Künstlerische Symbole verschiedener Länder der Welt. Künstlerische Symbole der Völker der Welt

Poetische Symbole der Länder der Welt

Flora und Fauna als Symbole der Länder

Füllen Sie das Diagramm aus

Der Name des Landes,

künstlerisches Symbol

Russland

Tragen

Birke

Birkenhain

Worüber bist du traurig, Birkenhain?

Welcher Gedanke lastet auf Ihnen?

Ich schaue durch die dicken Blütenkronen ins Licht

Und ich lausche deinem grünen Rauschen.

Ängstlich rauschst du die Blätter,

Eile, meine ganze Seele wieder zu öffnen.

Und ich schüttle auch den Kopf

Unfähig, die bitteren Gedanken zu beruhigen.

Hier in Rus gibt es keine Grenzen für Sorgen ...

Seien wir still, Liebes, stehen wir auf.

Und alles was du erzählen wolltest

Ich verstehe und deshalb bin ich auf deinen Tränen.

Bywschew Alexander

weiße Birke

unter meinem Fenster

mit Schnee bedeckt,

Genau Silber.

Auf flauschigen Zweigen

Schneegrenze

Bürsten blühten auf

Weißer Rand.

Und es gibt eine Birke

In schläfriger Stille

Und die Schneeflocken brennen

Im goldenen Feuer

Eine Morgendämmerung, faul

Herumlaufen,

streut Zweige

Neues Silber.

Sergej Yesenin

Japan

Fujiyama

Sakura

Japanischer Kranich

japanischer fasan

Haikus (oder Haikus)

• Haikus (oder Haikus) - Das spezieller Typ ein japanisches Gedicht, das aus drei Zeilen besteht. Zum größten Teil ist es philosophisch und reimt sich nicht. Natürlich konnte ein solches Thema wie Kirschblüten nicht unbemerkt bleiben. Daher schlage ich vor, ein paar Haiku über Sakura zu lesen.

Ist sie traurig

Was aufgehende Sonne folgende

Unter der Sakura träumt sanft

Es gibt keine Fremden zwischen uns

Wir sind alle Brüder füreinander

Unter Kirschblüten

Die Frühlingsnacht ist vergangen

White Dawn drehte sich um

Ein Meer aus Kirschblüten

China

Panda

Pfingstrose

Australien

Känguru

Kanada

Biber

Ahorn

Indien

Lotus

bengalischer Tiger

Pfau

England

ein Löwe

Rose

Thailand

Indischer Elefant

Mongolei

Mongolisches Pferd

USA

Weißkopfseeadler

Mustang

Arabische Emirate

Falke

Deutschland

Kornblume

MHK Klasse 8 LEKTION Nr. _5_

Thema: Künstlerische Symbole der Völker der Welt.

Ziele: 1) Um die Schüler mit den künstlerischen Symbolen der Völker der Welt vertraut zu machen, enthüllen die Bedeutung des Bildes der russischen Birke in Poesie, Malerei und Musik

2) Verbessern Sie den Sprachsinn, die Fähigkeit zum ausdrucksstarken Lesen.

3) Kultivieren Sie die Liebe zum poetischen Wort, die Fähigkeit, das Wort beim Lesen sorgfältig und nachdenklich zu behandeln poetische Werke, Pflegen Sie ein Gefühl der Liebe zum Mutterland, zur Natur.

Während des Unterrichts:

Zeit organisieren

Aktualisierung des Wissens der Schüler zum Thema:

Ja Nein

A) Der Roman „Leben und erstaunliche Abenteuer Robinson Crusoe“ schrieb Englischer Schriftsteller D. Defee? (Ja).

B) das Wort „Zivilisation“ im Altgriechischen klingt wie „bürgerlich, öffentlich, staatlich“? (nein, aus dem Lateinischen und anderen Römern).

C) Zivilisation - die Ebene des Materials und spirituelle Entwicklung Gesellschaft (ja).

D) Kultur ist mit dem Wort „Kult“ verbunden und bedeutet Ehrfurcht, Anbetung (ja).

E) Im Wörterbuch von Ozhegov hat das Wort „Kultur“ folgende Bedeutung: Verarbeitung, Pflege, Kultivierung“ und „geistige und moralische Erziehung“ (nein, im Wörterbuch von V. Dahl)

E) Der Begriff „Zivilisation“ ist weiter gefasst als der Begriff „Kultur“ (ja)

G) Kultur ist ein vorübergehendes Konzept, und Zivilisation ist universell (nein, im Gegenteil)

H) Wir nennen eine kultivierte Person jemanden, der in Übereinstimmung mit den in der Gesellschaft akzeptierten Denk- und Verhaltensnormen handelt (ja)

I) Bild kultivierter Mensch Schon in der Antike versuchte er, Pythagoras nachzubilden (nein, Plato)

K) Ist Konfuzius ein japanischer Denker? (Kein Chinesisch)

L) Lebte der Künstler Hieronymus Bosch im 15. Jahrhundert in den Niederlanden? (Ja)

Definieren Sie das Konzept von MHC

Welcher Gott war der Patron der Künste, wie hießen seine Gehilfen?

Studentische Beiträge zu I. Bosch

III. Studieren neues Thema:

Ich kann mir Russland ohne Birke nicht vorstellen, -
Sie ist so hell auf Slawisch,
das ist vielleicht in Jahrhunderten anders
aus einer Birke - ganz Rus' wurde geboren.
Oleg Shestinsky

1. Präsentation des Themas und der Ziele des Unterrichts. Heute in der Lektion werden wir ein wenig tun Weltreise und lernen Sie die künstlerischen Symbole der Völker der Welt kennen, machen Sie einen Spaziergang durch das „Land des Birkenchintz“ und tauchen Sie natürlich in unsere heimischen kalmückischen Weiten ein, die uns von Kindheit an vertraut sind.

2. Neues Material lernen.

Lehrer: Es gibt mehr als 250 Länder auf unserem Planeten, in denen mehrere tausend verschiedene Völker leben, von denen jedes seine eigenen Traditionen und Traditionen hat. Eigenschaften. Wahrscheinlich haben Sie solche Kombinationen mehr als einmal gehört: „Deutsche Genauigkeit“, „Französische Galanterie“, „Afrikanisches Temperament“, „Kälte der Briten“, „Jähzornigkeit der Italiener“, „Gastfreundschaft der Georgier“ usw. Hinter jedem von ihnen sie sind Eigenschaften und Merkmale, die sich in einem bestimmten Volk im Laufe der Jahre entwickelt haben.

Nun, hinein künstlerische Kultur? Gibt es solche stabilen Bilder und Funktionen darin? Zweifellos. Jede Nation hat ihre eigene SimOchsen, die künstlerische Vorstellungen von der Welt widerspiegeln.

Stellen Sie sich vor, Sie sind in einem fremden Land angekommen. Was wird Sie zuerst interessieren? Natürlich, welche Sprache wird hier gesprochen? Welche Sehenswürdigkeiten werden zuerst gezeigt? Was beten sie an und was glauben sie? Welche Legenden, Mythen und Sagen werden erzählt? Wie tanzen und singen sie? Und viele viele andere.

Was wird Ihnen zum Beispiel gezeigt, wenn Sie Ägypten besuchen?

Student: Die antiken Pyramiden gelten als eines der Weltwunder und sind längst zum künstlerischen Symbol dieses Landes geworden.

Student: Auf dem felsigen Plateau der Wüste, das klare Schatten auf den Sand wirft, gibt es seit mehr als vierzig Jahrhunderten drei riesige geometrische Körper- tadellos korrekte tetraedrische Pyramiden, die Gräber der Pharaonen Cheops, Khafre und Mykerin. Ihre ursprüngliche Auskleidung ist längst verloren, die Grabkammern mit Sarkophagen sind geplündert, aber weder Zeit noch Menschen konnten ihre ideal stabile Form stören. Die Dreiecke der Pyramiden vor dem blauen Himmel sind von überall sichtbar, als Erinnerung an die Ewigkeit.

Lehrer: Wenn Sie ein Treffen mit Paris haben, möchten Sie sicherlich auf die Spitze des berühmten Eiffelturms steigen, der auch zu einem künstlerischen Symbol dieser erstaunlichen Stadt geworden ist. Was weißt du über sie?

Student: 1889 als Dekoration der Weltausstellung errichtet, erregte sie zunächst Empörung und Empörung unter den Parisern. Zeitgenossen, die miteinander wetteiferten, riefen:

Student:Übrigens war es damals das höchste Gebäude der Welt, seine Höhe betrug 320 Meter! Die technischen Daten des Turms sind auch heute noch erstaunlich: 15.000 Metallteile, die durch mehr als zwei Millionen Nieten verbunden sind, bilden eine Art „Eisenband“. Siebentausend Tonnen ruhen auf vier Säulen und üben nicht mehr Druck auf den Boden aus als ein Mann, der auf einem Stuhl sitzt. Sie sollte mehr als einmal abgerissen werden und thront stolz über Paris und bietet die Gelegenheit, die Sehenswürdigkeiten der Stadt aus der Vogelperspektive zu bewundern...

Lehrer: Und was sind die künstlerischen Symbole der USA, Chinas, Russlands?

Student: Freiheitsstatue für die USA, Imperial Palace Verbotene Stadt» für China, der Kreml für Russland.

Lehrer: Aber viele Völker haben ihre eigenen besonderen, poetischen Symbole. Erzählen Sie uns von einem von ihnen?

Student: Bizarr geschwungene Zweige einer unterdimensionierten Kirsche - Sakura - ein poetisches Symbol Japans.

Wenn du fragst:

Was ist die Seele

Inseln von Japan?

Im Aroma von Bergkirschen

In der Dämmerung.

Lehrer: Was ist so attraktiv an Kirschblüten in Japan? Vielleicht eine Fülle von weißen und blassrosa Sakura-Blütenblättern auf kahlen Ästen, die noch keine Zeit hatten, mit Grün bedeckt zu werden?

Die Schönheit der Blumen verblasste so schnell!

Und die Schönheit der Jugend war so flüchtig!

Das Leben ist vergebens vergangen...

Den langen Regen beobachten

Und ich denke: wie in der Welt ist nicht alles für immer!

Komachi (Übersetzt von A. Gluskina)

Student: Der Dichter wird von der Schönheit der Vergänglichkeit, der Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit des Lebens angezogen. Kirschblüten schnell und die Jugend ist flüchtig.

Lehrer: Welche künstlerische Technik verwendet der Autor?

Student: Personifikation. Eine Kirschblüte ist für einen Dichter ein Lebewesen, das in der Lage ist, die gleichen Gefühle zu empfinden wie ein Mensch.

Lehrer:

Frühlingsnebel, warum hast du dich versteckt?

Kirschblüten, die jetzt herumfliegen

An den Hängen der Berge?

Nicht nur Glanz liegt uns am Herzen, -

Und der verblassende Moment ist bewundernswert!

Tsurayuki (Übersetzt von V. Markova)

Lehrer: Kommentarzeilen.

Student: Kirschblütenblätter verblassen nie. Fröhlich wirbelnd fliegen sie beim leisesten Windhauch zu Boden und bedecken den Boden mit Blumen, die noch keine Zeit zum Verwelken hatten. Der Moment selbst ist wichtig, die Zerbrechlichkeit der Blüte. Dies ist die Quelle der Schönheit.

Lehrer: Die weißstämmige Birke ist zu einem künstlerisch poetischen Symbol Russlands geworden.

Ich liebe russische Birke
Entweder hell oder traurig
In einem gebleichten Sarafan,
Mit Taschentüchern in den Taschen
Mit schönen Verschlüssen
Mit grünen Ohrringen.
Ich liebe sie elegant
Das klare, brodelnde,
So traurig, weinen.
Ich liebe russische Birke.
Tief gebeugt im Wind
Und biegt, aber bricht nicht!
A. Prokofjew.

Lehrer: Schon im Erwachsenenalter sagte Igor Grabar: „Was könnte schöner sein als eine Birke, der einzige Baum in der Natur, dessen Stamm blendend weiß ist, während alle anderen Bäume auf der Welt dunkle Stämme haben. Fantastischer, übernatürlicher Baum, Märchenbaum. Ich habe mich leidenschaftlich in die russische Birke verliebt und sie lange Zeit fast alleine gemalt.

Lehrer: Das Thema Mutterland ist eng mit dem Bild der Birke verflochten. Jede Yesenin-Linie wird von einem Gefühl grenzenloser Liebe zu Russland erwärmt.

Birke

weiße Birke

Unter meinem Fenster.

mit Schnee bedeckt,

Genau Silber.

Auf flauschigen Zweigen

Schneegrenze

Bürsten blühten auf

Weißer Rand.

Und es gibt eine Birke

In schläfriger Stille

Und die Schneeflocken brennen

Im goldenen Feuer

Eine Morgendämmerung, faul

Herumlaufen,

Duschen Äste

Neues Silber. 1913

Lehrer. Weiße Birken berühren die Seele nicht nur von uns, sondern auch von Ausländern. Nach einem Besuch in Moskau wurde der berühmte Fußballspieler Pele gefragt, was ihn in Russland mehr beeindruckt und gemocht habe. Er antwortete: "Birken".

Lehrer: Hunderte von Jahren werden vergehen, aber die Birke wird unsere unsterbliche und mächtige Heimat symbolisieren.

Wenden wir uns nun den künstlerischen Symbolen unserer zu kleine Heimat- Kalmückien.

Was denkst du wird das Symbol von Kalmyk sein?...

Kaspische Rose von Russland

2010 wurde in Kalmückien zum Jahr der Saiga erklärt

Tabelle: während des Unterrichts ausgefüllt.

Ein Land

künstlerisches Symbol

Hausaufgaben - Schreiben Sie eine Nachricht über ein künstlerisches Bild der Völker der Welt.

PYRAMIDEN

Student: Auf dem felsigen Plateau der Wüste, das klare Schatten auf den Sand wirft, gibt es seit mehr als vierzig Jahrhunderten drei riesige geometrische Körper - vollkommen regelmäßige tetraedrische Pyramiden, die Gräber der Pharaonen Cheops, Khafre und Mykerin. Ihre ursprüngliche Auskleidung ist längst verloren, die Grabkammern mit Sarkophagen sind geplündert, aber weder die Zeit noch der Mensch haben es geschafft, ihre ideal stabile Form zu brechen. Die Dreiecke der Pyramiden vor dem blauen Himmel sind von überall sichtbar, als Erinnerung an die Ewigkeit.

EIFFELTURM 1

Jüngerin: 1889 als Dekoration der Weltausstellung erbaut, erregte sie zunächst die Empörung und Empörung der Pariser. Zeitgenossen, die miteinander wetteiferten, riefen:

„Wir protestieren gegen diese Säule aus verschraubtem Blech, gegen diesen lächerlichen und schwindelerregenden Fabrikschornstein, der errichtet wurde, um den industriellen Vandalismus zu verherrlichen. Der Bau dieses nutzlosen und monströsen Eiffelturms im Zentrum von Paris ist nichts als eine Entweihung ... "

Interessanterweise wurde dieser Protest sehr unterzeichnet berühmte Persönlichkeiten Kulturen: Komponist Charles Gounod, Schriftsteller Alexandre Dumas, Guy de Maupassant... Der Dichter Paul Verlaine sagte, dass dieser "Skelettturm nicht lange halten würde", aber seine düstere Prognose sollte sich nicht erfüllen. Der Eiffelturm steht noch und ist ein Wunder der Technik.

EIFFELTURM 2

Student: Übrigens war es damals das höchste Gebäude der Welt, seine Höhe betrug 320 Meter! Die technischen Daten des Turms sind auch heute noch erstaunlich: 15.000 Metallteile, die durch mehr als zwei Millionen Nieten verbunden sind, bilden eine Art „Eisenband“. Siebentausend Tonnen ruhen auf vier Säulen und üben nicht mehr Druck auf den Boden aus als ein Mann, der auf einem Stuhl sitzt. Sie sollte mehr als einmal abgerissen werden und thront stolz über Paris und bietet die Gelegenheit, die Sehenswürdigkeiten der Stadt aus der Vogelperspektive zu bewundern...

SAKURA

Student: Bizarr geschwungene Zweige einer zu kleinen Kirsche - Sakura - ein poetisches Symbol Japans.

Wenn du fragst:

Was ist die Seele

Inseln von Japan?

Im Aroma von Bergkirschen

In der Dämmerung.

Norinaga (Übersetzt von V. Sanovich)

BIRKE

Ich liebe russische Birke
Entweder hell oder traurig
In einem gebleichten Sarafan,
Mit Taschentüchern in den Taschen
Mit schönen Verschlüssen
Mit grünen Ohrringen.
Ich liebe sie elegant
Das klare, brodelnde,
So traurig, weinen.
Ich liebe russische Birke.
Tief gebeugt im Wind
Und biegt, aber bricht nicht!

A. Prokofjew.

BIRKE

weiße Birke

Unter meinem Fenster.

mit Schnee bedeckt,

Genau Silber.

Auf flauschigen Zweigen

Schneegrenze

Bürsten blühten auf

Weißer Rand.

Und es gibt eine Birke

In schläfriger Stille

Und die Schneeflocken brennen

Im goldenen Feuer

Eine Morgendämmerung, faul

Herumlaufen,

Duschen Äste

Neues Silber.

TULPEN

Kommen Sie im April nach Kalmückien - Sie werden sehen, wie die Steppe blüht. Tulpen bedecken es mit einem durchgehenden Teppich. Gelb, rot, pink und sogar schwarz! Und der Geruch ... schwindelerregend.

Wie sie sagen Einheimische: "Tulpen - sie sind wie Pferde, sie wachsen nicht an einem Ort. Dieses Jahr hier, nächstes Jahr - an einem anderen Ort. Manchmal muss man sie sogar suchen."

Das Tulpenfest ist das Erwachen der Steppe. Dieser Feiertag ist sehr kurz: 10 Tage lang blühen Tulpen, nicht mehr, und dann beginnt der sengende, heiße Sommer.

In Kalmückien ist der April die Zeit der Tulpen. Die Erde gewinnt an Kraft, erwacht zum Leben, erfüllt von neuen Farben und Klängen.

Der Sieg der Sonne und Hitze wurde mit einer scharlachroten Tulpenkrone gekrönt.

LOTUS

Eine erstaunliche Sache, immer wenn sie über den Lotus sprechen, glauben sie, dass dies die Blume Ägyptens ist, und es gibt sogar eine Legende, dass der Gott der Sonne Ra aus der Lotusblume erschien und der Erde Licht und Wärme gab. Im Mittelpunkt der Legenden um den Lotus stehen die Vorstellungen der Menschheit von Fruchtbarkeit und Leben, von Langlebigkeit und Gesundheit. Trotzdem kann sich Kalmückien auch rühmen, wo es riesige Weiten gibt und die "Königin der Flüsse" Wolga, wo diese Blume, die "Kaspische Rose" genannt wird, wunderschön blüht und das Auge erfreut.

Lotus

Kopf runter schläfrig
Unter dem Feuer des Tageslichts,
Ruhiger Lotusduft
Warten auf schimmernde Nächte.

Und schwimmt einfach
Am Himmel ein sanfter Mond,
Er hebt den Kopf
Aufwachen aus dem Schlaf.

Glänzt auf duftenden Laken
Seine reinen Tränen tauen,
Und er zittert vor Liebe
Traurig in den Himmel blicken.

G. Heine

Saigas

In Kalmückien wurde 2010 zum Jahr der Saiga erklärt. Das entsprechende Dekret wurde am letzten Herbsttag vom Oberhaupt der Republik, Kirsan Ilyumzhinov, unterzeichnet.
Ziel ist es, die Population der Europäischen Saiga, eines der ältesten überlebenden Vertreter der Reliktfauna, zu erhalten, die Aktivitäten der Naturschutzstrukturen in der Republik Kalmückien zu intensivieren und ein Maßnahmenpaket zur Verbesserung der Effizienz zu entwickeln Saiga-Erhaltung.

Kalmückien - das Zentrum des Buddhismus in Europa

Am 27. Dezember 2005 wurde im Zentrum von Elista ein neuer buddhistischer Tempel mit der höchsten Statue von Buddha Shakyamuni in Europa eröffnet. Dieser Tempel, der dank der Bemühungen des Oberhaupts der Republik Kalmückien, Kirsan Ilyumzhinov, des Shajin Lama von Kalmückien, Telo Tulku Rinpoche, sowie des gesamten Volkes von Kalmückien erbaut wurde, wird in den kommenden Jahren zum Zentrum für das Studium der tibetischen Sprache werden Buddhismus, sowie ein Wallfahrtsort für zahlreiche Anhänger dieser Religion in Russland und europäischen Ländern. Der Tempel wurde an einem Ort errichtet, den Seine Heiligkeit der Dalai Lama während seines Besuchs in Kalmückien im November 2004 gesegnet hatte.

Künstlerische Symbole der Völker der Welt - was sind sie? Stellen Sie sich vor, Sie sind in einem fremden Land angekommen. Was wird Sie in erster Linie interessieren? Welche Sehenswürdigkeiten werden Ihnen zuerst gezeigt? Was beten die Menschen dieses Landes an und woran glauben sie? Welche Legenden, Mythen und Sagen werden erzählt? Wie tanzen und singen sie? Und viele viele andere. Und viele viele andere.

Ägypten - PYRAMIDEN Die Pyramiden sind am linken Westufer des Nils (West Reich der Toten) und überragte alles Stadt der Toten unzählige Gräber, Pyramiden, Tempel. ÄGYPTISCHE PYRAMIDEN, die Gräber der ägyptischen Pharaonen. Die größten von ihnen sind die Pyramiden von Cheops, Khafre und Mikerin in El Gizeh, die in der Antike als eines der sieben Weltwunder galten. Die Errichtung der Pyramide, in der schon Griechen und Römer ein Denkmal für den beispiellosen Königsstolz und die Grausamkeit sahen, die das gesamte Volk Ägyptens zu sinnlosem Bauen verurteilte, war der wichtigste Kultakt und sollte offenbar Ausdruck dessen sein, die mystische Identität des Landes und seines Herrschers.

Die größte der drei Die größte der drei Cheops-Pyramiden. die Cheopspyramide. Seine Höhe betrug ursprünglich 147 m, Seine Höhe betrug ursprünglich 147 m, und die Seitenlänge der Basis betrug 232 m, und die Seitenlänge der Basis betrug 232 m. Für seinen Bau wurden 2 Millionen 300.000 riesige Steine ​​verwendet Blöcke waren erforderlich, Durchschnittsgewicht davon 2,5 Tonnen Die Platten wurden nicht mit Mörtel befestigt, nur eine äußerst genaue Passung hält sie. In der Antike waren die Pyramiden mit polierten weißen Kalksteinplatten ausgekleidet, ihre Spitzen waren mit Kupferplatten bedeckt, die in der Sonne funkelten (nur die Pyramide von Cheops bewahrte die Kalksteinauskleidung, die Araber verwendeten die Beschichtung anderer Pyramiden beim Bau der Weiße Moschee in Kairo). Für seinen Bau wurden 2 Millionen 300 Tausend riesige Steinblöcke benötigt, deren Durchschnittsgewicht 2,5 Tonnen beträgt, die Platten wurden nicht mit Mörtel befestigt, nur eine äußerst präzise Passung hält sie. In der Antike waren die Pyramiden mit polierten weißen Kalksteinplatten ausgekleidet, ihre Spitzen waren mit Kupferplatten bedeckt, die in der Sonne funkelten (nur die Pyramide von Cheops bewahrte die Kalksteinauskleidung, die Araber verwendeten die Beschichtung anderer Pyramiden beim Bau der Weiße Moschee in Kairo).

In der Nähe der Chephren-Pyramide erhebt sich eine der größten Statuen der Antike und unserer Zeit, eine aus dem Felsen gehauene Figur einer liegenden Sphinx mit Porträtzügen von Pharao Khafre selbst. In der Nähe der Chephren-Pyramide erhebt sich eine der größten Statuen der Antike und unserer Zeit, eine aus dem Felsen gehauene Figur einer liegenden Sphinx mit Porträtzügen von Pharao Khafre selbst. Pyramide von Khafre Khafre

Amerika - Freiheitsstatue Freiheitsstatue - Vogelperspektive Die FREIHEITSSTATUE ist eine kolossale Skulptur auf Liberty Island im Hafen von New York. Die Statue in Form einer Frau mit einer brennenden Fackel in der erhobenen rechten Hand symbolisiert die Freiheit. Der Autor der Statue französischer Bildhauer F. Bartholdi. Die Statue wurde 1876 von Frankreich den Vereinigten Staaten zum 100. Jahrestag der Unabhängigkeit der USA gespendet.

Japan - Sakura SAKURA, eine Art Kirsche (Serrate Kirsche). Sie wächst und wird hauptsächlich als Zierpflanze angebaut Fernost(der Baum ist das Symbol Japans). Die Blüten sind rosa, gefüllt, die Blätter sind im Frühling violett, im Sommer grün oder orange, im Herbst violett oder braun. Die Früchte sind ungenießbar. SAKURA, eine Art Kirsche (Kirsche gezackt). Er wächst und wird als Zierpflanze hauptsächlich im Fernen Osten kultiviert (der Baum ist ein Symbol Japans). Die Blüten sind rosa, gefüllt, die Blätter sind im Frühling violett, im Sommer grün oder orange, im Herbst violett oder braun. Die Früchte sind ungenießbar.

Sakura gilt als das künstlerische Symbol Japans. Sakura gilt als das künstlerische Symbol Japans. schöne Blumen rosa, gefüllt, Blätter lila im Frühling, grün oder orange im Sommer, lila oder braun im Herbst. Schöne Blüten sind rosa, gefüllt, die Blätter sind lila im Frühling, grün oder orange im Sommer, lila oder braun im Herbst. Unter den Sakura-Zweigen wünschen sich Verliebte und küssen sich. Unter den Sakura-Zweigen wünschen sich Verliebte und küssen sich. Blumenbild Kirschblüten Es wird auch für japanische Nationaltrachten verwendet. Das Bild einer blühenden Kirsche wird auch auf nationalen japanischen Kostümen verwendet. Die Sakura-Blume ist ein Lebewesen, das die gleichen Gefühle wie ein Mensch empfinden kann. Die Sakura-Blume ist ein Lebewesen, das die gleichen Gefühle wie ein Mensch empfinden kann.

China - Chinesische Mauer GREAT WALL OF CHINA, eine Festungsmauer in Nordchina; großes Baudenkmal Antikes China. GREAT WALL OF CHINA, eine Festungsmauer in Nordchina; grandioses Denkmal der Architektur des alten China. Die Länge beträgt nach einigen Annahmen etwa 4.000 km, nach anderen über 6.000 km, 10 m. Erbaut hauptsächlich im 3. Jahrhundert v. e. Komplett restaurierter Abschnitt des Großen Chinesische Mauer in der Nähe von Peking. Höhe 6,6 m, stellenweise bis 10 m. Erbaut hauptsächlich im 3. Jahrhundert v. e. Ein Abschnitt der Chinesischen Mauer in der Nähe von Peking wurde vollständig restauriert.

Nowodewitschi-Kloster Zu Ehren der Geburt des Erben, des späteren Zaren Iwan IV., wurde 1532 in Kolomenskoje bei Moskau am hohen Steilufer der Moskwa die Himmelfahrtskirche errichtet. Seine Konstruktion markiert das Erscheinen neuer aazentrischer Steinhüfttempel, die dynamisch nach oben gerichtet sind. In der Nähe, im Dorf Dyakovo, wurde die Kirche der Enthauptung Johannes des Täufers errichtet, die sich durch ungewöhnliche Architektur auszeichnet. Zu Ehren der Geburt des Erben, des späteren Zaren Iwan IV., wurde 1532 in Kolomenskoje bei Moskau am hohen Steilufer der Moskwa die Himmelfahrtskirche errichtet. Seine Konstruktion markiert das Erscheinen neuer aazentrischer Steinhüfttempel, die dynamisch nach oben gerichtet sind. In der Nähe, im Dorf Dyakovo, wurde die Kirche der Enthauptung Johannes des Täufers errichtet, die sich durch ungewöhnliche Architektur auszeichnet. Das Ereignis war der Bau der Fürbitte-Kathedrale auf der Südseite des Roten Platzes am Wassergraben, besser bekannt als Basilius-Kathedrale. Das Ereignis war der Bau der Fürbitte-Kathedrale auf der Südseite des Roten Platzes am Wassergraben, besser bekannt als Basilius-Kathedrale.

Basilius-Kathedrale Eine der berühmtesten Kirchen Moskaus, die unter dem Namen Pokrovsky-Kathedrale zu Ehren des Sieges über das Kasaner Khanat am Fest der Fürbitte der Jungfrau Maria erbaut wurde. Anschließend gab die angeschlossene Kirche St. Basilius dem Seligen dem ganzen Tempel den Namen. Bunte Farbgebung spiegelt den Geschmack späterer Zeiten wider (17. Jahrhundert). Der Tempel war ursprünglich rot gestrichen und weiße Farbe. Die Fürbitte-Kathedrale wurde als erste stadtweite Kathedrale außerhalb der Mauern des Kremls konzipiert und sollte die Einheit des Zaren mit dem Volk symbolisieren. Eine der berühmtesten Kirchen Moskaus, die unter dem Namen Pokrovsky-Kathedrale zu Ehren des Sieges über das Kasaner Khanat am Fest der Fürbitte der Jungfrau Maria erbaut wurde. Anschließend gab die angeschlossene Kirche St. Basilius dem Seligen dem ganzen Tempel den Namen. Bunte Farbgebung spiegelt den Geschmack späterer Zeiten wider (17. Jahrhundert). Der Tempel war ursprünglich in Rot und Weiß gestrichen. Die Fürbitte-Kathedrale wurde als erste stadtweite Kathedrale außerhalb der Mauern des Kremls konzipiert und sollte die Einheit des Zaren mit dem Volk symbolisieren.

Der Spasskaja-Turm des Moskauer Kreml Die Altstadt von Moskau hat einen radial-kreisförmigen Grundriss. Der historische Kern Moskaus ist das Ensemble des Moskauer Kremls, daneben der Rote Platz. Die Altstadt von Moskau hat einen radial-kreisförmigen Grundriss. Der historische Kern Moskaus ist das Ensemble des Moskauer Kremls, daneben der Rote Platz.

Glockenturm "Iwan der Große" wichtige Veranstaltung war der Bau neuer Backsteinmauern und Türme des Kremls, die in sechs der achtzehn Türme gebaut wurden, waren Durchgangstore. Der Kreml wurde in eine der mächtigsten europäischen Festungen verwandelt. Ein wichtiges Ereignis war die Errichtung neuer Backsteinmauern und Türme des Kremls, die in sechs von achtzehn Türmen gebaut wurden und Durchgangstore hatten. Der Kreml wurde in eine der mächtigsten europäischen Festungen verwandelt.

Mehr als zweihundertfünfzig Länder, mehrere tausend Nationalitäten, Nationalitäten, Völker – große und kleine – existieren und interagieren miteinander auf dem Planeten Erde. Und jeder von ihnen hat seine eigenen Besonderheiten, Bräuche und Traditionen, die im Laufe der Jahrhunderte entstanden sind. Charakterzüge. es gibt auch künstlerische symbole Völker der Welt, die ihre Vorstellung von Sein, Religion, Philosophie und anderen Kenntnissen und Konzepten widerspiegeln. IN verschiedene Länder Oh, sie unterscheiden sich voneinander und besitzen die Einzigartigkeit und Originalität, die diesem oder jenem Stück des Planeten innewohnt. Sie hängen nicht direkt von der Staatsmacht ab, sondern werden mitunter bei Behörden- und Herrscherwechseln vom Volk selbst gebildet. Was sind die künstlerischen Symbole der Völker der Welt im allgemein akzeptierten Sinne des Wortes?

Symbol

Grob gesagt ist ein Symbol ein hypertrophiertes Zeichen. Das heißt, ein in der Regel schematisches und bedingtes Bild eines Objekts, Tieres, einer Pflanze oder eines Konzepts, einer Qualität, eines Phänomens, einer Idee. Es unterscheidet sich vom heiligen Kontext, dem Moment der Normativität und der sozialen oder religiös-mystischen Spiritualität, die im Bild zum Ausdruck kommt (in der Regel schematisch und vereinfacht).

Künstlerische Symbole der Völker der Welt

Wahrscheinlich hat jedes Land seine eigene menschengemachte Wunder„Von Menschen gemacht. Nicht umsonst wurden in alten Zeiten die „sieben Wunder“ herausgegriffen, die natürlich als originelle künstlerische Symbole galten (die erste Liste wurde, wie man sagt, von Herodot im fünften Jahrhundert v. Chr. Gefaltet). neue Ära- es hatte nur drei Wunder). Dazu gehörten die Gärten von Babylon, die Zeus-Statue und andere. Die Liste hat sich im Laufe der Jahrhunderte verändert: Einige Namen wurden hinzugefügt, andere sind verschwunden. Viele künstlerische Symbole der Völker der Welt sind bis heute nicht erhalten. Immerhin gab es unter den verschiedenen Völkern zu allen Zeiten eine unermeßliche Zahl. Allein die Zahl Sieben galt als heilig, magisch. Nun, die Zeit hat heute nur ein paar Symbole der Völker der Welt bewahrt.

Wesentliche Vielfalt oder semantische Modifikation, künstlerisches Bild, sondern auch sein spiritueller Kern ist Kunstsymbol, Handeln in der Ästhetik einer der bedeutenden Kategorien. Innerhalb des Bildes ist es die wesentliche Komponente, die auf analytischer Ebene schwer zu isolieren ist, was gezielt richtet sich auf Geist des Empfängers spirituelle Realität, nicht im Kunstwerk selbst enthalten. So bildet sich beispielsweise bei den bereits erwähnten „Sonnenblumen“ von Van Gogh das eigentliche künstlerische Bild primär um das visuelle Bild eines Sonnenblumenstraußes in einem Keramikkrug herum und dürfte sich für die meisten Betrachter darauf beschränken. Auf einer tieferen Ebene der künstlerischen Wahrnehmung bei Rezipienten mit erhöhter künstlerischer und ästhetischer Empfänglichkeit beginnt sich dieses primäre Bild zu einem künstlerischen Symbol zu entfalten, das sich einer verbalen Beschreibung absolut widersetzt, aber er ist es, der dem Geist des Betrachters das Tor zu anderen Realitäten öffnet, völlig erkennen ästhetisches Ereignis dieses Bildes. Das Symbol als tiefe Vervollständigung des Bildes, sein wesentlicher künstlerisch-ästhetischer (nicht verbalisierter!) Inhalt zeugt von der hohen künstlerisch-ästhetischen Bedeutung des Werkes, der hohen Begabung oder gar Genialität des Meisters, der es geschaffen hat. Unzählige Kunstwerke mittleren (wenn auch guten) Niveaus haben in der Regel nur ein künstlerisches Bild, aber kein Symbol. Sie bringen den Empfänger nicht zu sich höhere Stufen spirituelle Realität, sondern beschränken sich auf die emotional-psychologische und sogar physiologische Ebene der Psyche des Empfängers. Fast die meisten Werke realistischer und naturalistischer Tendenzen, Komödien, Operetten, alle Massenkunstwerke befinden sich auf dieser Ebene - sie haben künstlerische Bilder, aber keine künstlerische Symbolik. Es ist nur typisch für hoch Kunst jeglicher Art u heiliger Kult Werke von hoher künstlerischer Qualität.

Daneben gibt es in der Weltkunst ganze Klassen von Kunstwerken (und manchmal ganze große Epochen - zum Beispiel Kunst antikes Ägypten), in der das künstlerische Bild praktisch auf ein symbolisches reduziert wird. Absolute Beispiele für solche Kunst sind gotische Architektur, byzantinisch-russisch Symbol die Zeit ihrer Blütezeit (XIV-XV Jahrhundert für Rus') oder die Musik von Bach. Viele andere spezifische Kunstwerke lassen sich aus fast allen Gattungen und Epochen der Geschichte anführen, in denen Symbolisches Kunstwerk, oder künstlerisches Symbol. Hier ist es eine konkret gestaltete sinnlich wahrgenommene Realität, gerichteter als das Bild, die den Rezipienten im Prozess der nicht-utilitaristischen, spirituell aktiven Werkbetrachtung auf die spirituelle Realität verweist. Im Prozess der ästhetischen Kommunikation mit einem Symbol entsteht eine einzigartige superdichte figurativ-semantische Substanz ästhetischen Seins-Bewusstseins, die die Absicht hat, sich in eine andere Realität zu entfalten, in einen ganzheitlichen spirituellen Kosmos, in eine grundsätzlich nicht verbalisierte Multi- semantischer Raum, ein eigenes Bedeutungsfeld für jeden Rezipienten, das Eintauchen in das ihm ästhetisches Vergnügen, spirituelle Freude, ein Gefühl der Freude bereitet, ein tiefes, unvermischtes Verschmelzen mit diesem Feld zu spüren, sich darin aufzulösen und dabei persönliches Selbstbewusstsein und intellektuelle Distanz zu wahren .

Im künstlerisch-semiotischen Bereich steht das Symbol irgendwo zwischen dem künstlerischen Bild und dem Zeichen. Ihr Unterschied wird in den Graden der Isomorphie und der semantischen Freiheit in der Ausrichtung auf beobachtet verschiedene Ebenen Wahrnehmung des Empfängers auf der Ebene der spirituellen und ästhetischen Energie. Der Grad der Isomorphie betrifft hauptsächlich äußere Form entsprechende semantische Strukturen und nimmt vom Mimetischen (im engeren Sinne des Wortes) ab Mimesis) künstlerisches Bild (hier reicht es Höchstgrenze im sogenannten Ähnlichkeit)über ein künstlerisches Symbol zu einem konventionellen Zeichen, das in der Regel frei von Isomorphie zum Signifikat ist. Der Grad der semantischen Freiheit ist für ein Symbol am höchsten und wird wesentlich durch eine bestimmte „Identität“ (Schelling), „Balance“ (Losev) der „Idee“ und das äußere „Bild“ des Symbols bestimmt. Im Zeichen und künstlerischen Bild ist es geringer, weil im Zeichen (= im philosophischen Symbol, und auf der Ebene der Kunst - funktional identisch mit dem Zeichen Allegorien) sie wird im Wesentlichen durch eine abstrakte Idee begrenzt, die das Bild überwiegt, und umgekehrt im künstlerischen Bild. Mit anderen Worten, im Zeichen (gleichbedeutend mit Allegorie) schränkt die rationale Idee und in den Bildern der (klassischen) Kunst ein hinreichend hoher Grad an Isomorphie mit dem Prototyp die semantische Freiheit dieser Zeichenbildungen gegenüber dem künstlerischen Symbol ein.

Dementsprechend orientieren sie sich an unterschiedlichen Wahrnehmungsebenen: das Zeichen (Allegorie) - an der rein rationalen, und das künstlerische Bild und Symbol - an der spirituellen und ästhetischen. In diesem Fall ist das Symbol (überall, wie im Fall des Bildes, wir redenÖ künstlerisch Symbol) hat einen schärferen Fokus auf die höchsten Ebenen der spirituellen Realität als ein Bild, dessen künstlerisches und semantisches Feld viel breiter und vielfältiger ist. Schließlich ist das Niveau der spirituell-ästhetischen (meditativen) Energie eines Symbols höher als das eines Bildes; er scheint sich anzusammeln Mythos Energie, eine der Emanationen davon wirkt in der Regel. Das Symbol ist eher für Rezipienten mit erhöhter geistiger und ästhetischer Empfänglichkeit bestimmt, die von Symbolismustheoretikern und russischen religiösen Denkern des frühen zwanzigsten Jahrhunderts in ihren Texten gut empfunden und zum Ausdruck gebracht wurde, was wir bereits wiederholt gesehen haben und auf die wir hier eingehen werden .

Das Symbol enthält in sich selbst in gefalteter Form und enthüllt dem Bewusstsein etwas, das an sich für andere Formen und Methoden der Kommunikation mit der Welt unzugänglich ist, in ihr zu sein. Sie kann daher keinesfalls auf Vernunftbegriffe oder andere (außer sich selbst) Formalisierungsmethoden reduziert werden. Die Bedeutung in einem Symbol ist untrennbar von seiner Form, sie existiert nur in ihr, durchstrahlt sie, entfaltet sich aus ihr, weil nur in ihr, in ihrer Struktur etwas enthalten ist, was organisch inhärent (dem Wesen zugehörig) symbolisiert ist. Oder wie A. F. Losev, „der Signifikant und das Signifikat sind hier gegenseitig umkehrbar. Die Idee ist konkret, sinnlich gegeben, visuell ist nichts drin, was nicht im Bild wäre und umgekehrt.

Wenn sich ein künstlerisches Symbol auf semantischer Ebene von einem philosophischen Symbol (= Zeichen) unterscheidet, dann unterscheidet es sich gewissermaßen von kulturellen, mythologischen, religiösen Symbolen wesentlich oder substanziell. Ein künstlerisches oder ästhetisches Symbol ist ein dynamischer, kreativer Mittler zwischen dem Göttlichen und dem Menschlichen, Wahrheit und Schein (Schein), Idee und Phänomen auf der Ebene der spirituellen und ästhetischen Erfahrung, des ästhetischen Bewusstseins (d.h. auf der semantischen Ebene). Im Lichte eines künstlerischen Symbols werden ganzheitliche geistige Welten bewusst erschlossen, nicht erforscht, nicht offenbart, nicht aussprechbar und nicht anders beschrieben.

Hinzu kommen wiederum religiös-mythologische Symbole (oder allgemein kulturelle, archetypische). erheblich oder zumindest Energie gemeinsam mit dem Symbolisierten. Dem Wesen eines solchen Symbolverständnisses hat sich das christliche Denken seit der Zeit der Patristik genähert, am klarsten ausgedrückt und formuliert wurde es jedoch von P. Pawel Florenski, sich einerseits auf die Erfahrung der Patristik und andererseits auf die Theorien seiner Zeitgenossen-Symbolisten, insbesondere seines Lehrers Vyach, verlassen. Iwanowa andererseits.

Er war überzeugt, dass „im Namen – das Benannte, im Symbol – das Symbolisierte, im Bild – die Wirklichkeit des Dargestellten gegenwärtig, und das ist, weil das symbol Es gibt symbolisiert“ 277. In der Arbeit „Imeslawie als philosophische Prämisse“ gab Florensky eine der umfassendsten Definitionen eines Symbols, die seine duale Natur zeigt: „Sein, das größer ist als es selbst, ist die grundlegende Definition eines Symbols. A Symbol ist etwas, das das ist, was nicht es selbst ist, größer als es und doch wesentlich durch es manifestiert Energie eines anderen, in dieser Hinsicht wertvolleren Wesens, trägt auf diese Weise dieses letztere in sich.

Symbol, so Florensky, grundsätzlich antinomisch, diese. vereint Dinge, die sich aus der Sicht des eindimensionalen diskursiven Denkens ausschließen. Daher ist seine Natur für eine Person der modernen europäischen Kultur schwer zu verstehen. Für das Denken der alten Menschen stellte das Symbol jedoch keine Schwierigkeit dar, da es oft das Hauptelement dieses Denkens war. Jene Personifikationen der Natur in der Volksdichtung und in der Poesie der Antike, die heute als Metaphern wahrgenommen werden, sind keineswegs solche, - glaubte Florensky, - genau das ist es Symbole im obigen Sinne, und nicht "Stilschmuck und -würze", keine rhetorischen Figuren. "... Für den antiken Dichter war das Leben der Elemente kein Stilphänomen, sondern sachlicher Ausdruck des Wesens." Nur in Momenten besonderer Inspiration durchbrechen für einen modernen Dichter „diese tiefen Schichten geistigen Lebens die Kruste des ihnen fremden Weltbildes unserer Zeit, und der Dichter spricht zu uns in verständlicher Sprache von einem Leben, das unverständlich ist uns mit allen Geschöpfen unserer eigenen Seele“ 279.

Das Symbol, im Verständnis von Fr. Paulus hat „zwei Schwellen der Empfänglichkeit“ – eine obere und eine untere, innerhalb derer er immer noch ein Symbol bleibt. Die obere schützt das Symbol vor "Übertreibung der natürlichen Mystik der Materie", vor "Naturalismus", wenn das Symbol vollständig mit dem Archetyp identifiziert wird. Die Antike fiel oft in dieses Extrem. Das Neue Zeitalter ist dadurch gekennzeichnet, dass die untere Grenze überschritten wird, wenn die subjektive Verbindung zwischen dem Symbol und dem Archetyp unterbrochen wird, ihre gemeinsame Substanz-Energie ignoriert wird und das Symbol nur als Zeichen des Archetyps und nicht als ein wahrgenommen wird Stoff-Energieträger.

Das Symbol, davon ist Florensky überzeugt, ist „ein Phänomen außerhalb des innersten Wesens“, die Entdeckung des Wesens selbst, seine Verkörperung darin Außenumgebung. In diesem Sinne fungiert beispielsweise in der sakralen und weltlichen Symbolik die Kleidung als Symbol des Körpers. Nun, die ultimative Manifestation eines solchen Symbols in der Kunst ist laut Florensky und den alten Kirchenvätern, Symbol als ideales sakrales Kunstphänomen, ausgestattet mit der Energie des Archetyps.

Das Ergebnis auf dem Gebiet der philosophischen Suche nach dem Verständnis des künstlerischen Symbols wurde in einer Reihe von Arbeiten zusammengefasst AF Losew, genau wie Florensky, der sich selbst betrachtete Symbolist. In der Dialektik der künstlerischen Form zeigt er, wie wir gesehen haben, die Ontologie der Entfaltung einer Ausdrucksreihe vom Ursprünglichen ins eidos – Mythos – Symbol – Persönlichkeit usw. Das Symbol erscheint daher im frühen Losev als Emanation oder Ausdruck, Mythos. „Endlich unter Symbol Ich verstehe diese Seite Mythos, was speziell ist ausdrucksvoll. Das Symbol ist die semantische Aussagekraft des Mythos, oder das äußere Gesicht des Mythos„280. Mit Hilfe des Symbols erreicht der wesentliche Ausdruck zum ersten Mal die Ebene der äußeren Manifestation. Der Mythos als Grundlage und tiefes Leben des Bewusstseins offenbart sich draußen im Symbol und setzt es tatsächlich zusammen (das Symbol). lebenswichtige Grundlage, seine Bedeutung, sein Wesen. Losev spürt diese Dialektik von Mythos und Symbol zutiefst und versucht, sie auf der verbalen Ebene so genau wie möglich zu fixieren. „Das Symbol ist das Eidos des Mythos, der Mythos ist wie das Eidos, das Gesicht des Lebens. Mythos ist das Innenleben eines Symbols, das Element des Lebens, das sein Gesicht und seine äußere Erscheinung hervorbringt. So fand im Mythos die wesentliche Bedeutung oder eidos eine tiefe Verkörperung im "Element des Lebens", und im Symbol erhielt es ein Äußeres Ausdruck, diese. tatsächlich erschienen künstlerische Realität.

Losev beschäftigte sich zeitlebens mit dem Problem des Symbols. In einem seiner späteren Werke, The Problem of the Symbol and Realist Art (1976), gibt er die folgende erweiterte Zusammenfassung seiner Forschung:

"1) Das Symbol eines Dinges ist zwar seine Bedeutung. Dies ist jedoch eine solche Bedeutung, die es konstruiert und modellhaft erzeugt. Gleichzeitig kann man sich auch nicht darauf beschränken, dass das Symbol eines Dinges sein ist Reflexion, oder auf der Tatsache, dass das Symbol eines Dinges das Ding selbst hervorbringt. Und in beiden Fällen geht die Spezifität des Symbols verloren, und seine Beziehung zum Ding wird im Stil des metaphysischen Dualismus oder Logikismus interpretiert, Das Symbol eines Dinges ist sein Spiegelbild, aber nicht passiv, nicht tot, sondern eines, das Kraft und Kraft in sich trägt, die Realität selbst, denn sobald das empfangene Spiegelbild im Bewusstsein verarbeitet, gedanklich analysiert, geklärt wird alles zufällig und unbedeutend und spiegelt nicht nur die sinnliche Oberfläche der Dinge wider, sondern ihre inneren Gesetzmäßigkeiten. In diesem Sinne muss man verstehen, dass das Symbol einer Sache eine Sache entstehen lässt. „Erzeugt“ bedeutet in diesem Fall „versteht“. das gleiche objektive Ding, aber in seiner inneren Regelmäßigkeit und nicht im Chaos zufälliger Haufen. Geburt ist nur ein Eindringen in den tiefen und regelmäßigen Grund der Dinge selbst, dargestellt in einer sinnlichen Reflexion, nur sehr vage, unbestimmt und chaotisch.

2) Das Symbol einer Sache ist ihre Verallgemeinerung. Diese Verallgemeinerung ist jedoch nicht tot, nicht leer, nicht abstrakt und nicht fruchtlos, sondern eine, die es erlaubt, oder besser gesagt, sogar befiehlt, zu verallgemeinerten Dingen zurückzukehren, indem sie eine semantische Regelmäßigkeit in sie einführt. Mit anderen Worten, die im Symbol vorhandene Allgemeinheit enthält implizit bereits alles Symbolisierte, auch wenn es unendlich ist.

3) Das Symbol einer Sache ist ihr Gesetz, aber ein solches Gesetz, das die Dinge auf semantische Weise erzeugt und dabei ihre ganze empirische Konkretheit intakt lässt.

4) Das Symbol einer Sache ist die regelmäßige Anordnung einer Sache, aber in der Form gegeben allgemeines Prinzip semantische Konstruktion in Form eines generierenden Modells.

5) Das Symbol einer Sache ist ihr innerlich-äußerlicher Ausdruck, aber es ist nach dem allgemeinen Prinzip seiner Konstruktion gestaltet.

6) Das Symbol eines Dinges ist seine Struktur, aber nicht einzeln oder isoliert, sondern aufgeladen mit einer endlichen oder unendlichen Reihe entsprechender individueller Manifestationen dieser Struktur.

7) Das Symbol eines Dinges ist sein Zeichen, jedoch nicht tot und bewegungslos, sondern zahlreiche und vielleicht unzählige regelmäßige und einzelne Strukturen gebärend, die von ihm bezeichnet werden Gesamtansicht als abstrakt gegebene ideologische Bildsprache.

8) Das Symbol eines Dinges ist sein Zeichen, das mit dem unmittelbaren Inhalt der hier bezeichneten Einzelheiten nichts gemein hat, sondern diese verschiedenen und gegensätzlich bezeichneten Einzelheiten hier durch jenes allgemeine Konstruktionsprinzip bestimmt sind, das sie zu einem einzigen macht. geteilte Ganzheit, auf eine bestimmte Weise gerichtet.

9) Das Symbol einer Sache ist die Identität, die gegenseitige Durchdringung der bezeichneten Sache und der ideologischen Bildsprache, die sie bezeichnet, aber diese symbolische Identität ist eine einzeln geteilte Ganzheit, bestimmt durch das eine oder andere einzelne Prinzip, das sie erzeugt und in das sie verwandelt wird eine endliche oder unendliche Reihe verschiedener natürlich erhaltener Singularitäten, die in die allgemeine Identität des Prinzips oder Modells, das sie hervorgebracht hat, wie in einer bestimmten Gemeinsamkeit für sie verschmelzen Grenze ". 282

In der Geschichte des ästhetischen Denkens wurde das klassische Konzept des Symbols von den Symbolisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts am vollständigsten entwickelt, wie wir bereits oben diskutiert haben. Im zwanzigsten Jahrhundert Der Symbolbegriff nimmt in der hermeneutischen Ästhetik einen herausragenden Platz ein. Insbesondere, G.G. Gadamer glaubte, dass das Symbol in gewissem Maße identisch ist Spiel; es verweist den Wahrnehmenden nicht auf etwas anderes, wie viele Symbolisten glaubten, sondern es verkörpert seine Bedeutung in sich selbst, es manifestiert selbst seine Bedeutung, wie das darauf basierende Kunstwerk, d.h. ist eine "Zunahme des Seins". Damit markiert Gadamer die Zerstörung des traditionellen klassischen Verständnisses des Symbols und skizziert neue nicht-klassische Zugänge zu ihm, auf deren semantischen Variationen die Ästhetik der Postmoderne und viele Kunstpraktiken der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts basieren werden.

In der nichtklassischen Ästhetik die traditionellen Kategorien des Künstlerischen Bild Und Symbol werden oft durch das Konzept ersetzt und ersetzt Simulakrum- „Ähnlichkeit“, die keinen Prototyp, Archetyp hat. Einige Denker der postmodernen Orientierung behalten die Konzepte des Symbols und des Symbolischen bei, sind aber im Geiste der strukturellen psychoanalytischen Theorie mit nicht-traditionellen Inhalten gefüllt. Insbesondere, J. Lacan begreift das Symbolische als das primäre Universelle in Bezug auf Sein und Bewusstsein, das das gesamte semantische Universum der symbolischen Sprache als das einzig Reale und der menschlichen Wahrnehmung zugängliche erzeugt, das die Person selbst erzeugt, indem sie sie benennt.

Kanon

Für eine Reihe von Epochen und Richtungen in der Kunst, in denen das künstlerische Symbol und nicht das Bild vorherrschte, spielte das kanonische künstlerische Denken, die Normierung der Kreativität, die Kanonisierung des Systems der visuellen und expressiven Mittel eine herausragende Rolle im kreativen Prozess und Prinzipien. Also zunächst einmal auf der Ebene der impliziten Ästhetik Kanon wurde zu einer der wesentlichen Kategorien der klassischen Ästhetik und definierte eine ganze Klasse von Phänomenen in der Kunstgeschichte. Normalerweise bedeutet es ein System interner kreativer Regeln und Normen, die in der Kunst in einer bestimmten historischen Periode oder in einer künstlerischen Richtung vorherrschen und die wichtigsten strukturellen und konstruktiven Gesetze bestimmter Kunstarten festlegen.

Kanonizität ist vor allem der antiken und mittelalterlichen Kunst innewohnend. Der Kanon der Proportionen wurde in Plastik aus dem alten Ägypten etabliert menschlicher Körper, die von den antiken griechischen Klassikern neu gedacht und vom Bildhauer Polykleitos (5. Das von Polyklet entwickelte System idealer Proportionen des menschlichen Körpers wurde zur Norm für die Antike und mit einigen Änderungen für Künstler der Renaissance und des Klassizismus. Vitruv verwendete den Begriff "Kanon" für das Regelwerk architektonischer Kreativität. Cicero verwendete das griechische Wort "Kanon", um ein Maß für den Stil der Rede zu bezeichnen. In der Patristik Kanon hieß die Gesamtheit der von Kirchenkonzilien legalisierten Texte der Heiligen Schrift.

In der bildenden Kunst des Ostens u Europäisches Mittelalter, besonders im Kult, wurde der ikonographische Kanon etabliert. Entwickelt im Prozess jahrhundertealter künstlerischer Praxis, gibt es seit dem 9. Jahrhundert die wichtigsten Kompositionsschemata und die entsprechenden Elemente des Bildes bestimmter Charaktere, ihrer Kleidung, Körperhaltungen, Gesten, Landschafts- oder Architekturdetails. wurden als kanonisch festgelegt und dienten Künstlern der Länder des östlichen christlichen Raums bis ins 17. Jahrhundert als Vorbilder. Auch das byzantinische Lied und die Poesie gehorchten ihren eigenen Regeln. Insbesondere eine der komplexesten Formen der byzantinischen Hymnographie (8. Jahrhundert) wurde "Kanon" genannt. Es bestand aus neun Liedern, von denen jedes eine bestimmte Struktur hatte. Die erste Strophe jedes Liedes (Irmos) wurde fast immer auf der Grundlage von Themen und Bildern aus komponiert Altes Testament, in den übrigen Gedichten wurden die Themen von Irmos poetisch und musikalisch entwickelt. In der westeuropäischen Musik des XII-XIII Jahrhunderts. unter dem namen "kanon" wird eine besondere form der polyphonie entwickelt. Ihre Elemente blieben in der Musik bis ins 20. Jahrhundert erhalten. (von P. Hindemith, B. Bartok, D. Schostakowitsch und anderen). Die kanonische Standardisierung der Kunst in der Ästhetik des Klassizismus ist bekannt und entwickelt sich oft zu einem formalistischen Akademismus.

Das Problem des Kanons wurde erst im 20. Jahrhundert in der Ästhetik- und Kunstwissenschaft auf eine theoretische Ebene gestellt; am produktivsten in den Arbeiten von P. Florensky, S. Bulgakov, A. Losev, Yu. Lotman und anderen russischen Wissenschaftlern. Florensky und Bulgakov betrachteten das Problem des Kanons in Bezug auf die Ikonenmalerei und zeigten, dass der ikonografische Kanon die jahrhundertealte spirituell-visuelle Erfahrung der Menschheit (die konziliare Erfahrung der Christen) beim Eindringen in die göttliche Welt konsolidierte, die „die kreative Energie des Künstlers zu neuen Leistungen, zu kreativen Höhen und Tiefen“ 283 . Bulgakow sah im Kanon eine der wesentlichen Formen der „kirchlichen Tradition“.

Losev definierte den Kanon als „ein quantitatives und strukturelles Modell eines Kunstwerks eines solchen Stils, das als gewisser soziohistorischer Indikator als Prinzip der Konstruktion einer bekannten Reihe von Werken interpretiert wird“ 284 . Lotman interessierte sich für den informationssemiotischen Aspekt des Kanons. Er glaubte, dass der kanonisierte Text nicht nach dem Vorbild der natürlichen Sprache, sondern „nach dem Prinzip der musikalischen Struktur“ organisiert sei und daher weniger als Informationsquelle als vielmehr als Aktivator fungiere. Der kanonische Text reorganisiert die Informationen des Subjekts auf neue Weise, "kodiert seine Persönlichkeit neu" 285 .

Die Rolle des Kanons im Prozess der historischen Existenz von Kunst ist eine zweifache. Als Träger der Traditionen eines bestimmten künstlerischen Denkens und der entsprechenden künstlerischen Praxis drückte der Kanon auf struktureller und konstruktiver Ebene das ästhetische Ideal einer bestimmten Epoche, Kultur, Menschen, künstlerischen Richtung usw. aus. Dies ist ihre produktive Rolle in der Kulturgeschichte. Als sich mit dem Wechsel der kulturellen und historischen Epochen das ästhetische Ideal und das gesamte System des künstlerischen Denkens änderte, wurde der Kanon einer vergangenen Epoche zu einer Bremse für die Entwicklung der Kunst und hinderte sie daran, die spirituelle und praktische Situation ihrer Zeit angemessen zum Ausdruck zu bringen. Im Prozess der kulturellen und historischen Entwicklung wird dieser Kanon durch neue gestalterische Erfahrungen überwunden. In einem bestimmten Kunstwerk ist das kanonische Schema nicht der Träger der künstlerischen Bedeutung selbst, die auf seiner Grundlage (in "kanonischen" Künsten dank ihm) in jedem Akt des künstlerischen Schaffens oder der ästhetischen Wahrnehmung im Prozess von entsteht die Entstehung eines künstlerischen Bildes.

Die künstlerische und ästhetische Bedeutung des Kanons liegt darin, dass das kanonische Schema, irgendwie materiell fixiert oder nur im Kopf des Künstlers (und in der Wahrnehmung der Träger dieser Kultur) existiert konstruktive Grundlage eines künstlerischen Symbols, als provoziere es eine begabte Meisterin, sie durch das System selbst kaum wahrnehmbarer, aber künstlerisch bedeutsamer Abweichungen von ihr in den Nuancen aller Elemente der Bild- und Ausdruckssprache konkret in sich zu überwinden. In der Psyche des Wahrnehmenden erweckte das kanonische Schema einen für seine Zeit und Kultur traditionellen stabilen Informationskomplex, und spezifische künstlerisch organisierte Variationen der Formelemente veranlassten ihn, tief in ein scheinbar bekanntes, aber immer etwas neues Bild zu blicken, zum Wunsch, in seine wesentlichen, archetypischen Gründe einzudringen, bis zur Entdeckung einiger noch unbekannter spiritueller Tiefen.

Die Kunst der Neuen Zeit, ausgehend von der Renaissance, bewegt sich aktiv weg vom kanonischen Denken hin zu einer persönlich-individuellen Art der Kreativität. Die „Kathedralen“-Erfahrung wird durch die individuelle Erfahrung des Künstlers ersetzt, seine ursprüngliche persönliche Vision der Welt und die Fähigkeit, sie in künstlerischen Formen auszudrücken. Und nur drin schnell-Kultur, beginnend mit Pop-Art, Konzeptualismus, Poststrukturalismus und Postmoderne, im System des künstlerischen und humanitären Denkens, Prinzipien, die kanonischen nahe kommen, einige simulakra Kanon auf der Ebene der konventionellen Prinzipien der Kreativität, wenn sich in den Bereichen der Kunstproduktion und ihrer verbalen Beschreibung (neueste Kunsthermeneutik) eigentümliche kanonische Techniken und Arten der Entstehung von Kunstprodukten und deren verbaler Unterstützung herausbilden. Heute könnte man von den „Kanonen“, oder besser gesagt den Quasi-Kanonen der Pop Art, des Konzeptualismus, der „neuen Musik“, der „fortgeschrittenen“ Kunstkritik, des philosophischen und ästhetischen Diskurses usw. sprechen, deren Bedeutung nur denen zugänglich ist „eingeweiht“ in die „Regelspiele“ innerhalb dieser kanonisch-konventionellen Räume und ist von allen anderen Mitgliedern der Gemeinschaft abgeschlossen, egal auf welcher Stufe ihrer geistig-intellektuellen oder ästhetischen Entwicklung sie sich befinden.

Stil

Eine weitere bedeutende Kategorie in der Kunstphilosophie und in der Kunstgeschichte ist Stil. Tatsächlich ist es mehr frei in den Formen der Manifestation und einer Art Modifikation Kanon, etwas präziser - ziemlich stabil für eine bestimmte Epoche der Kunstgeschichte, eine bestimmte Richtung, einen Trend, eine Schule oder einen Künstler, schwer zu beschreiben ein vielschichtiges System künstlerischer Denkprinzipien, figurativer Ausdrucksmöglichkeiten, figurativer und expressiver Techniken, konstruktiver und formaler Strukturen usw. In den XIX-XX Jahrhunderten. Diese Kategorie wurde von vielen Kunsthistorikern und -theoretikern, Ästhetikern und Philosophen energisch entwickelt. Die Schule der Kunstkritiker G. Wölfflin, A. Riegl und andere verstanden unter Stil ein ziemlich stabiles System von formalen Merkmalen und Elementen der Organisation eines Kunstwerks (Flachheit, Volumen, Bildhaftigkeit, grafische Qualität, Einfachheit, Komplexität, Offenheit bzw geschlossene Form etc.) und auf dieser Grundlage betrachtet, ist es möglich, die gesamte Kunstgeschichte als überindividuelle Stilgeschichte zu betrachten („Kunstgeschichte ohne Namen“ - Wölfflin). AF Losev definierte Stil als „das Prinzip, das gesamte Potenzial eines Kunstwerks auf der Grundlage seiner verschiedenen überstrukturellen und außerkünstlerischen Aufgaben und seiner primären Modelle zu konstruieren, die jedoch von den künstlerischen Strukturen des Werks immanent empfunden werden“286 .

U. Spengler In Der Untergang Europas widmete er dem Stil als einem der wichtigsten und wesentlichen Merkmale der Kultur, ihren bestimmten Epochen, besondere Aufmerksamkeit. Stil ist für ihn ein „metaphysisches Formgefühl“, das von der „geistigen Atmosphäre“ einer bestimmten Epoche bestimmt wird. Es kommt nicht auf Persönlichkeiten an, auch nicht auf Material oder Kunstgattungen oder gar auf Kunstrichtungen. Als eine Art metaphysisches Element dieser Kulturstufe schafft der „große Stil“ selbst Persönlichkeiten, Strömungen und Epochen in der Kunst. Gleichzeitig versteht Spengler Stil in einem viel weiteren Sinne als künstlerisch und ästhetisch. „Stile folgen einander wie Wellen und Pulse. Sie haben nichts mit der Persönlichkeit einzelner Künstler, ihrem Willen und Bewusstsein zu tun. Im Gegenteil, Stil schafft am meisten Typ Künstler. Stil ist wie Kultur ein Urphänomen im strengsten goetheschen Sinne, unabhängig vom Stil der Künste, der Religionen, des Denkens oder des Lebensstils selbst. Stil ist wie „Natur“ eine immer neue Erfahrung des wachen Menschen, seines Alter Ego und Spiegelbildes in der Umwelt. Deshalb kann es im allgemeinen Geschichtsbild jeder Kultur nur einen Stil geben - Stil dieser Kultur 287 . Gleichzeitig widerspricht Spengler der eher traditionellen Klassifikation der „großen Stile“ in der Kunstgeschichte. Er glaubt zum Beispiel, dass Gotik und Barock keine unterschiedlichen Stile sind: „Das sind Jugend und Alter derselben Form: der reifende und reife Stil des Abendlandes“ 288 . Der moderne russische Kunsthistoriker V.G. Wlassow definiert Stil als "die künstlerische Bedeutung der Form", wie Sensation„ein Künstler und ein Zuschauer der umfassenden Integrität des künstlerischen Gestaltungsprozesses in historischer Zeit und Raum. Stil ist die künstlerische Erfahrung von Zeit. Stil versteht er als „Kategorie künstlerischer Wahrnehmung“ 289 . Und diese Reihe ziemlich unterschiedlicher Definitionen und Verständnisse von Stil lässt sich fortsetzen 290 .

Jede von ihnen hat etwas gemeinsam und etwas, das anderen Definitionen widerspricht, aber im Großen und Ganzen werden alle Forscher als angemessen empfunden fühlen(innerlich verstehen) die tiefe Essenz dieses Phänomens, kann es aber nicht genau in Worte fassen. Dies weist einmal mehr darauf hin, dass Stil, wie viele andere Phänomene und Phänomene der künstlerischen und ästhetischen Realität, eine relativ subtile Angelegenheit ist, sodass er mehr oder weniger adäquat und eindeutig definiert werden kann. Hier sind nur einige zirkuläre beschreibende Ansätze möglich, die schließlich in der Wahrnehmung des Lesers eine einigermaßen angemessene Vorstellung davon schaffen, was tatsächlich diskutiert wird.

Auf der Ebene Kulturepochen und Kunstströmungen sprechen Forscher über die Kunststile Altägypten, Byzanz, Romanik, Gotik, Klassizismus, Barock, Rokoko, Jugendstil. In Zeiten der Verwischung der globalen Stile einer Epoche oder eines großen Trends sprechen sie von den Stilen einzelner Schulen (z. B. für die Renaissance: die Stile der sienesischen, venezianischen, florentinischen und anderer Schulen) oder den Stilen bestimmter Künstler (Rembrandt, Van Gogh, Gauguin, Bergman usw.).

In der Kunstgeschichte entstanden große Stile in der Regel in synthetischen Epochen, als die Hauptkünste gewissermaßen nach dem Prinzip einer Art Vereinigung um und auf der Grundlage der führenden Kunst, die normalerweise die Architektur war, gebildet wurden. Malerei, Skulptur, angewandte Künste, manchmal wurde die Musik davon geleitet, d.h. über das sich in der Architektur abzeichnende System von Prinzipien der Arbeit mit Form und künstlerischem Bild (insbesondere Prinzipien der Raumorganisation). Es ist klar, dass der Stil in der Architektur und anderen Kunstformen (ebenso wie der Lebensstil oder der Denkstil – man spricht auch von solchen Stilen) historisch und intuitiv, außerbewusst geformt wurde. Niemand hat sich jemals eine bestimmte Aufgabe gestellt: diesen und jenen Stil zu kreieren, der sich durch solche und solche Merkmale und Eigenschaften auszeichnet. Tatsächlich ist der „große“ Stil ein komplex vermitteltes Optimum künstlerische Darstellung und Ausdruck auf der Makroebene (der Ebene einer ganzen Epoche oder einer großen künstlerischen Bewegung) bestimmter wesentlicher geistiger, ästhetischer, weltanschaulicher, religiöser, sozialer, subjektpraktischer Merkmale einer bestimmten historischen Volksgemeinschaft, einer bestimmten ethnogeschichtlichen Kulturstufe ; eine Art Makrostruktur des künstlerischen Denkens, die einer bestimmten soziokulturellen, ethnogeschichtlichen Gemeinschaft von Menschen angemessen ist. Auch die spezifischen Materialien der Kunst, die Technik und Technologie ihrer Verarbeitung im Schaffensprozess können Einfluss auf den Stil nehmen.

Stil ist gewissermaßen ein materiell fixiertes, relativ bestimmtes System figurativ-expressiver Prinzipien des künstlerischen Denkens, das von allen Rezipienten mit einem gewissen Maß an künstlerischem Flair, ästhetischer Sensibilität, „Stilgefühl“ gut und genau wahrgenommen wird; dies ist eine mehr oder weniger deutlich spürbare Tendenz zu einer ganzheitlichen künstlerischen Gestaltung, die Ausdruck tiefer spiritueller und plastischer Intuitionen (kollektives künstlerisches Unbewusstes, plastische Archetypen, Prototypen, Kathedralenerfahrungen usw.) einer bestimmten Epoche, historischen Periode, Richtung, kreativen Persönlichkeit, aufsteigen, um den Geist ihrer Zeit zu spüren; es ist, bildlich gesprochen, ästhetische Handschrift Epochen; optimal für eine bestimmte Epoche (Richtungen, Schulen, Persönlichkeiten) ästhetisches Ausstellungsmodell(System der Charakteristik Prinzipien der Organisation künstlerische Mittel und Ausdrucksmethoden), intern vergeistigt lebensnotwendig für diese Zeit nicht verbalisierte Prinzipien, Ideale, Ideen, schöpferische Impulse aus den höchsten Ebenen der Wirklichkeit. Wenn es diese Spiritualität nicht gibt, verschwindet der Stil. Nur seine äußeren Spuren bleiben: Weise, System der Rezeptionen.

Stil, bei aller Greifbarkeit eines hochentwickelten ästhetischen Sinns für seine Präsenz in bestimmten Kunstwerken, auch bei „großen“ Stilerscheinungen, ist nichts absolut Bestimmtes und „Reines“. Mit dem Vorhandensein und Vorherrschen eines integralen Satzes bestimmter dominanter Stilmerkmale darin enthält fast jedes Werk dieses Stils immer zufällige Elemente und Merkmale, die ihm fremd sind, was nicht nur die „Stilistik“ von nicht beeinträchtigt dieses Werk, sondern steigert im Gegenteil seinen künstlerischen Wert, seine Aktivität, seine konkrete Lebendigkeit als ästhetisches Phänomen dieses besonderen Stils. So unterstreicht zum Beispiel das Vorhandensein vieler romanischer Elemente in den Denkmälern der gotischen Architektur nur den Ausdruck der gotischen Originalität dieser Denkmäler.

Ich werde versuchen, zum Abschluss des Gesprächs über Stil zu geben kurze Beschreibung einer der "großen" Stile, der gleichzeitig die Unzulänglichkeit einer solchen verbalen Beschreibung zeigt. Nehmen wir zum Beispiel gotisch- einer der größten internationalen Stile der entwickelten europäischen Kunst (kurze Merkmale der Stilmerkmale Klassizismus Und Barock finden sich oben (Abschnitt Eins. Ch. I. § 1), wo sie als Beschreibungen der Merkmale des künstlerischen und ästhetischen Bewusstseins der entsprechenden Kunstrichtungen erscheinen).

Gothic (der Begriff stammt von „Goths“ - eine verallgemeinerte Benennung europäischer Stämme durch die Römer, die das Römische Reich im 3.-5 mittelalterliche Kunst in einem spöttisch herabwürdigenden Sinne), die im 13.-15. Jahrhundert in der westeuropäischen Kunst dominierte, entstand als die höchste, ultimative und angemessenste stilistische Form des künstlerischen Ausdrucks des Geistes selbst Christliche Kultur in seiner westlichen Modifikation (im Osten - im orthodoxen Gebiet - war ein ähnlicher Ausdruck der byzantinische Stil, der in Byzanz und den Ländern seines spirituellen Einflusses blühte - besonders aktiv unter den südslawischen Völkern und in der alten Rus). Es wurde hauptsächlich in der Architektur gebildet und breitete sich auf andere Arten von Kunst aus, hauptsächlich im Zusammenhang mit der christlichen Anbetung und dem Lebensstil der mittelalterlichen christlichen Stadtbewohner.

Die tiefe Bedeutung dieses Stils liegt im konsequenten künstlerischen Ausdruck des Wesens der christlichen Weltanschauung, die darin besteht, die Priorität des spirituellen Prinzips im Menschen und im Universum gegenüber dem Materiellen zu bekräftigen, mit innerem tiefen Respekt vor der Materie als Träger der Materie spirituell, ohne und außerhalb dessen es auf der Erde nicht existieren kann. Gothic hat in dieser Hinsicht vielleicht das Bestmögliche in der christlichen Kultur erreicht. Die Überwindung von Materie, Materie, Materialität durch Geist, Spiritualität wurde hier mit erstaunlicher Kraft, Ausdruck und Konsequenz verwirklicht. Dies war besonders schwierig in der Steinarchitektur umzusetzen, und hier erreichten die Meister der Gotik den Höhepunkt der Perfektion. Weg mühevolle Arbeit Viele Generationen von Baumeistern, geleitet von einer Art einheitlichem kathedralkünstlerischen Geist ihrer Zeit, suchten konsequent nach Wegen, die schweren Steinstrukturen der Tempelgewölbe im Übergangsprozess vom Kreuzgewölbe zum Rippengewölbe vollständig zu entmaterialisieren, in dem die Ausdruck konstruktiver Tektonik wurde vollständig durch künstlerische Plastizität ersetzt.

Infolgedessen bleiben die Schwere des Materials (Stein) und die Konstruktionstechniken, die darauf abzielen, seine physikalischen Eigenschaften zu überwinden, denjenigen, die den Tempel betreten, vollständig verborgen. Der gotische Tempel verwandelt sich mit rein künstlerischen Mitteln (durch die Gestaltung des Innenraums und der äußeren plastischen Erscheinung) in ein besonderes skulpturales und architektonisches Phänomen der wesentlichen Transformation (Transformation) des irdischen Raum-Zeit-Kontinuums in einen völlig anderen Raum - erhabener , extrem vergeistigt, irrational-mystisch in seiner inneren Ausrichtung . Letztlich arbeiten dafür alle wesentlichen künstlerischen und ausdrucksstarken (und das sind auch konstruktive und kompositorische) Techniken und Elemente, die zusammen den gotischen Stil schaffen.

Dazu gehören dünne, anmutige, komplex profilierte Säulen (im Gegensatz zu massiven romanischen Säulen), die zu einer fast unzugänglichen Höhe zu den schwerelosen Lanzettgewölben aufsteigen und die Vorherrschaft der Vertikalen über die Horizontale, Dynamik (Aufstieg, Aufrichtung) über Statik, Ausdruck über Ruhe behaupten. In die gleiche Richtung wirken unzählige Lanzettbögen und Gewölbe, auf deren Grundlage eigentlich der Innenraum des Tempels gebildet wird; riesige Lanzettfenster, die mit farbigen Buntglasfenstern gefüllt sind und im Tempel eine unbeschreibliche, ständig vibrierende und wechselnde, surreale Atmosphäre der Lichtfarbe schaffen; langgestreckte Kirchenschiffe, die den Geist des Betrachters auf einem schmalen, optisch aufsteigenden und weitreichenden Weg zum Altar führen (geistlich tragen sie auch zum Aufstieg, zur Aufrichtung nach oben, in einen anderen Raum bei); geschnitzte mehrblättrige Lanzetten-Schließaltäre mit gotischen Bildern der zentralen Ereignisse und Charaktere des Evangeliums und durchbrochene Lanzetten-Altarstrukturen - Retabel (französisches Retabel - hinter dem Tisch). In der gleichen lanzettförmigen Form werden die Sitze im Altar und im Tempel, Service- und Gebrauchsgegenstände sowie Tempelutensilien hergestellt.

Gotische Tempel sind außen und innen mit einer großen Menge dreidimensionaler Skulptur gefüllt, die wie die gotische Malerei in einer dem Naturalismus nahestehenden Weise hergestellt wurde, was im Mittelalter auch durch die realistische Farbgebung von Skulpturen betont wurde. So entstand ein gewisser räumlich-räumlicher Gegensatz zwischen der extrem irrationalen Architektur, die nach mystischen Distanzen strebt, und der irdischen Plastizität und Malerei, die organisch konstruktiv in sie einfließen, ihr aber im Geiste entgegenstehen. Auf künstlerischer Ebene (und das ist ein charakteristisches Merkmal des gotischen Stils) kam die wesentliche Antinomie des Christentums zum Ausdruck: die Einheit entgegengesetzter Prinzipien im Menschen und in der irdischen Welt: Geist, Seele, Geist und Materie, Körper, Körper.

Gleichzeitig kann man nicht im wörtlichen Sinne vom Naturalismus der gotischen Skulptur und Malerei sprechen. Dies ist ein besonderer, künstlerisch inspirierter Naturalismus, der mit subtiler künstlerischer Materie gefüllt ist und den Geist des Wahrnehmenden in die spirituelle und ästhetische Welt erhebt. Neben dem eigentümlichen Naturalismus der Mimik und Gestik scheinbar statuenhafter Reihen gotischer Statuen fällt der Reichtum und die künstlerische Plastizität der Falten ihrer Kleidung auf, die einigen physikalisch unbedingten Kräften unterworfen sind; oder die exquisite Krümmungslinie der Körper vieler gotischer Standfiguren - die sogenannte gotische Kurve (S-förmige Krümmung der Figur). Die gotische Malerei unterliegt einigen eigenartigen Gesetzen des besonderen Farbausdrucks. Viele fast naturalistisch (oder illusorisch-fotografisch) ausgeschriebene Gesichter, Figuren, Kleider in Altarbildern verblüffen mit ihrer überwirklichen überirdischen Kraft. Ein herausragendes Beispiel hierfür ist die Kunst des niederländischen Künstlers Rogier van der Weyden und einiger seiner Schüler.

Die gleichen stilistischen Merkmale sind charakteristisch für Aussehen Gotische Tempel: skulptural, Streben des gesamten Erscheinungsbildes nach oben durch die lanzettförmigen Bögen, Gewölbe, all die kleinen architektonischen Elemente und schließlich die riesigen Pfeile, die die durchbrochenen Tempel krönen, wie aus Steinspitzen gewebt, Türme für rein dekorative Zwecke und architektonische Zwecke; geometrisch akkurate Fensterrosetten und dekorative, unzählige ornamentale Verzierungen, die innerhalb eines einzigen architektonischen Gesamtorganismus kontrastieren mit der halbnaturalistischen Plastizität von Skulpturen und häufigen floralen Ornamenten aus Zweigen mit Blättern. Die organische Natur und eine mathematisch verifizierte und geometrisch vorgeschriebene Form bilden in der Gotik ein integrales hochkünstlerisches und hochspirituelles Bild, das den Geist eines Gläubigen oder eines ästhetischen Subjekts auf andere Realitäten, auf andere Ebenen des Bewusstseins (oder Seins) ausrichtet, anstrebt und erhebt. Rechnet man dazu noch die Klangatmosphäre (die Akustik in gotischen Kirchen ist ausgezeichnet) von Orgel und Kirchenchor, die beispielsweise gregorianische Gesänge aufführen, so ergibt sich doch ein mehr oder weniger vollständiges Bild einiger wesentlicher Merkmale der Gotik bei weitem nicht ausreichend.