Die absurdesten Gemälde wurden für Millionen von Dollar verkauft. Die absurdesten Gemälde wurden für Millionen Dollar verkauft. Die seltsamsten Gemälde der Welt wurden für Millionen Dollar verkauft

Nr. 20. 75.100.000 $. „Royal Red and Blue“, Mark Rothko, verkauft im Jahr 2012.

Das majestätische Gemälde war eines von acht Werken, die der Künstler selbst für seine bahnbrechende Einzelausstellung im Art Institute of Chicago ausgewählt hatte.

Nr. 19. 76.700.000 $. Das Massaker der Unschuldigen von Peter Paul Rubens aus dem Jahr 1610.

Das Gemälde wurde im Juli 2002 von Kenneth Thompson bei Sotheby's in London gekauft. Ein helles und dramatisches Werk von Rubens kann um den Titel „das meiste“ konkurrieren unerwarteter Erfolg". Christie schätzte dieses Gemälde auf nur 5 Millionen Euro.

Nr. 18. 78.100.000 $. Ball in der Moulin de la Galette von Pierre-Auguste Renoir, gemalt 1876.

Das Werk wurde 1990 verkauft und galt damals als das zweitteuerste jemals verkaufte Gemälde der Welt. Das Meisterwerk gehörte Ryoei Saito, dem Vorsitzenden der Daishowa Paper Manufacturing Co. Er wollte, dass die Leinwand nach seinem Tod mit eingeäschert wird, doch das Unternehmen geriet aufgrund von Kreditverpflichtungen in finanzielle Schwierigkeiten, sodass das Gemälde als Sicherheit dienen musste.

Nr. 17. 80 Millionen Dollar. „Turquoise Marilyn“ von Andy Warhol, gemalt 1964, verkauft 2007

Erworben von Herrn Steve Cohen. Der Preis wurde nicht bestätigt, diese Zahl gilt jedoch als wahr.

Nr. 16. 80 Millionen Dollar. „False Start“, Jasper Johns, geschrieben 1959

Das Gemälde gehörte David Geffen, der es an den CEO der Citadel Investment Group, Kenneth S. Griffin, verkaufte. Es gilt als das teuerste Gemälde, das zu Lebzeiten des Künstlers, Kultmeisters Jasper Johns, verkauft wurde.

Nr. 15. 82.500.000 $. „Porträt des Doktor Gachet“, Vincent van Gogh, 1890.

Der japanische Geschäftsmann Ryoei Saito kaufte das Gemälde 1990 auf einer Auktion. Damals war es das teuerste Gemälde der Welt. Als Reaktion auf den öffentlichen Aufschrei über Saitos Wunsch, das Kunstwerk nach seinem Tod bei sich einäschern zu lassen, erklärte der Geschäftsmann, dass er damit seine selbstlose Zuneigung zu dem Gemälde zum Ausdruck bringe.

Nr. 14. 86.300.000 $. Triptychon, Francis Bacon, 1976.

Dieses dreiteilige Meisterwerk von Bacon brach seinen bisherigen Rekord mit einem Umsatz von 52,68 Millionen US-Dollar. Habe das Gemälde erworben Russischer Milliardär Roman Abramowitsch.

Nr. 13. 87.900.000 $. „Porträt von Adele Bloch-Bauer II“, Gustav Klimt, 1912.

Das einzige von Klimt zweimal abgebildete Modell, das wenige Monate nach der ersten Version verkauft wurde. Dies ist ein Porträt von Bloch-Bauer, eines von vier Gemälden, die 2006 einen Gesamtpreis von 192 Millionen US-Dollar erzielten. Der Käufer ist unbekannt.

Nr. 12. 95.200.000 $. Dora Maar mit einer Katze, Pablo Picasso, 1941

Ein weiteres Gemälde von Picasso, das zu einem sagenhaften Preis unter den Hammer kam. Im Jahr 2006 wurde es von einem mysteriösen russischen Anonymen erworben, der gleichzeitig Werke von Monet und Chagall im Wert von 100 Millionen Dollar kaufte.

Nr. 11. 104.200.000 $. „Junge mit Pfeife“, Pablo Picasso, 1905.

Dies ist das erste Gemälde, das 2004 die 100-Millionen-Dollar-Grenze durchbrach. Seltsamerweise wurde der Name der Person, die ein so großes Interesse an Picassos Porträt zeigte, nie veröffentlicht.

Nr. 10. 105.400.000 $. Silver Car Crash (Double Crash), Andy Warhol, 1932

Dies ist das teuerste Werk der berühmten Pop-Art-Legende Andy Warhol. Das Gemälde wurde zum Star der modernen Kunst und kam bei Sotheby's unter den Hammer.

Nr. 9. 106.500.000 $. Akt, grüne Blätter und Büste, Pablo Picasso, 1932

Dieses sinnliche und farbenfrohe Meisterwerk ist der teuerste Picasso, der jemals auf einer Auktion verkauft wurde. Das Gemälde befand sich in der Sammlung von Frau Sidney F. Brody und wurde seit 1961 nicht mehr der Öffentlichkeit gezeigt.

Nr. 8. 110 Millionen Dollar „Flag“, Jasper Johns, 1958

"Flagge" - am meisten bemerkenswerte Arbeit Jasper Johns. Der Künstler malte 1954–55 seine erste amerikanische Flagge.

Nr. 7. 119.900.000 $. „Der Schrei“, Edvard Munch, 1895

Dies ist das einzigartigste und farbenfrohste Werk der vier Versionen von Edvard Munchs Meisterwerk „Der Schrei“. Nur einer von ihnen bleibt in Privatbesitz.

Nr. 6. 135.000.000 $. „Porträt von Adele Bloch-Bauer I“, Gustav Klimt.

Maria Altmann klagte auf das Eigentumsrecht an dem Gemälde, da Adele Bloch-Bauer es der Österreichischen Staatsgalerie vermachte und ihr Mann die Schenkung später inmitten der Ereignisse des Zweiten Weltkriegs widerrief. Nachdem Maria Altman die Rechte erworben hatte, verkaufte sie das Porträt an Ronald Lauder, der es in seiner Galerie in New York ausstellte.

Nr. 5. 137.500.000 $. „Frau III“, Willem de Kooning.

Ein weiteres Gemälde wurde 2006 von Geffen verkauft, doch diesmal war der Käufer der Milliardär Steven A. Cohen. Diese seltsame Abstraktion ist Teil einer Serie von sechs Kooning-Meisterwerken, die zwischen 1951 und 1953 entstanden sind.

Nummer 4. 140.000.000 $. „Nr. 5, 1948“, Jackson Pollock.

Laut der New York Times verkaufte der Filmproduzent und Sammler David Geffen das Gemälde an David Martinez, geschäftsführender Gesellschafter von FinTech Advisory, obwohl dieser die Informationen nicht bestätigt hat. Die Wahrheit ist in Geheimnisse gehüllt.

UNGLAUBLICHE FAKTEN.

Keiner von uns wird in der Lage sein, diese Art von Malerei in ihrem wahren Wert zu würdigen und zwischen den Zeilen die vom Autor dargelegte Bedeutung zu lesen. Aber dennoch die Kosten für Gemälde zeitgenössische Künstler manchmal einfach durchdrehen Und Sammler und Kunstkenner aus der ganzen Welt kommen zur Auktion, um die Kreation zu kaufen, die ihnen gefällt.

Manchmal geben sie für ein Bild, das ihnen gefällt, sogar so viel Geld aus Die Autoren selbst bleiben äußerst überrascht.

Nachfolgend finden Sie eine Liste der seltsamsten modernen Gemälde, die für Millionen von Dollar verkauft wurden.

1. „Raumkonzept“ – Lucio Fontana (Lucio Fontana)

Für 1.500.000 US-Dollar verkauft.

Dieses Gemälde wurde bei einer Auktion in London für sagenhaftes Geld verkauft. Es scheint, als ob der Autor die Leinwand einfach mit Farbe übermalt hätte das Bild mit schrägen Linien „zerrissen“. Bei einer Million stellt sich natürlich die Frage: Will der Künstler mehr für ein ähnliches Bild bekommen? mehr Geld, sollte er einfach noch einen Schnitt machen?

Oder vielleicht ist die Bildqualität umso höher, je mehr Merkmale der Schnitt aufweist?

2. „Blood Red Mirror“ – Gerhard Richter

Für 1.100.000 US-Dollar verkauft.

„Bild – Spiegel“ kam für 1,1 Millionen unter den Hammer. Natürlich ist dieser Künstler der Autor vieler schöner Werke, aber um dieses zu verstehen, muss man offenbar nur als Künstler geboren sein.

Es ist schwierig, wenn nicht unmöglich, in diesem Meisterwerk etwas zu erkennen so etwas wie ein Spiegel. Vielleicht wollte der Sammler, der es gekauft hat, sich beim Blick in den Spiegel einfach in mehr Licht sehen.

Die teuersten Gemälde

3. „Grün und Weiß“ – Ellsworth Kelly (Ellsworth Kelly)

Für 1.600.000 US-Dollar verkauft.

Die Werke dieses Künstlers sind sehr umstritten, Kritiker sind unterschiedlicher Meinung über ihren Wert, aber natürlich ist dieses Bild das Beste, was keines von beiden ist echtes Juwel.

Dies ist die häufigste Leinwand mit einem deformierten Kreis in der Mitte, und es gibt Menschen, die bereit sind, für das Recht, diese Kreation in ihre Sammlung aufzunehmen, so viel zu zahlen, wie eine kleine thailändische Insel kostet.

4. „Ohne Titel“ – Mark Rothko (Mark Rothko)

Für 28.000.000 US-Dollar verkauft.

Viele haben unvoreingenommen über dieses Bild gesprochen, aber es ist eher einfach langweilig. Wenn Ihr Kind Ihnen nach dem Abschluss der Kunstschule eine solche Zeichnung mitbringen würde, gäbe es zwei mögliche Szenarien für den Ablauf der Ereignisse:

a) Du wärst furchtbar stolz und würdest ein Bild anstelle eines Fernsehers aufhängen

b) Sag ihm: „Gut gemacht, Junge. Lass uns das nächste Mal etwas anderes zeichnen!“

5. „Ohne Titel“ – Blinky Palermo (Blinky Palermo)

Verkauft fuer 1.700.000 $.

Dieses Bild ist, wie viele andere Kreationen dieses Künstlers, eine Übereinanderschichtung farbiger Leinwände. Einer der Kritiker bemerkte, dass er dieses Bild eine Stunde lang betrachtete, aber nichts darin finden konnte.

Ein anderer Kritiker brachte es noch tiefer auf den Punkt: „Die Gemälde von Palermo bieten dem Auge des Betrachters vielfältige Farbveränderungen, während Spuren malerischer Nuancen und Exzesse auf der Oberfläche der Leinwände völlig fehlen, stattdessen kann der Mensch wunderschöne, unverdünnte Farben sehen.“

Um den Mangel an Farblösungen auf diese Weise zu kaschieren, muss man ein echter Profi auf seinem Gebiet sein!

seltsame Bilder

6. „Hund“ – Joan Mira (Joan Mira)

Für 2.200.000 US-Dollar verkauft.

Tatsächlich hat Mir viele gute Werke, aber dieser sticht wirklich heraus und zwar nicht im positivsten Sinne.

Oder wollte der Sammler, der es gekauft hat, einfach nur einen Teil des Erbes eines talentierten Künstlers besitzen?

7. „White Fire I“ – Barnett Newman (Barnett Newman)

Für 3.800.000 US-Dollar verkauft.

Es ist offensichtlich, dass Menschen, die Gemälde dieser Art kaufen, außerordentlich reich sind. Aber Reiche Menschen werden aufgrund ihrer Intelligenz reich.

Wenn ja, warum sollte ein intelligenter Sammler ein solches Werk aufgrund der dürftigen Beschreibung auf der Website bei einer Online-Auktion kaufen?

Der Name des Gemäldes ist ein mystischer Begriff, der direkt damit zusammenhängt Thora. Die Tora selbst zielt auf eine tiefe spirituelle Einheit ab, die Newman seiner Meinung nach durch seine Werke dem Betrachter zu vermitteln versucht.

Aber ist es wirklich so? Oder ist es für einen unerfahrenen Menschen einfach schwierig, die Beziehung zwischen zwei Zeilen auf einer leeren Leinwand und der Thora nachzuvollziehen?

8. „Ohne Titel“ – Cy Twombly (Cy Twombly)

Für 23.000.000 US-Dollar verkauft.

Diese Arbeit wurde am durchgeführt hastig zu Hause auf Normalpapier mit herkömmlichem Papier Wachsstift, also das gleiche Material, das Wird von einem Kind verwendet, wenn es im Kindergarten das Schreiben lernt.

Wenn Sie Ihre Augen ein wenig trüben und das Bild betrachten, kommt es Ihnen dann nicht so vor, als ob dieses Meisterwerk dem Versuch eines Babys, den Buchstaben „e“ schreiben zu lernen, sehr ähnlich ist?

9. „Cowboy“ – Ellsworth Kelly (Ellsworth Kelly)

Für 1.700.000 US-Dollar verkauft.

Kelly studierte über vier Jahre lang Kunst an Kulturinstitutionen in Boston und Paris, bevor er sich für die Richtung des Stils seiner Arbeit entschied. Nach einigen Recherchen kam er zu dem Schluss seine Werke werden „Block“ sein.

Für ein unerfahrenes Auge mag die Wahl falsch erscheinen, denn welchen Wert haben diese Blöcke, wenn sie auf dem Papier umgesetzt werden? Dennoch lohnt es sich, einen Fehler einzugestehen, denn aus wirtschaftlicher Sicht ist die Wahl sehr richtig, aus ästhetischer Sicht dürfte der Autor jedoch kaum die richtige Entscheidung getroffen haben.

10. „Blauer Narr“ – Christopher Wool (Christopher Wool)

Für 5.000.000 US-Dollar verkauft.

Man kann sich vorstellen, wie sehr sich Christopher, der sich auf das Malen von Wörtern spezialisiert hat, gefreut hat, als dieses besondere Werk für so viel Geld verkauft wurde. Ich frage mich, ob er, als er sein Bild malte, gedacht hätte, dass er jemanden zum Kauf überreden könnte?

Bravo, Christopher!

Die teuersten Gemälde von Künstlern

10. Blutroter Spiegel von Gerhard Richter- für 1.314.500 $ verkauft

Gerhard Richter (* 9. Februar 1932 in Dresden) ist der berühmteste zeitgenössische deutsche Künstler, sein Werk gilt als das umstrittenste und umstrittenste und seine Gemälde sind die teuersten unter den Werken lebender Künstler. Eines davon wurde kürzlich bei Sotheby's für 20,8 Millionen Dollar verkauft! Das Gemälde auf unserer Liste wurde im November 2008 bei derselben New Yorker Auktion für 1,3 Millionen verkauft. Blood Red Mirror („Blood Red Mirror“) ist ein Spiegel in blutroten Farben.

9. „Das Konzept des Raumes, des Wartens“ Lucio Fontana- für 1,5 Millionen Dollar verkauft

Lucio Fontana ist ein italienischer Maler, Bildhauer und abstrakter Künstler. Er legte einst den Grundstein für den Modetrend der „Cut“-Gemälde. Und dieses Werk von Fontana, das 2010 für 1,5 Millionen Dollar verkauft wurde, ist wirklich eingraviert.

8. „Grün-Weiß“ Ellsworth Kelly- für 1.650.500 $ verkauft

Ellsworth Kelly ist ein zeitgenössischer amerikanischer Maler und Bildhauer. Er ist der größte Vertreter Richtungen „Hard-Edge-Malerei“ – Malerei, die Figuren (oft, aber nicht unbedingt geometrisch) mit scharfen, klaren Konturen enthält. Das Gemälde „Grün-Weiß“ wurde im November 2008 für 1.650.500 US-Dollar verkauft.

7. „Ohne Titel“ Blinky Palermo

Blinky Palermo ist ein deutscher abstrakter Künstler. Sein Gemälde „Ohne Titel“ wurde bei einer Auktion für 1,7 Millionen verkauft. Tatsächlich ist „Untitled“ wie der Rest von Palermos Werk eine Überlagerung einer Farbe mit einer anderen.

6. „Cowboy“, Ellsworth Kelly- für 1,7 Millionen US-Dollar verkauft

Der Film „Cowboy“ brachte der uns bereits bekannten Kelly 1,7 Millionen Dollar ein.

5. Peinture (Le Chien), Joan Miro- für 2.210.500 $ verkauft

Joan Miro ist ein berühmter katalanischer (spanischer) abstrakter Künstler. Die Werke des Künstlers ähneln meist zusammenhangslosen Kinderzeichnungen und enthalten Figuren, die realen Objekten vage ähneln. Sein Gemälde „Dog“ wurde bei Christie’s in New York für 2.210.500 US-Dollar verkauft.

4. „Ohne Titel“ von Cy Twombly- Für 2,3 Millionen US-Dollar verkauft.

Cy Twombly ist ein amerikanischer Maler und abstrakter Bildhauer. Die Originalität von Twomblys Art liegt in der chaotischen Anwendung von Beschriftungen, Linien und Kratzern auf der Leinwand. Sein für 2,3 Millionen US-Dollar gekauftes Gemälde „Ohne Titel“ könnte eher wie das Werk eines fünfjährigen Kindes aussehen, das das Schreiben des Buchstabens „e“ übt.

3. „White Fire I“ von Barnett Newman- für 3.859.500 Dollar verkauft

Barnett Newman ist ein amerikanischer Künstler, ein prominenter Vertreter des abstrakten Expressionismus. White Window I wurde am 13. November 2002 für 3.859.500 US-Dollar verkauft.

2. „Blue Fool“ („Blue Fool“), Christopher Wool- für 5 Millionen Dollar verkauft

Das Gemälde „Blue Fool“ des zeitgenössischen amerikanischen Künstlers Christopher Wool wurde im Mai 2010 bei Christie's in New York für 5.010.500 US-Dollar gekauft.

1. „Ohne Titel“ (1961) Mark Rothko- für 28 Millionen Dollar verkauft

Ein Gemälde von Rothko, einem führenden Vertreter des abstrakten Expressionismus und einem der Schöpfer der Farbfeldmalerei, wurde 2010 in New York bei Sotheby's für verrückte 28.000.000 US-Dollar verkauft.

Die Bewertung der teuersten Werke lebender Künstler ist eine Konstruktion, die viel weniger über die Rolle und den Platz des Künstlers in der Kunstgeschichte als über Alter und Gesundheit aussagt

Die Regeln für die Erstellung unserer Bewertung sind einfach: Erstens werden nur Transaktionen mit Werken lebender Autoren berücksichtigt; zweitens werden nur öffentliche Auktionen berücksichtigt; und drittens wird die Regel „ein Künstler – ein Werk“ beachtet (gehören zwei Schallplatten zu Jones in der Werkbewertung, dann bleibt nur der teuerste übrig, der Rest wird nicht berücksichtigt). Die Rangfolge erfolgt in Dollar (zum Wechselkurs am Verkaufsdatum).

1. JEFF KOONS Kaninchen. 1986. 91,075 Millionen US-Dollar

Je länger Sie die Auktionskarriere von Jeff Koons (1955) verfolgen, desto mehr werden Sie davon überzeugt, dass für die Pop-Art nichts unmöglich ist. Sie können Koons-Skulpturen in Form von Spielzeugen bewundern Luftballons, aber Sie können sie als kitschig und geschmacklos betrachten – Ihr Recht. Eines lässt sich nicht leugnen: Jeff Koons Installationen kosten wahnsinnig viel Geld.

Jeff Koons begann seinen Weg zum weltweit erfolgreichsten lebenden Künstler im Jahr 2007, als seine riesige Metallinstallation „Hängendes Herz“ für 23,6 Millionen US-Dollar bei Sotheby's gekauft wurde. Das Werk wurde von der Larry Gagosian Gallery gekauft, die Koons vertritt (in dem sie an schrieben). Presse, dass es im Interesse des ukrainischen Milliardärs Viktor Pinchuk war.) Die Galerie erwarb nicht nur eine Installation, sondern tatsächlich ein Schmuckkunstwerk. 2,7 m wiegt 1.600 kg), hat aber einen ähnlichen Zweck. Über sechs Eineinhalbtausend Stunden wurden für die Herstellung einer Komposition mit einem mit zehn Farbschichten bedeckten Herzen aufgewendet. Infolgedessen wurde gigantisches Geld für die spektakuläre „Dekoration“ ausgegeben.

Als nächstes folgte am 30. Juni 2008 der Verkauf der Purple Balloon Flower für 12,92 Millionen Pfund (25,8 Millionen US-Dollar) bei Christie's London. Interessanterweise kauften die Vorbesitzer von „Flower“ das Werk sieben Jahre zuvor für 1,1 Millionen US-Dollar. Es ist leicht zu berechnen, dass sich der Marktpreis in dieser Zeit um fast das 25-fache erhöht hat.

Der Abschwung auf dem Kunstmarkt in den Jahren 2008 und 2009 gab Skeptikern Anlass zu der Verleumdung, dass die Mode für Koons vorbei sei. Doch sie lagen falsch: Mit dem Kunstmarkt erwachte auch das Interesse an den Werken von Koons wieder. Andy Warhols Nachfolger auf dem Thron des Königs der Pop-Art aktualisierte seine persönliche Bestleistung im November 2012 mit dem Verkauf einer mehrfarbigen Skulptur „Tulips“ aus der „Triumph“-Serie bei Christie's für 33,7 Millionen US-Dollar inklusive Provision.

Aber „Tulpen“ waren im direkten Sinne „Blumen“. im übertragenen Sinne. Nur ein Jahr später, im November 2013, folgte der Verkauf der Ballonhund-Skulptur (orange) aus Edelstahl: Der Hammerpreis belief sich auf ganze 58,4 Millionen US-Dollar! Eine sagenhafte Summe für einen lebenden Künstler. Das Werk eines zeitgenössischen Autors wurde zum Preis eines Gemäldes von Van Gogh oder Picasso verkauft. Das waren die Beeren...

Mit diesem Ergebnis stand Koons mehrere Jahre lang an der Spitze der Rangliste der lebenden Künstler. Im November 2018 wurde er kurzzeitig von David Hockney überholt (siehe Platz zwei in unserem Ranking). Doch nur ein halbes Jahr später normalisierte sich alles wieder: Am 15. Mai 2019 stellte Christie's in New York bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst eine Lehrbuchskulptur für Koons aus dem Jahr 1986 zum Verkauf – ein silbernes „Kaninchen“. Hergestellt aus Edelstahl, imitiert einen Ballon mit ähnlicher Form.

Insgesamt schuf Koons drei solcher Skulpturen sowie ein Autorenexemplar. Die Auktion beinhaltete ein Exemplar von „Rabbit“ Nummer 2 – aus der Sammlung des Kultverlegers Cy Newhouse, Miteigentümer des Verlagshauses Conde Nast (Magazine Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ, etc.). Das silberne „Rabbit“ wurde 1992 vom „Vater des Glamours“ Cy Newhouse für einen für damalige Verhältnisse beeindruckenden Betrag gekauft – 1 Million US-Dollar. Nach 27 Jahren im Kampf von 10 Bietern war der Preis für den Hammer der Skulptur 80-mal höher als der vorherige Verkaufspreis. Und mit der Käuferprämie belief sich das Endergebnis auf einen Rekordwert von 91,075 Millionen US-Dollar für alle lebenden Künstler.

2. DAVID HOKNEY Porträt des Künstlers. Pool mit zwei Figuren. 1972. 90.312.500 $

David Hockney (1937) ist einer der bedeutendsten britischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Im Jahr 2011 wurde David Hockney in einer Umfrage unter Tausenden professionellen britischen Malern und Bildhauern zum einflussreichsten britischen Künstler aller Zeiten gewählt. Gleichzeitig ging Hockney an Meistern wie William Turner und Francis Bacon vorbei. Sein Werk wird in der Regel der Pop-Art zugeschrieben, obwohl er sich in seinen frühen Werken eher dem Expressionismus im Sinne von Francis Bacon zuwandte.

Geboren und aufgewachsen ist David Hockney in England, Yorkshire. Die Mutter des zukünftigen Künstlers hielt die Familie in puritanischer Strenge, und sein Vater, ein einfacher Buchhalter, der ein wenig auf Amateurniveau zeichnete, ermutigte seinen Sohn zum Malen. Mit Anfang Zwanzig zog David nach Kalifornien, wo er insgesamt etwa drei Jahrzehnte lebte. Er hat dort noch zwei Werkstätten. Hockney machte die Helden seiner Werke zu den Reichen vor Ort, ihren Villen, Schwimmbädern und Rasenflächen, die in der kalifornischen Sonne gebadet waren. Eines seiner berühmtesten Werke aus der amerikanischen Zeit – das Gemälde „Splash“ – zeigt ein Bündel Gischt, das aus dem Becken aufsteigt, nachdem eine Person ins Wasser gesprungen ist. Um dieses Bündel darzustellen, das nicht länger als zwei Sekunden „lebt“, hat Hockney zwei Wochen lang gearbeitet. Dieses Gemälde wurde übrigens 2006 bei Sotheby’s für 5,4 Millionen Dollar verkauft und galt einige Zeit als sein teuerstes Werk.

Hockney (1937) ist bereits über achtzig, arbeitet aber immer noch und erfindet mithilfe technischer Innovationen sogar neue künstlerische Techniken. Einst kam er auf die Idee, riesige Collagen aus Polaroidbildern anzufertigen, druckte seine Werke auf Faxgeräten aus und heute meistert der Künstler mit Begeisterung das Zeichnen auf dem iPad. Die auf der Tafel gezeichneten Gemälde nehmen in seinen Ausstellungen ihren rechtmäßigen Platz ein.

Im Jahr 2005 kehrte Hockney schließlich aus den USA nach England zurück. Jetzt malt er im Freien und im Atelier riesige (oft aus mehreren Teilen bestehende) Landschaften aus heimischen Wäldern und Ödland. Laut Hockney hat er sich in seinen 30 Jahren in Kalifornien so sehr an den einfachen Wechsel der Jahreszeiten gewöhnt, dass er ihn wirklich fasziniert und fasziniert. Ganze Zyklen seiner neueren Werke widmen sich beispielsweise der gleichen Landschaft zu unterschiedlichen Jahreszeiten.

Im Jahr 2018 durchbrachen Hockneys Gemälde mehrmals die 10-Millionen-Dollar-Marke. Und am 15. November 2018 wurde bei Christie's ein neuer absoluter Rekord für das Werk eines lebenden Künstlers registriert – 90.312.500 US-Dollar für das Gemälde „Porträt des Künstlers (Pool mit zwei Figuren)“.

3. GERHARD RICHTER Abstraktes Gemälde. 1986. 46,3 Millionen US-Dollar

Wohnklassiker Gerhard Richter (1932) belegt in unserem Ranking den zweiten Platz. Der deutsche Künstler war der Spitzenreiter unter den lebenden Kollegen, bis Jeff Koons den 58-millionsten Rekord erreichte. Es ist jedoch unwahrscheinlich, dass dieser Umstand Richters ohnehin eiserne Autorität auf dem Kunstmarkt erschüttern kann. Den Ergebnissen des Jahres 2012 zufolge liegt der jährliche Auktionsumsatz des deutschen Künstlers hinter dem von Andy Warhol und Pablo Picasso an zweiter Stelle.

Viele Jahre lang ließ nichts den Erfolg erahnen, der Richter jetzt zuteil wird. Der Künstler nahm jahrzehntelang einen bescheidenen Platz auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt ein und strebte überhaupt nicht nach Ruhm. Wir können sagen, dass ihn der Ruhm von selbst überholt hat. Als Ausgangspunkt wird von vielen der Kauf von Richters Serie vom 18. Oktober 1977 durch das New Yorker MoMA Museum im Jahr 1995 angesehen. Das American Museum zahlte 3 Millionen US-Dollar für 15 Graustufengemälde und begann bald darüber nachzudenken, eine umfassende Retrospektive des deutschen Künstlers zu veranstalten. Die grandiose Ausstellung wurde sechs Jahre später, im Jahr 2001, eröffnet und seitdem ist das Interesse an Richters Werk sprunghaft gewachsen. Von 2004 bis 2008 verdreifachte sich der Preis seiner Gemälde. Im Jahr 2010 brachten Richters Werke bereits 76,9 Millionen US-Dollar ein, im Jahr 2011 brachten Richters Werke laut der Artnet-Website bei Auktionen insgesamt 200 Millionen US-Dollar ein und im Jahr 2012 (laut Artprice) 262,7 Millionen US-Dollar – mehr als alle anderen Arbeiten anderer lebender Künstler.

Während zum Beispiel Jasper Johns einen überwältigenden Erfolg bei der Auktion hat frühe Arbeit Eine derart scharfe Trennung ist für Richters Werke nicht typisch: Die Nachfrage nach Dingen unterschiedlicher Art ist gleichermaßen stabil Schaffensperioden, von denen es in Richters Karriere sehr viele gab. In den letzten sechzig Jahren hat sich dieser Künstler in fast allen traditionellen Genres der Malerei versucht – Porträt, Landschaft, Yachthafen, Akt, Stillleben und natürlich Abstraktion.

Die Geschichte von Richters Auktionsaufzeichnungen begann mit einer Reihe von Stillleben „Kerzen“. 27 fotorealistische Bilder von Kerzen aus den frühen 1980er Jahren kosteten zum Zeitpunkt ihrer Entstehung nur 15.000 Deutsche Mark (5.800 US-Dollar) pro Werk. Doch noch immer kaufte niemand Kerzen bei ihrer ersten Ausstellung in der Galerie Max Hetzler in Stuttgart. Damals hieß das Thema der Gemälde altmodisch; Heute gelten „Kerzen“ als Werke für alle Zeiten. Und sie kosten Millionen von Dollar.

Im Februar 2008 „Candle“, geschrieben im Jahr 1983, wurde unerwartet für £ gekauft 7,97 Millionen (16 Millionen US-Dollar). Dieser persönliche Rekord hielt dreieinhalb Jahre. Dann im Oktober 2011 noch eine „Kerze“ (1982) kam bei Christie's bereits für £ unter den Hammer 10,46 Millionen (16,48 Millionen US-Dollar). Mit dieser Platte gelangte Gerhard Richter erstmals in die Top 3 der erfolgreichsten lebenden Künstler und platzierte sich damit hinter Jasper Johns und Jeff Koons.

Dann begann der Siegeszug von Richters „Abstrakten Gemälden“. Der Künstler malt solche Werke in einer einzigartigen Autorentechnik: Er trägt eine Mischung einfacher Farben auf einen hellen Hintergrund auf und schmiert sie dann mit einem langen Schaber von der Größe einer Autostoßstange auf die Leinwand. Dadurch entstehen komplizierte Farbübergänge, Flecken und Streifen. Die Untersuchung der Oberfläche seiner „Abstract Paintings“ gleicht einer Ausgrabung: Auf ihnen blicken Spuren verschiedener „Figuren“ durch die Lücken zahlreicher Farbschichten.

9. November 2011 bei der Auktion moderner und Kunst der Nachkriegszeit Sotheby's-Skala „Abstrakte Malerei (849-3)“ 1997 kam unter den Hammer 20,8 Mio. $ (13,2 Mio. £). Und sechs Monate später, 8. Mai 2012 bei der Auktion für Nachkriegs- und zeitgenössische Kunst Christie's in New York „Abstrakte Malerei (798-3)“ Das Jahr 1993 brachte einen Rekord 21,8 Millionen US-Dollar(einschließlich Provision). Fünf Monate später – wieder ein Rekord: „Abstrakte Malerei (809-4)“ aus der Sammlung des Rockmusikers Eric Clapton kam am 12. Oktober 2012 bei Sotheby's in London für £ unter den Hammer 21,3 Millionen (34,2 Millionen US-Dollar). Die 30-Millionen-Grenze hat Richter mit einer solchen Leichtigkeit genommen, als ginge es nicht um moderne Malerei, sondern um Meisterwerke, die bereits hundert Jahre alt sind – nicht weniger. Allerdings scheint es bei Richter so zu sein, dass die Aufnahme in das Pantheon der „Großen“ bereits zu Lebzeiten des Künstlers stattgefunden hat. Die deutschen Preise steigen weiter.

Richters nächste Aufnahme gehörte zu einem fotorealistischen Werk – einer Landschaft „Domplatz, Mailand“ 1968. Das Werk wurde verkauft 37,1 Millionen bei Sotheby's Auktion 14. Mai 2013. Die Ansicht des schönsten Platzes wurde 1968 von einem deutschen Künstler im Auftrag von Siemens Electro speziell für die Mailänder Niederlassung des Unternehmens gemalt. Zum Zeitpunkt seiner Niederschrift war es Richters größtes figuratives Werk (fast drei mal drei Meter groß).

Der Rekord am Cathedral Square hielt fast zwei Jahre lang, bis 10. Februar 2015 unterbrach ihn nicht "Abstraktes Gemälde" ( 1986): Der Zuschlagspreis erreichte £ 30,389 Millionen (46,3 Millionen US-Dollar). Das 300,5 × 250,5 cm große abstrakte Gemälde, das bei Sotheby’s versteigert wurde, ist eines von Richters ersten großformatigen Werken in der speziellen Autorentechnik des Abkratzens von Farbschichten. Das letzte Mal im Jahr 1999 wurde dieses „Abstrakte Gemälde“ für 607.000 US-Dollar versteigert (von diesem Jahr bis zur aktuellen Auktion war das Werk im Ludwig-Museum in Köln ausgestellt). Bei der Auktion am 10. Februar 2015 erreichte ein gewisser amerikanischer Kunde in Auktionsschritten von 2 Millionen Pfund den Zuschlagspreis von 46,3 Millionen Dollar. Das heißt, seit 1999 hat sich der Preis des Werkes um mehr als das 76-fache erhöht!

4. Tsui Zhuzhuo „Große schneebedeckte Berge.“ 2013. 39,577 Millionen US-Dollar

Wir haben die Entwicklung der Situation auf dem chinesischen Kunstmarkt lange Zeit nicht genau verfolgt, um unsere Leser nicht mit einer übermäßigen Menge an Informationen über „nicht unsere“ Kunst zu überfordern. Mit Ausnahme des Dissidenten Ai Weiwei, der als resonanter Künstler nicht so teuer ist, Chinesische Autoren Es schien uns zu zahlreich und zu weit von uns entfernt, als dass wir uns mit dem dortigen Marktgeschehen befassen könnten. Aber die Statistik ist, wie man so sagt, eine ernste Dame, und wenn wir über die erfolgreichsten lebenden Autoren der Welt sprechen, dann können wir auf eine Geschichte über die herausragenden Vertreter der zeitgenössischen Kunst des Himmlischen Reiches nicht verzichten.

Beginnen wir mit einem chinesischen Künstler Cui Ruzhuo. Der Künstler wurde 1944 in Peking geboren und lebte von 1981 bis 1996 in den USA. Nach seiner Rückkehr nach China begann er an der National Academy of Arts zu unterrichten. Cui Ruzhuo interpretiert den traditionellen chinesischen Tuschemalereistil neu und kreiert die riesigen Rollbilder, die chinesische Geschäftsleute und Beamte einander gerne als Geschenke überreichen. Im Westen ist sehr wenig über ihn bekannt, obwohl sich viele an die Geschichte der 3,7 Millionen US-Dollar teuren Schriftrolle erinnern, die von den Reinigungskräften eines Hotels in Hongkong versehentlich weggeworfen wurde, weil sie sie für Müll hielten. Es war also Cui Ruzhuos Schriftrolle.

Cui Ruzhuo ist in seinen 70ern und der Markt für seine Arbeiten floriert. Über 60 Werke dieses Künstlers haben die 1-Millionen-Dollar-Marke überschritten, seine Werke waren jedoch bisher nur auf chinesischen Auktionen erfolgreich. Cui Ruzhuos Rekorde sind wirklich beeindruckend. Zuerst „Landschaft im Schnee“ bei Poly Auction in Hongkong 7. April 2014 erreichte einen Zuschlagspreis von 184 Millionen HK$ ( 23,7 Millionen US-Dollar).

Genau ein Jahr später 6. April 2015 bei einer speziellen Poly-Auktion in Hongkong, die ausschließlich dem Werk von Cui Ruzhuo gewidmet ist, einer Serie „Die großartige Schneelandschaft des bergigen Jiangnan“(Jiangnan ist eine historische Region in China und liegt am rechten Ufer des Unterlaufs des Jangtsekiang.) von acht Tinte-auf-Papier-Landschaften erreichte einen Zuschlagspreis von 236 Millionen HK$ ( 30,444 Millionen US-Dollar).

Ein Jahr später wiederholte sich die Geschichte erneut: bei der Einzelauktion von Cui Ruzhuo, durchgeführt von Poly Auctions in Hongkong 4. April 2016 Polyptychon in sechs Teilen „Große schneebedeckte Berge“ 2013 erreichte der Preis einen Hammer (inkl. Provision). Auktions Haus) 306 Millionen HK$ (39,577 Millionen US-Dollar). Bisher ist dies ein absoluter Rekord unter asiatischen lebenden Künstlern.

Laut dem Kunsthändler Johnson Chan, der seit 30 Jahren mit chinesischer zeitgenössischer Kunst arbeitet, besteht ein unbedingter Wunsch, die Preise für die Werke dieses Autors zu erhöhen, aber das alles geschieht auf einem Preisniveau, das erfahrene Sammler wahrscheinlich nicht wollen etwas kaufen. „Die Chinesen wollen die Bewertungen ihrer Künstler erhöhen, indem sie die Preise für ihre Werke auf großen internationalen Auktionen wie der von Poly in Hongkong in die Höhe treiben, aber es besteht kein Zweifel, dass diese Bewertungen völlig erfunden sind“, kommentiert Johnson Chang die von Cui Ruzhuo neuester Rekord.

Dies ist natürlich nur die Meinung eines einzelnen Händlers, und wir haben einen echten Eintrag, der in allen Datenbanken erfasst ist. Berücksichtigen wir ihn also. Cui Ruzhuo selbst ist seinen Aussagen nach zu urteilen weit von der Bescheidenheit Gerhard Richters entfernt, wenn es um seinen Auktionserfolg geht. Es scheint, dass ihn dieses Rennen um Rekorde ernsthaft fesselt. „Ich hoffe, dass die Preise für meine Werke in den nächsten 5 bis 10 Jahren die Preise für Werke westlicher Meister wie Picasso und Van Gogh übertreffen werden. Das ist der chinesische Traum“, sagt Cui Ruzhuo.

5 Jasper Johns Flagge. 1983. 36 Millionen US-Dollar

Der dritte Platz im Ranking der lebenden Künstler gehört einem Amerikaner An Jasper Johns (1930). Der aktuelle Rekordpreis für Jones' Arbeit liegt bei $ 36 Millionen. So viel wurde für seinen Ruhm bezahlt "Flagge" bei Christie's Auktion 12. November 2014.

Eine Reihe von „Flaggen“-Gemälden, die Jones Mitte der 1950er Jahre, unmittelbar nach der Rückkehr des Künstlers aus der Armee, begann, wurde zu einem der zentralen Gemälde seines Schaffens. Schon in seiner Jugend interessierte sich der Künstler für die Idee eines Readymades, der Verwandlung eines Alltagsgegenstandes in ein Kunstwerk. Die Flaggen von Jones waren jedoch nicht echt, sie waren in Öl auf Leinwand gemalt. So erhielt ein Kunstwerk die Eigenschaften einer Sache aus dem gewöhnlichen Leben, es war zugleich das Abbild der Flagge und die Flagge selbst. Eine Reihe von Arbeiten mit Flaggen, die Jasper Johns gebracht wurden Weltruhm. Aber nicht weniger beliebt sind seine abstrakten Werke. Die nach den oben genannten Regeln erstellte Liste der teuersten Werke wurde viele Jahre lang von einem Abstract angeführt "Fehlstart". Bis 2007 galt diese sehr helle und dekorative Leinwand, die 1959 von Jones gemalt wurde, als Besitzer eines für einen lebenden Künstler (wenn auch lebenslangen Klassiker) praktisch unzugänglichen Preises – $ 17 Millionen. So viel haben sie dafür in Gold für den Kunstmarkt bezahlt 1988.

Interessanterweise war die Erfahrung von Jasper Johns als Rekordhalter nicht kontinuierlich. 1989 wurde er durch die Arbeit seines Kollegen Willem de Kooning unterbrochen: Die zwei Meter große Abstraktion „Mixing“ wurde bei Sotheby's für 20,7 Millionen Dollar verkauft. Jasper Johns musste umziehen. Doch nach 8 Jahren, 1997, starb de Kooning , und „Fehlstart“ Jones belegte fast 10 Jahre lang erneut den ersten Platz in der Auktionswertung lebender Künstler.

Doch 2007 änderte sich alles. Der False Start-Rekord wurde zunächst durch die Arbeit der jungen und ehrgeizigen Damien Hirst und Jeff Koons in den Schatten gestellt. Dann gab es einen Rekordverkauf für 33,6 Millionen US-Dollar für das Gemälde „Der schlafende Inspektor“ von Lusien Freud (inzwischen verstorben und daher nicht an dieser Bewertung beteiligt). Dann begannen die Aufzeichnungen von Gerhard Richter. Generell liegt Jasper Johns, einer der Meister der amerikanischen Nachkriegskunst an der Schnittstelle von Neo-Dadaismus, abstraktem Expressionismus und Pop-Art, mit einem aktuellen Rekord von bisher 36 Millionen auf einem ehrenvollen dritten Platz.

6. ED RUSHAY Zerschlagen. 1963. 30,4 Millionen US-Dollar

Der plötzliche Erfolg des Gemäldes „Smash“ eines amerikanischen Künstlers Edward Ruscha (geb. 1937) bei einer Auktion Christie's 12. November 2014 brachte diesen Autor in die Reihe der teuersten lebenden Künstler. Der bisherige Rekordpreis für das Werk von Ed Ruscha (oft wird der Name Ruscha im Russischen als „Rusha“ ausgesprochen, die korrekte Aussprache ist jedoch Ruscha) betrug „nur“ 6,98 Millionen US-Dollar: So viel zahlten sie für seine Leinwand „Burning Gas“. Bahnhof“ im Jahr 2007. Sieben Jahre später sein Zerschlagen mit einer Schätzung von 15–20 Millionen US-Dollar erreichte es den Preis eines Hammers 30,4 Millionen US-Dollar. Es ist offensichtlich, dass der Markt für die Werke dieses Autors ein neues Niveau erreicht hat – nicht umsonst schmückt Barack Obama das Weiße Haus mit seinen Werken, und Larry Gagosian selbst stellt ihn in seinen Galerien aus.

Ed Ruscha hatte nie das Nachkriegs-New York mit seiner Begeisterung für abstrakten Expressionismus angestrebt. Stattdessen suchte er über 40 Jahre lang Inspiration in Kalifornien, wohin er im Alter von 18 Jahren aus Nebraska zog. Der Künstler stand am Ursprung einer neuen Kunstrichtung, der Pop-Art. Zusammen mit Warhol, Lichtenstein, Wayne Thiebaud und anderen Popkultursängern nahm Edward Ruscha 1962 an der ersten Ausstellung „A New Image of Ordinary Things“ des Pasadena Museums teil Museumsausstellung Amerikanische Pop-Art. Allerdings mag es Ed Ruscha selbst nicht, wenn sein Werk der Pop-Art, dem Konzeptualismus oder einer anderen Kunstströmung zugeschrieben wird.

Sein einzigartiger Stil nennt sich „Textmalerei“. Ab Ende der 1950er Jahre begann Ed Ruscha mit dem Malen von Wörtern. So wie für Warhol eine Dose Suppe zum Kunstwerk wurde, waren es für Ed Ruscha gewöhnliche Wörter und Phrasen, entweder von einer Werbetafel oder einer Verpackung in einem Supermarkt oder aus dem Abspann eines Films (Hollywood war immer an Ruschas Seite, und im Gegensatz zu vielen seiner Künstlerkollegen respektierte Rushey die „Traumfabrik“). Die Worte auf seinen Leinwänden nehmen die Eigenschaften dreidimensionaler Objekte an, es handelt sich um echte Stillleben aus Worten. Beim Betrachten seiner Leinwände fällt einem zunächst die visuelle und akustische Wahrnehmung des gezeichneten Wortes ein und erst danach die semantische Bedeutung. Letzteres ist in der Regel nicht eindeutig zu entziffern; Die von Ruscha gewählten Wörter und Phrasen können unterschiedlich interpretiert werden. Das gleiche leuchtend gelbe Wort „Smash“ auf einem tiefblauen Hintergrund kann als aggressiver Aufruf wahrgenommen werden, etwas oder jemanden in Stücke zu schlagen; als einzelnes Adjektiv, das aus dem Kontext gerissen wurde (z. B. als Teil einer Schlagzeile in einer Zeitung) oder einfach als einzelnes Wort, das in einem städtischen Strom visueller Bilder gefangen ist. Ed Ruscha genießt diese Unsicherheit. „Ich hatte immer großen Respekt vor seltsamen, unerklärlichen Dingen … Erklärungen töten gewissermaßen etwas“, sagte er in einem Interview.

7. CHRISTOPHER WOOL Ohne Titel (RIOT). 1990. 29,93 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler Christopher Wool(1955) schaffte es 2013 erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler – nach dem Verkauf von Apocalypse Now für 26,5 Millionen US-Dollar. Dieser Rekord brachte ihn sofort auf eine Stufe mit Jasper Johns und Gerhard Richter. Die Höhe dieses historischen Deals – mehr als 20 Millionen US-Dollar – überraschte viele, da die Preise für die Werke des Künstlers zuvor nicht über 8 Millionen US-Dollar lagen. Das schnelle Wachstum des Marktes für die Werke von Christopher Wool war jedoch bereits zu diesem Zeitpunkt erkennbar : In Streckenrekord Der Künstler hatte 48 Auktionen im Wert von über 1 Million US-Dollar, von denen 22 (fast die Hälfte) im Jahr 2013 stattfanden. Zwei Jahre später erreichte die Zahl der für mehr als 1 Million US-Dollar verkauften Werke von Chris Wool 70, und ein neuer persönlicher Rekord ließ nicht lange auf sich warten. Bei einer Auktion Sotheby's 12. Mai 2015 Werk „Untitled (RIOT)“ wurde für $ verkauft 29,93 Millionen inklusive Käuferaufgeld.

Christopher Wool ist vor allem für seine großformatigen schwarzen Schriftzüge auf weißen Aluminiumblechen bekannt. Sie sind es, die bei Auktionen in der Regel Rekorde aufstellen. Das sind alles Dinge aus den späten 1980er und frühen 1990er Jahren. Der Legende nach spazierte Wool eines Abends durch New York und sah plötzlich Graffiti in schwarzen Buchstaben auf einem neuen weißen Lastwagen – die Worte Sex und Luv. Dieser Anblick beeindruckte ihn so sehr, dass er sofort ins Studio zurückkehrte und mit denselben Worten seine eigene Version schrieb. Es war das Jahr 1987 und die weitere Suche des Künstlers nach Worten und Phrasen für seine „buchstäblichen“ Werke spiegelt den widersprüchlichen Geist dieser Zeit wider. Dies ist der Ruf „Verkaufe das Haus, verkaufe das Auto, verkaufe die Kinder“, den Wool aus dem Film „Apocalypse Now“ übernommen hat, und das Wort „FOOL“ („Narr“). Großbuchstaben und das Wort „RIOT“ („Rebellion“), das damals oft in Schlagzeilen der Zeitungen vorkam.

Wörter und Sätze Wolle wird mithilfe von Schablonen mit Alkyd- oder Emailfarben auf Aluminiumbleche aufgetragen und hinterlässt dabei bewusst Streifen, Schablonenspuren und andere Spuren des kreativen Prozesses. Der Künstler teilte die Wörter so auf, dass der Betrachter die Bedeutung nicht sofort verstand. Zuerst sehen Sie nur eine Ansammlung von Buchstaben, das heißt, Sie nehmen das Wort als visuelles Objekt wahr, und erst dann lesen und entschlüsseln Sie die Bedeutung der Phrase oder des Wortes. Wool verwendete eine Schriftart, die nach dem Zweiten Weltkrieg vom US-Militär verwendet wurde und den Eindruck eines Befehls, einer Anweisung, eines Slogans verstärkt. Diese „Buchstaben“-Werke werden als Teil der Stadtlandschaft wahrgenommen, als illegales Graffiti, das die Sauberkeit der Oberfläche eines Straßenobjekts beeinträchtigt. Diese Werkreihe von Christopher Wool gilt als einer der Höhepunkte der sprachlichen Abstraktion und wird daher von Liebhabern zeitgenössischer Kunst hoch geschätzt.

8. PETER DOYG Rosedale. 1991. 28,81 Millionen US-Dollar

britisch Peter Doig(1959) wählte, obwohl er zur Generation der Postmodernisten Koons und Hirst gehörte, ein völlig traditionelles Landschaftsgenre, das lange Zeit bei fortgeschrittenen Künstlern nicht beliebt war. Mit seinem Werk lässt Peter Doig das schwindende Interesse der Öffentlichkeit an figurativer Malerei wieder aufleben. Seine Arbeit wird sowohl von Kritikern als auch von Laien hoch geschätzt, was sich an den rasant steigenden Preisen seiner Werke zeigt. Kosteten seine Landschaftsbilder Anfang der 1990er-Jahre noch mehrere tausend Dollar, geht die Rechnung heute in die Millionen.

Doigs Werk wird oft als magischer Realismus bezeichnet. Basierend auf realen Landschaften entstehen fantasievolle, geheimnisvolle und oft düstere Bilder. Der Künstler stellt gerne von Menschen verlassene Gegenstände dar: ein heruntergekommenes Gebäude von Le Corbusier mitten im Wald oder ein leeres weißes Kanu auf der Oberfläche eines Waldsees. Neben Natur und Fantasie lässt sich Doig von Horrorfilmen, alten Postkarten, Fotografien, Amateurvideos usw. inspirieren. Doigs Gemälde sind farbenfroh, kompliziert, dekorativ und nicht provokativ. Es ist schön, ein solches Gemälde zu besitzen. Auch die geringe Produktivität des Autors schürt das Interesse der Sammler: Der in Trinidad lebende Künstler schafft nicht mehr als ein Dutzend Gemälde pro Jahr.

Anfang der 2000er Jahre wurden einzelne Landschaften des Künstlers für mehrere hunderttausend Dollar verkauft. Gleichzeitig wurden Doigs Arbeiten in die Saatchi Gallery, auf die Biennale im Whitney Museum und in die Sammlung des MoMA aufgenommen. Im Jahr 2006 wurde die Auktionsschwelle von 1 Million US-Dollar überschritten. Und im darauffolgenden Jahr gelang ein unerwarteter Durchbruch: Das am 7. Februar 2007 bei Sotheby's mit einer Schätzung von 0,8 bis 1,2 Millionen US-Dollar angebotene Werk „White Canoe“ war fünfmal so hoch übertraf die vorläufige Schätzung und wurde für 5,7 Millionen Pfund (11,3 Millionen US-Dollar) verkauft. Damals war es ein Rekordpreis für das Werk eines lebenden europäischen Künstlers.

Im Jahr 2008 veranstaltete Doig Einzelausstellungen in der Tate Gallery und im Museum of Modern Art in Paris. Preise in Höhe von mehreren Millionen Dollar für Doigs Arbeit sind zur Norm geworden. Der persönliche Rekord von Peter Doig wurde in letzter Zeit mehrmals im Jahr aktualisiert – wir haben nur Zeit, das Bild und den Platz dieses Künstlers in unserem Ranking der lebenden Autoren zu ändern.

Peter Doigs bislang teuerstes Werk ist die Schneelandschaft Rosedale aus dem Jahr 1991. Interessanterweise wurde der Rekord nicht bei Sotheby's oder Christie's aufgestellt, sondern bei der Phillips-Auktion für zeitgenössische Kunst. Dies geschah am 18. Mai 2017. Eine Ansicht des schneebedeckten Rosedale, einem der Stadtteile Torontos, wurde für 28,81 Millionen US-Dollar an einen Telefonkäufer verkauft, etwa 3 Millionen US-Dollar mehr als der vorherige Rekord (25,9 Millionen US-Dollar für „Swallowed in the Mire“). Das Gemälde „Rosedale“ nahm 1998 an Doigs Schlüsselausstellung in der Whitechapel Gallery in London teil, und im Allgemeinen war dieses Werk frisch für den Markt und daher ist der Rekordpreis wohlverdient.

9. FRANK STELLA Cape Pines. 1959. 28 Millionen Dollar

Frank Stella ist ein leuchtender Vertreter der Post-Painting-Abstraktion und des Minimalismus in der Kunst. Ab einem bestimmten Stadium spricht man von einem Hard-Edge-Malstil. Zunächst kontrastierte Stella die strenge Geometrie, das asketische Monochrom und die Strukturierung seiner Gemälde mit der Spontaneität und Zufälligkeit der Leinwände abstrakter Expressionisten wie Jackson Pollock.

Ende der 1950er Jahre wurde der Künstler vom berühmten Galeristen Leo Castelli entdeckt und erhielt erstmals den Zuschlag für eine Ausstellung. Darauf präsentierte er die sogenannten „Black Paintings“ – mit parallelen schwarzen Linien übermalte Leinwände mit dünnen Lücken unbemalter Leinwand dazwischen. Linien formen sich zu geometrischen Formen, die ein wenig an optische Täuschungen erinnern. Gerade die Bilder, die flackern, sich bewegen, verdrehen, erzeugen bei längerem Betrachten ein Gefühl von Weite. Stella führte das Thema paralleler Linien mit dünnen Trennstreifen in seinen Arbeiten auf Aluminium und Kupfer fort. Die Farben, die Bildbasis und sogar die Form der Gemälde veränderten sich (unter anderem stechen Werke in der Form der Buchstaben U, T, L hervor). Aber das Hauptprinzip seiner Malerei bestand immer noch in der Klarheit der Kontur, der Monumentalität, der einfachen Form und der Monochromie. In den folgenden Jahrzehnten entfernte sich Stella von dieser geometrischen Malerei hin zu glatten, natürlichen Formen und Linien und von monochromatischen Gemälden zu hellen und vielfältigen Farbübergängen. In den 1970er Jahren war Stella von den riesigen Mustern fasziniert, mit denen Schiffe bemalt wurden. Der Künstler nutzte sie für riesige Gemälde mit Assemblage-Elementen – er baute Stücke von Stahlrohren oder Drahtgeflecht in seine Werke ein.

In seinen frühen Interviews spricht Frank Stella offen über die Bedeutungen, die in seine Arbeit gesteckt werden, oder vielmehr über deren Abwesenheit: „What you see is what you see.“ Das Gemälde ist ein Objekt für sich, keine Reproduktion von irgendetwas. „Es ist eine flache Oberfläche mit Farbe darauf und sonst nichts“, sagte Stella.

Nun, unterzeichnet von Frank Stella, könnte diese „Oberfläche mit Farbe darauf“ heute Millionen von Dollar wert sein. Erstmals in die Rangliste der lebenden Künstler gelangte Frank Stella 2015 mit dem Verkauf des Delaware Crossing (1961) für 13,69 Millionen US-Dollar inklusive Provision.

Vier Jahre später, am 15. Mai 2019, wurde mit dem Frühwerk „Cape of Pines“ (1959) ein neuer Rekord aufgestellt: Der Zuschlagspreis betrug über 28 Millionen US-Dollar, inklusive Provision. Dies ist eines von 29 „schwarzen Gemälden“ – genau jene, mit denen Stella bei seiner ersten Ausstellung in New York debütierte. Frank Stella, Absolvent der Princeton University, war damals 23 Jahre alt. Für Ölfarben für Künstler fehlte ihm oft das Geld. Der junge Künstler arbeitete nebenbei als Reparaturwerk, ihm gefielen die reinen Farben der Farbe sehr, und dann entstand die Idee, mit dieser Farbe auf Leinwand zu arbeiten. Mit schwarzer Emailfarbe malt Stella parallele Streifen und lässt dazwischen dünne Linien ungrundierter Leinwand. Außerdem schreibt er ohne Lineale, nach Augenmaß, ohne Vorskizze. Stella wusste nie genau, wie viele schwarze Linien in einem bestimmten Gemälde erscheinen würden. Im Gemälde „Cape of Pines“ gibt es beispielsweise 35 davon. Der Titel des Werkes bezieht sich auf den Namen des Kaps in der Massachusetts Bay – Point of Pines. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts gab es dort einen großen Vergnügungspark und heute ist es einer der Bezirke der Stadt Revere.

10. YOSHITOMO NARA Messer hinter dem Rücken. 2000. 24,95 Millionen US-Dollar

Yoshitomo Nara (1959) ist eine der Schlüsselfiguren der japanischen Neo-Pop-Art. Japanisch - denn trotz des Weltruhms und lange Jahre Arbeit im Ausland, seine Arbeit zeichnet sich immer noch durch eine ausgeprägte aus Nationalität. Naras Lieblingsfiguren sind Mädchen und Hunde im Stil japanischer Manga- und Anime-Comics. Die von ihm über viele Jahre erfundenen Bilder sind „unter die Leute gekommen“: Sie werden auf T-Shirts gedruckt, Souvenirs und verschiedene „Merch“-Artikel werden daraus hergestellt. Geboren in einer armen Familie, weit weg von der Hauptstadt, wird er nicht nur wegen seines Talents geliebt, sondern auch als Mensch geschätzt, der es geschafft hat. Der Künstler arbeitet schnell und ausdrucksstark. Es ist bekannt, dass einige seiner Meisterwerke buchstäblich über Nacht fertiggestellt wurden. Gemälde und Skulpturen von Yoshitomo Nara sind in der Regel sehr prägnant und sogar sparsam in den Ausdrucksmitteln, tragen aber stets eine starke emotionale Ladung in sich. Teenagermädchen in Nara schauen den Betrachter oft mit einem unfreundlichen Schielen an. In ihren Augen - Unverschämtheit, Herausforderung und Aggression. In den Händen – dann ein Messer, dann eine Zigarette. Es besteht die Meinung, dass die dargestellten Verhaltensperversionen eine Reaktion auf die unterdrückerische öffentliche Moral, verschiedene Tabus und die von den Japanern übernommenen Bildungsprinzipien sind. Fast mittelalterliche Strenge und Scham treiben die Probleme ins Innere und schaffen den Boden für eine verzögerte emotionale Explosion. „Messer hinter dem Rücken“ spiegelt eine der Hauptideen des Künstlers gut wider. In diesem Werk sieht man einen hasserfüllten Blick eines Mädchens und eine Hand, die bedrohlich hinter ihrem Rücken verletzt wird. Bis 2019 haben Yoshitomo Naras Gemälde und Skulpturen bereits mehr als einmal die Millionen- oder sogar mehrere Millionengrenze überschritten. Aber zwanzig Millionen – zum ersten Mal. Nara ist einer der berühmtesten in Japan geborenen Künstler der Welt. Und jetzt das Teuerste vom Leben. Am 6. Oktober 2109 nahm er bei Sotheby's in Hongkong diesen Titel von Takashi Murakami entgegen und übertraf die 90-jährige Avantgarde-Künstlerin Yayoi Kusama deutlich (die maximalen Auktionspreise für ihre Gemälde nähern sich bereits 9 Millionen US-Dollar).

11. ZENG FANZHI Das letzte Abendmahl. 2001. 23,3 Millionen US-Dollar

Bei Sotheby's Hongkong 5. Oktober 2013 Jahresskala-Leinwand "Das letzte Abendmahl" Pekinger Künstler Zeng Fanzhi (1964) wurde für den Rekordpreis von 160 Millionen Hongkong-Dollar verkauft - 23,3 Millionen US-Dollar USA. Die endgültigen Kosten für Fanzhis Werk, das natürlich unter dem Einfluss von Leonardo da Vinci geschrieben wurde, beliefen sich auf das Doppelte der vorläufigen Schätzung von etwa 10 Millionen US-Dollar. Zeng Fanzhis bisheriger Preisrekord lag bei 10 Millionen US-Dollar 9,6 Millionen bei der Christie's-Auktion in Hongkong im Mai 2008 für das Werk bezahlt Maskenserie. 1996 Nr. 6".

„Das letzte Abendmahl“ ist das größte (2,2 × 4 Meter) Gemälde von Fanzhi in der „Masken“-Serie und deckt den Zeitraum von 1994 bis 2001 ab. Der Zyklus ist der Entwicklung der chinesischen Gesellschaft unter dem Einfluss wirtschaftlicher Reformen gewidmet. Umsetzung von Elementen durch die Regierung der Volksrepublik China Marktwirtschaft führte zu Urbanisierung und Uneinigkeit der Chinesen. Fanzhi zeigt die Bewohner moderner chinesischer Städte, die um einen Platz an der Sonne kämpfen müssen. Die bekannte Komposition des Freskos von Leonardo in der Lesung von Fanzhi erhält eine ganz andere Bedeutung: Die Szene wird von Jerusalem in das Klassenzimmer einer chinesischen Schule mit typischen Hieroglyphentafeln an den Wänden übertragen. „Christus“ und „Apostel“ sind zu Pionieren mit scharlachroten Krawatten geworden, und nur „Judas“ trägt eine goldene Krawatte – das ist eine Metapher für den westlichen Kapitalismus, der die gewohnte Lebensweise in einem sozialistischen Land durchdringt und zerstört.

Die Werke von Zeng Fanzhi stehen stilistisch dem europäischen Expressionismus nahe und sind ebenso dramatisch. Aber gleichzeitig sind sie voller chinesischer Symbole und Besonderheiten. Diese Vielseitigkeit lockt sowohl chinesische als auch westliche Sammler zu den Werken des Künstlers. Ein direkter Beweis dafür ist die Provenienz des Letzten Abendmahls: Das Werk wurde vom berühmten Sammler der chinesischen Avantgarde der 1980er und frühen 1990er Jahre, dem belgischen Baron Guy Ullens, versteigert.

12. ROBERT RAYMAN Brücke. 1980. 20,6 Millionen US-Dollar

Bei einer Auktion Christie's 13. Mai 2015 abstrakte Arbeit "Brücke" 85-jähriger amerikanischer Künstler Robert Ryman(Robert Ryman) wurde verkauft 20,6 Millionen US-Dollar unter Berücksichtigung der Provision - doppelt so teuer wie der untere Kostenvoranschlag.

Robert Ryman(1930) war sich nicht sofort bewusst, dass er Künstler werden wollte. Im Alter von 23 Jahren zog er von Nashville, Tennessee, nach New York, um Jazz-Saxophonist zu werden. Bis er wurde berühmter Musiker Er musste sich als Wachmann im MoMA etwas dazuverdienen, wo er Saul LeWitt und Dan Flavin kennenlernte. Der erste arbeitete im Museum als Nachtsekretär, der zweite als Wachmann und Aufzugsführer. Inspiriert durch die Werke abstrakter Expressionisten, die er im MoMA sah – Rothko, De Kooning, Pollock und Newman – begann Robert Ryman 1955 mit der Malerei.

Ryman wird oft als Minimalist bezeichnet, aber er nennt sich lieber „Realist“, weil es ihm nicht darum geht, Illusionen zu erzeugen, sondern nur die Qualitäten der von ihm verwendeten Materialien zu demonstrieren. Die meisten seiner Werke sind mit Farben in allen möglichen Weißtönen (von gräulich über gelblich bis hin zu strahlendem Weiß) bemalt und basieren auf einer lakonischen quadratischen Form. Im Laufe seiner Karriere probierte Robert Ryman viele Materialien und Techniken aus: Er malte mit Öl, Acryl, Kasein, Emaille, Pastell, Gouache usw. auf Leinwand, Stahl, Plexiglas, Aluminium, Papier, Wellpappe, Vinyl, Tapeten usw. Sein Sein Freund, ein professioneller Restaurator, Orrin Riley, beriet ihn über die Ätzwirkung der Materialien, die er verwenden wollte. Wie ein Künstler einmal sagte: „Ich habe nie eine Frage Was schreibe, Hauptsache - Wie schreiben". Es geht um die Textur, die Art der Striche, die Grenze zwischen der Farbfläche und den Rändern des Untergrunds sowie die Beziehung zwischen Werk und Wand. Ein besonderes Merkmal seiner Arbeit sind seit 1975 die Leuchten, die Ryman selbst entwirft und bewusst sichtbar lässt, um seine Arbeit „so real wie die Wände, an denen sie hängen, real“ zu betonen. Ryman gibt Werken lieber „Namen“ als „Titel“. Der „Name“ hilft dabei, ein Werk von einem anderen zu unterscheiden, und Ryman benennt seine Werke oft nach Farbmarken, Firmen usw., und der „Titel“ behauptet Anspielungen und tief verborgene Bedeutungen, deren Vorhandensein in seinem Werke, die der Künstler regelmäßig bestreitet. Nichts außer Material und Technik zählt.

13. Damien Hirst Verschlafener Frühling. 2002. 19,2 Millionen US-Dollar

Englischer Künstler An Damien Hirst (1965) war dazu bestimmt, im Streit mit dem lebenden Klassiker Jasper Johns als Erster den ersten Platz in dieser Wertung zu belegen. Das bereits erwähnte Werk „False Start“ könnte für lange Zeit ein unsinkbarer Anführer bleiben, wenn 21. Juni 2007 Installation damals 42-jähriger Hirst „Verschlafener Frühling“(2002) wurde bei Sotheby's nicht für £ verkauft 9,76 Millionen, also für 19,2 Millionen Dollar. Das Werk hat übrigens ein eher ungewöhnliches Format. Einerseits handelt es sich um eine Vitrine mit Pillenattrappen (6.136 Pillen), eigentlich eine klassische Installation. Andererseits wird diese Vitrine flach (10 cm tief) gefertigt, in einen Rahmen gesteckt und wie ein Plasmabildschirm an die Wand gehängt und bietet so den vollen Besitzkomfort, der Gemälden innewohnt. Im Jahr 2002 wurde die Schwester der Installation, Sleepy Winter, für 7,4 Millionen US-Dollar verkauft, mehr als die Hälfte des Preises. Jemand hat den Preisunterschied damit „erklärt“, dass die Tabletten im Winter stärker ausbleichen. Es ist jedoch klar, dass diese Erklärung absolut unbegründet ist, da der Preismechanismus für solche Dinge nicht mehr mit ihrer dekorativen Wirkung verbunden ist.

Im Jahr 2007 erkannten viele Hirst als Autor des teuersten Werks unter den lebenden Künstlern an. Die Frage stammt jedoch aus der Kategorie „je nachdem, wie man zählt“. Tatsache ist, dass Hurst für teure Pfund verkauft wurde und Jones für Dollar, deren Preis inzwischen gesunken ist, und das sogar schon vor zwanzig Jahren. Aber selbst wenn wir zum Nennwert rechnen, ohne die 20-jährige Inflation zu berücksichtigen, dann war Hirsts Werk in Dollar teurer und das von Jones in Pfund. Die Situation war grenzwertig und jeder konnte frei entscheiden, wen er für den teuersten hielt. Aber Hurst konnte sich nicht lange auf dem ersten Platz behaupten. Im selben Jahr 2007 wurde er mit seinem „Hanging Heart“ von Koons vom ersten Platz verdrängt.

Kurz vor dem weltweiten Preisverfall für zeitgenössische Kunst unternahm Hirst ein für einen jungen Künstler beispielloses Unterfangen – eine Einzelauktion seiner Werke, die am 15. September 2008 in London stattfand. Die am Vortag verkündete Nachricht von der Insolvenz von Lehman Brothers trübte den Liebhabern zeitgenössischer Kunst nicht den Appetit: Von den 223 von Sotheby's angebotenen Werken fanden nur fünf keinen neuen Besitzer (einer der Käufer war übrigens Viktor Pinchuk). ). Arbeiten „Goldener Stier“- ein riesiges Stierbildnis in Formaldehyd, gekrönt mit einer goldenen Scheibe, - gebracht 10,3 Mio. £ (18,6 Mio. $). Das bestes Ergebnis Hurst, wenn Sie in Pfund rechnen (in der Währung, in der die Transaktion durchgeführt wurde). Allerdings rangieren wir in Dollar, also werden wir (möge das Goldene Kalb uns verzeihen) Hirsts besten Verkauf als „Sleepy Spring“ betrachten.

Seit 2008 hat Hirst keine Verkäufe von Sleepy Spring und Golden Calf mehr getätigt. Neue Rekorde der 2010er Jahre – für die Arbeit von Richter, Jones, Fanzhi, Wool und Koons – brachten Damien in die sechste Zeile unserer Bewertung. Aber lassen Sie uns kein kategorisches Urteil über den Niedergang der Hirst-Ära fällen. Laut Analysten ist Hurst als „Superstar“ bereits in die Geschichte eingegangen, was bedeutet, dass sie ihn noch sehr lange kaufen werden; Der größte zukünftige Wert wird jedoch den Werken vorhergesagt, die in der innovativsten Phase seiner Karriere, nämlich in den 1990er Jahren, entstanden sind.

14. Maurizio Cattelan Ihn. 2001. 17,19 Millionen US-Dollar

Der Italiener Maurizio Cattelan (1960) kam zur Kunst, nachdem er als Wachmann, Koch, Gärtner und Möbeldesigner gearbeitet hatte. Der Autodidakt ist mit seinen ironischen Skulpturen und Installationen weltberühmt geworden. Er ließ einen Meteoriten auf den Papst fallen, verwandelte die Frau eines Kunden in eine Jagdtrophäe, riss ein Loch in den Boden eines Museums für Alte Meister, hielt einen riesigen Mittelfinger zur Börse in Mailand hoch und brachte einen lebenden Esel zur Frieze-Messe . Cattelan verspricht, in naher Zukunft eine goldene Toilette im Guggenheim Museum zu installieren. Am Ende fanden Maurizio Cattelans Eskapaden breite Anerkennung in der Kunstwelt: Er wurde zur Biennale von Venedig eingeladen (die Installation „Andere“ im Jahr 2011 – ein Schwarm von zweitausend Tauben, die aus allen Rohren und Balken bedrohlich auf die Besuchermassen blicken). (siehe unten), arrangieren eine Retrospektive im New Yorker Guggenheim Museum (November 2011) und schließlich wird viel Geld für seine Skulpturen ausgegeben.

Maurizio Cattelans teuerstes Werk seit 2010 war Wachsskulptur Aus einem Loch im Boden schaut ein Mann, der wie der Künstler selbst aussieht (Ohne Titel, 2001). Diese Skulptureninstallation, die in einer Auflage von drei Exemplaren plus der Kopie des Autors existiert, wurde erstmals im Boijmans van Beuningen Museum in Rotterdam gezeigt. Dann schaute dieser schelmische Charakter aus einem Loch im Boden des Saals mit Gemälden niederländischer Maler des 18. und 19. Jahrhunderts. Maurizio Cattellan assoziiert sich in diesem Werk mit einem mutigen Verbrecher, der mit Gemälden großer Meister in den heiligen Raum des Museumssaals eindringt. Damit möchte er der Kunst den Heiligenschein der Heiligkeit nehmen, den Museumswände ihr verleihen. Das Werk, für dessen Ausstellung man jedes Mal Löcher in den Boden bohren muss, wurde bei Sotheby's für 7,922 Millionen Dollar verkauft.

Der Rekord hielt bis zum 8. Mai 2016, als Cattelans noch provokativeres Werk Him, das einen knienden Hitler darstellt, für 17,189 Millionen US-Dollar unter den Hammer kam. Die Sache ist seltsam. Der Name ist seltsam. Die Charakterauswahl ist riskant. Wie alles andere bei Cattelan. Was bedeutet er? „Seine“ oder „Seine höllische Majestät“? Es ist klar, dass es hier definitiv nicht darum geht, das Bild des Führers zu beschwören. Hitler erscheint in diesem Werk eher in einer hilflosen, mitleiderregenden Form. Und absurderweise wird die Inkarnation Satans in die Größe eines Kindes gebracht, das ein Schuljungenkostüm trägt und mit einem bescheidenen Gesichtsausdruck kniet. Für Cattelan ist dieses Bild eine Einladung, über die Natur des absoluten Bösen nachzudenken und eine Möglichkeit, Ängste abzubauen. Die „Him“-Skulptur ist dem westlichen Publikum übrigens gut bekannt. Ihre Brüder aus der Serie wurden mehr als zehn Mal in führenden Museen auf der ganzen Welt ausgestellt, darunter im Centre Pompidou und im Solomon Guggenheim Museum.

15. MARC GROTJAN Ohne Titel (S III freigegeben nach Frankreich, Gesicht 43,14). 2011. 16,8 Millionen US-Dollar

Am 17. Mai 2017 erschien eines der kraftvollsten Gemälde von Marc Grotjan, das jemals zur Auktion angeboten wurde, bei der Abendauktion von Christie's in New York. Das Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ wurde vom Pariser Sammler Patrick Seguin mit einer Schätzung von 13–16 Millionen US-Dollar ausgestellt, und da der Verkauf des Loses durch eine dritte Partei garantiert war, war niemand sonderlich überrascht durch die Aufstellung eines neuen persönlichen Auktionsrekords des 49-jährigen Künstlers. Der Hammerpreis von 14,75 Millionen US-Dollar (16,8 Millionen US-Dollar mit Käuferaufgeld) übertraf Grotjans bisherigen Auktionsrekord um mehr als 10 Millionen US-Dollar und zählte ihn damit zum Kreis der lebenden Künstler, deren Werke für achtstellige Beträge verkauft werden. Siebenstellige gleiche Ergebnisse (Umsatz mehr als 1 Million US-Dollar, aber nicht mehr als 10 Millionen US-Dollar) bei der Auktion des Sparschweins Mark Grotyan für etwa dreißig.

Mark Grotjan (1968), in dessen Werk Experten den Einfluss der Moderne, des abstrakten Minimalismus, der Pop- und Op-Art sehen, kam Mitte der 1990er Jahre zu seiner Corporate Identity, nachdem er mit seinem Freund Brent Peterson nach Los Angeles zog und dort eine Galerie eröffnete „Raum 702“. Wie sich der Künstler selbst erinnert, begann er damals darüber nachzudenken, was für ihn in der Kunst an erster Stelle stand. Er suchte nach dem Motiv, mit dem er experimentieren konnte. Und mir wurde klar, dass er sich schon immer für Linien und Farben interessierte. Experimente im Geiste des Rayonismus und Minimalismus mit Geradlinige Perspektive, zahlreiche Fluchtpunkte und vielfarbige abstrakte Dreiecksformen machten Grotjan schließlich weltweit bekannt.

Von abstrakten, farbenfrohen Landschaften mit mehreren Horizonten und Fluchtpunkten gelangte er zu dreieckigen Formen, die an Schmetterlingsflügel erinnern. Gemälde von Grotjan 2001–2007 Sie nennen es „Schmetterlinge“. Das Verschieben des Fluchtpunkts oder die gleichzeitige Verwendung mehrerer räumlich voneinander entfernter Fluchtpunkte gilt heute als eine der wirkungsvollsten Techniken des Künstlers.

Die nächste große Werkserie hieß „Gesichter“; In den abstrakten Linien dieser Serie lassen sich die Züge eines menschlichen Gesichts erahnen, vereinfacht zur Maske im Geiste von Matisse, Jawlensky oder Brancusi. Wenn man von der ultimativen Vereinfachung und Stilisierung von Formen spricht, von der kompositorischen Lösung von Gemälden, wenn die verstreuten Konturen von Augen und Mündern uns aus dem Dickicht anzuschauen scheinen, stellen die Forscher den Zusammenhang von Grotjans Gesichtern mit der Kunst des Primitivem fest Stämme Afrikas und Ozeaniens, während der Künstler selbst einfach „die Augen mag, die aus dem Dschungel herausschauen“. Manchmal stellte ich mir die Gesichter von Pavianen oder Affen vor. Ich kann nicht sagen, dass ich bewusst oder unbewusst von der primitiven afrikanischen Kunst beeinflusst wurde, sondern dass ich von Künstlern beeinflusst wurde, die davon beeinflusst wurden. Picasso ist das offensichtlichste Beispiel.“

Die Werke der „Faces“-Reihe werden als brutal und elegant bezeichnet, erfreuen das Auge und erfreuen den Geist. Mit der Zeit verändert sich auch die Textur dieser Werke: Um die Wirkung eines Innenraums zu erzeugen, verwendet der Künstler breite Striche dicker Farbe, sogar Spritzer im Pollock-Stil, aber die Oberfläche des Gemäldes ist geebnet, so dass bei näherer Betrachtung es scheint völlig flach zu sein. Das Auktionsrekord-Gemälde „Untitled (S III Released to France Face 43.14)“ gehört zu dieser gefeierten Serie von Mark Grotjan.

16. TAKASHI MURAKAMI Mein einsamer Cowboy. 15,16 Millionen US-Dollar

japanisch Takashi Murakami (1962) ist mit Skulptur in unsere Bewertung eingestiegen „Mein einsamer Cowboy“, im Mai 2008 bei Sotheby's für $ verkauft 15,16 Millionen. Mit diesem Verkauf galt Takashi Murakami lange Zeit als erfolgreichster lebender asiatischer Künstler – bis er durch den Verkauf von „Das letzte Abendmahl“ von Zeng Fanzhi in den Schatten gestellt wurde.

Takashi Murakami arbeitet als Künstler, Bildhauer, Modedesigner und Animator. Murakami wollte etwas wirklich Japanisches als Grundlage seiner Arbeit nehmen, ohne westliche oder andere Anleihen. Während seiner Studienzeit war er von der traditionellen japanischen Kunst Nihonga fasziniert, die später durch die populäre Kunst Anime und Manga ersetzt wurde. So entstand der psychedelische Mr. DOB, Muster aus lächelnden Blumen und leuchtend glänzenden Glasfaserskulpturen, als wären sie gerade den Seiten japanischer Comics entsprungen. Manche halten Murakamis Kunst für Fast Food und die Verkörperung von Vulgarität, andere nennen den Künstler den Japaner Andy Warhol – und in dessen Reihen gibt es, wie wir sehen, viele sehr reiche Leute.

Murakami entlehnte den Namen für seine Skulptur von Andy Warhols „The Lonely Cowboys“ (1968), das die Japaner, wie er selbst zugab, nie gesehen hatten, aber die Wortkombination gefiel ihm sehr. Murakami erfreute mit einer Skulptur Fans erotischer japanischer Comics und lachte sie aus. In der Größe vergrößert und zudem dreidimensional, verwandelt sich der Anime-Held in einen Fetisch der Massenkultur. Diese künstlerische Aussage ist ganz im Sinne der klassischen westlichen Pop-Art (erinnern Sie sich an Allen Jones' Möbelset oder Koons' Pink Panther), aber mit einer nationalen Note.

17. KAWS. Album KAWS. 2005. 14.784.505 $

KAWS ist das Pseudonym des amerikanischen Künstlers Brian Donelly aus New Jersey. Er ist der jüngste Teilnehmer unserer Wertung, Jahrgang 1974. Donelly begann als Animator bei Disney (Zeichnung von Hintergründen für den Zeichentrickfilm „101 Dalmatiner“ und andere). Ich interessiere mich seit meiner Jugend für Graffiti. Sein charakteristisches Design war zunächst ein Totenkopf mit „X“ anstelle der Augenhöhlen. Die Arbeit des jungen Schriftstellers wurde von Leuten aus dem Showbusiness und der Modebranche geliebt: Er gestaltete das Cover für das Album von Kanye West und veröffentlichte Kollaborationen für Nike, Comme des Garçons und Uniqlo. Im Laufe der Zeit hat sich KAWS zu einer bekannten Persönlichkeit in der Welt der zeitgenössischen Kunst entwickelt. Seine charakteristische Mickey-Mouse-Figur hat ihren Weg in Museen, öffentliche Räume und Privatsammlungen gefunden. Als KAWS ein Vinylspielzeug in limitierter Auflage unter der Marke „My Plastic Heart“ herausbrachte, stießen sie plötzlich auf großes Sammlerinteresse. Einer der leidenschaftlichen Sammler dieser „Spielzeuge“ ist der Gründer Schwarzer Stern Rapper Timati: Er hat die gesamte Serie „Companions Cavs“ fast vollständig gesammelt.

Die Arbeit von KAWS stellte bei der Sotheby's-Auktion in Hongkong am 1. April 2019 einen Rekord für das Gesamtwerk eines Künstlers auf: 14,7 Millionen US-Dollar. Es befand sich früher in der japanischen Sammlung Modedesigner Nigo. Meter Canvas Das KAWS-Album ist eine Hommage an das Cover des berühmten The Beatles-Albums „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band“ aus dem Jahr 1967. Nur dass es statt Menschen Kimpsons gibt – stilisierte Figuren aus der Simpsons-Zeichentrickserie mit „X“ statt Augen.

18. JIN SHAN Tadschikische Braut. 1983. 13,89 Millionen US-Dollar

Unter den relativ jungen und zeitgenössischen chinesischen Künstlern, die alle zur sogenannten „neuen Welle“ der späten 1980er Jahre in der chinesischen Kunst gehören, befand sich in unserer Bewertung völlig unerwartet ein Vertreter einer völlig anderen Generation und einer anderen Schule. Jin Shangyi, jetzt in seinen 80ern, gehört dazu prominente Vertreter die erste Generation von Künstlern im kommunistischen China. Die Ansichten dieser Künstlergruppe wurden weitgehend unter dem Einfluss des engsten kommunistischen Verbündeten – der UdSSR – geformt.

Offizielle sowjetische Kunst, sozialistischer Realismus und Ölgemälde, die in den 1950er Jahren für China (im Gegensatz zur traditionellen chinesischen Tuschemalerei) noch ungewöhnlich waren, waren auf dem Höhepunkt ihrer Popularität, und der sowjetische Künstler Konstantin kam für drei Jahre an die Pekinger Kunstuniversität ( von 1954 bis 1957) als Lehrer für Methodievich Maksimov. Jin Shani, der zu diesem Zeitpunkt der Jüngste in der Gruppe war, kam in seine Klasse. Der Künstler erinnerte sich immer mit großer Wärme an seinen Lehrer und sagte, dass es Maksimov war, der ihm beigebracht hatte, das Modell richtig zu verstehen und darzustellen. K. M. Maksimov brachte eine ganze Galaxie chinesischer Realisten hervor, die heute Klassiker sind.

Im Werk von Jin Shan spürt man den Einfluss sowohl der sowjetischen „ strenger Stil", und die Europäische Schule der Malerei. Der Künstler widmete viel Zeit dem Studium des Erbes der Renaissance und des Klassizismus, während er es für notwendig hielt, den chinesischen Geist in seinen Werken zu bewahren. Das 1983 entstandene Gemälde „Tadschikische Braut“ gilt als allgemein anerkanntes Meisterwerk, ein neuer Meilenstein im Werk von Jin Shan. Sie war es, die im November 2013 bei der China Guardian-Auktion angeboten und um ein Vielfaches teurer als die Schätzung verkauft wurde – für 13,89 Millionen US-Dollar inklusive Provision.

19. BANKSY Das verfallene Parlament. 2008. 12,14 Millionen US-Dollar

In den späten 1990er Jahren tauchten erstmals Wandgemälde mit dem Banksy-Schriftzug an den Wänden von Städten auf (zuerst in Großbritannien und dann auf der ganzen Welt). Seine philosophischen und zugleich scharfsinnigen Graffiti widmeten sich den Problemen des staatlichen Angriffs auf die Freiheiten der Bürger und Verbrechen dagegen Umfeld, verantwortungsloser Konsum, die Unmenschlichkeit des Systems der illegalen Migration. Im Laufe der Zeit erlangten Banksys Wand-„Vorwürfe“ eine beispiellose mediale Popularität. Tatsächlich wurde er einer der Hauptsprecher öffentliche Meinung Sie verurteilt die Heuchelei von Staaten und Unternehmen, die im kapitalistischen System zu wachsender Ungerechtigkeit führt.

Die Bedeutung von Banksy, das Gespür für den „Nerv der Zeit“ und die Genauigkeit seiner Metaphern wurden nicht nur vom Publikum, sondern auch von Sammlern geschätzt. In den 2010er Jahren wurden für seine Werke Hunderttausende oder sogar mehr als eine Million Dollar ausgegeben. Es kam so weit, dass Banksy-Graffiti zerstört und zusammen mit Mauerstücken gestohlen wurden.

Im Zeitalter der fortschrittlichen digitalen Überwachung schafft es Banksy immer noch, anonym zu bleiben. Es gibt eine Version, dass es sich nicht mehr um eine Person handelt, sondern um eine Gruppe mehrerer Künstler, angeführt von einer talentierten Frau. Das würde einiges erklären. Und die äußerliche Unähnlichkeit der Autoren, die in den Objektiven von Zeugenkameras gefangen wurden, und die unpersönliche Schablonenanwendungsmethode (gibt hohe Geschwindigkeit und erfordert keine direkte Beteiligung des Autors) und die berührende Romantik der Bildthemen (Kugeln, Schneeflocken usw.). Wie dem auch sei, die Leute vom Banksy-Projekt, einschließlich seiner Assistenten, wissen, wie man den Mund hält.

Im Jahr 2019 wurde Banksys teuerstes Werk unerwartet die vier Meter große Leinwand „Devolved Parliament“ („degradiertes“, „verfallenes“ oder „delegiertes“ Parlament). Schimpansen, die im Unterhaus streiten, scheinen das Publikum im Jahr des skandalösen Brexit zu verspotten. Es ist überraschend, dass das Gemälde 10 Jahre vor diesem historischen Wendepunkt gemalt wurde, und daher hält es jemand für prophetisch. Bei einer Sotheby's-Auktion am 3. Oktober 2019 kaufte ein unbekannter Käufer das Öl in einem heftigen Bieterverfahren für 12.143.000 US-Dollar – das Sechsfache des Preises der vorläufigen Schätzung.

20. JOHN CURREN „Süß und einfach.“ 1999. 12,007 Millionen US-Dollar

Amerikanischer Künstler John Curran (1962) bekannt für seine satirischen figurativen Gemälde zu provokanten sexuellen und sozialen Themen. Currens Werk schafft es, die Maltechniken der alten Meister (insbesondere Lucas Cranach d. Ä. und der Manieristen) und Modefotografie aus Hochglanzmagazinen zu kombinieren. Um grotesker zu wirken, verzerrt Curren oft die Proportionen menschlicher Körper, vergrößert oder verkleinert seine Einzelteile, zeigt Helden in gebrochenen, manierierten Posen.

Curren begann 1989 mit Porträts von Mädchen, die aus einem Schulalbum nachgezeichnet wurden; Fortsetzung in den frühen 1990er Jahren mit Bildern vollbusiger Schönheiten, inspiriert von Fotos aus Cosmopolitan und Playboy; 1992 erschienen Porträts wohlhabender älterer Damen; und 1994 heiratete Curren die Bildhauerin Rachel Feinstein, die für viele Jahre seine wichtigste Muse und sein Vorbild wurde. In den späten 1990er Jahren verschafften ihm Currins technische Fähigkeiten in Kombination mit dem Kitsch und der Groteske seiner Gemälde Popularität. Im Jahr 2003 übernahm Larry Gagosian die Promotion des Künstlers, und wenn ein Händler wie Gagosian den Autor übernimmt, ist der Erfolg garantiert. Im Jahr 2004 fand im Whitney Museum eine John-Curran-Retrospektive statt.

Ungefähr zu dieser Zeit wurden seine Werke für sechsstellige Beträge verkauft. Der aktuelle Rekord für ein Gemälde von John Curran gehört Sweet and Simple, das am 15. November 2016 bei Christie's für 12 Millionen US-Dollar verkauft wurde. Jetzt über 50, ist dies definitiv ein Karriere-Durchbruch. Sein bisheriger Rekord im Jahr 2008 lag bei 5,5 Millionen US-Dollar (bezahlt übrigens für das gleiche Werk „Cute and Simple“).

21. BRICE MARDEN Die Anwesenden. 1996–1999 10,917 Millionen US-Dollar

Ein weiterer lebender amerikanischer abstrakter Künstler in unserem Ranking ist Bryce Marden (1938). Mardens Werke im Stil des Minimalismus und seit Ende der 1980er Jahre der gestischen Malerei zeichnen sich durch eine einzigartige, leicht gedämpfte Farbpalette des Autors aus. Die Farbkombinationen in Mardens Werken sind von seinen Reisen um die Welt inspiriert – Griechenland, Indien, Thailand, Sri Lanka. Zu den Autoren, die die Entstehung von Marden beeinflussten, gehören Jackson Pollock (in den frühen 1960er Jahren arbeitete Marden als Wachmann im Jüdischen Museum, wo er Pollocks „Tropfen“ persönlich beobachtete), Alberto Giacometti (lernte seine Arbeit in Paris kennen) und Robert Rauschenberg (eine Zeit lang arbeitete Marden als sein Assistent). Die erste Phase von Mardens Werk ist klassischen minimalistischen Leinwänden gewidmet, die aus farbigen rechteckigen Blöcken (horizontal oder vertikal) bestehen. Im Gegensatz zu vielen anderen Minimalisten, die die ideale Qualität der Werke anstrebten, als wären sie von einer Maschine gedruckt und nicht von einem Menschen gezeichnet, behielt Marden Spuren der Arbeit des Künstlers bei und kombinierte verschiedene Materialien (Wachs und andere Materialien). Ölfarben). Seit Mitte der 1980er Jahre wurde unter dem Einfluss der orientalischen Kalligraphie die geometrische Abstraktion durch mäanderartige Linien ersetzt, deren Hintergrund dieselben monochromen Farbfelder waren. Eines dieser „Mäander“-Werke – „The Attended“ – wurde im November 2013 bei Sotheby's für 10,917 Millionen US-Dollar inklusive Provision versteigert.

22. ZHANG XIAOGANG Ewige Liebe. 10,2 Millionen US-Dollar

Ein weiterer Vertreter der zeitgenössischen chinesischen Kunst ist ein Symbolist und Surrealist Zhang Xiaogang (1958). Bei Sotheby's Hongkong 3. April 2011, wo die chinesische Avantgarde aus der Sammlung des belgischen Barons Guy Ullens verkauft wurde, ein Triptychon von Zhang Xiaogang "Ewige Liebe" wurde für $ verkauft 10,2 Millionen. Damals war es ein Rekord nicht nur für den Künstler, sondern für die gesamte zeitgenössische chinesische Kunst. Es heißt, Xiaogangs Werk sei von Wang Wei, der Frau des Milliardärs, gekauft worden, die gerade dabei ist, ihr eigenes Museum zu eröffnen.

Zhang Xiaogang, der sich für Mystik und östliche Philosophie interessiert, schrieb die Geschichte der „ewigen Liebe“ in drei Teilen – Leben, Tod und Wiedergeburt. Dieses Triptychon wurde 1989 in der legendären China/Avantgarde-Ausstellung im National Museum gezeigt Kunstmuseum. Ebenfalls 1989 wurden Studentendemonstrationen auf dem Platz des Himmlischen Friedens vom Militär brutal niedergeschlagen. Im Anschluss daran tragisches Ereignis Die Repression begann – die Ausstellung im Nationalmuseum wurde aufgelöst, viele Künstler wanderten aus. Als Reaktion auf den von oben aufgezwungenen sozialistischen Realismus entstand eine Richtung des zynischen Realismus, deren Hauptvertreter Zhang Xiaogang war.

23. BRUCE NAUMAN Hilfloser Henry Moore. 1967. 9,9 Millionen US-Dollar

amerikanisch Bruce Nauman (1941), der Gewinner des Hauptpreises der 48. Biennale von Venedig (1999), hat seinen Rekord längst aufgegeben. Nauman begann seine Karriere in den sechziger Jahren. Kenner bezeichnen ihn neben Andy Warhol und Joseph Beuys als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten der Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Die reiche Intellektualität und der völlige Undekorativismus einiger seiner Werke verhinderten jedoch offensichtlich seine schnelle Anerkennung und seinen Erfolg in der breiten Öffentlichkeit. Nauman experimentiert oft mit Sprache und entdeckt unerwartete Bedeutungen vertrauter Phrasen. Worte werden zentrale Charaktere viele seiner Werke, darunter Neon-Pseudoschilder und -tafeln. Nauman selbst bezeichnet sich selbst als Bildhauer, obwohl er sich in den letzten vierzig Jahren in ganz anderen Genres versucht hat – Skulptur, Fotografie, Videokunst, Performances, Grafik. Anfang der 1990er Jahre äußerte Larry Gagosian die prophetischen Worte: „Der wahre Wert von Naumanns Werk muss noch erkannt werden.“ Und so geschah es: 17. Mai 2001 bei Christie's von Naumann im Jahr 1967 „Hilfloser Henry Moore (Rückansicht)“(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) stellte einen neuen Rekord im Segment der Nachkriegskunst auf. Ein Abdruck von Naumanns auf dem Rücken gefesselten Händen aus Gips und Wachs kam für $ unter den Hammer 9,9 Millionen in der Sammlung des französischen Magnaten Francois Pinault (nach anderen Quellen der Amerikanerin Phyllis Wattis). Der Kostenvoranschlag für die Arbeit betrug nur 2-3 Millionen US-Dollar, sodass das Ergebnis für alle eine echte Überraschung war.

Vor diesem legendären Verkauf hatten nur zwei Werke Naumanns die Millionen-Dollar-Marke überschritten. Und in seiner gesamten bisherigen Auktionskarriere wurden neben „Henry Moore ...“ nur sechs Werke für einen siebenstelligen Betrag verkauft, deren Ergebnisse aber immer noch nicht mit neun Millionen zu vergleichen sind.

„Helpless Henry Moore“ ist eine von Naumanns polemischen Werkserien über die Figur von Henry Moore (1898–1986), einem britischen Künstler, der in den sechziger Jahren zu den größten Bildhauern des 20. Jahrhunderts zählte. Junge Autoren, die im Schatten eines anerkannten Meisters standen, attackierten ihn daraufhin mit heftiger Kritik. Naumanns Werk ist eine Antwort auf diese Kritik und zugleich eine Reflexion über das Thema Kreativität. Der Titel des Werks wird zu einem Wortspiel, da er zwei Bedeutungen des englischen Wortes „bound“ (gebunden) – „bound“ (im wahrsten Sinne des Wortes) und „doomed to some schicksal“ – miteinander verbindet.

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10.06.13 Technovoin

Willkommen auf den Seiten der Art Veranda! Mit dem heutigen Beitrag möchte ich unsere Leser reichlich überraschen, denn wir werden über das Wichtigste sprechen teure Gemälde, aber teuer nicht im Hinblick auf ihre Bedeutung, sondern im Hinblick auf die Kosten (Zeitraum). Dies ist der Fall, wenn herkömmliche Geräte Gemälde „golden“ machen. Im Allgemeinen ist dies Absurdität in der Kunst oder die Kunst des Absurden, das keine gemeinsamen Wurzeln mit der Avantgarde-Richtung der 50er-60er Jahre hat. 20. Jahrhundert.

Die unten vorgestellten Malbeispiele sind außergewöhnliche Beispiele dafür, wie Sie mit reinem Bemalen sagenhaftes Geld verdienen können.

1. „Blutroter Spiegel“. Künstler - . Preis - 1,1 Millionen US-Dollar.

Ich möchte anmerken, dass Gerhard Richter ein großer Meister ist und seine Werke in vielerlei Hinsicht von unschätzbarem Wert sind. Aber mir ist nicht ganz klar, wie wertvoll diese Kreation ist? Denn was Sie sehen, ist nur rote Farbe, die Richter auf den Spiegel aufgetragen hat und so einen kleinen Farbverlauf hinzugefügt hat. Anscheinend ist der Sammler, der sich für den „Blood Red Mirror“ für 1,1 Millionen Dollar entschieden hat, anderer Meinung.

2. „Der Begriff Raum, Erwartung“. Künstler - . Preis - 1,5 Millionen Dollar.

Vor Ihnen liegt eine einfarbige Leinwand mit Längsschlitzen, die bei einer Londoner Auktion für 1,5 Millionen Dollar unter den Hammer kam. Nicht schlecht, oder? Das ist nichts Interessanteres.

3. „Grüner Fleck“. Künstler - . Preis - 1,6 Millionen US-Dollar.

Ellsworth Kelly gehört zu den Künstlern, die nicht über große Einnahmen für ihre Werke verfügen. Der „Green Blob“ ist also eher eine Ausnahme als eine Selbstverständlichkeit. Die Leinwand, in deren Mitte ein deformierter Kreis abgebildet ist, fand ihren Liebhaber für 1,6 Millionen Dollar.

4. "Untitled". Künstler - . Preis - 1,7 Millionen US-Dollar.

Hier ist eine Kombination aus zwei mehrfarbigen Streifen im Stil von Palermo. Vielleicht gibt es zu diesem Werk nichts mehr zu sagen, außerdem hat es nicht einmal einen Namen. Oder ist es derselbe Name?

5. "Cowboy". Künstler - . Preis - 1,7 Millionen US-Dollar.

Der amerikanische Künstler studierte mehr als vier Jahre lang „Malerei mit scharfen Kanten“ und entwickelte dabei seinen eigenen, einzigartigen Stil. Ellsworth Kelly ist ein Experte für geometrische Flächen, die durch scharfe Farbkontraste abgegrenzt werden. Es wird gesagt, dass seine Arbeit den Weg dafür ebnete. „Cowboy“ hat sein Zuhause für 1,7 Millionen US-Dollar gefunden.

6. „Gemälde (Hund)“. Künstler - . Preis - 2,2 Millionen US-Dollar.

Dieses Werk scheint im Vergleich zu den übrigen Schöpfungen von Joan Miro eine Anomalie zu sein. Vielleicht wurde der Sammler beim Kauf eines Gemäldes von dem Wunsch geleitet, ein Stück aus dem Erbe eines großen Meisters zu besitzen? Das Ergebnis beträgt 2,2 Millionen US-Dollar.

7. "Untitled". Künstler - . Preis - 2,3 Millionen US-Dollar.

Arbeit nach dem Prinzip der Kinderkritzeleien. Farbig - das sind die beiden Werkzeuge, die bei Christie's einen Wert von 2,3 Millionen Dollar hatten. Ich habe vergessen, an Fleiß, Originalität und zumindest ein gewisses Verständnis für Kunst zu denken. Vielleicht hat der Künstler nichts damit zu tun, vielleicht ist das ein 5- Hat er als kleines Kind geübt, den Buchstaben „e“ zu schreiben? Nun, wenn das der Fall ist, dann hat Cy Twombly nach Herzenslust jemanden getreten.

8. „Weißes Feuer I“. Künstler - . Preis - 3,8 Millionen US-Dollar.

„Weißes Feuer I“ ist der Fall, wenn eine mystische Terminologie, die in der Thora verwurzelt ist, „verkauft“! Text verkaufen? Nicht anders. Aber entschuldigen Sie, was haben zwei Zeilen auf einer Leinwand mit der Thora zu tun? Ich denke also, dass es keine gibt.

9. Narr. Künstler - . Preis - 5 Millionen Dollar.

„Blue Fool“ ist Macht, es ist Kunst! Urteilen Sie selbst, wie sehr Sie versuchen mussten, einen Sammler davon zu überzeugen, dieses „Meisterwerk“ zu kaufen, ein Gemälde mit der beredten blauen Aufschrift „Narr“ ... Christopher, bravo! Du verdienst stehende Ovationen!

10. "Untitled". Künstler - . Preis - 28 Millionen Dollar.

Das Bild, das alle Rekorde gebrochen hat die Kunst des Absurden absurde Kunst, relativ zum Preis / Qualität. Es hätte ganz am Anfang des Beitrags stehen und in der Kopfzeile der Website aufgehängt werden können, ABER im Wesentlichen wäre „Ohne Titel“ dadurch nicht STOLZ geworden. Diese Kreation wurde für 28 Millionen US-Dollar versteigert (ein paar tausend Dollar obendrein nicht mitgerechnet). Dort ist der Stolz, dort sind die Millionen. Und um ehrlich zu sein: Es ist langweilig, lächerlich und ... um nicht zu schwören, es ist sehr teuer.

So ist es, meine Herren. Besteht der Wunsch, reich zu werden? Anleitung: a) Kaufen Sie ein Gemälde auf einem Flohmarkt zu günstigeren Preisen; b) gib ihr einen großen Namen; c) Seien Sie nicht faul beim Komponieren unglaubliche Geschichte Schaffung; d) auf einer der berühmtesten Auktionen der Welt ausstellen. Was wäre, wenn Sie in die Geschichte eingehen, die Presse Sie umarmt, die Leute anfangen, über Sie zu reden, ein Drehbuch schreiben und schließlich einen Film machen?!