Vad är konstfotografi.
Idag tvivlar ingen av oss på att konstnärlig fotografi är en konst som speglar fotografens kreativa vision som konstnär. Men även i början av fotografiets utveckling under flera decennier var det en akut fråga om fotografi kan hänföras till konst eller är det helt enkelt inget annat än ett sätt att fånga och överföra information om världen omkring oss.
Under många år tog det fotografiet att vinna sin egen plats i konstens värld, tillsammans med skulptur, film, måleri och teater. Men nu kan vilken fotograf som helst uttrycka sin inställning till världen och fenomenen med hjälp av fotografering som vinkel, färg eller valet av fotograferingsögonblicket.
När de första fotografiska trycken dök upp var det ingen som tog fotograferingen på allvar. Hon ansågs bara vara en enkel bortskämd och barnlek för en begränsad krets av människor. Under de första åren efter starten kunde fotografi, på grund av tekniska begränsningar, inte göra anspråk på vare sig dokumentärt eller något konstnärligt värde, eller frihet för ljuslösningar och kreativ vision av fotografen.
På 1800-talet var det en allmän uppfattning att endast ett handgjort verk kunde klassas som konst. Följaktligen kunde fotografiska tryck, som erhölls med olika fysikaliska och kemiska metoder, helt enkelt inte göra anspråk på konstens status. Även trots att redan den första generationen fotografer försökte liva upp kompositionen av sina bilder med några intressanta tekniker och tillvägagångssätt, fortsatte fotograferingen att vara en rolig prydnad i den allmänna opinionens ögon.
Fotografi betraktades av den tidens kritiker endast som en mekanisk kopia av verkligheten, som bara kunde vara ett sken av konstnärligt måleri. Fram till 1920- och 1930-talen övervägde artiklar och publikationer på allvar frågan om fotografi är en konst eller är det bara en tillämpad, praktisk färdighet, där tekniken spelar en nyckelroll, och inte fotografen själv.
Det finns flera perioder i utvecklingen av fotografiet som konst. Även i början av fotografiets utveckling skilde det sig inte mycket från att måla, det vill säga fotografer försökte använda välkända målningstekniker inom fotografi. De filmade främst monumentala, orörliga föremål. Sådana första fotografiska tryck hörde till genren porträtt eller landskap. Dessutom, på grund av framväxten av tidningsbranschen på 1800-talet, upptog fotografi nischen av ett enkelt dokumentärt bevis på vissa händelser. Vi kan säga att det på den tiden inte var fråga om fotografiets uttrycksfullhet och konstnärskap. När blev fotografi egentligen konst?
Det går förmodligen inte att ange något exakt datum. Men fotografihistoriker noterar själva en betydande händelse som hände 1856. Sedan gjorde svensken Oscar G. Reilander ett unikt kombinerat tryck av trettio olika retuscherade negativ. Hans fotografi, med titeln "Two Roads of Life", tycktes beskriva en uråldrig saga om två unga människors inträde i livet. En av huvudkaraktärerna på bilden vänder sig till olika dygder, barmhärtighet, religion och hantverk, medan den andra, tvärtom, är förtjust i livets syndiga charm som spelande, vin och omoral. Detta allegoriska fotografi blev omedelbart allmänt känt. Och efter utställningen i Manchester förvärvade drottning Victoria själv Reilanders fotografi till Prins Alberts samling.
Detta kombinerade fotografi kan med rätta tillskrivas ett av de första självständiga verken med anknytning till fotografi. Oscar G. Reilanders kreativa tillvägagångssätt förlitade sig naturligtvis på den klassiska konsthistoriska utbildning han fick vid den romerska akademin. I framtiden förknippas olika experiment med fotomontage, och med utvecklingen av dubbelexponering, och med fantastisk multiexponeringsfotografering med hans namn.
Reilander-fallet fortsatte begåvad artist och fotografen Henry Peach Robinson, som blev känd för sin "Leaving"-kompositbild, gjord av fem negativ. Detta konstnärliga fotografi var av en flicka som dör i en stol, över vilken hennes syster och mor står sorgsna, medan hennes far tittar in i öppet fönster. Bilden "Leaving" kritiserades för att förvränga sanningen, men fick ändå stor popularitet. Den förvärvades omedelbart av det engelska kungliga hovet och kronprinsen gav till och med Robinson en stående order på ett tryck av ett sådant fotografi.
"Att lämna". G.P. Robinson Robinson blev själv den ledande exponenten för så kallat bildfotografi i England och Europa. Denna riktning av fotokonsten intog en dominerande ställning inom fotografiet fram till 1900-talets första decennium. Många bildeffekter och tekniker användes vid bildfotografering.
Jag måste säga att fotografi inte kunde lämna "skuggan" av målning under en lång tid. Utvecklingen av fotografiet som en självständig konst i början av förra seklet underlättades dock till stor del av regelbundna utställningar, där tittarna tillsammans med enkla vackra bilder kunde se intressanta fotografier som förtjänar titeln "konstverk". En av de första sådana internationella utställningar det fanns ett fotogalleri med blygsamt namn 291, som öppnades av Alfred Stieglitz 1905 i New York. Detta var en riktig utställning av samtidskonst, där namnen kända artister stod i samma rad med fotograferna.
I början av 1920- och 1930-talen började en ny period inom fotografi, direkt relaterad till massproduktion av tidningar och tidskrifter. Fotografi ändrar stil till förmån för dokumentär- och reportagefotografi. Dokumentärt och konstnärligt förverkligande sammanflätades gradvis i fotografiet till en helhet. En ny generation fotografer har dykt upp som genom reportage och dokumentärfotografering dagligen gjort sitt lands och hela världens historia. Under denna period var konstnärlig uttrycksfullhet med en ideologisk och social komponent nära sammankopplad inom fotografiet.
Fotografi blir en bärare av någon historisk sanning, en återspegling av verkliga händelser. Inte utan anledning, under 1920- och 1930-talen var olika affischer, fotoalbum och tidningar av särskilt värde. Det var under dessa år som gemenskaper och sällskap av fotokonstnärer började uppstå, som försökte göra fotografiet till en självförsörjande konstform.
I vårt land var dock dessa positiva processer faktiskt frysta i slutet av 1930-talet. Järnridå under lång tid isolerade den inhemska fotografin från det internationella konstnärslivets tendenser. Begåvade sovjetiska fotografer tvingades bara ta itu med socialistisk realistisk fotoreportage. Under andra världskriget besökte många av dem stridsfronterna och kunde fånga de minnesvärda ögonblicken av den stora segern på film.
Under 1960- och 1970-talen betraktades fotografier återigen som självständiga konstverk. Detta är eran av fotorealism och djärva experiment med olika fotografiska teknologier och konstnärliga tekniker. Från och med denna tidsperiod fick alla fotografiområden, som var i utkanten av allmänhetens uppmärksamhet, äntligen rätten att presenteras som ett självständigt konstnärligt värde i konsten. Nya genrer inom fotografi växer fram, där författarens avsikt och kreativa vision av fotografen blir nyckelögonblicket. Kända fotografer från den tiden i sina konstverk började beröra sådana ikoniska sociala frågor som social ojämlikhet, fattigdom, exploatering av barnarbete och många andra.
Vi är skyldiga en annan revolution inom fotografi till övergången från film till digitalkameror. Det digitala bildformatet har gjort det möjligt för fotografer att gå lite ifrån att bara spegla verkligheten runt dem. Med tillkomsten av digitalkameror, datorer och grafiska redaktörer fotografen fick möjlighet att förvandla sina bilder på ett sådant sätt att betraktaren fick möjlighet att bekanta sig med den kreativa visionen hos skaparen av bilden och fördjupa sig i hans overkliga värld. Även om fotografering har blivit ett massfenomen nuförtiden, är selektivitet och en speciell personlig "vision" fortfarande viktiga för fotografering som konst, vilket gör att en person kan skapa ett verkligt konstverk med hjälp av fotografiska medel.
Trots att en digitalkamera kan ta flera hundra bilder på några minuter kan förstås inte varje bildruta klassas som konstnärlig. En modern fotograf uttrycker sin vision av världen eller författarens avsikt genom en förkortning, ett skickligt spel av ljus och skugga, ett bra val av fotograferingsögonblick och andra tekniker. I centrum för fotograferingen är alltså fortfarande fotografen, inte teknikern. Endast en person kan sätta in en bit av sin inre värld i bilden så att bilden "övervuxen" med nya känslor och avslöjar talangen hos fotografen själv.
Kurichev Andrey
Utbildnings- och forskningsarbetet skrevs som en del av tilläggsstudiet av samtidskonst. Ämnet är väldigt intressant för den här åldern. Studenten gjorde ett försök att på sin nivå utforska historien om uppkomsten av en sådan typ av konst som "fotografi". En tonåring svarar på frågor som "Speglar fotografi verkligheten objektivt? Är fotografi konst? Och varför upphörde inte konsten att existera efter fotografiets tillkomst? Studenten presenterade sitt projekt, såväl som intressanta resultat av en studie av ungdomar om detta ämne, en analys gjordes.
Verket är lättläst och intressant, materialet är uppbyggt och presenterat logiskt. Studenten betonade ämnets relevans, satte tydligt upp målen och målen för studien.
De viktigaste positiva aspekterna av arbetet är:
- En titt på fotografi som en form av konst från en tonårings synvinkel.
- Studenternas förvärvande av nödvändiga kunskaper om frågor av intresse för dem, utveckling av deras eget tänkande och ytterligare självförbättring.
Ladda ner:
Förhandsvisning:
Kommunal budgetutbildningsanstalt
genomsnitt grundskola Nr 10 Pavlovo
Avdelning - Humanitärt
Avsnitt - konstkritik
Arbete gjort:
Kurichev Andrey, 15 år gammal
elev 9 "B" klass
Vetenskaplig rådgivare: Shitova Olga Konstantinovna,
världslärare konstnärlig kultur
Pavlovo
februari 2015
- Underhåll………………………………………………………………………………..3
- Huvuddel………………………………………………………… .4-12
"Är fotografering en konst?"
- Fotograferingens födelse och betydelse………………………………. ….4-6
- Speglar fotografi verkligheten objektivt?……………………………………………….. …………7-8
- Är fotografi konst? Och varför upphörde inte de sköna konsterna att existera efter fotografiets intåg? .....................................8-9
- Forskning………………………………………………………………………10-12
- Slutsats. Slutsatser………………………………………………………………..12
- Litteratur………………………………………………………………………...13
- Introduktion
Numera finns allt för skull
för att avsluta med ett foto.
Fotografering mumifierar tiden.
Henri Bazin
Jag tror att det till skillnad från traditionell konst Foto har praktiska tillämpningar. Det är användbart inom många områden av mänskligt liv: inom vetenskapen, i utbildningsprocessen, inom kriminalteknik (fotografering av brottsplatser, kvarlämnade bevis, etc.), i reklambranschen, i identitetskort, i design, etc. Och i så fall, dåär fotografering en konst?
Mål:
Ta reda på om fotografi är en konstform?
Uppgifter:
- Lär dig historien om födelse och betydelsen av fotografi.
- Ta reda på om bilden reflekterar verkligheten objektivt?
- Ta reda på varför, efter fotografiets tillkomst, upphörde inte konsten att existera?
Min hypotes:
Fotografi är ett vidare begrepp än fotokonst: inte allt som spelas in på en kamera (liksom en filmkamera) kommer att vara konst.
Forskningsmetoder
2. Huvuddel
2.1. Fotograferingens födelse och betydelse
Ordet "fotografi" är översatt från grekiska som "ljusmålning". Ljus är huvudelementet i bildskapande inom fotografi. Ursprunget till fotografitekniken ligger i ett optiskt fenomen känt sedan antiken: om en ljusstråle går in i ett litet hål i en camera obscura (lat. "mörkt rum"), kommer en inverterad bild av upplysta föremål under kameran att dyka upp på den motsatta väggen.
Den första personen som tog en riktig bild var Nicéphore Niépce. Det hände på 20-talet av 1800-talet. Några år efter experimenten. Det hände på 20-talet av 1800-talet. Några år efter Niepces experiment fick Louis Jacques Daguerre en fotografisk bild genom att använda en tunn kopparplatta täckt med ett lager silver i en kassett. Dessa plattor kallas daguerreotypier. År 1839 erkände den franska vetenskapsakademin Daguerres förtjänster och gjorde upptäckten av den franska vetenskapsmannen till mänsklighetens egendom.
1839 är det officiella året för fotografiets födelse.
Daguerreotyper var enstaka kopior, det vill säga det var omöjligt att göra kopior av dem, och fotografering, som ni vet, delas upp i två operationer - att få ett negativt och göra ett positivt. Tekniken för att göra ett negativ upptäcktes av Fox Tabol 1840.
Sedan dess har mycket förändrats: film dök upp, tekniker för att göra färgfotografier utvecklades, och för inte så länge sedan dök digital utskrift upp, baserad på elektronisk teknik som omvandlar en optisk bild till en elektrisk signal.
Fotografiets födelse kan inte bara förklaras av teknikens utveckling.
30-40 år av 1800-talet markerar födelsen av en sådan riktning inom konsten som kritisk realism. Ett av realismens postulat kan formuleras på följande sätt: varje mänsklig princip är absolut. Det faktum att varje person har sitt eget fotografi (även om det bara finns i ett pass) bevisar att var och en av oss är lika med varandra i själva verket. Fotografi bekräftar vårt engagemang i livet och evigheten.
I verk av realism mänskligt liv behandlas i historiska sammanhang(hjälten är alltid given i förhållande till eran).
Uppmärksamhet på vardagen, detaljer - allt detta kännetecknar både ett realistiskt arbete och fotografering.
Fotografi är det förflutnas vårdare: vi studerar historiska epoker, familjeliv och så vidare. genom fotografier. R. Arnheim formulerade fotografiets generiska egenskaper på följande sätt: "Oupplösligt kopplat till landskapets och mänskliga bosättningars fysiska natur, med djur och människor, med våra bedrifter, lidande och glädjeämnen, är fotografiet försett med privilegiet att hjälpa en person att studera själv. Utöka och bevara din erfarenhet, utbyt viktiga budskap ... ”(Arnheim R. Nya essäer om konstens psykologi. - M., 1994, s. 132).
2.2. Speglar fotografi verkligheten objektivt?
studerar olika källor, lärde jag mig att forskare har olika uppskattningar av fotografins realistiska potential. Till exempel hävdade den franske vetenskapsmannen A. Bazin att den fotografiska bilden av ett objekt "är detta objekt i sig." Fotografering, enligt forskaren, är objektiv, eftersom ”det inte finns något mellan ett objekt och dess bild, förutom ett annat objekt... All konst bygger på närvaron av en person, och bara i fotografi kan vi njuta av hans frånvaro. Fotografi påverkar oss som ett "naturligt" fenomen, som en blomma eller en snökristall ... "(Bazen A. Vad är film? - M., 1972. - s. 44). Fotografiets estetiska möjligheter ligger i avslöjandet av det verkliga, som framträder direkt utan verbala och andra artificiella förmedlare. Kameralinsen "befriar motivet från vanemässiga idéer och fördomar", och biografen "framträder framför oss som fullbordandet av fotografisk objektivitet i den tidsmässiga dimensionen... För första gången blir bilden av saker också en bild av deras existens i tiden. …” (Bazin A., s. 45).
Det finns också en motsatt synvinkel. "Vi vet alla", skriver Yu.M. Lotman, - hur olika, hur förvrängande fotografier kan vara. Ju närmare vi känner en person, desto fler olikheter finner vi i fotografier. För varje person vars ansikte är riktigt bekant för oss, kommer vi att föredra ett porträtt bra artist lika med honom i fotografi. I den hittar vi fler likheter. Men om vi får ett porträtt och ett fotografi av en för oss okänd person och ombeds välja mer pålitliga, kommer vi inte att tveka att stanna vid ett fotografi, sådan är charmen med den "dokumentära" karaktären hos denna typ av text ”(Lotman Yu.M. On Art. - St. Petersburg, 2000. - s. 297).
Slutsatser: Denna undersökning får oss att förstå att majoriteten (66,7%) tror att fotografi speglar verkligheten objektivt, och resten
(33,3 %) tycker inte det.
2.3. Är fotografi konst? Och varför upphörde inte konsten att existera efter fotografiets tillkomst?
Många av bilderna är förbigående, vardagliga, mer exakt, uttryckslösa, icke-konstnärliga, det vill säga de är en enkel "kopia av verkligheten". Naturligtvis, i våra hem (ganska vardagliga) fotografier kommer bildens objekt att vara mest intressant för oss: oss själva, våra släktingar, nära och kära, vänner etc. Kommer dessa bilder att vara konst? För oss – utan tvekan: hur många känslor, minnen de väcker. Och för andra människor, främlingar för oss, kommer objektet som avbildas på vårt foto att vara intressant? Det är svårare här.
Vilka förutsättningar krävs för att en ”kopia tagen från verkligheten” ska bli konst? Tydligen samma som för alla andra konster. "Konst ... är den enda aktivitet som uppfyller uppgiften att upptäcka, uttrycka och kommunicera den personliga innebörden av aktivitet, verklighet" (Leontiev A.N. Selected psychological works. - M., 1983. - s. 237).
Sådana enastående mästare från 1900-talet som A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholi-Nagy, Mann Ray och andra gjorde fotografi till en konst.
Jag gjorde ett experiment med min vän:placerade två fotografier framför honom.
När jag tittade på dem, identifierade min vän, med sin intuitiva känsla, den ena som "konstnärlig" och den andra som "icke-konstnärlig". På min fråga: "Varför drog han slutsatsen detta?" – följt av ett lite vagt svar: ”Jaha, det är klart, det är bara utsikten som fanns framför kameran, men här läggs något till, någon slags stämning, fotografen ville uttrycka något, säga från sig själv, till förmedla, ser du, vilken känsla..."
Jag försökte uttrycka dessa tankar på ett mer specifikt sätt.
I produktionen av icke-konstnärlig fotografering utsågs två deltagare till vän: landskap och kamera; i produktionen av konstnärlig fotografi utnämnde han tre deltagare: landskap, apparater, fotograf.
I det första fallet fångade fotografiet automatiskt det som föll in i linsens synfält, i det andra lades något till det verkliga landskapet.
Faktum är att här är de tecken som brukar kallas att framhäva särdrag konst: närvaron av författarens subjektivitet, ... införandet av tankar i det avbildade föremålet, rekonstruktionen av föremålet i samband med konstnärens allmänna förståelse av världen. Det vill säga, "efter att ha blivit ett konstverk, blir den materiella världen humaniserad och spiritualiserad, får mening" (Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialogue with the screen, - Talin, 1994. - s. 19-20.)
När vi fotograferar ingriper vi i det omgivande mi, vi "klipper ut" från det en "bit" av verkligheten som vi på något sätt gillade, eller helt enkelt behövde, eller sammanföll med någon form av vår upplevelse, uttryckte en tanke.
Naturligtvis har fotografiet som konst sina egna uttrycksmedel. När vi tittar på ett fotografi uppmärksammar vi inte bara handlingen, utan också planen, vinkeln, ramens sammansättning, ljus, färg. Genom att kreativt använda dem, använda den eller den optiken, svartvit eller färgfilm, och nu också datorns enorma kapacitet, kan vi tolka världens föremål på vårt eget sätt, skapa komplexa konstnärliga bilder. Kunskap om arsenalen av uttrycksfulla medel garanterar dock inte en konstnärlig bild av hög kvalitet. Som i vilken konst som helst behöver du här en speciell stil, inspiration och smak.
Första omröstningen: Varför upphörde inte konsten att existera efter fotografiets tillkomst?
Slutsatser: Utifrån denna undersökning kan jag dra slutsatsen att 84 % av de tillfrågade anser att fotografi har blivit en av de sköna konsterna, och 16 procent tror att fotografi är mycket yngre än konst och troligen kommer att ersätta det i framtiden.
Slutsatser: 32 procent av de tillfrågade anser att man för att bli en bra fotograf måste ha den modernaste och högkvalitativa utrustningen och 64 procent anser fortfarande att huvudsaken inte är tekniken, utan vem som använder den.
Slutsatser: Denna fråga är fortfarande kontroversiell för mig också. Antalet anhängare och motståndare till användningen av Photoshop i fotografering var uppdelat i två identiska läger, och denna fråga kommer att förbli obesvarad för oss.
Slutsatser: Baserat på denna undersökning kan vi bedöma att 80 % av de tillfrågade anser att fotografi är konst, 4 % svarade nekande och 16 % vet inte svaret på denna fråga. Vad tror du?
Slutsats
Min hypotes bekräftades – fotografi är inte alltid konst.
Alla som älskar fotografering, beundrar mästerverk av proffs, skapar högkvalitativa, unika verk och sätter sig samtidigt inte som mål att sälja sin skapelse - för det är svaret självklart: fotografi är en konst!!! Och för dem som helt enkelt tar bilder för sig själva, för minnet, är fotografering helt enkelt en fördel för livet, en nödvändig förutsättning.
Jo, jag tror att frågan om fotografi är konst eller inte kanske är lika svår att besvara som frågan om meningen med vår existens. Vissa tror att om du gillar ett foto och önskar att du inte tog det, så är det konst. Men enligt min mening är inte allt du gillar konst, och vice versa, konst ska inte alltid gillas. När allt kommer omkring, skönhet och fulhet, gott och ont - dessa saker är oskiljaktiga, därför bör de lika fylla konst. Om vi bara ser skönhet kommer vi inte att uppfatta det. Ondska och fulhet är lika nödvändigt som syre till våra lungor. Människor som drömmer om absolut lycka har snarare fel, de förstår inte att om det inte fanns något krig skulle det inte finnas någon fred, att de inte skulle veta om lycka inte ett gram, om de inte upplevde sorg. Livet i sig skulle vara tråkigt, skulle förlora all mening. Det är mycket mer intressant att leva i en värld fylld av motsatser som gör en människas liv till det mest intensiva och mångsidiga.
Litteratur
- Arnheim R. Nya uppsatser om konstens psykologi. - M., 1994, s. 132
- Bazin A. Vad är film? - M., 1972. - s.44
- Leontiev A.N. Utvalda psykologiska verk. - M., 1983. - sid. 237
- Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog med skärmen, - Talin, 1994.- från 19-20.
- http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
- http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg
När du vaknar på morgonen, vad brukar du göra? Troligtvis sträcker sig många efter en smartphone och börjar bläddra igenom sitt nyhetsflöde på Vkontakte, Facebook eller Twitter, men en av de mest populära sociala nätverk under de senaste åren har blivit Instagram. Vissa människor kan inte längre föreställa sig sina liv utan den. Att visa dina bilder har blivit en ritual. Tack vare dem blev det lättare att förmedla känslor och själva handlingsögonblicket.
Uppfinningen av fotografi går tillbaka till början av 1800-talet. Flera personer arbetade med skapandet nästan samtidigt: Thomas Wedgwood Med William Henry Fox i England och Joseph Niepce Med Louis Daguerre i Frankrike. Ett försök att fixa vilken bild som helst gjordes dock mycket tidigare. Detta bevisas av camera obscura (”mörkrum”) som använts sedan medeltiden. I det här ögonblicket i fråga om en låda med ett litet hål, där man senare började sätta in en lins. Den första kameran var ganska svår att använda, för på kamerans motsatta vägg gav ljuset som kom in genom hålet en inverterad bild.
Fotografering var en riktig sensation för 1800-talet. För det första blev det snart kommersiellt till sin natur, och för det andra gav det en direkt impuls till tekniska framsteg, så förbättringen av bilder gick med stormsteg. Strax nedan är två fotografier som togs med 13 års mellanrum. Deras skapare är Joseph Niepce.
Pinhole kamera
Bilden är tagen 1826, det första fotografiet från naturen
Detta foto är taget 1839
Faktum är att bilden ovan skulle ha visat sig vara en vagn, men den körde för fort, så kameran hann inte fånga den, den här bilden togs med en "exponering" på 8 timmar. Det var i år som fotografi faktiskt dök upp.
På 1860-talet lyckades de minska slutartiden från 8 timmar till 30 sekunder, vilket orsakade en aldrig tidigare skådad popularitet inom fotografering.
Utvecklingen av fotografier gick obönhörligt framåt. Efter hand blev de verkliga konstverk, det var genom dem som människor kunde se världen som den var, och representera nya horisonter i ett mer realistiskt format.
Bildandet av fotografi som en oberoende konst började manifestera sig i slutet av XIX - början av XX-talet. Tekniken har kommit till den punkt där varje bild en fotograf tar fångar de minsta funktionerna i en modell eller ett landskap. I det ögonblicket fanns det en syntes av två trender inom konsten, som dittills bara hade konstnärlig känsla: så modernism och impressionism blev ett. Denna kombination visar Fred Holland Day, som ställde ut 1898 på Philadelphia Salon cykeln "Seven sista ord". Bilderna visar de sista ögonblicken av Kristi liv.
Seven Last Words av Fred Holland Day. Bilderna visar författaren själv.
Men om Fred Day höll sig till den klassiska presentationen av fotografi, så förändrade det avantgardistiska synsättet allt. Alfred Stiglitz som gjorde fotografering till vad det är för oss modern värld. Hans särskilt tillvägagångssätt gjort en verklig revolution i branschen. Han började fånga stilleben och tog med sig nya trender till fotografiska porträtt. Stieglitz ägde flera konstgallerier i New York, där inte bara hans verk presenterades, utan även verk av konstnärer från Europa.
Det är hans verk som är ett klassiskt exempel på fotografi på 1900-talet.
Några år senare grundade han "Photo-Secession" med Fred Day, som blev den första fotokonströrelsen. Stiglitz marknadsförde också sina fotografier genom tidningar han skapade som t.ex "MEDamera anteckningar» Och « Kamera arbete» , där ett nytt ord i konsten gavs till varje person som köpte tidningen. Fotografen reste mycket, så hans samling innehöll bilder inte bara av den amerikanska stadsbilden utan även från Europa. Under hela sin resa fick Stieglitz ta itu med förakt från den konstnärliga eliten, som ansåg att fotografiet inte förtjänade samma hedersplats som målningen. Som nämnts ovan kunde Alfred Stiglitz bryta dessa stereotyper och dra allmänhetens uppmärksamhet till sitt arbete. Det är värt att notera att Stieglitz aldrig eftersträvade ett kommersiellt mål inom fotografi, han var, tvärtemot vad många tror, en riktig konstnär, eftersom varje skott krävde ansträngning - oavsett om det var ett fotografi av ett snöigt New York eller att försöka sätta rätt ljus för en modell.
Listan över fotografer som har dykt upp efter Alfred Stieglitz är många. Vissa imiterade honom, medan andra koncentrerade sin verksamhet till den kommersiella industrin, som i Amerika utvecklades snabbt under hela 1900-talet. Man kan dra slutsatsen att fotografiet under sin korta existens kunde ändra allmänhetens inställning till sig själv flera gånger. Från en kommersiell verksamhet gick det över till högkonst och förvandlades sedan igen till en industri, men de mästerverk som fotografer från det tidiga 1900-talet gav oss kommer att finnas kvar för alltid. De finns som en påminnelse om att folk tidigare uppskattade fotografi lite mer än vi gör nu.
Vid tiden för fotografiets födelse dominerades estetiken av åsikten att endast ett handgjort verk kunde vara konst. Bilden av verkligheten, erhållen med hjälp av tekniska fysikaliska och kemiska metoder, kunde inte ens göra anspråk på en sådan status. Och även om de första fotograferna, som drogs till bildens konstnärskap, visade en betydande kompositörisk uppfinningsrikedom för att visa verkligheten (ibland förändrade den till oigenkännlighet), systemet offentliga värderingar och prioriteringar i rollen som en av muserna passade inte fotograferingen in på länge.Men alla moderna typer av "teknisk konst" - fotografi, film, tv - har upplevt en liknande utveckling: i början av deras existens var de ett slags roliga attraktioner, sedan tekniska sätt att överföra information, och bara i färd med att skapa en ny konst, språk inom dessa informativa och kommunikationssystem, det skedde en övergång till kommunikativa och konstnärliga funktioner. Detta betyder dock inte att problemet med förhållandet mellan fotografi och konst inte diskuterades. Den franske målaren Delaroche (1797-1856), som betonade fotografiets möjligheter, skrev: "Mållandet har dött från denna dag." Däremot hävdade en tysk tidskrift motsatsen: "... Upptäckten av fotografi har högt värde för vetenskap och mycket begränsad för konst". 1913 publicerade Riga-tidningen om praktisk och konstnärlig fotografi "Rays" ("Stari") en särskild artikel "Photography and Art", där man diskuterade frågan om fotografi är konst eller endast praktisk, tillämpad skicklighet, där behärskning av teknik spelar en stor roll. Författaren till denna artikel kom till slutsatsen att frågan om fotografi är konst kommer att förbli giltig så länge fotografi existerar. tekniska sidanär inte nytt för konsten, bara inom fotografiet manifesterade det sig från en historiskt ny sida. Innehav av fotografisk utrustning, att bemästra färdigheten här ser ut som en lättare uppgift än att till exempel behärska tekniken att spela på musik instrument. Denna lätthet är det som vilseleder kritiker av fotografi som konst. Konstnären Delaroche såg i det nya fenomenet sitt konstnärliga drag och dess kraftfulla konstnärliga potential.
Under de första åren efter dess uppkomst (daguerreotypiperioden) klassificerades fotografi av den allmänna opinionen och experter från olika kulturområden som underhållande prydnadssaker. Fotografi från denna period hade ännu inte vare sig dokumentär kvalitet, eller informativitet, eller frihet för ljuslösningar och fynd, d.v.s. inga av de egenskaper som teorin idag anser vara definierande för fotografi. Utvecklingen av fotografiet bestämdes till stor del av sociala behov. Framväxten av tidningsbranschen drev fotografiet in i reportagets mainstream. Vid den tidpunkt då de första "rörliga bilderna" (biograf) dök upp på grundval av fotografi, var fotografiet i sig ett blygsamt dokumentärt bevis, underlägsen uttrycksfullhet och sofistikering än måleri och grafik. Det uppstod ständigt teoretiska dispyter kring fotografi: är det möjligt att jämföra fotografi med måleri när det gäller konstnärligt värde? Är inte fotografi en degenererad målning, för vilken teknik ersätter konstnärens skicklighet? Omvänt är det inte ett fotografi modern sort måla, anta och fördjupa dess funktioner, modifiering av målning i en teknisk civilisation, förändra den kulturella och estetiska betydelsen traditionell målning? Men detta är inget annat än en sammanställning av två fenomen i konstnärslivet, två typer av konst som tydligt dras mot varandra och interagerar med varandra. Fotografiet befriade måleriet från dess utilitaristiska funktion - den bildmässiga fixeringen av faktumet, vilket även under renässansen var en av måleriets viktigaste uppgifter. Det kan sägas att fotografi hjälpte utvecklingen av målning, bidrog till den fullständiga identifieringen av dess unika specificitet. Men fotografiet absorberade också mycket från den månghundraåriga erfarenheten av utvecklingen av de sköna konsterna. Själva visionen av världen "in the frame" är ett arv från måleriet. Bildramen är den första storyboarden av verkligheten i kulturhistorien. Förkorta och bygga perspektiv, betraktarens förmåga att "läsa" ett fotografi som en plan bild av tredimensionellt rum - allt detta är en stor kulturellt arvärvt fotografi från måleri. Måleriets inflytande på fotografiet är enormt. Samtidigt är fotografiets uppgift tvåvärdig, tvådimensionell: å ena sidan att separera så fullständigt som möjligt från måleriet och att bestämma sina egna gränser och möjligheter, dess specificitet, å andra sidan för de flesta fullt ut behärska den konstnärliga erfarenheten av att måla på sin egen grund.
En av centrala frågor identifiering av någon form av konst är ett problem för dess språk. Genom att analysera historien om fotografiets visuella språk urskiljs flera perioder av dess utveckling. Till en början, på grund av den oundvikliga varaktigheten av exponeringen tidigare, föredrog fotografer att fotografera det monumentala, orörliga (berg, hus). För porträtt var modellerna tvungna att frysa länge. De som porträtteras på den tidens fotografier är spända, koncentrerade. Denna första period började 1839 och fortsatte som en stor period i lite över ett decennium. Den andra perioden är förknippad med framväxten av ny fotografisk teknik, som gjorde det möjligt att minska slutartiden från tiotals minuter till sekunder och samtidigt utöka möjligheterna att reflektera mer och mer ett brett spektrum verklighetens föremål. Fotografer försökte fånga helheten världen. Resenärer-fotografer reste runt i många länder, började utforska inte bara rymden utan också djupet offentligt liv, presentera för publiken insiktsfulla psykologiska porträtt hans samtida från olika sociala skikt i generaliserade bilder. Fotografiets naturlighet och uppfinningsrikedom skapade en fräschhet i uppfattningen, fascinerad av dess enkelhet.
I slutet av 1800-talet - början av 1900-talet. inom fotografi utvecklas en metod förknippad med handens avsiktliga ingripande i skapandet av ett verk - pictorialism. Det är en integrerad del av den tekniska innovationen - torr teknik. Nackdelen med denna teknik (brist på rikedom av tonaliteter) kompenserades genom att applicera bläck under utskrift. När man skapar ett verk kombineras fotografen och konstnären oftast i en person. Det fotografiska materialet ansågs vara ett "interlinjärt" för översättning, vilket kräver konstnärlig bearbetning. Manuell intonation suddade ut den fotografiska bildens omedelbarhet. Ett försök att övervinna piktorialismens motsägelser gjordes av konstnärer som motverkade disharmoni och representation med en rikedom av tonaliteter, inre musikalitet, som är organiskt inneboende i själva verkligheten och inte påtvingad den på konstgjord väg. En djup mänsklig känsla infördes i formernas förhållande utan något montage.
 |
De tekniska medlen för fotografering har reducerat kostnaderna för mänskliga ansträngningar för att få en tillförlitlig bild till ett minimum: alla kan fånga sitt valda objekt. Den tekniska sidan av fotografering är ansvarig för fotografisk utrustning. Det finns traditioner och specifika parametrar för hantverk här. Syftet med tekniken är dock ett annat: inte att säkerställa den fulla effekten av "imitation", utan tvärtom, intrång, målmedveten deformation av displayen för att belysa naturen och betydelsen av den mänskliga relationen till den visade.
Argument om fotografins konstnärliga natur är möjliga främst när det gäller att hitta och hävda grundläggande likheter med traditionella konstformer (fotografi är en syntetisk innovation av 1900-talets konstnärliga kultur) och när det gäller att erkänna fotografiets grundläggande egenskaper, dess grundläggande skillnad från traditionella konstformer (fotografi är en specifik innovationskultur på 1900-talet). Var och en av dessa aspekter av studien har sin egen inre logik, och endast deras harmoniska kombination, och inte absolutiseringen av den ena genom att ignorera den andra, tillåter en att mer eller mindre objektivt bestämma fotografins konstnärliga möjligheter och natur. Verkets konstnärskap bevisas av upplevelsen av skönhet, harmoni, en känsla av njutning, effekten av personligt och pedagogiskt inflytande (det senare är dock ganska svårt att isolera och fixa momentant och konkret). Det speciella med fotografi som konstform är dokumentär, bildens äkthet, förmågan att föreviga ögonblicket. Genom att fokusera uppmärksamheten på det fotografiska arbetet kan man peka ut ett antal betydande egenskaper avslöjar fotografiets egenskaper. Var och en av de identifierade dragen i fotografiet kan åtföljas av en detaljerad kommentar. Uppgiften att definiera essensen av fotografi som konstform är för det första att identifiera hur mycket det är möjligt att abstrahera från materialets natur och rikta "frontal" uppfattning för att skapa en konstnärlig bild och för det andra, vilken social och kulturell funktion den eller den konstnärliga formen utför, i kombination med ett visst material, d.v.s. hur rent och adekvat ett konstnärligt verk är fixerat av konstnärens självmedvetenhet, såväl som den allmänna opinionen och teoretiska former för att förstå konstnärslivet. Det speciella med den konstnärliga bilden i fotografi är att den bildlig bild dokumentärt värde. Fotografering ger en bild som kombinerar konstnärlig uttrycksförmåga förkroppsligar ett väsentligt ögonblick av verkligheten med säkerhet och i en frusen bild. De berömda fotografierna som visar bataljonschefen som höjer soldater till attack, mötet mellan hjältarna i försvaret av Brest-fästningen, kombinerar den konstnärliga kraften och betydelsen av ett historiskt dokument.
Den fotografiska bilden är som regel en iso-uppsats. livsfakta inom fotografi, nästan utan ytterligare bearbetning och förändringar, överfördes de från aktivitetssfären till konstsfären. Men fotografi kan ta livsviktigt material och så att säga vända på verkligheten, vilket tvingar oss att se och uppfatta den på ett nytt sätt. Det noterade mönstret verkar i skärningspunkten mellan dess informativa-kommunikativa och kommunikativt-konstnärliga betydelser: ett blott faktum kan tillskrivas den informativa sfären, men dess konstnärliga tolkning kommer redan att vara ett fenomen av en annan ordning. Och det är fotografens estetiska inställning till det faktum att filmas som avgör det slutliga resultatet och bildens effekt.
Med tanke på fotografi från den konstnärliga sidan är det nödvändigt att uppehålla sig vid dess dokumentära karaktär. Fotografering inkluderar och konstnärligt porträtt samtida och tillfälliga pressfoton (dokument) och fotoreportage. Naturligtvis är det omöjligt att kräva en ögonblicksbild av information från varje tjänst hög konst, men det är också omöjligt att bara se videoinformation och ett fotografiskt dokument i varje mycket konstnärligt verk. Dokumentär, autenticitet, verklighet - det här är det viktigaste inom fotografi. I denna grundläggande egenskap ligger orsaken till fotografiets globala inflytande på modern kultur. Andra kvaliteter av fotografi, dess särdrag, deras betydelse för kulturen som helhet utkristalliseras när man jämför fotografi och enskilda typer av konst. Dokumentalism är en egenskap som först trängde in i konsten och kulturen med fotografiets tillkomst. Används i olika typer konst, denna egenskap, varje gång bryts genom sin specificitet, bildade något nytt derivat av sig själv. Från andra konstformer återvände dessa derivat, som berikade dokumentären, till fotografiet, och utökade och berikade inte bara den konstnärliga kulturens fond utan också möjligheterna med fotografiets estetiska praktik som konstform. Icke-konstnärlig fotografi, det vill säga dokumentär när det gäller använda tekniker och journalistisk när det gäller funktionalitet, bär förutom informationsbelastningen också en estetisk sådan. Fotojournalistik tilltalar, som ni vet, dokumentären, som är inneboende i fotografi och alla dess varianter från födseln. Den här egenskapen används dock olika beroende på uppgiften. I de fall när det gäller fotokrönikor - samvetsgrann, uttömmande, protokollexakt information om en händelse - avslöjar inte bildens författares individualitet sig själv. Det är helt underordnat fixeringen av faktumet, den ultimata tillförlitligheten av dess display. En annan sak är fotojournalistik. Här behandlar fotografen även verklighetens fakta, dock genomförs deras framställning i grunden i författarens vision, de färgas av författarens personliga bedömning. Dokumentär och konstnärskap inom fotografiet smälter samman, överlappar varandra. I allmänhet existerar modern fotografi i en enhet av alla dess aspekter - ideologisk och konstnärlig, semantisk och uttrycksfull, social och estetisk.
Vissa aspekter av fotografi som konstform manifesteras i valet av färg, konstnärlig stil, genre, bildspråk, specifika tekniker för att bearbeta fotografiskt material, fotografens personliga inställning till verket som skapas, etc. Färg är en av de viktigaste komponenterna i modern fotografi. Det uppstod inom fotografi under inflytande av önskan att föra den fotografiska bilden närmare de verkliga formerna av objekt. Färgen gör att fotobilden ser mer autentisk ut. Denna faktor orsakade först behovet av att färglägga ramar och gav senare fart åt utvecklingen av färgfotografi. Betydande här är inflytandet från måleriets traditioner, där den meningsbildande användningen av färg historiskt växte fram. I sina högsta prestationer har konstnärlig fotografi upprepade gånger förkastat tesen att dess bilder är statiska. Och färg spelar en viktig roll i detta förnekande av orörlighet. Utifrån erfarenheterna av färgfotografier kan vi formulera reglerna för att använda färg i fotografering. Den första av dem är att skjuta i färg endast när det är av grundläggande betydelse, när utan färg är det omöjligt att förmedla vad som är avsett. Den andra regeln: symboliken för färg, ljus, spelet av toner och nyanser, ackumulerat och ackumulerat av den tidigare kulturtrenden, erfarenheten av äldre konstformer - målning, teater och senare relaterade tekniska - film och tv, kan vara effektivt används i fotografi. Den tredje regeln: användningen av färgkontrast för att skapa en semantisk kontrast. Fotograferingen har inte riktigt bemästrat färgen än. Hon måste ta till sig allt färgpalett fred. Färg bör bemästras av fotografi estetiskt och bli ett medel inte bara för bilden, utan också för den konceptuella förståelsen av verkligheten.
Konstnärlig stil är ett särskilt problem i teorin och praktiken av fotografi. Det löses inte inom ramen för genrefrågan. I den empiriska aspekten är stilen både pastell, akvarellbilder och grafiskt strikta fotografiska verk, och generaliserade "olje"-bilder, upp till en fullständig imitation av målning på duk med fotografiska medel. Teoretiskt är stilproblemet i estetik uppenbarligen otillräckligt utvecklat, och ändå kan det identifieras i relation till fotografi. I fotografi är både närvaron och frånvaron av konstnärlig stil mycket påtaglig. En naturalistisk och dokumentär film kommer noggrant att demonstrera alla små saker och detaljer som har kommit in i linsens utrymme. Men det kommer att bli ett oorganiserat kaos av visioner. Om en sådan bild är tagen från författarens synvinkel, konstnärligt, stilistiskt dekorerad, kommer ett helt annat verk att visa sig. Riktningen, karaktären och styrkan i författarens avvikelse från "spegeln", naturalistisk, rent reflekterande fotografi bestämmer stilen i det fotografiska arbetet. Det kan vara rent individuellt eller motsvara en viss skola, tradition, konstprogram. Karakteristiken för fotostilen kan vara associativ och konstnärlig.
Nära besläktad med stilproblemet är frågan om fotokonstens nationella identitet. Olika trender inom fotografi i varierande grad avslöjar beroendet av det nationella kulturell tradition. Så till exempel reportage eller etnografisk reportagefotografering är direkt relaterad till kulturlivet människor, med rytm Vardagsliv, med folksjälen i dess vardagliga manifestationer. Andra trender, som konstnärliga och konstruktiva eller dekorativa, återger det nationella innehållet i konstnärliga och estetiskt abstrakta former. Alla stilar och genrer inom fotografi, alla dess nationella skolor baseras på mästarens specifika behärskning av världens konstnärskap.
Tid i en ram är inte entydig, endimensionell. Här urskiljs 2 huvudlager, som så att säga är syntetiskt sammanslagna. Dessa skikt är ögonblickliga och monumentala, som, trots den polära korrelationen, är beroende av varandra. Den konstnärliga världen är förenad i den harmoniska enheten av alla komponenter, alla detaljer i konstnärlig fotografi.
Fotografering innebär närvaron av en fotograf-konstnär. Det kräver noggrann selektivitet, en speciell personlig "vision" som gör att du kan skilja vad som är värt uppmärksamhet från det yttre, slumpmässiga, ofullständiga. Inte varje fångad bildruta blir ett konstverk och uppenbarligen gör inte varje film ett framgångsrikt fotografiskt verk. Precis som en konstnär ständigt, dagligen gör skisser, tränar en fotokonstnär sitt öga, sin fotovision av världen. Dagligt arbete låter dig polera tekniken för utförande och utveckla stabila principer för moralisk, etisk och estetisk inställning till möjliga objekt av fotografisk konst. En fotograf måste ha många egenskaper. Han måste vara psykolog, förstå karaktären hos den person som porträtteras, fånga ögonblicket för hans självavslöjande, kunna hitta ett hemligt självuttryck i hållning, ansiktsuttryck, ansiktsuttryck, bakgrund och presentationsvinkel, för att helt avslöja hans inre värld och hans inställning till honom. Fotografen måste ha en djup kunskap om livet, dess olika aspekter. Det är omöjligt att fotografera gjutning av stål i en öppen härdbutik på ett mycket konstnärligt sätt utan att föreställa sig, åtminstone i allmänna termer, tekniken i denna process, fotograf måste vara forskare. Genom att systematiskt och konsekvent arbeta med temat, skapa en cykel av verk, fångar mästaren inte bara dokumentära ögonblick som så småningom övergår i historiskt värde. Skapar inte bara en informativ bank av bilddata, som beroende på sociologiska, etnografiska, historisk karaktär kan användas på olika sätt. Han skapar inte bara ett konstverk, utan agerar också som forskare av ett visst ämne och använder en så intressant och rik epistemologisk form som fotografi. Samtidigt förvandlas det till en metod för konstnärlig kunskap och utvärdering av det filmade fenomenet.
Inför fotografen, en man av teknik och estetik, en man som älskar noggrannhet, klarhet och en man som plockas upp av en ström av inspiration, en man av känsla och kontemplation, som kan se bilder och harmoni, måste förenas och syntetiserad, agerar fotografen som en krönikör av eran, vilket ålägger honom ett särskilt ansvar. Framför honom öppnar sig ett obebyggt fält, där det är nödvändigt att lägga stigar och stigar, för att markera områden som avgränsas av olika funktionalitet foton. Estetik ger inte konstnären ett recept och garanterar inte framgång. Det ger bara riktlinjer för sökningen, vars resultat i slutändan beror på författarens talang och arbete. I slutskedet kreativ process Estetik hjälper till att utveckla en konstnärlig uppskattning av bilden.
Kritik spelar en viktig roll i utvecklingen av fotografi, inklusive det teoretiska och kritiska tänkandet hos fotograferna själva. Kritik och teori, förutsatt att de är auktoritativa och kompetenta, kan stoppa amatörmässiga tvister som stör och distraherar både fotografer och tittare. För fotokritik är det viktigt att heltäckande betrakta fotografi som ett sociokonstnärligt fenomen. Några aspekter av kritisk analys inkluderar: fotografins sociologi (fotografi som ett tidsdokument, fotojournalistik, en metod för interpersonell kommunikation och ett sätt för masskommunikation, en journalistisk början inom fotografi, på denna grund kan man hitta och utveckla kriterier för den sociala betydelsen av ett fotografiskt verk); kulturstudier av fotografi (fotografi som ett fenomen av modern kultur och dess plats i systemet av kulturella värden; kriterier definieras inom detta område kulturell betydelse fotografiska verk); psykologi av fotografi (fotografi som ett fast visuellt minne och faktorn för "närvaro" av det frånvarande, denna aspekt hjälper till att utveckla ett kriterium av personlig betydelse); fotografiets epistemologi (valet av ett objekt och specificiteten för dess reflektion i fotografi, ovillkorlig och villkorlig i fotografi, "tillvägagångssätt" och "distans" från verkligheten i fotografi; problem med naturtrogen är kopplade till detta - kriterierna för konst, sanning ); fotografiets axiologi (möjligheten till en subjektiv attityd till objektet i fotografi, problemen med att utvärdera det avbildade; på denna nivå bildas kriterierna för att utvärdera konstnärskap); fotografiets semiotik (fotografiets språk, dess alfabet, morfologi, syntax, grammatik; här bestäms kriterierna för informationsinnehåll); fotografiets estetik (fotografi som estetiskt fenomen, fotografiets figurativa och konstnärliga möjligheter, världens estetiska rikedom och dess konstnärliga utveckling inom fotografiet, det är här kriterierna för estetisk betydelse kommer till uttryck).
Ta med i beräkningen olika aspekter konstfotografi, kan du formulera dess väsen, försök att definiera fotografi. Fotokonst är skapandet med kemiska och tekniska medel av en visuell bild av dokumentärt värde, konstnärligt uttrycksfull och autentiskt fångar ett väsentligt ögonblick av verkligheten i en frusen bild. Inom fotografiet har flera ganska tydligt definierade trender utkristalliserats: etnografiskt-sociologiskt, reportage, affischreklam, konstnärligt-konstruktivt, dekorativt, symboliskt-konceptuellt, impressionistiskt. Var och en av dessa riktningar har sin egen specifika, tydligt definierade kulturella och kommunikativa funktion. Dessa anvisningar utesluter inte varandra. Samma fotograf arbetar som regel i flera av dem. Det är mycket viktigt att ha i åtanke det konstnärliga fotografiets semifunktionalitet, så att till exempel dess konstnärliga och konstruktiva funktion inte utesluter den etnografiska och sociologiska, och vice versa, så att fotovisionens konceptualitet går hand i hand med den nationella traditionen. Liksom all slags konst är fotografi föremål för de allmänna lagarna för utvecklingen av konst, medvetande och konstnärlig världsbild. Den konstnärliga bilden växer historiskt utifrån den empiriskt upplevda verkligheten och speglar bildandet och utvecklingen av kulturell och semantisk förmedling mellan konstnären och omvärlden.
Utvecklingen av någon form av konst kan ses som en egen självmedvetenhet kulturell funktion, det vill säga som bildandet av konstnärlig självmedvetenhet inom en viss typ av konst. För fotografiet innebär detta att konstnären-fotografen, i kontakt med den moderna verkligheten i linje med etnografisk-sociologisk, reportage, affischfotografi, nödvändigtvis fortsätter att utvecklas och fördjupas konstnärlig bild inom ramen för symboliskt-konceptuell fotografi. I denna mening är konceptuell fotografi så att säga resultatet av det konstnärliga livet och den personliga upplevelsen, tack vare vilken fotografen blir en mästare och skapar bestående värden. Men något annat följer av detta: alla riktningar och genrer av konstnärlig fotografi utgör den integrerade särarten av fotografi som konstform, och endast genom att förstå egenskaperna och konstnärliga möjligheterna hos var och en av dem är det möjligt att skapa en kumulativ och integrerad idé om fotografi som en ny, modern form konst, på något sätt typiskt för den existerande förståelsen av konst, och på något sätt införa sina egna historiska och semantiska justeringar av förståelsen av konstformernas system, relationer och funktioner både inom ramen för den konstnärliga kulturen och inom ramen för den moderna kultur i allmänhet.
