Musikalische Kunst in der 30er-Jahre-Präsentation. Musik in der UdSSR
1917 Die Sowjetregierung erließ mit der Unterschrift von W. I. Lenin ein Dekret zur Verstaatlichung der Oper und der ehemaligen „kaiserlichen“ Theater (Bolschoi in Moskau und Mariinski in Petrograd). Im Jahr 1918 unterzeichnete W. I. Lenin ein Dekret über die Verstaatlichung der Moskauer und Petrograder Konservatorien und deren Überführung in das Volkskommissariat für Bildung „gleichberechtigt mit allen höheren Schulen“. Bildungsinstitutionen Rechte." Die Phase des „Staatsmusikaufbaus“ begann – die Organisation des Volkes Musikschulen, Musikverlage, Theaterbetrieb, Konzertvereine.
Viele prominente Mitglieder der älteren Generation musikalische Figuren: A. Glazunov, R. Glier, K. Igumnov, A. Goldenweiser, N. Myaskovsky, B. Asafiev, L. Sobinov, A. Nezhdanova und andere - haben ihre Kraft und Erfahrung in die organisierte Musik- und Bildungsarbeit unter den Massen eingebracht beliebte Konzerte, Vorträge.
Volksmusikalisches Schaffen erhält einen innovativen Charakter. Russische Lieder, Militärlieder, marschierende Soldaten, alte Revolutionslieder werden neu gemacht, neu getönt, neue revolutionäre Texte werden für sie geschrieben. Ein namentlich nicht genannter Kollektivautor kreiert einen Sowjet Volksliedüber die Helden der Revolution und des Bürgerkriegs: „Der Held Chapaev ging durch den Ural“, „Homosexuell unterwegs“, „Die Hinrichtung der Kommunarden“, „Wir werden mutig in die Schlacht ziehen“. Hat viel für die Propaganda getan Volkslied Der Chor von M.E. Pyatnitsky erhielt nach der Revolution das Recht, eine ständige Gruppe zu werden, und zwar in den 1920er Jahren. in den Staatlichen Russischen Volkschor umgewandelt. Die Komponisten A. Kastalsky, G. Lobachev, D. Vasiliev-Buglay und andere trugen zur Entwicklung der Volksliedkreativität bei. Der Grundstein für eine professionelle sowjetische Liedkultur wurde gelegt, die auf den Traditionen der Volkslieder basierte und den Wunsch der Komponisten widerspiegelte bringen ihre Arbeit näher an die Gegenwart. Die Lieder von Dmitry Pokrass „March of Budyonny“ zum Text von A. D'Aktil, „Seeing Off“ von D. Vasilyev-Buglay zum Text von Demyan Bedny, „Song of the Commune“ von A. Mityushin zum Text von V. Knyazev und schließlich bestes Lied aus dieser Zeit „Über die Täler und Hügel“ von A. Alexandrov, dessen Melodie dem Partisanenkomponisten P. Parfyonov überliefert wurde.
Die ersten nachrevolutionären Jahre waren von einer großen Wiederbelebung der Musik-, Theater- und Konzertaktivitäten geprägt. Die Grundlage des musikalischen Repertoires bildeten zunächst die besten Beispiele russischer und ausländischer Klassiker. Neben den größten Künstlern - Künstler der älteren Generation (F. Chaliapin, L. Sobinov, A. Nezhdanova, G. Pirogov, I. Ershov), M. Polyakin, G. Neuhaus, N. Golovanov, V. Barsova, N . Obukhova beginnen aufzutreten , K. Saradzhev und sehr jung D. Oistrakh, L. Oborin, G. Ginzburg, I. Kozlovsky, M. Maksakova, S. Preobrazhenskaya. Unter der Leitung von wird der Grundstein für die sowjetische Schauspielschule gelegt herausragende Musiker K. Igumnov, A. Goldenweiser, S. Kozolupov, L. Nikolaev. Später der Sowjet darstellende Künste verbessert, staatlich russisch und national Musikgruppen: Sinfonieorchester der Leningrader Philharmonie, Leningrader Akademiker Chorkapelle, ukrainische Chorkapelle „Dumka“, Kammerensembles-Quartette (benannt nach Glasunow, Beethoven, Komitas); Das Gesangs- und Tanzensemble der Roten Armee wird unter der Leitung von A. Aleksandrov organisiert. Es entstanden völlig neue Formen des Konzertlebens – Konzert-Rallyes. Sie waren agitatorischer Natur und bildeten meist den Abschluss von Kongressen, Konferenzen, Kundgebungen und anderen großen öffentlichen Veranstaltungen.
1927 nahmen sowjetische Musiker zum ersten Mal am Internationalen Chopin-Klavierwettbewerb in Warschau teil, bei dem L. Oborin den ersten Platz gewann.
Das Interesse an Musikwissenschaft und Musikkritik ist spürbar gestiegen. Es entstanden sowjetische Musikzeitschriften. In den Nationalrepubliken entwickelte sich mit Hilfe russischer Komponisten eine „inhaltlich sozialistische und national der Form nach“ Musikkultur.
Das Problem der Innovation wurde manchmal auf vereinfachte, schematische Weise gelöst, ohne Bezug zur Moderne und den Traditionen der klassischen Kunst. Dies betraf vor allem die Aktivitäten von Organisationen wie dem Verein zeitgenössische Musik(1923–1931) und der Russischen Vereinigung proletarischer Musiker (1924–1932).
Die Association of Contemporary Music (ACM), bunt gemischt und heterogen in der Zusammensetzung, vereinte den Großteil der alten musikalischen Intelligenz und die „linkste“ Jugend. Die darin enthaltenen Komponisten schufen eine Reihe ernster und interessanter Werke; es hatte keine klar zum Ausdruck gebrachte ideologische Plattform.
Das Gesangs- und Chorschaffen der jungen Komponisten A. Davidenko, M. Koval, V. Bely, N. Chemberdzhi und anderer, die eng mit Volksliedtraditionen verbunden sind, entwickelte sich erfolgreich. Die auffälligsten Beispiele des neuen Stils waren die Lieder und Chöre von A. Davidenko „Am zehnten Werst“, „Die Straße winkt“, „Budyonny Horse“, lyrische Lieder M. Koval, Lieder von V. Bely usw.
Die ersten Opern erschienen zu den Themen des Bürgerkriegs („Für das rote Petrograd“ von A. Gladkovsky und E. Prussak), historischen und revolutionären („Stepan Rasin“ von P. Triodin, „Sohn der Sonne“ von S. Wassilenko, „Zagmuk“ von A. Krein).
Ein großer Erfolg war R. Glieres Ballett „Die rote Mohnblume“ in leuchtenden und hellen Farben emotionale Musik in dem der Komponist zum ersten Mal in der Geschichte dieser Gattung das Thema der Völkerfreundschaft und des revolutionären Kampfes verkörperte.
Die sowjetische symphonische Musik spiegelte die Themen Moderne, Revolution, Bürgerkrieg und heroische revolutionäre Vergangenheit wider (N. Myaskovskys 5. und 6. Symphonie, M. Gnesins „Symphonic Monument 1905-1917“, A. Kreins „Funeral Ode“). Es entstanden Werke im Geiste klassischer Traditionen, basierend auf Volksliedmaterial – die 8. Symphonie von N. Myaskovsky, „Die Kosaken“ von R. Glier, die 3. Symphonie von A. Gedi-ke, „Mtsyri“ von M. Ippolitov -Iwanow. D. Schostakowitschs talentierte 1. Symphonie erlangte schnell Weltruhm. Es erscheinen eine Reihe von Werken mit ausgeprägten modernistischen Tendenzen – „The Plant“ von A. Mosolov, „Tales of the Plaster Buddha“ von L. Knipper usw.
Musikkultur der 30er Jahre.
1932 wurde die Union gegründet Sowjetische Komponisten, was den Beginn der „Vereinigung der Musiker auf der Grundlage der Methode des sozialistischen Realismus“ markierte.
Bekommt einen enormen Schub Liedkreativität. Das Genre des Massenliedes wird zu einem Labor für neue melodische Ausdrucksmittel, und der Prozess der „Liederneuerung“ umfasst alle Arten von Musik – Oper, Symphonie, Kantate-Oratorium, Kammermusik, Instrumentalmusik. Die Themen der Lieder sind vielfältig, ebenso wie ihre Melodien. Unter den Werken des Liedgenres stechen in dieser Zeit besonders hervor Kampflieder Die Lieder von A. Alexandrov, I. Dunayevsky mit ihrem klangvollen Spaß, jugendlicher Energie, hellen Texten (wie „Lied vom Vaterland“, „Lied von Kachowka“, „Marsch der fröhlichen Jungs“ usw.), Originallieder von V. Zakharov, gewidmet dem neuen Leben des Kollektivdorfes („Entlang des Dorfes“, „Und wer weiß“, „Ihn verabschieden“), den Liedern der Pokrass-Brüder („Wenn es morgen Krieg gibt“, „Konarmeyskaya“ ), M. Blanter („Katyusha“ usw.), S. Katz, K. Listov, B. Mokrousov, V. Solovyov-Sedogo.
Das Liedgenre entwickelte sich in enger Zusammenarbeit zwischen den Komponisten und Dichtern M. Isakovsky, V. Lebedev-Kumach, V. Gusev, A. Surkov und anderen. Das Erscheinen von Tonfilmen trug zur großen Popularität sowjetischer Lieder bei.
Opernhaus in den 30er Jahren. angereichert mit Werken zu einem modernen Thema. Die Opern von I. Dzerzhinsky „Quiet Flows the Don“ und „Virgin Soil Upturned“ zeichneten sich durch einen hellen melodischen Anfang und eine realistische Charakterisierung der Charaktere aus. Der Schlussrefrain „From Edge to Edge“ aus „Quiet Don“ ist zu einem der beliebtesten Volkslieder geworden. Auch T. Khrennikovs Oper „Into the Storm“ ist voller dramatischer Eigenschaften, origineller Melodie und ausdrucksstarker Volkschöre.
Elemente der französischen Musik erhielten in D. Kabalevskys Oper Cola Breugnon eine interessante Brechung, die sich durch großes professionelles Können und Subtilität der musikalischen Charakteristik auszeichnete.
S. Prokofjews Oper „Semyon Kotko“ zeichnete sich durch die Ablehnung des Massengesangs und die Vorherrschaft des Rezitativs aus.
In den Jahren 1935–1939 begannen verschiedene Tendenzen im Werk sowjetischer Komponisten. Gegenstand von Diskussionen über die Entwicklungswege der Opernkunst.
Auch Komponisten, die im Genre der Operette arbeiteten, wandten sich dem modernen Thema zu – I. Dunaevsky, M. Blanter, B. Alexandrov.
IN Ballett-Genre realistische Tendenzen wurden durch so bedeutende Werke wie „Die Flammen von Paris“ und „Der Brunnen von Bachtschissaray“ von B. Asafiev, „Laurencia“ von A. Crane, die musikalische und choreografische Tragödie von S. Prokofjew „Romeo und Julia“ repräsentiert. Die ersten nationalen Ballette erschienen in Georgien, Weißrussland und der Ukraine.
In den 30er Jahren. Die Kreativität der größten sowjetischen Symphoniker der älteren Generation blüht, die Talente der Jugend werden reifer. N. Myaskovsky schuf in dieser Zeit (vom 12. bis zum 21.) 10 Sinfonien. S. Prokofjew schreibt die patriotische Kantate „Alexander Newski“, 2. Violinkonzert, symphonische Geschichte„Peter und der Wolf“, D. Schostakowitsch – die 5. Sinfonie, grandios in Konzept und inhaltlicher Tiefe, sowie die 6. Sinfonie, Klavierquintett, Quartett, Musik zum Film „Counter“. Viele bedeutende Werke des symphonischen Genres waren historischen, revolutionären und heroischen Themen gewidmet: D. Kabalevskys 2. Symphonie, Y. Shaporins Sinfoniekantate „Auf dem Kulikovo-Feld“. Einen wertvollen Beitrag zur realistischen Musik leistete A. Khachaturian (1. Sinfonie, Klavier- und Violinkonzerte, Ballett „Gayane“). Bedeutende symphonische Werke wurden auch von anderen Komponisten geschrieben, darunter auch von Komponisten aus den Sowjetrepubliken.
Die darstellenden Künste haben große Höhen erreicht. Den herausragenden Sängern A. Nezhdanova, A. Pirogov, N. Obukhova, M. Stepanova und I. Patorzhinsky wurde der Titel Volkskünstler der UdSSR verliehen. Die jungen sowjetischen Musiker E. Gilels, D. Oistrach, J. Flier und J. Zak gewannen erste Preise bei internationalen Wettbewerben in Warschau, Wien/Brüssel. Die Namen von G. Ulanova, M. Semenova, O. Lepeshinskaya, V. Chabukiani wurden zum Stolz der Sowjetunion und der Welt choreografische Kunst. Es wurden große staatliche Auftrittsgruppen gegründet – Staat Symphonieorchester, Staatliches Tanzensemble, Staatschor DIE UDSSR.
Die Kultur der sowjetischen und postsowjetischen Zeit ist eine lebendige, groß angelegte Zusammenstellung des russischen Erbes. Die Ereignisse von 1917 wurden zu einem Bezugspunkt in der Entwicklung einer neuen Lebensweise, der Herausbildung einer neuen Denkweise. Die Stimmung der Gesellschaft im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. führte zur Oktoberrevolution, einem Wendepunkt in der Geschichte des Landes. Nun wartete sie auf eine neue Zukunft mit eigenen Idealen und Zielen. Kunst, die gewissermaßen ein Spiegel der Ära ist, ist auch zu einem Werkzeug geworden, um die Grundsätze des neuen Regimes in die Praxis umzusetzen. Im Gegensatz zu anderen Arten künstlerischer Kreativität drang die Malerei, die das Denken eines Menschen formt und gestaltet, auf die genaueste und direkteste Weise in das Bewusstsein des Menschen ein. Andererseits Bildende Kunst am wenigsten der Propagandafunktion gehorchte und die Erfahrungen der Menschen, ihre Träume und vor allem den Zeitgeist widerspiegelte.
Russische Avantgarde
Die neue Kunst vermied die alten Traditionen nicht vollständig. Die Malerei nahm in den ersten Jahren nach der Revolution den Einfluss der Futuristen und der Avantgarde im Allgemeinen auf. Die Avantgarde mit ihrer Verachtung für die Traditionen der Vergangenheit, die den destruktiven Ideen der Revolution so nahe stand, fand angesichts junger Künstler Anhänger. Parallel zu diesen Tendenzen in der bildenden Kunst entwickelten sich realistische Tendenzen, die Leben erweckten Kritischer Realismus 19. Jahrhundert Diese im Zeitalter des Epochenwechsels heranreifende Bipolarität machte das Leben des damaligen Künstlers besonders stressig. Die beiden Wege, die sich in der postrevolutionären Malerei herauskristallisierten, waren zwar gegensätzlich, dennoch lässt sich der Einfluss der Avantgarde auf die Arbeit realistischer Künstler beobachten. Der Realismus selbst war in jenen Jahren vielfältig. Werke dieses Stils haben eine symbolische, agitatorische und sogar romantische Ausstrahlung. Das Werk von B.M. vermittelt absolut treffend in symbolischer Form eine grandiose Veränderung im Leben des Landes. Kustodiev – „Bolschewik“ und voller erbärmlicher Tragödie und unkontrollierbarem Jubel „Neuer Planet“ von K.F. Yuon.
Gemälde von P.N. Filonov ist mit seiner besonderen kreativen Methode – dem „analytischen Realismus“ – eine Verschmelzung zweier gegensätzlicher künstlerischer Strömungen, die wir am Beispiel eines Zyklus mit einem propagandistischen Titel und der Bedeutung „Eintritt in die Blütezeit der Welt“ sehen können.
P.N. Filonov-Schiffe aus dem Zyklus Entering the World Heyday. 1919 GTG
Die Unbestreitbarkeit universeller menschlicher Werte, unerschütterlich auch in solch unruhigen Zeiten, kommt im Bild der wunderschönen „Petrograder Madonna“ (offizieller Name „1918 in Petrograd“) von K.S. zum Ausdruck. Petrow-Wodkin.
Eine positive Einstellung zu revolutionären Ereignissen prägt das helle und sonnige, luftige Werk des Landschaftsmalers A.A. Rylow. Die Landschaft „Sonnenuntergang“, in der der Künstler die Vorahnung des Feuers der Revolution zum Ausdruck brachte, das aus der wachsenden Flamme des Weltuntergangsfeuers der vergangenen Ära aufflammen wird, ist eines der inspirierenden Symbole dieser Zeit.
Neben den symbolischen Bildern, die die Hebung des Nationalgeistes organisieren und wie eine Obsession mittragen, gab es auch eine Tendenz zur realistischen Malerei mit dem Verlangen nach einer konkreten Übertragung der Realität.
Bis heute bewahren die Werke dieser Zeit einen Funken der Rebellion, der sich in jedem von uns manifestieren kann. Viele Werke, die nicht mit solchen Eigenschaften ausgestattet waren oder ihnen widersprachen, wurden zerstört oder vergessen und werden unseren Augen niemals präsentiert.
Die Avantgarde hinterlässt für immer ihre Spuren in der realistischen Malerei, doch es beginnt eine Zeit intensiver Entwicklung in Richtung Realismus.
Die Zeit der künstlerischen Assoziationen
Die 1920er Jahre sind die Zeit, auf den Ruinen des Bürgerkriegs eine neue Welt zu erschaffen. Für die Kunst ist dies eine Zeit, in der verschiedene kreative Vereinigungen ihre Aktivitäten mit voller Kraft starteten. Ihre Prinzipien wurden teilweise durch frühe künstlerische Gruppierungen geprägt. Die Vereinigung der Künstler der Revolution (1922 – AHRR, 1928 – AHRR) führte persönlich die Befehle des Staates aus. Unter dem Motto des „heroischen Realismus“ dokumentierten die ihm angehörenden Künstler in ihren Werken das Leben und Leben eines Menschen – die Idee der Revolution – in verschiedenen Genres der Malerei. Die Hauptvertreter der AHRR waren I.I. Brodsky, der die realistischen Einflüsse von I.E. aufnahm. Repin, der im historisch-revolutionären Genre arbeitete und eine ganze Reihe von Werken schuf, die V.I. Lenin, E. M. Cheptsov ist ein Meister des Alltagsgenres, M.B. Grekov, der Kampfszenen in einem eher impressionistischen Krappstil malte. Alle diese Meister waren die Begründer der Genres, in denen sie die meisten ihrer Werke aufführten. Unter ihnen sticht die Leinwand „Lenin in Smolny“ hervor, in der I.I. Brodsky vermittelte in der direktesten und aufrichtigsten Form das Bild des Führers.
Im Gemälde „Treffen einer Mitgliedszelle“ von E.I. Cheptsov schildert sehr zuverlässig und ohne Künstlichkeit die Ereignisse im Leben der Menschen.
Ein prächtiges, fröhliches, lautes Bild voller stürmischer Bewegung und Siegesfeier wurde von M.B. geschaffen. Grekov in der Komposition „Trompeter der Ersten Kavalleriearmee“.
Die Idee einer neuen Person, eines neuen Bildes einer Person wird durch die im Porträtgenre aufkommenden Trends zum Ausdruck gebracht, deren hellste Meister S.V. Malyutin und G.G. Rjaschski. Im Porträt des Schriftsteller-Kämpfers Dmitry Furmanov, S.V. Malyutin zeigt einen Mann der alten Welt, der es geschafft hat, sich anzupassen neue Welt. Es zeichnet sich ein neuer Trend ab, der seinen Ursprung in der Arbeit von N.A. hat. Kasatkina und entwickelte sich am stärksten in den weiblichen Bildern von G.G. Ryazhsky - „Delegierter“, „Vorsitzender“, in dem der persönliche Anfang ausgelöscht und der durch die neue Welt geschaffene Personentypus etabliert wird.
Ein absolut zutreffender Eindruck über die Entwicklung des Landschaftsgenres entsteht beim Anblick der Werke des fortgeschrittenen Landschaftsmalers B.N. Jakowlewa – „Der Verkehr wird besser.“
B.N. Der Verkehr in Jakowlew wird immer besser. 1923
Dieses Genre zeigt ein sich erneuerndes Land, die Normalisierung aller Lebensbereiche. In diesen Jahren Vordergrund Es entsteht eine Industrielandschaft, deren Bilder zu Symbolen der Schöpfung werden.
Die Society of Easel Painters (1925) ist der nächste Kunstverein dieser Zeit. Hier versuchte der Künstler, den Geist der Moderne, den Typus eines neuen Menschen, zu vermitteln, indem er aufgrund der minimalen Anzahl auf eine weiter entfernte Bildübertragung zurückgriff Ausdrucksmittel. In den Werken von „Ostovtsev“ wird oft das Thema Sport demonstriert. Ihre Malerei ist voller Dynamik und Ausdruck, was in den Werken von A.A. zu sehen ist. Deineka „Verteidigung von Petrograd“, Yu.P. Pimenov „Fußball“ usw.
Die Mitglieder eines weiteren bekannten Vereins – der „Vier Künste“ – wählten die Ausdruckskraft des Bildes, aufgrund der prägnanten und konstruktiven Form, sowie eine besondere Einstellung zu seinem Farbreichtum als Grundlage ihres künstlerischen Schaffens. Der denkwürdigste Vertreter des Vereins ist K.S. Petrov-Vodkin und eines seiner herausragendsten Werke dieser Zeit – „Tod des Kommissars“, das durch eine besondere Bildsprache eine Tiefe offenbart symbolisches Bild, ein Symbol für den Kampf um ein besseres Leben.
Aus der Komposition „Vier Künste“ von P.V. Kusnezow, dem Osten gewidmete Werke.
Die letzte große künstlerische Vereinigung dieser Zeit ist die Gesellschaft Moskauer Künstler (1928), die sich von den anderen durch die Art der energischen Modellierung von Volumina, die Aufmerksamkeit für Hell-Dunkel und die plastische Ausdruckskraft der Form unterscheidet. Fast alle Vertreter waren Mitglieder des „Tambourine Volt“ – Anhänger des Futurismus – was ihre Arbeit stark beeinflusste. Die Werke von P.P. Konchalovsky, der in verschiedenen Genres arbeitete. Zum Beispiel Porträts seiner Frau O.V. Konchalovskaya vermittelt die Besonderheiten nicht nur der Hand des Autors, sondern auch der Malerei des gesamten Vereins.
Am 23. April 1932 wurden alle Kunstvereine durch das Dekret „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ aufgelöst und der Künstlerverband der UdSSR gegründet. Kreativität ist in die finsteren Fesseln einer starren Ideologisierung geraten. Die Meinungsfreiheit des Künstlers, die Grundlage des kreativen Prozesses, wurde verletzt. Trotz eines solchen Zusammenbruchs setzten die zuvor in Gemeinschaften vereinten Künstler ihre Aktivitäten fort, doch neue Figuren besetzten die führende Rolle im Bildumfeld.
B.V. Ioganson wurde von I.E. beeinflusst. Repin und V.I. Surikov, seine Leinwände zeigen eine kompositorische Suche und interessante Möglichkeiten in der Farbgebung, aber die Gemälde des Autors zeichnen sich durch eine übertriebene satirische Haltung aus, die auf eine so naturalistische Weise unangemessen ist, wie wir am Beispiel des Gemäldes „Am alten Ural“ beobachten können Anlage".
A.A. Deineka bleibt der „offiziellen“ Kunstlinie nicht fern. Er bleibt sich immer noch treu künstlerische Prinzipien. Jetzt arbeitet er weiterhin in Genrethemen und malt außerdem Porträts und Landschaften. Das Gemälde „Future Pilots“ zeigt gut seine Malerei in dieser Zeit: romantisch, leicht.
Der Künstler schafft eine Vielzahl von Werken zum Thema Sport. Aus dieser Zeit sind seine nach 1935 entstandenen Aquarelle erhalten.
Das Gemälde der 1930er Jahre stellt eine fiktive Welt dar, die Illusion eines strahlenden und festlichen Lebens. Für den Künstler war es am einfachsten, im Genre der Landschaft aufrichtig zu bleiben. Das Genre des Stilllebens entwickelt sich.
Auch das Porträt unterliegt einer intensiven Entwicklung. P.P. Konchalovsky schreibt eine Reihe kultureller Persönlichkeiten („V. Sofronitsky am Klavier“). Die Werke von M.V. Nesterov, der den Einfluss von V.A. aufnahm. Serov, zeige einen Menschen als Schöpfer, dessen Leben eine kreative Suche ist. So sehen wir die Porträts des Bildhauers I.D. Shadr und der Chirurg S.S. Yudin.
P.D. Korin setzt die Porträttradition des vorherigen Künstlers fort, sein Malstil besteht jedoch darin, die Starrheit der Form, eine schärfere, ausdrucksstärkere Silhouette und eine raue Farbgebung zu vermitteln. Generell ist das Thema der kreativen Intelligenz im Porträt von großer Bedeutung.
Ein Künstler im Krieg
Mit dem Aufkommen des Großen Vaterländischer Krieg, Künstler beginnen, sich aktiv an Feindseligkeiten zu beteiligen. Aufgrund der unmittelbaren Einheit mit dem Geschehen entstanden in den Anfangsjahren Werke, deren Kern eine Fixierung des Geschehens, eine „malerische Skizze“ ist. Solchen Gemälden mangelte es oft an Tiefe, aber ihre Übertragung drückte die völlig aufrichtige Haltung des Künstlers aus, den Höhepunkt moralischen Pathos. Das Genre des Porträts erreicht einen relativen Wohlstand. Künstler, die den zerstörerischen Einfluss des Krieges sehen und erleben, bewundern seine Helden – Menschen aus dem Volk, beharrlich und edel im Geiste, die höchste humanistische Qualitäten zeigten. Solche Trends führten zu zeremoniellen Porträts: „Porträt von Marschall G.K. Schukow“ von P.D. Korina, fröhliche Gesichter von P.P. Kontschalowski. Von großer Bedeutung sind die Porträts der Intelligenz M.S. Saryan, entstanden während der Kriegsjahre – das ist das Bild des Akademikers „I.A. Orbeli“, Autor „M.S. Shahinyan“ und andere.
Von 1940 bis 1945 entwickelte sich auch das Landschafts- und Alltagsgenre, das A.A. Plastow. „Der Faschist ist geflogen“ vermittelt die Tragödie des Lebens dieser Zeit.
Der Psychologismus der Landschaft erfüllt das Werk hier noch mehr mit der Traurigkeit und Stille der menschlichen Seele, nur das Heulen eines hingebungsvollen Freundes durchschneidet den Wind der Verwirrung. Am Ende wird die Bedeutung der Landschaft neu überdacht und beginnt, das harte Bild der Kriegszeit zu verkörpern.
Erzählgemälde stechen gesondert hervor, zum Beispiel „Die Mutter des Partisanen“ von S.V. Gerasimov, der sich durch die Weigerung auszeichnet, das Bild zu verherrlichen.
Die historische Malerei schafft zeitgemäß Bilder von Nationalhelden der Vergangenheit. Eines dieser unerschütterlichen und inspirierenden Bilder ist „Alexander Newski“ von P.D. Korin verkörpert den unbesiegten stolzen Geist des Volkes. In diesem Genre zeichnet sich bis Kriegsende eine Tendenz zur simulierten Dramaturgie ab.
Das Thema Krieg in der Malerei
In der Malerei der Nachkriegszeit ser. 1940 - con. In den 1950er Jahren nahm das Thema Krieg als moralischer und physischer Test, aus dem das sowjetische Volk als Sieger hervorging, eine führende Position in der Malerei ein. Historisch-revolutionäre, historische Genres entwickeln sich. Das Hauptthema des Alltagsgenres ist die friedliche Arbeit, von der viele Kriegsjahre geträumt wurde. Die Leinwände dieses Genres sind von Fröhlichkeit und Glück durchdrungen. Die künstlerische Sprache des alltäglichen Genres wird erzählerisch und tendiert zur Lebensnähe. In den letzten Jahren dieser Periode erfährt auch die Landschaft Veränderungen. Das Leben der Region wird darin wiederbelebt, die Verbindung zwischen Mensch und Natur wird wieder gestärkt, eine Atmosphäre der Ruhe entsteht. Auch im Stillleben wird die Liebe zur Natur besungen. Interessante Entwicklung erhält ein Porträt im Werk verschiedener Künstler, das von der Übertragung des Einzelnen geprägt ist. Eines der herausragenden Werke dieser Zeit war: „Brief von der Front“ von A.I. Laktionov, ein Werk, das einem Fenster in eine strahlende Welt ähnelt;
die Komposition „Rest after the Battle“, in der Yu.M. Neprintsev erreicht die gleiche Lebendigkeit des Bildes wie A.I. Laktionow;
Werk von A.A. Mylnikova „Auf friedlichen Feldern“, die sich freudig über das Ende des Krieges und die Wiedervereinigung von Mensch und Arbeit freut;
Original-Landschaftsbild von G.G. Nissky – „Über den Schnee“ usw.
Strenger Stil als Ersatz für den sozialistischen Realismus
Kunst 1960-1980er Jahre ist eine neue Etappe. Es wird ein neuer „strenger Stil“ entwickelt, dessen Aufgabe es ist, die Realität ohne alles nachzubilden, was dem Werk Tiefe und Ausdruckskraft nimmt und sich nachteilig auf schöpferische Erscheinungsformen auswirkt. Er zeichnete sich durch Prägnanz und Verallgemeinerung des künstlerischen Bildes aus. Künstler dieses Stils verherrlichten den heroischen Beginn harter Arbeitstage, der durch eine besondere emotionale Struktur des Bildes entstand. " Strenger Stil„war ein klarer Schritt in Richtung Demokratisierung der Gesellschaft. Das Porträt wurde zum Hauptgenre, für das die Anhänger des Stils arbeiteten, das Gruppenporträt, das Alltagsgenre, das historische und historisch-revolutionäre Genre entwickelten sich ebenfalls. V.E. Popkov, der schrieb viele Selbstporträts-Gemälde, V. I. Ivanov, ein Befürworter eines Gruppenporträts, G. M. Korzhev, der historische Gemälde schuf. .A. und PA Smolin, „Vatermantel“ von VE Popkov Am Genre der Landschaft besteht Interesse in der nördlichen Natur.
Symbolik der Ära der Stagnation
In den 1970er-1980er Jahren. Es bildet sich eine neue Generation von Künstlern heraus, deren Kunst die Kunst in gewissem Maße beeinflusst hat Heute. Sie zeichnen sich durch symbolische Sprache und theatralische Unterhaltung aus. Ihre Malerei ist sehr künstlerisch und virtuos. Die Hauptvertreter dieser Generation sind T.G. Nazarenko („Pugatschow“),
dessen Lieblingsthema ein Feiertag und eine Maskerade war, A.G. Sitnikov, der Metaphern und Gleichnisse als eine Form der plastischen Sprache verwendet, N.I. Nesterova, Schöpferin mehrdeutiger Gemälde („Das letzte Abendmahl“), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnow.
Das letzte Abendmahl. N.I. Nesterow. 1989
Somit erscheint diese Zeit in ihrer Stilvielfalt und Diversität als letztes, prägendes Bindeglied der heutigen bildenden Künste.
Unsere Epoche hat einen riesigen Reichtum an malerischem Erbe früherer Generationen entdeckt. Ein moderner Künstler ist kaum an einen Rahmen gebunden, der die Entwicklung der bildenden Künste prägte und ihr manchmal feindlich gegenüberstand. Einige der heutigen Künstler versuchen, an den Prinzipien der sowjetischen realistischen Schule festzuhalten, andere finden sich in anderen Stilrichtungen und Richtungen wieder. Die von der Gesellschaft mehrdeutig wahrgenommenen Tendenzen der Konzeptkunst erfreuen sich großer Beliebtheit. Die Vielfalt der künstlerischen und ausdrucksstarken Mittel und Ideale, die uns die Vergangenheit gegeben hat, muss neu überdacht werden und als Grundlage für neue kreative Wege und die Schaffung eines neuen Bildes dienen.
Unsere kunsthistorischen Workshops
Unsere Galerie zeitgenössische Kunst bietet nicht nur eine große Auswahl an sowjetischer Kunst und postsowjetischer Malerei, sondern hält auch regelmäßig Vorträge und Meisterkurse zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst.
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Der Beginn der 1930er Jahre war geprägt vom Erscheinen der wichtigsten Parteidokumente, die die Vereinigung und Entwicklung kreativer Kräfte anregten. Der Beschluss des Zentralkomitees der Kommunistischen Partei vom 23. April 1932 wirkte sich positiv auf die Musikkultur aus.
Der Russische Verband proletarischer Musiker wird aufgelöst (der Verband für zeitgenössische Musik ist tatsächlich früher zusammengebrochen), Wege für die Weiterentwicklung realistischer Musik werden aufgezeigt und die demokratischen Traditionen der russischen klassischen Musikkunst bekräftigt.
1932 wurde der Sowjetische Komponistenverband gegründet, der den Grundstein für eine Musikervereinigung nach der Methode des sozialistischen Realismus legte. Die sowjetische Musikkreativität ist auf eine neue Bühne getreten.
Songwriting nimmt enorme Ausmaße an. Das Genre des Massenliedes wird zu einem Labor für neue melodische Ausdrucksmittel, und der Prozess der „Liederneuerung“ umfasst alle Arten von Musik – Oper, Symphonie, Kantate ohne Oratorium, Kammermusik, Instrumentalmusik. Die Themen der Lieder sind vielfältig, ebenso wie ihre Melodien.
Zu den Werken des Liedgenres zählen die Kampflieder von A. Alexandrov, die Lieder von I. Dunaevsky mit ihrem klingenden Spaß, ihrer jugendlichen Energie und ihren hellen Texten (wie das weltberühmte „Lied vom Mutterland“, „Lied von Kachowka“) ", „Marsch der fröhlichen Jungs“ usw.), Originallieder von V. Zakharov, gewidmet dem neuen Leben des Kollektivbauerndorfes („Entlang des Dorfes“, „Und wer weiß“, „Ihn verabschieden“) , Lieder der Pokrass-Brüder („Wenn es morgen Krieg gibt“, „Konarmeyskaya“), M. Blanter („Katyusha“ und andere), S. Katz, K. Listov, B. Mokrousov, V. Soloviev-Sedogo.
Das Liedgenre entwickelte sich in enger Zusammenarbeit zwischen den Komponisten und Dichtern M. Isakovsky, V. Lebedev-Kumach, V. Gusev, A. Surkov und anderen. Das Aufkommen von Tonfilmen trug zur großen Popularität sowjetischer Lieder bei. Nachdem sie die Leinwand verlassen haben, haben sie die Filme, für die sie geschrieben wurden, lange überlebt.
Das Opernhaus wurde in den 30er Jahren durch realistische Werke zu einem modernen Thema bereichert, sprachlich zugänglich, inhaltlich wahrheitsgetreu, wenn auch nicht immer frei von Mängeln (schwache Dramaturgie, unvollständiger Einsatz breiter Stimmformen, ausgereifte Ensembles).
Die Opern von I. Dzerzhinsky „Quiet Flows the Don“ und „Virgin Soil Upturned“ zeichneten sich durch einen hellen melodischen Anfang und eine realistische Charakterisierung der Charaktere aus. Der Schlussrefrain „From Edge to Edge“ aus „Quiet Don“ ist zu einem der beliebtesten Volkslieder geworden. Auch T. Khrennikovs Oper „Into the Storm“ ist voller dramatischer Eigenschaften, origineller Melodie und ausdrucksstarker Volkschöre.
Eine interessante Brechung erhielt Elemente des Französischen Volksmusik in D. Kabalevskys Oper „Cola Breugnon“, geprägt von großem professionellem Können und Subtilität der musikalischen Charakteristik.
S. Prokofjews Oper „Semyon Kotko“ zeichnete sich durch die Ablehnung des Massengesangs und die Vorherrschaft des Rezitativs aus.
In den Jahren 1935–1939 zeichneten sich verschiedene Tendenzen im Schaffen sowjetischer Komponisten ab. Gegenstand von Diskussionen über die Entwicklungswege der Opernkunst.
Auch Komponisten, die im Genre der Operette arbeiteten, wandten sich dem modernen Thema zu – I. Dunaevsky, M. Blanter, B. Alexandrov.
Im Ballettgenre wurden realistische Tendenzen durch so bedeutende Werke wie „Die Flammen von Paris“ und „Der Brunnen von Bachtschissarai“ von B. Asafiev, „Laurencia“ von A. Crane, die musikalische und choreografische Tragödie von S. Prokofjew „Romeo und Julia“ repräsentiert. Die ersten nationalen Ballette erschienen in Georgien, Weißrussland und der Ukraine.
Erfolge im Genre der symphonischen Musik waren auch mit der Durchdringung des liedmelodischen Prinzips, der Demokratisierung von Bildern und deren Betonung verbunden lebenswichtige Inhalte, die Stärkung der Programmiertendenzen, der Appell an die Gesangs- und Tanzmelodien der Völker der UdSSR.
In den 1930er Jahren blühte das Werk der größten sowjetischen Symphoniker der älteren Generation auf und die Talente der jungen Generation reiften. In der symphonischen Musik verstärken sich realistische Tendenzen, die Themen der Moderne werden reflektiert. N. Myaskovsky schuf in dieser Zeit (vom 12. bis zum 21.) zehn Sinfonien. S. Prokofjew schreibt die patriotische Kantate „Alexander Newski“, das 2. Violinkonzert, das symphonische Märchen „Peter und der Wolf“, D. Schostakowitsch – die 5. Sinfonie, grandios in Konzept und Inhaltstiefe, sowie die 6. Sinfonie , Klavierquintett, Quartett, Musik zum Film „Counter“.
Viele bedeutende Werke des symphonischen Genres waren historischen, revolutionären und heroischen Themen gewidmet: D. Kabalevskys 2. Symphonie, Y. Shaporins Sinfoniekantate „Auf dem Kulikovo-Feld“. Einen wertvollen Beitrag zur realistischen Musik leistete A. Khachaturian (1. Sinfonie, Klavier- und Violinkonzerte, Ballett „Gayane“).
Bedeutende symphonische Werke wurden auch von anderen Komponisten geschrieben, darunter auch von Komponisten aus den Sowjetrepubliken.
Die darstellenden Künste haben große Höhen erreicht. Den herausragenden Sängern A. Nezhdanova, A. Pirogov, N. Obukhova, M. Stepanova, I. Patorzhinsky und anderen wurde der Titel „Volkskünstler der UdSSR“ verliehen.
Die jungen sowjetischen Musiker E. Gilels, D. Oistrach, J. Flier und J. Zak gewannen erste Preise bei internationalen Wettbewerben in Warschau, Wien und Brüssel. Die Namen von G. Ulanova, M. Semenova, 0. Lepeshinskaya, V. Chabukiani wurden zum Stolz der sowjetischen und weltweiten choreografischen Kunst.
Es entstanden große staatliche Auftrittsgruppen – das Staatliche Symphonieorchester, das Staatliche Tanzensemble, der Staatschor der UdSSR.
Wenn man sich mit den Werken der sowjetischen bildenden Kunst vertraut macht, merkt man sofort, dass sie sich stark von der vorherigen Epoche der Kunstgeschichte unterscheiden. Dieser Unterschied liegt darin, dass die gesamte sowjetische Kunst von der sowjetischen Ideologie durchdrungen ist und dazu aufgerufen war, alle Ideen und Entscheidungen des Sowjetstaates und der Kommunistischen Partei als leitende Kraft zu leiten. Sowjetische Gesellschaft. Wenn in der Kunst des 19. bis frühen 20. Jahrhunderts Künstler die bestehende Realität einer ernsthaften Kritik unterzogen, waren solche Werke in der Sowjetzeit inakzeptabel. Das Pathos des Aufbaus eines sozialistischen Staates zog sich wie ein roter Faden durch alle sowjetischen bildenden Künste. Jetzt, 25 Jahre nach dem Zusammenbruch der UdSSR, ist das Interesse an der sowjetischen Kunst seitens des Publikums gestiegen, insbesondere wird sie für junge Menschen interessant. Ja und mehr ältere Generation denkt viel über die vergangene Geschichte unseres Landes nach und interessiert sich auch für scheinbar sehr bekannte Werke der sowjetischen Malerei, Skulptur und Architektur.
Kunst aus der Zeit der Oktoberrevolution, des Bürgerkriegs und der 20er – 30er Jahre.
In den ersten Jahren nach der Revolution und in den Jahren des Bürgerkriegs spielten sie eine große Rolle Kampf politisches Plakat . Die Klassiker der Plakatkunst gelten zu Recht D.S.Moore und V.N.Deni. Moors Plakat „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“ und besticht nun durch die Ausdruckskraft des Bildes.
Zusätzlich zum gedruckten Plakat entstanden während der Bürgerkriegsjahre handgezeichnete und schablonierte Plakate. Das „ROSTA-Fenster“, wo der Dichter V. Mayakovsky aktiv teilnahm.
Während des Bürgerkriegs arbeitete er monumentaler Propagandaplan, zusammengestellt von W. I. Lenin, dessen Bedeutung darin bestand, im ganzen Land Denkmäler für berühmte Persönlichkeiten zu errichten, die auf die eine oder andere Weise zur Vorbereitung und Durchführung der sozialistischen Revolution beigetragen haben. Die Ausführenden dieses Programms sind in erster Linie Bildhauer N.A. Andreev I.D. Shadr.
In den 1920er Jahren wurde ein Verein gegründet, der eine bedeutende Rolle beim Aufbau einer neuen sowjetischen Gesellschaft spielte – Russland“ (AHRR) „Vereinigung der Künstler des revolutionären Russlands (AHRR).
In den 1930er Jahren wurde ein einziger Künstlerverband der UdSSR gegründet, der alle Künstler vereinte, die in ihrer Arbeit der Methode des sozialistischen Realismus folgen mussten. Künstler der älteren Generation (B. Kustodiev, K. Yuon und andere.) und jüngere versuchten, das Neue in der sowjetischen Realität widerzuspiegeln.
In der Kreativität I.I. Brodsky spiegelte das historische und revolutionäre Thema wider. Das gleiche Thema in Arbeit M. Grekova und K. Petrov-Vodkin ist überaus romantisch.
In den gleichen Jahren begann das Epos „Leniniana“, der während der Sowjetzeit unzählige Werke schuf, die W. I. Lenin gewidmet waren.
Zu nennen sind zunächst die Genremaler (Meister des Alltagsgenres) und Porträtmaler der 20er-30er Jahre M. Nesterov, P. Konchalovsky, S. Gerasimov, A. Deinek, Y. Pimenov, G. Ryazhsky und andere Künstler.
Im Gebiet Landschaft solche Künstler arbeiteten wie K. Yuon, A. Rylov, V. Baksheev und andere R.
Nach der Revolution und dem Bürgerkrieg kam es zu einem raschen Aufbau von Städten, in denen viele Denkmäler für prominente Persönlichkeiten der Revolution, Parteien und Staaten. berühmte Bildhauer war A. Matveev, M. Manizer, N. Tomsky, S. Lebedeva und andere.
Sowjetische Schöne Künste 1941-1945 und die ersten Nachkriegsjahre
Während des Großen Vaterländischen Krieges widerlegte die sowjetische Kunst entschieden das Sprichwort: „Wenn die Kanonen rumpeln, schweigen die Musen.“ Nein, in der Zeit der grausamsten und schrecklichsten Kriege in der Geschichte der Menschheit schwiegen die Musen nicht. Unmittelbar nach dem perfiden Angriff der deutschen Faschisten auf die Sowjetunion Pinsel, Bleistift und Meißel der Künstler wurden zu einer gewaltigen Waffe im Kampf gegen den Feind.
Der heroische Aufstand des Volkes und seine moralische Einheit wurden zur Grundlage, auf der die sowjetische Kunst des Vaterländischen Krieges entstand. Er war voller Ideen Patriotismus. Diese Ideen inspirierten Plakatkünstler, inspirierten Maler zu Gemälden, die von den Heldentaten des sowjetischen Volkes erzählten, und bestimmten den Inhalt von Werken in allen Kunstgattungen.
Eine große Rolle spielte zu dieser Zeit, wie auch in den Jahren des Bürgerkriegs, ein politisches Plakat, auf dem Künstler wie V. S. Ivanov, V. B. Koretsky und andere. Ihren Werken liegt ein wütendes Pathos inne, in den von ihnen geschaffenen Bildern offenbart sich der unbeugsame Wille der Menschen, die sich für die Verteidigung des Vaterlandes eingesetzt haben.
Eine echte Renaissance erlebt die Zeit des Krieges durch ein handgezeichnetes Plakat. Nach dem Vorbild der „ROSTA-Fenster“ entstanden 1941 – 1945 zahlreiche Blätter „Windows TASS“. Sie verspotteten die Eindringlinge und entlarvten sie wahre Essenz Der Faschismus rief das Volk dazu auf, das Vaterland zu verteidigen. Unter den Künstlern, die in „Windows TASS“ arbeiten, sollte man zunächst einmal nennen Kukryniksov (Kupriyanov, Krylov, Sokolov).
Die grafischen Serien dieser Zeit erzählen überzeugend von den Erfahrungen des sowjetischen Volkes während der Kriegsjahre. Großartige Serie von Zeichnungen, die von Herzschmerz geprägt sind D.A. Shmarinova „Wir werden nicht vergessen, wir werden nicht vergeben!“ Die Schwere des Lebens belagerte Leningrad festgehalten in einem Zeichnungszyklus A.F. Pakhomov „Leningrad in den Tagen der Blockade“.
Für Maler war es in den Kriegsjahren schwierig zu arbeiten: Schließlich braucht es Zeit und entsprechende Bedingungen und Materialien, um ein fertiges Bild zu schaffen. Dennoch gab es damals viele Gemälde, die in den goldenen Fonds der sowjetischen Kunst aufgenommen wurden. Die Maler des nach A. B. Grekov benannten Ateliers für Militärkünstler erzählen uns vom schwierigen Alltag des Krieges, von Kriegerhelden. Sie reisten an die Fronten, nahmen an Feindseligkeiten teil.
Militärkünstler hielten auf ihren Leinwänden alles fest, was sie selbst sahen und erlebten. Unter ihnen P.A. Krivonogov, der Autor des Gemäldes „Sieg“, B.M. Nemensky und seine Das Bild „Mutter“, eine Bäuerin, die in ihrer Hütte Soldaten beherbergte, hat in einer für das Mutterland schwierigen Zeit viel überlebt.
In diesen Jahren entstanden Leinwände von großem künstlerischem Wert A. A. Deineka, A. A. Plastov, Kukryniksy. Ihre Gemälde, die den Heldentaten des sowjetischen Volkes an der Front und im Hinterland gewidmet sind, sind von aufrichtiger Begeisterung erfüllt. Die Künstler bekräftigen die moralische Überlegenheit des sowjetischen Volkes gegenüber der brutalen Macht des Faschismus. Dies manifestiert den Humanismus der Menschen, ihren Glauben an die Ideale von Gerechtigkeit und Güte. Der Mut des russischen Volkes wird durch historische Gemälde belegt, die während des Krieges entstanden sind, darunter auch der Zyklus Gemälde von E.E. Lansere „Trophäen russischer Waffen“(1942), Triptychon von P. D. Korin „Alexander Newski“, Leinwand von A. P. Bubnov „Morgen auf dem Kulikovo-Feld“.
Sie erzählte uns viel über die Menschen der Kriegszeit und Porträtgemälde. In diesem Genre sind viele Werke von herausragendem künstlerischen Wert entstanden.
Die Porträtgalerie aus der Zeit des Vaterländischen Krieges wurde mit vielen skulpturalen Werken ergänzt. Dargestellt sind Menschen mit unbeugsamem Willen, mutige Charaktere, geprägt von hellen individuellen Unterschieden in skulpturalen Porträts von S.D. Lebedeva, N.V. Tomsky, V.I. Mukhina, V.E. Vuchetich.
Während des Vaterländischen Krieges erfüllte die sowjetische Kunst ihre patriotische Pflicht ehrenvoll. Den Sieg errangen die Künstler durch tiefe Erfahrungen, die es in den ersten Nachkriegsjahren ermöglichten, Werke mit komplexem und vielschichtigem Inhalt zu schaffen.
In der zweiten Hälfte der 1940er und 1950er Jahre wurde die Kunst um neue Themen und Bilder bereichert. Seine Hauptaufgaben in dieser Zeit bestanden darin, die Erfolge des Nachkriegsaufbaus widerzuspiegeln und die Moral und die kommunistischen Ideale zu fördern.
Der Aufschwung der Kunst in den Nachkriegsjahren wurde maßgeblich durch die Aktivitäten der Akademie der Künste der UdSSR erleichtert, zu der die bedeutendsten Meister gehören.
Die Kunst der Nachkriegsjahre zeichnet sich darüber hinaus durch weitere Merkmale aus, die vor allem ihren Inhalt betreffen. In diesen Jahren nahm das Interesse der Künstler zu innere Welt Person. Daher liegt die Aufmerksamkeit, die Maler, Bildhauer und Grafiker Porträts und Genrekompositionen widmen, die es ermöglichen, sich Menschen in unterschiedlichen Lebenssituationen vorzustellen und die Originalität ihrer Charaktere und Erfahrungen zu zeigen. Daher die besondere Menschlichkeit und Wärme vieler Werke, die dem Leben und Leben des sowjetischen Volkes gewidmet sind.
Natürlich machen sich Künstler auch heute noch Sorgen über die Ereignisse des jüngsten Krieges. Immer wieder wenden sie sich den Heldentaten des Volkes zu, den schmerzlichen Erfahrungen des sowjetischen Volkes in einer harten Zeit. Solche Gemälde dieser Jahre sind bekannt als „Maschenka“ von B. Nemensky, „Brief von der Front“ von A. Laktionov, „Ruhe nach der Schlacht“ von Y. Nemensky, „Return“ von V. Kostecki und vielen anderen.
Die Leinwände dieser Künstler sind interessant, weil in ihnen das Thema Krieg in einem alltäglichen Genre gelöst wird: Sie zeichnen Szenen aus dem Leben der Sowjetmenschen im Krieg und im Hinterland, sprechen über ihr Leiden, ihren Mut und ihr Heldentum.
Bemerkenswert ist, dass Gemälde mit historischem Inhalt in dieser Zeit auch häufig in das Alltagsgenre überführt werden. Allmählich findet das friedliche Leben des sowjetischen Volkes, das die Nöte der Kriegsjahre ersetzte, im Werk vieler Künstler eine immer vollständigere und reifere Verkörperung. Es erscheint eine große Anzahl Genre Gemälde (d. h. Gemälde des alltäglichen Genres), die durch eine Vielzahl von Themen und Handlungssträngen auffallen. Das ist das Leben der sowjetischen Familie mit seinen einfachen Freuden und Sorgen ( „Wieder Deuce!“ F. Reshetnikova), Das ist heiße Arbeit in Fabriken und Fabriken, auf Kollektiv- und Staatsfarmen ( „Brot“ von T. Yablonskaya, „Auf friedlichen Feldern“ A. Mylnikova). Dies ist das Leben der sowjetischen Jugend, die Erschließung von Neuland usw. Ein besonders wichtiger Beitrag dazu Genremalerei in dieser Zeit von Künstlern geschaffen A. Plastov, S. Chuikov, T. Salakhov und andere.
Die Porträtmalerei hat sich in diesen Jahren erfolgreich weiterentwickelt P. Korin, V. Efanov und andere Künstler. Im Gebiet Landschaftsmalerei in dieser Zeit, neben den ältesten Künstlern, darunter M. Saryan, gearbeitet R. Nissky, N. Romadin und andere.
In den folgenden Jahren entwickelte sich die bildende Kunst der Sowjetzeit in die gleiche Richtung weiter.
KUNST DER 30ER JAHRE
1. allgemeine Charakteristiken
Union der Künstler
Am 23. April 1932 verabschiedete das Zentralkomitee der Partei einen Beschluss „Zur Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“, wodurch alle in den 20er Jahren existierenden Künstlergruppen beseitigt und eine einzige Organisation geschaffen wurden –Union der Künstler der UdSSR.
Methode des sozialen Realismus
An Erster All-Union-Kongress Sowjetische Schriftsteller im Jahr 1934 A.M. Gorki definierte „Methode des sozialistischen Realismus“, impliziert die kreative Nutzung des klassischen Erbes der Weltkultur, die Verbindung von Kunst mit der Moderne, die aktive Teilnahme der Kunst am modernen Leben, ihr Bild vom Standpunkt „Sozialistischer Humanismus". Die humanistischen Traditionen der bisherigen Kunst fortführen und mit der neuen verbinden,sozialistischer Inhalt,sollte „sozialistischer Realismus“ seineine neue Art künstlerischen Bewusstseins.
offizielle Kunst
Gleichzeitig wurde davon ausgegangenAusdrucksmittel kann sein das vielfältigsteauch in der Interpretation des gleichen Themas. So hieß es jedenfalls. Tatsächlich dauerte es noch viele Jahrzehnte.
offiziell von oben autorisiert,
« ideologisch aufrechterhalten" (was die Hauptsache ist),
tendiert zum Naturalismusdie einzig mögliche Richtung in der Kunst, eine Art Diamat in der Wissenschaft,
Verbot aller Meinungsverschiedenheitenkünstlerisches Bewusstsein,
gleichzeitig mit einem deutlich debuggtenMechanismus staatlicher Ordnungen, geplant (für Künstler, angenehme Party)Ausstellungen und Auszeichnungen. (314)
Die Themen der Kunst aller Gattungen und Genres schienen Vielfalt zu suggerieren: vonHeldentaten der Revolution Und Bürgerkrieg vor Arbeitstagen vom Leben selbst veranlasst und vorangetrieben. Porträtgenre hätte bleiben solleneiner der führenden, weil das realistische Kunstimmer und vor allemHumanforschung, seine Seele, seine Psychologie.
So war das hübschvage in Worten und wirklich hart Programm. Wie sie verkörpert wurde – zeigtenächstes Jahrzehnt. Natürlich kann das gleiche Thema auf unterschiedliche Weise entwickelt und offenbart werden, z
in Bildern Petrov-Wodkin und Deineka,
Landschaften Rylov und Nissky,
Porträts Konchalovsky und Korina,
in Grafiken Lebedew und Konaschewitsch,
in Skulpturen von Mukhina und Shadr,
wie in der Zukunft, ohne davon abzuweichengrundlegende realistische PrinzipienVisionen der Natur haben und arbeiten Künstler unserer Zeit anders:V. Popkov, Y. Krestovsky, V. Ivanov, V. Tyulenev, G. Egoshin und andere (315)
Ideologisierung der Kunst
Aber die auf dem Kongress einstimmig angenommene „Methode des sozialistischen Realismus“Ingenieure menschliche Seelen » im Jahr 1934, vollständighatte keine Freiheit erwartet. Und umgekehrt, künstlerische Kreativität immer schwererideologisiert.Wie ein Forscher, V. Piskunov, schrieb (der Autor sprach über Dichter, aber dies gilt voll und ganz für Künstler): „auf einen Schlagherrischer StiftGanze Generationen wurden ausgerottetund Perioden", und geradeder Beste der Meister„hatte sich nicht geruht, darauf einzugehensozialistische Realisten". Daran sollte man sich immer erinnern, wenn man die nationale Geschichte der Sowjetzeit liest.
Kunstausstellungen
In den 1930er Jahren wurden große Anstrengungen unternommen, sich zu formierenNationale Kunstschulen, erschaffen multinationale sowjetische Kunst". Jahrzehnte nationale Kunst und republikanische Ausstellungen, Teilnahme von Vertretern verschiedener Republiken an thematischen Kunstausstellungen:
„15 Jahre Rote Armee“,
„20 Jahre Rote Armee“,
„Die Industrie des Sozialismus“ (1937),
„Die besten Werke der sowjetischen Kunst“ (1940),
in internationalen Ausstellungen in Paris (1937) und New York (1939),
bei der Organisation der All-Union Agricultural Exhibition (1939 - 1940)
eine der Formen der kulturellen Kommunikation zwischen den Völkern der UdSSR in diesen Jahren.
Es war besonders großAusstellung „Industrie des Sozialismus". Mehr als 700 Künstler Moskau, Leningrad und andere Städte der RSFSR und Unionsrepubliken; zusammen mit bereits ausgereiften Meistern auf der AusstellungJugend debütierte. Die ausgestellten Werke waren gewidmetdie besten Leute im Land, Trommler der Fünfjahrespläne, Neubauten der sowjetischen Industrie“, aus denen später hervorgingerforderliche Komponentejede großräumigeoffizielle Ausstellung.
Akademie der Künste
Im Jahr 1932 wurden die in den ersten Jahren der Revolution geschlossenen Gebäude wieder aufgebautAllrussische Akademie der Künste und später - Institut für Malerei, Bildhauerei und Architektur.
demokratische Prinzipien mit Füßen treten
Es sollte daran erinnert werden, dass die 1930er Jahre eine davon warenam umstrittenstenund tragische Zeiten sowohl in der Geschichte unseres Staates als auch in seiner Kultur und Kunst.Mit Füßen treten humanistisch-demokratischer Prinzipienim Leben der Gesellschaft spiegelte sich in der kreativen Atmosphäre wider. Die Grundlagen des kreativen Prozesses wurden verletzt -Meinungsfreiheit des Künstlers.
Kunst die Rolle des „Erklärers“
Dahinter steht die immer rigidere Aussageder einzige Stil und Lebensstil, unter Ausschluss jeglicher Manifestation der Wahlfreiheit aus der Realität, immer mehrEs wurde auch eine einheitliche Kunstform beschlossen. Da wurde Kunst gegebenRolle des „Erklärers“» Direktiven in visueller Form, daraus wurde natürlich Kunstbebildert und unkompliziert("verständlich "), alles verlierenVollständigkeit, Komplexität und VielseitigkeitAusdrucksmittel. (316)
Das Recht auf geistige Freiheit verweigern
Trotz der DemagogikGesang eines einfachen Arbeiters- „Erbauer einer glänzenden Zukunft“, bestritt derselbe Menschenrecht
zur Freiheit des Geistes,
zu deiner Vision der Welt,
schließlich im Zweifel - notwendig Anreiz zur VerbesserungPersönlichkeit zu Kreativität.
Denn was kann der Kreativität schädlicher sein als das Pflanzendogmatisch einheitliche Formen der Verherrlichungeiner, der sich ungerechterweise über die vielen Millionen Menschen erhebtForm oder mehrere Formen, oder eins und falsch - Ideen ? Dies führte dazu, dass die Wege und Schicksale der Künstlerimmer weiter verstreut.
Zwei Wege der Künstler
Einige sozusagen – oder in Wirklichkeit –geriet in Vergessenheit, andere sind geworden“ führenden Künstler dieser Zeit» 30er Jahre, das Schicksal einiger war Stille, Dunkelheit und tragisches Vergessen, die unvermeidliche Unwahrheit und Absichtliche Lügen begleiteten den Ruhm anderer.
offizielle Kunst
Es erschienen unzählige Werke, darunter Gemälde von V. Efanov und G. Shegal über „Anführer, Lehrer und Freund“, „Vorsitz“ auf Kongressen, zahllosePorträts des „Führers der Völker“.". Das Leben des Dorfes wurde auf großen festlichen Leinwänden fälschlicherweise optimistisch dargestellt
S. Gerasimov. Kollektiver Bauernhofurlaub. 1937
A. Plastov. Urlaub im Dorf. 1937
Alle diese und ähnliche Bilder wurden veröffentlichtfür die wahre „Wahrheit des Lebens“.". Sie waren voller Fröhlichkeit, was sogar entfernt istentsprach nicht der Wahrheit, aber Gorki ist genau „Historischer Optimismusgilt als einer der bestimmendenEigenschaften des „Sozialistischen Realismus“.».
Geschichtsfälschung, humanistische Ideen führten zu psychologischenZusammenbruch der kreativen Persönlichkeit. Und wiederum der Künstler, der schafft falsches Bild , gefälscht, aber gebautauf den Prinzipien der visuellen Wahrhaftigkeit, gezwungen glaube an ihndie waren voll aufrichtig (und in den 1930er Jahren besonders ausgeprägtes) Verlangenzum Glück allerarbeitende Menschheit. Ich denke, das ist das GrößteSowjetische Tragödie. (317)
inoffizielle Kunst
Gleichzeitig kann man in der Kunst der 30er Jahre viele Namen von Künstlern nennen, die interessant gearbeitet haben: Petrov-Vodkin, Konchalovsky, Saryan, Favorsky, Korin. Das wichtigste Gemälde in Korins Leben Rus' Weggang » also ist es nicht passiert", und der Grund dafür ist, wie es uns scheint, derkünstlerische Atmosphäre jene Jahre.
In Leningrad arbeitete sie seit 1925Schulwerkstatt Filonov. Unter seiner Leitung wurde der Entwurf der berühmten Edition umgesetzt.Finnisches Epos „Kalevala“», Kulisse für „Inspector". Aber in den 30ern Die Werkstatt ist leer. Die Schüler verlassen den Meister. Eine Ausstellung mit Werken von Filonov, vorbereitet im Jahr 1930 im Staatlichen Russischen Museumnie geöffnet. Sie war nur dazu bestimmt, stattzufinden nach 58 Jahren.
2. Malerei
BORIS WLADIMIROWITSCH IOGANSON (1893 - 1973)
Führend werden andere Künstler. Unter ihnen gehört B.V. der Hauptsitz. Ioganson (1893 - 1973), der in den 20er Jahren Werke wie schrieb
Rabfak geht (Vuzovtsy). 1928
Sowjetisches Gericht. 1928
Knoten Bahnhof im Jahr 1919. 1928
der 1933 ein Gemälde auf der Ausstellung „15 Jahre Rote Armee“ präsentierte
Verhör von Kommunisten. 1933
und auf der Ausstellung „Industrie des Sozialismus“ 1937 – eine große Leinwand
In der alten Ural-Fabrik. 1937
In beiden Werken scheint Ioganson danach zu strebenTraditionen folgen, hauptsächlich von russischen Künstlern niedergelegtRepin und Surikow. Tatsächlich weiß der Künstler, wie man darstellt.Konfliktsituationen», Schieben Sie die Charaktere. Bei allgemeine Pracht» endlos « Kollektivferien auf dem Bauernhof» und unzählige Bilder «Anführer, Lehrer und Freund" Das schon die Würde eines Meisters. Es betrifft in erster Liniekompositorische Lösung.
Im „Kommunistischen Verhör“Zusammenstoß zweier unterschiedlicher Kräfte, Gefangene und Feinde, im „Ural Demidov“ (der zweite Name des Gemäldes „In der alten Ural-Fabrik“) –Arbeiter und Züchter, deren Ansichten sich nach dem Willen des Künstlers ebenso überschneiden wie die Ansichtenrotbärtiger Bogenschütze und Peterin Surikovs „Morgen der Streltsy-Hinrichtung“. Ich selbst Arbeitsprozess - Ioganson ging aus Beschreibung, Fragmentierung, Ausführlichkeit Und StauKompositionen zu einer prägnanteren und strengeren Lösung, bei der der gesamte dramatische Konflikt auf einer Kollision aufbautzwei feindliche Welten, ist traditionell. SelbstStandortwechsel weibliche Figur - auf der Suche nach einer typischeren Situation vom ersten Plan in der frühen Fassung bis zum männlichen - im letzten („Verhör der Kommunisten“) erinnert ein wenig daranSuche nach einer Lösung von Repin in „Wir haben nicht gewartet“.
Großes PotenzialFarbmöglichkeitenbesonders auf diesen Bildern gezeigtim ersten, wo die Kontraste des Hell-Dunkels sind, scharfe Blitze von tiefem Blau, Braunrot und Weiß verstärken sichdie Stimmung der Tragödie dessen, was passiert. Aber am Ende - ein kompletter Verlust.
Unangemessene Satire
Für den Künstler verändert den einfachen Geschmack weil er bezieht sich auf Satire, Karikatur, So in einem Gemälde fehl am Platz.
Wenn die Kommunisten- auch in den Händen des Feindesrückte furchtlos auf ihn zu;
wenn „Weißgardisten„Dann sicherlich Wutanfälle (hochgezogene Schulter, ekelhaft roter Nacken, erhobene Peitsche usw.);
wenn der Züchter hasse seine Augen, aber nicht sicher
wenn ein Arbeiter voller Überlegenheit, Würde, Wut und innere Stärke.
Falschheit in Johansons Werken
Und das alles ist Absichtübertrieben, übertrieben- und dadurch verliert es seine Bedeutung undwird zur Fälschung. (Obwohl es tatsächlich viele solcher Menschen und solcher Situationen gab.)
als historischer RevolutionärLeinwände von Brodsky,
Wie Porträts von Ryazhsky,
diese Johansons Werkeausdrucksstark veranschaulichenEntwicklung häusliche Kunst und in diesem Sinne (und nicht im traditionellen Sinne) kann man wirklich darüber nachdenken „Klassiker der sowjetischen Kunst».
ALEXANDER ALEKSANDROWITSCH DEINEKA (1899 1969)
In den 1930er Jahren arbeitete Deineka viel.
lakonische Details,
Ausdruckskraft der Silhouette,
dezent linearund Farbrhythmus
hauptsächlich Prinzipien seiner Kunst. Ehemalige „Ostovtsy“ bleiben bestehenihren Traditionen treu bleiben. Die Themen werden vielfältiger.Genre, Porträt, Landschaft. Aber egal, was sie schreiben, in allem tauchen die Zeichen der Zeit auf.
Für die Ausstellung „20 Jahre Rote Armee“ schrieb Deineka eines der poetischsten und romantische Werke
Zukünftige Piloten. 1938
drei nackte Knabenfiguren(von hinten dargestellt), am Meeresufer, schauendauf einem Wasserflugzeug am blauen Himmel, seine zukünftigen Eroberer. Diese Romantikausdrucksstark und farbenfroh- Kombination
dunkelblaues Wasser
graublauer Himmel,
Sonnenlicht überflutet die Böschung.
Zuschauer Die Gesichter der Jungen sind nicht zu sehen, aber das ganze System des Bildes vermittelt das GefühlLebensdurst, spirituelle Offenheit. Viele Gemälde von Deineka aus diesen Jahrendem Sport gewidmet.
Deinekas Aquarelle
Die vielseitige Welt Europas und der Neuen Welt hat sich geöffnet in seinen Aquarellen von ihm nach einer Auslandsreise 1935 geschrieben:
Tuilerien. 1935
Straße in Rom. 1935
und andere natürlich aus der „Position“ Sowjetischer Mann der seinen eigenen Stolz hat.
Offiziell etablierte Künstler schuf ein illusorisches Bild eines JubelndenFestliches Leben der 30er Jahre, So unwahr. Das Gefühl eines neuen Lebens im Aufbau vermittelt Yu. Pimenov auf dem Bild
Y. Pimenov. Neues Moskau. 1937
Impressionistische Tendenzensind deutlich zu spüren Unmittelbarkeit
Eindruck, gekonnt vermittelt, als obaus der Sicht einer Autofahrerin, im Reichtum an Licht und Luft, in Kompositionsdynamik. Im Hellen festliche Skalaauch HighlightsBild des neuen Moskau.
Bemerkenswerte Künstler
In diesen Jahren, zwunderbare Künstler, als N. Krymov (1884-1958), A. Kuprin , von denen jedes mit seinen individuellen Mitteln geschaffen wurdeepisches majestätisches Bild des Mutterlandes
A. Kuprin. Fluss. 1929
A. Kuprin. Sommertag in Tarusa. 1939/40
A. Kuprin. Tiam-Tal. 1937
Malerisch großzügig, romantisch viele Landschaften der Krim und Zentralrusslands A. Lentulova , voller Leben und seine Stillleben
A. Lentulov. Stillleben mit Kohl. 1940
Wunder Fröhlichkeit vieler WerkeKünstler in diesen schrecklichen Jahren. (320)
Mit der gesamten malerischen und plastischen Struktur der Leinwand versuchte er auszudrückender Geist der Moderne, spannungsgeladene Rhythmen neues Leben G. Nyssky Es zeigt auf der Reede stehende Schlachtschiffe, auf dem offenen Meer fliegende Segelboote und in der Ferne verlaufende Eisenbahnschienen
G. Nissky. Auf dem Weg. 1933
Man kann sagen, dass im Vergleich zu den 20er Jahren in den 30er Jahren die geografischeLandschaft als Genre. Die Künstler kommen zum Ural, nach Sibirien, An Ganz im Norden, auf die Krim. Das Mutterland – dieses riesige Territorium eines Vielvölkerstaates – gibtreichhaltige Eindrücke für Maler, in deren Landschaften eine Idee vorherrscht:die Natur unseres Landes, präsentiert von den Meistern in all seiner Großzügigkeit und skurrilen Variabilität der Beleuchtung zu verschiedenen Tages- und Jahreszeiten, ist nicht nur ein Symbol der Schönheit Heimatland, aber auch Zeitsymbol Auf die eine oder andere Weise wird es durch die Arbeit von Millionen Menschen erneuert. Die Künstler der Nationalrepubliken fangen liebevoll die Zeichen des Neuen in ihrem Land ein.
MARTIROS SERGEJEWITSCH SARYAN
M. Saryan malt wunderschöne Landschaften, Porträts
Porträt des Architekten A. Tamanyan
Porträt des Dichters A. Isahakyan
und Stillleben. Grüne Täler, blendend schneebedeckte Berge Armeniens, seine alten Tempel und neue Baustellen dringen in seine rauen Landschaften ein
Alaverdi-Kupferhütte. 1935
Jahrgang. 1937
Blumen und Früchte. 1939
großartig, beleuchtet vom hellen Talent eines geborenen Malers, seiner erstaunlichen dekorativen Großzügigkeit.
Landschaften zeugen vom neuen Gesicht ArmeniensG. Gyurtszhyan, F. Terlemezyan, das Bild des neuen Georgia wird in den Leinwänden vermitteltA. Tsimakuridze, V. Japaridze, E. Akhvlediani.
PETER PETROWITSCH KONCHALOVSKY
In den 1930er Jahren entwickelte sich das Porträt intensiv. P.P. Konchalovsky schrieb eine ganze Reihe wunderschöner Porträts von Kulturschaffenden:
V. Sofronitsky am Klavier. 1932
Porträt von S. Prokofjew. 1934
Porträt von V. Meyerhold. 1938
Im letzteren, wie immer bei Konchalovsky,Farbe offen, klangvoll, aber es wird im Gegensatz zu angegebenMeyerholds intensiver Blickund seine Haltung, die dem Bild etwas verleiht verstörend . Das ist nicht verwunderlich: vor seiner Verhaftung und seinem Todnoch ein paar Tage übrig. (321)
Michail Wassiljewitsch Nesterow
Nach fast 15 Jahre SchweigenM. Nesterov fertigte eine Reihe von Porträts der sowjetischen Intelligenz an
Porträt der Künstler P.D. und A.D. Korinykh. 1930
Porträt von I.P. Pawlowa. 1935
Porträt eines Chirurgen Yudin. 1935
Porträt von V.I. Muchina. 1940
Wer auch immer Nesterov porträtierte,
sei es Pawlow mit seinem jugendlichen Enthusiasmus, willensstark, gesammelt, inspiriert, prägnant undausdrucksstarke Handbewegungwas seine unbändige, dynamische, „explosive“ Natur nur noch schärfer betont;
Bildhauer Shadr in tiefem Nachdenken stehenam riesigen Marmortorso;
Chirurg Lee Yudin
oder Künstlerin Kruglikova, -
Das betont er zunächst einmal Diese Leute sind Schöpfer und der Sinn ihres Lebens liegt darinkreative Beschäftigungenin Kunst oder Wissenschaft. In den Porträts von Nesterov gibt esklassisches Maß, Einfachheit und Klarheit, sie werden in bester Tradition aufgeführtRussische Malerei, hauptsächlich V.A. Serow.
PAWEL DMITRIEWITSCH KORIN (1892-1971)
Auch Nesterows Schüler P. D. Korin (1892-1971) wandele im Porträt den Weg Nesterows, betont erIntelligenz, menschliche Komplexität, aber sein Schreibstil ist anders,
die Form ist härter, klarer,
schärfere Silhouette,
ausdrucksstärkere Zeichnung
härtere Farbe.
K. Magalaschwili
Auch Interesse an der kreativen Intelligenz zeigte sich bereits in den 1920er JahrenGeorgischer Künstler K. Magalaschwili
Porträt des Bildhauers Y. Nikoladze, 1922,
Porträt der Malerin Elena Akhvlediani, 1924,
Porträt eines Pianisten u. Orbeliani, 1925
1941 schreibt sie
Porträt des Pianisten V. Kuftina. 1941
S. Salamzade
Der aserbaidschanische Künstler S. Salam-zade wählt das Erscheinungsbild eines Arbeiters als Thema
S. Salmzade. Porträt der Baumwoll-Entkernerin Mayush Kerimova. 1938
3. Monumentale Malerei
monumentale Kunst
Die 30er Jahre waren eine gewisse Entwicklungsstufealle Arten monumentaler Kunst. (322)
Öffnung All-Union-Landwirtschaftsausstellung,
Moskauer Kanal,
Konstruktion U-Bahn in der Hauptstadt,
Clubs, Kulturpaläste, Theater, Sanatorien usw.,
Beteiligung Sowjetische Künstler Vinternationale Ausstellungenviele Werke zum Leben erweckt
monumentale Skulptur,
monumentale Malerei,
Kunst und Handwerk.
Als wichtigste galten die Künstler Moskaus, Leningrads, anderer Städte der RSFSR und der Nationalrepubliken, die die Traditionen und Formen der Nationalkunst bewahrten und kreativ überarbeitetenProbleme der Kunstsynthese.
monumentale Malerei
In der Monumentalmalerei nimmt die führende Stellung einA.A. Deineke, E.E. Lansere.Letzterer wurde bereits vor der Revolution als Künstler ausgebildet. In den 1930er Jahren trat er auf
Wandgemälde in Charkow, Tiflis.
Gemälde der Restauranthalle des Kasaner Bahnhofs in Moskau
Gewidmet Freundschaft und Einheit der Völker, redet über Naturreichtum des Landes.
Gemälde des Restaurantsaals des Hotels „Moskau“
basierend auf TraditionItalienische illusorische Plafondmalerei, besonders der Venezianer Tiepolo.
In den gleichen Jahren gab es auch monumentale MalereiV. Favorsky, A. Goncharov, L. Bruni. In der Malerei
Favorsky. Malerei im Haus der Modelle in Moskau. 1935 (Graffito, nicht erhalten)
Favorsky hat es geschafftSynthese von Architektur und MalereiDiese Arbeit hatte einen großen Einfluss auf seine Schüler.
4. Skulptur
4.1 Denkmäler
Arbeitete viel in der Bildhauereiund alte Meister, die sich in den ersten Jahren der Sowjetmacht erklärten, und Jung . Es ist anzumerken, dass in den 30er Jahren in allen Arten und Genres der Skulptur - inPorträt, Statuenkomposition, Relief- machte sich bemerkbar Tendenz zur Idealisierung der Natur. Dies galt insbesondere für die monumentalen Skulpturen, die in Wettbewerben für zahlreiche Denkmäler präsentiert wurden. (323)
MATVEY GENRIKHOVICH MANIZER (1891 1966)
Es ist bezeichnend, dass inWettbewerb für ein Denkmal für Chapaev(für die Stadt Samara) und Schewtschenko (für Charkow), der Gewinner war M. Manizer, Nachfolgerakademische SchuleRussische Skulptur mit ihrer Anziehungskraft aufErzählung und Idealisierung.
Denkmal für V. I. Chapaev. Samara. 1932
Denkmal für T.G. Schewtschenko. Charkiw. 1935
Im Schewtschenko-Denkmal stellte Manizer den Dichter vor allem als Ringkämpfer dar,Ankläger der Autokratie.
Diese Idee wird durch die Tatsache bestärkt, dass seine Figur entgegengesetzt isttrauriges Bild eines Landarbeiters, bedingt später nach dem Namen der Heldin seines Gedichts „Katerina“ benannt
Katerina.
(eine der 16 Figuren, die „Phasen des Kampfes des ukrainischen Volkesfür deine Freilassung. Das Denkmal ist berechnetfür eine Rundreiseund am Eingang des Parks platziert (der Autor des Sockels, Architekt I. Langbard).
In den Jahren 1936-1939 fertigte Manizer (zusammen mit seinen Schülern) eine Reihe von Statuen für den Moskauer Bahnhof anU-Bahn „Ploshchad Revolyutsii“". Diese Arbeit kann kaum als erfolgreich bezeichnet werden, was dadurch noch verschlimmert wurdebegrenzter Platz, niedrige Bögen stören die organische SyntheseArchitektur und Skulptur.
Lyrische Skulptur
In der Skulptur wirkt weiterhin ein lyrischer Plan, gekonnt modelliert, zutiefst poetisch A. T. Matveev . Wunderbare Porträtarbeiten werden von Y. Nikoladze geschaffen
I. Nikoladse. Porträt von G. Tabidze. 1939
I. Nikoladse. Büste von I. Tschawtschawadse. 1938
Subtile Psychologie oder ergreifende Bilder- in der Porträtskulptur S. Lebedeva
S. Lebedeva. Porträt von V. Chkalov. 1937 (Studie, Bronze)
Auf einem unabhängigen kreative Art und Weise Geben Sie diese Jahre einjunge Bildhauer. Für sie stehen auch Probleme im Vordergrund.Synthese von Skulptur und Architektur.
VERA IGNATIEVNA MUKHINA (1889 1853)
Von großer Bedeutung für die Entwicklung der sowjetischen Monumentalskulptur war die Beteiligung der UdSSR anInternationale Ausstellung„Kunst, Technologie und modernes Leben“, veranstaltet in Paris.Sowjetischer Pavillon wurde gem. gebaut Projekt B.M. Iofana. Skulpturengruppe für ihn machte V.I. Muchina.
Bereits in den Jahren 1922 - 1923 führte sie nach dem Plan der monumentalen Propaganda eine völlig leidenschaftliche,gewalttätige Bewegungsfigur, repräsentiert „ die Flamme der Revolution.“ (324)
Bäuerin. 1927
1927 schuf sieStaffeleiskulptur einer Bäuerin,
gewichtete und engmaschige Volumina,
lakonische, ausdrucksstarke Plastizität
die vom ständigen Interesse an zeugenmonumentales verallgemeinertes Bild.
In den Porträts der 1930er Jahre fand sie recht moderne Sprache realistische Skulptur nach klassischen Vorbildern.
Dr. A. A. Zamkov. 1935
Architekt S.A. Schlösser. 1935
Vor allem aber sind die Meister interessiertPrinzipien der Synthese von Architektur und Skulptur.
Arbeiter und Kollektivbauer. 1937
Eine der ursprünglichen Lösungen lieferte Mukhina in ihrer Arbeit für die Internationale Ausstellung. Iofan-Gebäude endete mit einem gigantischen, erhöhten33 m hoch mit PylonDas ist vollkommen organischgekrönt von einer Skulpturengruppe.
Sie bleiben auf DistanzHandhammer und Sichel hoch. Es war schwer, mehr zu findenKomplettlösung aus einer Handdieses Thema als Mukhina gefunden. Aus der Skulpturengruppe stammtmächtige Bewegung, was einen Stromschnellen erzeugtAnsturm der Figuren nach vorne und oben. Ausdrucksstark interpretiertFalten von Kleidung und Schal. Leichtigkeit, Silberglänzender Edelstahl, in dem die Skulptur hergestellt wird, noch weiter aufwertendynamischer Eindruck. Der innovative Bildhauer Mukhina hat es geschafft, in diesem Werk zu verkörperndas Ideal einer Epoche.
Zusammenarbeit mit Iofan
Mukhinas Zusammenarbeit mitArchitekt Iofanführte zur künstlerischen Einheit eines einfachen,konstruktiv-ganzheitliche Architektur und plastisch reiche, lakonische, vollständige skulpturale Formen. Darüber hinaus ist hier die Rolle der Skulptur vorherrschend. Gebäude,mit Marmor ausgekleidetmit Edelstahlstangen, eigentlich nur ein Podest für sie, Skulptur natürlich abgeschlossenvertikale architektonische Rhythmen, gab das Gebäude architektonische Perfektion.Dies ist eines der meistenausdrucksstarke Denkmäler, durchgeführt in Übereinstimmung mit dem einmal konzipierten „Plan der monumentalen Propaganda". Geliefert jetzt auf einem niedrigen Sockel, Er verlor all seine Monumentalität. (325)
dekorative Skulptur
In diesen Jahren arbeitet der Bildhauer vieldekorative Skulpturund vervollständigt auch Shadrs Arbeit an dem, was er in den 1930er Jahren begann
Shadr. Denkmal für A.M. Gorki. 1951
in Moskau vor dem Weißrussischen Bahnhof installiert.
4.2 Tierskulptur
WASILY ALEKSEEVICH VATAGIN (1883 1969)
In den 1930er Jahren entwickelte sich die Tierskulptur auf interessante Weise, wobei zweifellos die Namen zweier Meister hervorstechen – V. Vatagina Wer nicht nur die Merkmale, sondern auch die Psychologie der Tiere genau kennt, arbeitet viel
in einem Baum
Himalaya-Bär. 1925
und Bronze
Tiger. 1925
IWAN SEMENOWITSCH EFIMOW (1878 1959)
und I. Efimov, der seine Werke in aufführteam meisten verschiedene Materialien mehr verallgemeinert, dekorativals Vatagin und das beschenkende TierMerkmale des Anthropomorphismus
Katze mit Ball. 1935 (Porzellan)
Hahn. 1932 (geschmiedetes Kupfer).
Der wertvollste Teil der Kreativität beider - ihre Zeichnungen.
5. Grafiken
5.1 Buchillustration
Wladimir Andrejewitsch Favorski (1886 1964)
Im Zeitplan dieser Jahre nimmt weiterhin der führende Platz einBuchillustratoren. V.A. Favorsky , der selbst sehr intensiv arbeitet - Holzschnitte
Illustrationen zu „Das Wort von Igors Regiment»,
Illustrationen zu „Vita Nova“ von Dante,
Illustrationen zu Shakespeares Hamlet
führt eine ganze Grafikschule. (326)
A. Goncharov mit hochprofessioneller, tief eindringlicherIllustrationen für Smolett und Shakespearegenießt bei seinen Schülern besondere Aufmerksamkeit. Im Allgemeinen wird der Holzschnitt jedoch zurückgedrängtLithographie im zweiten Plan, sowie Zeichnen -Kohle und schwarzes Aquarell.
Leningrader Schule
In den 1930er Jahren erhielt die Holzschnittkunst einen neuen StandLeningrader Schule, aus dem mehr Gnade kommt„Welt der Kunst“-Traditionen. Dies sind die Werke von L. Khizhinsky der seine Karriere in der Ukraine begann,G. Epifanova, N. Vanderfleet, S. Mochalov, N. Alekseev, der früh starb . Meister der Staffeleigrafik, Sänger der elegischen Aquarelllandschaft warenV. Pakulin und N. Tyrsa, die Rhythmen der neuen, industriellen Leningrad-EroberungAquarelle von N. Lapshin.
Georgy Semenovich Vereisky (1886 1962)
Seit Mitte der 30er Jahre beschäftigt er sich fast ausschließlich mit der Technik der Radierung und Lithographie. G. Vereisky (Mehr als 50 Mal hat er dargestelltSchauspieler V.P. ErschowSuche nach Tiefepsychologische Merkmale).
Konstantin Iwanowitsch Rudakow (1891 1949)
In den meisten verschiedene Techniken und Genresarbeitete als brillanter Zeichner K. Rudakov (Illustrationen an Zola und Maupassant, Staffelei mit grafischen Bildern des Lebens in Westeuropa,Porträts von Zeitgenossen)
Porträt des Künstlers I.K. Rad. 1936 (Aqua.)
Dementy Alekseevich Shmarinov (1907 1995)
Eine Galaxie junger Grafiker tritt mit Illustrationen zu russischen und sowjetischen Klassikern auf. D. Shmarinov , ein Schüler von D. Kardovsky, macht ganz streng,tragisches Gefühl
Illustrationen zu „Verbrechen und Sühne“ von Dostojewski. 1935 - 1936
schöne und einfache Zeichnungen
Zeichnungen für Belkins Tales. 1937
Eine Zeichnungsserie zu „Peter I » A. Tolstoi. 1940
Illustrationen zu „Ein Held unserer Zeit“ von M.Yu. Lermontow. 1939 - 1940
Zeichnungen zu „Peter ICH “, in der Tat ganze historische Kompositionen mit lebendigen Charakteren, mit einer hervorragenden skizzenhaften Übertragung derder Geist der Petersära. Shmarinov vermied viele alltägliche Details, um der Serie einen hohen epischen Stil zu verleihen. (327)
Jewgeni Adolfowitsch Kibrik (1906 - 1978)
E.A. Kibrik (1906 - 1978) spielt voller fesselnder Einfachheit und subtilem Gefühl des gallischen Geistes
Illustrationen zu „Cola Breugnon“. 1936
Illustrationen zu „Die Legende vom Ulenspiegel“ von Charles de Coster. 1938
Kibrik schrieb später: „Mein ganzes Leben lang habe ich versucht, ein Bild zu verkörpern. Dies ist ein Bildfreundlich, mutig, fröhlich Mann . Er liebt das Leben und die Menschen. Er bekämpft das Böse. Zu ihm nachahmen möchte. Dieses Bild erschien in meiner Arbeitmal im Angesicht eines Burgunders, mal eines Flamen, mal eines Ukrainers, mal eines Russen» (4, S. 15). (328)
Sergej Wassiljewitsch Gerassimow (1885–1964)
S.V. Gerasimov herein schwarze Aquarelleschafft temperamentvolle und starke Heldencharaktere
Illustrationen zur Geschichte „Der Fall Artamonov“ von A.M. Gorki. 1938 1939
Kukryniksy
Kukryniksy (Zusammenschluss von drei Künstlern -M.V. Kupriyanova, P.N. Krylova, N.A. Sokolova), erklärten sich bereits in den 20er Jahren alssatirische Künstler, hauptsächlich veranschaulichen satirische Werke
Illustrationen zu „Gentlemen Golovlev“ von M.E. Saltykow-Schtschedrin
oder einzelne (satirische) Episoden in literarische Schriften
Illustrationen zu „Klim Samghin“ von M. Gorki
Detgiz
Leningrader KünstlerK.I. Rudakov, N.A. Tyrsa arbeitet daranWestliche und russische Klassiker, V.V. Lebedew und E.I. Charushin -über Kinderliteratur, wobei jedes sein eigenes kreatives Gesicht behält. Um Detgiz herum, angeführt von V. Lebedev, eine ganze Gruppe bemerkenswerterLeningrad-KartenHochkultur: Yu. Vasnetsov, V. Kurdov, V. Konashevich und viele andere.
„Puschkiniana“
Der 100. Todestag von Puschkin im Jahr 1937 erweckte ein ganzes Leben zum Leben. Puschkinianer »
Zeichnungen und Aquarelle N. Ulyanova den Puschkin-Orten gewidmet,
Serie von L. Khizhinsky,
Lithographien P. Schillingovsky
„Was für ein großes Glückdass Russland Puschkin hat. Unser ganzes Leben lang scheint er über uns,wie die niemals untergehende Sonne!" - schrieb später einen herausragenden Plan, ein Meister des scharfen Zeichnens N. Kuzmin , der „Eugen Onegin“ in „Puschkin-Manier“ illustrierte (5, S. 50).
nationale Literatur
Das Interesse an nationaler klassischer Literatur ist allgegenwärtig. Weit verbreitete Berühmtheit erlangtIllustrationen von S. Kobuladze
S. Kobuladze. Illustrationen zu Shota Rustavelis Gedicht „Der Ritter im Pantherfell“. 1935 1937
Sublimieren Hochgefühl heldenhafter Charaktere erreicht
Prägung plastische Form,
die Konsistenz der Komposition,
fast skulpturale Greifbarkeitbei der Überführung von Gefolge,
Auswahl der wichtigsten in ihm.
Zyklus von Gouachen gewidmet David von Sasun, aufgeführt von E. Kochar (1939).
6. Architektur
Wettbewerb für den Bau des Sowjetpalastes in Moskau
Viele berühmte Architekten (Br. Vesnin, M. Gelfreich, B. Iofan, M. Ginzburg, sogar Ch.-e. Corbusier) nahmen daran teilWettbewerb um den Bau des SchlossesSowjets in Moskau. Gewonnenmehrstöckiges Bauvorhaben umgeben von Säulen, mit Statue von V.I. Lenin nach oben. So Kubistisches Mausoleumkönnte in unmittelbarer Nähe seingigantisches Bauwerk, einige davon beanspruchendschlagen Sie die klassische Architektur. Aber das Projekt war nicht dazu bestimmt, wahr zu werden.
Pavillons im VSH
Die Rivalität zwischen Konstruktivismus und einem gewissenÄhnlichkeit mit dem Klassizismusin der Architektur der 30er Jahre zu beobachten, wobei Letzteres bis zum Ende des Jahrzehnts deutlich vorherrschte. 1937 - 1939 auf der All-Union-Landwirtschaftsausstellung,personifizierte Republikenriesige Pavillons inpseudonationaler Geist.
Moskauer U-Bahn
Seit Mitte der 1930er Jahre wird gebautdie ersten Stationen der Moskauer U-Bahn
Mit luxuriöse Inneneinrichtung(Mosaik, Skulptur, Grisaille, Fresko, Glasmalerei, verschiedene Marmorarten, Bronzelampen und -gitter usw.)
und überlasteter SowjetSymbolik der Sichel, des Hammers
Und Dekor mit fünf spitzen Sternen.
Stalinistisches Reich
Pomposität, übermäßiger Pomp, manchmal sogar auf Kosten der Bequemlichkeitund gesunder Menschenverstand
riesige Kolonnaden,
Türme mit Spitzenreich verziertlächerliche Skulptur, in dem die Formen, die Anspruch auf Klassik erheben, so ausgeführt werden, als ob Hand des Barbaren
riesige Spannbögen des Tores, unverhältnismäßig für eine Person, die an sich bereits gegen die Gesetze der Architektur verstößt, die aus der klassischen Kunst stammen
fest etabliertzu einem späteren Zeitpunktund wurden ausgesetztKritik erst Ende der 50er Jahre. Aber der treffende ironische Name hält sich noch immer im Volk„Stalin-Reich“.
