

A primeira e mais radical obra ateísta que circulou na França no início dos anos 1930 foi o “Testamento” do pároco J. Mellier, segundo o qual “tudo o que seus teólogos e padres com tanto ardor e eloquência pregam a vocês sobre grandeza, superioridade e a santidade dos sacramentos que eles obrigam você a adorar, tudo o que eles contam com tanta seriedade sobre seus milagres imaginários, tudo o que eles descrevem com tanto zelo e confiança sobre as recompensas celestiais e os terríveis tormentos infernais - tudo isso, em essência, nada além ilusões, delírios, engano, fabricação e fraude ... ".

Porém, via de regra, uma posição tão dura não era característica do Iluminismo, que existia até meados do século XVIII. baseado nos princípios do deísmo. Essa teoria reconhece a criação do mundo por Deus, mas procede do fato de que no futuro o Senhor deixará de interferir nos assuntos da natureza e da sociedade. Os deístas, a quem pertenceram Voltaire, Montesquieu, assim como as figuras posteriores do Iluminismo - Rousseau, Condillac, criticaram todas as religiões comuns e falaram da necessidade de uma "religião natural" voltada para o benefício da razão e do homem. A "espada que cortou a cabeça do deísmo" foi a Crítica da Razão Pura de Immanuel Kant.

Se no século XVII papel de liderança a matemática desempenhada na ciência, então no século 18 a biologia, a física, a geografia "a alcançam".

A ciência se torna sistêmica. Racionalismo do século XVII está mudando gradativamente. Dá lugar à convicção na possibilidade e necessidade do desenvolvimento da mente, da iluminação da personalidade humana.

Segunda metade dos anos 40. século 18 caracterizada pela formação de visões materialistas.

As obras de J. La Mettrie contêm declarações que pessoa pensante não encontrará fundamentos teóricos nem interesses práticos para sua fé em Deus. No entanto, ele acreditava que o ateísmo não estava sujeito à distribuição entre as pessoas comuns e era compreendido apenas por um grupo seleto, que estava acima do resto em termos intelectuais.

No final dos anos 40. visões materialistas são substanciadas nas obras de D. Diderot e P. Holbach, que consideravam o ateísmo necessário e acessível a todos.

A ciência natural mecanicista, que dominou até a segunda metade do século XVIII, estudava o movimento transmitido de um corpo a outro, explicando o início do movimento pelas ações de Deus, como, por exemplo, Newton com sua teoria do "primeiro empurrão ".

Voltaire também reconheceu a existência de algum ser eterno, que é a causa de todos os outros. O deísmo de Voltaire foi a base para a formação das visões dos materialistas dos anos 30-40, pois ele reconhecia Deus apenas como a criação do mundo, e posteriormente, segundo Voltaire, Deus não interfere nos assuntos do mundo. La Mettrie, Diderot, Helvetius, Holbach, cujo trabalho coincidiu com o desenvolvimento da química, geologia e biologia, receberam uma base para afirmar o desenvolvimento da natureza por si mesma.

Pelas décadas de 60 e 70. Voltaire também renuncia à afirmação da criação divina do mundo, mas não à existência de Deus em geral. Ao mesmo tempo, ele não encontra resposta para questões como a origem do mundo, a localização de Deus.

Diderot iniciou a criação da "Enciclopédia, ou Dicionário Explicativo das Ciências, Artes e Ofícios", cuja publicação durou de 1751 a 1780.

Tornou-se o centro que unia os iluministas. O livro continha informações sobre matemática, astronomia, geografia, descrevia a tecnologia de fabricação de produtos industriais.

A manufatura está gradualmente dando lugar a uma organização mais complexa do trabalho.

O desenvolvimento das manufaturas caracterizou-se pela divisão do trabalho até a operação mais simples, que foi o ímpeto para o desenvolvimento da atividade inventiva. A invenção da lançadeira "voadora" na tecelagem, a substituição da mão humana por um mecanismo foi o início da revolução industrial.

A aceleração da tecelagem exigiu a criação de uma máquina de fiar, inventada pelo tecelão James Hargreaves. Em 1784, Edmund Cartwright dá à humanidade um tear mecânico. Em 1771, surgiu um empreendimento onde a máquina era movida por uma roda d'água. Não era mais uma manufatura, mas a primeira fábrica em que as operações eram realizadas por máquinas.

Em 1784, o mecânico James Watt criou uma máquina a vapor que podia ser usada independentemente da presença de um rio próximo, em contraste com a roda d'água. Isso já marcou a transição de manufatura para fábrica.

A primeira locomotiva a vapor funcional foi criada pelo engenheiro autodidata George Stephenson em 1814.

construção em massa ferrovias começa nos anos 20. século 19 Novos materiais e fontes de energia estão sendo usados.

Assim, o desenvolvimento da ciência no Iluminismo se desenvolveu de acordo com a metodologia do racionalismo.

CapítuloIII. Características de estilo e gêneroarteXVIIIséculo

A natureza era o modelo de tudo de bom e belo para os iluministas. Seu verdadeiro culto será criado por sentimentalistas nos anos 60. XVIII, mas o fascínio pela naturalidade, a sua contemplação entusiástica começa com o próprio Iluminismo.

A personificação visível dos "mundos melhores" para o povo do Iluminismo eram jardins e parques.

O parque do Iluminismo foi criado para um propósito elevado e nobre - como um ambiente perfeito para uma pessoa perfeita.

Os parques iluministas não eram idênticos à natureza. A composição de parques e jardins incluía bibliotecas, galerias de arte, museus, teatros, templos dedicados não só aos deuses, mas também aos sentimentos humanos - amor, amizade, melancolia. Tudo isso garantiu a implementação de ideias iluministas sobre a felicidade como um “estado natural”, sobre “ homem natural”, cuja principal condição era o retorno à natureza. Entre eles, destaca-se Peterhof (Petrodvorets), criado às margens do Golfo da Finlândia pelos arquitetos J. Leblon, M. Zemtsov, T. Usov, J. Quarenghi. Este magnífico parque com seus palácios únicos e fontes grandiosas desempenhou um papel excepcional no desenvolvimento da arquitetura russa e arte de jardinagem paisagística e em geral na história da cultura russa.

A arte européia do século XVIII combinava duas tendências diferentes: o classicismo e o romantismo.

Classicismo em belas-Artes, música, literatura - este é um estilo baseado em seguir os princípios da arte grega e romana antiga: racionalismo, simetria, propósito, contenção e estrita conformidade do conteúdo com sua forma.

O romantismo coloca em primeiro plano a imaginação, a emotividade e a espiritualidade criativa do artista.

A arte do Iluminismo utilizou as antigas formas estilísticas do classicismo, refletindo com a ajuda de um conteúdo completamente diferente. Na arte de diferentes países e povos, o classicismo e o romantismo às vezes formam uma espécie de síntese, às vezes existem em todos os tipos de combinações e misturas.

Um novo começo importante na arte do século XVIII foi o surgimento de tendências que não tinham forma estilística própria e não sentiam a necessidade de desenvolvê-la. Tal tendência cultural era, antes de tudo, o sentimentalismo (do sentimento francês), que refletia plenamente as ideias iluministas sobre a pureza original e a bondade da natureza humana, que se perdem com o distanciamento da sociedade da natureza.

Praticamente no território de quase toda a Europa, há uma invasão do princípio secular na pintura religiosa daqueles países onde desempenhou um papel importante - Itália, Áustria, Alemanha. A pintura de gênero às vezes tende a assumir a liderança. Em vez de um retrato cerimonial - um retrato íntimo, na pintura de paisagem - uma paisagem de humor.

Na primeira metade do século XVIII, o rococó tornou-se a principal tendência da arte francesa. Toda a arte rococó é construída sobre a assimetria, o que cria uma sensação de desconforto - um sentimento lúdico, zombeteiro, artístico e provocador. Não é por acaso que o termo "rococó" vem do francês "rocaille" - literalmente uma decoração de diamantes e conchas. Tramas - apenas amor, erótico, heroínas amadas - ninfas, bacantes, Diana, Vênus, fazendo seus infinitos "triunfos" e "banheiros".

François Boucher (1703-1770) tornou-se um proeminente representante do rococó francês. "O primeiro artista do rei", como era oficialmente chamado, o diretor da Academia, Boucher era um verdadeiro filho de sua idade, que sabia fazer tudo sozinho: painéis para hotéis, pinturas para casas e palácios ricos, papelão para a confecção de tapeçarias, cenários teatrais, ilustrações de livros, desenhos de leques, papéis de parede, lareiras, carruagens, esboços de figurinos, etc. Os enredos típicos de suas telas são "O Triunfo de Vênus" ou "O Banheiro de Vênus", "Vênus com Cupido", "O Banho de Diana".

Antoine Watteau (1684-1721) - Pintor francês, voltado para imagens da vida contemporânea. As profundas reflexões de Watteau sobre a essência da arte verdadeiramente erudita são refletidas em suas telas. A decoração, a sofisticação das obras de Watteau serviram de base ao Rococó como direção de estilo, e suas descobertas poéticas foram continuadas pelos pintores da direção realista de meados do século XVIII.

Em sintonia com as novas ideias estéticas na arte, desenvolve-se a obra de Jean Baptiste Simon Chardin (1699-1779), artista que criou essencialmente um novo sistema pictórico. Chardin começou com uma natureza morta, pintou itens de cozinha: caldeiras, panelas, tanques, depois passou para a pintura de gênero: “Oração antes do jantar”, “Lavadeira”, e daí para um retrato.

Escultura francesa do século XVIII passa pelas mesmas etapas da pintura. São formas predominantemente rocaille na primeira metade do século e o crescimento características clássicas- no segundo. Características de leveza, liberdade, dinâmica são visíveis na escultura de Jean Baptiste Pigalle (1714-1785), em todo o seu charme, movimento leve e rápido, imediatismo da graça de "Mercúrio amarrando uma sandália".

Jean Antoine Houdon (1741-1828) - um verdadeiro historiógrafo da sociedade francesa, transmitiu a atmosfera espiritual da época em sua galeria de retratos esculturais. O Voltaire de Houdon é uma evidência do alto nível da arte francesa.

Arte inglesa do século XVIII. - o auge da escola nacional de pintura na Inglaterra - começa com William Hogarth (1697-1764), pintor, artista gráfico, teórico da arte, autor de uma série de pinturas « Carreira de prostituta”, “Carreira de Mota”.

Hogarth foi o primeiro pintor-iluminista da Europa.

O maior representante da escola inglesa de retratos Thomas Gainsborough (1727-1888). O estilo maduro do artista foi formado sob a influência de Watteau. Suas imagens de retrato são caracterizadas por sofisticação espiritual, espiritualidade e poesia. A humanidade profunda é inerente às suas imagens de crianças camponesas.

Pintura italiana do século XVIII atingiu seu auge apenas em Veneza. O espírito de Veneza foi expresso por Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770), o último representante do barroco na arte europeia, pintor, desenhista, gravador. Tiepolo possui ciclos de afrescos monumentais, tanto eclesiásticos quanto seculares.

Veneza deu ao mundo excelentes mestres da veduta - a paisagem arquitetônica urbana: Antonio Canaletto (1697-1768), famoso pelas imagens solenes da vida de Veneza tendo como pano de fundo sua fabulosa arquitetura teatral; Francesco Guardi (1712-1793), que se inspirou nos motivos simples do quotidiano da cidade, nos seus pátios soalheiros, canais, lagoas, aterros apinhados. Guardi criou um novo tipo de paisagem, marcada pela poesia, pelo imediatismo das impressões do espectador.

O século XVIII também preparou o caminho para o domínio da cultura burguesa. Chegou a hora dos filósofos, sociólogos, economistas e escritores substituirem a velha ideologia feudal.

O principal gênero literário do Iluminismo é o romance.

O sucesso do romance, especialmente significativo na Inglaterra, foi preparado pelo sucesso do jornalismo educacional.

Os escritores do Iluminismo estavam bem cientes de quão imperfeita era sua sociedade moderna e quão cruel era uma pessoa e, no entanto, esperavam que, como Robinson da primeira parte do romance de Daniel Defoe (1660-1731), a humanidade, contando com sua própria razão e diligência, ascenderiam às alturas da civilização. Mas talvez essa esperança seja ilusória, como Jonathan Swift (1667-1754) testemunha tão claramente no romance de alegoria As Viagens de Gulliver quando ele envia seu herói para a ilha dos cavalos inteligentes. No panfleto "The Tale of the Barrel" que ele criou, ele riu com vontade de conflitos na igreja.

Ampliando um programa positivo em seus livros, os educadores também apresentaram amplamente como uma pessoa vive, enganando e sendo enganada. ideal moral invariavelmente lado a lado com a sátira. No romance de G. Fielding (1707-1754) "A história de Tom Jones, um enjeitado", é utilizada uma construção paralela da trama, reminiscente de um conto de fadas: sobre irmãos bons e maus, cada um dos quais, no fim, é recompensado de acordo com seus méritos.

Era uma época de novas convicções filosóficas, uma época em que as ideias não eram apenas expostas em tratados, mas facilmente migradas para romances, inspiradas e glorificadas por poetas.

Uma ampla gama de pensamento educacional está representada na obra do poeta e satírico inglês Alexander Pope (1688-1744). Seu poema filosófico e didático "Ensaio sobre o Homem" tornou-se um livro-texto da nova filosofia para a Europa. A publicação de sua primeira edição russa em 1757 foi de fato o início do Iluminismo russo.

EM última década século, junto com o classicismo na ficção, uma nova tendência está surgindo - o sentimentalismo, que é mais plenamente expresso nas histórias de N.M. Karamzin (1766-1826) "Pobre Liza" e "Natalia, a filha do boiardo".

No final dos séculos XVII-XVIII. começa a tomar forma linguagem musical, que então toda a Europa falará.

Os primeiros foram Johann Sebastian Bach (1685-1750) e Georg Friedrich Handel (1685-1759).

Bach - o grande compositor e organista alemão, trabalhou em todos os gêneros musicais, exceto na ópera. Até agora, ele é um mestre insuperável da polifonia. Handel, como Bach, usou temas bíblicos para suas obras. Os mais famosos são "Saul", "Israel no Egito", "Messias". Handel escreveu mais de 40 óperas, é dono de orquestras de órgão, sonatas, suítes.

A música vienense teve um enorme impacto na arte musical da Europa. escola clássica e seus mestres mais proeminentes Joseph Haydn (1732-1809), Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) e Ludwig van Beethoven (1770-1827). Os clássicos vienenses repensaram e fizeram soar de uma nova maneira todos os gêneros e formas musicais. Sua música é a maior conquista da era do classicismo na perfeição de melodias e formas.

Franz Joseph Haydn, o professor de Mozart e Beethoven, é chamado de "pai da sinfonia". Ele criou mais de 100 sinfonias. Muitos deles são baseados no tema músicas folk e danças, que o compositor desenvolveu com incrível habilidade. O ápice de sua obra foram as "12 Sinfonias de Londres", escritas durante as viagens triunfais do compositor à Inglaterra nos anos 90.

No século 18, Haydn escreveu muitos quartetos maravilhosos e sonatas para cravo.

Ele possui mais de 20 óperas, 13 missas, um grande número de canções e outras composições. No final da carreira, criou dois oratórios monumentais - A Criação do Mundo (1798) e As Estações (1801), que expressam a ideia da grandeza do universo e da vida humana. Haydn trouxe a sinfonia, quarteto e sonata à perfeição clássica.

Wolfgang Amadeus Mozart escreveu música e tocou violino e cravo em uma idade em que outras crianças ainda não sabiam escrever cartas. As habilidades extraordinárias de Wolfgang se desenvolveram sob a orientação de seu pai, o violinista e compositor Leopold Mozart. Nas óperas O Rapto do Serralho, As Bodas de Fígaro, Don Giovanni, flauta mágica» Com uma habilidade incrível, Mozart cria personagens humanos diversos e vivos, mostra a vida em seus contrastes, passando das piadas à seriedade profunda, da diversão às letras poéticas sutis.

As mesmas qualidades são inerentes às suas sinfonias, sonatas, concertos, quartetos, nos quais ele cria o mais alto amostras clássicas gêneros. Três sinfonias escritas em 1788 se tornaram os picos do sinfonismo clássico (Mozart escreveu cerca de 50 no total). A sinfonia "Mi bemol maior" (número 39) mostra uma música cheia de alegria, brincadeira, alegre movimento de dança vida humana. Na sinfonia "Sol menor" (número 40), revela-se a profunda poesia lírica do movimento da alma humana. A sinfonia "em dó maior" (número 41), chamada de "Júpiter" pelos contemporâneos, abraça o mundo inteiro com seus contrastes e contradições, afirma a razoabilidade e a harmonia de sua estrutura.

CONCLUSÃO

O século XVIII é caracterizado por uma centralização sem precedentes da produção, capital, mercados, o surgimento de poderosos monopólios, sua expansão às custas das colônias existentes e recém-criadas à força e a redistribuição das esferas de influência entre estados e monopólios.

A consequência dessas circunstâncias foi um agudo agravamento das contradições entre várias áreas da filosofia, ética, história e arte.

Desde o século 18 o poder da burguesia se estende na Europa a um número crescente de países, que se expandem e fortalecem suas colônias. No século 19 a agudeza dos aumentos dos problemas socioeconômicos e políticos, que se tornam objeto de consideração da filosofia, se refletem na teoria da arte.

A. Schweitzer escreveu que os ideais éticos delineados pelo Iluminismo e pelo racionalismo, ao interagir com a vida real da sociedade, a transformaram. No entanto, desde meados do século XIX. sua influência cessou gradualmente, porque não encontrou apoio na visão de mundo existente.

A filosofia, ignorando os problemas da cultura, mostrou seu completo fracasso, pois não levou em conta que a base da cosmovisão não pode ser apenas a história e as ciências naturais.

No campo da arte na segunda metade do século XVIII. floresceu o estilo barroco, intimamente associado à igreja e à cultura aristocrática da época. Manifestou tendências para glorificar a vida, toda a riqueza da vida real. A pintura, a escultura, a arquitetura, a música barroca glorificavam e glorificavam os monarcas, a igreja e a nobreza. O esplendor, a complexidade alegórica, o pathos e a teatralidade do estilo artístico barroco, a combinação da ilusão com a realidade nele, foram desenvolvidos em muitos monumentos culturais e, acima de tudo, na Itália (obra do escultor e arquiteto Bernini, do arquiteto Borromini, etc). O barroco também se espalhou na Flandres, Espanha, Áustria, em algumas regiões da Alemanha e na Polônia. Esse estilo se manifestou menos visivelmente na Inglaterra e na Holanda, cuja arte estava mais próxima do gênero e do realismo cotidiano do que da sublimidade, excesso e convencionalidade do barroco.

Um tipo diferente de estética, o oposto meios artísticos barroco, foi canonizado na arte e na literatura européia pelo classicismo. Intimamente associado à cultura do Renascimento, o classicismo voltou-se para as antigas normas da arte como modelos perfeitos; a clareza e o rigor racionalistas eram característicos dele. O classicismo legitimou os princípios da "natureza enobrecida", divisão artificial em gêneros - "alto" (tragédia, ode, pintura épica, histórica, mitológica e religiosa) e "baixo" (comédia, sátira, fábula, pintura de gênero), introduzindo a lei de três unidades - lugar, tempo, ação.

LISTAUSADOLITERATURA

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teste, adicionado em 24/12/2013


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século 18 - durar palco histórico transição do feudalismo para o capitalismo. O desenvolvimento da cultura durante este período em todos os países Europa passou sob o signo ideias do Iluminismo.

Neste século, a Alemanha desenvolveu escola de filosofia idealista alemã clássica. Na França formou-se o maior destacamento de iluministas, a partir daí as ideias do Iluminismo se espalharam pela Europa. Em suas obras (Cartas Persas e Sobre o Espírito das Leis), Charles Louis Montesquieu falou contra a monarquia ilimitada e o feudalismo. Voltaire foi um destacado líder do Iluminismo francês. Ele escreveu belas obras literárias, filosóficas e históricas que expressavam ódio ao fanatismo religioso e ao estado feudal. As atividades de Jean Jacques Rousseau tornaram-se uma nova etapa no desenvolvimento do Iluminismo francês. Suas obras continham ódio aos opressores, críticas ao sistema estatal, desigualdade social.

O destino do materialismo francês está ligado aos nomes de Denis Diderot, Etienne Bonnot Condillac, Paul Holbach. 50-60 anos século 18 - atividade florescente dos materialistas franceses. Este período é caracterizado pelo desenvolvimento simultâneo da ciência e da tecnologia. Graças a Adam Smith, a economia política se torna uma disciplina científica. A ciência se desenvolveu rapidamente, estava diretamente relacionada à tecnologia e à produção. No século XVIII, a literatura e a música tornam-se mais significativas, aos poucos vão ganhando destaque entre todos os tipos de artes. A prosa está se desenvolvendo como um gênero no qual é mostrado o destino de uma pessoa individual no ambiente social da época.O gênero do romance, que descreve a imagem universal do mundo, está se desenvolvendo de maneira especialmente frutífera. No final dos séculos XVII-XVIII. começa a tomar forma aquela linguagem musical, na qual falará então toda a Europa. Os primeiros foram J. S. Bach e G. F. Handel. J. Haydn, W. Mozart, L. van Beethoven tiveram uma enorme influência na arte da música. Alcançou ótimos resultados arte teatral, dramaturgia, de natureza realista e pré-romântica.

Uma característica distintiva desta época é o estudo das principais questões da estética do teatro, a natureza da atuação. O século 18 é frequentemente chamado de "era de ouro do teatro". O maior dramaturgo P. O. Beaumarchais o considerava "um gigante que fere mortalmente todos a quem dirige seus golpes". Goldoni (Veneza], P. Beaumarchais (França), G. Lessing, I. Goethe (Alemanha), F. Schiller.

O principal gênero de pintura do século XVIII. era um retrato.

Entre os artistas da época, destacam-se Gainsborough, Latour, Houdon, Chardin, Watteau, Guardi. A pintura não reflete a plenitude universal do escopo da vida espiritual de uma pessoa, como era antes.Em diferentes países, a formação de uma nova arte é desigual. A pintura e a escultura no estilo rococó eram de natureza decorativa.

Arte do século XVIII termina com a magnífica obra do artista espanhol Francisco Goya. Património cultural do século XVIII. ainda surpreende com sua extraordinária diversidade, riqueza de gêneros e estilos, profundidade de compreensão das paixões humanas, maior otimismo e fé no homem e em sua mente. A Era do Iluminismo é a era das grandes descobertas e grandes ilusões. Não é por acaso que o fim desta era coincide com o início da Revolução Francesa. Ela destruiu a fé dos iluministas na "era de ouro" do progresso não violento. Fortaleceu a posição dos críticos de seus objetivos e ideais.

Não, você não ficará alheio, o século é insano e sábio! ..
UM. Radishchev

Numa série de séculos de história europeia, o século XVIII ocupa um lugar especial. Houve épocas de realizações mais grandiosas, mas não houve época mais completa em estilo, mais, por assim dizer, "inteira". O conhecido crítico de arte N. Dmitrieva o chama de último século de dominação da cultura aristocrática. Daí o seu requinte e essa mesma “estilosidade”, por vezes em detrimento da profundidade. E, ao mesmo tempo, esta é a era da afirmação de novos valores na vida dos europeus, valores que ainda hoje se mantêm vivos e que, de facto, determinam o atual rosto da civilização europeia.
Sob os badalados melódicos de cravos e harpas, várias revoluções ocorreram simultaneamente na vida, cabeça e coração dos europeus, das quais apenas duas costumamos chamar de “revoluções” propriamente ditas: a Grande Revolução Francesa e a Guerra da Independência dos Estados Unidos da América. América. Enquanto isso, eles apenas colocaram pontos finais nas frases que cheiravam a sangue e pólvora, que a Europa escreveu diligentemente ao longo do século XVIII.
Então, primeiro um pouco sobre as revoluções.

Revolução nas mesas

A principal conquista do "século XVIII" é que basicamente acabou com a fome nos principais países da Europa. Que os “motins do pão” em Paris não nos incomodem muito: na maioria das vezes eles se rebelavam por causa da falta ou alto custo do já familiar pão branco. Portanto, a frase frívola de Maria Antonieta (“Se o povo não tem pão, coma bolos”) não é tão frívola. Sim, interrupções no fornecimento de pão em grandes cidades aconteceu, porém, em termos de fome absoluta, a Europa retrocedeu em cheio logo no início do século XVIII, quando durante uma quebra de safra, até pão preto começou a ser servido na mesa de Madame Maintenon.
No século 18, o cardápio europeu mudou drasticamente. A velha tríade (pão carne vinho) é complementada por novos alimentos: batata, milho, espinafres, ervilhas, chá, café e chocolate (que estão a tornar-se iguarias cada vez mais populares). Sim, e as três primeiras "baleias" da dieta européia estão mudando significativamente sua "cara". Desde meados do século 18 na França, o pão de centeio foi substituído pelo pão de trigo com leite (as famosas "cabanas francesas" foram trazidas para a Europa em suas baionetas pelos soldados de Napoleão).
Com o aperfeiçoamento da pecuária, o mercado de carnes está gradativamente saturado, extremamente constrangido pelo forte aumento da população nos três séculos anteriores. Claro, para a maioria dos europeus, a carne ainda não está disponível na forma mais útil: na forma de carne enlatada e todos os tipos de carnes defumadas. Mas com o peixe era ainda mais difícil: diziam que os pobres só podiam sentir o aroma do peixe fresco.
Por fim, o clima e as preferências gustativas determinaram as características de consumo. bebidas alcoólicas. O sul e o sudoeste da Europa escolheram o vinho, o norte e o noroeste a cerveja, e o nordeste mais arrojado e gelado, claro, a vodca.
O afluxo de açúcar (em geral, embora muito caro) possibilitou a colheita de frutas e bagas (e vitaminas para o inverno) para o futuro. É verdade que, no início do século XVIII, a geléia ainda era um produto tão raro e valioso que, por exemplo, os parisienses a presenteavam como presente a Pedro, o Grande.
Todas essas inovações aparentemente puramente culinárias fizeram uma verdadeira revolução. Basta dizer que a Grã-Bretanha, que desconhecia a escassez de produtos cárneos, deve muito a esse poderoso crescimento populacional no século XVIII, sem o qual, de fato, o Império Britânico não teria existido. E o amor dos colonos americanos pelo chá levou à sua indignação com o aumento dos impostos sobre o chá introduzido pelas autoridades inglesas (o chamado "Boston Tea Party"). Falando figurativamente, os Estados Unidos da América nasceram de uma xícara de chá derramada.
A revolução nas mesas avançou o desenvolvimento da sociedade. Sem ela, a Europa e a América do Norte não teriam se tornado a hegemonia do resto do mundo no século XIX.
(Aliás, o século XVIII enfrentou a colocação da mesa europeia, que foi muito facilitada pela produção de porcelana, gourmetismo em vez de gula e aumento dos padrões de higiene. As regras de conduta à mesa, pratos e a cutelaria chegou até nós (pelo menos ao nível dos banquetes de embaixadas e restaurantes) daí, do "século XVIII").

Revolução na mente

O século 18 costuma ser chamado de Iluminismo, embora essa palavra seja muito lenta e defina aproximadamente os processos que ocorreram na mente dos europeus entre 1700 e 1804 (indico o ano da morte de I. Kant).
Os pensadores europeus rompem com a teologia e delimitam o domínio da filosofia própria da ciência natural. De acordo com a imagem mecanicista newtoniana do mundo, Deus é necessário apenas como aquele que deu o primeiro ímpeto ao desenvolvimento da natureza, e então o mundo se afastou dele separadamente.
O século XVIII é o século dos praticantes, e é por isso que os pensadores não se contentam com especulações escolásticas vazias. O critério da verdade é a experiência. Qualquer pathos e retórica parecem deslocados em qualquer circunstância. Morrendo de câncer, a marquesa, a quem Rousseau serviu, emite gases, declara que uma mulher capaz de tal coisa ainda viverá e entrega sua alma a Deus, pode-se dizer, com um sorriso ousado e despreocupado.
Os filósofos admiram a perfeição do mundo (Leibniz) e a criticam impiedosamente (enciclopedistas), cantam louvores à razão e ao progresso da civilização (Voltaire) e declaram o progresso e a razão como inimigos dos direitos naturais do homem (Rousseau). Mas todas essas teorias agora, à distância de anos, não parecem mutuamente exclusivas. Todos eles giram em torno de uma pessoa, sua capacidade de compreender o mundo e transformá-lo de acordo com suas necessidades e idéias de "o melhor".
Ao mesmo tempo, por muito tempo, os filósofos estão convencidos de que uma pessoa é razoável e boa por natureza, que apenas as “circunstâncias” são as culpadas por seus infortúnios. A alfabetização e as batatas são plantadas pelos próprios monarcas. O clima geral da filosofia européia do século 18 pode ser chamado de "otimismo cauteloso" e seu slogan o apelo de Voltaire a todos "cultivem seu próprio jardim".
Infelizmente, os horrores sangrentos da Revolução Francesa forçarão a reconsideração radical da ilusão benevolente dos filósofos, mas o próximo século fará isso. No entanto, a ideia puramente européia de direitos individuais será estabelecida e, no século XVIII, será estabelecida como o valor mais básico.

Revolução nos corações

A "Era da Razão" não teria ocorrido em todo o seu esplendor sem uma revolução nos corações. A pessoa gradualmente se emancipa, percebe seu mundo interior como importante e valioso. A vida emocional dos europeus está se tornando mais rica e refinada.
A prova imortal disso foi a grande música do século 18, talvez uma das maiores conquistas da história da humanidade.
Maravilhoso compositor francês início do século XVIII J. F. Rameau foi o primeiro a formular o papel intrinsecamente valioso da música, que anteriormente era considerada apenas uma ajuda para a palavra. Ele escreveu: “Para realmente apreciar a música, devemos nos dissolver completamente nela” (citado de: G. Koenigsberger, p. 248).
A música expressava as emoções da época com muito mais precisão e sutileza do que a palavra censurada, reprimida por convenções. Para o europeu educado, tornou-se uma necessidade urgente. Nas bibliotecas dos castelos tchecos e austríacos, as pastas musicais se amontoam nas prateleiras junto com os livros: as novidades musicais eram lidas aqui da folha, como jornais, e com a mesma ansiedade!
A música do século XVIII ainda está cheia de convenções e fórmulas dadas. Foi a presença desses lugares comuns que permitiu aos compositores serem tão prolíficos (mais de 40 óperas de G.F. Handel, mais de 200 concertos para violino de A. Vivaldi, mais de 100 sinfonias de I. Haydn!) Ao mesmo tempo, é ainda tão democrático que até dá uma chance e amadores: Zh.Zh. Rousseau compõe uma ópera, que faz sucesso na corte, e o próprio rei, terrivelmente desafinado, canta a partir daí sua arietta preferida.
A música do século XVIII estava intimamente ligada à vida e ao cotidiano. Bach esperava que sua música sacra pudesse ser executada pelo coro dos paroquianos na igreja, e a dança doméstica mais amada, o minueto, tornou-se parte integrante de qualquer sinfonia até a era de Beethoven.
Cada país no século 18 percebeu sua identidade através da música. Alemão G. F. Handel trouxe a magnífica ópera séria italiana para a nebulosa Londres. Mas as histórias antigas pareciam ao público britânico muito abstratas e sem vida. Praticamente nenhuma mudança forma musical, Handel passa a criar oratórios, que, por assim dizer, são as mesmas óperas, mas apenas em concerto, enquanto são escritas com base em histórias da Bíblia que os ouvintes vivenciaram com paixão. E o mais amplo público responde com entusiasmo a isso, os oratórios espirituais de Handel estão se tornando um tesouro nacional, sua atuação é derramada em manifestações patrióticas.
O resultado do desenvolvimento musical do século XVIII é a obra de V.A. Mozart. O brilhante austríaco introduz um novo tema na música - o tema do destino de seu criador, ou seja, apresenta a personalidade de um contemporâneo com seus desejos, alegrias e medos simples e urgentes. “Em geral, o homem é uma criatura de Deus” graças a isso, na música, ele se transforma em uma pessoa de uma determinada época, adquire as características de uma personalidade e destino reais

Revolução nos costumes

Uma sociedade feudal estritamente hierárquica sempre presta atenção especial à etiqueta. É um meio de enfatizar o status (desigualdade ordenada) da posição social.
Claro, a etiqueta continua a dominar as relações entre as pessoas no século XVIII. Os embaixadores atrasam a apresentação das credenciais se os documentos não chegarem a tempo de confirmar que sua nobreza remonta pelo menos ao século XIV. Caso contrário, durante a cerimônia de apresentação em Versalhes, o rei não poderá abraçar e beijar a esposa do embaixador, mas apenas cumprimentá-la! A etiqueta domina as mentes dos cortesãos a tal ponto que alguns deles com toda a seriedade asseguram que o Grande Revolução Francesa estourou pelo fato de o Controlador Geral das Finanças Necker ter comparecido perante o rei com sapatos com laços, e não com fivelas!
No entanto, os próprios monarcas já estão bastante cansados ​​\u200b\u200bde todas essas convenções. Luís XV se esconde dos laços de etiqueta nos aposentos de sua amada, Catarina, a Grande, em seu Hermitage, e Maria Antonieta não consegue engolir uma mordida na tradicional refeição real pública e fica saciada depois, já sozinha.
O tribunal se opõe ao salão, aristocrático e burguês, onde os proprietários e convidados se comunicam brevemente. O tom é dado pelas pessoas mais augustas. O regente da França, Philippe d'Orléans Jr., proclama em suas orgias: "Tudo é proibido aqui, exceto o prazer!"
Mas o bloco de gelo da etiqueta feudal está derretendo lenta e desigualmente. Em 1726, os lacaios de um nobre senhor podem bater com paus no elegante autor de Voltaire por uma resposta ousada ao seu mestre. Já em 1730, a igreja poderia se recusar a enterrar a famosa atriz Adrienne Lecouvreur (apesar do fato de ela ser a amante do marechal da França), porque durante sua vida ela se envolveu no "vergonhoso ofício de um hipócrita".
Mas vinte anos depois, na mesma França, o status do artista está mudando, o artista vai literalmente forçar o rei a respeitar sua dignidade humana. E foi assim. Ofendido por Luís XV, o famoso mestre do retrato pastel Latour por muito tempo se recusou a perpetuar a Marquesa de Pompadour. Quando conseguiu persuadir os caprichosos, a artista se despiu na sua frente quase até a camisa. Durante a sessão, o rei entrou. “Como, senhora, você me jurou que não seríamos incomodados!” gritou Latour e correu para pegar os gizes de cera. O rei e seu mestre mal conseguiram convencer o virtuoso pastel a continuar a sessão.
Claro, em uma sociedade feudal, tudo é determinado pela posição, não pelo talento. Mozart escreve que na mesa do arcebispo de Salzburgo seu lugar é mais alto que um lacaio, mas mais baixo que um cozinheiro. Mas nessa época, a já burguesa Inglaterra estava enterrando o "ator", o grande ator D. Garrick, na Abadia de Westminster!
A crise da sociedade feudal dá origem a uma nova ideia de homem. Agora, o ideal não é um senhor feudal ou um nobre da corte, mas uma pessoa privada " uma pessoa gentil na França, um cavalheiro na Inglaterra. No final do século, nesses países, não a nobreza, mas o sucesso, o talento e a riqueza determinam o status de um indivíduo na sociedade.
Aqui está uma anedota típica sobre o assunto. Napoleão odiava o compositor Cherubini. Certa vez, em uma recepção no palácio, após a apresentação de todos os presentes, o imperador novamente perguntou desafiadoramente sobre o nome "deste cavalheiro". "Ainda Cherubini, senhor!" O maestro respondeu-lhe bruscamente.
Em outros países, a emancipação do indivíduo levará quase a metade do próximo século.

Pedro descobre a Europa

No século 18, outra grande potência, a Rússia, entrou no cenário político europeu. A "apresentação" do novo gigante político ocorreu na primavera e no verão de 1717, quando a embaixada dos ainda misteriosos, mas já ligeiramente europeizados "moscovitas" visitou várias capitais europeias.
Infelizmente, nem em Paris nem em Berlim eles ficaram fascinados pelos heróis russos, liderados pelo czar Pedro.
E agora os detalhes.
No final de abril daquele ano, os russos apareceram na fronteira francesa. Versalhes enviou um de seus cortesãos mais elegantes, o Marquês de Mailly-Nesle, para encontrá-los. O marquês encontrou os russos, é claro, em uma taverna, roncando e vomitando. Apenas Pedro falou com sua língua.

"Cultura da Europa nos séculos XVII-XVIII"

1. Vida espiritual

Na história da Europa, o século XVII foi marcado pelo triunfo do novo estilo barroco na arte e pelo ceticismo na vida espiritual da sociedade. Depois de cheio de entusiasmo e fé nas habilidades de um homem renascentista, vem a decepção, o desespero e a trágica discórdia de um indivíduo com o mundo exterior. Um homem, acostumado desde a Idade Média a se sentir no centro do universo, de repente se viu perdido em um enorme planeta, cujo tamanho se tornou conhecido por ele. O céu estrelado deixou de ser uma cúpula confiável e se transformou em um símbolo da imensidão do espaço, que acenava e ao mesmo tempo repelia e assustava. Os europeus tiveram que se redescobrir e se adaptar ao mundo muito mudado ao seu redor.

No início do século XVIII, na Europa continental, o ceticismo e o racionalismo do barroco foram substituídos pelo Iluminismo e pela arte do Rococó. A ideia principal do Iluminismo era o otimismo e uma firme crença de que a humanidade pode ser mudada aumentando sua educação (daí o nome desse movimento). O Iluminismo teve origem na França, que respirou aliviada após a morte de Luís XIV e olhou para o futuro com esperança.

Um grande papel na divulgação das ideias do Iluminismo foi desempenhado pela sociedade secreta dos maçons - maçons. A origem da Maçonaria ainda é um mistério. Os próprios maçons se consideram os sucessores dos Cavaleiros Templários, que sobreviveram ao massacre no início do século XIV, cujos membros fundaram a primeira loja - a seção secreta. Os cientistas acreditam que os maçons como organização política surgiram no início do século 18 com base em sindicatos de construtores. Os membros das lojas maçônicas defenderam a construção de um novo mundo com base na igualdade e fraternidade universais e lutaram contra a Igreja Católica, pela qual foram repetidamente anatematizados.

2. Arte barroca e rococó

No final do século XVI, o maneirismo foi aos poucos dando lugar ao barroco, alto estilo do poder absoluto estabelecido dos monarcas que sobreviveram à crise do catolicismo e defenderam o direito de existir para o protestantismo. A maior floração do barroco caiu no dia 2 metade do XVII século, quando a Europa superou com sucesso os cataclismos das guerras religiosas.

A arquitetura barroca foi caracterizada por acabamentos decorativos luxuosos com muitos detalhes, molduras multicoloridas, abundância de dourados, entalhes, esculturas e plafonds pitorescos que criam a ilusão de abóbadas abertas subindo. Este é o momento do domínio das curvas, linhas intrincadamente curvas fluindo umas para as outras, fachadas solenes de edifícios e majestosos conjuntos arquitetônicos. Dominado na pintura retrato formal, as telas estão repletas de alegorias e composições decorativas virtuosas.

Apesar do domínio do barroco, esta época não foi uniforme em termos de estilo. Na França, onde as tendências do classicismo estrito eram fortes, eles tentaram seguir padrões antigos. Na Holanda, eles estavam mais inclinados para um estilo naturalista.

O barroco como estilo originou-se na Itália, de onde deveria trazer a luz de um catolicismo revivido para a Europa. Lorenzo Bernini foi um dos arquitetos mais proeminentes do barroco. Ele foi nomeado arquiteto-chefe da Catedral de São Paulo - a principal igreja católica de Roma. Segundo o seu projeto, em 1623-1624, foi construído um enorme dossel de bronze sobre o altar da catedral, material para o qual, por ordem do Papa Urbano VIII, foi utilizado o antigo telhado do Panteão. Também em 1656-1665, Bernini construiu uma grandiosa colunata oval em frente à fachada da catedral. Em 1658, o arquiteto ergueu a igreja de Sant'Andrea al Quirinale, em 1663-1666 - a "Escadaria Real" no Vaticano. A brilhante habilidade de Bernini se manifestou na construção das famosas fontes romanas - a Fonte Triton e a Fonte dos Quatro Rios. Além de um dom arquitetônico brilhante, Bernini tinha uma habilidade brilhante como escultor. Ele é o autor dos túmulos do Papa Urbano VIII e Alexandre VII na Catedral de São Pedro, esculturas "David" (1623), "Apollo e Daphne" (1622-1625), numerosos bustos. Em particular, durante uma viagem à França em 1665, Bernini criou um busto de Luís XIV.

A principal escola de pintura na Itália da era barroca foi a escola de Bolonha, fundada por três artistas: Aodovico Carracci e seus primos Annibale e Agostino. Em 1585, fundaram uma oficina em Bolonha, denominada “Academia dos que entraram no bom caminho”, na qual desenvolveram os princípios básicos da pintura barroca. Em 1597, Annibale e Agostino mudaram-se para Roma, onde receberam a encomenda de pintar a galeria do Palazzo Farnese. Segundo Carracci, a realidade é muito dura, por isso deve ser enobrecida criando imagens ideais na tela.

Outro proeminente artista barroco italiano, Caravaggio Michelangelo, ao contrário, buscou o máximo de realismo. Criando pinturas sobre temas bíblicos, o artista tentou especificamente torná-las o mais democráticas e simples possível. Estas são suas telas "A Conversão de Saul" (1600-1601), "O Entombment" (1602 - 1604) , "A Morte de Maria" (1606). Além disso, ele transformou a natureza morta em gênero independente pintura.

O estilo barroco na Espanha transformou o século XVII na "idade de ouro" da cultura nacional deste país. O rei Filipe IV patrocinou os pintores de todas as formas possíveis, criando as melhores condições para eles e pagando generosamente pelo seu trabalho.

o primeiro grande artista espanhol O barroco é considerado Jusepe Ribera, apesar de ter partido para a Itália na juventude, onde viveu o resto da vida. Seu trabalho foi influenciado por Caravaggio, e o artista tentou tornar seus personagens o mais realistas possível. As obras mais famosas de Ribera são "São Jerônimo" (1626), "O Tormento de São Bartolomeu" (1630), "O Coxo" (1642).

O maior pintor da Espanha do século XVII foi Diego De Silva Velazquez, desde 1623 - o pintor da corte de Filipe IV. A maneira de Velázquez se distinguia por um realismo acentuado, alguma rigidez de escrita e uma verdade marcante da vida. Em sua juventude, ele criou toda uma galeria de brilhantes tipos folclóricos,V anos maduros, morando na corte, dava preferência a aristocratas, membros da família real, bem como a súditos mitológicos. São Baco (1628-1629), Vênus com Espelho (1651), Meninas (1656).

O barroco espanhol teve um efeito profundo na Flandres, onde o mesmo estilo se estabeleceu. O auge do barroco flamengo foi obra do artista Peter Paul Rubens. Como muitos outros pintores, na juventude, Rubens viajou para a Itália, onde estudou os monumentos da antiguidade e a obra dos mestres renascentistas. Voltando à sua terra natal, criou a imagem clássica da monumental imagem barroca do altar - "Exaltação da Cruz" e "Descida da Cruz" (1610-1614). Rubens é caracterizado por corpos humanos poderosos e magníficos, cheios de vitalidade, uma grande escala decorativa. O tema de suas pinturas eram temas mitológicos e bíblicos, cenas históricas. Ele se tornou o criador do retrato barroco cerimonial. Maioria pinturas famosas Rubens são: "O Rapto das Filhas de Leucipo" (1619-1620), "Perseu e Andrômeda" (1621), "Bathsheba" (1636), "Casaco de Pele" (1638).

O aluno de Rubens foi o artista Anthony van Dyck, pintor da corte de Carlos I. Sucessor das ideias da escola flamenga, Van Dyck trabalhou por muito tempo em Gênova, Antuérpia, e em 1631 mudou-se para Londres para sempre. Lá ele se tornou um retratista favorito da família real e recebeu tantos pedidos que foi forçado a distribuir o trabalho entre seus alunos, criando algo como uma manufatura artística. Retratos pertencem a seus pincéis: “Carlos I na caça” (1633), “ Retrato de família» (1621).

Na França, onde a tradição clássica competia com o barroco, o mais representante proeminente A escola nacional de pintura foi Nicolas Poussin. Poussin considerou seus professores Rafael e Ticiano, cuja obra estudou durante uma visita à Itália. O artista preferiu retratar cenas mitológicas e bíblicas usando um grande número de personagens e alegorias. Exemplos vívidos classicismo foram suas telas "A Inspiração do Poeta" (1629-1635), "O Reino da Flora" (1632), "O Rapto das Sabinas" (1633), "Bacanal".

O reinado de Luís XIV foi uma era inteira no desenvolvimento da arte francesa. Artistas e arquitetos foram fundidos na Academia de Pintura e Escultura e na Academia de Arquitetura. Eles foram chamados a glorificar a grandeza do "Rei Sol" e, por meio de esforços conjuntos, baseados em um compromisso entre o barroco e o classicismo, criaram uma nova tendência, que foi chamada de estilo de Luís XIV. Os grandiosos palácios e conjuntos de parques deveriam incorporar visualmente a ideia da onipotência do monarca absoluto e do poder da nação francesa.

Guiado por esses princípios, o arquiteto Claude Perrault em 1667 iniciou a construção da fachada leste do Louvre, a chamada "Colunata". De acordo com o projeto de Liberal Bruant e Jules Hardouin-Mansart, foi construído o Les Invalides - um albergue para veteranos de guerra e uma catedral. O auge da arquitetura francesa desta época foi a construção de Versalhes (1668-1689). A construção do Palácio de Versalhes e do conjunto do parque foi liderada pelos arquitetos Louis Levo e Jules Hardouin-Mansart. Em Versalhes, a severidade das linhas do edifício do palácio, característica do classicismo, combina-se com a magnífica decoração barroca dos salões. Além disso, o próprio parque, decorado com inúmeras fontes, é produto do estilo barroco.

Ao contrário da Itália, Espanha, Inglaterra e França, onde os pintores recebiam enormes somas de dinheiro por suas telas, na Holanda os artistas recebiam muito pouco. Uma boa paisagem podia ser comprada por alguns florins, um bom retrato, por exemplo, custava apenas 60 florins, e Rembrandt, estando no auge de sua fama, recebeu apenas 1600 florins para A Ronda Noturna. Para efeito de comparação, os honorários de Rubens totalizaram dezenas de milhares de francos. Os mestres holandeses viviam em uma prosperidade muito modesta, às vezes na pobreza em pequenas oficinas. Sua arte reflete vida cotidiana país e não visava glorificar a monarquia ou a glória do Senhor, mas revelar a psicologia de uma pessoa comum.

O primeiro grande mestre da escola holandesa de pintura foi Frans Hals. A grande maioria de suas pinturas são retratos. Teve uma grande oficina, teve 12 filhos que, seguindo o pai, se tornaram artistas, muitos estudantes, levavam uma vida boêmia, estavam sobrecarregados com inúmeras dívidas e morreram em completa pobreza.

As obras mais significativas do início da pintura holandesa foram os retratos de grupo de Hals. Os clientes eram membros das guildas que pediam para retratá-los durante uma festa ou reunião. Estes são os "Oficiais da Rifle Company de St. George" (1616), "Arrows of the Guild of St. Adrian in Haarlem" (1627). A arte de Hals é desprovida de concentração profunda e colisões psicológicas. Em suas pinturas, que refletem o caráter do próprio artista, as pessoas quase sempre riem. Hals criou uma galeria de holandeses simples, um pouco rudes, mas francos em seus sentimentos - "Gypsy", "Malle Babbe", "Boy-fisherman", "Jester".

Aluno de Hals, o pintor Adrian van Ostade trabalhou em gênero doméstico. Suas cenas da vida rural e urbana são impregnadas de humor e um sorriso bem-humorado. Tako você é "luta", "na taverna da aldeia", "oficina do artista". Jan van Goyen tornou-se um clássico da paisagem holandesa, que utilizou os princípios da perspectiva aérea. Sua melhor tela é "Vista de Dordrecht" (1648).

O segundo grande pintor da Holanda, cujo trabalho está em pé de igualdade com Hals, foi Jan Vermeer de Delft. Ele preferia composições líricas cotidianas retratando uma ou duas mulheres em casa - "Garota lendo uma carta", "Mulher na janela", "Mulher experimentando um colar", "Taça de vinho", "Lacemaker". Vermeer conseguiu mostrar a vida pessoal dos citadinos, bem como uma pessoa em união com o meio ambiente, com grande força emocional. Ele conseguiu transmitir com incrível verdade a luz do dia prateada que brinca em suas telas com muitos destaques.

O auge da escola holandesa foi o trabalho de Rembrandt Harmensz van Rijn, com seu psicologismo profundo e tons únicos de marrom dourado. Como Hals, Rembrandt experimentou um período de popularidade, mas depois faliu e terminou sua vida em uma pobreza terrível.

Rembrandt pintou principalmente retratos, individuais e de grupo, bem como pinturas sobre temas mitológicos e bíblicos. O artista era um mestre do claro-escuro e seus personagens parecem arrancados da escuridão por um raio de luz. Suas telas "Danaë", "Sagrada Família", "O Retorno do Filho Pródigo" são consideradas obras-primas insuperáveis. De retratos de grupo os mais famosos são Aula de Anatomia do Doutor Tulipa e Ronda Noturna. Espiritualidade e incrível profundidade emocional distinguem "Retrato de um Velho de Vermelho".

Da Itália, a arquitetura barroca se espalhou não apenas para o norte, mas também para o leste. Após o fim da Guerra dos Trinta Anos no sul da Alemanha sob a liderança de mestres italianos Numerosos edifícios barrocos foram erguidos. No final do século XVII, surgiram em terras alemãs seus próprios mestres, que trabalhavam no estilo barroco.

O arquiteto prussiano Andreas Schlüter construiu o Palácio Real e o edifício do arsenal em Berlim. Se Schluter foi guiado pelo escultor italiano Lorenzo Bernini e modelos franceses, então a obra de Daniel Peppelman é totalmente original. De acordo com seu projeto, o famoso complexo do palácio Zwinger foi erguido em Dresden para Augusto II, o Forte. Além disso, por ordem de agosto, o arquiteto Peppelman ergueu o Palácio Real em Grodno.

A propagação do estilo barroco na Comunidade foi causada pela penetração dos jesuítas no país. O primeiro monumento barroco na Bielo-Rússia e na Europa em geral fora da Itália foi a igreja jesuíta construída no final do século XVI pelo arquiteto italiano Bernardoni para o príncipe Radziwill em Nesvizh. Este estilo atingiu o seu verdadeiro apogeu na 2ª metade do século XVII, quando, tendo adquirido traços nacionais, tomou forma no barroco bielorrusso ou de Vilna. Numerosas igrejas e desenvolvimentos urbanos em Vilna, Grodno, Minsk, Mogilev, Brest, Slonim, Pinsk, Polotsk Sophia Catedral reconstruída após a explosão, mosteiros em Golypany, Baruny, Berezveche, complexos de palácios em Nesvizh e Ruzhany foram exemplos clássicos do barroco bielorrusso.

No final do século XVII, o barroco penetrou da Bielorrússia para a Rússia, onde foi chamado pela primeira vez de estilo Naryshkin. Um exemplo dessa tendência é a Igreja da Intercessão em Fili e a Igreja do Signo em Dubrovitsy. Com o início das reformas de Pedro I, o barroco finalmente triunfou na arquitetura russa, que se manifestou principalmente durante a construção de São Petersburgo. O auge do desenvolvimento barroco na Rússia foi obra do arquiteto italiano Bartolomeo Francesco Rastrelli. Ele reconstruiu os palácios em Peterhof e Tsarskoe Selo, construiu o complexo do Mosteiro Smolny e o famoso Palácio de Inverno na capital.

No início do século XVIII, um novo estilo de arte, o rococó, nasceu na França. Ao contrário do barroco, que era exclusivamente um estilo da corte, o rococó era a arte da aristocracia e das camadas superiores da burguesia. Agora, o objetivo principal do mestre não era a glorificação de ninguém nem de nada, mas a conveniência e o prazer de uma pessoa em particular. Se o barroco parecia alto, o rococó descia das alturas celestiais para a terra pecaminosa e voltava o olhar para as pessoas que estavam ao redor. Às vezes, o estilo rococó é chamado de arte pela arte. Seria mais correto chamar esse estilo de arte para uma pessoa.

Os arquitetos rococós começaram a cuidar do conforto humano. Eles abandonaram a pomposidade dos majestosos edifícios barrocos e tentaram envolver uma pessoa com uma atmosfera de conveniência e graça. A pintura também abandonou as "grandes ideias" e passou a ser simplesmente bela. Livres das emoções turbulentas do barroco, as pinturas foram preenchidas com luz fria e meios-tons sutis. O rococó foi talvez o primeiro estilo quase inteiramente secular na história da arte européia. Como a filosofia do Iluminismo, a arte rococó também se separou da igreja, deixando os temas religiosos em segundo plano. Doravante, tanto a pintura quanto a arquitetura deveriam ser leves e agradáveis. A galante sociedade do século XVIII estava cansada de moralizar e pregar, as pessoas queriam aproveitar a vida, tirando o máximo proveito dela.

O maior mestre do Rococó foi François Boucher, que transformou suas pinturas em painéis decorativos para decorar a parede. Tais são as telas "O Banho de Diana", "O Triunfo de Vênus", "Cena do Pastor".

Maurice-Kanter Larut foi capaz de criar gênero retrato rococó. As pessoas retratadas em suas pinturas, em total conformidade com as exigências do século, olham para o espectador com gentileza e galante, tentando despertar nele não admiração, mas um sentimento de simpatia. Os verdadeiros personagens dos personagens estão escondidos sob a máscara da cortesia secular.

As pinturas de Honore Fragonard estão repletas de um sentimento sincero de plenitude da vida, que ocorre no gozo despreocupado. Um exemplo disso é a tela "Swing" (1766), "Kiss furtively" (1780).

O estilo rococó chegou à Alemanha na década de 30 do século XVIII, e permaneceu no norte, já que o barroco reinou supremo nas terras do sul da Alemanha até o final do século.

Em 1745, o arquiteto prussiano Georg Knobelsdorff iniciou a construção do Palácio Sanssouci e do Parque Ensemble perto de Potsdam. Seu próprio nome (traduzido do francês como “sem preocupações”) refletia o espírito da era rococó. Por ordem de Frederico II, um modesto palácio de um andar foi construído no terraço da uva. No entanto, logo o rococó foi suplantado pela força crescente do classicismo.

A arte inglesa do século XVIII era tão peculiar que desafia as classificações aceitas na Europa continental. Há um entrelaçamento bizarro de todos os estilos e tendências, entre os quais o classicismo gradualmente ocupa o primeiro lugar.

William Hogarth tornou-se o fundador da escola nacional de pintura inglesa. Em total conformidade com o espírito da sociedade inglesa da época, dedicou sua obra à sátira política e social. A série de pinturas "Mot's Career", "Fashionable Marriage", "Elections" trouxe verdadeira fama ao artista. Para apresentar seu trabalho ao maior número possível de espectadores, o próprio Hogarth fez gravuras de todas as suas obras a óleo e as distribuiu em grande número.

O artista Joshua Reynolds entrou para a história como um teórico da arte, o primeiro presidente da Royal (Londres) Academy of Arts e um destacado pintor de retratos. Seus retratos são preenchidos com o pathos de glorificar os heróis que se tornaram dignos de serem impressos na tela para sempre.

Se Reynolds se distinguia por uma abordagem racional da pintura, a obra de Thomas Gainsborough era mais emocional. Seus retratos se distinguem por uma percepção poética da natureza humana.

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O século XVII é uma das páginas mais brilhantes e brilhantes da história da cultura artística mundial. Este é o momento em que a ideologia do humanismo e a fé no Infinitas possibilidades um senso das dramáticas contradições da vida veio ao homem. Por um lado, uma reviravolta revolucionária está ocorrendo na ciência natural, nova foto mundo, novos estilos aparecem na arte, por outro lado, prevalecem o conservadorismo político, visões pessimistas sobre a sociedade e o homem.

A era do século XVII na cultura e na arte é geralmente chamada de era barroca. A formação de uma nova cultura européia foi associada a uma "imagem do mundo" em rápida mudança e à crise dos ideais do Renascimento italiano. Para a vida espiritual da sociedade do século XVII, grandes descobertas geográficas e descobertas científicas naturais foram de grande importância. A pessoa começou a sentir intensamente a fragilidade e instabilidade de sua posição, a contradição entre ilusão e realidade. A nova visão de mundo foi refratada de maneira especial na cultura artística: tudo incomum, obscuro, fantasmagórico começou a parecer bonito, atraente e claro e simples - enfadonho e desinteressante. Essa nova estética suplantou visivelmente os antigos princípios renascentistas de imitação da natureza, clareza e equilíbrio.

Assim surgiu um novo estilo - o barroco. Barroco (barroco italiano - “bizarro”, “estranho”, “excessivo”, port. perola barroca - “pérola de formato irregular” (literalmente “pérola com vício”) - gíria dos marinheiros portugueses para se referir a pérolas defeituosas de formato irregular a forma passou a ser usada no sentido de "suavizar, dissolver o contorno, tornar a forma mais suave, mais pitoresca".

A arquitetura barroca foi caracterizada por acabamentos decorativos luxuosos com muitos detalhes, molduras multicoloridas, abundância de dourados, entalhes, esculturas e plafonds pitorescos que criam a ilusão de abóbadas abertas subindo. Este é o momento do domínio das curvas, linhas intrincadamente curvas fluindo umas para as outras, fachadas solenes de edifícios e majestosos conjuntos arquitetônicos. O retrato cerimonial domina na pintura, o contraste, a tensão, o dinamismo das imagens, o desejo de grandeza e pompa, pois a combinação de realidade e ilusão são característicos.

O início do barroco italiano está associado à construção da igreja romana de Il Gesu (1575), cuja fachada foi projetada por Giacomo della Porta. Ela literalmente “criou uma época”, tornando-se uma expressão das tendências estilísticas da época: a tradicional divisão em 2 andares, semi-colunas, nichos, estátuas e as inevitáveis ​​volutas (cachos) nos cantos. O primeiro e maior edifício palaciano da época foi o Palazzo Quirinale, a residência de verão dos papas, erguido no topo do Monte Quirinal.

Essa tendência encontra sua expressão mais marcante na escultura na obra de Lorenzo Bernini. Sua escultura “David” retrata um momento de movimento rápido, uma corrida em direção ao gigante Golias, a transição de um movimento para outro. Bernini não para de distorcer o rosto, transmitindo uma expressão dolorosa ou feliz. Na escultura "Apolo e Dafne" de Lorenzo Bernini, em um movimento voador, foi capturado o momento da transformação da jovem indefesa Dafne, ultrapassada pelo leve Apolo, em louro. A brilhante habilidade de Bernini se manifestou na construção das famosas fontes romanas - "Fonte de Tritão" e "Fonte dos Quatro Rios".

A próxima etapa da transformação da Catedral de São Pedro em Roma está associada ao nome de Bernini: ele projetou a praça em frente à catedral, galerias-corredores cobertos esticados bem à frente desde as bordas da fachada. O arquiteto criou 2 praças - uma grande elíptica, emoldurada por colunas, e uma praça em forma de trapézio diretamente adjacente a ela, delimitada no lado oposto pela fachada principal da catedral. Ao mesmo tempo, o espaço em frente à catedral era também uma praça da cidade, decorada com um obelisco no centro da oval e duas fontes.

A Holanda destaca-se nas artes plásticas e, sobretudo, na pintura. Peter Paul Rubens (1577-1640), como as grandes figuras do Renascimento, mostrou-se em vários campos de atividade: foi diplomata, cortesão, recebeu o título de nobreza, foi amigo e colaborou com personalidades importantes da época. Como muitos outros pintores, na juventude, Rubens viajou para a Itália, onde estudou os monumentos da antiguidade e a obra dos mestres renascentistas. Voltando à sua terra natal, criou a imagem clássica da monumental imagem barroca do altar - "Exaltação da Cruz" e "Descida da Cruz" (1610-1614). Um grupo de carrascos e soldados ergueu uma grande cruz com Cristo pregado nela. As várias poses das figuras, seus escorços complexos e músculos inchados expressam a extrema tensão das forças físicas, essa força bruta se opõe à imagem idealizada de Cristo. Rubens é caracterizado por corpos humanos poderosos e magníficos, cheios de vitalidade, uma grande escala decorativa. O tema de suas pinturas eram temas mitológicos e bíblicos, cenas históricas.

Rubens "Exaltação da Cruz" "Descida da Cruz"

Na pintura A caça aos leões, cujo esboço é uma das melhores peças de Rubens da coleção do Hermitage, a ação é dotada de extraordinária rapidez e paixão. Cavalos de criação, um leão atormentando um cavaleiro em queda e caçadores que o atingem se fundiram em um grupo inseparável, onde força e vitalidade desenfreadas se transformam em raiva.

Ele se refere de bom grado aos temas do mundo antigo. A pintura do Hermitage "Perseu e Andrômeda" (1620-1621), que pertence às obras-primas do mestre, dá um exemplo de como ele usa imagens da antiguidade clássica de forma livre e realista. O momento é retratado quando o herói mítico Perseu, tendo chegado em seu cavalo alado Pégaso, liberta Andrômeda acorrentada a uma rocha. Ele derrotou o dragão que a mantinha cativa, e o terrível monstro impotente abre a boca a seus pés. Fascinado pela beleza da cativa, Perseu se aproxima dela, a glória coroa o vencedor, os cupidos correm para servi-lo.

O tema principal de Rubens era um homem, amor vivo e terreno, pode-se até dizer paixão. Ele estava comprometido com a plenitude da vida, força, alcance, tempestade de movimento. Ele frequentemente retratava figuras nuas, geralmente um corpo pesado, quente e cheio de sangue, cheio da cor exuberante da vida e geralmente destacado por um ponto claro em um fundo escuro. Então, ele escreve "Elena Fourman em um casaco de pele". Nos retratos de Rubens, acessórios, fundos - cortinas exuberantes, etc. não atrapalharam, mas contribuíram para a divulgação do personagem do personagem, penetração em seu mundo interior ("Retrato de uma camareira").

Tendências realistas na pintura podem ser observadas na obra do grande pintor holandês Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669). Os temas de sua obra são diversos: temas religiosos, mitologia, história, retratos, cenas de gênero. A arte de Rembrandt distinguiu-se, antes de tudo, pelo amor ao homem, pelo humanismo, em cada obra de Rembrandt - uma tentativa de transmitir a evolução espiritual do homem, o trágico caminho do conhecimento da vida. Seus heróis são pessoas com personagens contraditórios e destinos difíceis. O artista sempre estuda a natureza, seu modelo, não se limitando a retratar características comuns. Rembrandt entrou para a história da pintura mundial como mestre do autorretrato. De ano para ano, ele se retratava alegre ou triste, depois zangado ou indiferente. Os cem auto-retratos que ele criou contêm a história de sua vida, a biografia de sua alma, a confissão do artista.

A pintura “A volta do filho pródigo” retrata o episódio final da parábola, quando o filho pródigo volta para casa, “e estando ele ainda longe, seu pai o viu e teve pena; e, correndo, caiu em seu pescoço e o beijou ”, e seu irmão justo mais velho, que ficou com seu pai, ficou com raiva e não quis entrar.

"Danae" é escrito com base no antigo mito grego de Danae, a mãe de Perseu. Quando o rei da antiga cidade grega de Argos soube da profecia, segundo a qual estava destinado a morrer nas mãos do filho de Danae, sua filha, ele a aprisionou em uma masmorra e designou uma criada para ela. O deus Zeus, no entanto, penetrou Danae na forma de chuva de ouro, após o que ela deu à luz um filho, Perseu.

O classicismo dominou a França no século XVII. O classicismo (do francês classicisme, do latim classicus - exemplar) é um estilo artístico e tendência estética na arte europeia dos séculos XVII-XIX. Classicismo é baseado nas idéias do racionalismo. Uma obra de arte, do ponto de vista do classicismo, deve ser construída com base em cânones estritos, revelando assim a harmonia e a lógica do próprio universo. Os mestres do classicismo não transmitiam em suas obras a vida imediata e envolvente. Eles retrataram a realidade enobrecida, procuraram criar imagens ideais que correspondessem às suas ideias sobre o razoável, o heróico e o belo. Os temas da arte clássica limitavam-se principalmente à história antiga, à mitologia e à Bíblia, e linguagem figurativa e as técnicas artísticas foram emprestadas da arte clássica antiga, que, na opinião dos mestres do classicismo, correspondia acima de tudo ao ideal harmonioso do razoável e do belo.

O fundador do classicismo na pintura francesa foi Nicolas Poussin (1594-1665). Suas obras se distinguem por ideias, pensamentos e sentimentos profundos. Ele acreditava que a arte deveria lembrar a pessoa "da contemplação e da sabedoria, com a ajuda da qual ela poderá permanecer firme e inabalável diante dos golpes do destino". Dentro das cenas de mitologia antiga e a Bíblia, Poussin revelou os temas da era moderna. Em suas obras, ele buscou uma calma majestosa, contenção nobre, equilíbrio. Seu ideal é um herói que mantém uma paz de espírito imperturbável nas provações da vida, capaz de realizar uma façanha. A ideia da transitoriedade da vida e da inevitabilidade da morte muitas vezes atraiu a atenção de Poussin e serviu de tema para muitas de suas obras. A melhor delas é a pintura "Os Pastores Arcadianos" (Louvre), feita, aparentemente, no início da década de 1650. Ele retrata quatro habitantes do lendário país feliz - Arcádia, que encontrou uma tumba entre os arbustos e analisou as palavras esculpidas nela: "E eu estava na Arcádia". Essa descoberta acidental faz os pastores Arcadianos pensarem, lembrando-os da inevitabilidade da morte. A profunda ideia filosófica subjacente a esta imagem é expressa de uma forma cristalina e classicamente rigorosa. A natureza das figuras, sua estatuária e proximidade com formas e proporções antigas são indicativas da arte madura do mestre. A imagem se distingue por uma extraordinária integridade de design e execução, e a tristeza oculta de que está imbuída lhe confere um charme completamente peculiar. Uma das características de seu talento é a capacidade de revelar o mundo interior de uma pessoa em movimento, em gestos, em ritmos.

Na história da cultura francesa, o período desde o início do reinado de Luís XV até o início da revolução (1789) é chamado de período do Iluminismo. Um de as características mais importantes A cultura do Iluminismo é o processo de deslocamento dos princípios religiosos da arte pelos seculares. A arquitetura secular no século 18 pela primeira vez tem precedência sobre a arquitetura da igreja em quase toda a Europa.

A vida social do Iluminismo foi altamente controversa. Os iluministas lutaram contra a "velha ordem", que então ainda poder real. Não só o estilo de criatividade artística, mas também o modo de vida das cortes reais, personificando a "Velha Ordem" da Europa, torna-se rococó (do francês "rocaille" - concha). Título transmite Característica principal deste estilo é a escolha de uma forma complexa e refinada e linhas caprichosas, que lembram a silhueta de uma concha.

O termo "rococó" (ou "rocaille") entrou em uso em meados do século XIX. Inicialmente, "rocaille" é uma forma de decorar o interior de grutas, tigelas de fontes, etc. com vários fósseis que imitam formações naturais (naturais). As características do rococó são sofisticação, grande carga decorativa de interiores e composições, ritmo ornamental gracioso, grande atenção à mitologia, conforto pessoal.

arquitetura rococó

Ao contrário do barroco, que era exclusivamente um estilo da corte, o rococó era a arte da aristocracia e das camadas superiores da burguesia. Agora, o objetivo principal do mestre não era a glorificação de ninguém nem de nada, mas a conveniência e o prazer de uma pessoa em particular. Os arquitetos rococós começaram a cuidar do conforto humano. Eles abandonaram a pomposidade dos majestosos edifícios barrocos e tentaram envolver uma pessoa com uma atmosfera de conveniência e graça. A pintura também abandonou as "grandes ideias" e passou a ser simplesmente bela. Livres das emoções turbulentas do barroco, as pinturas foram preenchidas com luz fria e meios-tons sutis. O rococó foi talvez o primeiro estilo quase inteiramente secular na história da arte européia. Como a filosofia do Iluminismo, a arte rococó também se separou da igreja, deixando os temas religiosos em segundo plano. Doravante, tanto a pintura quanto a arquitetura deveriam ser leves e agradáveis. A galante sociedade do século XVIII estava cansada de moralizar e pregar, as pessoas queriam aproveitar a vida, tirando o máximo proveito dela.

O rococó se manifestou não no desenho externo dos edifícios, mas apenas nos interiores, bem como no desenho de livros, roupas, móveis e pinturas. O estilo Rococó também se expressou brilhantemente em todos os ramos da produção artística e industrial; com particular sucesso foi utilizado na fabricação de porcelana, conferindo uma elegância peculiar tanto à forma quanto à ornamentação de seus produtos; graças a ele, esta fabricação deu um grande passo à frente em seu tempo e conquistou grande estima entre os amantes da arte. Além da porcelana, a prata está na moda. São confeccionadas tigelas de chocolate, terrinas, cafeteiras, pratos, pratos e muito mais. Neste século, nasce a arte culinária em sua forma moderna, incluindo a arte de servir a mesa. Os móveis rococó são diferentes traços característicos. Uma das características mais marcantes são as linhas curvas, as pernas curvas. Os móveis ficam mais leves e elegantes do que antes. Aparecem novos móveis: consoles, secretárias, escrivaninhas, cômodas, guarda-roupas. Os dois tipos mais comuns de cadeiras são "Bergere" e "Marquise". Candelabros dourados, relógios, estatuetas de porcelana, tapeçarias, biombos são elementos indispensáveis ​​​​do estilo rococó. Espelhos e pinturas pesando assimetricamente são usados ​​em abundância. Nos sofás e poltronas, use almofadas de seda e pufes com bordados em trama. Fato interessante- foi o estilo de design rococó que introduziu uma inovação no interior como um aquário no interior.

interior rococó

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, "festas galantes", imagens idílicas da vida do "pastor" tendo como pano de fundo a natureza intocada. Um dos maiores mestres da arte francesa do século XVIII foi Antoine Watteau (1684-1721), artista de sutil sentimento poético e grande talento pictórico. Mestre sonhador e melancólico das "festas galantes", introduziu poesia genuína e profundidade de sentimentos na representação da vida da sociedade secular, e uma sombra de algum tipo de melancolia e insatisfação na interpretação de cenas de amor e diversões descuidadas. Muitas vezes encontramos em suas pinturas a imagem de um sonhador solitário, melancólico e triste, imerso em pensamentos e afastado da diversão barulhenta, da vaidade da multidão. Este é o verdadeiro herói de Watteau. Suas obras estão sempre cobertas de tristeza lírica. Não encontraremos neles diversão tempestuosa, cores nítidas e sonoras. Ele gosta especialmente de retratar senhoras e senhores caminhando ou se divertindo tendo como pano de fundo a paisagem, em parques sombreados cobertos de vegetação, nas margens de lagoas e lagos. Essas são as duas pinturas encantadoras da Galeria de Dresden, por exemplo "Sociedade no Parque", onde tudo está imbuído de um clima lírico sutil e até mesmo estátuas de mármore deuses antigos parecem olhar favoravelmente para os amantes.

“Chegada à ilha de Citera”

O mais famoso artista rococó foi François Boucher, que, além da pintura, trabalhou em todos os tipos de artes decorativas e aplicadas: criou papelão para tapeçarias, desenhos para porcelana de Sevres, pintou leques, realizou miniaturas e pinturas decorativas. François Boucher foi um artista ideologicamente associado à sociedade aristocrática durante seu declínio; ele capturou em suas telas o desejo de desfrutar de todas as bênçãos da vida que reinava entre as classes altas em meados do século XVIII. Na obra de Bush, as tramas mitológicas são amplamente utilizadas, dando origem à representação de um corpo nu feminino e infantil. Especialmente muitas vezes ele escreve heroínas mitológicas - em diferentes momentos de seus casos de amor ou banheiro ocupado. Não menos características de Boucher são as chamadas pastorais, ou cenas de pastores. A paixão pelos temas pastorais, característica de toda a época, era reflexo das teorias então em voga, segundo as quais só são felizes os ingênuos que vivem longe da civilização, no seio da natureza. Seus pastores e pastoras são rapazes e moças elegantes e bonitos, levemente trajados e representados tendo como pano de fundo paisagens. Além de pastorais e pinturas mitológicas, ele pintou cenas de gênero da vida de uma sociedade aristocrática, retratos (especialmente retratos da Marquesa Pompadour), imagens religiosas, geralmente resolvidas no mesmo plano decorativo ("Descanse na fuga para o Egito" ), flores, motivos ornamentais. Boucher tinha um talento inegável como decorador, sabia como conectar suas composições com a solução de interiores.

moda rococó

Dúvidas e tarefas:

1. Conte-nos sobre as características estéticas do estilo barroco

2. Conte-nos sobre as características da pintura barroca usando o exemplo de Rubens

3. Conte-nos sobre o estilo de pintura de Rembrandt

4. Por que o estilo rococó é considerado o estilo da aristocracia?

5. Faça um tour por correspondência em Versalhes