Impressionismus als Kunstrichtung. Geschichte

Impressionismus(Impressionismus, französische Impression – Impression) ist eine Richtung der Malerei, die in den 1860er Jahren in Frankreich entstand. und bestimmte maßgeblich die Entwicklung der Kunst im 19. Jahrhundert. Die zentralen Figuren dieses Trends waren Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir und Sisley, und der Beitrag jedes einzelnen von ihnen zu seiner Entwicklung ist einzigartig. Die Impressionisten widersetzten sich den Konventionen des Klassizismus, der Romantik und des Akademismus, behaupteten die Schönheit der alltäglichen Realität, einfache, demokratische Motive, erreichten eine lebendige Authentizität des Bildes und versuchten, den „Eindruck“ dessen einzufangen, was das Auge in einem bestimmten Moment sieht.

Das typischste Thema der Impressionisten ist die Landschaft, aber sie berührten in ihrem Werk auch viele andere Themen. Degas beispielsweise stellte Rennen, Ballerinas und Wäscherinnen dar, während Renoir bezaubernde Frauen und Kinder darstellte. In impressionistischen Landschaften, die im Freien entstehen, wird ein einfaches, alltägliches Motiv oft durch ein alles durchdringendes, bewegtes Licht verwandelt, was dem Bild ein Gefühl von Festlichkeit verleiht. In einigen Methoden der impressionistischen Kompositions- und Raumkonstruktion ist der Einfluss der japanischen Gravur und teilweise der Fotografie spürbar. Die Impressionisten waren die ersten, die ein facettenreiches Bild des Alltagslebens einer modernen Stadt schufen und dabei die Originalität ihrer Landschaft und das Erscheinungsbild der dort lebenden Menschen, ihre Lebens-, Arbeits- und Unterhaltungsart einfingen.

Die Impressionisten versuchten in ihrer Arbeit nicht, akute soziale, philosophische oder schockierende Probleme anzusprechen, sondern konzentrierten sich nur auf verschiedene Möglichkeiten, den Eindruck des sie umgebenden Alltagslebens auszudrücken. In dem Bemühen, „den Moment zu sehen“ und die Stimmung widerzuspiegeln.

Name " Impressionismus„ entstand nach der Ausstellung 1874 in Paris, die Monets Gemälde „Impression“ zeigte. „Die aufgehende Sonne“ (1872; das Gemälde wurde 1985 aus dem Marmottan-Museum in Paris gestohlen und steht heute auf der Interpol-Liste).

Zwischen 1876 und 1886 fanden mehr als sieben impressionistische Ausstellungen statt; Am Ende des letzteren folgte nur Monet weiterhin strikt den Idealen des Impressionismus. Als „Impressionisten“ werden auch Künstler außerhalb Frankreichs bezeichnet, die unter dem Einfluss des französischen Impressionismus malten (zum Beispiel der Engländer F. W. Steer).

Impressionistische Künstler

Berühmte impressionistische Gemälde:

Edgar Degas

Claude Monet

Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts. Französische Kunst spielt immer noch Hauptrolle im künstlerischen Leben westeuropäischer Länder. Zu dieser Zeit traten viele neue Strömungen in der Malerei auf, deren Vertreter nach eigenen Wegen und Formen des schöpferischen Ausdrucks suchten.

Das auffälligste und bedeutendste Phänomen der französischen Kunst dieser Zeit war der Impressionismus.

Die Impressionisten erklärten sich am 15. April 1874 auf der Pariser Ausstellung unter offener Himmel am Boulevard des Capucines. Hier stellten 30 junge Künstler, deren Arbeiten vom Salon abgelehnt wurden, ihre Gemälde aus. Den zentralen Platz in der Ausstellung nahm das Gemälde von Claude Monet „Impression. Sonnenaufgang". Diese Komposition ist interessant, weil der Künstler zum ersten Mal in der Geschichte der Malerei versuchte, seinen Eindruck auf der Leinwand und nicht auf dem Objekt der Realität zu vermitteln.

Die Ausstellung wurde vom Vertreter der Sharivari-Ausgabe, dem Reporter Louis Leroy, besucht. Er war es, der Monet und seine Mitarbeiter erstmals als „Impressionisten“ (vom französischen Impression – Impression) bezeichnete und damit seine negative Einschätzung ihrer Malerei zum Ausdruck brachte. Bald verlor dieser ironische Name seine ursprüngliche negative Bedeutung und ging für immer in die Kunstgeschichte ein.

Die Ausstellung auf dem Boulevard des Capucines wurde zu einer Art Manifest, das die Entstehung einer neuen Richtung in der Malerei verkündete. An der Veranstaltung nahmen O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, C. Pissarro, P. Cezanne, B. Morisot, A. Guillaumin sowie Meister der älteren Generation teil – E. Boudin, C. Daubigny, I . Jonkind.

Das Wichtigste für die Impressionisten war es, den Eindruck dessen, was sie sahen, zu vermitteln und einen kurzen Moment des Lebens auf der Leinwand festzuhalten. In dieser Hinsicht ähnelten die Impressionisten Fotografen. Die Handlung war ihnen eigentlich egal. Die Künstler nahmen die Themen ihrer Bilder aus dem sie umgebenden Alltag auf. Sie malten ruhige Straßen, Abendcafés, ländliche Landschaften, Stadtgebäude und Handwerker bei der Arbeit. Eine wichtige Rolle in ihren Gemälden spielte das Spiel von Licht und Schatten, Sonnenstrahlen, die über Objekte springen und ihnen ein etwas ungewöhnliches und überraschend lebendiges Aussehen verleihen. Um Objekte im natürlichen Licht zu sehen und die Veränderungen in der Natur zu verschiedenen Tageszeiten zu vermitteln, verließen die impressionistischen Künstler ihre Werkstätten und gingen ins Freie (plein air).

Die Impressionisten nutzten eine neue Maltechnik: Sie mischten Farben nicht auf einer Staffelei, sondern trugen sie sofort in einzelnen Strichen auf die Leinwand auf. Diese Technik ermöglichte es, ein Gefühl von Dynamik, leichten Schwankungen in der Luft, der Bewegung von Blättern an Bäumen und Wasser im Fluss zu vermitteln.

Normalerweise hatten die Gemälde von Vertretern dieser Richtung keine klare Komposition. Der Künstler übertrug einen Moment aus dem Leben auf die Leinwand, sodass sein Werk einem zufällig aufgenommenen Fotorahmen ähnelte. Die Impressionisten hielten sich nicht an die klaren Grenzen des Genres, beispielsweise wirkte das Porträt oft wie eine häusliche Szene.

Von 1874 bis 1886 organisierten die Impressionisten acht Ausstellungen, danach löste sich die Gruppe auf. Was die Öffentlichkeit betrifft, so nahm sie, wie die meisten Kritiker, die neue Kunst mit Feindseligkeit wahr (zum Beispiel wurde das Gemälde von C. Monet „Kleckerei“ genannt), so dass viele Künstler, die diesen Trend repräsentierten, in extremer Armut lebten, manchmal ohne die Mittel, etwas zu Ende zu bringen Sie begannen mit dem Bild. Und erst am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts. Die Situation hat sich radikal verändert.

In ihrer Arbeit nutzten die Impressionisten die Erfahrungen ihrer Vorgänger: romantische Künstler (E. Delacroix, T. Gericault), Realisten (C. Corot, G. Courbet). Die Landschaften von J. Constable hatten großen Einfluss auf sie.

E. Manet spielte eine bedeutende Rolle bei der Entstehung eines neuen Trends.

Edouard Manet

Edouard Manet, geboren 1832 in Paris, ist eine der bedeutendsten Figuren in der Geschichte der Weltmalerei, die den Grundstein für den Impressionismus legte.

Die Entstehung seiner künstlerischen Weltanschauung wurde maßgeblich durch die Niederlage der französischen bürgerlichen Revolution von 1848 beeinflusst. Dieses Ereignis begeisterte den jungen Pariser so sehr, dass er sich dazu entschloss verzweifelter Schachzug und lief von zu Hause weg und meldete sich als Seemann auf einem Seesegelschiff an. In Zukunft reiste er jedoch nicht mehr viel und gab all sein spirituelles und spirituelles Leben physikalische Kräfte arbeiten.

Manets Eltern, gebildete und wohlhabende Menschen, träumten von einer Verwaltungslaufbahn für ihren Sohn, doch ihre Hoffnungen sollten nicht in Erfüllung gehen. Malerei – das interessierte den jungen Mann, und 1850 trat er in die Schule ein Bildende Kunst, in die Werkstatt von Couture, wo er eine gute Berufsausbildung erhielt. Hier verspürte der aufstrebende Künstler Abscheu vor den akademischen und Salon-Stempeln in der Kunst, die nicht vollständig widerspiegeln können, was nur einem echten Meister mit seinem individuellen Schreibstil vorbehalten ist.

Nachdem Manet einige Zeit in der Couture-Werkstatt studiert und Erfahrungen gesammelt hatte, verlässt er sie 1856 und wendet sich den im Louvre ausgestellten Gemälden seiner großen Vorgänger zu, kopiert und studiert sie sorgfältig. Die Werke von Meistern wie Tizian, D. Velazquez, F. Goya und E. Delacroix hatten großen Einfluss auf seine kreativen Ansichten; der junge Künstler verneigte sich vor diesem. Im Jahr 1857 besuchte Manet den großen Maestro und bat um Erlaubnis, mehrere Kopien seiner „Dantes Barke“ anzufertigen, die bis heute im Metropolitan Museum of Art in Lyon erhalten sind.

zweite Hälfte der 1860er Jahre. Der Künstler widmete sich dem Studium von Museen in Spanien, England, Italien und Holland, wo er Gemälde von Rembrandt, Tizian und anderen kopierte. Im Jahr 1861 erhielten seine Werke „Portrait of Parents“ und „Guitarist“ kritische Anerkennung und wurden ausgezeichnet eine „Ehrenvolle Erwähnung“.

Das Studium der Werke alter Meister (hauptsächlich Venezianer, Spanier des 17. Jahrhunderts und später F. Goya) und deren Umdenken führt zu der Tatsache, dass in den 1860er Jahren. Es gibt einen Widerspruch in Manets Kunst, der sich in der Auferlegung eines Museumsabdrucks auf einige seiner frühen Gemälde manifestiert, darunter: „Der spanische Sänger“ (1860), teilweise „Der Junge mit dem Hund“ (1860) und „Der alte Musiker“ (1862).

Was die Helden betrifft, so findet der Künstler sie, wie die Realisten der Mitte des 19. Jahrhunderts, in der brodelnden Pariser Menge, unter denen, die im Tuileriengarten spazieren gehen, und unter den regelmäßigen Cafébesuchern. Im Grunde ist dies eine helle und farbenfrohe Welt der Bohème – Dichter, Schauspieler, Künstler, Models, Teilnehmer des spanischen Stierkampfs: „Musik in den Tuilerien“ (1860), „Straßensängerin“ (1862), „Lola aus Valencia“ ( 1862), „Frühstück im Gras“ (1863), „Flötist“ (1866), „Porträt von E. Zsl“ (1868).

Unter den frühen Gemälden nimmt das „Porträt der Eltern“ (1861) einen besonderen Platz ein, eine sehr genaue realistische Skizze Aussehen und das Temperament eines älteren Paares. Die ästhetische Bedeutung des Bildes liegt nicht nur in der detaillierten Durchdringung der geistigen Welt der Figuren, sondern auch darin, wie genau die Kombination aus Beobachtung und Reichtum der Bildentwicklung vermittelt wird, was auf die Kenntnis der künstlerischen Traditionen von E. Delacroix hinweist.

Ein weiteres Gemälde, das das Programmwerk des Malers darstellt und, das muss gesagt werden, sehr typisch für sein Frühwerk ist, ist „Frühstück im Gras“ (1863). In diesem Bild hat Manet eine bestimmte Handlungskomposition übernommen, die völlig bedeutungslos ist.

Das Bild kann durchaus als Bild des Frühstücks zweier Künstler im Schoß der Natur betrachtet werden, umgeben von weiblichen Models (tatsächlich posierten der Bruder des Künstlers, Eugene Manet, F. Lenkof, und ein weibliches Model, Quiz Meran, für die Bild, auf dessen Dienste Manet häufig zurückgegriffen hat). Einer von ihnen betrat den Bach, der andere sitzt nackt in Gesellschaft zweier kunstvoll gekleideter Männer. Wie Sie wissen, besteht das Motiv darin, einen gekleideten Mann mit einem nackten Mann zu vergleichen Weiblicher Körper traditionell und geht auf Giorgiones Gemälde „Country Concert“ zurück, das sich im Louvre befindet.

Die kompositorische Anordnung der Figuren ist teilweise dem berühmten Renaissance-Stich von Marcantonio Raimondi nach einem Gemälde Raffaels nachempfunden. Diese Leinwand behauptet gewissermaßen polemisch zwei miteinander verbundene Positionen. Einer davon ist die Notwendigkeit, die Klischees der Salonkunst zu überwinden, die ihren wahren Bezug zum Großen verloren hat künstlerische Tradition, ein direkter Appell an den Realismus der Renaissance und des 17. Jahrhunderts, also an die wahren Ursprünge der realistischen Kunst der Neuzeit. Eine weitere Bestimmung bestätigt das Recht und die Pflicht des Künstlers, die ihn umgebenden Figuren des Alltags darzustellen. Zu dieser Zeit war diese Kombination mit einem gewissen Widerspruch verbunden. Die meisten glaubten, dass eine neue Stufe in der Entwicklung des Realismus nicht dadurch erreicht werden könne, dass alte Kompositionsschemata mit neuen Typen und Charakteren gefüllt würden. Doch Edouard Manet gelang es in seiner frühen Schaffensperiode, die Dualität der Prinzipien der Malerei zu überwinden.

Doch trotz des traditionellen Charakters der Handlung und Komposition sowie der Anwesenheit von Gemälden von Salonmeistern, die nackte mythische Schönheiten in offenen verführerischen Posen darstellen, löste Manets Gemälde einen großen Skandal unter den modernen Bürgern aus. Das Publikum war schockiert über die Gegenüberstellung eines nackten Frauenkörpers mit der prosaisch alltäglichen, modernen Männerkleidung.

Was die Bildnormen betrifft, so wurde „Luncheon on the Grass“ in einem für die 1860er Jahre typischen Kompromiss geschrieben. gekennzeichnet durch eine Tendenz zu dunklen Farben, schwarzen Schatten sowie einem nicht immer konsequenten Appell an Freilichtbeleuchtung und offene Farben. Wenn wir uns einer in Aquarell angefertigten Vorskizze zuwenden, dann fällt auf dieser (mehr als auf dem Bild selbst) auf, wie groß das Interesse des Meisters an neuen Bildproblemen ist.

Das Gemälde „Olympia“ (1863), in dem der Umriss einer liegenden nackten Frau dargestellt ist, scheint sich auf allgemein anerkannte Kompositionstraditionen zu beziehen – ein ähnliches Bild findet sich bei Giorgione, Tizian, Rembrandt und D. Velazquez. In seiner Schöpfung geht Manet jedoch einen anderen Weg, indem er F. Goya („Naked Maha“) folgt und die mythologische Motivation der Handlung, die von den Venezianern eingeführte und teilweise von D. Velasquez („Venus“) erhaltene Interpretation des Bildes ablehnt mit einem Spiegel“).

„Olympia“ ist keineswegs ein poetisch neu gedachtes Bild weibliche Schönheit, aber ein ausdrucksstarkes, meisterhaft ausgeführtes Porträt, das präzise und, man könnte sogar sagen, etwas kühl die Ähnlichkeit mit Quiz Meran, Manets ständigem Vorbild, zum Ausdruck bringt. Der Maler zeigt zuverlässig die natürliche Blässe des Körpers moderne Frau Angst vor der Sonne. Während die alten Meister die poetische Schönheit des nackten Körpers, die Musikalität und Harmonie seiner Rhythmen betonten, konzentriert sich Manet auf die Vermittlung der Motive der Besonderheit des Lebens und weicht dabei völlig von der poetischen Idealisierung ab, die seinen Vorgängern innewohnte. So erhält zum Beispiel die Geste Georgs' Venus mit der linken Hand in Olympia in ihrer Gleichgültigkeit eine geradezu vulgäre Konnotation. Äußerst charakteristisch ist der gleichgültige, aber zugleich aufmerksam fixierende Blick des Betrachters auf das Modell, im Gegensatz zur Selbstversunkenheit der Venus Giorgione und der sensiblen Verträumtheit der Venus von Urbino bei Tizian.

In diesem Bild gibt es Anzeichen für einen Übergang zur nächsten Stufe in der Entwicklung der kreativen Art des Malers. Es findet ein Umdenken des üblichen Kompositionsschemas statt, das in prosaischer Beobachtung und bildhafter und künstlerischer Vision der Welt besteht. Das Nebeneinander augenblicklich erfasster scharfer Kontraste trägt zur Zerstörung der ausgewogenen kompositorischen Harmonie der alten Meister bei. So prallen die Statik eines posierenden Models und die Dynamik in den Bildern einer schwarzen Frau und einer sich beugenden schwarzen Katze aufeinander. Die Veränderungen wirken sich auch auf die Maltechnik aus, was ein neues Verständnis für die figurativen Aufgaben der künstlerischen Sprache ermöglicht. Edouard Manet verlässt wie viele andere Impressionisten, insbesondere Claude Monet und Camille Pissarro, das veraltete System der Malerei, das sich im 17. Jahrhundert entwickelte. (Untermalung, Schrift, Glasur). Von diesem Zeitpunkt an wurden Leinwände mit einer Technik namens „a la prima“ bemalt, die sich durch größere Unmittelbarkeit, Emotionalität und Nähe zu Etüden und Skizzen auszeichnete.

Die Übergangszeit von der frühen zur reifen Kreativität, die für Manet fast die gesamte zweite Hälfte der 1860er Jahre einnimmt, wird durch Gemälde wie Flötist (1866), Balcony (ca. 1868-1869) und andere repräsentiert.

Auf der ersten Leinwand ist vor einem neutralen olivgrauen Hintergrund ein Musikerjunge abgebildet, der eine Flöte an die Lippen führt. Die Ausdruckskraft einer kaum wahrnehmbaren Bewegung, das rhythmische Echo der schillernden Goldknöpfe auf der blauen Uniform mit dem leichten und schnellen Gleiten der Finger entlang der Flötenlöcher zeugen von der angeborenen Kunstfertigkeit und subtilen Beobachtungsgabe des Meisters. Trotz der Tatsache, dass der Malstil hier recht dicht ist, die Farbe gewichtig ist und sich der Künstler noch nicht der freien Natur zugewandt hat, diese Leinwand Stärker als alle anderen nimmt es die Reifezeit von Manets Werk vorweg. Was den Balkon betrifft, so ähnelt er eher dem Olympia als den Werken der 1870er Jahre.

In den Jahren 1870-1880. Manet wird zum führenden Maler seiner Zeit. Und obwohl die Impressionisten ihn als ihren ideologischen Führer und Inspirator betrachteten und er selbst ihnen in der Interpretation der grundlegenden Ansichten zur Kunst stets zustimmte, ist sein Werk viel umfassender und passt nicht in den Rahmen einer bestimmten Richtung. Der sogenannte Impressionismus von Manet steht tatsächlich der Kunst japanischer Meister näher. Er vereinfacht die Motive, balanciert das Dekorative mit dem Realen und schafft eine verallgemeinerte Vorstellung von dem, was er sah: einen reinen Eindruck, ohne störende Details, ein Ausdruck der Freude an der Empfindung („On the Seashore“, 1873).

Darüber hinaus ist er bestrebt, als dominierendes Genre ein kompositorisch vollständiges Bild zu bewahren, in dem das Bild einer Person im Vordergrund steht. Manets Kunst ist die letzte Etappe in der Entwicklung einer jahrhundertealten Tradition realistischer Erzählmalerei, die ihren Ursprung in der Renaissance hat.

In den späteren Werken Manets besteht die Tendenz, von einer detaillierten Interpretation der Details der Umgebung des dargestellten Helden abzuweichen. So konzentriert sich der Künstler in dem von nervöser Dynamik erfüllten Porträt von Mallarmé auf die Geste des Dichters, als ob er zufällig geguckt hätte, der verträumt seine Hand mit einer rauchenden Zigarre auf den Tisch legte. Bei aller Skizzenhaftigkeit wird das Wesentliche im Charakter und in der mentalen Verfassung von Mallarmé überraschend genau und mit großer Überzeugungskraft eingefangen. Die für die Porträts von J. L. David und J. O. D. Ingres charakteristische tiefgreifende Charakterisierung der inneren Welt des Einzelnen wird hier durch eine schärfere und direktere Charakterisierung ersetzt. Dies ist das sanft poetische Porträt von Berthe Morisot mit Fächer (1872) und das anmutige Pastellbild von George Moore (1879).

Das Werk des Malers umfasst Werke zu historischen Themen und Großereignissen. öffentliches Leben. Es ist jedoch anzumerken, dass diese Leinwände weniger erfolgreich sind, da Probleme dieser Art seinem künstlerischen Talent, dem Kreis der Ideen und Vorstellungen vom Leben fremd waren.

So führte beispielsweise ein Appell an die Ereignisse des Bürgerkriegs zwischen dem Norden und dem Süden in den Vereinigten Staaten zu dem Bild des Untergangs des Korsarenschiffs der Südstaatler durch die Nordstaatler („Schlacht am Kirsezh“ mit dem „ Alabama“, 1864), und die Episode kann eher der Landschaft zugeschrieben werden, in der die Militärschiffe als Personal dienen. Die Hinrichtung Maximilians (1867) hat im Wesentlichen den Charakter einer Genreskizze, der nicht nur das Interesse am Konflikt der kämpfenden Mexikaner, sondern auch die eigentliche Dramatik des Ereignisses fehlt.

Das Thema der modernen Geschichte wurde von Manet während der Zeit der Pariser Kommune angesprochen (Die Hinrichtung der Kommunarden, 1871). Die sympathische Haltung gegenüber den Kommunarden macht dem Autor des Bildes Ehre, der sich bisher nie für solche Ereignisse interessiert hat. Dennoch ist sein künstlerischer Wert geringer als bei anderen Leinwänden, da hier tatsächlich das Kompositionsschema von „Die Hinrichtung Maximilians“ wiederholt wird und sich der Autor auf nur eine Skizze beschränkt, die die Bedeutung der grausamen Kollision überhaupt nicht widerspiegelt aus zwei gegensätzlichen Welten.

In der Folgezeit wandte sich Manet nicht mehr einem ihm fremden historischen Genre zu, sondern offenbarte lieber den künstlerischen und ausdrucksstarken Anfang in Episoden und verortete sie im Fluss des Alltagslebens. Gleichzeitig wählte er besonders charakteristische Momente sorgfältig aus, suchte nach dem ausdrucksstärksten Standpunkt und reproduzierte sie dann mit großer Geschicklichkeit in seinen Gemälden.

Der Charme der meisten Werke dieser Zeit beruht weniger auf der Bedeutung des dargestellten Ereignisses als vielmehr auf der Dynamik und der witzigen Beobachtung des Autors.

Ein bemerkenswertes Beispiel für eine Gruppenkomposition unter freiem Himmel ist das Gemälde „In einem Boot“ (1874), in dem die Umrisse des Hecks eines Segelboots, die zurückhaltende Energie der Bewegungen des Steuermanns und die verträumte Anmut einer sitzenden Dame kombiniert werden , die Transparenz der Luft, das Gefühl der Frische der Brise und die gleitende Bewegung des Bootes erzeugen ein unbeschreibliches Bild voller leichter Freude und Frische. .

Eine besondere Nische im Werk Manets sind Stillleben, die für verschiedene Schaffensperioden charakteristisch sind. So zeigt das frühe Stillleben „Pfingstrosen“ (1864-1865) blühende rote und weiß-rosa Knospen sowie bereits erblühte und zu verblassende Blumen, deren Blütenblätter auf eine den Tisch deckende Tischdecke fallen. Spätere Werke zeichnen sich durch ihre mühelose Skizzenhaftigkeit aus. In ihnen versucht der Maler das Strahlen von Blumen zu vermitteln, eingehüllt in eine lichtdurchflutete Atmosphäre. Dies ist das Gemälde „Rosen im Kristallglas“ (1882-1883).

Am Ende seines Lebens war Manet offenbar mit dem Erreichten unzufrieden und versuchte, auf einem anderen Könnensniveau wieder große, fertige Handlungskompositionen zu schreiben. Zu dieser Zeit beginnt er mit der Arbeit an einem der bedeutendsten Gemälde – „Die Bar in den Folies Bergère“ (1881-1882), in dem er sich einer neuen Ebene näherte, einer neuen Etappe in der Entwicklung seiner Kunst, unterbrochen von Tod (bekanntlich war Manet während der Arbeit schwer erkrankt). Im Zentrum der Komposition steht die dem Betrachter zugewandte Figur einer jungen Verkäuferin. Eine leicht müde, attraktive Blondine, gekleidet in ein dunkles Kleid mit tiefem Glanz, steht vor dem Hintergrund eines riesigen Spiegels, der die gesamte Wand einnimmt und den Schein des flackernden Lichts und die vagen, verschwommenen Umrisse des darin sitzenden Publikums widerspiegelt Tische des Cafés. Die Frau ist dem Saal zugewandt, in dem sich gleichsam der Betrachter selbst befindet. Diese eigentümliche Technik verleiht dem traditionellen Bild auf den ersten Blick eine gewisse Unsicherheit und lässt auf ein Nebeneinander der realen und der reflektierten Welt schließen. Gleichzeitig stellt sich heraus, dass die Mittelachse des Bildes in die rechte Ecke verschoben ist, was für die 1870er Jahre typisch ist. Beim Empfang verdeckt der Bildrahmen leicht die Gestalt eines Mannes mit Zylinder, der sich im Spiegel spiegelt und mit einer jungen Verkäuferin spricht.

So wird in dieser Arbeit das klassische Prinzip der Symmetrie und Stabilität mit einer dynamischen Seitenverschiebung sowie mit der Fragmentierung kombiniert, wenn einem einzelnen Lebensstrom ein bestimmter Moment (Fragment) entrissen wird.

Es wäre falsch zu glauben, dass die Handlung von „The Bar at the Folies Bergère“ keinen wesentlichen Inhalt hat und eine Art Monumentalisierung des Unbedeutenden darstellt. Die Figur einer jungen, aber bereits innerlich müden und gleichgültigen Frau gegenüber der sie umgebenden Maskerade, deren wandernder Blick ins Nirgendwo gerichtet ist und die sich von der illusorischen Brillanz des Lebens hinter ihr entfremdet, verleiht dem Werk eine bedeutende semantische Nuance und beeindruckt den Betrachter seine Unerwartetheit.

Der Betrachter bewundert die einzigartige Frische zweier Rosen, die auf der Bar in einem Kristallglas mit funkelnden Rändern stehen; und dann unwillkürlich ein Vergleich dieser üppigen Blumen mit einer in der Enge der Halle halb verwelkten Rose, die am Ausschnitt des Kleides der Verkäuferin befestigt ist. Beim Betrachten des Bildes erkennt man den einzigartigen Kontrast zwischen der Frische ihrer halbgeöffneten Brust und dem gleichgültigen Blick, der durch die Menge wandert. Diese Arbeit gilt als Programm im Werk des Künstlers, denn es enthält Elemente aller seiner Lieblingsthemen und Genres: Porträt, Stillleben, verschiedene Lichteffekte, die Bewegung der Menschenmenge.

Im Allgemeinen wird das von Manet hinterlassene Erbe durch zwei Aspekte repräsentiert, die bei ihm besonders ausgeprägt sind späteste Arbeit. Erstens vervollständigt und erschöpft er mit seinem Werk die Entwicklung der klassischen realistischen Traditionen der französischen Kunst des 19. Jahrhunderts, und zweitens legt er in der Kunst die ersten Triebe jener Strömungen nieder, die von Suchenden nach neuem Realismus aufgegriffen und weiterentwickelt werden im 20. Jahrhundert.

Der Maler erhielt die volle und offizielle Anerkennung letzten Jahren Leben, nämlich im Jahr 1882, als ihm der Orden der Ehrenlegion (die wichtigste Auszeichnung Frankreichs) verliehen wurde. Manet starb 1883 in Paris.

Claude Monet

Claude Monet, französischer Künstler, einer der Begründer des Impressionismus, wurde 1840 in Paris geboren.

Als Sohn eines bescheidenen Lebensmittelhändlers, der von Paris nach Rouen zog, steht der junge Monet am Anfang seiner Karriere kreative Art und Weise zeichnete lustige Karikaturen und studierte dann bei dem Rouener Landschaftsmaler Eugene Boudin, einem der Schöpfer der realistischen Freilichtlandschaft. Boudin überzeugte den zukünftigen Maler nicht nur von der Notwendigkeit, unter freiem Himmel zu arbeiten, sondern schaffte es auch, ihm die Liebe zur Natur, die sorgfältige Beobachtung und die wahrheitsgetreue Weitergabe des Gesehenen zu vermitteln.

1859 reist Monet nach Paris mit dem Ziel, ein echter Künstler zu werden. Seine Eltern träumten davon, dass er die Schule der Schönen Künste besuchen würde, doch der junge Mann erfüllt ihre Hoffnungen nicht und stürzt sich kopfüber in das Boheme-Leben, erwirbt zahlreiche Bekanntschaften im künstlerischen Umfeld. Völlig der materiellen Unterstützung seiner Eltern beraubt und daher ohne Lebensunterhalt, musste Monet in die Armee eintreten. Doch auch nach seiner Rückkehr aus Algerien, wo er einen schweren Dienst ableisten musste, führt er weiterhin den gleichen Lebensstil. Wenig später lernte er I. Ionkind kennen, der ihn mit naturwissenschaftlichen Arbeiten faszinierte. Und dann besucht er das Atelier von Suisse, studiert einige Zeit im Atelier des damals berühmten Malers der akademischen Richtung - M. Gleyre, und kommt auch einer Gruppe junger Künstler nahe (J.F. Basil, C. Pissarro, E. Degas, P. Cezanne, O Renoir, A. Sisley und andere), die wie Monet selbst nach neuen Entwicklungswegen in der Kunst suchten.

Den größten Einfluss auf den unerfahrenen Maler hatte nicht die Schule von M. Gleyre, sondern die Freundschaft mit Gleichgesinnten, leidenschaftlichen Kritikern des Salonakademismus. Dank dieser Freundschaft, der gegenseitigen Unterstützung, der Möglichkeit, Erfahrungen auszutauschen und Errungenschaften zu teilen, entstand ein neues Bildsystem, das später den Namen „Impressionismus“ erhielt.

Grundlage der Reform war, dass die Arbeiten in der Natur, unter freiem Himmel, stattfanden. Gleichzeitig malten die Künstler im Freien nicht nur Skizzen, sondern das ganze Bild. Direkt im Kontakt mit der Natur kamen sie immer mehr zu der Überzeugung, dass sich die Farbe von Objekten ständig ändert, abhängig von der Veränderung der Beleuchtung, dem Zustand der Atmosphäre, der Nähe anderer Objekte, die Farbreflexionen erzeugen, und vielen anderen Faktoren. Es waren diese Veränderungen, die sie durch ihre Werke vermitteln wollten.

Im Jahr 1865 beschloss Monet, eine große Leinwand „im Geiste Manets, aber unter freiem Himmel“ zu malen. Es war Luncheon on the Grass (1866) – sein erstes Werk bedeutende Arbeit Es zeigt elegant gekleidete Pariser, die die Stadt verließen und im Schatten eines Baumes um eine auf dem Boden liegende Tischdecke saßen. Das Werk zeichnet sich durch den traditionellen Charakter seiner geschlossenen und ausgewogenen Komposition aus. Das Augenmerk des Künstlers liegt jedoch nicht so sehr auf der Möglichkeit, menschliche Charaktere zu zeigen oder eine ausdrucksstarke Handlungskomposition zu schaffen, sondern vielmehr darauf, menschliche Figuren in die umgebende Landschaft einzupassen und die Atmosphäre der Leichtigkeit und Entspannung zu vermitteln, die zwischen ihnen herrscht. Um diesen Effekt zu erzielen, legt der Künstler großen Wert auf die Übertragung des Sonnenlichts, das durch das Blattwerk bricht und auf die Tischdecke und das Kleid der in der Mitte sitzenden jungen Dame spielt. Monet fängt das Spiel der Farbreflexionen auf Tischdecken und die Durchsichtigkeit eines leichten Damenkleides präzise ein und vermittelt es. Mit diesen Entdeckungen beginnt der Bruch mit dem alten System der Malerei, das auf dunkle Schatten und eine dichte materielle Ausführungsweise setzt.

Seitdem ist Monets Herangehensweise an die Welt zur Landschaft geworden. Der menschliche Charakter, die Beziehungen der Menschen interessieren ihn weniger. Ereignisse 1870-1871 zwang Monet zur Auswanderung nach London, von wo aus er nach Holland reiste. Nach seiner Rückkehr malt er mehrere Gemälde, die zum Programm seines Schaffens geworden sind. Dazu gehört „Impression. Sonnenaufgang“ (1872), „Flieder in der Sonne“ (1873), „Boulevard des Capucines“ (1873), „Mohnfeld in Argenteuil“ (1873) usw.

Im Jahr 1874 wurden einige von ihnen auf der berühmten Ausstellung ausgestellt, die von der „Anonymen Gesellschaft der Maler, Künstler und Graveure“ unter der Leitung von Monet selbst organisiert wurde. Nach der Ausstellung wurden Monet und eine Gruppe seiner Gleichgesinnten als Impressionisten bezeichnet (vom französischen Impression – Impression). Zu diesem Zeitpunkt formten sich die künstlerischen Prinzipien von Monet, die für die erste Phase seines Schaffens charakteristisch waren, schließlich zu einem bestimmten System.

In der Freiluftlandschaft Flieder in der Sonne (1873), die zwei Frauen zeigt, die im Schatten großer blühender Fliederbüsche sitzen, werden ihre Figuren auf die gleiche Weise und mit der gleichen Intensität behandelt wie die Büsche selbst und das Gras, auf dem sie stehen Sie sitzen. Die Figuren der Menschen sind nur ein Teil der Gesamtlandschaft, während das Gefühl der sanften Wärme des Frühsommers, der Frische des jungen Laubs, des Dunstes eines sonnigen Tages mit außergewöhnlicher Lebendigkeit und direkter Überzeugungskraft vermittelt wird, die für diese Zeit nicht charakteristisch ist.

Ein weiteres Bild – „Boulevard des Capucines“ – spiegelt alle wesentlichen Widersprüche, Vor- und Nachteile der impressionistischen Methode wider. Hier wird sehr genau ein Moment aus dem Fluss des Lebens einer Großstadt vermittelt: ein Gefühl von dumpfem, monotonem Verkehrslärm, feuchte Transparenz der Luft, die Strahlen der Februarsonne, die über die kahlen Äste der Bäume gleiten, a Film aus grauen Wolken, die das Blau des Himmels bedecken ... Das Bild ist flüchtig, aber dennoch weniger wachsam und nimmt den Blick des Künstlers nicht wahr, und der Künstler ist sensibel und reagiert auf alle Phänomene des Lebens. Dass der Blick tatsächlich zufällig geworfen wird, wird durch die durchdachte Komposition unterstrichen
Empfang: Der Rahmen des Bildes rechts schneidet sozusagen die Figuren der auf dem Balkon stehenden Männer ab.

Die Leinwände dieser Zeit geben dem Betrachter das Gefühl, er selbst zu sein Schauspieler diese Feier des Lebens, erfüllt von Sonnenlicht und dem unaufhörlichen Trubel einer eleganten Menge.

Nachdem er sich in Argenteuil niedergelassen hat, schreibt Monet mit großem Interesse über die Seine, Brücken und leichte Segelboote, die auf der Wasseroberfläche gleiten ...

Die Landschaft fesselt ihn so sehr, dass er, einer unwiderstehlichen Anziehungskraft erliegend, sich ein kleines Boot baut, damit in seine Heimatstadt Rouen gelangt und dort, erstaunt über das Bild, das er sieht, seine Gefühle in Skizzen ausdrückt, die die Umgebung darstellen der Stadt und großes Meerwasser, das in die Flussmündung mündet. Schiffe ("Argenteuil", 1872; "Segelboot in Argenteuil", 1873-1874).

Das Jahr 1877 ist geprägt von der Entstehung einer Gemäldeserie mit Darstellungen des Bahnhofs Saint-Lazare. Sie haben Karten erstellt neue Bühne im Werk von Monet.

Seitdem sind Skizzen, die sich durch ihre Vollständigkeit auszeichneten, Werken gewichen, bei denen es vor allem um eine analytische Annäherung an das Dargestellte geht („Gare Saint-Lazare“, 1877). Mit der Veränderung des Malstils sind Veränderungen im Privatleben des Künstlers verbunden: Seine Frau Camilla erkrankt schwer, die Familie wird von Armut heimgesucht, die durch die Geburt eines zweiten Kindes verursacht wird.

Nach dem Tod seiner Frau übernahm Alice Goshede die Betreuung der Kinder, deren Familie im selben Haus in Vetheuil wie Monet mietete. Diese Frau wurde später seine zweite Frau. Nach einiger Zeit verbesserte sich Monets finanzielle Situation so sehr, dass er in Giverny ein eigenes Haus kaufen konnte, wo er die restliche Zeit arbeitete.

Der Maler erspürt auf subtile Weise neue Trends, was ihm ermöglicht, vieles mit erstaunlicher Einsicht vorauszusehen.
von dem, was Künstler des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts erreichen werden. Es verändert die Einstellung zu Farben und Plots
Gemälde. Jetzt konzentriert er sich auf die Ausdruckskraft des Farbschemas des Pinselstrichs, losgelöst von seiner thematischen Korrelation, und verstärkt so den dekorativen Effekt. Letztlich entstehen Tafelbilder. Einfache Grundstücke 1860-1870 weichen komplexen Motiven, die mit verschiedenen assoziativen Verbindungen gesättigt sind: epische Bilder Felsen, elegische Pappelreihen („Rocks in Belle-Ile“, 1866; „Poplars“, 1891).

Diese Zeit ist durch zahlreiche Serienwerke geprägt: Kompositionen von „Hacks“ („Heuhaufen im Schnee. Düsterer Tag“, 1891; „Hacks. Ende des Tages. Herbst“, 1891), Bilder der Kathedrale von Rouen („ Kathedrale von Rouen am Mittag“, 1894 usw.), Ansichten von London („Nebel in London“, 1903 usw.). Der Meister arbeitet immer noch in impressionistischer Manier und nutzt verschiedene Farbtöne seiner Palette. Ziel ist es, mit größter Genauigkeit und Zuverlässigkeit zu vermitteln, wie sich die Beleuchtung derselben Objekte bei unterschiedlichem Wetter im Laufe des Tages ändern kann.

Schaut man sich eine Gemäldeserie über die Kathedrale von Rouen genauer an, wird deutlich, dass die Kathedrale hier nicht deren Verkörperung ist komplexe Welt Gedanken, Gefühle und Ideale der Menschen im mittelalterlichen Frankreich und nicht einmal ein Denkmal der Kunst und Architektur, sondern eine Art Hintergrund, von dem aus der Autor den Lebenszustand mit Licht und Atmosphäre vermittelt. Der Betrachter spürt die Frische der Morgenbrise, die Mittagshitze, die sanften Schatten des bevorstehenden Abends, die die wahren Helden dieser Serie sind.

Darüber hinaus handelt es sich bei solchen Gemälden jedoch um ungewöhnliche dekorative Kompositionen, die dank unwillkürlich entstehender assoziativer Verbindungen dem Betrachter den Eindruck der Dynamik von Zeit und Raum vermitteln.

Nachdem er mit seiner Familie nach Giverny gezogen war, verbrachte Monet viel Zeit im Garten und erledigte seine Malarbeiten. Dieser Beruf beeinflusste die Ansichten des Künstlers so sehr, dass er begann, auf seinen Leinwänden anstelle der gewöhnlichen Welt, in der Menschen lebten, die geheimnisvolle dekorative Welt des Wassers und der Pflanzen darzustellen („Iris in Giverny“, 1923; „Trauerweiden“, 1923 ). Daher die Ansichten von Teichen mit darin schwimmenden Seerosen, die in der berühmtesten Serie seiner späteren Tafeln („Weiße Seerosen. Harmonie des Blaus“, 1918-1921) gezeigt werden.

Giverny wurde zum letzten Zufluchtsort des Künstlers, wo er 1926 starb.

Es ist anzumerken, dass sich die Schreibweise der Impressionisten stark von der Schreibweise der Akademiker unterschied. Impressionisten, insbesondere Monet und seine Gesinnungsgenossen, interessierten sich für die Ausdruckskraft der Farbgebung des Pinselstrichs losgelöst von seiner thematischen Korrelation. Das heißt, sie schrieben in einzelnen Strichen und verwendeten nur reine Farben, die nicht auf der Palette gemischt wurden, während sich der gewünschte Ton bereits in der Wahrnehmung des Betrachters gebildet hatte. Daher wurden für das Laub von Bäumen und Gräsern neben Grün auch Blau und Gelb verwendet, um aus der Ferne den richtigen Grünton zu erzielen. Diese Methode verlieh den Werken der impressionistischen Meister eine besondere Reinheit und Frische, die nur ihnen eigen war. Durch getrennt aufgetragene Striche entstand der Eindruck einer erhabenen und gleichsam vibrierenden Oberfläche.

Pierre Auguste Renoir

Pierre Auguste Renoir, französischer Maler, Grafiker und Bildhauer, einer der Anführer der Impressionistengruppe, wurde am 25. Februar 1841 in Limoges in der armen Familie eines Provinzschneiders geboren, der 1845 nach Paris zog. Das Talent des jungen Renoir wurde schon früh von seinen Eltern erkannt und 1854 schickten sie ihn in eine Werkstatt für Porzellanmalerei. Während seines Besuchs in der Werkstatt studierte Renoir gleichzeitig an der Schule für Zeichnen und angewandte Kunst, und 1862 trat der junge Künstler, nachdem er Geld gespart hatte (Geldverdienen durch das Malen von Wappen, Vorhängen und Fächern), in die Schule der Schönen Künste ein. Wenig später begann er, die Werkstatt von C. Gleyre zu besuchen, wo er enge Freunde mit A. Sisley, F. Basil und C. Monet schloss. Er besuchte oft den Louvre und studierte die Werke von Meistern wie A. Watteau, F. Boucher und O. Fragonard.

Die Kommunikation mit einer Gruppe von Impressionisten führt Renoir dazu, seinen eigenen Visionsstil zu entwickeln. So wandte er sich beispielsweise im Gegensatz zu ihnen während seines gesamten Schaffens dem Bild einer Person als Hauptmotiv seiner Gemälde zu. Darüber hinaus löste sich seine Arbeit, obwohl sie im Freien stattfand, nie auf
plastisches Gewicht der materiellen Welt im schimmernden Medium Licht.

Die Verwendung von Hell-Dunkel durch den Maler, die dem Bild eine fast skulpturale Form verleiht, lässt seine frühen Werke wie die Werke einiger realistischer Künstler, insbesondere G. Courbet, aussehen. Ein immer helleres Farbschema, das nur Renoir innewohnt, unterscheidet diesen Meister jedoch von seinen Vorgängern („Mother Anthony's Tavern“, 1866). Der Versuch, die natürliche Plastizität der Bewegung menschlicher Figuren im Freien zu vermitteln, ist in vielen Werken des Künstlers spürbar. In „Porträt von Alfred Sisley mit seiner Frau“ (1868) versucht Renoir das Gefühl darzustellen, das das Paar verbindet, das Arm in Arm geht: Sisley hielt einen Moment inne und beugte sich sanft zu seiner Frau. In diesem Bild, dessen Komposition an einen Fotorahmen erinnert, ist das Motiv der Bewegung noch zufällig und praktisch unbewusst. Allerdings wirken die Figuren im „Porträt von Alfred Sisley mit seiner Frau“ im Vergleich zur „Taverne“ entspannter und lebendiger. Ein weiterer wichtiger Punkt ist bedeutsam: Die Ehegatten werden in der Natur (im Garten) dargestellt, Renoir hat jedoch noch keine Erfahrung mit der Darstellung menschlicher Figuren im Freien.

„Porträt von Alfred Sisley mit seiner Frau“ – der erste Schritt des Künstlers auf dem Weg zu neuer Kunst. Die nächste Stufe im Schaffen des Künstlers war das Gemälde Baden in der Seine (um 1869), in dem die Figuren von Uferspaziergängern, Badegästen sowie Booten und Baumgruppen durch die Licht-Luft-Atmosphäre zusammengeführt werden ein wunderschöner Sommertag. Der Maler setzt bereits frei farbige Schatten und helle Farbreflexe ein. Sein Abstrich wird lebendig und energiegeladen.

Wie C. Monet liebt Renoir das Problem, die menschliche Figur in die Welt der Umwelt einzubeziehen. Dieses Problem löst der Künstler im Gemälde „Swing“ (1876), allerdings etwas anders als C. Monet, in dem sich die Figuren der Menschen in der Landschaft aufzulösen scheinen. Renoir führt mehrere Schlüsselfiguren in seine Komposition ein. Die malerische Art und Weise, in der diese Leinwand auf sehr natürliche Weise gefertigt ist, vermittelt die Atmosphäre eines heißen Sommertages, der durch den Schatten gemildert wird. Das Bild ist von einem Gefühl von Glück und Freude durchdrungen.

Mitte der 1870er Jahre. Renoir malt Werke wie die sonnendurchflutete Landschaft „Path in the Meadows“ (1875), erfüllt von lichter, lebhafter Bewegung und dem schwer fassbaren Spiel heller Lichtreflexionen „Moulin de la Galette“ (1876) sowie „Umbrellas“ ( 1883), „Lodge“ (1874) und The End of Breakfast (1879). Diese wunderschönen Leinwände entstanden trotz der Tatsache, dass der Künstler in einem schwierigen Umfeld arbeiten musste, da Renoirs Werk (sowie das Werk seiner Gleichgesinnten) nach der skandalösen Ausstellung der Impressionisten (1874) scharfen Kritiken ausgesetzt war Angriffe der sogenannten Kunstkenner. In dieser schwierigen Zeit spürte Renoir jedoch die Unterstützung zweier Menschen, die ihm nahe standen: Bruder Edmond (Herausgeber der Zeitschrift La Vie Moderne) und Georges Charpentier (Inhaber der Wochenzeitung). Sie halfen dem Künstler, einen kleinen Geldbetrag zu beschaffen und eine Werkstatt zu mieten.

Es ist anzumerken, dass die Landschaft „Weg in den Wiesen“ kompositorisch sehr an „Mohnblumen“ (1873) von C. Monet erinnert, die malerische Textur von Renoirs Leinwänden jedoch dichter und materieller ist. Ein weiterer Unterschied hinsichtlich der kompositorischen Lösung ist der Himmel. Bei Renoir, für den die Materialität der natürlichen Welt wichtig war, nimmt der Himmel nur einen kleinen Teil des Bildes ein, während er bei Monet, der den Himmel mit darüberziehenden grau-silbernen oder schneeweißen Wolken darstellte, ihn darstellte erhebt sich über einem mit blühenden Mohnblumen übersäten Hang und verstärkt das Gefühl eines sonnenverwöhnten Sommertages.

In den Kompositionen „Moulin de la Galette“ (mit der der Künstler einen echten Erfolg hatte), „Umbrellas“, „Lodge“ und „The End of Breakfast“ zeigt sich (wie bei Manet und Degas) deutlich das Interesse an einem scheinbar zufälligen angeschaute Lebenssituation; Charakteristisch ist auch der Appell an die Methode, den Rahmen des Kompositionsraums zu durchtrennen, die auch für E. Degas und teilweise E. Manet charakteristisch ist. Doch im Gegensatz zu dessen Werken zeichnen sich Renoirs Gemälde durch große Ruhe und Kontemplation aus.

Die Leinwand „The Lodge“, in der der Autor, als würde er durch ein Fernglas Stuhlreihen betrachten, versehentlich auf eine Kiste stößt, in der sich eine Schönheit mit gleichgültigem Blick befindet. Ihr Begleiter hingegen blickt das Publikum mit großem Interesse an. Ein Teil seiner Figur ist durch den Bilderrahmen abgeschnitten.

Das Werk „The End of Breakfast“ stellt eine rudimentäre Episode dar: Zwei in Weiß und Schwarz gekleidete Damen sowie ihr Herr nehmen in einer schattigen Ecke des Gartens ihr Frühstück zu sich. Der Tisch ist bereits für den Kaffee gedeckt, der in Tassen aus feinem hellblauen Porzellan serviert wird. Die Frauen warten auf die Fortsetzung der Geschichte, die der Mann unterbricht, um sich eine Zigarette anzuzünden. Dieses Bild ist kein dramatischer oder tiefer Psychologismus, es zieht die Aufmerksamkeit des Betrachters durch eine subtile Übertragung kleinster Stimmungsnuancen auf sich.

Ein ähnliches Gefühl ruhiger Fröhlichkeit durchdringt das „Frühstück der Ruderer“ (1881), voller Licht und lebhafter Bewegung. Begeisterung und Charme gehen von der Figur einer hübschen jungen Dame aus, die mit einem Hund im Arm sitzt. Der Künstler stellte seine dar zukünftige Ehefrau. Die Leinwand „Akt“ (1876) ist von der gleichen fröhlichen Stimmung erfüllt, nur in einer etwas anderen Lichtbrechung. Die Frische und Wärme des Körpers einer jungen Frau kontrastiert mit dem bläulich-kalten Stoff der Laken und Leinen, die eine Art Hintergrund bilden.

Ein charakteristisches Merkmal von Renoirs Werk ist, dass dem Menschen seine komplexe psychologische und moralische Fülle vorenthalten wird, die für die Malerei fast aller realistischen Künstler charakteristisch ist. Dieses Merkmal ist nicht nur Werken wie „Nude“ eigen (wo die Natur des Handlungsmotivs das Fehlen solcher Qualitäten zulässt), sondern auch den Porträts von Renoir. Dies nimmt seiner Leinwand jedoch nicht den Charme, der in der Fröhlichkeit der Charaktere liegt.

Am deutlichsten sind diese Eigenschaften im berühmten Renoir-Porträt „Mädchen mit Fächer“ (um 1881) zu spüren. Die Leinwand ist der Link, der bindet frühe Arbeit Renoir mit einem späten, kälteren und raffinierteren Charakter Farben. In dieser Zeit interessiert sich der Künstler stärker als zuvor für klare Linien, für eine klare Zeichnung sowie für die Lokalität der Farbe. Der Künstler weist rhythmischen Wiederholungen (der Halbkreis eines Fächers – die halbrunde Rückenlehne eines roten Stuhls – abfallende mädchenhafte Schultern) eine große Rolle zu.

All diese Tendenzen in Renoirs Malerei zeigten sich jedoch am deutlichsten in der zweiten Hälfte der 1880er Jahre, als Enttäuschung über sein Werk und den Impressionismus im Allgemeinen einsetzte. Nachdem er einige seiner Werke zerstört hat, die der Künstler als „ausgetrocknet“ betrachtete, beginnt er, die Arbeit von N. Poussin zu studieren, und wendet sich der Zeichnung von J. O. D. Ingres zu. Dadurch erhält seine Palette eine besondere Leuchtkraft. Die sogenannte. „Perlenzeit“, uns bekannt aus Werken wie „Mädchen am Klavier“ (1892), „Der schlafende Badegast“ (1897) sowie Porträts der Söhne – Pierre, Jean und Claude – „Gabriel und Jean“ ( 1895), „Coco“ (1901).

Darüber hinaus arbeitet Renoir von 1884 bis 1887 an einer Reihe von Varianten großes Bild„Badende“. In ihnen gelingt es ihm, eine klare kompositorische Vollständigkeit zu erreichen. Alle Versuche, die Traditionen der großen Vorgänger wiederzubeleben und neu zu überdenken und sich dabei der Handlung fernab der großen Probleme unserer Zeit zuzuwenden, scheiterten jedoch. „Badende“ entfremdeten den Künstler nur von seiner früheren direkten und frischen Wahrnehmung des Lebens. All dies erklärt weitgehend die Tatsache, dass seit den 1890er Jahren. Renoirs Werk wird schwächer: Orangerote Töne beginnen in der Farbe seiner Werke zu dominieren, und der Hintergrund ohne luftige Tiefe wird dekorativ und flach.

Seit 1903 ließ sich Renoir dort nieder eigenem Haus in Cagnes-sur-Mer, wo er weiterhin an Landschaften, Kompositionen mit menschlichen Figuren und Stillleben arbeitet, in denen größtenteils die oben bereits erwähnten rötlichen Töne vorherrschen. Da der Künstler schwer erkrankt ist, kann er die Pinsel nicht mehr alleine halten und sie sind an seine Hände gebunden. Nach einiger Zeit muss jedoch die Malerei vollständig aufgegeben werden. Dann wendet sich der Meister der Skulptur zu. Zusammen mit Guinos Assistent schafft er mehrere erstaunliche Skulpturen, die sich durch Schönheit und Harmonie der Silhouetten, Freude und lebensbejahende Kraft auszeichnen (Venus, 1913; Die große Wäscherin, 1917; Mutterschaft, 1916). Renoir starb 1919 auf seinem Anwesen in den Alpes-Maritimes.

Edgar Degas

Edgar Hilaire Germain Degas, französischer Maler, Grafiker und Bildhauer, der größte Vertreter des Impressionismus, wurde 1834 in Paris in der Familie eines wohlhabenden Bankiers geboren. Da er wohlhabend war, erhielt er eine hervorragende Ausbildung am renommierten Lyzeum, das nach Ludwig dem Großen (1845-1852) benannt wurde. Eine Zeit lang war er Student an der juristischen Fakultät der Universität Paris (1853), aber da er ein Verlangen nach Kunst verspürte, verließ er die Universität und begann, das Atelier des Künstlers L. Lamotte (ein Student und Anhänger) zu besuchen von Ingres) und gleichzeitig (seit 1855) die Schule
Bildende Kunst. Doch 1856 verließ Degas unerwartet für alle Paris und ging für zwei Jahre nach Italien, wo er mit großem Interesse studierte und wie viele Maler die Werke der großen Meister der Renaissance kopierte. Seine größte Aufmerksamkeit gilt den Werken von A. Mantegna und P. Veronese, deren inspirierte und farbenfrohe Malerei der junge Künstler sehr schätzte.

Die frühen Werke von Degas (hauptsächlich Porträts) zeichnen sich durch eine klare und präzise Zeichnung und subtile Beobachtung aus, kombiniert mit einer äußerst zurückhaltenden Schreibweise (Skizzen seines Bruders, 1856-1857; Zeichnung des Kopfes der Baroness Belleli, 1859) oder mit erstaunlicher Wahrhaftigkeit der Hinrichtung (Porträt eines italienischen Bettlers, 1857).

Als Degas in seine Heimat zurückkehrte, wandte er sich dem historischen Thema zu, gab ihm jedoch eine für die damalige Zeit untypische Interpretation. So versucht der Meister in der Komposition „Spartan Girls Challenge Young Men to a Competition“ (1860), die bedingte Idealisierung der antiken Handlung zu ignorieren und sie so zu verkörpern, wie sie in der Realität sein könnte. Die Antike scheint hier, wie auch in seinen anderen Gemälden zu einem historischen Thema, durch das Prisma der Moderne geführt zu werden: die Bilder von Mädchen und jungen Männern des antiken Sparta mit eckigen Formen, dünnen Körpern und scharfen Bewegungen, dargestellt vor dem Hintergrund eines Alltags prosaische Landschaft, sind weit entfernt von klassischen Ideen und ähneln eher den gewöhnlichen Teenagern der Pariser Vororte als den idealisierten Spartanern.

In den 1860er Jahren kam es zu einer allmählichen Herausbildung der kreativen Methode des unerfahrenen Malers. In diesem Jahrzehnt schuf der Künstler neben weniger bedeutenden historischen Gemälden („Semiramide Watching the Construction of Babylon“, 1861) mehrere Porträtwerke, in denen Beobachtungsgabe und realistische Fähigkeiten geschärft wurden. Am bezeichnendsten ist in dieser Hinsicht das Gemälde „Kopf einer jungen Frau“, geschaffen von
im Jahr 1867

Im Jahr 1861 lernte Degas E. Manet kennen und wurde bald Stammgast im Café Gerbois, wo sich junge Innovatoren dieser Zeit trafen: C. Monet, O. Renoir, A. Sisley und andere. Allerdings interessieren sie sich in erster Linie für Landschaft und Arbeit unter freiem Himmel, dann konzentriert sich Degas mehr auf das Thema Stadt, Pariser Typen. Er fühlt sich zu allem hingezogen, was in Bewegung ist; statische Aufladung lässt ihn gleichgültig.

Degas war ein sehr aufmerksamer Beobachter, der auf subtile Weise alles einfing, was für den endlosen Wandel der Lebensphänomene charakteristisch ist. Indem er den verrückten Rhythmus der Großstadt vermittelt, schafft er eine der Varianten des Alltagsgenres, das der kapitalistischen Stadt gewidmet ist.

Im Werk dieser Zeit stechen Porträts hervor, von denen viele als Perlen der Weltmalerei gelten. Darunter sind ein Porträt der Familie Belleli (ca. 1860-1862), ein Porträt einer Frau (1867) und ein Porträt des Vaters des Künstlers, der dem Gitarristen Pagan zuhört (ca. 1872).

Einige Gemälde aus der Zeit der 1870er Jahre zeichnen sich durch eine fotografische Gleichgültigkeit in der Darstellung von Figuren aus. Ein Beispiel ist eine Leinwand mit dem Titel „Dancing Lesson“ (um 1874), die in kalten Blautönen gehalten ist. Mit erstaunlicher Genauigkeit fängt der Autor die Bewegungen von Ballerinas ein, die Unterricht bei einem alten Tanzmeister nehmen. Es gibt jedoch Gemälde anderer Art, wie zum Beispiel ein Porträt des Viscount Lepic mit seinen Töchtern auf der Place de la Concorde aus dem Jahr 1873. Hier wird die nüchtern-prosaische Fixierung durch die ausgeprägte Dynamik überwunden die Komposition und die außergewöhnliche Schärfe der Übertragung von Lepics Charakter; mit einem Wort, dies geschieht durch die künstlerisch scharfe und scharfe Offenlegung des charakteristischen Ausdrucksanfangs des Lebens.

Es ist zu beachten, dass die Werke dieser Zeit die Sicht des Künstlers auf das von ihm dargestellte Ereignis widerspiegeln. Seine Bilder zerstören den üblichen akademischen Kanon. Degas‘ Gemälde „Die Musiker des Orchesters“ (1872) basiert auf dem scharfen Kontrast, der durch den Vergleich der Köpfe der Musiker (in Nahaufnahme gemalt) und der kleinen Figur einer Tänzerin entsteht, die sich vor dem Publikum verneigt. Das Interesse an ausdrucksstarker Bewegung und deren exakter Nachbildung auf der Leinwand zeigt sich auch in zahlreichen Skizzenfiguren von Tänzern (wir dürfen nicht vergessen, dass Degas auch Bildhauer war), die der Meister geschaffen hat, um das Wesen der Bewegung, ihre Logik möglichst genau einzufangen wie möglich.

Der Künstler interessierte sich für die professionelle Spezifität von Bewegungen, Körperhaltungen und Gesten, ohne jede Poetisierung. Dies macht sich besonders in Werken bemerkbar, die sich dem Pferderennen widmen („Young Jockey“, 1866-1868; „Pferderennen in der Provinz. Mannschaft bei den Rennen“, ca. 1872; „Jockeys vor der Tribüne“, ca. 1879, usw.). In „The Ride of Racehorses“ (1870er Jahre) wird die professionelle Seite der Angelegenheit mit nahezu journalistischer Genauigkeit analysiert. Vergleicht man diese Leinwand mit T. Géricaults Gemälde „Die Rennen in Epsom“, dann wird sofort klar, dass Degas‘ Werk aufgrund seiner offensichtlichen Analytizität stark gegenüber der emotionalen Komposition von T. Géricault verliert. Dieselben Qualitäten sind auch dem Pastell „Ballerina on Stage“ (1876-1878) von Degas innewohnend, das nicht zu seinen Meisterwerken zählt.

Doch trotz dieser Einseitigkeit und vielleicht sogar dank ihr zeichnet sich Degas' Kunst durch Überzeugungskraft und Inhalt aus. In seinen programmatischen Werken offenbart er sehr genau und mit großem Geschick die Tiefe und Komplexität des inneren Zustands der dargestellten Person sowie die Atmosphäre der Entfremdung und Einsamkeit, in der die heutige Gesellschaft lebt, einschließlich des Autors selbst.

Erstmals wurden diese Stimmungen auf einer kleinen Leinwand „Tänzerin vor einem Fotografen“ (1870er Jahre) festgehalten, auf der der Künstler eine einsame Figur einer Tänzerin malte, erstarrt in einer düsteren und düsteren Atmosphäre in einer erlernten Pose davor eines sperrigen Fotoapparats. In Zukunft dringt ein Gefühl der Bitterkeit und Einsamkeit in Leinwände wie „Absinth“ (1876), „Sänger aus dem Café“ (1878), „Bügeleisen“ (1884) und viele andere ein. Degas zeigte zwei Figuren eines Mannes und eine Frau, einsam und gleichgültig zueinander und zur ganzen Welt. Das schwache grünliche Flackern eines mit Absinth gefüllten Glases unterstreicht die Traurigkeit und Hoffnungslosigkeit, die in den Augen der Frau und in ihrer Haltung zu sehen ist. Ein blassbärtiger Mann mit aufgedunsenem Gesicht ist düster und nachdenklich.

Kreativität Degas zeichnet sich durch echtes Interesse an den Charakteren der Menschen, an den Besonderheiten ihres Verhaltens sowie an einer gut ausgebauten dynamischen Komposition aus, die die traditionelle ersetzt. Sein Hauptprinzip besteht darin, die ausdrucksstärksten Blickwinkel in der Realität selbst zu finden. Dies unterscheidet die Arbeit von Degas von der Kunst anderer Impressionisten (insbesondere C. Monet, A. Sisley und teilweise O. Renoir) durch ihre kontemplative Herangehensweise an die Welt um sie herum. Der Künstler nutzte dieses Prinzip bereits in seinem frühen Werk The Cotton Receiving Office in New Orleans (1873), das E. Goncourts Bewunderung für seine Aufrichtigkeit und seinen Realismus hervorrief. Dies sind seine späteren Werke „Miss Lala in the Fernando Circus“ (1879) und „Dancers in the Foyer“ (1879), in denen innerhalb desselben Motivs eine subtile Analyse des Wechsels verschiedener Bewegungen gegeben wird.

Manchmal diese Technik Einige Forscher verwenden es, um die Nähe von Degas zu A. Watteau anzuzeigen. Obwohl sich beide Künstler in einigen Punkten tatsächlich ähneln (A. Watteau konzentriert sich auch auf die verschiedenen Schattierungen desselben Satzes), genügt es, die Zeichnung von A. Watteau mit dem Bild der Bewegungen des Geigers aus der oben genannten Degas-Komposition zu vergleichen , da das Gegenteil ihrer künstlerischen Techniken sofort spürbar ist.

Wenn A. Watteau versucht, die schwer fassbaren Übergänge eines Satzes in einen anderen sozusagen in Halbtönen zu vermitteln, so ist für Degas im Gegenteil ein energischer und kontrastierender Wechsel der Bewegungsmotive charakteristisch. Er strebt mehr nach ihrem Vergleich und ihrer scharfen Kollision, wobei er die Figur oft eckig macht. Auf diese Weise versucht der Künstler, die Dynamik der Entwicklung des zeitgenössischen Lebens einzufangen.

In den späten 1880er – frühen 1890er Jahren. Im Werk von Degas überwiegen dekorative Motive, was wahrscheinlich auf eine gewisse Dumpfheit seiner Wachsamkeit zurückzuführen ist künstlerische Wahrnehmung. Besteht in den dem Akt gewidmeten Leinwänden der frühen 1880er Jahre („Frau verlässt das Badezimmer“, 1883) ein größeres Interesse an der lebendigen Ausdruckskraft der Bewegung, so verlagert sich das Interesse des Künstlers am Ende des Jahrzehnts merklich auf die Darstellung der weiblichen Schönheit. Besonders deutlich wird dies im Gemälde „Baden“ (1886), wo der Maler mit großem Geschick den Charme des flexiblen und anmutigen Körpers einer über ihr Becken gebeugten jungen Frau vermittelt.

Ähnliche Gemälde haben schon früher Künstler gemalt, doch Degas geht einen etwas anderen Weg. Spürten die Heldinnen anderer Meister schon immer die Anwesenheit des Betrachters, so stellt der Maler hier eine Frau dar, als wäre es ihm völlig egal, wie sie von außen aussieht. Und obwohl solche Situationen schön und ganz natürlich aussehen, sind die Bilder in ähnliche Werke gehen oft ins Groteske. Schließlich sind hier alle Posen und Gesten, auch die intimsten, durchaus angebracht, sie werden durch eine funktionale Notwendigkeit voll und ganz gerechtfertigt: Beim Waschen an die richtige Stelle greifen, den Verschluss am Rücken lösen, ausrutschen, sich an etwas festhalten.

In den letzten Jahren seines Lebens beschäftigte sich Degas mehr mit Bildhauerei als mit Malerei. Dies ist teilweise auf Augenerkrankungen und Sehstörungen zurückzuführen. Er schafft die gleichen Bilder wie in seinen Gemälden: Er formt Figuren von Ballerinas, Tänzern und Pferden. Gleichzeitig versucht der Künstler, die Dynamik der Bewegungen möglichst genau wiederzugeben. Degas verlässt die Malerei nicht, die zwar in den Hintergrund tritt, aber nicht ganz aus seinem Werk verschwindet.

Aufgrund des formal ausdrucksstarken, rhythmischen Aufbaus der Kompositionen entstand der Wunsch nach einer dekorativ-flächigen Interpretation der Bilder von Degas‘ Gemälden, die in den späten 1880er und 1890er Jahren entstanden. erweisen sich als gegenstandslos und werden zu dekorativen Paneelen.

Degas verbrachte den Rest seines Lebens in seiner Heimat Paris, wo er 1917 starb.

Camille Pissarro

Camille Pissarro, französischer Maler und Grafiker, wurde etwa 1830 geboren. St. Thomas (Antillen) in der Familie eines Kaufmanns. Er wurde in Paris ausgebildet, wo er von 1842 bis 1847 studierte. Nach Abschluss seines Studiums kehrte Pissarro nach St. Thomas zurück und begann, seinem Vater im Laden zu helfen. Davon hatte der junge Mann jedoch überhaupt nicht geträumt. Sein Interesse reichte weit über die Theke hinaus. Die Malerei war für ihn das Wichtigste, aber sein Vater unterstützte das Interesse seines Sohnes nicht und war dagegen, dass er das Familienunternehmen verließ. Das völlige Missverständnis und die mangelnde Bereitschaft der Familie, sich auf halbem Weg zu treffen, führten dazu, dass der völlig verzweifelte junge Mann nach Venezuela floh (1853). Diese Tat beeinflusste den hartnäckigen Elternteil noch immer und er erlaubte seinem Sohn, nach Paris zu gehen, um Malerei zu studieren.

In Paris betrat Pissarro das Atelier von Suisse, wo er sechs Jahre lang (von 1855 bis 1861) studierte. Auf der Weltausstellung für Malerei im Jahr 1855 entdeckte der zukünftige Künstler J. O. D. Ingres, G. Courbet, aber die Werke von C. Corot hinterließen den größten Eindruck auf ihn. Auf Anraten des letzteren besuchte der junge Maler weiterhin das Atelier von Suisse und trat in die Schule der Schönen Künste bei A. Melbi ein. Zu dieser Zeit lernte er C. Monet kennen, mit dem er Landschaften am Stadtrand von Paris malte.

1859 stellte Pissarro seine Gemälde erstmals im Salon aus. Seine frühen Werke entstanden unter dem Einfluss von C. Corot und G. Courbet, doch nach und nach entwickelte Pissarro seinen eigenen Stil. Ein unerfahrener Maler verbringt viel Zeit mit der Arbeit im Freien. Er interessiert sich wie andere Impressionisten für das Leben der Natur in Bewegung. Pissarro legt großen Wert auf die Farbe, die nicht nur die Form, sondern auch die materielle Essenz des Objekts vermitteln kann. Um den einzigartigen Charme und die Schönheit der Natur zu offenbaren, verwendet er leichte Striche reiner Farben, die im Zusammenspiel miteinander eine vibrierende Klangpalette erzeugen. In kreuzförmigen, parallelen und diagonalen Linien gezeichnet, verleihen sie dem Gesamtbild eine erstaunliche Tiefe und einen rhythmischen Klang („Die Seine bei Marly“, 1871).

Die Malerei bringt Pissarro nicht mit großes Geld und er kommt kaum über die Runden. In Momenten der Verzweiflung unternimmt der Künstler den Versuch, für immer mit der Kunst zu brechen, kehrt aber bald wieder zur Kreativität zurück.

In den Jahren Deutsch-Französischer Krieg Pissarro lebt in London. Zusammen mit C. Monet malt er Londoner Landschaften nach dem Leben. Das Haus des Künstlers in Louveciennes wurde damals von den preußischen Invasoren geplündert. Die meisten im Haus verbliebenen Gemälde wurden zerstört. Während des Regens breiteten die Soldaten die Leinwände im Hof ​​unter ihren Füßen aus.

Als Pissarro nach Paris zurückkehrt, steckt er immer noch in finanziellen Schwierigkeiten. Republik, die an ihre Stelle trat
Imperium hat in Frankreich fast nichts verändert. Das Bürgertum, das nach den Ereignissen im Zusammenhang mit der Kommune verarmt ist, kann keine Gemälde kaufen. Zu dieser Zeit nimmt Pissarro den jungen Künstler P. Cezanne unter seine Schirmherrschaft. Gemeinsam arbeiten sie in Pontoise, wo Pissarro Leinwände schafft, die die Umgebung von Pontoise darstellen, wo der Künstler bis 1884 lebte („Oise in Pontoise“, 1873); ruhige Dörfer, Straßen, die sich in die Ferne erstrecken („Straße von Gisors nach Pontoise unter dem Schnee“, 1873; „Rote Dächer“, 1877; „Landschaft in Pontoise“, 1877).

Pissarro beteiligte sich aktiv an allen acht Ausstellungen der Impressionisten, die von 1874 bis 1886 organisiert wurden. Der Maler besaß ein pädagogisches Talent Gemeinsame Sprache bei fast allen angehenden Künstlern, stand ihnen mit Rat und Tat zur Seite. Zeitgenossen sagten über ihn: „Er kann sogar das Zeichnen von Steinen lehren.“ Das Talent des Meisters war so groß, dass er selbst die subtilsten Farbtöne unterscheiden konnte, wo andere nur Grau, Bräunlich und Grün sahen.

Einen besonderen Platz im Werk von Pissarro nehmen Gemälde ein, die der Stadt gewidmet sind und als lebender Organismus dargestellt werden, der sich je nach Licht und Jahreszeit ständig verändert. Der Künstler hatte die erstaunliche Fähigkeit, viel zu sehen und das einzufangen, was andere nicht bemerkten. So schrieb er beispielsweise beim Blick aus demselben Fenster 30 Werke mit Darstellungen von Montmartre („Montmartre Boulevard in Paris“, 1897). Der Meister liebte Paris leidenschaftlich, deshalb widmete er ihm die meisten Gemälde. Dem Künstler gelang es, in seinen Werken den einzigartigen Zauber zu vermitteln, der Paris zu einer der großartigsten Städte der Welt machte. Für seine Arbeit mietete der Maler Räume in der Saint-Lazare-Straße, auf den Grands Boulevards usw. Er übertrug alles, was er sah, auf seine Leinwände („Italienischer Boulevard am Morgen, von der Sonne beleuchtet“, 1897; „Platz des französischen Theaters in Paris“. , Frühling“, 1898; „Opernpassage in Paris).

Zu seinen Stadtlandschaften zählen Werke, die andere Städte darstellen. Also in den 1890er Jahren. Der Meister lebte lange Zeit in Dieppe, dann in Rouen. In Gemälden, die verschiedenen Teilen Frankreichs gewidmet sind, offenbarte er die Schönheit antiker Plätze, die Poesie von Gassen und antiken Gebäuden, aus denen der Geist vergangener Epochen atmet („Die große Brücke in Rouen“, 1896; „Die Boildieu-Brücke in Rouen“. bei Sonnenuntergang“, 1896; „Blick auf Rouen“, 1898; „Die Kirche Saint-Jacques in Dieppe“, 1901).

Obwohl Pissarros Landschaften nicht leuchtend bunt sind, ist ihre Bildtextur ungewöhnlich reich an verschiedenen Schattierungen: Beispielsweise wird der Grauton eines Kopfsteinpflasterpflasters aus Strichen von reinem Rosa, Blau, Blau, goldenem Ocker, englischem Rot usw. gebildet Dadurch wirkt Grau wie Perlmutt, schimmert und leuchtet und lässt die Bilder wie Edelsteine ​​aussehen.

Pissarro schuf nicht nur Landschaften. In seiner Arbeit gibt es Genrebilder in dem ein Interesse an einer Person verkörpert wurde.

Zu den bedeutendsten zählen „Kaffee mit Milch“ (1881), „Mädchen mit Zweig“ (1881), „Frau mit Kind am Brunnen“ (1882) und „Markt: ein Fleischhändler“ (1883). ). Bei der Arbeit an diesen Werken versuchte der Maler, den Strich zu rationalisieren und Elemente der Monumentalität in die Kompositionen einzuführen.

Mitte der 1880er Jahre interessierte sich Pissarro, bereits ein reifer Künstler, unter dem Einfluss von Seurat und Signac für den Divisionismus und begann mit kleinen Farbpunkten zu malen. Auf diese Weise ist ein Werk von ihm wie „Lacroix Island, Rouen. Nebel“ (1888). Das Hobby hielt jedoch nicht lange an und schon bald (1890) kehrte der Meister zu seinem früheren Stil zurück.

Neben der Malerei beschäftigte sich Pissarro mit Aquarellen, schuf Radierungen, Lithographien und Zeichnungen.
Der Künstler starb 1903 in Paris.

Die europäische Kunst des späten 19. Jahrhunderts wurde durch das Aufkommen modernistischer Kunst bereichert. Später weitete sich ihr Einfluss auf Musik und Literatur aus. Man nannte ihn „Impressionismus“, weil er auf den subtilsten Eindrücken des Künstlers, Bildern und Stimmungen beruhte.

Ursprünge und Vorkommensgeschichte

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts schlossen sich mehrere junge Künstler zu einer Gruppe zusammen. Sie hatten ein gemeinsames Ziel und übereinstimmende Interessen. Für dieses Unternehmen ging es vor allem darum, in der Natur zu arbeiten, ohne die Wände der Werkstatt und verschiedene einschränkende Faktoren. In ihren Gemälden versuchten sie, die ganze Sinnlichkeit, den Eindruck des Spiels von Licht und Schatten zu vermitteln. Landschaften und Porträts spiegelten die Einheit der Seele mit dem Universum, mit der umgebenden Welt wider. Ihre Bilder sind wahre Farbpoesie.

Im Jahr 1874 gab es eine Ausstellung dieser Künstlergruppe. Landschaft von Claude Monet „Impression. Sunrise“ erregte die Aufmerksamkeit des Kritikers, der diese Schöpfer in seiner Rezension zum ersten Mal als Impressionisten bezeichnete (vom französischen Impression – „Impression“).

Die Voraussetzungen für die Geburt des Impressionismus, dessen Gemälde bald unglaublichen Erfolg haben werden, waren die Werke der Renaissance. Die Werke der Spanier Velazquez, El Greco, des Engländers Turner und Constable beeinflussten bedingungslos die Franzosen, die die Begründer des Impressionismus waren.

Pissarro, Manet, Degas, Sisley, Cezanne, Monet, Renoir und andere wurden zu prominenten Vertretern des Stils in Frankreich.

Die Philosophie des Impressionismus in der Malerei

Die Künstler, die in diesem Stil malten, hatten es sich nicht zur Aufgabe gemacht, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf die Probleme zu lenken. In ihren Werken kann man keine Handlungsstränge zum Thema des Tages finden, man kann keine Moralisierungen annehmen oder menschliche Widersprüche erkennen.

Gemälde im Stil des Impressionismus zielen darauf ab, eine momentane Stimmung zu vermitteln und Farbschemata geheimnisvoller Natur zu entwickeln. In den Werken gibt es nur einen Platz für einen positiven Anfang, die Düsterkeit ging an den Impressionisten vorbei.

Tatsächlich machten sich die Impressionisten nicht die Mühe, die Handlung und die Details zu durchdenken. Der Hauptfaktor war nicht, was man zeichnen sollte, sondern wie man seine Stimmung darstellen und vermitteln sollte.

Maltechnik

Zwischen dem akademischen Zeichenstil und der Technik der Impressionisten besteht ein gewaltiger Unterschied. Sie haben viele Methoden einfach aufgegeben, einige wurden bis zur Unkenntlichkeit verändert. Hier sind die Innovationen, die sie gemacht haben:

1. Verlassene Kontur. Es wurde durch Striche ersetzt – klein und kontrastreich.
2. Wir haben aufgehört, Paletten zu verwenden. Wir haben Farben ausgewählt, die sich gegenseitig ergänzen und nicht gemischt werden müssen, um einen bestimmten Effekt zu erzielen. Gelb ist zum Beispiel Lila.
3. Hören Sie auf, schwarz zu malen.
4. Völlig aufgegebene Arbeiten in den Werkstätten. Sie schrieben ausschließlich über die Natur, damit es einfacher war, einen Moment, ein Bild, ein Gefühl festzuhalten.
5. Es wurden nur Farben mit guter Deckkraft verwendet.
6. Warten Sie nicht, bis die nächste Schicht getrocknet ist. Es wurden sofort frische Abstriche aufgetragen.
7. Sie schufen Werkzyklen, um den Veränderungen von Licht und Schatten zu folgen. Zum Beispiel „Heuhaufen“ von Claude Monet.

Natürlich haben nicht alle Künstler genau die Merkmale des Impressionismusstils umgesetzt. Gemälde von Edouard Manet beispielsweise nahmen nie an Gemeinschaftsausstellungen teil und er selbst positionierte sich als eigenständiger Künstler. Edgar Degas arbeitete nur in Werkstätten, was der Qualität seiner Werke jedoch keinen Abbruch tat.

Vertreter des französischen Impressionismus

Die erste Ausstellung impressionistischer Werke ist auf das Jahr 1874 datiert. Nach 12 Jahren fand ihre letzte Ausstellung statt. Das erste Werk in diesem Stil kann von E. Manet als „Breakfast on the Grass“ bezeichnet werden. Dieses Bild wurde im Salon der Abgelehnten präsentiert. Es stieß auf Feindseligkeit, da es sich stark vom akademischen Kanon unterschied. Deshalb wird Manet zu einer Figur, um die sich ein Kreis von Anhängern dieser Stilrichtung schart.

Leider schätzten die Zeitgenossen einen Stil wie den Impressionismus nicht. Gemälde und Künstler existierten im Widerspruch zur offiziellen Kunst.

Allmählich tritt Claude Monet im Malerteam in den Vordergrund, der später ihr Anführer und Hauptideologe des Impressionismus wird.

Claude Monet (1840-1926)

Das Werk dieses Künstlers kann als Hymne an den Impressionismus beschrieben werden. Er war es, der sich als erster weigerte, Schwarz in seinen Gemälden zu verwenden, und argumentierte, dass sogar Schatten und Nacht andere Töne hätten.

Die Welt in Monets Gemälden besteht aus vagen Umrissen, voluminösen Strichen, bei deren Betrachtung man das ganze Spektrum des Spiels der Farben von Tag und Nacht, der Jahreszeiten, der Harmonie der sublunaren Welt spüren kann. Nur ein Moment, der im Verständnis von Monet dem Fluss des Lebens entrissen wurde, ist Impressionismus. Seine Bilder scheinen keine Materialität zu haben, sie sind alle von Lichtstrahlen und Luftströmungen durchdrungen.

Claude Monet schuf erstaunliche Werke: „Station Saint-Lazare“, „Kathedrale von Rouen“, den Zyklus „Charing Cross Bridge“ und viele andere.

Auguste Renoir (1841-1919)

Renoirs Kreationen vermitteln den Eindruck außergewöhnlicher Leichtigkeit, Luftigkeit und Ätherizität. Die Handlung entstand wie durch einen Zufall, aber es ist bekannt, dass der Künstler alle Phasen seiner Arbeit sorgfältig durchdacht und von morgens bis abends gearbeitet hat.

Ein charakteristisches Merkmal der Arbeit von O. Renoir ist die Verwendung von Glasuren, die nur möglich sind, wenn der Impressionismus in den Werken des Künstlers in jedem Strich zum Ausdruck kommt. Er nimmt den Menschen als Teilchen der Natur selbst wahr, weshalb es so viele Gemälde mit Akten gibt.

Renoirs Lieblingsbeschäftigung war das Bild einer Frau in all ihrer attraktiven und attraktiven Schönheit. Porträts nehmen im Schaffen des Künstlers einen besonderen Platz ein. „Regenschirme“, „Mädchen mit Fächer“, „Frühstück der Ruderer“ sind nur ein kleiner Teil der erstaunlichen Gemäldesammlung von Auguste Renoir.

Georges Seurat (1859-1891)

Seurat verband den Entstehungsprozess von Gemälden mit der wissenschaftlichen Untermauerung der Farbtheorie. Die Licht-Luft-Umgebung wurde anhand der Abhängigkeit der Haupt- und Zusatztöne gezeichnet.

Obwohl J. Seurat ein Vertreter der letzten Stufe des Impressionismus ist und sich seine Technik in vielerlei Hinsicht von der der Begründer unterscheidet, schafft er mit Hilfe von Strichen auf die gleiche Weise eine illusorische Darstellung der objektiven Form, was möglich ist nur aus der Ferne betrachtet und gesehen werden.

Meisterwerke der Kreativität können als Gemälde „Sonntag“, „Cancan“, „Modelle“ bezeichnet werden.

Vertreter des russischen Impressionismus

Der russische Impressionismus entstand fast spontan und vermischte viele Phänomene und Methoden. Grundlage war jedoch, wie bei den Franzosen, eine umfassende Vision des Prozesses.

Obwohl im russischen Impressionismus die Merkmale des Französischen erhalten blieben, veränderten sich die Merkmale des nationalen Charakters und der Geistesverfassung erheblich. Beispielsweise wurde die Vision von Schnee oder nördlichen Landschaften mit einer ungewöhnlichen Technik ausgedrückt.

In Russland arbeiteten nur wenige Künstler im Stil des Impressionismus, ihre Gemälde ziehen bis heute die Blicke auf sich.

Die impressionistische Periode lässt sich im Werk von Valentin Serov unterscheiden. Sein „Mädchen mit Pfirsichen“ ist das deutlichste Beispiel und der Maßstab dieses Stils in Russland.

Die Gemälde bestechen durch ihre Frische und den Einklang reiner Farben. Das Hauptthema der Arbeit dieses Künstlers ist das Bild eines Menschen in der Natur. „Northern Idyll“, „In the Boat“, „Fyodor Chaliapin“ sind leuchtende Meilensteine ​​in der Tätigkeit von K. Korovin.

Impressionismus in der Neuzeit

Gegenwärtig hat sich diese Richtung in der Kunst erhalten neues Leben. In diesem Stil malen mehrere Künstler ihre Bilder. Den modernen Impressionismus gibt es in Russland (André Cohn), in Frankreich (Laurent Parcelier) und in Amerika (Diana Leonard).

Andre Cohn ist der Beste prominenter Vertreter Neuer Impressionismus. Seine Ölgemälde bestechen durch ihre Einfachheit. Der Künstler sieht Schönheit in gewöhnlichen Dingen. Der Schöpfer interpretiert viele Objekte durch das Prisma der Bewegung.

Die Aquarellarbeiten von Laurent Parcelier sind auf der ganzen Welt bekannt. Seine Werkreihe „Strange World“ erschien in Form von Postkarten. Wunderschön, lebendig und sinnlich, sie sind atemberaubend.

Wie im 19. Jahrhundert bleibt die Freilichtmalerei auch heute noch den Künstlern vorbehalten. Dank ihr wird der Impressionismus ewig leben. Künstler inspirieren, beeindrucken und inspirieren weiterhin.

Der Impressionismus ist eine Kunstrichtung, die in den 70er Jahren entstand. 19. Jahrhundert französische Malerei, und manifestierte sich dann in Musik, Literatur, Theater.

Der Impressionismus in der Malerei nahm bereits lange vor der berühmten Ausstellung von 1874 Gestalt an. Edouard Manet gilt traditionell als Begründer der Impressionisten. Er war sehr inspiriert von den klassischen Werken von Tizian, Rembrandt, Rubens und Velazquez. Manet brachte seine Vision von Bildern auf seinen Leinwänden zum Ausdruck, indem er „vibrierende“ Striche hinzufügte, die den Effekt der Unvollständigkeit erzeugten. Im Jahr 1863 gründete Manet „Olympia“, was einen großen Skandal in der Kulturgemeinschaft auslöste.

Auf den ersten Blick ist das Bild im Einklang mit traditionellen Kanonen gestaltet, trägt aber gleichzeitig bereits innovative Trends mit sich. In verschiedenen Pariser Publikationen wurden etwa 87 Rezensionen über Olympia verfasst. Sie wurde viel negativ kritisiert – der Künstlerin wurde Vulgarität vorgeworfen. Und nur wenige Artikel könnten als wohlwollend bezeichnet werden.

Manet verwendete in seiner Arbeit die Technik des Überlagerns einer einzelnen Farbschicht, wodurch der Effekt von Flecken entstand. Später wurde diese Methode der Farbüberlagerung von impressionistischen Künstlern als Grundlage für Bilder auf Gemälden übernommen.

Ein charakteristisches Merkmal des Impressionismus war die subtilste Fixierung flüchtiger Eindrücke in einer besonderen Art und Weise, die Lichtumgebung mit Hilfe eines komplexen Mosaiks aus reinen Farben und flüchtigen dekorativen Strichen wiederzugeben.

Es ist merkwürdig, dass die Künstler zu Beginn ihrer Suche ein Cyanometer verwendeten – ein Instrument zur Bestimmung des Blautons des Himmels. Die schwarze Farbe wurde aus der Palette ausgeschlossen und durch andere Farbtöne ersetzt, wodurch die sonnige Stimmung der Gemälde nicht beeinträchtigt wurde.

Die Impressionisten konzentrierten sich auf das Neueste wissenschaftliche Entdeckungen seiner Zeit. Die Farbtheorie von Chevrel und Helmholtz läuft auf Folgendes hinaus: Ein Sonnenstrahl wird in seine Grundfarben aufgespalten, und dementsprechend verstärken zwei auf die Leinwand aufgetragene Farben die Bildwirkung, und wenn die Farben gemischt werden, verlieren sie ihre Intensität.

Die Ästhetik des Impressionismus entstand teilweise als Versuch, sich entschieden von den Konventionen des Klassizismus in der Kunst zu lösen, aber auch von der hartnäckigen Symbolik und Nachdenklichkeit der spätromantischen Malerei, die jeden dazu einlud, verschlüsselte Ideen zu sehen, die einer sorgfältigen Interpretation bedurften . Der Impressionismus beanspruchte nicht nur die Schönheit der Alltagsrealität, sondern auch die Fixierung einer farbenfrohen Atmosphäre ohne Detaillierung oder Interpretation und stellte die Welt als ein sich ständig veränderndes optisches Phänomen dar.

Impressionistische Künstler entwickelten ein komplettes Freilichtsystem. Vorreiter dieses Stilmerkmals waren Landschaftsmaler der Schule von Barbizon, deren Hauptvertreter Camille Corot und John Constable waren.

Arbeite daran Freifläche ermöglichte es, kleinste Farbveränderungen zu erfassen andere Zeit Tage.

Claude Monet schuf mehrere Gemäldeserien zum gleichen Thema, zum Beispiel die Kathedrale von Rouen (eine Serie von 50 Gemälden), Heuhaufen (eine Serie von 15 Gemälden), Teich mit Seerosen usw. Der Hauptindikator dieser Serien war a Veränderung von Licht und Farben im Bild desselben Objekts, geschrieben zu verschiedenen Tageszeiten.

Eine weitere Errungenschaft des Impressionismus ist die Entwicklung eines originellen Malsystems, bei dem komplexe Töne in reine Farben zerlegt werden, die durch einzelne Striche übertragen werden. Die Künstler mischten die Farben nicht auf der Palette, sondern trugen lieber Striche direkt auf die Leinwand auf. Diese Technik verlieh den Gemälden eine besondere Beklemmung, Variabilität und Erleichterung. Die Werke der Künstler waren voller Farbe und Licht.

Die Ausstellung am 15. April 1874 in Paris war das Ergebnis der Zeit der Entstehung und Präsentation eines neuen Trends für die breite Öffentlichkeit. Die Ausstellung fand im Atelier des Fotografen Felix Nadar am Boulevard des Capucines statt.

Der Name „Impressionismus“ entstand nach der Ausstellung, in der Monets Gemälde „Impression“ gezeigt wurde. Sonnenaufgang". Der Kritiker L. Leroy gab in seiner Rezension in Sharivari eine spielerische Beschreibung der Ausstellung von 1874 und führte als Beispiel das Werk von Monet an. Ein anderer Kritiker, Maurice Denis, warf den Impressionisten ihren Mangel an Individualität, Gefühl und Poesie vor.

Etwa 30 Künstler zeigten ihre Werke bei der ersten Ausstellung. Dies war die höchste Zahl im Vergleich zu den Folgeausstellungen bis 1886.

Darüber kann man nichts sagen positives Feedback aus der russischen Gesellschaft. Russische Künstler und demokratische Kritiker haben immer großes Interesse daran künstlerisches Leben Frankreich – I. V. Kramskoy, I. E. Repin und V. V. Stasov – schätzten die Leistungen der Impressionisten von der ersten Ausstellung an sehr.

Die neue Etappe in der Kunstgeschichte, die mit der Ausstellung von 1874 begann, war keine plötzliche Explosion revolutionärer Tendenzen – sie war der Höhepunkt einer langsamen und konsequenten Entwicklung.

Obwohl alle großen Meister der Vergangenheit zur Entwicklung der Prinzipien des Impressionismus beigetragen haben, lassen sich die unmittelbaren Wurzeln der Strömung am leichtesten in den zwanzig Jahren vor der historischen Ausstellung finden.

Parallel zu den Ausstellungen im Salon gewannen Ausstellungen der Impressionisten an Bedeutung. Ihre Werke zeigten neue Tendenzen in der Malerei. Dies war ein Vorwurf an die Salonkultur und die Ausstellungstraditionen. In Zukunft gelang es den impressionistischen Künstlern, Bewunderer neuer Kunstrichtungen auf ihre Seite zu ziehen.

Die theoretischen Erkenntnisse und Formulierungen des Impressionismus begannen erst relativ spät Gestalt anzunehmen. Die Künstler bevorzugten mehr Übung und eigene Experimente mit Licht und Farbe. Der in erster Linie malerische Impressionismus zeichnet das Erbe des Realismus nach, er drückt deutlich die antiakademische, antisalonistische Ausrichtung und Installation des Bildes der umgebenden Realität dieser Zeit aus. Einige Forscher stellen fest, dass der Impressionismus zu einem besonderen Ableger des Realismus geworden ist.

Zweifellos waren in der impressionistischen Kunst, wie in jeder künstlerischen Bewegung, die in der Zeit der Wende und Krise der alten Traditionen entstand, bei aller äußerlichen Integrität verschiedene und sogar widersprüchliche Tendenzen miteinander verflochten.

Die Hauptmerkmale lagen in den Themen der Werke der Künstler, in den künstlerischen Ausdrucksmitteln. Irina Vladimirovas Buch über die Impressionisten umfasst mehrere Kapitel: „Landschaft, Natur, Eindrücke“, „Stadt, Orte der Begegnung und des Abschieds“, „Hobbys als Lebensart“, „Menschen und Charaktere“, „Porträts und Selbstporträts“ , "Stillleben". Außerdem werden die Entstehungsgeschichte und der Standort jedes Werkes beschrieben.

In der Blütezeit des Impressionismus fanden Künstler ein harmonisches Gleichgewicht zwischen objektiver Realität und ihrer Wahrnehmung. Künstler versuchten, jeden Lichtstrahl, die Bewegung der Brise, die Veränderlichkeit der Natur einzufangen. Um die Frische der Gemälde zu bewahren, schufen die Impressionisten ein originelles Bildsystem, das sich später als sehr wichtig für die zukünftige Entwicklung der Kunst herausstellte. Trotz der allgemeinen Trends in der Malerei hat jeder Künstler seinen eigenen kreativen Weg und die wichtigsten Genres der Malerei gefunden.

Der klassische Impressionismus wird von Künstlern wie Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Basil, Berthe Morisot und Edgar Degas vertreten.

Betrachten Sie den Beitrag einiger Künstler zur Entstehung des Impressionismus.

Edouard Manet (1832-1883)

Manet erhielt seinen ersten Malunterricht bei T. Couture, wodurch der zukünftige Künstler viele notwendige berufliche Fähigkeiten erwarb. Aufgrund der mangelnden Aufmerksamkeit des Lehrers gegenüber seinen Schülern verlässt Manet das Atelier des Meisters und widmet sich der Selbstbildung. Er besucht Ausstellungen in Museen, seine kreative Ausbildung wurde stark von den alten Meistern, insbesondere den spanischen, beeinflusst.

In den 1860er Jahren schrieb Manet zwei Werke, die die Grundprinzipien seines künstlerischen Stils veranschaulichen. Lola aus Valencia (1862) und Der Flötist (1866) zeigen Manet als einen Künstler, der durch die Farbwiedergabe den Charakter des Modells offenbart.

Seine Ideen zur Pinselstrichtechnik und zur Einstellung zur Farbe wurden von anderen impressionistischen Malern übernommen. In den 1870er Jahren näherte sich Manet seinen Anhängern und arbeitete im Freien ohne Schwarz auf der Palette. Das Aufkommen des Impressionismus war das Ergebnis der kreativen Entwicklung Manets selbst. Manets impressionistischste Gemälde sind „In einem Boot“ (1874) und Claude Monet in einem Boot (1874).

Manet malte auch viele Porträts verschiedener weltlicher Damen, Schauspielerinnen, Models und schöner Frauen. In jedem Porträt wurde die Einzigartigkeit und Individualität des Modells vermittelt.

Kurz vor seinem Tod schreibt Manet eines seiner Meisterwerke – „Bar Folies-Bergère“ (1881-1882). Dieses Bild vereint mehrere Genres gleichzeitig: Porträt, Stillleben, häusliche Szene.

N. N. Kalitina schreibt: „Die Magie von Manets Kunst ist so groß, dass das Mädchen sich der Umgebung widersetzt, wodurch ihre Stimmung so deutlich zum Vorschein kommt, und gleichzeitig ein Teil davon ist, weil der gesamte Hintergrund, vage erraten, unbestimmt, aufgeregt, wird auch in Blauschwarz, Blauweiß, Gelbtönen aufgelöst.

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet war der unbestrittene Anführer und Begründer des klassischen Impressionismus. Das Hauptgenre seiner Malerei war die Landschaft.

In seiner Jugend liebte Monet Karikaturen und Karikaturen. Die ersten Vorbilder für seine Arbeit waren seine Lehrer, Kameraden. Als Beispiel verwendete er Cartoons in Zeitungen und Zeitschriften. Er kopierte die Zeichnungen in Golois von E. Karzh, einem Dichter und Karikaturisten, einem Freund von Gustave Coubret.

Im College wurde Monet von Jacques-Francois Hauchard unterrichtet. Es ist jedoch fair, den Einfluss von Boudin auf Monet zu bemerken, der den Künstler unterstützte, ihm Ratschläge gab und ihn motivierte, seine Arbeit fortzusetzen.

Im November 1862 setzte Monet in Paris seine Studien bei Gleyre fort. Dank dessen traf Monet Basil, Renoir und Sisley in seinem Atelier. Junge Künstler bereiteten sich auf den Eintritt in die Schule der Schönen Künste vor und respektierten ihren Lehrer, der wenig für seinen Unterricht nahm und sanfte Ratschläge gab.

Monet schuf seine Bilder nicht als Geschichte, nicht als Illustration einer Idee oder eines Themas. Seine Malerei hatte, wie das Leben, keine klaren Ziele. Er sah die Welt, ohne sich auf die Details zu konzentrieren, nach einigen Prinzipien ging er zum „Landschaftsblick“ (der Begriff des Kunsthistorikers A. A. Fedorov-Davydov). Monet strebte nach Handlungslosigkeit, einer Verschmelzung der Genres auf der Leinwand. Das Vehikel seiner Innovationen waren Skizzen, die zu fertigen Gemälden werden sollten. Alle Skizzen wurden nach der Natur gezeichnet.

Er malte Wiesen, Hügel, Blumen, Felsen, Gärten, Dorfstraßen, das Meer, Strände und vieles mehr und wandte sich zu verschiedenen Tageszeiten dem Bild der Natur zu. Oftmals malte er zu unterschiedlichen Zeiten denselben Ort und schuf so ganze Zyklen aus seinen Werken. Das Prinzip seiner Arbeit war nicht die Abbildung von Objekten im Bild, sondern die exakte Übertragung von Licht.

Hier einige Beispiele der Werke des Künstlers: „Mohnfeld in Argenteuil“ (1873), „Frosch“ (1869), „Teich mit Seerosen“ (1899), „Weizenstapel“ (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir ist einer der herausragenden Meister der weltlichen Porträtmalerei, außerdem arbeitete er in den Genres Landschaft, häusliche Szene und Stillleben.

Die Besonderheit seiner Arbeit ist das Interesse an der Persönlichkeit eines Menschen, die Offenlegung seines Charakters und seiner Seele. In seinen Leinwänden versucht Renoir, das Gefühl der Fülle des Seins hervorzuheben. Der Künstler wird von Unterhaltung und Feiertagen angezogen, er malt Bälle, geht mit ihren Bewegungen und einer Vielzahl von Charakteren und Tänzen spazieren.

Die bekanntesten Werke des Künstlers sind „Porträt der Schauspielerin Jeanne Samary“, „Regenschirme“, „Baden in der Seine“ usw.

Interessant ist, dass Renoir sich durch seine Musikalität auszeichnete und als Kind im Kirchenchor unter der Leitung des herausragenden Komponisten und Lehrers Charles Gounod in Paris in der Kathedrale Saint-Eustache sang. C. Gounod empfahl dem Jungen dringend, Musik zu studieren. Doch gleichzeitig entdeckte Renoir sein künstlerisches Talent – ​​bereits im Alter von 13 Jahren lernte er, Porzellangeschirr zu bemalen.

Der Musikunterricht beeinflusste die Persönlichkeitsbildung des Künstlers. Einige seiner Werke beziehen sich auf musikalische Themen. Sie dachten darüber nach, Klavier, Gitarre und Mandoline zu spielen. Dies sind die Gemälde „Gitarrenstunde“, „Junge Spanierin mit Gitarre“, „Junge Dame am Klavier“, „Frau spielt Gitarre“, „Klavierstunde“ usw.

Jean Frederic Basil (1841-1870)

Seinen Künstlerfreunden zufolge war Basil der vielversprechendste und herausragendste Impressionist.

Seine Werke zeichnen sich durch leuchtende Farben und Spiritualität der Bilder aus. Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Claude Monet hatten großen Einfluss auf seinen kreativen Weg. Jean Frederics Wohnung für Maleranfänger war eine Art Atelier und Wohnraum.

Basil malte meist im Freien. Die Hauptidee seiner Arbeit war die Darstellung des Menschen vor dem Hintergrund der Natur. Seine ersten Helden auf den Gemälden waren seine Künstlerfreunde; Viele Impressionisten malten sich in ihren Werken sehr gerne gegenseitig.

Frédéric Bazille prägte in seinem Werk den Weg des realistischen Impressionismus. Sein berühmtestes Gemälde, Familientreffen (1867), ist autobiografisch. Darauf stellt der Künstler Mitglieder seiner Familie dar. Diese Arbeit wurde im Salon präsentiert und erhielt eine anerkennende Bewertung des Publikums.

1870 starb der Künstler im Preußisch-Französischen Krieg. Nach dem Tod des Künstlers organisierten seine Künstlerfreunde die dritte Ausstellung der Impressionisten, bei der auch seine Gemälde ausgestellt wurden.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro ist nach C. Monet einer der größten Vertreter der Landschaftsmaler. Seine Arbeiten wurden ständig in den Ausstellungen der Impressionisten gezeigt. In seinen Werken stellte Pissarro bevorzugt gepflügte Felder, bäuerliches Leben und Arbeiten dar. Seine Gemälde zeichneten sich durch die Struktur der Formen und die Klarheit der Komposition aus.

Später begann der Künstler zu malen und zu urbanen Themen zu malen. N. N. Kalitina notiert in ihrem Buch: „Er blickt aus den Fenstern der oberen Stockwerke oder von den Balkonen auf die Straßen der Stadt, ohne sie in die Kompositionen einzubeziehen.“

Unter dem Einfluss von Georges-Pierre Seurat wandte sich der Künstler dem Pointillismus zu. Bei dieser Technik wird jeder Strich einzeln aufgetragen, so als würde man Punkte setzen. Die kreativen Möglichkeiten in diesem Bereich wurden jedoch nicht verwirklicht und Pissarro kehrte zum Impressionismus zurück.

Pissarros berühmteste Gemälde sind der Boulevard Montmartre. Nachmittag, sonnig“, „Opernpassage in Paris“, „Ort des französischen Theaters in Paris“, „Garten in Pontoise“, „Ernte“, „Heuernte“ usw.

Alfred Sisley (1839-1899)

Das Hauptgenre der Malerei von Alfred Sisley war die Landschaft. In seinen frühen Werken ist vor allem der Einfluss von K. Corot zu erkennen. Allmählich, im Zuge der gemeinsamen Arbeit mit C. Monet, J. F. Basil, P. O. Renoir, tauchen in seinen Werken helle Farben auf.

Der Künstler wird vom Spiel des Lichts, der Veränderung des Zustands der Atmosphäre, angezogen. Sisley thematisierte dieselbe Landschaft mehrmals und fing sie zu unterschiedlichen Tageszeiten ein. In seinen Werken legte der Künstler den Schwerpunkt auf das Bild von Wasser und Himmel, das sich jede Sekunde veränderte. Mit Hilfe der Farbe gelang es dem Künstler, Perfektion zu erreichen, jeder Farbton in seinen Werken trägt eine Art Symbolik.

Die berühmtesten seiner Werke: „Country Alley“ (1864), „Frost in Louveciennes“ (1873), „Blick auf Montmartre von der Blumeninsel“ (1869), „Early Snow in Louveciennes“ (1872), „The Bridge“. in Argenteuil“ (1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas ist ein Künstler, der seine kreative Karriere mit einem Studium an der School of Fine Arts begann. Er ließ sich von den Künstlern der italienischen Renaissance inspirieren, die sein Werk im Allgemeinen beeinflussten. Am Anfang malte Degas historische Gemälde, zum Beispiel: „Spartanische Mädchen fordern spartanische Jugendliche zu einem Wettbewerb heraus.“ (1860). Das Hauptgenre seiner Malerei ist das Porträt. In seinen Werken beruft sich der Künstler auf klassische Traditionen. Er schafft Werke, die von einem ausgeprägten Gespür für seine Zeit geprägt sind.

Im Gegensatz zu seinen Kollegen teilt Degas nicht die dem Impressionismus innewohnende freudige, offene Einstellung zum Leben und zu den Dingen. Der Künstler steht der kritischen Tradition der Kunst näher: Mitgefühl für das Schicksal des einfachen Mannes, die Fähigkeit, die Seelen der Menschen zu sehen, ihre Innere, Inkonsistenz, Tragödie.

Für Degas spielen Gegenstände und das Innere einer Person eine wichtige Rolle bei der Erstellung eines Porträts. Hier ein paar Werke als Beispiel: „Desiree Dio mit Orchester“ (1868-1869), „ Frauenporträt„(1868), „The Morbilly Couple“ (1867) und andere.

Das Prinzip der Porträtmalerei in den Werken von Degas lässt sich durch sein gesamtes Schaffen verfolgen. In den 1870er Jahren stellt der Künstler in seinen Werken die Gesellschaft Frankreichs, insbesondere Paris, in voller Pracht dar. Im Interesse des Künstlers – urbanes Leben in Bewegung. „Bewegung war für ihn eine der wichtigsten Manifestationen des Lebens, und die Fähigkeit der Kunst, sie zu vermitteln, war die wichtigste Errungenschaft der modernen Malerei“, schreibt N.N. Kalitina.

In dieser Zeit entstanden Gemälde wie „Star“ (1878), „Miss Lola in Fernandos Zirkus“, „Epsom Races“ und andere.

Eine neue Runde der Kreativität von Degas ist sein Interesse am Ballett. Es zeigt das Backstage-Leben der Ballerinas, spricht über ihre harte Arbeit und ihr hartes Training. Dennoch gelingt es der Künstlerin, in der Übertragung ihrer Bilder Luftigkeit und Leichtigkeit zu finden.

In der Ballett-Gemäldeserie von Degas sind Errungenschaften auf dem Gebiet der Übertragung künstlichen Lichts aus dem Rampenlicht sichtbar, sie zeugen vom koloristischen Talent des Künstlers. Die bekanntesten Gemälde sind „Blaue Tänzer“ (1897), „Tanzklasse“ (1874), „Tänzerin mit Blumenstrauß“ (1877), „Tänzerinnen in Rosa“ (1885) und andere.

Am Ende seines Lebens versucht sich Degas aufgrund der Verschlechterung seines Sehvermögens als Bildhauer. Die gleichen Ballerinas, Frauen, Pferde werden zu seinen Objekten. In der Skulptur versucht Degas, Bewegung zu vermitteln, und um die Skulptur wertzuschätzen, muss man sie aus verschiedenen Blickwinkeln betrachten.

fr. Eindruck - Eindruck) - eine Richtung in der Kunst des letzten Drittels des neunzehnten - früh. des 20. Jahrhunderts, deren Vertreter begannen, Landschaften und Genreszenen direkt aus dem Leben zu malen und versuchten, das Sonnenlicht, den Atem des Windes, das Rascheln des Grases und die Bewegung der Menschenmenge in der Stadt mit sehr sauberen und intensiven Farben wiederzugeben. Die Impressionisten strebten danach, die reale Welt in ihrer Beweglichkeit und Variabilität auf möglichst natürliche und unvoreingenommene Weise einzufangen, um ihre flüchtigen Eindrücke zu vermitteln.

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IMPRESSIONISMUS

Französisch impressionnisme, von impression - impression), Richtung in der Kunst des Con. 1860 - früh. 1880er Jahre Am deutlichsten manifestiert es sich in der Malerei. Führende Vertreter: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte und J. F. Basile. Gemeinsam mit ihnen stellten E. Manet und E. Degas ihre Gemälde aus, wobei der Stil ihrer Werke nicht als völlig impressionistisch bezeichnet werden kann. Der Name „Impressionisten“ wurde einer Gruppe junger Künstler nach ihrer ersten gemeinsamen Ausstellung in Paris (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley usw.) verliehen, was bei Publikum und Kritikern heftige Empörung hervorrief. Eines der präsentierten Gemälde von C. Monet (1872) hieß „Impression. Sunrise“ („L’impression. Soleil levant“), und der Rezensent nannte die Künstler spöttisch „Impressionisten“ – „Impressionisten“. Unter diesem Namen traten die Maler auf der dritten Gemeinschaftsausstellung (1877) auf. Gleichzeitig begannen sie mit der Herausgabe der Zeitschrift Impressionist, deren jede Ausgabe dem Werk eines Gruppenmitglieds gewidmet war.

Die Impressionisten versuchten einzufangen die Umwelt in ihrer ständigen Variabilität und Fließfähigkeit drücken sie ihre unmittelbaren Eindrücke unvoreingenommen aus. Der Impressionismus basierte auf den neuesten Erkenntnissen der Optik und Farbentheorie (spektrale Zerlegung des Sonnenstrahls in die sieben Farben des Regenbogens); darin stimmt er mit dem Geist überein wissenschaftliche Analyse, charakteristisch für con. 19. Jahrhundert Die Impressionisten selbst versuchten jedoch nicht, es zu definieren theoretische Basis seine Kunst und besteht auf der Spontaneität und Intuitivität der Kreativität des Künstlers. Die künstlerischen Prinzipien der Impressionisten waren nicht einheitlich. Monet malte Landschaften nur im direkten Kontakt mit der Natur, unter freiem Himmel (en plein air) und baute sogar eine Werkstatt in einem Boot. Degas arbeitete in der Werkstatt anhand von Erinnerungen oder anhand von Fotografien. Im Gegensatz zu Vertretern späterer radikaler Bewegungen gingen die Künstler nicht über das illusorisch-räumliche System der Renaissance hinaus, das auf der Verwendung direkter Perspektiven beruhte. Sie hielten fest an der Methode fest, nach der Natur zu arbeiten, die sie innehatten Hauptprinzip Kreativität. Künstler strebten danach, „zu malen, was man sieht“ und „wie man sieht“. Die konsequente Anwendung dieser Methode brachte die Transformation aller Grundlagen des bestehenden Bildsystems mit sich: Farbe, Komposition, Raumkonstruktion. Reine Farben wurden in kleinen Einzelstrichen auf die Leinwand aufgetragen: Mehrfarbige „Punkte“ lagen nebeneinander und vermischten sich zu einem farbenfrohen Spektakel nicht auf der Palette und nicht auf der Leinwand, sondern im Auge des Betrachters. Die Impressionisten erreichten eine beispiellose Klangfülle der Farben, einen beispiellosen Reichtum an Schattierungen. Der Pinselstrich wurde zum eigenständigen Ausdrucksmittel und erfüllte die Bildoberfläche mit einer lebendig schimmernden Schwingung von Farbpartikeln. Die Leinwand wurde mit einem Mosaik verglichen, das in kostbaren Farben schimmerte. Im ersten Gemälde überwogen Schwarz-, Grau- und Brauntöne; Auf den Leinwänden der Impressionisten leuchteten die Farben hell. Die Impressionisten nutzten kein Hell-Dunkel, um Volumen zu vermitteln, sie verzichteten auf dunkle Schatten, auch die Schatten in ihren Gemälden wurden farbig. Künstler verwendeten häufig zusätzliche Farbtöne (Rot und Grün, Gelb und Lila), deren Kontrast die Intensität der Farbe erhöhte. In Monets Gemälden wurden die Farben im Glanz der Sonnenstrahlen aufgehellt und aufgelöst, lokale Farben erhielten viele Schattierungen.

Die Impressionisten stellten die umgebende Welt in ständiger Bewegung dar, den Übergang von einem Zustand in einen anderen. Sie begannen, eine Reihe von Gemälden zu malen, um zu zeigen, wie sich dasselbe Motiv je nach Tageszeit, Beleuchtung, Wetterbedingungen usw. verändert (Zyklen Boulevard Montmartre von C. Pissarro, 1897; Kathedrale von Rouen, 1893–95 und „Londoner Parlament“, 1903-04, C. Monet). Künstler haben Wege gefunden, in den Gemälden die Bewegung der Wolken (A. Sisley. „Louan in Saint-Mamme“, 1882), das Spiel der Blendung des Sonnenlichts (O. Renoir. „Swing“, 1876) und Windböen zu reflektieren (C. Monet. „Terrasse in Sainte-Adresse“, 1866), Regenstrahlen (G. Caillebotte. „Jer. Wirkung des Regens“, 1875), fallender Schnee (C. Pissarro. „Opernpassage. Schneeeffekt“, 1898), schnelles Laufen der Pferde (E. Manet „Races at Longchamp“, 1865).

Die Impressionisten entwickelten neue Prinzipien für den Kompositionsaufbau. Früher glich der Bildraum einer Bühne, nun gleichen die eingefangenen Szenen einem Schnappschuss, einem Fotorahmen. Im 19. Jahrhundert erfunden Die Fotografie hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Komposition der impressionistischen Malerei, insbesondere im Werk von E. Degas, der selbst ein leidenschaftlicher Fotograf war und nach seinen eigenen Worten versuchte, die abgebildeten Ballerinas zu überraschen, sie „als ob“ zu sehen „durch ein Schlüsselloch“, wenn ihre Posen, Körperlinien natürlich, ausdrucksstark und authentisch sind. Der Wunsch, schnell wechselnde Lichtverhältnisse einzufangen, zwang die Künstler bei der Erstellung von Gemälden im Freien dazu, die Arbeit zu beschleunigen und „alla prima“ (in einem Schritt) ohne vorherige Skizzen zu schreiben. Fragmentierung, „Zufälligkeit“ der Komposition und dynamische Bildweise erzeugten in den Gemälden der Impressionisten ein Gefühl besonderer Frische.

Das beliebteste impressionistische Genre war die Landschaft; das Porträt war auch eine Art „Gesichtslandschaft“ (O. Renoir, „Porträt der Schauspielerin J. Samary“, 1877). Darüber hinaus erweiterten die Künstler das Spektrum der Malthemen erheblich und wandten sich Themen zu, die bisher als unwürdig galten: Volksfeste, Pferderennen, Picknicks der künstlerischen Boheme, das Backstage-Leben von Theatern usw. Ihre Gemälde haben dies jedoch nicht eine detaillierte Handlung, eine detaillierte Erzählung; Das menschliche Leben ist in der Natur oder in der Atmosphäre der Stadt aufgelöst. Die Impressionisten schrieben keine Ereignisse, sondern Stimmungen, Gefühlsnuancen. Künstler lehnten historische und historische Kunst grundsätzlich ab literarische Themen, vermied es, die dramatischen, dunklen Seiten des Lebens (Kriege, Katastrophen usw.) darzustellen. Sie wollten die Kunst von der Erfüllung gesellschaftlicher, politischer und moralischer Aufgaben, von der Verpflichtung zur Bewertung der dargestellten Phänomene befreien. Künstler besangen die Schönheit der Welt und konnten das alltäglichste Motiv (Renovierung eines Zimmers, grauer Londoner Nebel, Rauch von Dampflokomotiven usw.) in ein bezauberndes Schauspiel verwandeln (G. Caillebotte. „Parquette“, 1875; C . Monet. „Station Saint-Lazare“, 1877).

1886 fand die letzte Ausstellung der Impressionisten statt (O. Renoir und K. Monet nahmen daran nicht teil). Zu diesem Zeitpunkt wurden erhebliche Meinungsverschiedenheiten zwischen den Mitgliedern der Gruppe aufgedeckt. Die Möglichkeiten der impressionistischen Methode waren ausgeschöpft und jeder der Künstler begann, seinen eigenen Weg in der Kunst zu suchen.

Der Impressionismus als ganzheitliche Schaffensmethode war vor allem ein Phänomen der französischen Kunst, doch das Werk der Impressionisten hatte Auswirkungen auf die gesamte europäische Malerei. Der Wunsch, die künstlerische Sprache zu aktualisieren und die Farbpalette und Belichtung hervorzuheben Maltechniken ist mittlerweile fest im Arsenal der Künstler verankert. In anderen Ländern standen J. Whistler (England und USA), M. Lieberman, L. Corinth (Deutschland) und J. Sorolla (Spanien) dem Impressionismus nahe. Der Einfluss des Impressionismus wurde von vielen russischen Künstlern erfahren (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar und andere).

Neben der Malerei verkörperte sich der Impressionismus in den Werken einiger Bildhauer (E. Degas und O. Rodin in Frankreich, M. Rosso in Italien, P. P. Trubetskoy in Russland) in einer lebhaften, freien Modellierung der Flüssigkeit weiche Formen, was schafft schwieriges Spiel Licht auf der Oberfläche des Materials und ein Gefühl der Unvollständigkeit der Arbeit; In Posen wird der Moment der Bewegung, der Entwicklung festgehalten. In der Musik findet sich die Nähe zum Impressionismus in den Werken von C. Debussy („Segel“, „Nebel“, „Reflexionen im Wasser“ etc.).

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