"Nocturnos. Debussy
Debussy. "Noturnos"
"Nuvens"
Composição da orquestra: 2 flautas, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, tímpanos, harpa, cordas.
"Celebrações"
Composição da orquestra: 3 flautas, flautim, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetes, 3 trombones, tuba, 2 harpas, tímpanos, caixa (distante), pratos, cordas.
"Sirenes"
Composição da orquestra: 3 flautas, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetes, 2 harpas, cordas; coro feminino (8 sopranos e 8 mezzo-sopranos).
história da criação
Ainda não terminou sua primeira obra sinfônica madura" Tarde de um Fauno”, Debussy em 1894 concebeu “Noturnos”. Em 22 de setembro, ele escreveu em uma carta: “Estou trabalhando em três Noturnos para violino solo e orquestra; a orquestra do primeiro é representada por cordas, a segunda - por flautas, quatro trompas, três flautas e duas harpas; a orquestra do terceiro combina ambos. Em geral, trata-se de uma busca por várias combinações que uma mesma cor pode dar, como, por exemplo, na pintura de um estudo em tons de cinza. Esta carta é dirigida a Eugène Ysaye, o famoso violinista belga, fundador do quarteto de cordas, que foi o primeiro a tocar o Quarteto Debussy no ano anterior. Em 1896, o compositor afirmou que os "Noturnos" foram criados especificamente para Izaya - "a pessoa que amo e admiro ... Só ele pode executá-los. Se o próprio Apolo me pedisse, eu o recusaria! No entanto, já em Próximo ano a ideia muda, e por três anos Debussy vem trabalhando em três "Noturnos" para Orquestra Sinfónica.
Ele relata sua conclusão em uma carta datada de 5 de janeiro de 1900, e escreve no mesmo lugar: “Mademoiselle Lily Texier mudou seu nome dissonante para o muito mais harmonioso Lily Debussy ... Ela é incrivelmente loira, linda, como nas lendas, e acrescenta a esses presentes que ela não está de forma alguma no “estilo moderno”. Ela adora música... só de acordo com sua imaginação, sua música favorita é roda de dança, onde nós estamos falando sobre um pequeno granadeiro de rosto corado e chapéu de lado. A mulher do compositor era modelo, filha de um empregado menor da província, por quem acendeu em 1898 uma paixão que quase o levou ao suicídio no ano seguinte, quando Rosalie decidiu separar-se dele.
A estréia de "Nocturnes", que aconteceu em Paris nos Concertos de Lamoureux em 9 de dezembro de 1900, não foi completa: então, sob a batuta de Camille Chevillard, apenas "Clouds" e "Festivities" soaram, e "Sirens" se juntaram eles um ano depois, em 27 de dezembro de 1901 . Essa prática de apresentação separada foi preservada um século depois - o último "Nocturne" (com um coro) soa com muito menos frequência.
O programa Nocturnes é conhecido pelo próprio Debussy:
O título "Nocturnes" tem um significado mais geral e, sobretudo, mais decorativo. Aqui o ponto não está na forma usual do noturno, mas em tudo que esta palavra contém de impressão e sensação de luz.
"Nuvens" é uma imagem imóvel do céu com nuvens cinzentas lentamente e melancolicamente flutuando e derretendo; recuando, eles se apagam, suavemente tingidos de luz branca.
"Festas" é um movimento, um ritmo dançante da atmosfera com explosões de luz repentina, é também um episódio de uma procissão (visão deslumbrante e quimérica) que passa pela festa e se funde com ela; mas o fundo permanece o tempo todo - isso é feriado, é uma mistura de música com poeira luminosa, que faz parte do ritmo geral.
“Sirens” é o mar e seu ritmo infinitamente variado; entre as ondas prateadas pela lua surge, desmorona de tanto rir e o misterioso canto das sereias se afasta.
Ao mesmo tempo, as explicações de outros autores foram preservadas. Em relação às nuvens, Debussy disse a seus amigos que era “um olhar de uma ponte para as nuvens impelidas por uma tempestade; o movimento de um barco a vapor ao longo do Sena, cujo apito é recriado por um curto tema cromático de uma trompa inglesa. As "festas" ressuscitam "a memória das antigas diversões do povo no Bois de Boulogne, iluminado e inundado por uma multidão; o trio de trombetas é a música da guarda republicana tocando a madrugada." De acordo com outra versão, as impressões do encontro do imperador russo Nicolau II em 1896 com os parisienses são refletidas aqui.
Muitos paralelos surgem com as pinturas de artistas impressionistas franceses que adoravam pintar o ar fluindo, o brilho das ondas do mar e a variedade da multidão festiva. O próprio título "Noturnos" originou-se do nome das paisagens do artista pré-rafaelita inglês James Whistler, pelas quais o compositor se interessou na juventude, quando, após se formar no conservatório com o Prêmio de Roma, morou na Itália , na Villa Medici (1885-1886). Essa paixão continuou até o fim de sua vida. As paredes de seu quarto eram decoradas com reproduções coloridas das pinturas de Whistler. Por outro lado, críticos franceses escreveu que os três "Noturnos" de Debussy são uma gravação sonora de três elementos: ar, fogo e água, ou uma expressão de três estados - contemplação, ação e êxtase.
Música
« Nuvens” são pintados com finas cores impressionistas de uma pequena orquestra (apenas trompas são usadas de cobre). O fundo sombrio e instável é criado pelo balanço medido dos sopros, formando harmonias deslizantes extravagantes. O timbre peculiar da trompa inglesa realça a singularidade modal do curto motivo principal. A cor se ilumina na seção intermediária, onde a harpa entra pela primeira vez. Juntamente com a flauta, ela conduz um tema pentatônico na oitava, como se estivesse saturado de ar; é repetido por solo de violino, viola, violoncelo. Então a melodia sombria da trompa inglesa retorna, ecos de outros motivos surgem - e tudo parece flutuar para longe, como nuvens que se derretem.
« Festividades» formam um forte contraste - a música é impetuosa, cheia de luz e movimento. O som voador de instrumentos de corda e madeira é interrompido por sonoras exclamações de metais, tremolos de tímpanos e espetaculares glissandos de harpas. Uma nova imagem: no mesmo fundo dançante do oboé de cordas conduz um tema fervoroso, captado por outros instrumentos de sopro em uma oitava. De repente tudo quebra. Uma procissão se aproxima de longe (três trombetas com surdina). Entram as até então silenciosas caixas (ao longe) e as de metais graves, construindo um clímax ensurdecedor do tutti. Então voltam passagens leves do primeiro tema, e outros motivos tremulam, até que os sons do festival se desvaneçam.
EM " Sirenes"novamente, como em "Clouds", domina ritmo lento, mas o clima aqui não é crepúsculo, mas iluminado pela luz. A rebentação bate silenciosamente, as ondas avançam, e neste respingo podem-se distinguir as vozes sedutoras das sereias; acordes repetidos sem palavras de pequenos grupos coro feminino complementam o som da orquestra com outra cor bizarra. Os menores motivos de duas notas variam, crescem, se entrelaçam polifonicamente. Eles ecoam os temas dos Noturnos anteriores. Na seção intermediária, as vozes das sereias tornam-se mais insistentes, sua melodia mais extensa. A variante nas trombetas aborda inesperadamente o tema da trompa inglesa de Clouds, e a semelhança é ainda mais forte na chamada desses instrumentos. Ao final, o canto das sereias se esvai, as nuvens se desfazem e os sons da festa desaparecem ao longe.
A. Koenigsberg
MKOU "Novousmanskaya escola secundária nº 4"
Aula de música
na 7ª série
Pintura sinfônica "Celebrações" de C. Debussy.
Concerto instrumental.
MKOU "Novousmanskaya escola secundária nº 4"
Makukhina Marina Nikolaevna
Com. Novo Usman
ano 2014
Tópico da lição: Imagem sinfônica "Celebrations" de C. Debussy.
SLIDE 1
Objetivo desta lição:
Enriquecimento cultural e mundo espiritual crianças, através do património musical, literário e artístico dos povos do mundo.
Tarefas:
usando tecnologias de informação revelar a diversidade e a riqueza da cultura dos povos.
Desenvolvimento de interesses versáteis em vários campos das artes, educação do amor e respeito pela música, literatura e patrimônio artístico outros povos, para lançar as bases para a percepção estética da vida circundante.
Enriquecimento do mundo espiritual das crianças. Educação do seu gosto musical, artístico e estético.
SLIDE 2
Plano de aula:
Nº p/p
Etapas da lição
Tempo, mín.
Preparação para a assimilação ativa e consciente de novos materiais.
Formação do conhecimento. Apresentação de material inédito, tanto musical quanto literário
Trabalho prático
Consolidação de novos conhecimentos
Canção "Orange Summer"
Resumindo
SLIDE 3
Professora: Pessoal, o que vocês veem na tela?
Alunos: Quadro
Professora: Para que serve esta moldura?
Alunos: Esta é uma moldura.
Professora: Como você pode chamar as figuras de forma diferente?
Alunos: pintura
Professor: O que você chama de pintura e música?
Alunos: Art.
Professor: Por favor, dê uma definição: o que é arte?
Alunos: A arte é o processo e o resultado de uma expressão significativa de sentimentos em uma imagem.
A arte é uma das formas de consciência social, parte integrante da...
A música pode ser vista e a arte pode ser ouvida. A pintura expressará o que não pode ser dito em palavras, revelará as nuances mais sutis da alma humana. Professora: Então, nossa aula pode ser chamada, não só de música?
SLIDE 4
Alunos: "música pitoresca"
SLIDE 5
Metas e objetivos; criar uma atmosfera de envolvimento e interesse na sala de aula. Desenvolver as habilidades de análise musical holística. Peça às crianças que expressem seu estado de espírito com a música que ouviram. Destaque as entonações para revelar a imagem da obra. Desperte a criatividade.
Formar nos alunos uma percepção emocionalmente consciente da imagem musical.
Mestre: A música tem direções diferentes. Quais ESTILOS DE MÚSICA você conhece?
Alunos:
2 música sacra
3 indianos música clássica
4 música clássica árabe
5 música clássica europeia
6 música latino-americana
7 azuis
8 R&B
9 Jazz
10 País
13 Pedra
14 pop
15 Rap (Hip hop)
16. Folclore
17. Clássica, etc.
SLIDE 6
Ouvindo a música "Celebrations" - Claude Debussy
SLIDE 7
Professora: Quem conhece esta obra e o autor7
Alunos: "Celebrations" de Claude Debussy
Professor: Achille-Claude Debussy - compositor francês, crítico musical.
Em 1872, aos dez anos, Claude ingressou no Conservatório de Paris. Na aula de piano, estudou com pianista famoso e o professor Albert Marmontel, na classe elementar de solfejo - com o eminente tradicionalista Albert Lavignac, sendo que o próprio César Franck lhe ensinou órgão. Debussy estudou com bastante sucesso no conservatório, embora como aluno não tenha brilhado com nada de especial. Somente em 1877 os professores apreciaram o talento para piano de Debussy, concedendo-lhe um segundo prêmio pela execução da sonata de Schumann.
Debussy começou a estudar composição sistematicamente apenas em dezembro de 1880 com um professor, membro da Academia de Belas Artes, Ernest Guiraud. Seis meses antes de entrar na classe de Guiro, Debussy viajou para a Suíça e a Itália como pianista doméstico e professor de música na família de um rico filantropo russo Nadezhda von Meck. Debussy passou os verões de 1881 e 1882 perto de Moscou, em sua propriedade Pleshcheyevo. A comunicação com a família von Meck e a permanência na Rússia tiveram um efeito benéfico no desenvolvimento do jovem músico. Em sua casa, Debussy conheceu a nova música russa de Tchaikovsky, Borodin, Balakirev e compositores próximos a eles.
SLIDE 8
A composição de Debussy "Moonlight" brilha com amor. Claude Debussy geralmente amava a luz do satélite prateado da Terra. Ele escrevia melhor nas noites de luar.
O compositor N. Ya. Moskovsky escreveu sobre a obra de Debussy: "... Nos momentos em que ele (Debussy) se compromete a capturar sua percepção da natureza, algo incompreensível acontece: uma pessoa desaparece, como se dissolvida ou se transforma em um grão de poeira indescritível , e reina sobre tudo como a própria natureza eterna, imutável, imutável, pura e silenciosa, que tudo consome, todas essas "nuvens" silenciosas e deslizantes, transbordamentos suaves e altos de "ondas que brincam", farfalhar e farfalhar de "danças redondas da primavera ", sussurros suaves e suspiros lânguidos do vento a falar com o mar - Não é este o verdadeiro sopro da natureza! E não é o artista que recria a natureza em sons um grande artista, um poeta excepcional?
A sua música baseia-se em imagens visuais, preenchidas pelo jogo do claro-escuro, transparente, como se fossem cores sem peso que criam a sensação de manchas sonoras.
A influência da pintura sobre os compositores foi tão grande que deu a muitas de suas composições nomes associados a belas-Artes: "Impressões", "Esboços", etc. A compreensão de como uma orquestra pode desenhar imagens pitorescas veio a C. Debussy em grande parte do compositor russo N. Rimsky-Korsakov.
Debussy não foi apenas um dos compositores franceses mais importantes, mas também uma das figuras mais importantes da música na virada dos séculos XIX e XX; sua música representa uma forma de transição da música romântica tardia para o modernismo na música do século XX.
Professor: Pessoal, que outros compositores vocês conhecem:
Alunos: Tchaikovsky, Liszt, Glinka, Bach, Beethoven, Chopin, Mozart, Shostakovich, Schnittke e outros.
Professor? O que você sabe obras musicais?
Alunos: "O Lago dos Cisnes", "O Quebra-Nozes", a Sinfonia de Leningrado - "a invasão dos nazistas durante a Grande guerra patriótica”, “Luar”, “Estações”. "Valsa" e outros.
Professora: Você pode definir música?
Alunos: A música é ritmo, som, tempo... A música é necessária para a alma.
SLIDE 9
Ouvindo a música "Moonlight" de Claude Debussy
SLIDE 10 - 16
Professora: Quando você ouvia música, você imaginava alguma coisa? Talvez você tenha visto cores, tintas ou outra coisa?
As respostas são variadas. Dos tons quentes aos mais frios, do branco ao preto.
Professora: Pessoal, tudo o que ouvimos agora pode ser retratado?
Alunos: Sim.
Professor: AGORA VAMOS FAZER UM PEQUENO TRABALHO PRÁTICO. Descreva o que você ouviu agora. Vamos nos dividir em três grupos. Alguns trabalham com guache. Outros trabalham com tinta e linha. Outros ainda trabalham com papel colorido, papelão e cola. Vamos ao trabalho.
Proteção do trabalho.
SLIDE 17
Melodeclamação de poemas à música de C. Debussy
"Ao Luar"
Em momentos de tristeza na hora da noite
Cansado da adversidade
Não na vaidade das alegrias mundanas,
Na paz você busca a felicidade.
Esqueça, fundindo-se com o silêncio,
Jogando fora tudo que é terreno
Sozinho com tristeza sozinho
Fale com Luna.
Luna, é por isso que eu te amo
O que há apenas ao luar
Eu esqueço o inverno
E penso no Lethe.
Carrasco da minha mente
Grave, mas linda - a lua!
Eu, olhando para ela,
Estou enlouquecendo.
A lua perturba e atrai,
E, derretendo-se ao luar,
Eu descanso das preocupações
Esquecendo-se do passado.
A luminária da noite diverte o olhar
estou bêbado de sonhos
E no tecido dos sonhos o luar
Derrama-se, entrelaçando-se -
Tecendo em um véu fino
De rendas sem peso...
Barulho. Portas rangem.
Fiquei preso de novo, sem me encontrar.
"Luar"
Vladimir Vodnev
Dê-me uma pedra da lua
Dê-me luar!
Traços levemente perceptíveis
eu desenho a luz da lua
O que derrama no chão por séculos
Aquele que está mais próximo de todos os planetas.
Que já seja cantado mais de uma vez,
Mas ainda acenando
E cativa todos os poetas
A cor pálida de suas bochechas.
Só se estivermos sozinhos
(Já verifiquei mais de uma vez!) -
O humor vai levantar
A luz de seus olhos frios.
E impulsionado pela insônia
Tanto artista quanto poeta
Desenhe para sua amada
Luar prateado.
Não há presente melhor
Na noite de uma curta primavera
Céu estrelado sob o arco -
O olhar da lua encantadora...
"LUA NOITE"
E novamente a noite substitui a noite,
A escuridão envolve o mundo
E o caminho do céu começa
Lua do Andarilho da Noite.
De ano para ano, ecoando a mesma estrada,
Ela ilumina vagamente a escuridão,
E sua luz é compreendida apenas por alguns,
Quem poderia compreender a beleza da natureza.
A luz da lua é fraca, mas não valemos a pena
Para culpá-la inocente por esse pecado,
Noite terrena escura, mas ainda,
Nele, sem a lua, você não pode ver nada.
Ficamos tão acostumados que paramos
Sua campanha celestial para perceber
Somente os eleitos, chamando com eles à distância,
Ela nunca deixou de surpreender.
E há algo ao luar,
Que eu não conseguia entender
Não é de admirar que os amantes amem tanto
Marcar datas ao luar.
SLIDE 18 - 19
Professor:
E às dez, e às sete, e às cinco
Todas as crianças adoram desenhar.
E todo mundo desenha corajosamente
Tudo o que lhe interessa.
Tudo é interessante:
Espaço distante, perto da floresta,
Flores, carros, contos de fadas, danças...
Vamos desenhar tudo!
Haveria cores
Sim, um pedaço de papel sobre a mesa
Sim, paz na família e na Terra.
SLIDE 20 - 21
Professora: Vamos fazer um teste. Vamos descobrir a resposta correta.
Professora: Gente, agora eu queria muito saber: o que vocês aprenderam de novo hoje na aula?
Respostas dos alunos.
Professora: Você pode ver a música?
Alunos: Sim.
Professora: O que é centavo?
SLIDE 22
Alunos: Uma canção é uma ponte entre a poesia e a música.
SLIDE 23 - 31
Professora: Vamos fazer um pequeno aquecimento com vocês. E terminaremos nossa lição com uma música maravilhosa. "Planeta Laranja"
Resumindo.
SLIDE 32
Professor: Obrigado pela aula.
Claude Achille Debussy nasceu em 22 de agosto de 1862 em Saint-Germain, Paris. Seus pais - pequenos burgueses - adoravam música, mas estavam longe de ser uma verdadeira arte profissional. Impressões musicais aleatórias da primeira infância contribuíram pouco desenvolvimento artístico futuro compositor. O mais impressionante deles foram as raras visitas à ópera. Somente aos nove anos Debussy começou a aprender a tocar piano. Por insistência de um pianista próximo à família, que reconheceu as habilidades extraordinárias de Claude, seus pais o enviaram em 1873 para o Conservatório de Paris.
Os estudos diligentes dos primeiros anos renderam prêmios anuais de solfejo a Debussy. Nas aulas de solfejo e acompanhamento, mostrou interesse por novos giros harmônicos, ritmos variados e complexos.
O talento de Debussy desenvolveu-se com extrema rapidez. Já em seus anos de estudante, sua forma de tocar se distinguia pelo conteúdo interior, emoção, rara variedade e riqueza da paleta sonora. Mas a originalidade de seu estilo de atuação, desprovida de virtuosismo e brilho externos da moda, não encontrou o devido reconhecimento nem dos professores do conservatório nem de seus pares. Pela primeira vez, seu talento foi premiado apenas em 1877 pela execução da sonata de Schumann.
Os primeiros confrontos sérios com os métodos existentes de ensino conservatório ocorreram com Debussy na aula de harmonia. Apenas o compositor E. Guiraud, para quem Debussy estudou composição, verdadeiramente imbuído das aspirações de seu aluno e descobriu sua semelhança nas visões artísticas e estéticas e nos gostos musicais.
noturnos
"Nuvens"
Composição da orquestra: 2 flautas, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, tímpanos, harpa, cordas.
"Celebrações"
Composição da orquestra: 3 flautas, flautim, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetes, 3 trombones, tuba, 2 harpas, tímpanos, caixa (distante), pratos, cordas.
"Sirenes"
Composição da orquestra: 3 flautas, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetes, 2 harpas, cordas; coro feminino (8 sopranos e 8 mezzo-sopranos).
história da criação
Ainda não tendo concluído sua primeira obra sinfônica madura, The Afternoon of a Faun, Debussy concebeu Nocturnes em 1894. Em 22 de setembro, ele escreveu em uma carta: “Estou trabalhando em três Noturnos para violino solo e orquestra; a orquestra do primeiro é representada por cordas, a segunda - por flautas, quatro trompas, três flautas e duas harpas; a orquestra do terceiro combina ambos. Em geral, trata-se de uma busca por várias combinações que uma mesma cor pode dar, como, por exemplo, na pintura de um estudo em tons de cinza. Esta carta é dirigida a Eugène Ysaye, o famoso violinista belga, fundador do quarteto de cordas, que foi o primeiro a tocar o Quarteto Debussy no ano anterior. Em 1896, o compositor afirmou que os "Noturnos" foram criados especificamente para Izaya - "a pessoa que amo e admiro ... Só ele pode executá-los. Se o próprio Apolo me pedisse, eu o recusaria! No entanto, no ano seguinte, a ideia muda e, há três anos, Debussy trabalha em três "noturnos" para uma orquestra sinfônica.
Ele relata sua conclusão em uma carta datada de 5 de janeiro de 1900, e escreve no mesmo lugar: “Mademoiselle Lily Texier mudou seu nome dissonante para o muito mais harmonioso Lily Debussy ... Ela é incrivelmente loira, linda, como nas lendas, e acrescenta a esses presentes que ela não está de forma alguma no “estilo moderno”. Ela adora música ... só de acordo com sua imaginação, sua música favorita é uma dança de roda, que fala sobre um pequeno granadeiro de rosto corado e chapéu de um lado. A mulher do compositor era modelo, filha de um empregado menor da província, por quem acendeu em 1898 uma paixão que quase o levou ao suicídio no ano seguinte, quando Rosalie decidiu separar-se dele.
A estréia de "Nocturnes", que aconteceu em Paris nos Concertos de Lamoureux em 9 de dezembro de 1900, não foi completa: então, sob a batuta de Camille Chevillard, apenas "Clouds" e "Festivities" soaram, e "Sirens" se juntaram eles um ano depois, em 27 de dezembro de 1901 . Essa prática de apresentação separada foi preservada um século depois - o último "Nocturne" (com um coro) soa com muito menos frequência.
O programa Nocturnes é conhecido pelo próprio Debussy:
O título "Nocturnes" tem um significado mais geral e, sobretudo, mais decorativo. Aqui o ponto não está na forma usual do noturno, mas em tudo que esta palavra contém de impressão e sensação de luz.
"Nuvens" é uma imagem imóvel do céu com nuvens cinzentas lentamente e melancolicamente flutuando e derretendo; recuando, eles se apagam, suavemente tingidos de luz branca.
"Festas" é um movimento, um ritmo dançante da atmosfera com explosões de luz repentina, é também um episódio de uma procissão (visão deslumbrante e quimérica) que passa pela festa e se funde com ela; mas o fundo permanece o tempo todo - isso é feriado, é uma mistura de música com poeira luminosa, que faz parte do ritmo geral.
“Sirens” é o mar e seu ritmo infinitamente variado; entre as ondas prateadas pela lua surge, desmorona de tanto rir e o misterioso canto das sereias se afasta.
Ao mesmo tempo, as explicações de outros autores foram preservadas. Em relação às nuvens, Debussy disse a seus amigos que era “um olhar de uma ponte para as nuvens impelidas por uma tempestade; o movimento de um barco a vapor ao longo do Sena, cujo apito é recriado por um curto tema cromático de uma trompa inglesa. As "festas" ressuscitam "a memória das antigas diversões do povo no Bois de Boulogne, iluminado e inundado por uma multidão; o trio de trombetas é a música da guarda republicana tocando a madrugada." De acordo com outra versão, as impressões do encontro do imperador russo Nicolau II em 1896 com os parisienses são refletidas aqui.
Muitos paralelos surgem com as pinturas de artistas impressionistas franceses que adoravam pintar o ar fluindo, o brilho das ondas do mar e a variedade da multidão festiva. O próprio título "Noturnos" originou-se do nome das paisagens do artista pré-rafaelita inglês James Whistler, pelas quais o compositor se interessou na juventude, quando, após se formar no conservatório com o Prêmio de Roma, morou na Itália , na Villa Medici (1885-1886). Essa paixão continuou até o fim de sua vida. As paredes de seu quarto eram decoradas com reproduções coloridas das pinturas de Whistler. Por outro lado, os críticos franceses escreveram que os três "Noturnos" de Debussy são uma gravação sonora de três elementos: ar, fogo e água, ou uma expressão de três estados - contemplação, ação e êxtase.
Música
« Nuvens” são pintados com finas cores impressionistas de uma pequena orquestra (apenas trompas são usadas de cobre). O fundo sombrio e instável é criado pelo balanço medido dos sopros, formando harmonias deslizantes extravagantes. O timbre peculiar da trompa inglesa realça a singularidade modal do curto motivo principal. A cor se ilumina na seção intermediária, onde a harpa entra pela primeira vez. Juntamente com a flauta, ela conduz um tema pentatônico na oitava, como se estivesse saturado de ar; é repetido por solo de violino, viola, violoncelo. Então a melodia sombria da trompa inglesa retorna, ecos de outros motivos surgem - e tudo parece flutuar ao longe, como nuvens que se derretem.
« Festividades» formam um forte contraste - a música é impetuosa, cheia de luz e movimento. Som de vôo de cordas e ferramentas de madeira interrompido por sonoras exclamações de metais, tremolo tímpanos e espetaculares glissandos de harpas. Uma nova imagem: no mesmo fundo dançante do oboé de cordas conduz um tema fervoroso, captado por outros instrumentos de sopro em uma oitava. De repente tudo quebra. Uma procissão se aproxima de longe (três trombetas com surdina). Entram as até então silenciosas caixas (ao longe) e as de metais graves, construindo um clímax ensurdecedor do tutti. Então voltam passagens leves do primeiro tema, e outros motivos tremulam, até que os sons do festival se desvaneçam.
EM " Sirenes"Novamente, como nas nuvens, prevalece um ritmo lento, mas o clima aqui não é crepuscular, mas iluminado pela luz. A rebentação bate silenciosamente, as ondas avançam, e neste respingo podem-se distinguir as vozes sedutoras das sereias; acordes repetidos sem palavras de um pequeno grupo de coro feminino complementam o som da orquestra com outra cor caprichosa. Os menores motivos de duas notas variam, crescem, se entrelaçam polifonicamente. Eles ecoam os temas dos Noturnos anteriores. Na seção intermediária, as vozes das sereias tornam-se mais insistentes, sua melodia mais extensa. A variante nas trombetas aborda inesperadamente o tema da trompa inglesa de Clouds, e a semelhança é ainda mais forte na chamada desses instrumentos. Ao final, o canto das sereias se esvai, as nuvens se desfazem e os sons da festa desaparecem ao longe.
A. Koenigsberg
Prélude à l "après-midi d" un faune
Composição da orquestra: 3 flautas, 2 oboés, cor anglais, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, pratos antigos, 2 harpas, cordas.
história da criação
A Tarde de um Fauno é a primeira obra sinfônica de Debussy, na qual seu estilo impressionista individual é perfeitamente expresso; é inspirada na écloga homônima de Stéphane Mallarmé (1842-1898). O poeta francês, chefe da escola simbolista, que reuniu à sua volta jovens poetas e artistas impressionistas, escreveu este longo poema sobre um antigo enredo mitológico em 1865-1866 (foi publicado 10 anos depois), possivelmente inspirado por uma pintura de o artista francês do século XVIII Boucher da London National Gallery. O estilo poético de Mallarmé - deliberadamente complexo, incompreensível, alegórico - distingue-se ao mesmo tempo pelo brilho sensual das imagens, pela elegância do gosto, pela percepção refinada e alegre da vida. O próprio Mallarmé comparou sua poesia com a música: ele se esforçou para que suas frases, dispostas de uma certa maneira, afetassem poeticamente o leitor, como os sons da música no ouvinte.
A écloga "Tarde de um Fauno" foi destinada ao famoso ator francês Coquelin Sr. - para recitação, ilustrada por danças. Debussy, que conheceu a écloga em 1886, decidiu complementar a leitura com uma composição de três partes: prelúdio, interlúdio e final (paráfrase). No entanto, o significado do poema foi completamente esgotado já no prelúdio, sem exigir continuação. Ao ouvi-lo pela primeira vez na performance do autor ao piano, Mallarmé ficou encantado: “Não esperava nada assim! Essa música continua o clima do meu poema e o complementa de forma mais vívida do que as cores.
O programa sobrevivente é provavelmente de Debussy: "A música deste Prelúdio é uma ilustração muito livre do belo poema de Mallarmé. De forma alguma pretende ser uma síntese do poema. Ao contrário, são paisagens que se sucedem, entre as quais pairam desejos e sonhos de um Fauno no calor da tarde. Então, exausto pela perseguição de ninfas que fogem timidamente, ele se entrega a um sono delicioso, cheio de sonhos finalmente realizados da plenitude da posse em uma natureza abrangente.
E em carta escrita um ano após a conclusão de A tarde de um fauno (1894), Debussy explicava o princípio de sua programação em tom de brincadeira: “Essa é a impressão geral do poema, pois se você tentasse seguir com mais precisão isso, a música sufocaria como um cavalo de corrida competindo com um puro-sangue pelo Grande Prêmio."
A estréia aconteceu em 22 de dezembro de 1894 em Paris, em um concerto Sociedade Nacional Direção de Gustave Doré. Como o maestro mais tarde lembrou, já durante a apresentação de repente sentiu que os ouvintes estavam completamente cativados por esta música, e imediatamente após o final ela foi tocada novamente. Este foi o primeiro sucesso real de Debussy.
Em 1912, ao som de "Tarde de um Fauno" em teatro parisiense Chatelet foi encenado um balé de um ato. O coreógrafo e intérprete do papel do Fauno foi o famoso dançarino russo Vaslav Nijinsky, que não gostou nada do compositor, que chamou Nijinsky de jovem gênio selvagem e cruel.
Música
O solo de flauta introduz imediatamente tanto o mundo distante da brilhante antiguidade pastoral quanto o mundo da música de Debussy, tão típico do compositor. Melodia sensual cromatizada desdobra-se de forma livre improvisada nos timbres de palhetas de instrumentos de sopro agudo. O glissando das harpas e a chamada das trompas, as únicas de metais utilizadas no prelúdio, dão um sabor especial à música. Na seção central, um tema mais amplo, melodioso e iluminado pelo sol aparece no rico som do tutti. Quando ela faz uma pausa no violino solo, a melodia da flauta da flauta retorna novamente contra o fundo da harpa transbordante. Sua exposição é interrompida por breves motivos de provocação. A música adquire, segundo a definição do autor, o caráter de “maior langor”, o brilho é realçado pela inclusão de pratos antigos. Seu pianíssimo contra o fundo de harmônicos de harpa e pizzicato de cordas graves completa o trabalho - como se uma bela visão se dissolvesse na leve névoa do meio-dia.
Já nas primeiras composições vocais de Debussy, datadas do final da década de 1870 e início da década de 1880 (“Noite Maravilhosa” nas palavras de Paul Bourget e principalmente “Bandolin” nas palavras de Paul Verlaine), a originalidade de seu talento se manifestou.
Antes mesmo de se formar no conservatório, Debussy fez sua primeira viagem ao exterior para Europa Ocidental a convite do filantropo russo N.F. von Meck, que foi por muitos anos um amigo próximo de P.I. Tchaikovsky. Em 1881, Debussy veio para a Rússia como pianista para participar dos concertos caseiros de von Meck. Esta primeira viagem à Rússia (depois lá foi mais duas vezes - em 1882 e 1913) despertou no compositor um grande interesse pela música russa, que não enfraqueceu até ao fim da sua vida.
Depois de três temporadas de verão, sua aluna Sonia (quinze anos) virou a cabeça. Ele pediu permissão para se casar com ela de sua mãe - Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck ... E ele foi imediatamente, muito amigável, convidado a deixar Viena, onde eles estavam naquele momento.
Quando ele voltou a Paris, descobriu-se que seu coração e seu talento estavam maduros para sentimentos por Madame Vanier, que definiu o tipo de "a mulher de sua vida": ela era mais velha que ele, uma musicista e reinava em um ambiente extraordinariamente atraente casa.
Ele a conheceu e passou a acompanhá-la nos cursos de canto de Madame Moreau-Sainty, dos quais Gounod era o presidente.
A partir de 1883, Debussy passou a participar como compositor de concursos para o Grande Prêmio de Roma. No ano seguinte, ele foi premiado com ela pela cantata " Filho prodígio". Este ensaio, escrito sob a influência do francês ópera lírica, destaca-se pelo drama real de cenas individuais. A estada de Debussy na Itália (1885-1887) foi proveitosa para ele: conheceu a antiga música coral italiana do século XVI e ao mesmo tempo a obra de Wagner.
Ao mesmo tempo, o período de permanência de Debussy na Itália foi marcado por um forte choque com os meios artísticos oficiais da França. Os relatórios dos laureados perante a academia foram apresentados na forma de trabalhos que foram apreciados em Paris por um júri especial. As críticas às obras do compositor - a ode sinfónica "Zuleima", a suite sinfónica "Primavera" e a cantata "O Escolhido" - desta vez descobriram um fosso intransponível entre as aspirações inovadoras de Debussy e a inércia que reinava nas maiores instituição artística França. Debussy expressou claramente seu desejo de inovação em uma carta a um amigo em Paris: “Não consigo fechar minha música em quadros muito corretos ... quero trabalhar para criar um trabalho original e não cair o tempo todo no mesmo caminhos...” Ao retornar da Itália para Paris, Debussy finalmente rompe com a academia. Naquela época, os sentimentos por Madame Vanier haviam esfriado significativamente.
O desejo de se aproximar das novas tendências da arte, o desejo de expandir suas conexões e conhecimentos no mundo da arte levou Debussy de volta no final da década de 1880 ao salão de um grande poeta francês do final do século XIX e líder ideológico dos simbolistas -Stefan Mallarmé. Aqui Debussy conheceu escritores e poetas, cujas obras formaram a base de muitas de suas composições vocais, criadas nas décadas de 1880 e 1890. Entre eles destacam-se: "Bandolim", "Arietta", "Paisagens belgas", "Aguarelas", "Moonlight" para as palavras de Paul Verlaine, "Canções de Bilitis" para as palavras de Pierre Louis, "Cinco Poemas" para o palavras do maior poeta francês 1850-1860 por Charles Baudelaire (especialmente Balcony, Evening Harmonies, At the Fountain) e outros.
A clara preferência dada Música vocal no primeiro período de criatividade, deve-se em grande parte à paixão do compositor pela poesia simbolista. No entanto, na maioria das obras desses anos, Debussy tenta evitar tanto a incerteza simbolista quanto o eufemismo ao expressar seus pensamentos.
A década de 1890 - o primeiro período do florescimento criativo de Debussy no campo não apenas vocal, mas também piano ("Bergamas Suite", "Little Suite" para piano a quatro mãos), instrumento de câmara (quarteto de cordas) e especialmente música sinfônica. Neste momento, dois dos mais importantes obras sinfônicas- Prelúdio "Tarde de um Fauno" e "Noturnos".
O prelúdio "Tarde de um Fauno" foi escrito com base em um poema de Stéphane Mallarmé em 1892. A obra de Mallarmé atraiu o compositor principalmente pelo pitoresco brilhante de uma criatura mitológica que sonha em um dia quente com belas ninfas.
No prelúdio, como no poema de Mallarmé, não há trama desenvolvida, não há desenvolvimento dinâmico da ação. No cerne da composição reside, em essência, uma imagem melódica de "langor", construída sobre entonações cromáticas "rastejantes". Debussy usa para sua encarnação orquestral quase o tempo todo o mesmo timbre instrumental específico - uma flauta em um registro baixo.
Todo o desenvolvimento sinfônico do prelúdio se resume a variar a textura da apresentação do tema e sua orquestração. O desenvolvimento estático é justificado pela própria natureza da imagem.
As características do estilo maduro de Debussy apareceram nesta obra principalmente na orquestração. A extrema diferenciação de grupos orquestrais e partes de instrumentos individuais dentro de grupos torna possível combinar cores orquestrais e criar as mais finas nuances. Muitas das realizações da escrita orquestral neste trabalho mais tarde se tornaram típicas da maioria das obras sinfônicas de Debussy.
Somente após a execução de "Faun" em 1894, o compositor Debussy falou em amplos círculos musicais em Paris. Mas o isolamento e certas limitações do ambiente artístico ao qual Debussy pertencia, bem como o estilo original de suas composições, impediram que a música do compositor aparecesse no palco do concerto.
Mesmo uma obra sinfônica notável de Debussy como o ciclo Nocturnes, criada em 1897-1899, foi recebida com moderação. Em "Nocturnes", o desejo de Debussy por imagens artísticas reais foi manifestado. Pela primeira vez na obra sinfônica de Debussy, uma pintura de gênero animada (a segunda parte dos Noturnos - "Celebrações") e imagens da natureza ricas em cores (a primeira parte - "Nuvens") receberam uma vívida personificação musical.
Durante a década de 1890, Debussy trabalhou em sua única ópera completa, Pelléas et Mélisande. O compositor há muito procurava um enredo próximo a ele e finalmente se fixou no drama do escritor simbolista belga Maurice Maeterlinck "Pelléas et Mélisande". O enredo desta obra atraiu Debussy, em suas palavras, pelo fato de que nela “os personagens não discutem, mas suportam a vida e o destino”. A abundância de subtextos possibilitou ao compositor cumprir seu lema: “A música começa onde a palavra é impotente”.
Debussy preservou na ópera uma das principais características de muitos dos dramas de Maeterlinck - a condenação fatal dos personagens antes do inevitável desenlace fatal, a descrença de uma pessoa em sua própria felicidade. Debussy, até certo ponto, conseguiu suavizar o tom irremediavelmente pessimista do drama com lirismo sutil e contido, sinceridade e veracidade na personificação musical da verdadeira tragédia do amor e do ciúme.
A novidade do estilo da ópera deve-se em grande parte ao fato de ser escrita em texto em prosa. As partes vocais da ópera de Debussy incorporam as nuances sutis do discurso francês coloquial. O desenvolvimento melódico da ópera é uma expressiva linha melodioso-declamatória. Não há aumento emocional significativo na linha melódica, mesmo nos dramáticos episódios climáticos da ópera. Há uma série de cenas na ópera em que Debussy conseguiu transmitir uma gama complexa e rica de experiências humanas: a cena com o anel da fonte no segundo ato, a cena com o cabelo de Mélisande no terceiro, a cena no fonte no quarto e cena da morte de Mélisande no quinto ato.
A estreia da ópera ocorreu em 30 de abril de 1902 no teatro " ópera cômica". Apesar da magnífica performance, a ópera não teve verdadeiro sucesso com um grande público. A crítica foi geralmente hostil e permitiu-se ataques ásperos e rudes após as primeiras apresentações. Apenas alguns músicos importantes apreciaram os méritos deste trabalho.
Na época em que Pelléas foi encenado, eventos significativos estavam ocorrendo na vida de Debussy. Em 19 de outubro de 1899, ele se casou com Lily Texier. A união deles durará apenas cinco anos. E em 1901, iniciou sua carreira como crítico musical profissional. Isso contribuiu para a formação das visões estéticas de Debussy, seus critérios artísticos. Seus princípios e pontos de vista estéticos são expressos com extrema clareza nos artigos e livros de Debussy. Ele vê a fonte da música na natureza: "A música está mais próxima da natureza..." "Somente os músicos têm o privilégio de abraçar a poesia da noite e do dia, da terra e do céu - recriando a atmosfera e o ritmo do majestoso tremor da natureza. "
O estilo de Debussy foi fortemente influenciado pela obra dos principais compositores russos - Borodin, Balakirev e especialmente Mussorgsky e Rimsky-Korsakov. Debussy ficou muito impressionado com o brilho e o pitoresco da escrita orquestral de Rimsky-Korsakov.
Mas Debussy percebeu apenas alguns aspectos do estilo e método dos maiores artistas russos. Ele era estranho às tendências acusatórias democráticas e sociais na obra de Mussorgsky. Debussy estava longe dos enredos profundamente humanos e filosoficamente significativos das óperas de Rimsky-Korsakov, da conexão constante e inseparável entre a obra desses compositores e as origens folclóricas.
Em 1905, Debussy se casou pela segunda vez. Ela tinha a mesma idade de Claude Achille, casada com Sigismund Bardak, um banqueiro parisiense. “Madame Bardak tinha a sedução de algumas mulheres seculares no início do século”, escreveu um de seus amigos sobre ela.
Debussy estudou composição com o filho e logo acompanhou Madame Bardac, que interpretou seus romances. “Isto é um êxtase lânguido”... e ao mesmo tempo é um raio com todas as suas consequências. Logo eles têm uma linda garota, Claude - Emme.
O início do século é o estágio mais alto da atividade criativa do compositor. As obras criadas por Debussy nesse período falam de novas tendências na criatividade e, antes de tudo, do afastamento de Debussy da estética do simbolismo. Cada vez mais o compositor é atraído por cenas de gênero, retratos musicais e fotos da natureza. Ao lado de novos temas e enredos, aparecem em sua obra características de um novo estilo. Provas disso são obras de piano, como "Uma Noite em Granada" (1902), "Jardins na Chuva" (1902), "Ilha da Alegria" (1904). Nessas obras, Debussy encontra uma forte ligação com as origens nacionais da música.
Entre as composições sinfônicas criadas por Debussy durante esses anos, destacam-se o "Sea" (1903-1905) e "Imagens" (1909), que inclui a famosa "Iberia".
A paleta de timbres orquestrais, a originalidade modal e outras características de "Iberia" encantaram muitos compositores. “Debussy, que não conhecia bem a Espanha, espontaneamente, eu diria, inconscientemente criou uma música espanhola que poderia despertar a inveja de tantos outros, quem conhece o país bom o suficiente..." - escreveu o famoso compositor espanhol Falla. Ele acreditava que se Claude Debussy "usou a Espanha como base para revelar uma das facetas mais bonitas de sua obra, então ele pagou por isso tão generosamente que agora a Espanha está em dívida com ele".
“Se, entre todas as obras de Debussy”, disse o compositor Honegger, “eu tivesse que escolher uma partitura para que alguém que não a conhecesse antes pudesse ter uma ideia de sua música usando seus exemplos, eu levaria o tríptico “Mar” para o efeito. . Esta, a meu ver, é a obra mais típica, nela a individualidade do autor se imprime com a maior completude. Se a música em si é boa ou ruim é o ponto principal da questão. E Debussy é brilhante. Tudo no seu “Mar” é inspirado: tudo até aos mais pequenos traços da orquestração – qualquer nota, qualquer timbre – tudo é pensado, sentido e contribui para a animação emocional de que este tecido sonoro está repleto. "Mar" é um verdadeiro milagre da arte impressionista..."
A última década da vida de Debussy é caracterizada por atividades criativas e performáticas incessantes até a eclosão da Primeira Guerra Mundial. As viagens de concerto como maestro à Áustria-Hungria trouxeram fama ao compositor no exterior. Foi recebido de forma especialmente calorosa na Rússia em 1913. Os concertos em São Petersburgo e Moscou foram um grande sucesso. O contato pessoal de Debussy com muitos músicos russos fortaleceu ainda mais seu apego à cultura musical russa.
Especialmente grandes são as realizações artísticas de Debussy na última década de sua vida em trabalho de piano: "Cantinho das Crianças" (1906-1908), "Caixa de Brinquedos" (1910), vinte e quatro prelúdios (1910 e 1913), "Seis Epígrafes Antigas" a quatro mãos (1914), doze estudos (1915).
A suíte para piano "Children's Corner" é dedicada à filha de Debussy. O desejo de revelar na música o mundo pelos olhos de uma criança nas imagens que lhe são familiares - professor rigoroso, fantoches, um pastorzinho, um elefante de brinquedo - faz com que Debussy use amplamente os gêneros de dança e música do dia a dia e os gêneros de música profissional de uma forma grotesca e caricatural.
Os doze estudos de Debussy estão relacionados com suas longas experiências no campo do estilo pianístico, a busca de novos tipos de técnica e meios de expressão. Mas mesmo nessas obras, ele se esforça para resolver não apenas problemas puramente virtuosos, mas também sonoros.
Dois cadernos de seus prelúdios para piano devem ser considerados uma conclusão digna de todo o caminho criativo de Debussy. Aqui, por assim dizer, concentram-se os aspectos mais característicos e típicos da cosmovisão artística, método criativo e estilo do compositor. O ciclo essencialmente completou o desenvolvimento desse gênero na música da Europa Ocidental, cujos fenômenos mais significativos foram até agora os prelúdios de Bach e Chopin.
Em Debussy esse gênero resume sua maneira criativa e é uma espécie de enciclopédia de tudo o que há de mais característico e típico no campo do conteúdo musical, do círculo de imagens poéticas e do estilo do compositor.
O início da guerra fez com que Debussy crescesse em sentimentos patrióticos. Em declarações impressas, ele se autodenomina enfaticamente: "Claude Debussy - músico francês". linha inteira obras destes anos inspiradas pelo patriotismo. Sua principal tarefa .. ele considerava o canto da beleza em oposição aos terríveis atos de guerra, paralisando os corpos e as almas das pessoas, destruindo os valores da cultura. Debussy estava profundamente deprimido pela guerra. Desde 1915, o compositor adoeceu gravemente, o que também afetou sua obra. Até os últimos dias de sua vida - ele morreu em 26 de março de 1918 durante o bombardeio de Paris pelos alemães - apesar de uma doença grave, Debussy não interrompeu sua busca criativa.
O Impressionismo Musical tem como precursor, sobretudo, o Impressionismo em pintura francesa. Eles não têm apenas raízes comuns, mas também relações de causa e efeito. E o principal impressionista da música, Claude Debussy, e principalmente Eric Satie, seu amigo e predecessor nessa trajetória, e Maurice Ravel, que sucedeu a Debussy, buscaram e encontraram não só analogias, mas também meio de expressão nas obras de Claude Monet, Paul Cezanne, Puvis de Chavannes e Henri de Toulouse-Lautrec.
O próprio termo “impressionismo” em relação à música é enfaticamente condicional e especulativo (em particular, o próprio Claude Debussy repetidamente se opôs a ele, no entanto, sem oferecer nada definitivo em troca). É claro que os meios de pintura, associados à visão e os meios de arte musical, baseados principalmente na audição, podem ser conectados entre si apenas com a ajuda de paralelos associativos sutis e especiais que existem apenas na mente. Simplificando, a vaga imagem de Paris "na chuva de outono" e os mesmos sons, "abafados pelo barulho das gotas que caem" em si têm a propriedade de uma imagem artística, mas não de um mecanismo real. Analogias diretas entre os meios da pintura e da música só são possíveis através personalidade do compositor que experimentaram a influência pessoal de artistas ou suas pinturas. Se um artista ou compositor nega ou não reconhece tais conexões, torna-se pelo menos difícil falar sobre elas. No entanto, temos as confissões como um artefato importante e, (que é o mais importante) as obras dos próprios personagens principais do impressionismo musical. Foi Erik Satie quem expressou essa ideia com mais clareza do que os demais, focando constantemente no quanto deve aos artistas em seu trabalho. Ele atraiu Debussy para si com a originalidade de seu pensamento, caráter independente e rude e humor cáustico, que não poupou nenhuma autoridade. Além disso, Satie interessou Debussy com suas composições inovadoras para piano e vocais, escritas de forma ousada, embora não inteiramente profissional. Aqui, abaixo estão as palavras com as quais em 1891 Satie se dirigiu a seu novo amigo, Debussy, levando-o a passar para a formação de um novo estilo:
Puvis de Chavannes (1879) "Girls on the Seashore" (imagem favorita de Sati em sua juventude)
Quando conheci Debussy, ele estava cheio de Mussorgsky e procurava persistentemente caminhos que não são tão fáceis de encontrar. Nesse aspecto, há muito o superei. Não fui sobrecarregado nem pelo Prêmio Romano nem por nenhum outro, pois fui como Adão (do Paraíso), que nunca recebeu nenhum prêmio - definitivamente preguiçoso!…
Naquela época eu estava escrevendo O Filho das Estrelas para um libreto de Péladan e explicando a Debussy a necessidade de o francês se libertar da influência dos princípios wagnerianos, que não correspondem às nossas aspirações naturais. Eu também disse que embora não seja de forma alguma antiwagnerista, ainda acho que devemos ter nossa própria música e, se possível, sem "repolho azedo alemão". Mas por que não usar para esses propósitos os mesmos meios visuais que vemos em Claude Monet, Cézanne, Toulouse-Lautrec e outros? Por que não transferir esses fundos para a música? Não há nada mais fácil. Não é isso que é a verdadeira expressividade?
- (Erik Satie, "Claude Debussy", Paris, 1923).
Mas se Satie derivou seu impressionismo transparente e mesquinho da pintura simbólica de Puvis de Chavannes, então Debussy (através do mesmo Satie) experimentou a influência criativa dos impressionistas mais radicais, Claude Monet e Camille Pissarro.
Basta listar os nomes das obras mais marcantes de Debussy ou Ravel para obter uma imagem completa do impacto em seu trabalho de imagens visuais e paisagens de artistas impressionistas. Assim, nos primeiros dez anos, Debussy escreveu "Nuvens", "Impressões" (a mais figurativa das quais, um esboço sonoro em aquarela - "Jardins na chuva"), "Imagens" (a primeira das quais, uma das obras-primas de impressionismo ao piano, "Reflexões sobre a água", evoca associações diretas com a famosa pintura de Claude Monet "Impressão: Nascer do Sol")… Por expressão famosa Mallarmé, compositores impressionistas estudados "ouvir a luz", transmitem em sons o movimento da água, a flutuação da folhagem, o sopro do vento e a refração dos raios solares no ar da tarde. A suíte sinfônica "The Sea from Dawn to Noon" resume adequadamente os esboços paisagísticos de Debussy.
Apesar de sua rejeição pessoal frequentemente anunciada do termo "impressionismo", Claude Debussy repetidamente se pronunciou como um verdadeiro artista impressionista. Assim, falando da primeira de suas famosas obras orquestrais, Nocturnes, Debussy admitiu que a ideia da primeira delas (Nuvens) veio à sua mente em um dos dias nublados quando olhou para o Sena da Pont de la Concorde ... Bem Quanto à procissão na segunda parte (“Festas”), esta ideia nasceu de Debussy: “... enquanto contemplava o destacamento equestre de soldados da Guarda Republicana que passava ao longe, cujos capacetes brilhavam sob os raios do sol poente... em nuvens de poeira dourada”. Da mesma forma, as obras de Maurice Ravel podem servir como uma espécie de evidência material das ligações diretas da pintura à música que existiam no movimento impressionista. O famoso som visual "Play of water", o ciclo de peças "Reflections", a coleção de piano "Rustle of the Night" - esta lista está longe de ser completa e pode ser continuada. Sati se destaca um pouco, como sempre, uma das obras que podem ser chamadas a esse respeito é, talvez, “O Prelúdio Heróico dos Portões do Céu”.
O mundo circundante na música do impressionismo é revelado através de uma lupa de sutis reflexões psicológicas, sensações sutis nascidas da contemplação de pequenas mudanças que ocorrem ao redor. Essas características tornam o impressionismo relacionado a outro movimento artístico que existia em paralelo - o simbolismo literário. Eric Satie foi o primeiro a recorrer às obras de Josephine Péladan. Um pouco mais tarde, o trabalho de Verlaine, Mallarmé, Louis e especialmente Maeterlinck encontrou implementação direta na música de Debussy, Ravel e alguns de seus seguidores.
Ramon Casas (1891) "Moinho de Dinheiro" (Pintura impressionista com a figura de Satie)
Apesar da óbvia novidade da linguagem musical, o impressionismo frequentemente recria algumas técnicas expressivas características da arte do tempo anterior, em particular, a música dos cravistas franceses do século XVIII, a era Rococó. Basta recordar as famosas peças pictóricas de Couperin e Rameau como "Little Windmills" ou "The Hen".
Na década de 1880, antes de conhecer Eric Satie e sua obra, Debussy era fascinado pela obra de Richard Wagner e estava completamente na esteira de sua estética musical. Depois de conhecer Satie e desde o momento de criar suas primeiras obras impressionistas, Debussy mudou-se com surpreendente nitidez para as posições do antiwagnerismo militante. Essa transição foi tão repentina e abrupta que um dos amigos íntimos de Debussy (e biógrafo), o famoso musicólogo Émile Vuyermeaux, expressou diretamente sua perplexidade:
O antiwagnerismo de Debussy é desprovido de grandeza e nobreza. É impossível entender como um jovem músico, cuja juventude está embriagada pela embriaguez de Tristão, e que, na formação de sua linguagem, na descoberta de uma melodia sem fim, sem dúvida deve tanto a essa partitura inovadora, ridiculariza com desdém o gênio que lhe deu tanto!
- (Emile Vuillermoz, “Claude Debussy”, Genebra, 1957.)
Ao mesmo tempo, Vuyermeaux, internamente conectado por relações de hostilidade pessoal e inimizade com Eric Satie, não o mencionou especificamente e o liberou como o elo perdido na criação. imagem completa. Com efeito, a arte francesa do final do século XIX, esmagada pelos dramas musicais wagnerianos, afirmou-se através do impressionismo. Por muito tempo, foi justamente essa circunstância (e o nacionalismo que cresceu entre as três guerras com a Alemanha) que dificultou falar sobre a influência direta do estilo e da estética de Ricardo.
O segundo "noturno" - "Celebrations" - destaca-se entre outras obras de Debussy com um sabor de gênero brilhante. Em um esforço para aproximar a música de "Celebrations" de uma cena ao vivo de vida popular o compositor voltou-se para gêneros musicais cotidianos. É na oposição contrastante das duas imagens musicais principais - dança e marcha - que se constrói a composição a três partes "Celebrations" (ao contrário de "Clouds").
O desdobramento gradual e dinâmico dessas imagens confere à composição um significado programático mais específico. O compositor escreve no prefácio: “Festas” é um movimento, um ritmo dançante da atmosfera com explosões de luz repentina, é também um episódio de uma procissão (uma visão deslumbrante e quimérica) que passa pela festa e se funde com ela; mas o pano de fundo permanece o tempo todo - este é um feriado; é uma mistura de música com poeira luminosa, que faz parte do ritmo geral.
Desde os primeiros compassos, uma sensação de festa é criada por um ritmo enérgico e elástico: (que é uma espécie de esqueleto rítmico de toda a segunda parte dos Noturnos), as características consonâncias quarto-quinta dos violinos em ff em registro agudo, que dão uma cor ensolarada ao início do movimento.
Sobre este fundo colorido, surge o tema principal da primeira parte de "Celebrations", que lembra uma tarantela. Sua melodia é construída em movimento escalonado com inúmeros sons de referência, mas o ritmo terceto típico da tarantela e o andamento rápido conferem leveza e rapidez ao movimento do tema:
Em sua divulgação, Debussy não utiliza as técnicas de desenvolvimento melódico (o ritmo e os contornos do tema quase não mudam ao longo do movimento), mas recorre a uma espécie de variação, na qual cada implementação subsequente do tema é confiada a novos instrumentos, acompanhados por uma coloração harmônica diferente.
A predileção do compositor por timbres "puros" desta vez dá lugar a cores orquestrais sutilmente misturadas (o som do tema na trompa inglesa com clarinete é substituído por seu dedilhar em flautas com oboés, depois em violoncelos com fagotes). No acompanhamento harmônico, aparecem tríades maiores de tonalidades distantes e encadeamentos de não acordes (semelhante a uma pincelada densamente sobreposta em uma tela de pintura). Em uma das execuções do tema, seu padrão melódico é baseado na escala tonal, o que lhe confere uma nova tonalidade modal (modo aumentado), frequentemente utilizado por Debussy em combinação com maiores e menores.
Ao longo da primeira parte do episódio "Celebrations" imagens musicais(por exemplo, para um oboé em dois sons - la E antes). Mas um deles, relacionado entoacionalmente com a tarantella e ao mesmo tempo contrastando figurativa e ritmicamente com ela, no final do movimento gradualmente começa a ocupar uma posição cada vez mais dominante. O claro ritmo pontuado do novo tema dá a toda a seção final da primeira parte de "Celebrations" um caráter dinâmico e obstinado:
Debussy confia quase toda a execução deste tema aos instrumentos de sopro, mas no final da primeira parte entra o grupo de cordas da orquestra, que até agora desempenhou principalmente o papel de acompanhamento. Sua introdução dá à nova imagem uma expressão significativa e prepara o episódio culminante de toda a primeira parte.
Raro para Debussy, um longo aumento na dinâmica no final da primeira parte das "Celebrações", alcançado pela conexão gradual de todos os novos instrumentos (exceto metais e percussão), um movimento crescente de turbilhão, cria a impressão de um surgimento espontâneo dança em massa.
É interessante notar que no momento do clímax, o ritmo trigêmeo e o núcleo entoacional do primeiro tema, a tarantela, voltam a dominar. Mas este episódio top de todo imagem musical o primeiro movimento termina de forma um tanto impressionista. A sensação de uma conclusão claramente expressa da parte não é criada. Ele flui diretamente, sem cesuras, para a seção intermediária das Festas.
O maior contraste, quase teatral (extremamente raro em Debussy), reside nos Noturnos precisamente na transição abrupta para a segunda parte das Festas - a marcha. O movimento impetuoso da tarantela é substituído por um quinto baixo ostinato medido e lento em ritmo de marcha. O tema principal da marcha soa pela primeira vez em três trombetas com mudos (como se estivesse nos bastidores):
O efeito de uma "procissão" que se aproxima gradualmente é criado por um aumento na sonoridade e uma mudança na orquestração
apresentação e harmonia. A orquestração desta parte dos "Nocturnos" envolve novos instrumentos - trompetes, trombones, tuba, tímpanos, tarolas, pratos - e prevalece uma lógica de desenvolvimento orquestral muito mais consistente e rigorosa do que em "Nuvens" (o tema é executado primeiro por trompetes com surdinas, depois por todo um grupo de sopros e, no ápice, trompetes com trombones).
Toda essa parte das "Celebrações" se distingue por um desenvolvimento harmônico surpreendente para Debussy em tensão e integridade (centrado nas tonalidades de Ré bemol maior e Lá maior). É criado pelo acúmulo de longo prazo da instabilidade modal com a ajuda de numerosas revoluções elípticas, sustentadas por um longo período do ponto do órgão e pela longa ausência da tônica da tonalidade principal.
Na cobertura harmônica do tema da marcha, Debussy utiliza cores ricas: encadeamentos de acordes de sétima e seus apelos em diversas tonalidades, que incluem o baixo ostinato Um apartamento ou sol sustenido.
No momento do desenvolvimento culminante da parte intermediária das “Festas”, quando o tema da marcha é grandioso e solene. trompetes e trombones são acompanhados por tímpanos, tambores e pratos militares; instrumentos de corda têm uma tarantela na forma de uma espécie de subtom polifônico. A procissão gradualmente assume o caráter de uma celebração festiva, diversão cintilante e, de repente, tão inesperadamente quanto na transição para a parte intermediária, o desenvolvimento para abruptamente e novamente um tema de tarantela, suave em seus contornos e sonoridade de duas flautas, sons.
A partir do momento de seu aparecimento, inicia-se a preparação intensiva da reprise, durante a qual o tema da tarantela substitui gradativamente a marcha. Sua sonoridade cresce, o acompanhamento harmônico torna-se mais rico e diversificado (incluindo não acordes de diferentes tonalidades). Mesmo o tema da marcha, tendo aparecido nas trombetas no momento do segundo clímax do movimento intermediário, adquire um ritmo acelerado (rápido). Agora todos os pré-requisitos foram criados para o início da terceira parte da reprise de "Celebrações".
Esta seção da forma, assim como em "The Clouds", contém quase todas as imagens melódicas da parte do ciclo e é extremamente comprimida. A reprise, juntamente com a coda, cria o efeito preferido do compositor de "apagar" a procissão. Quase todos os temas das “Festas” passam por aqui, mas apenas como ecos. Os temas principais das "Festas" - a tarantela e a marcha - sofrem mudanças especialmente grandes no final do movimento. O primeiro deles, no final da coda, lembra-se apenas com entonações individuais e o ritmo de acompanhamento terceto de violoncelos com contrabaixos, e o segundo com o ritmo de marcha batido por um tambor militar em pp e trombetas tertsovy curtas com mudos, soando como um sinal distante.
Sirenes
O terceiro "noturno" - " Sirenes”- está próximo em design poético de “Clouds”. Na explicação literária, apenas os motivos paisagísticos pitorescos e o elemento neles introduzido são revelados. ficção de conto de fadas(esta combinação lembra vagamente a "Sunken Cathedral"): "Sirens" é o mar e seu ritmo infinitamente diverso; entre as ondas prateadas pela lua surge, desmorona de tanto rir e o misterioso canto das sereias se afasta.
Toda a imaginação criativa do compositor nesta imagem é direcionada não para criar uma imagem melódica brilhante que formaria a base de todo o movimento ou sua seção, mas para tentar transmitir por meio da música os mais ricos efeitos de iluminação e combinações de combinações de cores que surgem no mar sob várias condições de iluminação.
O terceiro "noturno" é tão estático em sua apresentação e desenvolvimento quanto "Clouds". A falta de imagens melódicas brilhantes e contrastantes é parcialmente compensada pela instrumentação colorística, da qual participa o coro feminino (oito sopranos e oito mezzo-sopranos), cantando de boca fechada. Esse timbre peculiar e incrivelmente belo é usado pelo compositor ao longo de todo o movimento, não tanto como uma função melódica, mas como um "fundo" harmônico e orquestral (semelhante ao uso grupo de string nas nuvens"). Mas esta nova e incomum cor orquestral desempenha aqui o principal papel expressivo na criação de uma imagem ilusória e fantástica das sereias, cujo canto vem como das profundezas de um mar calmo e cintilante com tonalidades infinitamente variadas.
Impressionismo na música
No final do século XIX, uma nova tendência surgiu na França, chamada "impressionismo". Esta palavra, traduzida do francês, significa "impressão". O impressionismo surgiu entre os artistas.
Nos anos 70, várias exposições parisienses surgiram pinturas originais C. Monet, C. Pissarro, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley. Sua arte diferia nitidamente das obras suaves e sem rosto dos pintores acadêmicos.
Os impressionistas saíram de suas oficinas ao ar livre, aprenderam a reproduzir o jogo das cores vivas da natureza, o brilho dos raios do sol, o brilho multicolorido da superfície da água, a diversidade da multidão festiva. Eles usaram uma técnica especial de manchas, que parecia caótica de perto, e à distância deu origem a uma sensação real de um jogo de cores vivas. O frescor de uma impressão instantânea em suas telas foi combinado com a sutileza dos humores psicológicos.
Mais tarde, nos anos 80 e 90, as ideias do impressionismo encontraram expressão na música francesa. Dois compositores - C. Debussy e M. Ravel - representam mais claramente o impressionismo na música. Em suas peças para piano e esboços orquestrais, as sensações causadas pela contemplação da natureza são expressas com particular novidade. O som da rebentação do mar, o chapinhar da ribeira, o farfalhar da floresta, o chilrear matinal dos pássaros fundem-se nas suas obras com as vivências pessoais do poeta-músico, apaixonado pela beleza do mundo envolvente.
Achille-Claude Debussy é considerado o fundador do impressionismo musical, que enriqueceu todos os aspectos das habilidades de composição - harmonia, melodia, orquestração, forma. Ao mesmo tempo, abraçou as ideias da nova pintura e poesia francesas.
Claude Debussy
Claude Debussy é um dos compositores franceses mais importantes que influenciaram o desenvolvimento da música do século XX, tanto clássica quanto jazz.
Debussy viveu e trabalhou em Paris, quando esta cidade era a Meca do mundo intelectual e artístico. A música cativante e colorida do compositor contribuiu muito para o desenvolvimento da arte francesa.
Biografia
Achille-Claude Debussy nasceu em 1862 em Saint-Germain-en-Laye, um pouco a oeste de Paris. Seu pai Manuel era um pacato comerciante, mas, tendo se mudado para uma cidade grande, mergulhou nos dramáticos acontecimentos de 1870-1871, quando, em decorrência de guerra franco-prussiana houve uma revolta contra o governo. Manuel juntou-se aos rebeldes e foi preso. Nesse ínterim, o jovem Claude começou a ter aulas com Madame Mote de Fleurville e conseguiu uma posição no Conservatório de Paris.
Nova tendência na música
Tendo passado por uma experiência tão amarga, Debussy provou ser um dos alunos mais talentosos do Conservatório de Paris. Debussy também foi chamado de "revolucionário", muitas vezes chocando os professores com suas novas idéias sobre harmonia e forma. Pelas mesmas razões, era um grande admirador da obra do grande compositor russo Modest Petrovich Mussorgsky - um odiador da rotina, para quem não havia autoridades em música, e prestava pouca atenção às regras da gramática musical e procurava por seu novo estilo musical.
Durante os anos de estudo no Conservatório de Paris, Debussy conheceu Nadezhda von Meck, um famoso milionário e filantropo russo, amigo íntimo de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, a cujo convite em 1879 fez sua primeira viagem ao exterior na Europa Ocidental. Juntamente com von Meck, eles visitaram Florença, Veneza, Roma e Viena. Depois de viajar pela Europa, Debussy fez sua primeira viagem à Rússia, onde se apresentou em "concertos caseiros" de von Meck. Aqui ele aprendeu pela primeira vez o trabalho de grandes compositores como Tchaikovsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Mussorgsky. Voltando a Paris, Debussy continuou seus estudos no conservatório.
Logo recebeu o tão esperado Prix de Rome pela cantata O Filho Pródigo e estudou na capital da Itália por dois anos. Lá ele conheceu Liszt e ouviu a ópera de Wagner pela primeira vez. Na Feira Mundial de 1889 em Paris, os sons do gamelão javanês despertaram seu interesse pela música exótica. Essa música estava insanamente longe da tradição ocidental. A escala pentatônica oriental, ou escala de cinco graus, que difere da escala adotada na música ocidental, atraiu Debussy. Dessa fonte inusitada, ele desenhou muito, criando sua incrível e maravilhosa nova linguagem musical.
Essas e outras experiências moldaram o próprio estilo de Debussy. Dois obras-chave: A Tarde de um Fauno, escrita em 1894, e a ópera Pelléas et Melisande (1902), foram a prova de sua plena maturidade como compositor e abriram uma nova tendência na música.
constelação de talentos
Paris nos primeiros anos do século 20 foi um paraíso para artistas cubistas e poetas simbolistas, e os Diaghilev Ballets Russes atraíram toda uma constelação de brilhantes compositores, figurinistas, decoradores, dançarinos e coreógrafos. Este é o dançarino-coreógrafo Vatslav Nijinsky, o famoso baixo russo Fyodor Chaliapin, o compositor Igor Stravinsky.
Neste mundo, havia um lugar para Debussy. Seus incríveis esboços sinfônicos "O Mar", seus mais maravilhosos cadernos de prelúdios e cadernos "Imagens" para piano, suas canções e romances - tudo isso fala da extraordinária originalidade que distingue sua obra de outros compositores.
Depois juventude tempestuosa e primeiro casamento, em 1904 casou-se com a cantora Emma Bardak e tornou-se pai de uma filha, Claude-Emma (Shusha), a quem adorava.
reviravolta do destino
O estilo musical infinitamente suave e refinado de Debussy foi formado por muito tempo. Ele já estava na casa dos trinta quando concluiu sua primeira obra significativa, o prelúdio A tarde de um fauno, inspirado em um poema de seu amigo, o escritor simbolista Stéphane Mallarmé. A obra foi realizada pela primeira vez em Paris em 1894. Durante os ensaios, Debussy fazia constantes alterações na partitura e, após a primeira apresentação, provavelmente tinha muito trabalho a fazer.
Ganhando fama
Apesar de todas as dificuldades e do fato de o prelúdio ter sido executado no final de um longo e tedioso programa, o público sentiu que estava ouvindo algo surpreendentemente novo em termos de forma, harmonia e cor instrumental, e imediatamente pediu um bis do trabalhar. A partir desse momento, o nome do compositor Debussy passou a ser conhecido de todos.
sátiro obsceno
Em 1912, o grande empresário russo Sergei Diaghilev decidiu apresentar um balé ao som da música A Tarde de um Fauno, coreografada e interpretada pelo famoso Vaslav Nijinsky. A representação erótica da imagem de um fauno, ou sátira, causou algum escândalo na sociedade. Debussy, uma pessoa fechada e modesta por natureza, estava zangado e constrangido com o que havia acontecido. Mas tudo isso só acrescentou glória à obra, que a colocou na vanguarda dos compositores. Música contemporânea, e o balé conquistou um lugar firme no repertório clássico mundial.
Com o início da guerra
A vida intelectual de Paris foi abalada pela eclosão da Primeira Guerra Mundial em 1914. Naquela época, Debussy já estava gravemente doente com câncer. Mas ele ainda estava criando um novo música excelente como estudos de piano. O início da guerra causou um recrudescimento de sentimentos patrióticos em Debussy, na imprensa ele se autodenomina enfaticamente um "músico francês". Ele morreu em Paris em 1918 durante o bombardeio da cidade pelos alemães, poucos meses antes da vitória final dos Aliados.
Sons de música
Nocturne (nocturne), traduzido do francês - noite.
No século XVIII. - um ciclo de pequenas peças (uma espécie de suite) para um conjunto de instrumentos de sopro ou em combinação com cordas. Eram realizadas à noite, à noite ao ar livre (como uma serenata). Tais são os noturnos de W. Mozart, Michael Haydn.
A partir do século XIX - uma peça musical de natureza melodiosa, principalmente lírica, sonhadora, como se inspirada no silêncio da noite, imagens noturnas. O noturno é escrito em um ritmo lento ou moderado. A seção intermediária às vezes contrasta com seu ritmo mais animado e caráter agitado. O gênero noturno como peça para piano foi criado por Field (seus primeiros noturnos foram publicados em 1814). Este gênero foi amplamente desenvolvido por F. Chopin. Nocturne também é escrito para outros instrumentos, bem como para um conjunto, uma orquestra. O noturno também é encontrado na música vocal.
"Noturnos"
Debussy completou três obras sinfônicas, chamadas coletivamente de Nocturnes, no início do século XX. Ele pegou emprestado o nome do artista James McNeill Whistler, de quem era fã. Algumas gravuras e pinturas do artista foram chamadas apenas de "noturnas".
Nessa música, o compositor atuou como um verdadeiro impressionista, que buscava meios sonoros especiais, métodos de desenvolvimento, orquestração para transmitir as sensações imediatas causadas pela contemplação da natureza, os estados emocionais das pessoas.
O próprio compositor, em uma explicação para a suíte Nocturnes, escreveu que esse nome tem um significado puramente “decorativo”: “Não estamos falando da forma usual de um noturno, mas de tudo o que esta palavra contém, desde impressões até luz especial sensações.” Certa vez, Debussy admitiu que o ímpeto natural para a criação dos Noturnos foram suas próprias impressões da Paris contemporânea.
A suíte tem três partes - "Nuvens", "Celebrações", "Sereias". Cada parte da suíte tem seu próprio programa escrito pelo compositor.
"Nuvens"
O tríptico "Nocturnes" abre com a peça orquestral "Clouds". A ideia de nomear a obra do compositor dessa forma foi inspirada não apenas pelas nuvens reais que ele observou em uma das pontes parisienses, mas também pelo álbum de Turner, composto por setenta e nove estudos de nuvens. Nelas, a artista transmitiu as mais diversas tonalidades do céu nublado. Os esboços soavam como música, brilhando com as mais inesperadas e sutis combinações de cores. Tudo isso ganhou vida na música de Claude Debussy.
“Nuvens”, explicou o compositor, “é uma imagem de um céu imóvel com nuvens que passam lenta e melancolicamente, flutuando em agonia cinzenta, suavemente tingidas de luz branca”.
Ao ouvir "Clouds" de Debussy, parece que nos encontramos elevados acima do rio e olhamos para o céu nublado monótono. Mas nessa monotonia há uma massa de cores, sombras, transbordamentos, mudanças instantâneas.
Debussy queria refletir na música "a marcha lenta e solene das nuvens no céu". O tema sinuoso dos instrumentos de sopro pinta um quadro bonito, mas melancólico, do céu. Viola, flauta, harpa e cor anglais - um parente mais profundo e sombrio do oboé em timbre - todos os instrumentos adicionam seu próprio timbre ao quadro geral. A música em dinâmica supera apenas ligeiramente o piano e, no final, se dissolve completamente, como se as nuvens desaparecessem no céu.
"Celebrações"
Os sons calmos da primeira parte são substituídos por uma festa de cores da próxima peça "Celebrations".
A peça é construída pelo compositor como uma cena em que dois gênero musical- dançar e marchar. No prefácio, o compositor escreve: “Festas” é um movimento, um ritmo dançante da atmosfera com explosões de luz repentina, é também um episódio de uma procissão ... passando por um feriado e se fundindo com ele, mas o fundo permanece o tempo todo - isso é feriado ... é uma mistura de música com poeira luminosa, que faz parte do ritmo geral. A conexão entre pintura e música era óbvia.
O pitoresco brilhante do programa literário se reflete na música pitoresca de "Celebrations". Os ouvintes são imersos em um mundo cheio de contrastes sonoros, harmonias intrincadas e a execução de timbres instrumentais da orquestra. A maestria do compositor se manifesta em seu incrível dom de desenvolvimento sinfônico.
Festividades” estão repletas de deslumbrantes cores orquestrais. A brilhante introdução rítmica das cordas pinta uma imagem animada do feriado. Na parte central, ouve-se a aproximação do desfile, acompanhado por metais e sopros, depois o som de toda a orquestra cresce gradativamente e chega ao ápice. Mas agora esse momento desaparece, a excitação passa e ouvimos apenas um leve sussurro dos últimos sons da melodia.
Em "Celebrations", ele retratou fotos de diversões folclóricas no Bois de Boulogne.
"Sirenes"
A terceira peça do tríptico "Nocturnos" - "Sereias", para orquestra com coro feminino.
“Isto é o mar e os seus ritmos incontáveis”, revelou o próprio compositor o programa, “depois, no meio das ondas, prateado pela lua, surge o canto misterioso das Sereias, desmorona-se de gargalhadas e desvanece-se”.
Muitas linhas poéticas são dedicadas a essas criaturas míticas - pássaros com cabeças de lindas garotas. Até mesmo Homero os descreveu em sua imortal Odisseia.
Com vozes fascinantes, as sirenes atraíram viajantes para a ilha, e seus navios pereceram nos recifes costeiros, e agora podemos ouvir seu canto. O coro feminino canta - canta de boca fechada. Não há palavras - apenas sons, como se nascidos do jogo das ondas, flutuando no ar, desaparecendo assim que surgem e renascendo novamente. Nem mesmo melodias, mas apenas uma sugestão delas, como pinceladas nas telas de artistas impressionistas. E como resultado, essas lantejoulas sonoras se fundem em uma harmonia colorida, onde não há nada supérfluo, acidental.
