Pintura renascentista de Veneza. Renascimento em Veneza

Renascimento tardio

Ao contrário da arte da Itália Central, onde a pintura se desenvolveu em estreita ligação com a arquitetura e a escultura, em Veneza no século XIV. pintura dominada. Na obra de Giorgione e Ticiano, foi feita uma transição para a pintura de cavalete com o uso ativo de tintas a óleo. Um dos motivos da transição foi determinado pelo clima de Veneza, em que o afresco está mal preservado. Outra razão é que a pintura de cavalete aparece em conexão com o crescimento de temas seculares e a expansão do círculo de objetos incluídos no círculo de atenção dos pintores. Junto com o estabelecimento da pintura de cavalete, a diversidade de gêneros está aumentando. Assim, Ticiano criou pinturas sobre temas mitológicos, retratos, composições em histórias bíblicas. Na obra de representantes do Renascimento tardio - Veronese e Tintoretto, ocorreu uma nova decolagem da pintura monumental.

Giorgio da Castelfranco apelidado Giorgione(1477-1510) viveu uma vida curta. Seu apelido é derivado da palavra "zorzo", que no dialeto veneziano significa "uma pessoa de origem inferior". Giorgione era um membro das camadas culturais de Veneza. As tramas de suas pinturas, como Tempestade, Três Filósofos difícil de interpretar. Alguns de seus melhores trabalhos são "Vênus adormecida" e "Judith" em que o artista alcançou a harmonia do homem e da natureza. Ticiano estudou no ateliê do artista, que aprendeu muito com o professor. Em 1510, Giorgione morreu de peste.

Ticiano Vecellio(1476-1576) estudou com Giovanni Bellini, depois em 1507 ingressou na oficina de Giorgione, que a princípio confiou a Ticiano a conclusão de sua obra. Após a morte de Giorgione, Ticiano, tendo concluído algumas de suas obras e aceitado várias de suas encomendas, abriu sua oficina.

Nesta época, em vários retratos, entre os quais "Salomé", "Senhora atrás do banheiro" e "Flora" ele incorpora sua ideia de beleza.

Em 1516 o artista cria Ascensão de Nossa Senhora (Assunta) para a igreja de Santa Maria Gloriosa em Veneza - a imagem mostra como um grupo de apóstolos gesticulando animadamente vê a Mãe de Deus ascender, cercada de anjos, ao céu.

Em 1525, Ticiano se casa com Cecília, sua amada, com quem teve dois filhos. O artista desta época adora imagens saudáveis ​​\u200b\u200be sensuais, usa cores sonoras e profundas. Após a morte de Bellini, o lugar do artista da Escola Veneziana da República passou para Ticiano. Ticiano continua a reforma da pintura iniciada por Giorgione: prefere telas grandes que permitem uma sobreposição ampla e livre de cores. Sobre a camada inicial, logo após a secagem, aplicava pinceladas mais ou menos densas, mas fluidas, misturadas com vernizes transparentes e brilhantes ( vitrificação), finalizando a foto intensificando os tons mais claros e as sombras com pinceladas que adquirem quase personagem corpus. O esboço correspondia à preparação emocional geral, mas em si era completo.

A convite do Papa Paulo III, Ticiano se muda para Roma. Novos temas aparecem em sua arte - o drama da luta, da tensão. Em seguida, Ticiano e seu filho partem para Augsburg para Carlos V. Em sua corte, o mestre escreve muito, principalmente recebe muitas encomendas da Espanha - o rei Filipe II encomenda várias pinturas para ele. No início dos anos 50. Ticiano retorna a Veneza, mas continua trabalhando para o rei espanhol. Os retratos de Ticiano se distinguem pela vitalidade. EM "Retrato do Papa Paulo III com seus sobrinhos"é mostrado um encontro de três pessoas, cada uma das quais associada a outros sentimentos secretos. Em 1548, Ticiano escreveu dois retratos de Carlos V. Em uma delas, ele é apresentado como um triunfante que conquistou uma vitória - vestido com armadura, usando capacete com penacho. O segundo retrato mostra o imperador em um tradicional terno preto espanhol, sentado em uma poltrona tendo como pano de fundo uma loggia.

No início dos anos 50. Ticiano, encomendado por Filipe II, que se tornou imperador após a abdicação de seu pai Carlos V, pintou sete telas sobre temas mitológicos, que chamou de "poemas", interpretando temas mitológicos como metáforas da vida humana. Em geral, a antiguidade era muito atraente para o artista. Entre as melhores pinturas sobre os temas da antiguidade "Vênus de Urbino", "Vênus e Adonis", "Danae", "Baco e Ariadne".

Em pinturas de temática religiosa, o artista atinge um alto grau de psicologismo e expressividade ( "Denário de César", "Penitente Madalena").

Nos últimos anos de sua vida, Ticiano viveu em Veneza. Em suas obras, a ansiedade e a decepção estão crescendo. Ele se volta cada vez mais para tramas dramáticas - cenas de martírio e sofrimento, nas quais também soam notas trágicas (" São Sebastião"). Aqui o artista usa estilo de escrita pastosa- são pinceladas poderosas e com textura áspera.

Paulo Veronese(1528-1588). P.Caliari, apelidado por causa de seu local de nascimento, nasceu em Verona. Chegando a Veneza, ele imediatamente se torna famoso por seu trabalho no Palazzo Ducal. Até o fim de sua vida, por 35 anos, Veronese trabalhou na decoração e exaltação de Veneza ( "Casamento em Caná da Galiléia"). A pintura de Veronese é toda construída sobre a cor. Ele sabia comparar cores individuais de tal forma que sua aproximação criava um som particularmente intenso. Eles começam a queimar como pedras preciosas. Ao contrário de Ticiano, que era principalmente um pintor de cavalete, Veronese é um decorador nato. Antes de Veronese, pinturas de cavalete separadas eram colocadas nas paredes para decorar interiores, e uma unidade decorativa geral, uma fusão sintética de pintura e arquitetura, não funcionava. Veronese foi o primeiro dos artistas venezianos a criar conjuntos decorativos inteiros, pintando as paredes de igrejas, mosteiros, palácios e vilas de cima a baixo, inscrevendo sua pintura na arquitetura. Para isso, utilizou a técnica do afresco. Em seus murais, e principalmente nos plafonds, Veronese utilizou escorços fortes, reduções espaciais arrojadas, destinadas a visualizar a imagem de baixo para cima ( "Vênus e Adonis", "Vênus e Marte"). Em seus plafonds, ele "abriu o céu".

Jacopo Tintoretto(nome verdadeiro Jacopo Robusti, 1518-1594). A pintura de Tintoretto marca o fim da versão italiana do Renascimento. Tintoretto gravitou em torno de ciclos pictóricos de natureza temática complexa, utilizou temas raros e inéditos. Ciclo dos Milagres de S. A marca na Academia de Veneza e em Milão Brera (Milão) apresenta-se em formas que fogem às habituais soluções pictóricas. Crônicas históricas do Palácio Ducal retratando batalhas mostram uma abundância de variações e audácia de design. Em temas mitológicos antigos, Tintoretto continuou aquela interpretação poética livre de motivos, cujo início foi estabelecido pela "poesia" de Ticiano. A foto é um exemplo "Origem da Via Láctea". Ele usou novas fontes de enredo. na foto "Salvando Arsinoe" o artista partiu do arranjo do poema do autor romano Lucan na lenda medieval francesa, e escreveu "Tancred e Clorinda" baseado no poema de Tasso.

Tintoretto referiu-se repetidamente ao enredo de A Última Ceia. Em uma pintura da igreja de Santa Trovaso, as palavras de Cristo, como golpes, espalharam os discípulos chocados. Recurso Específico obras de Tintoretto sugestividade(sugestão), dinâmica, brilho expressivo de motivos naturais, multidimensionalidade espacial.

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ORÇAMENTO DO ESTADO FEDERAL INSTITUIÇÃO DE EDUCAÇÃO

EDUCAÇÃO SUPERIOR PROFISSIONAL

"UNIVERSIDADE DO ESTADO DE RYAZAN COM O NOME DE S.A. YESENIN"

Faculdade de Filologia Russa e Cultura Nacional

Direção de preparação "Teologia"

Ao controleTrabalho

Na disciplina "Cultura Artística Mundial"

Sobre o tema: "Renascimento veneziano"

Preenchido por um aluno do 2º ano

educação em tempo parcial:

Kostyukovich V.G.

Verificado por: Shakhova I.V.

Ryazan 2015

Plano

• Introdução
• Conclusão
• Bibliografia

Introdução

O termo "Renaissance" (em francês "Renaissance", em italiano "Rinascimento") foi introduzido pela primeira vez pelo pintor, arquiteto e historiador da arte do século XVI. George Vasari, pela necessidade de determinar a era histórica, devido ao estágio inicial de desenvolvimento das relações burguesas na Europa Ocidental.

A cultura renascentista se originou na Itália, e isso estava relacionado, antes de tudo, com o surgimento das relações burguesas na sociedade feudal e, como resultado, o surgimento de uma nova visão de mundo. O crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato, a ascensão do comércio mundial, as grandes descobertas geográficas do final do século XV e início do século XVI mudaram a vida da Europa medieval. cultura urbana criou novas pessoas e formou uma nova atitude perante a vida. Um retorno às conquistas esquecidas começou cultura antiga. Todas as mudanças se manifestaram em maior medida no art. Nesta época, a sociedade italiana começa a se interessar ativamente pela cultura. Grécia antiga e Roma, estão sendo procurados manuscritos de escritores antigos. Várias esferas da vida da sociedade - arte, filosofia, literatura, educação, ciência - estão se tornando cada vez mais independentes.

Quadro cronológico O Renascimento italiano abrange o período da segunda metade do século XIII à primeira metade do século XVI. Nesse período, o Renascimento é dividido em várias etapas: a segunda metade dos séculos XIII-XIV. - Proto-renascentista (pré-renascimento) e Trecento; Século 15 - início do Renascimento (Quattrocento); final do século XV-primeiro terço do século XVI - Alta Renascença (o termo Cinquecento é usado com menos frequência na ciência). Ilyina s. 98 Este artigo examinará as características do Renascimento em Veneza.

O desenvolvimento da cultura renascentista italiana é muito diversificado, o que se deve aos diferentes níveis de desenvolvimento econômico e político das diferentes cidades da Itália, aos diferentes graus de poder e força da burguesia dessas cidades, seus vários graus de conexão com o feudalismo tradições. Principal escolas de arte na arte do Renascimento italiano no século XIV. foram sienases e florentinos, no século XV. - Florentina, Úmbria, Pádua, Veneziana, no século XVI. - Romano e Veneziano.

A principal diferença entre o Renascimento e os anteriores era cultural consistiu em uma visão humanista da pessoa e do mundo ao seu redor, na formação dos fundamentos científicos do conhecimento humanitário, no surgimento de uma ciência natural experimental, nas características da linguagem artística da nova arte e, finalmente, na afirmando os direitos da cultura secular ao desenvolvimento independente. Tudo isso formou a base para o desenvolvimento subsequente cultura europeia nos séculos XVII-XVIII. Foi o Renascimento que realizou uma síntese ampla e diversa de dois mundos culturais - pagão e cristão, que teve um impacto profundo na cultura dos tempos modernos.

As figuras do Renascimento criaram, em contraste com a cosmovisão feudal, a escolástica, uma nova cosmovisão secular, racionalista. O centro das atenções no Renascimento era um homem, então a visão de mundo dos portadores dessa cultura é denotada pelo termo "humanístico" (do latim humanitas - humanidade). Para os humanistas italianos, o foco do homem em si mesmo era o principal. Seu destino está em grande parte em suas próprias mãos, ele é dotado por Deus de livre arbítrio.

O Renascimento é caracterizado pelo culto da beleza, especialmente a beleza do homem. A pintura italiana retrata pessoas lindas e perfeitas. Artistas e escultores buscaram em seu trabalho a naturalidade, uma recriação realista do mundo e do homem. O homem no Renascimento torna-se novamente tema principal arte, e o corpo humano é considerado o mais forma perfeita na natureza.

O tema do Renascimento, e em particular o Renascimento de Veneza, é relevante porque a arte do Renascimento se desenvolveu a partir de uma síntese de tudo de melhor que foi criado na arte medieval dos séculos anteriores e na arte do mundo antigo . A arte do Renascimento foi um ponto de viragem na história da arte europeia, colocando o homem em primeiro lugar, com as suas alegrias e tristezas, mente e vontade. Desenvolveu uma nova linguagem artística e arquitetônica, que mantém seu significado até hoje. Portanto, o estudo do Renascimento é um elo importante para a compreensão de todo o desenvolvimento posterior da cultura artística da Europa.

Peculiaridades renascimento veneziano

Na abundância de artesãos talentosos e no escopo da criatividade artística, a Itália superou no século XV. todos os outros países europeus. A arte de Veneza representa uma variante especial do desenvolvimento da cultura artística do Renascimento em relação a todos os outros centros de arte renascentista na Itália.

Desde o século 13 Veneza era uma potência colonial que possuía territórios nas costas da Itália, Grécia e nas ilhas do Mar Egeu. Ela negociou com Bizâncio, Síria, Egito, Índia. Graças ao comércio intensivo, uma enorme riqueza fluiu para ele. Veneza era uma república comercial e oligárquica. Por muitos séculos, Veneza viveu como uma cidade fabulosamente rica, e seus habitantes não podiam se surpreender com a abundância de ouro, prata, pedras preciosas, tecidos e outros tesouros, mas o jardim do palácio era percebido por eles como o limite máximo da riqueza, já que havia muito pouco verde na cidade. As pessoas tiveram que abandoná-lo para aumentar o espaço habitacional, expandindo a cidade, que já estava espremida pela água de todos os lados. É provavelmente por isso que os venezianos se tornaram muito receptivos à beleza, e cada estilo artístico atingiu bastante alto nível em suas possibilidades decorativas. A queda de Constantinopla sob o ataque dos turcos abalou muito a posição comercial de Veneza, mas a enorme riqueza monetária acumulada pelos mercadores venezianos permitiu que ela mantivesse sua independência e estilo de vida renascentista por uma parte significativa do século XVI.

Cronologicamente, a arte do Renascimento tomou forma em Veneza um pouco mais tarde do que na maioria dos outros grandes centros da Itália dessa época, mas também durou mais tempo do que em outros centros da Itália. Tomou forma, em particular, mais tarde do que em Florença e, em geral, na Toscana. O renascimento em Veneza, como se dizia, tinha características próprias, pouco se interessava por pesquisas científicas e escavações de antiguidades antigas. O Renascimento veneziano teve outras origens. A formação dos princípios da cultura artística do Renascimento nas belas artes de Veneza começou apenas no século XV. Isso não foi de forma alguma determinado pelo atraso econômico de Veneza, pelo contrário, Veneza, junto com Florença, Pisa, Gênova, Milão, era um dos centros economicamente mais desenvolvidos da Itália na época. É precisamente a transformação precoce de Veneza em uma grande potência comercial que é responsável por esse atraso, uma vez que um grande comércio e, consequentemente, uma maior comunicação com os países orientais influenciaram sua cultura. A cultura de Veneza estava intimamente associada à magnífica grandeza e ao luxo solene da cultura imperial bizantina e, em parte, à refinada cultura decorativa. mundo árabe. Já no século XIV, a cultura artística de Veneza era uma espécie de entrelaçamento de formas magníficas e festivas da monumental arte bizantina, animada pela influência da ornamentação colorida do Oriente e um repensar peculiarmente elegante dos elementos decorativos de uma arquitetura madura. arte gótica. Claro, isso também se refletirá na cultura artística veneziana do Renascimento. Para os artistas de Veneza, os problemas da cor vêm à tona, a materialidade da imagem é alcançada por gradações de cor.

O Renascimento veneziano foi rico em grandes pintores e escultores. O maior mestres venezianos Renascimento alto e tardio - este é Giorgione (1477-1510), Ticiano (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) "Culturologia p. 193 .

Principais representantes do Renascimento veneziano

George Barbarelli da Castelfranco, apelidado de Giorgione (1477-1510). Um típico artista do Alto Renascimento. Giorgione tornou-se o primeiro mais artista famoso Alta Renascença em Veneza. Em sua obra, finalmente vence o princípio secular, que se manifesta no domínio de tramas sobre temas mitológicos e literários. A paisagem, a natureza e o belo corpo humano tornaram-se objeto de arte para ele.

Giorgione desempenhou para a pintura veneziana o mesmo papel que Leonardo da Vinci desempenhou para a pintura da Itália central. Leonardo se aproxima de Giorgione pelo senso de harmonia, perfeição das proporções, primoroso ritmo linear, pintura com luz suave, espiritualidade e expressividade psicológica de suas imagens e, ao mesmo tempo, pelo racionalismo de Giorgione, que sem dúvida o influenciou diretamente quando estava passando de Milão em 1500. em Veneza. Ilyina s. 138 Mas ainda assim, comparada com a clara racionalidade da arte de Leonardo, a pintura de Giorgione é permeada de profundo lirismo e contemplação. Giorgione é mais emotivo que o grande mestre milanês, ele se interessa não tanto pelo linear quanto pelo perspectiva aérea. A cor desempenha um papel enorme em suas composições. Tintas sólidas, colocadas em camadas transparentes, suavizam os contornos. O artista usa habilmente as propriedades da pintura a óleo. A variedade de tons e tons de transição o ajuda a alcançar a unidade de volume, luz, cor e espaço. A paisagem, que ocupa lugar de destaque em sua obra, contribui para a divulgação da poesia e harmonia de suas imagens perfeitas.

Entre os seus trabalhos iniciais atrai a atenção de "Judith" (por volta de 1502). A heroína, retirada da literatura apócrifa do Antigo Testamento, do Livro de Judite, é retratada como uma jovem bela mulher tendo como pano de fundo a natureza silenciosa. A artista retratou Judith no momento de seu triunfo com toda a força de sua beleza e dignidade contida. A modelagem suave em preto e branco do rosto e das mãos lembra um pouco o "sfumato" de Leonard. Ilyina s. 139 uma linda mulher contra o pano de fundo da bela natureza, no entanto, uma estranha nota perturbadora é introduzida nesta composição aparentemente harmoniosa pela espada na mão da heroína e a cabeça decepada do inimigo, pisoteada por ela. Outra das obras de Giorgione deve ser notada "Thunderstorm" (1506) e "Country Concert" (1508-1510), onde você também pode ver a bela natureza e, claro, a pintura "Sleeping Venus" (cerca de 1508-1510) . Infelizmente, Giorgione não teve tempo de concluir o trabalho de "Sleeping Venus" e, segundo os contemporâneos, o fundo da paisagem do quadro foi pintado por Ticiano.

Ticiano Vecellio (1477? - 1576) - o maior artista do Renascimento veneziano. Embora a data de seu nascimento não tenha sido estabelecida com certeza, muito provavelmente ele era um contemporâneo mais jovem de Giorgione e seu aluno, que superou o professor, segundo os pesquisadores. ele está em longos anos determinou o desenvolvimento da escola veneziana de pintura. A fidelidade de Ticiano aos princípios humanísticos, a fé na mente e nas capacidades do homem, o poderoso colorismo conferem às suas obras uma grande força atrativa. Em sua obra, a originalidade do realismo da escola veneziana de pintura é finalmente revelada. Ao contrário de Giorgione, que morreu cedo, Ticiano viveu uma longa vida feliz cheio de trabalho criativo inspirador. Ticiano manteve a percepção poética do corpo nu feminino, retirado da oficina de Giorgione, muitas vezes literalmente reproduzido na tela quase a silhueta reconhecível da "Vênus adormecida", como em "Vênus de Urbino" (cerca de 1538), mas não no seio da natureza, mas no interior pintor contemporâneo Casas.

Ao longo de sua vida, Ticiano se dedicou ao retrato, atuando como um inovador nessa área. Seu pincel pertence a uma extensa galeria de retratos de reis, papas, nobres. Ele aprofunda as características das personalidades por ele retratadas, percebendo a originalidade da postura, dos movimentos, das expressões faciais, dos gestos, das maneiras de vestir o terno. Seus retratos às vezes se transformam em pinturas que revelam conflitos psicológicos e relacionamentos entre as pessoas. No seu primeiro retrato "Jovem com uma luva" (1515-1520), a imagem de um jovem adquire particularidades individuais e, ao mesmo tempo, expressa uma imagem típica de um homem renascentista, com a sua determinação, energia e senso de independência.

Se nos primeiros retratos ele, como de costume, glorificava a beleza, força, dignidade, integridade da natureza de seus modelos, as obras posteriores se distinguem pela complexidade e inconsistência das imagens. Nas pinturas criadas por Ticiano em últimos anos criatividade, soa uma verdadeira tragédia, na obra de Ticiano nasce o tema do conflito do homem com o mundo exterior. No final da vida de Ticiano, sua obra sofre mudanças significativas. Ele ainda escreve muito sobre assuntos antigos, mas cada vez mais se volta para temas cristãos. Suas obras posteriores são dominadas por temas de martírio e sofrimento, discórdia irreconciliável com a vida e coragem estóica. A imagem de uma pessoa neles ainda tem uma força poderosa, mas perde as características do equilíbrio harmônico interno. A composição é simplificada, baseada na combinação de uma ou mais figuras com fundo arquitectónico ou paisagístico, imersas no crepúsculo. A técnica de escrita também muda, recusando cores vivas e jubilosas, ele se volta para tons complexos turvos, de aço, verde-oliva, subordinando tudo a um tom dourado comum.

Em suas obras posteriores, mesmo as mais trágicas, Ticiano não perdeu a fé no ideal humanista. O homem para ele até o fim permaneceu o valor mais alto, o que pode ser visto no "Autorretrato" (cerca de 1560) do artista, que carregou os brilhantes ideais do humanismo por toda a vida.

No final do século XVI em Veneza, as características de um iminente nova era em arte. Isso pode ser visto na obra de dois grandes artistas, Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, apelidado de Veronese (nascido em Verona, 1528-1588) foi último cantor Veneza festiva do século XVI. Ele começou com a execução de pinturas para os palazzos de Verona e imagens para as igrejas de Verona, mas mesmo assim a fama veio a ele quando, em 1553, ele começou a trabalhar em murais para o Venetian Doge's Palace. A partir desse momento e para sempre a sua vida está ligada a Veneza. Ele faz pinturas, mas com mais frequência pinta grandes pinturas a óleo sobre tela para os patrícios venezianos, retábulos para igrejas venezianas por ordem própria ou por ordem oficial da República de Veneza. Tudo o que ele escreveu é enorme pinturas decorativas Veneza festiva, onde a elegante multidão veneziana é retratada no cenário da paisagem arquitetônica veneziana. Isso também pode ser visto em pinturas sobre temas evangélicos, como "A Festa em Simão, o Fariseu" (1570) ou "A Festa na Casa de Levi" (1573).

Jacopo Robusti, conhecido na arte como Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - tintureiro: o pai do artista era tintureiro de seda), ao contrário de Veronese, tinha uma atitude trágica, que se manifestava na sua obra. Aluno de Ticiano, ele apreciava muito a habilidade colorística de seu professor, mas procurava combiná-la com o desenvolvimento do desenho de Michelangelo. Tintoretto ficou muito pouco tempo na oficina de Ticiano, porém, segundo os contemporâneos, o lema estava pendurado nas portas de sua oficina: “O desenho de Michelangelo, a coloração de Ticiano”. Ilha s. 146 A maioria das obras de Tintoretto são escritas principalmente nas tramas de milagres místicos, em suas obras ele frequentemente retratava cenas de massa com ação intensa dramática, espaço profundo, figuras em ângulos complexos. As suas composições distinguem-se por um dinamismo excepcional e, no período tardio, também por fortes contrastes de luz e sombra. Na primeira pintura que lhe trouxe fama, O Milagre de São Marcos (1548), ele apresenta a figura do santo sob uma perspectiva complexa, e as pessoas em um estado de movimento tão violento que seria impossível em arte clássica período do Alto Renascimento. Tintoretto também foi autor de grandes obras decorativas, um gigantesco ciclo de pinturas ocupando dois andares das dependências do Scuolo di San Rocco, no qual trabalhou de 1565 a 1587. No último período de sua obra, Tintoretto trabalha para o Palácio Ducal (composição "Paraíso", posterior a 1588), onde antes, antes dele, conseguiu trabalhar o conhecido Paolo Veronese.

Falando do Renascimento veneziano, não podemos deixar de recordar o maior arquitecto, nascido e a trabalhar em Vicenza, perto de Veneza - Andrea Palladio (1508-1580), usando o exemplo dos seus edifícios simples e elegantes, demonstrou como as conquistas da antiguidade e o O High Renaissance pode ser processado e usado de forma criativa. Ele conseguiu tornar a linguagem clássica da arquitetura acessível e universal.

dois Áreas críticas sua atividade era a construção de casas urbanas (palazzo) e residências de campo (villas). Em 1545, Palladio venceu o concurso pelo direito de reconstruir a Basílica de Vicenza. A capacidade de enfatizar a harmonia do edifício, colocando-o com habilidade no cenário das pitorescas paisagens venezianas, foi útil para ele em seus trabalhos futuros. Isso pode ser visto no exemplo das vilas que ele construiu Malcontenta (1558), Barbaro-Volpi em Maser (1560-1570), Cornaro (1566). Villa "Rotonda" (ou Capra) em Vicenza (1551-1567) é justamente considerada a construção mais perfeita do arquiteto. É um edifício quadrado com pórticos jônicos de seis colunas em cada fachada. Todos os quatro pórticos levam a um salão central redondo coberto por uma cúpula baixa sob um telhado de telhas. No desenho das fachadas de vilas e palácios, Palladio costumava usar uma grande ordem, como pode ser visto no exemplo do Palazzo Chiericati em Vicenza (1550). Enormes colunas erguem-se sobre estilóbatos comuns, como no Palazzo Valmarana (iniciado em 1566) e na inacabada Loggia del Capitanio (1571), ou muito altos, absorvendo completamente o primeiro andar, como no Palazzo Thiene (1556). No final da carreira, Palladio voltou-se para a arquitetura de igrejas. Ele é dono da igreja de San Pietro in Castello (1558), bem como de San Giorgio Maggiore (1565-1580) e Il Redentore (1577-1592) em Veneza.

Palladio ganhou grande fama não só como arquiteto, mas também como autor do tratado "Quatro Livros de Arquitetura", traduzido para vários idiomas. Seu trabalho teve um grande impacto no desenvolvimento da direção classicista na arquitetura européia dos séculos XVII-XVIII, bem como nos arquitetos da Rússia no século XVIII. Os seguidores do mestre formaram toda uma tendência na arquitetura européia, chamada "palladianismo".

Conclusão

O Renascimento foi marcado na vida da humanidade por um aumento colossal na arte e na ciência. O renascimento surgido com base no humanismo, que proclamava o homem o valor máximo da vida, teve na arte o seu principal reflexo. A arte do Renascimento lançou as bases da cultura européia da Nova Era, mudou radicalmente todos os principais tipos de arte. Princípios criativamente revisados ​​do antigo sistema de ordem foram estabelecidos na arquitetura e novos tipos de edifícios públicos foram formados. A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse em mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagem, retrato. Juntamente com as pinturas murais monumentais que adornam estruturas arquitetônicas, havia uma foto, havia uma pintura pinturas à óleo. Em primeiro lugar na arte veio a individualidade criativa do artista, via de regra, uma pessoa universalmente talentosa. E todas essas tendências são muito claras e claramente visíveis na arte do Renascimento veneziano. Ao mesmo tempo, Veneza, em sua vida criativa significativamente diferente do resto da Itália.

Se na Itália Central durante o Renascimento a arte da Grécia e Roma Antigas teve uma grande influência, então em Veneza a influência da arte bizantina e da arte do mundo árabe se misturou a ela. Foram os artistas venezianos que trouxeram cores brilhantes e sonoras para suas obras, foram coloristas insuperáveis, o mais famoso dos quais é Ticiano. Eles prestaram muita atenção à natureza que envolve o homem, a paisagem. Um inovador nesta área foi Giorgione com sua famosa pintura "Tempestade". Ele retrata o homem como parte da natureza, prestando muita atenção à paisagem. Uma enorme contribuição para a arquitetura foi feita por Andrea Palladio, que tornou pública e universal a linguagem clássica da arquitetura. Seu trabalho teve consequências de longo alcance sob o nome de "palladianismo", que se manifestou na arquitetura européia dos séculos XVII-XVIII.

Posteriormente, o declínio da República de Veneza se refletiu na obra de seus artistas, suas imagens tornaram-se menos sublimes e heróicas, mais terrenas e trágicas, o que se vê claramente na obra do grande Ticiano. Apesar disso, Veneza permaneceu fiel às tradições do Renascimento por mais tempo do que outras.

Bibliografia

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Renascimento tardio (renascimento em Veneza)

A partir dos anos 40. século 16 começa o período do Renascimento tardio. A Itália daquela época caiu sob o domínio de potências estrangeiras e se tornou o principal reduto da reação católica feudal. Apenas a relativa liberdade da rica República de Veneza, tanto do poder do papa quanto do governo dos intervencionistas, garantiu o desenvolvimento da arte nessa região. O Renascimento em Veneza teve características próprias, pois teve outras fontes além de Florença.

Desde o século 13 Veneza era uma potência colonial que possuía territórios nas costas da Itália, Grécia e nas ilhas do Mar Egeu. Ela negociou com Bizâncio, Síria, Egito, Índia. Como resultado do comércio intensivo, uma enorme riqueza fluiu para ele. Veneza era uma república comercial e oligárquica, e o poder da casta dominante era estável, pois defendia sua posição com a ajuda de medidas extremamente cruéis e insidiosas. Aberta a todas as influências do Ocidente e do Oriente, a república há muito extrai das culturas de diferentes países o que poderia decorar e encantar: elegância bizantina e brilho dourado, ornamentação de pedra de monumentos mouriscos, fantásticos templos góticos.

A predileção pelo luxo, decoração e antipatia pela pesquisa científica atrasou a penetração de idéias e práticas artísticas do Renascimento florentino em Veneza. As principais características da obra de pintores, escultores, arquitetos de Florença e Roma não correspondiam aos gostos predominantes em Veneza. Aqui, a arte renascentista foi alimentada pelo amor não pela antiguidade, mas por sua cidade, determinada por suas características. O azul do céu e do mar, as elegantes fachadas dos palácios contribuíram para a formação de um estilo artístico especial, marcado pela paixão pela cor, suas modulações e combinações. Portanto, os artistas venezianos, que eram apenas pintores, viam a base da pintura no colorido e na cor. A paixão pela cor também decorreu de seu amor profundamente enraizado por ricas decorações, cores vivas e dourados abundantes nas obras de arte do Oriente. O Renascimento veneziano também se revelou rico em nomes de grandes pintores e escultores. Ticiano, Veronese, Tintoretto, Giorgione, Correggio, Benvenuto Cellini trabalharam nesta época.

O primeiro pintor mais famoso do Alto Renascimento em Veneza foi Giorgio de Castelfranco, apelidado por seus contemporâneos de Giorgione (1476 ou 1477-1510). Em sua obra, finalmente vence o princípio secular, que se manifesta no domínio de tramas sobre temas mitológicos e literários. Além disso, é nas obras de Giorgione que se dá o nascimento da pintura de cavalete, a que se associam as características da obra do artista: os enredos das suas pinturas distinguem-se pela ausência de enredo claramente definido e ação ativa; na interpretação do enredo, a ênfase principal está na personificação de emoções sutis e complexas que conferem às pinturas de Giorgione um clima especial - elegíaco sonhador ou calmamente concentrado.

Até agora, o número exato de obras autênticas do mestre não foi esclarecido, seu número varia de quatro a sessenta e um. No entanto, os pesquisadores do trabalho do artista concordam que seus melhores trabalhos são pinturas. "Judite" E "Vênus adormecida"". Na tela "Judith" Giorgione não ilustra o conteúdo mito famoso. Todo o lado efetivo da façanha de Judith permanece de lado. Diante de nós está apenas o resultado do acontecimento: a figura solitária de uma jovem, no mais profundo pensamento, de pé sobre um terraço de pedra, atrás do qual se estende uma paisagem de incrível beleza. Seus atributos - a espada e a cabeça de Holofernes - quase não chamam a atenção. A coloração da imagem com suas cores transparentes e delicadas, com tons surpreendentes do vestido de Judith, adquire grande significado artístico.

"Vênus adormecida""- a obra mais famosa de Giorgione, na qual pela primeira vez um nu figura feminina foi apresentado sem nenhuma ação do enredo: no meio de um prado montanhoso, sobre uma colcha vermelha escura com forro de cetim branco, jaz uma bela jovem. Sua figura nua é colocada diagonalmente contra uma paisagem dominada por verdes e marrons. Vênus está imersa em um sono tranquilo, o que significa a predisposição da alma a uma unidade exaltada com Deus. Paz e tranquilidade enchem a natureza com seu céu sem fim, nuvens brancas, com distâncias que vão até as profundezas.

A criatividade foi o ápice da Alta Renascença em Veneza Tiziana Vecellio(c. 1476 / 77-1489 / 90-1576) (entrou na história da arte não pelo sobrenome, mas sob próprio nome), um artista com uma enorme criatividade que passou por uma trajetória de vida difícil e dramática, durante a qual sua visão de mundo mudou significativamente. Ticiano se desenvolveu como pessoa e como artista na época do maior florescimento cultural de Veneza. Suas primeiras obras estão repletas de uma vida barulhenta e vibrante, enquanto suas últimas obras estão repletas de uma sensação sombria de ansiedade e desespero.

O artista viveu uma longa vida (cerca de 90 anos) e deixou um enorme legado. Ele criou composições para religiosos e temas mitológicos, e ao mesmo tempo, foi um grande mestre de um dos gêneros mais difíceis - "nu" (em francês - nu, despido), imagens de um corpo nu. Na pintura renascentista, deusas antigas e heroínas mitológicas eram geralmente representadas dessa maneira. Dele " Vênus Reclinada » E "Danae" são imagens de venezianos cativantes e saudáveis ​​no interior de casas venezianas ricas.

Ticiano entrou para a história da cultura como um grande retratista e psicólogo. Seu pincel pertence a uma extensa galeria de imagens de retratos - imperadores, reis, papas, nobres. Se nos primeiros retratos ele, como de costume, glorificava a beleza, força, dignidade, integridade da natureza de seus modelos, as obras posteriores se distinguem pela complexidade e inconsistência das imagens. Mostram o entrelaçamento da espiritualidade, da intelectualidade refinada, da nobreza com a amargura das dúvidas e decepções, da tristeza e da ansiedade oculta. Nas pinturas realizadas por Ticiano nos últimos anos de sua obra, já existe uma verdadeira tragédia. Maioria trabalho famoso Ticiano deste período é uma pintura "São Sebastião".

Último quartel do século XVI tornou-se um momento de declínio para a cultura do Renascimento. A obra de artistas que passaram a ser chamados de maneiristas (de italiano. maneirismo - pretensão), e toda a direção - "maneirismo" - adquiriu um caráter sofisticado e pretensioso. A escola de pintura veneziana resistiu à penetração do maneirismo por mais tempo do que outras e permaneceu fiel às tradições do Renascimento. No entanto, suas imagens também se tornaram menos elevadas e heróicas, mais terrenas, conectadas com a vida real.

A sede constante de celebração, um porto comercial florescente e a influência dos ideais de beleza e grandeza do Alto Renascimento contribuíram para o surgimento de artistas em Veneza nos séculos XV e XVI, a fim de trazer elementos de luxo para a arte. mundo. A escola veneziana, que surgiu neste momento de florescimento cultural, deu nova vida ao mundo da pintura e da arquitetura, combinando a inspiração dos predecessores de orientação clássica e o novo desejo de cores ricas, com uma adoração veneziana especial pelo embelezamento. Grande parte da obra dos artistas dessa época, independentemente do tema ou do conteúdo, estava imbuída da ideia de que a vida deve ser vista pelo prisma do prazer e da diversão.

Pequena descrição

A escola veneziana refere-se a um movimento especial e original na arte que se desenvolveu na Veneza renascentista a partir do final dos anos 1400 e que, liderado pelos irmãos Giovanni e Gentile Bellini, se desenvolveu até 1580. Também é chamado de Renascimento veneziano e seu estilo compartilha os valores humanistas, o uso da perspectiva linear e as imagens naturalistas da arte renascentista em Florença e Roma. O segundo termo associado a isso é a escola veneziana de pintura. Surgiu durante o início do Renascimento e existiu até o século XVIII. Seus representantes são artistas como Tiepolo, associado a duas tendências da arte - rococó e barroco, Antonio Canaletto, conhecido por suas paisagens urbanas venezianas, Francesco Guardi e outros.

Idéias Chave

A ênfase inovadora e as peculiaridades da escola de pintura veneziana, associada ao uso da cor para criar formas, a diferenciava do Renascimento florentino, onde as formas eram pintadas com preenchimento de cor. Isso levou ao surgimento de um dinamismo revolucionário nas obras, uma riqueza de cores sem precedentes e uma expressão psicológica especial.

Os artistas de Veneza pintaram predominantemente a óleo, primeiro em painéis de madeira, e depois começaram a usar telas, que se adaptavam melhor ao clima úmido da cidade e enfatizavam o jogo de luz e atmosfera naturalística, bem como o movimento dramático, às vezes teatral, das pessoas.

Nessa época, houve um renascimento do retrato. Os artistas se concentraram não no papel idealizado do homem, mas em sua complexidade psicológica. Nesse período, os retratos passaram a retratar a maior parte da figura, e não apenas a cabeça e o busto.

Foi então que surgiram novos gêneros, incluindo imagens grandiosas de temas míticos e nus femininos, embora não agissem como reflexo de motivos religiosos ou históricos. O erotismo começou a aparecer nessas novas formas de assunto, não sujeitas a ataques moralistas.

A nova tendência arquitetônica, que combinava influências clássicas com baixos-relevos esculpidos e decorações venezianas características, tornou-se tão popular que toda uma indústria de design de residências particulares surgiu em Veneza.

Cultura de Veneza

Embora a escola veneziana conhecesse as inovações dos mestres renascentistas como Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Donatello e Michelangelo, seu estilo refletia a cultura e a sociedade particulares da cidade de Veneza.

Graças à sua prosperidade, Veneza era conhecida em toda a Itália como "a cidade serena". Por causa de sua localização geográfica no Mar Adriático, tornou-se um importante centro de comércio, ligando o Ocidente ao Oriente. Como resultado, a cidade-estado era secular e cosmopolita, enfatizando a ideia de alegria e riqueza de vida ao invés de ser guiada por dogmas religiosos. Os habitantes estavam orgulhosos de sua independência e da estabilidade de seu governo. O primeiro doge ou duque a governar Veneza foi eleito em 697, e os governantes subsequentes também foram eleitos pelo Grande Conselho de Veneza, um parlamento formado por aristocratas e comerciantes ricos. Esplendor, espetáculos divertidos e festas suntuosas, durante as quais eram realizados carnavais que duravam várias semanas, definiam a cultura veneziana.

Ao contrário de Florença e Roma, que foram influenciadas pela Igreja Católica, Veneza foi associada principalmente com Império Bizantino centrado em Constantinopla, que governou Veneza nos séculos VI e VII. Como resultado, a arte veneziana foi influenciada pela arte de Bizâncio, caracterizada pelo uso de cores vivas e ouro em mosaicos de igrejas, e a arquitetura veneziana se distinguiu pelo uso de cúpulas, arcos e pedras multicoloridas características de Bizâncio, que, por sua vez, estava associada à influência da arquitetura islâmica Ásia Central.

Em meados dos anos 1400, a cidade estava ganhando peso e influência na Itália, e artistas renascentistas como Andrea Mantegna, Donatello, Andrea del Castagno e Antonello da Messina visitaram ou viveram aqui por muito tempo. O estilo da escola veneziana sintetizou a cor bizantina e a luz dourada com as inovações desses artistas renascentistas.

Andrea Mantegna

O artista Andrea Mantegna apresentou pela primeira vez perspectiva linear, representação figurativa naturalista e proporções clássicas, que foram determinantes para a arte do Renascimento em geral e para os artistas venezianos em particular. A influência de Mantegna pode ser vista na Agonia no Jardim de Giovanni Bellini (c. 1459-1465), que ecoa a Agonia no Jardim de Mantegna (c. 1458-1460).

Antonello da Messina

Ele é considerado o primeiro artista italiano, para quem o retrato individual se tornou uma forma de arte independente.

Ele trabalhou em Veneza de 1475 a 1476 e teve uma influência notável nas pinturas de Giovanni Bellini, sua pintura a óleo. Foi de Messina quem se concentrou no retrato. Antonello encontrou pela primeira vez a arte do Renascimento do Norte da Europa quando era estudante em Nápoles. Como resultado, seu trabalho foi uma síntese do Renascimento italiano e os princípios da arte do norte da Europa, influenciando o desenvolvimento de um estilo particular da escola veneziana.

Giovanni Bellini, "pai da pintura veneziana"

Ja entrou trabalhos iniciais o artista usou luz rica e brilhante não apenas na representação de figuras, mas também em paisagens.

Ele e seu irmão mais velho, Gentile, eram conhecidos pela oficina da família Bellini que se estabeleceu e era a mais popular e famosa de Veneza. Numa fase inicial da obra dos irmãos Bellini, os temas religiosos eram os principais, por exemplo, a “Procissão da Verdadeira Cruz” (1479), escrita por Gentile, e as obras de Giovanni representando o dilúvio e a Arca de Noé ( cerca de 1470). Os trabalhos de Giovanni Bellini com imagens da Madona e do bebê foram especialmente populares. Esta imagem estava muito próxima dele, e as próprias obras estavam cheias de cor e luz, transmitindo toda a beleza do mundo. Ao mesmo tempo, essa ênfase de Giovanni na representação da luz natural e a combinação dos princípios renascentistas com um estilo veneziano especial de renderização de cores fizeram dele um dos principais representantes da escola veneziana.

Conceitos e tendências em retratos

Giovanni Bellini foi o primeiro grande pintor de retratos entre os pintores venezianos desde seu retrato do Doge Leonardo Loredan (1501) apresentado imagem incrível, que, sendo naturalista e veiculando o jogo de luz e cor, idealizava a pessoa nela retratada e, ao mesmo tempo, enfatizava seu papel social como chefe de Veneza. A famosa obra alimentou a demanda por retratos de aristocratas e comerciantes ricos, que ficaram bastante satisfeitos com uma abordagem naturalista que simultaneamente transmitia seu significado social.

Giorgione e Ticiano foram pioneiros em um novo tipo de retrato. Retrato de uma jovem por Giorgione (1506) apresentado novo gênero retrato erótico, que posteriormente se generalizou. Em suas pinturas, Ticiano expandiu a visão do assunto para incluir a maior parte da figura. Isso é visto claramente em seu "Retrato do Papa Paulo III" (1553). Aqui o artista enfatizou não o papel idealizado do clérigo, mas o componente psicológico da imagem.

Um destacado representante da escola veneziana de pintura, Paolo Veronese, também pintou retratos desse tipo, como pode ser visto no exemplo do “Retrato de um Cavalheiro” (c. 1576-1578), no qual quase altura toda retrata um aristocrata, vestido com roupas pretas, de pé no frontão com colunas.

Jacopo Tintoretto também era conhecido por seus retratos atraentes.

Exibindo mitologia em pinturas

Bellini usou pela primeira vez um tema mitológico em sua Festa dos Deuses (1504). Ticiano desenvolveu ainda mais o gênero em representações de Bacchanalia, como seu Baco e Ariadne (1522-1523). Estas pinturas foram pintadas para a galeria privada do Duque de Ferrera. Baco e Ariadne de Ticiano (1522-1523) retrata Baco, o deus do vinho, com seus seguidores no momento dramático em que Ariadne acaba de perceber que foi abandonada por seu amante.

Os patronos venezianos prestaram atenção especial à arte baseada no clássico mitos gregos, uma vez que tais imagens, não se limitando a mensagens religiosas ou moralistas, poderiam ser usadas para exibir erotismo e hedonismo. As obras de Ticiano incluídas círculo largo imagens mitológicas, ele criou seis pinturas grandes para o rei Filipe II da Espanha, incluindo seu "Danae" (1549-1550), uma mulher seduzida por Zeus, que apareceu como a luz do sol, e "Venus and Adonis" (c. 1552-1554), uma pintura representando uma deusa e seu amante mortal.

Contextos mitológicos também desempenharam um papel no surgimento do gênero nu feminino, em particular a Vênus Adormecida de Giorgione (1508) foi a primeira pintura desse tipo. Ticiano desenvolveu o tema enfatizando o erotismo inerente ao olhar masculino, como em Vênus de Urbino (1534). A julgar pelos títulos, ambas as obras têm um contexto mitológico, embora a representação pictórica das imagens não tenha nenhuma referência visual à deusa. Entre os outros obras semelhantes Ticiano pode ser chamado de pintura "Vênus e Cupido" (c. 1550).

A tendência de retratar temas mitológicos, tão popular entre os venezianos, também influenciou o estilo de apresentar cenas para artistas contemporâneos, como espetáculos dramáticos, como visto em A Festa na Casa de Levi (1573), de Paolo Veronese, pintado em escala monumental , tamanho 555 × 1280 cm.

Influência da arte veneziana

O declínio da escola de pintura veneziana do século XVI começou por volta de 1580, em parte devido ao impacto que a peste teve na cidade, que havia perdido um terço de sua população em 1581, e em parte devido à morte dos últimos mestres Veronese e Tintoretto. O trabalho posterior de ambos os pintores renascentistas venezianos, enfatizando o movimento expressivo em vez das proporções clássicas e do naturalismo figurativo, teve alguma influência no desenvolvimento dos maneiristas, que mais tarde dominaram a Itália e se espalharam pela Europa.

No entanto, a ênfase da escola veneziana na cor, na luz e no prazer da vida sensual, como visto na obra de Ticiano, também contrastava com a abordagem maneirista e as obras barrocas de Caravaggio e Annibale Carracci. Esta escola teve um impacto ainda maior fora de Veneza, pois reis e aristocratas de toda a Europa colecionavam obras avidamente. Artistas em Antuérpia, Madri, Amsterdã, Paris e Londres, incluindo Rubens, Anthony van Dyck, Rembrandt, Poussin e Velasquez, foram fortemente influenciados pela arte da escola veneziana de pintura renascentista. Reza a história que Rembrandt, ainda um jovem artista, disse ao visitar a Itália que era mais fácil ver a arte renascentista italiana em Amsterdã do que viajar de cidade em cidade na própria Itália.

Na arquitetura, Palladio teve grande influência, principalmente na Inglaterra, onde Christopher Wren, Elizabeth Wilbraham, Richard Boyle e William Kent adotaram seu estilo. Inigo Jones, chamado de "o pai da arquitetura britânica", construiu a Queen's House (1613-1635), o primeiro edifício clássico da Inglaterra baseado nos projetos de Palladio. No século 18, os desenhos de Palladio apareceram na arquitetura dos Estados Unidos. A própria casa de Thomas Jefferson em Monticello e o Capitólio foram amplamente influenciados por Palladio, com Palladio sendo nomeado "Pai da Arquitetura Americana" em uma Ordem Executiva do Congresso dos EUA de 2010.

Além do Renascimento

As obras dos artistas da Escola Veneziana de Pintura continuaram a ser especiais. Como resultado, o termo continuou a ser usado até o século XVIII. Representantes da escola de pintura veneziana, como Giovanni Battista Tiepolo, expandiram seu estilo distinto para os estilos rococó e barroco. Outros também são conhecidos artistas do século XVIII século, como Antonio Canaletto, que pintou paisagens urbanas venezianas, e Francesco Guardi. Seu trabalho mais tarde influenciou amplamente os impressionistas franceses.

Vittore Carpaccio (nascido em 1460, Veneza - falecido em 1525/26, Veneza) é um dos os maiores representantes artistas venezianos. Ele pode ter sido aluno de Lazzaro Bastiani, mas a principal influência em sua trabalho cedo ministrado pelos alunos de Gentile Bellini e Antonello da Messina. O estilo de seu trabalho sugere que ele também pode ter estado em Roma quando jovem. Praticamente nada se sabe sobre as primeiras obras de Vittore Carpaccio porque ele não as assinou e há poucas evidências de que ele as tenha escrito. Por volta de 1490, começou a criar um ciclo de cenas da lenda de Santa Úrsula para a Scuola di Santa Orsola, que hoje se encontram nas galerias da Academia de Veneza. Durante este período, ele se tornou um artista maduro. A cena de sonho de gênero de Santa Úrsula foi especialmente apreciada pela riqueza de detalhes naturalistas.

As imagens panorâmicas das pinturas, procissões e outras reuniões públicas de Carpaccio são conhecidas por sua riqueza de detalhes realistas, cores ensolaradas e narrativas dramáticas. Sua incorporação de figuras realistas em um espaço de perspectiva ordenado e coerente fez dele um precursor dos pintores de paisagens urbanas venezianas.

Francesco Guardi (1712-1793, nascido e falecido em Veneza), um dos mais destacados paisagistas da era rococó.

O próprio artista, juntamente com seu irmão Nicolo (1715-86), estudou com Giovanni Antonio Guardi. A irmã deles, Cecilia, casou-se com Giovanni Battista Tiepolo. Por muito tempo os irmãos trabalharam juntos. Francesco é um dos representantes proeminentes de uma direção tão pitoresca como veduta, recurso que foi uma exibição detalhada da paisagem urbana. Ele pintou essas pinturas até meados da década de 1750.

Em 1782, ele retratou as celebrações oficiais em homenagem à visita do grão-duque Paulo a Veneza. Mais tarde naquele ano, ele foi contratado pela República para fazer imagens semelhantes da visita de Pio VI. Ele desfrutou de considerável apoio dos britânicos e de outros estrangeiros e foi eleito para a Academia de Veneza em 1784. Ele foi um artista extremamente prolífico, cujas imagens brilhantes e românticas contrastam marcadamente com as exibições transparentes da arquitetura de Canaletto, diretor da escola veduta.

Giambattista Pittoni (1687-1767) foi um importante pintor veneziano do início do século XVIII. Ele nasceu em Veneza e estudou com seu tio Francesco. Quando jovem pintou afrescos como "Justiça e o Mundo da Justiça" no Palazzo Pesaro, Veneza.

Francesco Fontebasso (Veneza, 1707-1769) é um dos principais representantes do século XVIII, o que é algo incomum para a pintura veneziana. Um artista muito ativo e bom, um decorador experiente, retratando quase tudo em suas telas, desde cenas Vida cotidiana e imagens históricas para retratos, ele também demonstrou boas habilidades e domínio de uma ampla variedade de técnicas em gráficos. Ele começou a trabalhar em temas religiosos para Maninov, primeiro na capela da Villa Passariano (1732) e depois em Veneza em uma igreja jesuíta, onde fez dois afrescos no teto com Elias capturado no céu e anjos aparecendo diante de Abraão.

O Renascimento veneziano é uma parte peculiar separada do Renascimento italiano geral. Começou aqui mais tarde, mas durou muito mais tempo. O papel das tradições antigas em Veneza era o menor, e a conexão com o desenvolvimento subsequente da pintura européia era a mais direta. Em Veneza, dominou a pintura, caracterizada por cores vivas, ricas e alegres.

A era da Alta Renascença (em italiano soa como "Cinquecento") em Veneza levou quase todo o século XVI. Muitos artistas proeminentes pintaram à maneira livre e alegre do Renascimento veneziano.

O artista Giovanni Bellini tornou-se um representante do período de transição do início do Renascimento ao Alto. A caneta dele pertence foto famosa » Lago Madonna"- uma bela pintura, incorporando sonhos de uma idade de ouro ou de um paraíso terrestre.

Aluno de Giovanni Bellini, o artista Giorgione é considerado o primeiro mestre da Alta Renascença em Veneza. Sua tela » Vênus adormecida"- uma das imagens mais poéticas de um corpo nu na arte mundial. Esta obra é mais uma concretização do sonho de pessoas simplórias, felizes e inocentes que vivem em total harmonia com a natureza.

EM Museu do Estado O Hermitage é uma pintura » Judite», que também pertence a Giorgione. Este trabalho se tornou um exemplo vívido de obtenção de uma imagem tridimensional não apenas com a ajuda do claro-escuro, mas também usando a técnica de gradação de luz.

Giorgione "Judite"

O artista mais típico de Veneza pode ser considerado Paolo Veronese. Suas composições em grande escala e com várias figuras são dedicadas à imagem de jantares suntuosos em palazzos venezianos com músicos, bobos da corte e cães. Não há nada de religioso neles. » A última Ceia» - esta é uma imagem da beleza do mundo em simples manifestações terrenas e admiração pela perfeição da bela carne.

Paolo Veronese "A Última Ceia"

Ticiano Criatividade

A evolução da pintura veneziana do Cinquecento se refletiu na obra de Ticiano, que primeiro trabalhou com Giorgione e foi próximo dele. Isso se refletiu na forma criativa do pintor nas obras “Amor Celestial e Amor Terrestre”, “Flora”. As imagens femininas de Ticiano são a própria natureza, brilhando com beleza eterna.

- o rei dos pintores. É dono de inúmeras descobertas no campo da pintura, entre as quais estão a riqueza da cor, modelagem de cores, formas originais e o uso de nuances de cores. A contribuição de Ticiano para a arte do Renascimento veneziano é enorme, ele teve uma grande influência na habilidade dos pintores do período subsequente.

Tarde Ticiano já está perto de linguagem artística Velázquez e Rembrandt: a proporção de tons, as manchas, o dinamismo da pincelada, a textura da superfície colorida. Os venezianos e Ticiano substituíram o domínio da linha pelas vantagens da variedade de cores.

Ticiano Vecellio "Auto-retrato" (cerca de 1567)

A técnica de pintura do Ticin é marcante até hoje, pois é uma confusão de tintas. Nas mãos do artista, as tintas eram uma espécie de argila, com a qual o pintor esculpia suas obras. Sabe-se que no final de sua vida, Ticiano pintou suas telas com os dedos. Então esta comparaçãoé mais do que apropriado.

Ticiano "Denário de César" (cerca de 1516)

Pinturas de Ticiano Vecellio

Entre as pinturas de Ticiano estão as seguintes:

• » Assunta »

• "Baco e Ariadne"

• "Vênus de Urbino"

• "Retrato do Papa Paulo III"

• "Retrato de Lavínia"

• "Vênus na frente de um espelho"

• "Penitente Madalena"

• » São Sebastião »

Pitoresco e sentimento O forma volumétrica em Ticiano estão em perfeito equilíbrio. Suas figuras estão cheias de um sentido de vida e movimento. A novidade da técnica composicional, coloração incomum, pinceladas livres são uma característica distintiva da pintura de Ticiano. Seu trabalho incorporou as melhores características da escola veneziana do Renascimento.

Características da pintura do Renascimento veneziano

O último luminar do Cinquecento veneziano é o artista Tintoretto. Conhecido por suas pinturas "A batalha do arcanjo Miguel com Satanás" e A Última Ceia. arte incorporou a ideia renascentista do ideal, a fé no poder da mente, o sonho da beleza, homem forte, personalidade harmoniosamente desenvolvida.

Jacopo Tintoretto "A Batalha do Arcanjo Miguel com Satanás" (1590)
Jacopo Tintoretto "Crucificação"

Obras artísticas foram criadas em temas religiosos e mitológicos tradicionais. Graças a isso, a modernidade foi elevada ao nível da eternidade, afirmando assim a divindade de uma pessoa real. Os principais princípios da imagem neste período eram a imitação da natureza e a realidade dos personagens. Uma pintura é uma espécie de janela para o mundo, pois o artista retrata nela o que viu na realidade.

Jacopo Tintoretto "A Última Ceia"

A arte da pintura foi baseada nas realizações de várias ciências. Os pintores dominaram com sucesso a imagem em perspectiva. Durante este período, a criatividade tornou-se pessoal. As obras de arte de cavalete estão se desenvolvendo cada vez mais.

Jacopo Tintoretto "Paraíso"

Na pintura desenvolve-se sistema de gênero que inclui os seguintes gêneros:

• religioso - mitológico;
• histórico;
• paisagem doméstica;
• retrato.

A gravura também aparece nesse período, e o desenho desempenha um papel importante. As obras de arte são valorizadas em si mesmas como um fenômeno artístico. Uma das sensações mais importantes em sua percepção é o prazer. Reproduções de alta qualidade de pinturas do Renascimento veneziano serão um ótimo complemento para o interior.