Die Rolle von Ostrovsky in der Geschichte der russischen Literatur. Was bedeutet Kreativität A

Welche Bedeutung hat die Arbeit von A. N. Ostrovsky im Weltdrama?

1. Die Bedeutung von A. N. Ostrovsky für die Entwicklung des heimischen Dramas und der Bühne, seine Rolle in den Errungenschaften der gesamten russischen Kultur sind unbestreitbar und enorm. Er hat für Russland so viel getan wie Shakespeare für England oder Molière für Frankreich.
   Ostrovsky schrieb 47 Originalstücke (ohne die zweiten Ausgaben von Kozma Minin und Voevoda und sieben Stücke in Zusammenarbeit mit S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Solovyov (Happy Day, Belugins Ehe, Savage, Shines, aber nicht warm) und P. M. Nevezhin (Glückseligkeit, das Alte auf neue Weise)... Nach den Worten von Ostrovsky selbst ist dies ein ganzes Volkstheater.
   Aber die Dramaturgie von Ostrovsky ist ein rein russisches Phänomen, obwohl sein Werk,
   zweifellos die Dramaturgie und das Theater der Brudervölker beeinflusst,
   Zugehörigkeit zur UdSSR. Seine Stücke wurden übersetzt und inszeniert
   Etappen der Ukraine, Weißrussland, Armenien, Georgien usw.

   Ostrovskys Stücke fanden im Ausland Bewunderer. Seine Stücke werden inszeniert
   in den Theatern der ehemaligen volksdemokratischen Länder, vor allem auf den Bühnen
   Slawische Staaten(Bulgarien, Tschechoslowakei).
   Nach dem Zweiten Weltkrieg zogen die Stücke des Dramatikers zunehmend die Aufmerksamkeit von Verlagen und Theatern in den kapitalistischen Ländern auf sich.
   Hier interessierten sie sich zunächst für die Stücke Gewitter, Für jeden Weisen gibt es genug Einfachheit, Wald, Schneewittchen, Wölfe und Schafe, Mitgift.
   Aber eine solche Popularität und eine solche Anerkennung wie Shakespeare oder Moliere, Russisch
   Dramatiker in der Weltkultur hat nicht gewonnen.

2. Alles, was der große Dramatiker beschrieben hat, ist bis heute nicht ausgerottet.

Komposition

Der Dramatiker hat seine Arbeit fast nicht politisch und nicht eingesetzt Philosophische Probleme, Mimik und Gestik, indem sie mit den Details ihrer Kostüme und Einrichtungsgegenstände spielen. Um die komischen Effekte zu verstärken, brachte der Dramatiker meist unbedeutende Personen in die Handlung ein – Verwandte, Bedienstete, Bekannte, zufällige Passanten – und Nebenumstände des Alltags. Dies sind zum Beispiel Chlynovs Gefolge und der Herr mit einem Schnurrbart in The Hot Heart oder Apollo Murzavetsky mit seinem Tamerlane in der Komödie Wolves and Sheep oder der Schauspieler Schastlivtsev unter Neschastlivtsev und Paratov in The Forest and The Dowry usw. The Der Dramatiker suchte nach wie vor, die Charaktere der Figuren nicht nur im Verlauf der Ereignisse selbst zu enthüllen, sondern nicht weniger durch die Eigenheiten ihrer alltäglichen Dialoge - "charakterologische" Dialoge, die er in "His People .. .".

So fungiert Ostrovsky in der neuen Schaffensperiode als etablierter Meister mit einem kompletten System dramatischer Kunst. Sein Ruhm, seine sozialen und theatralischen Verbindungen wachsen weiter und werden komplexer. Die große Fülle der in der neuen Zeit geschaffenen Stücke war das Ergebnis einer ständig wachsenden Nachfrage nach Ostrovskys Stücken von Zeitschriften und Theatern. In diesen Jahren arbeitete der Dramatiker nicht nur selbst unermüdlich, sondern fand die Kraft, weniger begabten und unerfahrenen Schriftstellern zu helfen und sich manchmal aktiv mit ihnen an ihrer Arbeit zu beteiligen. So wurden in kreativer Zusammenarbeit mit Ostrovsky eine Reihe von Stücken von N. Solovyov geschrieben (die besten davon sind „The Marriage of Belugin“ und „Wilde Frau“) sowie P. Nevezhin.

Ständiger Beitrag zur Inszenierung seiner Stücke auf den Bühnen des Moskauer Maly und St. Petersburg Alexandria Theater, Ostrovsky kannte den Stand der Theaterangelegenheiten, die hauptsächlich unter die Zuständigkeit des bürokratischen Staatsapparats fallen, gut und war sich ihrer eklatanten Mängel bitter bewusst. Er sah, dass er die adlige und bürgerliche Raznochintsy-Intelligenz in ihrer nicht darstellte ideologische Suche, ebenso wie Herzen, Turgenew und teilweise Goncharov. In seinen Stücken zeigte er den gesellschaftlichen Alltag einfacher Vertreter der Kaufmannsklasse, der Bürokratie, des Adels, ein Leben, in dem sich persönliche, insbesondere Liebeskonflikte, familiäre, monetäre, vermögensrechtliche Interessen manifestierten.

Aber Ostrovskys ideologisches und künstlerisches Bewusstsein für diese Aspekte des russischen Lebens hatte eine tiefe nationale und historische Bedeutung. Durch die alltäglichen Beziehungen jener Menschen, die die Herren und Herren des Lebens waren, offenbarte sich ihr allgemeiner sozialer Zustand. So wie, so Tschernyschewskis treffende Bemerkung, das feige Verhalten des jungen Liberalen, des Helden von Turgenjews Erzählung „Asja“, bei einer Verabredung mit einem Mädchen ein „Krankheitssymptom“ des gesamten edlen Liberalismus, seiner politischen Schwäche sei, so die alltägliche Tyrannei und das räuberische Verhalten von Kaufleuten, Beamten und Adligen wirkten als Symptom einer schrecklicheren Krankheit ihrer völligen Unfähigkeit, ihren Aktivitäten zumindest teilweise eine landesweit fortschrittliche Bedeutung zu verleihen.

Das war in der Vorreformzeit ganz natürlich und selbstverständlich. Dann war die Tyrannei, die Arroganz und die Raubzüge der Voltovs, Wyshnevskys, Ulanbekovs eine Manifestation des "dunklen Königreichs" der Leibeigenschaft, das bereits dazu verdammt war, verschrottet zu werden. Und Dobrolyubov wies zu Recht darauf hin, dass Ostrovskys Komödie zwar "keinen Schlüssel zur Erklärung vieler der darin dargestellten bitteren Phänomene liefern kann", aber dennoch "leicht zu vielen analogen Überlegungen in Bezug auf dieses Leben führen kann, das sie nicht direkt betrifft". Und der Kritiker erklärte dies damit, dass die von Ostrovsky gezüchteten „Typen“ der kleinen Tyrannen „nicht selten nicht nur ausschließlich kaufmännische oder bürokratische, sondern auch landesweite (also landesweite) Züge enthalten“. Mit anderen Worten, Ostrovskys Stücke von 1840-1860. indirekt alle "dunklen Königreiche" des autokratisch-feudalen Systems entlarvt.

In den Jahrzehnten nach der Reform änderte sich die Situation. Dann wurde „alles auf den Kopf gestellt“ und das neue bürgerliche System des russischen Lebens begann sich allmählich „einzufügen“, um am Kampf um die Zerstörung der Überreste des „dunklen Königreichs“ der Leibeigenschaft und des gesamten autokratischen Grundbesitzers teilzunehmen System.

Fast zwanzig neue Stücke von Ostrovsky auf zeitgenössische Themen hat diese fatale Frage klar verneint. Der Dramatiker hat nach wie vor die Welt der privaten Sozial-, Haushalts-, Familien- und Eigentumsverhältnisse dargestellt. In den allgemeinen Tendenzen ihrer Entwicklung war ihm nicht alles klar, und seine "Leier" machte in dieser Hinsicht manchmal nicht ganz "richtige Töne". Aber im ganzen hatten Ostrovskys Stücke eine gewisse Sachorientierung. Sie entlarvten sowohl die Überreste des alten „dunklen Königreichs“ der Despotie als auch das neu entstehende „dunkle Königreich“ der bürgerlichen Raubzüge, des Geldhypes, der Zerstörung aller moralischen Werte in einer Atmosphäre des allgemeinen Kaufens und Verkaufens. Sie zeigten, dass russische Geschäftsleute und Industrielle nicht in der Lage sind, sich für die Verwirklichung der Interessen der nationalen Entwicklung einzusetzen, dass einige von ihnen, wie Chlynov und Akhov, nur in der Lage sind, sich groben Vergnügungen hinzugeben, andere, wie Knurov und Berkutov, können dies alles um sich herum nur ihren räuberischen „Wolfs“-Interessen unterordnen, und für Dritte wie Vasilkov oder Frol Pribytkov werden die Profitinteressen nur von äußerem Anstand und sehr engen kulturellen Anforderungen gedeckt. Ostrovskys Stücke skizzierten neben den Plänen und Absichten ihres Autors objektiv eine gewisse Aussicht auf die nationale Entwicklung - die Aussicht auf die unvermeidliche Zerstörung aller Überreste des alten "dunklen Königreichs" des autokratischen Leibeigenen-Despotismus, nicht nur ohne die Beteiligung von die Bourgeoisie, nicht nur über ihren Kopf, sondern zusammen mit der Zerstörung ihres eigenen räuberischen "dunklen Königreichs"

Die in Ostrovskys Alltagsstücken dargestellte Realität war eine Lebensform ohne landesweiten progressiven Inhalt und offenbarte daher leicht interne komische Widersprüche. Ostrovsky widmete seiner Offenlegung sein herausragendes dramatisches Talent. Aufbauend auf der Tradition von Gogols realistischen Komödien und Erzählungen, umgebaut in Übereinstimmung mit den neuen ästhetischen Anforderungen, die von der „natürlichen Schule“ der 1840er Jahre aufgestellt und von Belinsky und Herzen formuliert wurden, spürte Ostrovsky der komischen Widersprüchlichkeit des gesellschaftlichen und alltäglichen Lebens nach die herrschenden Schichten der russischen Gesellschaft, die sich in die "Weltdetails" vertiefen, den Faden um den Faden des "Netzes täglicher Beziehungen" betrachten. Dies war die Hauptleistung des von Ostrovsky geschaffenen neuen dramatischen Stils.

Alexander Nikolajewitsch Ostrowski (1823-1886) nimmt zu Recht einen würdigen Platz unter den größten Vertretern des Weltdramas ein.

Die Bedeutung der Aktivitäten von Ostrovsky, der mehr als vierzig Jahre lang jährlich in den besten Zeitschriften Russlands veröffentlichte und Theaterstücke auf den Bühnen der kaiserlichen Theater von St. Goncharov inszenierte, richtete sich an den Dramatiker selbst.

„Sie haben Literatur als Geschenk einer ganzen Bibliothek mitgebracht Kunstwerke, schufen ihre eigene besondere Welt für die Bühne. Sie allein haben das Gebäude fertiggestellt, auf dessen Fundament Sie die Grundsteine ​​von Fonvizin, Griboyedov, Gogol gelegt haben. Aber erst nach Ihnen sind wir Russen, wir können stolz sagen: „Wir haben unseren eigenen Russen, nationales Theater“. Es sollte fairerweise Ostrowski-Theater heißen.

Ostrovsky begann seine kreative Weise in den 40er Jahren, zu Lebzeiten von Gogol und Belinsky, und vollendete es in der zweiten Hälfte der 80er Jahre, zu einer Zeit, als A.P. Tschechow bereits fest in der Literatur verankert war.

Die Überzeugung, dass die Arbeit eines Dramatikers, der ein Theaterrepertoire schafft, ein hoher öffentlicher Dienst ist, durchdrang und leitete Ostrovskys Tätigkeit. Er war organisch mit dem Leben der Literatur verbunden.

In seinen jungen Jahren schrieb der Dramatiker kritische Artikel und beteiligte sich an den redaktionellen Angelegenheiten von Moskvityanin, versuchte, die Richtung dieser konservativen Zeitschrift zu ändern, und veröffentlichte dann in Sovremennik und " Inländische Notizen“, freundete sich mit N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoi, I. S. Turgenev, I. A. Goncharov und anderen Schriftstellern an. Er verfolgte ihre Arbeit, diskutierte mit ihnen über ihre Werke und hörte sich ihre Meinung zu seinen Stücken an.

In einer Zeit, als Staatstheater offiziell als "kaiserlich" galten und unter der Kontrolle des Hofministeriums standen und die provinziellen Unterhaltungsinstitutionen der vollen Verfügung von Geschäftsunternehmern überlassen wurden, brachte Ostrovsky die Idee einer vollständigen Umstrukturierung des Theaterbetriebs vor Russland. Er argumentierte, dass das Hof- und Handelstheater durch ein Volkstheater ersetzt werden müsse.

Nicht beschränkt auf die theoretische Entwicklung dieser Idee in speziellen Artikeln und Notizen, der Dramatiker während für lange Jahre förmlich um ihre Umsetzung gekämpft. Die Hauptbereiche, in denen er seine Ansichten über das Theater verwirklichte, waren seine Arbeit und die Arbeit mit Schauspielern.

Dramaturgie, Literarische Grundlage Ostrovsky betrachtete die Aufführung als sein bestimmendes Element. Das Repertoire des Theaters, das dem Zuschauer die Möglichkeit gebe, „das russische Leben und die russische Geschichte auf der Bühne zu sehen“, richtete sich nach seinen Vorstellungen vor allem an die demokratische Öffentlichkeit, „für die Volksschriftsteller schreiben wollen und schreiben müssen. " Ostrovsky verteidigte die Prinzipien des Autorentheaters.

Als exemplarische Experimente dieser Art betrachtete er die Theater von Shakespeare, Moliere und Goethe. Die Vereinigung des Autors dramatischer Werke und ihres Interpreten auf der Bühne - des Schauspielerlehrers, des Regisseurs - in einer Person schien Ostrovsky eine Garantie für die künstlerische Integrität, die organische Aktivität des Theaters zu sein.

Diese Idee, ohne Regie, mit der traditionellen Ausrichtung des Theaterspektakels auf die Darbietung einzelner, „solistischer“ Schauspieler, war innovativ und fruchtbar. Seine Bedeutung ist auch heute noch nicht erschöpft, wo der Regisseur zur Hauptfigur des Theaters geworden ist. Um sich davon zu überzeugen, genügt es, sich an B. Brechts Theater "Berliner Ensemble" zu erinnern.

Ostrovsky überwand die Trägheit der bürokratischen Verwaltung, literarische und theatralische Intrigen und arbeitete mit Schauspielern zusammen, die ständig Produktionen seiner neuen Stücke in den Theatern Maly Moscow und Alexandrinsky Petersburg leiteten.

Der Kern seiner Idee war es, den Einfluss der Literatur auf das Theater umzusetzen und zu festigen. Grundsätzlich und kategorisch verurteilte er das immer mehr Gespürte ab den 70er Jahren. Unterordnung der Dramatiker unter den Geschmack der Schauspieler - die Lieblinge der Bühne, ihre Vorurteile und Launen. Gleichzeitig hat Ostrovsky die Dramaturgie nicht ohne das Theater konzipiert.

Seine Stücke wurden mit der direkten Erwartung echter Darsteller, Künstler geschrieben. Er betonte: um zu schreiben Gutes Spiel, muss der Autor die Gesetze der Bühne, der rein plastischen Seite des Theaters, voll kennen.

Weit entfernt von jedem Dramatiker war er bereit, die Macht über Bühnenkünstler abzugeben. Er war sich sicher, dass nur ein Autor, der seine eigene einzigartige Dramaturgie, seine eigene besondere Welt auf der Bühne geschaffen hat, den Künstlern etwas zu sagen hat, ihnen etwas beizubringen hat. Ostrovskys Einstellung zum modernen Theater wurde von seiner bestimmt Kunstsystem. Der Held von Ostrovskys Dramaturgie war das Volk.

In seinen Stücken tauchte die ganze Gesellschaft und darüber hinaus das sozialgeschichtliche Leben des Volkes auf. Nicht ohne Grund sahen die Kritiker N. Dobrolyubov und A. Grigoriev, die sich Ostrovskys Werk aus entgegengesetzten Positionen näherten, in seinen Werken ein vollständiges Bild des Volkslebens, obwohl sie das vom Schriftsteller dargestellte Leben unterschiedlich bewerteten.

Diese Orientierung des Schriftstellers an den Massenphänomenen des Lebens entsprach dem von ihm verteidigten Prinzip des Ensemblespiels, dem dem Dramatiker innewohnenden Bewusstsein der Wichtigkeit der Einheit, der Integrität der kreativen Bestrebungen des an der Aufführung beteiligten Schauspielerteams .

Ostrovsky hat in seinen Stücken gesellschaftliche Phänomene dargestellt, die tief verwurzelt sind – Konflikte, deren Ursprünge und Ursachen oft in ferne historische Epochen zurückreichen.

Er sah und zeigte die fruchtbaren Bestrebungen, die in der Gesellschaft aufkamen, und das neue Übel, das in ihr aufstieg. Die Träger neuer Bestrebungen und Ideen in seinen Stücken müssen einen harten Kampf gegen die alten, durch Tradition geweihten, konservativen Sitten und Ansichten führen, und das neue Böse prallt in ihnen auf das jahrhundertealte ethische Ideal des Volkes, mit Nachdruck Traditionen des Widerstands. soziale Ungerechtigkeit und moralisch falsch.

Jede Figur in Ostrovskys Stücken ist organisch mit ihrer Umgebung, ihrer Ära, der Geschichte ihres Volkes verbunden. Gleichzeitig ist ein gewöhnlicher Mensch, in dessen Begriffen, Gewohnheiten und Sprache sich seine Verwandtschaft mit dem Sozialen und nationalen Frieden, steht im Mittelpunkt des Interesses an Ostrovskys Stücken.

Das individuelle Schicksal eines Menschen, das Glück und Unglück eines einzelnen, gewöhnlichen Menschen, seine Bedürfnisse, sein Kampf um sein persönliches Wohlbefinden erregen den Zuschauer von Dramen und Komödien dieses Dramatikers. Die Stellung einer Person dient ihnen als Maß für den Zustand der Gesellschaft.

Darüber hinaus hat die typische Persönlichkeit, die Energie, mit der das Leben der Menschen in die individuellen Eigenschaften einer Person "einwirkt", in Ostrovskys Dramaturgie eine wichtige ethische und ästhetische Bedeutung. Die Charakterisierung ist wunderbar.

Genau wie Shakespeares Dramatiker tragischer Held, ob ethisch schön oder schrecklich, gehört in die Sphäre der Schönheit, in den Stücken von Ostrovsky ist der charakteristische Held im Ausmaß seiner Typizität die Verkörperung von Ästhetik und in einigen Fällen von geistigem Reichtum , historisches Leben und Kultur der Menschen.

Dieses Merkmal von Ostrovskys Dramaturgie prägte seine Aufmerksamkeit für das Spiel jedes Schauspielers, für die Fähigkeit des Darstellers, einen Typus auf der Bühne zu präsentieren, einen individuellen, originellen sozialen Charakter lebendig und fesselnd nachzubilden.

Ostrovsky schätzte diese Fähigkeit besonders bei den besten Künstlern seiner Zeit, förderte und half, sie zu entwickeln. An A. E. Martynov gerichtet, sagte er: „... aus mehreren Merkmalen, die von einer unerfahrenen Hand skizziert wurden, haben Sie die endgültigen Typen voller künstlerischer Wahrheit geschaffen. Deshalb liegen Ihnen die Autoren am Herzen.

Ostrovsky beendete seine Diskussion über die Nationalität des Theaters, über die Tatsache, dass Dramen und Komödien für das ganze Volk geschrieben werden: "... Dramatiker müssen sich immer daran erinnern, sie müssen klar und stark sein."

Die Klarheit und Kraft der Kreativität des Autors, zusätzlich zu den in seinen Stücken geschaffenen Typen, findet seinen Ausdruck in den Konflikten seiner Werke, die auf einfachen Lebensereignissen aufbauen, jedoch die Hauptkollisionen des modernen gesellschaftlichen Lebens widerspiegeln.

In seinem frühen Artikel, in dem er die Geschichte von A. F. Pisemsky „Die Matratze“ positiv bewertete, schrieb Ostrovsky: „Die Intrige der Geschichte ist einfach und lehrreich wie das Leben. Wegen der originellen Charaktere, wegen des Natürlichen und In der höchste Grad Der dramatische Verlauf der Ereignisse zeigt sich durch einen edlen Gedanken, der durch weltliche Erfahrung erlangt wurde.

Diese Geschichte ist wirklich ein Kunstwerk." Der natürliche dramatische Ablauf der Ereignisse, originelle Charaktere, die Darstellung des Lebens der einfachen Leute - diese Zeichen wahrer Kunstfertigkeit in Pisemskys Erzählung aufzuzählen, ging der junge Ostrovsky zweifellos von seinen Überlegungen über die Aufgaben des Dramas als Kunst aus.

Charakteristisch ist, dass Ostrovsky großen Wert auf Belehrung legt Literarische Arbeit. Die Lehrhaftigkeit der Kunst gibt ihm Anlass, Kunst zu vergleichen und erlebbar zu machen.

Ostrovsky glaubte, dass das Theater, das in seinen Mauern ein großes und vielfältiges Publikum versammelt und es mit einem Sinn für ästhetisches Vergnügen vereint, die Gesellschaft erziehen, einfachen, unvorbereiteten Zuschauern helfen sollte, „das Leben zum ersten Mal zu verstehen“ und gebildeten „einen ganze Perspektive von Gedanken, die man nicht los wird“ (ebd.).

Gleichzeitig war Ostrovsky die abstrakte Didaktik fremd. "Haben Gute Gedanken Jeder kann, aber nur die Auserwählten können Geist und Herz kontrollieren“, erinnerte er sich ironisch an Schriftsteller, die ernsthafte künstlerische Probleme durch erbauliche Tiraden und einen nackten Trend ersetzen. Das Wissen um das Leben, seine wahrheitsgetreue Darstellung, das Nachdenken über die drängendsten und komplexesten Fragen der Gesellschaft – das soll das Theater dem Publikum vermitteln, das macht die Bühne zur Schule des Lebens.

Der Künstler lehrt den Betrachter das Denken und Fühlen, gibt ihm aber keine vorgefertigten Lösungen. Didaktische Dramaturgie, die die Weisheit und Lehrkraft des Lebens nicht offenbart, sondern sie durch deklarativ ausgedrückte allgemeine Wahrheiten ersetzt, ist unehrlich, da sie nicht künstlerisch ist, während die Menschen gerade wegen ästhetischer Eindrücke ins Theater kommen.

Diese Ideen von Ostrovsky fanden eine eigentümliche Brechung in ihrer Einstellung zur historischen Dramaturgie. Der Dramatiker argumentierte, dass „historische Dramen und Chroniken<...>Selbsterkenntnis der Menschen zu entwickeln und eine bewusste Vaterlandsliebe zu erziehen.

Gleichzeitig betonte er, dass nicht die Verzerrung der Vergangenheit um der einen oder anderen tendenziösen Idee willen, nicht die auf die äußere Bühnenwirkung des Melodramas auf historische Handlungsstränge kalkulierte und nicht die Transkription wissenschaftlicher Monographien in eine dialogische Form, sondern a Eine wirklich künstlerische Wiederherstellung der lebendigen Realität vergangener Jahrhunderte auf der Bühne kann die Grundlage einer patriotischen Darbietung sein.

Eine solche Aufführung hilft der Gesellschaft, sich selbst zu erkennen, regt zum Nachdenken an und verleiht dem unmittelbaren Gefühl der Liebe zum Vaterland einen bewussten Charakter. Ostrovsky verstand, dass die Stücke, die er jedes Jahr kreiert, die Grundlage des modernen Theaterrepertoires bilden.

Er definierte die Arten dramatischer Werke, ohne die ein beispielhaftes Repertoire nicht existieren kann, und entwarf neben Dramen und Komödien, die das moderne russische Leben darstellen, und historischen Chroniken, Extravaganzen, Märchenstücke für festliche Aufführungen, begleitet von Musik und Tänzen als buntes Volksspektakel.

Der Dramatiker schuf ein Meisterwerk dieser Art - das Frühlingsmärchen "Das Schneewittchen", in dem sich poetische Fantasie und malerische Kulisse mit tiefgründigen lyrischen und philosophischen Inhalten verbinden.

Geschichte der russischen Literatur: in 4 Bänden / Herausgegeben von N.I. Prutskov und andere - L., 1980-1983

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky -" ein Riese der Theaterliteratur "(Lunacharsky), er schuf das russische Theater, ein ganzes Repertoire, auf dem viele Generationen von Schauspielern aufgewachsen sind, Traditionen wurden gestärkt und weiterentwickelt darstellende Künste. Seine Rolle in der Entwicklungsgeschichte der russischen Dramaturgie und der gesamten nationalen Kultur kann kaum hoch genug eingeschätzt werden. Er tat so viel für die Entwicklung der russischen Dramaturgie wie Shakespeare in England, Lope de Vega in Spanien, Molière in Frankreich, Goldoni in Italien und Schiller in Deutschland.

„Die Geschichte hinterließ den Namen der Großen und Brillanten nur denjenigen Schriftstellern, die es verstanden, für das ganze Volk zu schreiben, und nur die Werke überlebten die Jahrhunderte, die zu Hause wirklich beliebt waren; solche Werke werden schließlich für andere Völker verständlich und wertvoll, und endlich und für die ganze Welt." Diese Worte des großen Dramatikers Alexander Nikolajewitsch Ostrowski können seiner eigenen Arbeit zugeschrieben werden.

Trotz der Schikanen durch die Zensur, das Theater- und Literaturkomitee und die Direktion der kaiserlichen Theater, trotz der Kritik reaktionärer Kreise gewann Ostrovskys Dramaturgie von Jahr zu Jahr mehr Sympathie sowohl bei demokratischen Zuschauern als auch bei Künstlern.

Entwicklung der besten Traditionen der russischen Dramaturgie, Nutzung der Erfahrung progressiver ausländischer Dramaturgie, unermüdliches Lernen über das Leben Heimatland In ständiger Kommunikation mit den Menschen und in engem Kontakt mit der fortschrittlichsten zeitgenössischen Öffentlichkeit wurde Ostrovsky zu einer herausragenden Darstellung des Lebens seiner Zeit, die die Träume von Gogol, Belinsky und anderen fortschrittlichen Literaten über das Erscheinen und den Triumph russischer Charaktere auf der Welt verkörperte nationale Bühne.

Die schöpferische Tätigkeit von Ostrovsky hatte einen großen Einfluss auf die gesamte weitere Entwicklung des progressiven russischen Dramas. Von ihm haben unsere besten Dramatiker gelernt, er hat gelehrt. Es war zu ihm, dass aufstrebende Dramatiker ihrer Zeit angezogen wurden.

Die Stärke von Ostrovskys Einfluss auf die Schriftsteller seiner Zeit kann durch einen Brief an die Dramatikerdichte A. D. Mysovskaya belegt werden. „Weißt du, wie groß dein Einfluss auf mich war? Es war nicht die Liebe zur Kunst, die mich dazu gebracht hat, Sie zu verstehen und zu schätzen, im Gegenteil, Sie haben mir beigebracht, Kunst zu lieben und zu respektieren. Dass ich der Versuchung widerstanden habe, in die Arena des jämmerlichen literarischen Mittelmaßes zu verfallen, nicht billigen Lorbeeren aus süßsauren Halbbildungshänden hinterherjagte, verdanke ich allein Ihnen. Sie und Nekrasov haben mich dazu gebracht, mich in Gedanken und Arbeit zu verlieben, aber Nekrasov hat mir nur den ersten Anstoß gegeben, Sie sind die Richtung. Als ich Ihre Werke las, wurde mir klar, dass Reimen keine Poesie und eine Reihe von Sätzen keine Literatur ist und dass der Künstler nur durch die Verarbeitung des Geistes und der Technik ein echter Künstler wird.

Ostrovsky hatte nicht nur einen starken Einfluss auf die Entwicklung des heimischen Dramas, sondern auch auf die Entwicklung des russischen Theaters. Die kolossale Bedeutung von Ostrovsky für die Entwicklung des russischen Theaters wird in einem Gedicht betont, das Ostrovsky gewidmet ist und 1903 von M. N. Yermolova auf der Bühne des Maly-Theaters gelesen wurde:

Auf der Bühne das Leben selbst, von der Bühne weht die Wahrheit,

Und die strahlende Sonne streichelt und wärmt uns ...

Die Live-Sprache gewöhnlicher, lebender Menschen klingt,

Auf der Bühne kein „Held“, kein Engel, kein Bösewicht,

Aber nur ein Mann ... Glücklicher Schauspieler

Hast es eilig, die schweren Fesseln schnell zu sprengen

Zustände und Lügen. Worte und Gefühle sind neu

Aber in den Geheimnissen der Seele klingt ihnen die Antwort, -

Und alle Münder flüstern: Gesegnet sei der Dichter,

Die schäbigen Lametta-Deckel abgerissen

Und bringe ein helles Licht in das Reich der Finsternis

Die berühmte Schauspielerin schrieb 1924 in ihren Memoiren darüber: „Zusammen mit Ostrovsky erschienen die Wahrheit selbst und das Leben selbst auf der Bühne ... Das Wachstum des ursprünglichen Dramas begann, voller Reaktionen auf die Moderne ... Sie begannen, darüber zu sprechen Arme, Gedemütigte und Beleidigte.“

Die realistische Richtung, gedämpft durch die Theaterpolitik der Autokratie, fortgesetzt und vertieft von Ostrovsky, lenkte das Theater auf den Weg der engen Verbindung mit der Realität. Nur es hat das Theater als nationales, russisches Volkstheater zum Leben erweckt.

„Sie haben der Literatur eine ganze Bibliothek von Kunstwerken geschenkt, Sie haben Ihre eigene besondere Welt für die Bühne geschaffen. Sie allein haben das Gebäude fertiggestellt, auf dessen Fundament die Grundsteine ​​von Fonvizin, Griboyedov, Gogol gelegt wurden. Dieser wunderbare Brief wurde neben anderen Glückwünschen im Jahr des fünfunddreißigsten Jahrestages der literarischen und theatralischen Tätigkeit von Alexander Nikolaevich Ostrovsky von einem anderen großen russischen Schriftsteller - Goncharov - erhalten.

Aber viel früher, über das allererste Werk des noch jungen Ostrovsky, das in Moskvityanin veröffentlicht wurde, schrieb ein subtiler Kenner der Eleganz und ein sensibler Beobachter V. F. Odoevsky: Dieser Mann ist ein großes Talent. Ich betrachte drei Tragödien in Rus: „Gestrüpp“, „Wehe von Witz“, „Inspektor“. Ich habe Nummer vier auf Konkurs gesetzt.

Von einer so vielversprechenden ersten Einschätzung bis zu Goncharovs Jubiläumsbrief - ein erfülltes, geschäftiges Leben; Arbeit und führte zu einem so logischen Bewertungsverhältnis, weil Talent zuallererst große Arbeit an sich selbst erfordert und der Dramatiker nicht vor Gott gesündigt hat - er hat sein Talent nicht im Boden vergraben. Nach der Veröffentlichung des ersten Werkes im Jahr 1847 hat Ostrovsky seitdem 47 Theaterstücke geschrieben und mehr als zwanzig Stücke übersetzt Europäische Sprachen. Und das alles in der von ihm geschaffenen Volkstheater- ungefähr tausend Schauspieler.

Kurz vor seinem Tod, im Jahr 1886, erhielt Alexander Nikolajewitsch einen Brief von L. N. Tolstoi, in dem der brillante Prosaautor zugab: „Ich weiß aus Erfahrung, wie die Leute Ihre Sachen lesen, hören und sich merken, und deshalb möchte ich Ihnen jetzt helfen werden Sie in Wirklichkeit schnell zu dem, was Sie zweifellos sind, ein Schriftsteller des ganzen Volkes im weitesten Sinne.

Schon vor Ostrovsky hatte die progressive russische Dramaturgie großartige Stücke. Erinnern wir uns an „Undergrowth“ von Fonvizin, „Wehe des Witzes“ von Griboedov, „Boris Godunov“ von Puschkin, „Generalinspekteur“ von Gogol und „Maskerade“ von Lermontov. Jedes dieser Stücke könnte, wie Belinsky zu Recht schrieb, die Literatur jedes westeuropäischen Landes bereichern und verschönern.

Aber diese Stücke waren zu wenige. Und sie bestimmten nicht den Stand des Theaterrepertoires. Bildlich gesprochen überragten sie das Niveau der Massendramaturgie wie einsame, seltene Berge in einer endlosen Wüstenebene. Die überwiegende Mehrheit der Stücke, die die damalige Theaterszene füllten, waren Übersetzungen leerer, frivoler Vaudeville- und sentimentaler Melodramen, die aus Schrecken und Verbrechen gewoben waren. Sowohl das Varieté als auch das Melodrama, schrecklich weit vom Leben entfernt, waren nicht einmal sein Schatten.

In der Entwicklung der russischen Dramaturgie und des heimischen Theaters bildete das Erscheinen von Stücken von A. N. Ostrovsky eine ganze Ära. Sie haben die Dramaturgie und das Theater auf scharfe Weise wieder zum Leben erweckt, zu ihrer Wahrheit, zu dem, was Menschen aus der benachteiligten Bevölkerungsschicht, den Werktätigen, wirklich berührt und begeistert hat. Ostrovsky schuf "Spiele des Lebens", wie Dobrolyubov sie nannte, und handelte als furchtloser Ritter der Wahrheit, als unermüdlicher Kämpfer gegen das dunkle Königreich der Autokratie, als gnadenloser Aufdecker der herrschenden Klassen - des Adels, der Bourgeoisie und der Beamten, die treu dienten ihnen.

Aber Ostrovsky war nicht auf die Rolle eines satirischen Anklägers beschränkt. Anschaulich und mitfühlend porträtierte er die Opfer gesellschaftspolitischer und innerstaatlicher Willkür, Arbeiter, Wahrheitssucher, Aufklärer, warmherzige Protestanten gegen Willkür und Gewalt.

Der Dramatiker hat nicht nur gemacht Leckereien seine Stücke von Menschen der Arbeit und des Fortschritts, Träger der Wahrheit und Weisheit des Volkes, aber auch im Namen des Volkes und für das Volk geschrieben.

Ostrovsky porträtierte in seinen Stücken die Prosa des Lebens, gewöhnliche Menschen in alltäglichen Umständen. Die universellen Probleme von Bösem und Gutem, Wahrheit und Ungerechtigkeit, Schönheit und Hässlichkeit zum Inhalt seiner Stücke nehmend, überlebte Ostrovsky seine Zeit und trat als ihr Zeitgenosse in unsere Ära ein.

Der kreative Weg von A. N. Ostrovsky dauerte vier Jahrzehnte. Seine ersten Werke schrieb er 1846, sein letztes 1886.

Während dieser Zeit schrieb er 47 Originalstücke und mehrere Stücke in Zusammenarbeit mit Solovyov („Balzaminovs Hochzeit“, „Savage“, „Shines but does not warm“ usw.); machte viele Übersetzungen aus dem Italienischen, Spanischen, Französischen, Englischen, Indischen (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 Stücke). Es gibt 728 Rollen, 180 Akte in seinen Stücken; alle Rus' ist vertreten. Genrevielfalt: Komödien, Dramen, dramatische Chroniken, Familienszenen, Tragödien, dramatische Skizzen werden in seiner Dramaturgie präsentiert. Er tritt in seiner Arbeit als Romantiker, Haushälter, Tragiker und Komiker auf.

Natürlich ist jede Periodisierung bis zu einem gewissen Grad bedingt, aber um die Vielfalt von Ostrovskys Werk besser zu navigieren, werden wir sein Werk in mehrere Phasen unterteilen.

1846 - 1852 - die Anfangsphase der Kreativität. Die wichtigsten Werke, die in dieser Zeit geschrieben wurden: "Notizen eines Einwohners von Zamoskvoretsky", das Stück "Malerei Familienglück“, „Unsere Leute - wir werden zählen“, „Arme Braut“.

1853 - 1856 - die sogenannte "slawophile" Periode: "Steig nicht in deinen Schlitten." "Armut ist kein Laster", "Lebe nicht so, wie du willst."

1856 - 1859 - Annäherung an den Kreis von Sovremennik, Rückkehr zu realistischen Positionen. Die wichtigsten Stücke dieser Zeit: "Ein gewinnbringender Ort", "Der Schüler", "Ein Kater beim Festmahl eines anderen", "Die Balzaminov-Trilogie" und schließlich, während der revolutionären Situation entstanden, "Gewitter". .

1861 - 1867 - Vertiefung in das Studium der nationalen Geschichte, das Ergebnis sind die dramatischen Chroniken von Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Dmitry the Pretender und Vasily Shuisky, Tuschino, das Drama Vasilisa Melentievna, die Komödie Voyevoda oder Dream on the Wolga.

1869 - 1884 - Die Stücke, die in dieser Schaffensphase entstanden sind, widmen sich den sozialen und häuslichen Beziehungen, die sich im russischen Leben nach der Reform von 1861 entwickelt haben. Die wichtigsten Stücke dieser Zeit: „Einfach genug für jeden Weisen“, „Heißes Herz“, „Mad Money“, „Wald“, „Wölfe und Schafe“, „Letztes Opfer“, „Späte Liebe“, „Talente u Bewunderer“, „Schuld ohne Schuld.“

Ostrovskys Stücke sind nicht aus dem Nichts aufgetaucht. Ihr Auftritt ist direkt mit den Stücken von Griboedov und Gogol verbunden, die alles Wertvolle absorbierten, was die russische Komödie, die ihnen vorausging, erreicht hatte. Ostrovsky kannte die alte russische Komödie des 18. Jahrhunderts gut, er studierte speziell die Werke von Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. Auf der anderen Seite - der Einfluss der Prosa der "natürlichen Schule".

Ostrovsky kam Ende der 1940er Jahre zur Literatur, als Gogols Dramaturgie als größtes literarisches und soziales Phänomen anerkannt wurde. Turgenjew schrieb: "Gogol zeigte den Weg, wie unsere dramatische Literatur mit der Zeit gehen wird." Ostrovsky verwirklichte sich von den ersten Schritten seiner Tätigkeit an als Nachfolger der Traditionen von Gogol: " natürliche Schule“, sah er sich selbst als einen der Autoren eines „neuen Trends in unserer Literatur“.

Die Jahre 1846 - 1859, als Ostrovsky an seiner ersten großen Komödie "Unser Volk - Lasst uns sesshaft werden" arbeitete, waren die Jahre seiner Ausbildung als realistischer Schriftsteller.

Das ideologische und künstlerische Programm des Dramatikers Ostrovsky ist in seinen kritischen Artikeln und Rezensionen klar dargelegt. Der Artikel "Mistake", die Geschichte von Madame Tour" ("Moskvityanin", 1850), ein unvollendeter Artikel über Dickens' Roman "Dombey and Son" (1848), eine Besprechung von Menschikows Komödie "Fads", ("Moskvityanin" 1850 ), "Anmerkung zur Situation der dramatischen Kunst in Russland zur Zeit" (1881), "Ein Tafelwort über Puschkin" (1880).

Ostrovskys sozioliterarische Ansichten sind durch die folgenden Hauptbestimmungen gekennzeichnet:

Erstens glaubt er, dass das Drama das Leben der Menschen, das Bewusstsein der Menschen widerspiegeln sollte.

Die Menschen für Ostrovsky sind in erster Linie die demokratische Masse, die unteren Klassen, die einfachen Leute.

Ostrovsky forderte den Schriftsteller auf, das Leben der Menschen zu studieren, jene Probleme, die die Menschen betreffen.

„Um ein Volksschriftsteller zu sein“, schreibt er, „reicht die Liebe zur Heimat nicht aus … man muss sein Volk gut kennen, besser mit ihm auskommen, verwandt sein. Die beste Schule für Talente ist das Studium der eigenen Nationalität.

Zweitens spricht Ostrovsky über die Notwendigkeit einer nationalen Identität für die Dramaturgie.

Die Nationalität von Literatur und Kunst wird von Ostrovsky als integrale Folge ihrer Nationalität und Demokratie verstanden. "Nur die Kunst ist national, die volkstümlich ist, denn der wahre Träger der Nationalität ist die volkstümliche, demokratische Masse."

Im "Tabellenwort über Puschkin" ist Puschkin ein Beispiel für einen solchen Dichter. Puschkin ist ein Volksdichter, Puschkin ist ein Nationaldichter. Puschkin spielte eine große Rolle in der Entwicklung der russischen Literatur, weil er „dem russischen Schriftsteller den Mut gab, ein Russe zu sein“.

Und schließlich geht es in der dritten Bestimmung um den sozial anklagenden Charakter der Literatur. „Je populärer das Werk, desto mehr anklagendes Element darin, denn das „charakteristische Merkmal des russischen Volkes“ ist „Abneigung gegen alles, was scharf definiert ist“, die mangelnde Bereitschaft, zu den „alten, bereits verurteilten Formen“ des Lebens zurückzukehren, der Wunsch, „das Beste zu suchen“.

Die Öffentlichkeit erwartet von der Kunst, dass sie die Laster und Mängel der Gesellschaft anprangert, das Leben beurteilt.

Verurteilung dieser Laster in ihren künstlerische Bilder der Schriftsteller erweckt in der Öffentlichkeit Abneigung gegen sie, zwingt sie, besser, moralischer zu sein. Daher „kann die soziale, denunziatorische Richtung als moralisch und öffentlich bezeichnet werden“, betont Ostrovsky. Spricht er von der sozial anklagenden oder moralisch-öffentlichen Richtung, meint er:

anklagende Kritik an der herrschenden Lebensweise; Schutz positiver moralischer Prinzipien, d.h. Schutz der Bestrebungen der einfachen Menschen und ihres Strebens nach sozialer Gerechtigkeit.

Damit nähert sich der Begriff „moralisch anklagende Richtung“ in seiner objektiven Bedeutung dem Begriff des kritischen Realismus an.

Die Werke von Ostrovsky, die er Ende der 40er und Anfang der 50er Jahre geschrieben hat, „Ein Bild des Familienglücks“, „Notizen eines Einwohners von Zamoskvoretsky“, „Unser Volk - Lass uns sesshaft machen“, „Die arme Braut“ sind organisch mit der verbunden Literatur der Naturschule.

„Das Bild vom Familienglück“ hat weitgehend den Charakter eines dramatisierten Essays: Es wird nicht in Phänomene zerlegt, es gibt keinen Abschluss der Handlung. Ostrovsky hat es sich zur Aufgabe gemacht, das Leben der Kaufleute darzustellen. Der Held interessiert Ostrovsky nur als Repräsentant seines Standes, seiner Lebensweise, seiner Denkweise. Geht über die natürliche Schule hinaus. Ostrovsky enthüllt den engen Zusammenhang zwischen der Moral seiner Figuren und ihrer sozialen Existenz.

Er stellt das Familienleben der Kaufleute in direkten Zusammenhang mit den monetären und materiellen Verhältnissen dieser Umgebung.

Ostrovsky verurteilt seine Helden vollständig. Seine Helden drücken ihre Ansichten über Familie, Ehe, Bildung aus, als wollten sie die Wildheit dieser Ansichten demonstrieren.

Diese Technik war in der satirischen Literatur der 40er Jahre üblich – die Methode der Selbstentblößung.

Das bedeutendste Werk von Ostrovsky 40-er Jahren. – entstand die Komödie „Unser Volk – lasst uns sesshaft werden“ (1849), die von den Zeitgenossen als große Eroberung der Naturschauspielschule wahrgenommen wurde.

"Er begann außergewöhnlich", schreibt Turgenev über Ostrovsky.

Die Komödie zog sofort die Aufmerksamkeit der Behörden auf sich. Als die Zensur das Stück dem Zaren zur Prüfung vorlegte, schrieb Nikolaus I.: „Umsonst gedruckt! Gleiches Spielverbot auf jeden Fall.

Ostrovskys Name wurde auf die Liste der unzuverlässigen Personen gesetzt, und der Dramatiker wurde fünf Jahre lang unter verdeckte Polizeiüberwachung gestellt. Der „Fall des Schriftstellers Ostrovsky“ wurde eröffnet.

Ostrovsky kritisiert wie Gogol die Grundlagen der Beziehungen, die die Gesellschaft beherrschen. Er steht dem zeitgenössischen gesellschaftlichen Leben kritisch gegenüber und ist in diesem Sinne ein Anhänger Gogols. Gleichzeitig definierte sich Ostrovsky sofort als Schriftsteller - als Innovator. Wenn wir die Werke der frühen Phase seiner Arbeit (1846-1852) mit den Traditionen von Gogol vergleichen, wollen wir sehen, welche neuen Dinge Ostrovsky in die Literatur gebracht hat.

Wie in einer Welt der unvernünftigen Realität spielt sich die Handlung von Gogols „hoher Komödie“ ab – „Der Regierungsinspektor“.

Gogol testete einen Menschen in seiner Einstellung zur Gesellschaft, zur Bürgerpflicht – und zeigte – so sind diese Menschen. Dies ist das Zentrum der Laster. Sie kümmern sich überhaupt nicht um die Gesellschaft. Sie werden in ihrem Verhalten von engstirnigen egoistischen Berechnungen, egoistischen Interessen geleitet.

Gogol konzentriert sich nicht auf den Alltag - Lachen durch Tränen. Die Bürokratie fungiert für ihn nicht als soziale Schicht, sondern als politische Kraft, die das Leben der Gesellschaft als Ganzes bestimmt.

Ostrovsky hat etwas ganz anderes - eine gründliche Analyse des sozialen Lebens.

Wie die Helden der Essays der Naturschule sind die Helden von Ostrovsky gewöhnlich, typische Vertreter ihr soziales Umfeld, das von ihrem gewohnten geteilt wird Das alltägliche Leben, all ihre Vorurteile.

a) In dem Stück "Unser Volk - wir werden uns niederlassen" schafft Ostrovsky eine typische Biographie eines Kaufmanns und spricht darüber, wie Kapital angesammelt wird.

Bolshov verkaufte als Kind Kuchen an einem Stand und wurde dann einer der ersten reichen Männer in Samoskworetschje.

Podkhalyuzin hat sein Kapital aufgebaut, indem er den Besitzer ausgeraubt hat, und schließlich ist Tishka ein Laufbursche, aber er weiß bereits, wie er dem neuen Besitzer gefallen kann.

Hier sind gleichsam drei Stationen einer Kaufmannslaufbahn angegeben. Durch ihr Schicksal zeigte Ostrovsky, wie Kapital aufgebaut ist.

b) Die Besonderheit von Ostrovskys Dramaturgie bestand darin, dass er diese Frage – wie Kapital in einem kaufmännischen Umfeld aufgebaut ist – durch die Betrachtung innerfamiliärer, alltäglicher, gewöhnlicher Beziehungen zeigte.

Ostrovsky war der erste im russischen Drama, der das Netz alltäglicher, alltäglicher Beziehungen Faden für Faden betrachtete. Er war der erste, der all diese Kleinigkeiten des Lebens, Familiengeheimnisse, kleine wirtschaftliche Angelegenheiten in die Sphäre der Kunst einführte. Einen großen Platz nehmen scheinbar bedeutungslose Alltagsszenen ein. Viel Aufmerksamkeit wird den Posen, Gesten der Charaktere, ihren Sprechweisen, ihrer Sprache selbst geschenkt.

Ostrovskys erste Stücke erschienen dem Leser ungewöhnlich, nicht für die Bühne, eher wie erzählerische als dramatische Werke.

Der Kreis von Ostrovskys Werken, der in direktem Zusammenhang mit der Naturschule der 40er Jahre steht, schließt sich mit dem Stück The Poor Bride (1852).

Darin zeigt Ostrovsky die gleiche Abhängigkeit einer Person von wirtschaftlichen und monetären Beziehungen. Mehrere Freier suchen die Hand von Marya Andreevna, aber derjenige, der sie bekommt, muss sich nicht anstrengen, um das Ziel zu erreichen. Für ihn gilt das bekannte Wirtschaftsgesetz einer kapitalistischen Gesellschaft, wo alles vom Geld entschieden wird. Das Bild von Marya Andreevna beginnt in der Arbeit von Ostrovsky, einem neuen Thema für ihn, der Position eines armen Mädchens in einer Gesellschaft, in der alles von kommerziellen Berechnungen bestimmt wird. ("Wald", "Schüler", "Mitgift").

Zum ersten Mal erscheint in Ostrovsky (im Gegensatz zu Gogol) nicht nur das Laster, sondern auch ein Opfer des Lasters. Neben den Meistern der modernen Gesellschaft gibt es diejenigen, die sich ihnen widersetzen – Bestrebungen, deren Bedürfnisse im Widerspruch zu den Gesetzen und Gebräuchen dieser Umgebung stehen. Das brachte neue Farben mit sich. Ostrovsky entdeckte neue Aspekte seines Talents - dramatischen Satirismus. "Eigene Leute - wir werden zählen" - Satire.

Die künstlerische Art Ostrovskys in diesem Stück unterscheidet sich noch mehr von Gogols Dramaturgie. Hier verliert die Handlung an Schärfe. Es basiert auf einem gewöhnlichen Fall. Das Thema, das in Gogols "Ehe" zum Ausdruck kam und satirisch aufgegriffen wurde - die Verwandlung der Ehe in einen Kauf und Verkauf - erhielt hier einen tragischen Klang.

Aber gleichzeitig ist dies eine Komödie in Bezug auf die Charakterisierung, in Bezug auf die Positionen. Aber wenn die Helden von Gogol Lachen und Verurteilung der Öffentlichkeit hervorrufen, dann sah der Zuschauer in Ostrovsky sein tägliches Leben, empfand tiefe Sympathie für einige - verurteilte andere.

Die zweite Phase der Aktivitäten von Ostrovsky (1853 - 1855) ist durch das Siegel slawophiler Einflüsse gekennzeichnet.

Zuallererst sollte dieser Übergang von Ostrovsky zu slawophilen Positionen durch die Intensivierung der Atmosphäre erklärt werden, die Reaktion, die in den "düsteren sieben Jahren" von 1848-1855 festgestellt wurde.

In welcher konkreten Weise zeigte sich dieser Einfluss, welche Ideen der Slawophilen stellten sich als nah an Ostrovsky heraus? Vor allem die Annäherung Ostrovskys an die sogenannten „jungen Redakteure“ des „Moskvityanin“, deren Verhalten durch ihr charakteristisches Interesse am russischen Nationalleben zu erklären ist, Volkskunst, die historische Vergangenheit des Volkes, die Ostrovsky sehr nahe stand.

Aber Ostrovsky war nicht in der Lage, in diesem Interesse das konservative Hauptprinzip zu erkennen, das sich in den vorherrschenden sozialen Widersprüchen, in einer feindlichen Haltung gegenüber dem Begriff des historischen Fortschritts, in der Bewunderung für alles Patriarchale manifestierte.

Tatsächlich handelten die Slawophilen als Ideologen der sozial rückständigen Elemente des Klein- und Mittelbürgertums.

Einer der prominentesten Ideologen der „Jungen Ausgabe“ von „Moskvityanin“, Apollon Grigoriev, argumentierte, dass es einen einzigen „nationalen Geist“ gebe, der die organische Grundlage des Lebens der Menschen bilde. Diesen Nationalgeist einzufangen, ist das Wichtigste für einen Schriftsteller.

Soziale Widersprüche, Klassenkämpfe – das sind historische Schichtungen, die überwunden werden und die Einheit der Nation nicht verletzen.

Der Schriftsteller muss die ewigen moralischen Prinzipien des Charakters des Volkes zeigen. Der Träger dieser ewigen moralischen Prinzipien, des Volksgeistes, ist die „mittlere, industrielle, kaufmännische“ Klasse, weil diese Klasse das Patriarchat der Traditionen der alten Rus bewahrte, den Glauben, die Bräuche und die Sprache bewahrte der Väter. Diese Klasse ist von der Falschheit der Zivilisation nicht berührt worden.

Ostrovskys offizielle Anerkennung dieser Doktrin ist sein Brief vom September 1853 an Pogodin (den Herausgeber von Moskvityanin), in dem Ostrovsky schreibt, dass er jetzt ein Anhänger der "neuen Richtung" geworden ist, deren Kern darin besteht, an die positiven Prinzipien zu appellieren von Alltag und volkstümlichem Charakter.

Die einstige Sicht der Dinge erscheint ihm jetzt "jung und zu grausam". Die Denunziation sozialer Laster scheint nicht die Hauptaufgabe zu sein.

„Korrektoren werden sich auch ohne uns finden. Um das Recht zu haben, das Volk zurechtzuweisen, ohne es zu beleidigen, muss man ihm zeigen, dass man das Gute hinter ihm kennt“ (September 1853), schreibt Ostrovsky.

Eine Besonderheit des russischen Volkes von Ostrovsky in dieser Phase ist nicht seine Bereitschaft, auf die veralteten Lebensnormen zu verzichten, sondern das Patriarchat, das Festhalten an den unveränderten, grundlegenden Lebensbedingungen. Ostrovsky will nun in seinen Stücken das „High mit dem Komischen“ verbinden, indem er unter dem High die positiven Eigenschaften des Kaufmannslebens versteht und unter dem „Comic“ alles, was außerhalb des Kaufmannskreises liegt, aber seinen Einfluss auf ihn ausübt.

Diese neuen Ansichten von Ostrovsky fanden ihren Ausdruck in drei sogenannten "slawophilen" Stücken von Ostrovsky: "Sitz nicht in deinem Schlitten", "Armut ist kein Laster", "Lebe nicht, wie du willst."

Alle drei slawophilen Stücke von Ostrovsky haben einen entscheidenden Anfang – einen Versuch, die patriarchalischen Lebensgrundlagen und die Familienmoral der Kaufmannsklasse zu idealisieren.

Und in diesen Stücken wendet sich Ostrovsky Familien- und Alltagsthemen zu. Aber dahinter stehen keine wirtschaftlichen, sozialen Beziehungen mehr.

Familie, häusliche Beziehungen werden rein moralisch interpretiert - alles hängt von den moralischen Eigenschaften der Menschen ab, dahinter stehen keine materiellen, monetären Interessen. Ostrovsky versucht, einen Weg zu finden, um die Widersprüche in moralischer Hinsicht aufzulösen, in der moralischen Wiedergeburt der Figuren. (Die moralische Erleuchtung von Gordey Tortsov, der Adel der Seele von Borodkin und Rusakov). Tyrannei wird nicht so sehr durch die Existenz von Kapital und wirtschaftlichen Beziehungen gerechtfertigt, sondern durch das persönliche Eigentum einer Person.

Ostrovsky schildert jene Aspekte des Kaufmannslebens, in denen sich, wie ihm scheint, das Nationale, der sogenannte „Nationalgeist“ konzentriert. Deshalb konzentriert er sich auf die poetischen, hellen Seiten des Kaufmannslebens, führt rituelle, folkloristische Motive ein, zeigt den „volksepischen“ Beginn des Lebens der Helden auf Kosten ihrer sozialen Sicherheit.

Ostrovsky betonte in den Stücken dieser Zeit die Nähe seiner Helden-Kaufleute zum Volk, ihre sozialen und häuslichen Bindungen an die Bauernschaft. Sie sagen von sich, dass sie „einfache“, „unerzogene“ Menschen sind, dass ihre Väter Bauern waren.

Künstlerisch sind diese Stücke deutlich schwächer als die vorangegangenen. Ihr Aufbau ist bewusst vereinfacht, die Charaktere weniger klar, die Auflösung weniger berechtigt.

Die Stücke dieser Zeit sind von Didaktik geprägt, sie stellen helle und dunkle Prinzipien offen gegenüber, die Charaktere werden scharf in „Gut“ und „Böse“ getrennt, Laster werden bei der Auflösung bestraft. Die Stücke der „slawophilen Zeit“ sind geprägt von offener Moral, Sentimentalität und Erbauung.

Gleichzeitig sollte gesagt werden, dass Ostrovsky in dieser Zeit im Allgemeinen auf einer realistischen Position blieb. Laut Dobrolyubov "konnte die Kraft des direkten künstlerischen Gefühls den Autor auch hier nicht verlassen, und daher zeichnen sich private Positionen und einzelne Charaktere durch echte Wahrheit aus."

Die Bedeutung von Ostrovskys Stücken, die in dieser Zeit geschrieben wurden, liegt vor allem darin, dass sie die Tyrannei in welcher Form auch immer verspotten und verurteilen /Lubim Tortsov/. (Wenn Bolshov - grob und direkt - eine Art Tyrann ist, dann ist Rusakov weich und sanft).

Dobrolyubov: „In Bolshov haben wir eine kräftige Natur gesehen, die vom Kaufmannsleben beeinflusst ist, in Rusakov scheint es uns: aber so kommen bei ihm sogar ehrliche und sanfte Naturen zum Vorschein.“

Bolschow: „Was sollen ich und mein Vater tun, wenn ich keine Befehle erteile?“

Rusakov: "Ich werde nicht für den geben, den sie liebt, sondern für den, den ich liebe."

Die Verherrlichung des patriarchalischen Lebens in diesen Stücken ist widersprüchlich, kombiniert mit der Formulierung akuter sozialer Probleme und dem Wunsch, Bilder zu schaffen, die nationale Ideale (Rusakov, Borodkin) verkörpern, mit Sympathie für junge Menschen, die neue Bestrebungen mitbringen, Widerstand gegen alles patriarchalisch, alt. (Mitja, Ljubow Gordejewna).

In diesen Stücken kam Ostrovskys Wunsch zum Ausdruck, bei gewöhnlichen Menschen einen hellen, positiven Anfang zu finden.

So entsteht das Thema des Volkshumanismus, die Breite des Wesens eines einfachen Menschen, die sich in der Fähigkeit ausdrückt, mutig und unabhängig auf die Umwelt zu blicken und in der Fähigkeit, manchmal die eigenen Interessen zugunsten anderer zu opfern.

Dieses Thema wurde dann in so zentralen Stücken von Ostrovsky wie "Thunderstorm", "Forest", "Dowry" erklingen lassen.

Die Idee, eine Volksaufführung - eine didaktische Aufführung - zu schaffen, war Ostrovsky nicht fremd, als er "Armut ist kein Laster" und "Leben Sie nicht, wie Sie wollen" schufen.

Ostrovsky versuchte, die ethischen Prinzipien des Volkes, die ästhetische Grundlage seines Lebens, zu vermitteln, um beim demokratischen Betrachter eine Reaktion auf die Poesie seines Heimatlebens, der nationalen Antike, hervorzurufen.

Ostrovsky ließ sich dabei von dem edlen Wunsch leiten, „dem demokratischen Zuschauer eine erste kulturelle Impfung zu geben“. Eine andere Sache ist die Idealisierung von Demut, Demut, Konservatismus.

Die Bewertung slawophiler Stücke in Chernyshevskys Artikeln „Armut ist kein Laster“ und Dobrolyubovs „Dark Kingdom“ ist merkwürdig.

Chernyshevsky veröffentlichte seinen Artikel 1854, als Ostrovsky den Slawophilen nahe stand und die Gefahr bestand, dass Ostrovsky von realistischen Positionen abweicht. Chernyshevsky nennt Ostrovskys Stücke „Armut ist kein Laster“ und „Sitz nicht in deinem eigenen Schlitten“ „falsch“, fährt aber fort: „Ostrovsky hat sein wunderbares Talent noch nicht ruiniert, er muss in eine realistische Richtung zurückkehren.“ „In Wahrheit zerstört die Kraft des Talents, eine falsche Richtung selbst das stärkste Talent“, schließt Chernyshevsky.

Dobrolyubovs Artikel wurde 1859 geschrieben, als Ostrovsky sich von slawophilen Einflüssen befreite. Es war sinnlos, sich an frühere Missverständnisse zu erinnern, und Dobrolyubov beschränkt sich auf einen stumpfen Hinweis auf diese Partitur und konzentriert sich darauf, den realistischen Anfang eben dieser Stücke aufzudecken.

Die Einschätzungen von Chernyshevsky und Dobrolyubov ergänzen einander und sind ein Beispiel für die Prinzipien der revolutionären Demokratiekritik.

Anfang 1856 beginnt neue Bühne in der Arbeit von Ostrovsky.

Der Dramatiker wendet sich an die Redaktion von Sovremennik. Diese Annäherung fällt zusammen mit der Periode des Aufstiegs fortschrittlicher sozialer Kräfte, mit dem Heranreifen einer revolutionären Situation.

Als ob er dem Rat von Nekrasov folgen würde, kehrt er auf den Weg zurück, die soziale Realität zu studieren, den Weg, analytische Stücke zu schaffen, in denen Bilder des modernen Lebens gegeben werden.

(In einer Rezension des Stücks „Lebe nicht so, wie du willst“ riet Nekrasov ihm, alle vorgefassten Ideen aufzugeben, dem Weg zu folgen, den sein eigenes Talent führen würde: „Gib deinem Talent freie Entwicklung“ - dem Weg von Darstellung des wahren Lebens).

Chernyshevsky betont Ostrovskys „wunderbares Talent, starkes Talent. Dobrolyubov - "die Kraft des künstlerischen Flairs" des Dramatikers.

In dieser Zeit schuf Ostrovsky so bedeutende Stücke wie "The Pupil", "Profitable Place", die Trilogie über Balzaminov und schließlich in der Zeit der revolutionären Situation - "Thunderstorm".

Diese Periode von Ostrovskys Werk ist vor allem durch die Erweiterung des Umfangs der Lebensphänomene, die Erweiterung der Themen gekennzeichnet.

Erstens zeigte Ostrovsky auf dem Gebiet seiner Forschung, die das Umfeld von Grundbesitzern und Leibeigenen umfasst, dass die Gutsbesitzerin Ulanbekova („Die Schülerin“) ihre Opfer genauso grausam verspottet wie ungebildete, unwissende Kaufleute.

Ostrovsky zeigt, dass derselbe Kampf zwischen Reichen und Armen, Älteren und Jüngeren sowohl in der adeligen als auch in der kaufmännischen Umgebung stattfindet.

Darüber hinaus wirft Ostrovsky im gleichen Zeitraum das Thema Philistertum auf. Ostrovsky war der erste russische Schriftsteller, der das Philistertum als soziale Gruppe wahrnahm und künstlerisch entdeckte.

Der Dramatiker entdeckte im Spießertum ein alles überragende Interesse am Stoff, was Gorki später als „ein hässlich entwickeltes Eigentumsgefühl“ bezeichnete.

In der Trilogie über Balzaminov ("Festlicher Schlaf - vor dem Abendessen", "Ihre eigenen Hunde beißen, belästigen Sie nicht die eines anderen", "Was Sie suchen, werden Sie finden") / 1857-1861 / prangert Ostrovsky die Klein- bürgerliche Daseinsweise mit ihrer Mentalität, Beschränktheit, Vulgarität, Gier, lächerlichen Träumen.

In der Trilogie über Balzaminov offenbart sich nicht nur Ignoranz oder Engstirnigkeit, sondern eine Art intellektuelles Elend, die Minderwertigkeit eines Kaufmanns. Das Bild baut auf dem Gegensatz dieser geistigen Minderwertigkeit, moralischen Bedeutungslosigkeit - und Selbstgefälligkeit, Vertrauen in das eigene Recht auf.

In dieser Trilogie gibt es Elemente des Varietés, Possenreißer, Merkmale der externen Komödie. Aber die innere Komik überwiegt darin, da die Figur Balzaminovs innerlich komisch ist.

Ostrovsky zeigte, dass das Reich der Philister dasselbe dunkle Reich undurchdringlicher Vulgarität, Wildheit ist, die auf ein Ziel gerichtet ist - Profit.

Das nächste Stück - "Profitable Place" - zeugt von der Rückkehr Ostrovskys auf den Weg der "moralischen und anklagenden" Dramaturgie. Zur gleichen Zeit war Ostrovsky der Entdecker eines anderen dunklen Königreichs - des Königreichs der Beamten, der königlichen Bürokratie.

In den Jahren der Aufhebung der Leibeigenschaft hatte die Anprangerung bürokratischer Ordnungen eine besondere politische Bedeutung. Die Bürokratie war der vollständigste Ausdruck des autokratisch-feudalen Systems. Sie verkörperte das ausbeuterisch-räuberische Wesen der Autokratie. Es war nicht mehr nur innerstaatliche Willkür, sondern eine Verletzung gemeinsamer Interessen im Namen des Rechts. Im Zusammenhang mit diesem Stück erweitert Dobrolyubov den Begriff der "Tyrannei" und versteht ihn als Autokratie im Allgemeinen.

„Profitable Place“ erinnert thematisch an N. Gogols Komödie „Inspector General“. Aber wenn sich in The Inspector General die Beamten, die Gesetzlosigkeit begehen, schuldig fühlen und Vergeltung fürchten, sind Ostrovskys Beamte von dem Bewusstsein ihrer Richtigkeit und Straflosigkeit durchdrungen. Bestechung, Missbrauch scheinen ihnen und anderen die Norm zu sein.

Ostrovsky betonte, dass die Verzerrung aller moralischen Normen in der Gesellschaft das Gesetz ist und das Gesetz selbst etwas Illusionäres ist. Sowohl Beamte als auch von ihnen abhängige Personen wissen, dass die Gesetze immer auf der Seite der Machthaber sind.

So werden Beamte – erstmals in der Literatur – Ostrovsky als eine Art Rechtshändler dargestellt. (Der Beamte kann das Gesetz drehen, wie er will).

Zu Ostrovskys Stück kam auch ein neuer Held - ein junger Beamter Zhadov, der gerade seinen Universitätsabschluss gemacht hatte. Der Konflikt zwischen den Vertretern der alten Formation und Schadow gewinnt die Kraft eines unüberbrückbaren Widerspruchs:

a / Ostrovsky gelang es, das Scheitern der Illusionen über einen ehrlichen Beamten als eine Kraft zu zeigen, die in der Lage ist, die Missbräuche der Verwaltung zu stoppen.

b/ Kampf gegen den „Jusowismus“ oder Kompromiss, Verrat an Idealen – Schadow hat keine andere Wahl.

Ostrovsky verurteilte dieses System, diese Lebensbedingungen, die zu Bestechungsgeldern führen. Die progressive Bedeutung der Komödie liegt darin, dass in ihr die unversöhnliche Leugnung der alten Welt und des „Jusowismus“ mit der Suche nach einer neuen Moral verschmolzen.

Zhadov ist ein schwacher Mensch, er kann den Kampf nicht ertragen, er geht auch, um zu fragen " profitabler Ort».

Chernyshevsky glaubte, dass das Stück noch stärker gewesen wäre, wenn es mit dem vierten Akt geendet hätte, d. h. mit dem Verzweiflungsschrei von Zhadov: „Lass uns zum Onkel gehen und um einen einträglichen Job bitten!“ Im fünften wird Zhadov mit dem Abgrund konfrontiert, der ihn fast moralisch ruiniert hätte. Und obwohl das Ende von Vyshimirsky nicht typisch ist, gibt es ein zufälliges Element in Zhadovs Rettung, seinen Worten, seinem Glauben, dass „irgendwo andere, hartnäckigere, würdigere Menschen“ sind, die keine Kompromisse eingehen, sich nicht versöhnen werden, es nicht tun werden nachgeben, über die Aussicht auf weitere Entwicklung neuer sozialer Beziehungen sprechen. Ostrovsky sah den kommenden sozialen Aufschwung voraus.

Die rasante Entwicklung des psychologischen Realismus, die wir in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts beobachten, manifestierte sich auch in der Dramaturgie. Das Geheimnis von Ostrovskys dramatischem Schreiben liegt nicht in eindimensionalen Eigenschaften menschliche Typen, sondern in dem Wunsch, vollblütige menschliche Charaktere zu schaffen, deren innere Widersprüche und Kämpfe als kraftvoller Antrieb für die dramatische Bewegung dienen. G. A. Tovstonogov sprach gut über dieses Merkmal von Ostrovskys kreativer Art und bezog sich insbesondere auf Glumov aus der Komödie Genügend Einfachheit für jeden Weisen, eine alles andere als ideale Figur: „Warum ist Glumov charmant, obwohl er eine Reihe abscheulicher Taten begeht? er ist uns unsympathisch, dann gibt es keinen Auftritt, was ihn charmant macht, ist der Hass auf diese Welt, und wir rechtfertigen ihm innerlich seine Art der Vergeltung.

Das Interesse an der menschlichen Persönlichkeit in all ihren Zuständen zwang die Schriftsteller, nach Mitteln zu suchen, um sie auszudrücken. Im Drama war das wichtigste derartige Mittel die stilistische Individualisierung der Sprache der Figuren, und es war Ostrovsky, der die führende Rolle bei der Entwicklung dieser Methode spielte. Darüber hinaus unternahm Ostrovsky im Psychologismus den Versuch, weiter zu gehen, auf dem Weg, seinen Helden im Rahmen von größtmögliche Freiheit zu geben Absicht des Autors- Das Ergebnis eines solchen Experiments war das Bild von Katerina in The Thunderstorm.

In "Gewitter" stieg Ostrovsky zum Bild eines tragischen Zusammenpralls lebendiger menschlicher Gefühle mit dem tödlichen Hausbauleben auf.

Trotz der Vielfalt dramatischer Konflikte, die in Ostrovskys frühen Werken dargestellt werden, waren ihre Poetik und ihre allgemeine Atmosphäre in erster Linie dadurch bestimmt, dass in ihnen die Tyrannei als ein natürliches und unvermeidliches Phänomen des Lebens gegeben war. Sogar die sogenannten "slawophilen" Stücke haben mit ihrer Suche nach hellen und guten Prinzipien die bedrückende Atmosphäre der Tyrannei nicht zerstört und nicht verletzt. Auch das Theaterstück „Das Gewitter“ zeichnet sich durch diese allgemeine Färbung aus. Und gleichzeitig gibt es eine Kraft in ihr, die sich entschlossen der schrecklichen, tödlichen Routine widersetzt - das ist das Folk-Element, das sowohl in Folk-Charakteren (Katerina, vor allem Kuligin und sogar Kudryash) als auch in der russischen Natur zum Ausdruck kommt. die zu einem wesentlichen Element der dramatischen Handlung wird.

Das Theaterstück „Gewitter“, das die komplexen Fragen des modernen Lebens aufwarf und gerade am Vorabend der sogenannten „Befreiung“ der Bauern gedruckt und auf der Bühne erschien, bezeugte, dass Ostrovsky frei von jeglichen Illusionen über die Wege der Gesellschaft war Entwicklung in Russland.

Noch vor der Veröffentlichung von "Thunderstorm" erschien auf der russischen Bühne. Die Uraufführung fand am 16. November 1859 im Maly-Theater statt. An dem Stück waren großartige Schauspieler beteiligt: ​​S. Vasiliev (Tichon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) und andere. Die Produktion wurde von N. Ostrovsky selbst geleitet. Die Premiere war ein großer Erfolg, und die nachfolgenden Aufführungen waren triumphal. Ein Jahr nach der brillanten Premiere von The Thunderstorm wurde das Stück mit der höchsten akademischen Auszeichnung ausgezeichnet - dem Großen Uvarov-Preis.

In The Thunderstorm wird das Gesellschaftssystem Russlands scharf angeprangert, und der Tod Hauptfigur von der Dramatikerin als direkte Folge ihrer ausweglosen Situation im "dunklen Reich" gezeigt. Der Konflikt in Groz baut auf einem unversöhnlichen Aufeinanderprallen der freiheitsliebenden Katerina auf beängstigende Welt Wild und Eber, mit bestialischen Gesetzen, die auf "Grausamkeit, Lüge, Spott, Demütigung der menschlichen Person" basieren. Katerina ging gegen Tyrannei und Obskurantismus, bewaffnet nur mit der Macht ihrer Gefühle, dem Bewusstsein des Rechts auf Leben, Glück und Liebe. Nach der schönen Bemerkung von Dobrolyubov "fühlt sie die Gelegenheit, den natürlichen Durst ihrer Seele zu stillen und kann nicht länger bewegungslos bleiben: Sie sehnt sich nach einem neuen Leben, auch wenn sie in diesem Impuls sterben musste."

Katerina wuchs von Kindheit an in einer besonderen Umgebung auf, die sich in ihrer romantischen Verträumtheit, Religiosität und ihrem Freiheitsdrang entwickelte. Diese Charaktereigenschaften bestimmten weiter die Tragödie ihrer Position. In einem religiösen Geist erzogen, versteht sie die ganze "Sündhaftigkeit" ihrer Gefühle für Boris, aber sie kann der natürlichen Anziehungskraft nicht widerstehen und gibt sich diesem Impuls vollständig hin.

Katerina widersetzt sich nicht nur "Kabanovs Moralvorstellungen". Sie protestiert offen gegen die unveränderlichen religiösen Dogmen, die die kategorische Unantastbarkeit der kirchlichen Ehe bekräftigten und den Selbstmord als Widerspruch zur christlichen Lehre verurteilten. Angesichts dieser Fülle von Katerinas Protest schrieb Dobroljubow: „Hier wahre Stärke Charakter, auf den man sich in jedem Fall verlassen kann! Dies ist die Höhe, die unser Volksleben in seiner Entwicklung erreicht, die aber nur wenige in unserer Literatur erreichen konnten, und niemand hat sie so gut halten können wie Ostrovsky.

Katerina will sich die tödliche Umgebung nicht gefallen lassen. „Ich will hier nicht leben, also werde ich nicht, selbst wenn du mich schneidest!", sagt sie zu Varvara. Und sie begeht Selbstmord. Katerinas Charakter ist komplex und facettenreich. Diese Komplexität zeigt sich vielleicht am deutlichsten in die Tatsache, dass viele hervorragende Darsteller, ausgehend von scheinbar völlig gegensätzlichen Dominanten der Figur der Hauptfigur, diese nicht bis zum Ende ausschöpfen konnten verschiedene Deutungen sie haben die Hauptsache in Katerinas Charakter nicht vollständig offenbart: ihre Liebe, der sie sich mit der ganzen Unmittelbarkeit einer jungen Natur hingibt. Ihr Lebenserfahrung unbedeutend, vor allem in ihrem Wesen entwickelt sich ein Sinn für Schönheit, eine poetische Wahrnehmung der Natur. Sein Charakter aber ist in der Bewegung, in der Entwicklung gegeben. Eine Naturbetrachtung, wie wir sie aus dem Stück kennen, reicht ihr nicht. Andere Anwendungsbereiche der spirituellen Kräfte werden benötigt. Gebet, Dienst, Mythen sind auch Mittel, um die poetischen Gefühle der Hauptfigur zu befriedigen.

Dobrolyubov schrieb: „Es sind keine Rituale, die sie in der Kirche beschäftigen: Sie hört überhaupt nicht, was sie dort singen und lesen; sie hat andere Musik in ihrer Seele, andere Visionen, für sie endet der Gottesdienst unmerklich, wie in einer Sekunde. Sie beschäftigt sich mit Bäumen, die seltsam auf Bilder gezeichnet sind, und sie stellt sich ein ganzes Land von Gärten vor, wo alle solche Bäume sind, und alles blüht, duftet, alles ist voll von himmlischem Gesang. Andernfalls wird sie an einem sonnigen Tag sehen, wie „eine so helle Säule von der Kuppel herabsteigt und Rauch in dieser Säule wandert wie Wolken“, und jetzt sieht sie bereits, „als ob Engel fliegen und darin singen Säule." Manchmal stellt sie sich vor - warum sollte sie nicht fliegen? Und wenn sie auf einem Berg steht, zieht es sie hin, so zu fliegen: So würde sie weglaufen, ihre Hände heben und fliegen ... ".

Eine neue, noch unerforschte Sphäre der Manifestation ihrer spirituellen Kräfte war ihre Liebe zu Boris, die schließlich zur Ursache ihrer Tragödie wurde. "Die Leidenschaft einer nervösen, leidenschaftlichen Frau und der Kampf mit Schulden, Fallen, Reue und schwerer Sühne für Schuld - all dies ist mit dem lebhaftesten dramatischen Interesse erfüllt und wird mit außergewöhnlicher Kunst und Herzenskenntnis geführt", bemerkte I. A. Goncharov zu Recht .

Wie oft wird die Leidenschaft, die Unmittelbarkeit von Katerinas Natur verurteilt und ihr tiefer spiritueller Kampf als Manifestation von Schwäche empfunden. Inzwischen finden wir in den Memoiren des Künstlers E. B. Piunova-Shmidthof Ostrovskys merkwürdige Geschichte über seine Heldin: „Katerina“, sagte mir Alexander Nikolajewitsch, „ist eine Frau mit einer leidenschaftlichen Natur und einem starken Charakter. Das bewies sie mit ihrer Liebe zu Boris und dem Suizid. Obwohl Katerina von der Umgebung überwältigt ist, gibt sie sich bei der ersten Gelegenheit ihrer Leidenschaft hin und sagt vorher: „Komm, was wolle, aber ich werde Boris sehen!“ Vor dem Bild der Hölle muss Katerina nicht rasen und hysterisch werden, sondern nur mit ihrem Gesicht und ihrer ganzen Figur Todesangst darstellen. In der Abschiedsszene von Boris spricht Katerina leise, wie eine Patientin, und nur letzte Worte: "Mein Freund! Meine Freude! Auf Wiedersehen!" - Er spricht so laut wie möglich. Katherines Lage wurde hoffnungslos. Sie können nicht im Haus Ihres Mannes wohnen ... Sie können nirgendwo hingehen. Zu den Eltern? Ja, bis dahin hätten sie sie gefesselt und zu ihrem Mann gebracht. Katerina kam zu dem Schluss, dass es unmöglich war, so zu leben, wie sie zuvor gelebt hatte, und ertränkte sich mit einem starken Willen ... ".

„Ohne Angst zu haben, der Übertreibung beschuldigt zu werden“, schrieb I. A. Goncharov, „kann ich ehrlich sagen, dass es in unserer Literatur kein solches Werk wie ein Drama gab. Sie nimmt zweifellos den ersten Platz bei den hochklassischen Schönheiten ein und wird es wahrscheinlich noch lange tun. Von welcher Seite auch immer es genommen wird, ob von der Seite des Schöpfungsplans oder der dramatischen Bewegung oder schließlich der Charaktere, es ist überall von der Kraft der Kreativität, der Subtilität der Beobachtung und der Eleganz der Dekoration geprägt. In The Thunderstorm verschwand laut Goncharov "ein breites Bild des nationalen Lebens und der Bräuche".

Ostrovsky konzipierte The Thunderstorm als Komödie und nannte es dann ein Drama. N. A. Dobrolyubov sprach sehr sorgfältig über die Genrenatur von „The Thunderstorm“. Er schrieb, dass "die gegenseitigen Beziehungen von Tyrannei und Sprachlosigkeit darin zu den tragischsten Konsequenzen geführt werden".

Mitte des 19. Jahrhunderts erwies sich Dobroljubows Definition des „Spiels des Lebens“ als umfassender als die traditionelle Unterteilung der dramatischen Kunst, die noch unter der Last klassizistischer Normen stand. Im russischen Drama gab es einen Prozess der Konvergenz der dramatischen Poesie mit der alltäglichen Realität, was sich natürlich auf ihre Gattungsnatur auswirkte. Ostrovsky schrieb zum Beispiel: „Die Geschichte der russischen Literatur hat zwei Zweige, die sich endgültig verschmolzen haben: Ein Zweig ist die Veredelung und der Nachkomme eines fremden, aber fest verwurzelten Samens; es geht von Lomonosov über Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky und so weiter. zu Puschkin, wo er anfängt, mit einem anderen zusammenzulaufen; der andere - von Kantemir über die Komödien des gleichen Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov bis Gogol; bei ihm sind beide vollkommen verschmolzen; Der Dualismus ist vorbei. Auf der einen Seite: Lobgesänge, französische Tragödien, Nachahmungen der Antike, die Sensibilität des ausgehenden 18. Jahrhunderts, deutsche Romantik, hektische Jugendliteratur; und auf der anderen Seite: Satiren, Komödien, Komödien und "Tote Seelen", Russland, als ob gleichzeitig in der Person seiner besten Schriftsteller Periode um Periode das Leben fremder Literaturen gelebt und seine eigene zum universellen Menschen erhoben hätte Bedeutung.

Die Komödie erwies sich also als den alltäglichen Phänomenen des russischen Lebens am nächsten, sie reagierte sensibel auf alles, was die russische Öffentlichkeit beunruhigte, und reproduzierte das Leben in seinen dramatischen und tragischen Erscheinungsformen. Aus diesem Grund hielt Dobrolyubov so hartnäckig an der Definition des "Spiels des Lebens" fest und sah darin weniger eine konventionelle Genrebedeutung als das eigentliche Prinzip der Reproduktion des modernen Lebens im Drama. Tatsächlich sprach Ostrovsky über dasselbe Prinzip: „Viele bedingte Regeln sind verschwunden, und einige weitere werden verschwinden. Jetzt sind dramatische Werke nichts als ein dramatisiertes Leben.“ Dieses Prinzip bestimmte die Entwicklung dramatischer Gattungen in den folgenden Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. „Das Gewitter“ ist seiner Gattung nach eine soziale Tragödie.

A. I. Revyakin stellt zu Recht fest, dass das Hauptmerkmal der Tragödie – „das Bild unüberbrückbarer Lebenswidersprüche, die den Tod des Protagonisten verursachen, der eine herausragende Person ist“ – in The Thunderstorm offensichtlich ist. Die Darstellung der Volkstragödie führte natürlich zu neuen, originellen konstruktiven Formen ihrer Verkörperung. Ostrovsky hat sich wiederholt gegen die träge, traditionelle Art des Aufbaus dramatischer Werke ausgesprochen. Thunderstorm war auch in diesem Sinne innovativ. Er äußerte sich darüber nicht ohne Ironie in einem Brief an Turgenjew vom 14. Juni 1874 als Antwort auf einen Vorschlag, „Das Gewitter“ in französischer Übersetzung zu drucken: „Es stört nicht den Druck von „Das Gewitter“ in einer guten französischen Übersetzung, das kann es beeindrucken Sie mit seiner Originalität; aber ob es auf die Bühne gebracht werden soll - man kann darüber nachdenken. Ich schätze die Fähigkeit der Franzosen, Theaterstücke zu machen, sehr und habe Angst, ihren feinen Geschmack mit meiner schrecklichen Unfähigkeit zu verletzen. Aus französischer Sicht ist die Konstruktion des Gewitters hässlich, aber es muss zugegeben werden, dass sie im Allgemeinen nicht sehr kohärent ist. Als ich The Thunderstorm schrieb, war ich davon hingerissen, die Hauptrollen zu beenden, und mit unverzeihlicher Frivolität "reagierte ich auf die Form, und gleichzeitig hatte ich es eilig, mit der Benefizleistung des verstorbenen Vasiliev Schritt zu halten".

A. I. Zhuravlevas Argumentation über die Genre-Originalität von „Thunderstorm“ ist merkwürdig: „Das Problem der Genre-Interpretation ist das wichtigste bei der Analyse dieses Stücks. Wenden wir uns den wissenschaftskritischen und theatralischen Interpretationstraditionen dieses Stücks zu, so lassen sich zwei vorherrschende Tendenzen unterscheiden. Einer von ihnen wird durch das Verständnis von Das Gewitter als soziales und häusliches Drama bestimmt, in dem das Alltagsleben von besonderer Bedeutung ist. Die Aufmerksamkeit der Regisseure und dementsprechend der Zuschauer wird gleichsam auf alle Beteiligten der Handlung verteilt, jeder erhält die gleiche Bedeutung.

Eine andere Interpretation wird durch das Verständnis von "Thunderstorm" als Tragödie bestimmt. Zhuravleva glaubt, dass eine solche Interpretation tiefer ist und "größere Unterstützung im Text" hat, obwohl die Interpretation von "Thunderstorm" als Drama auf der Genredefinition von Ostrovsky selbst basiert. „Diese Definition ist eine Hommage an die Tradition“, stellt der Forscher zu Recht fest. Tatsächlich lieferte die gesamte Vorgeschichte der russischen Dramaturgie keine Beispiele für eine Tragödie, in der die Helden Privatpersonen und keine historischen Figuren, nicht einmal legendäre, wären. "Gewitter" blieb in dieser Hinsicht ein einzigartiges Phänomen. Entscheidend für das Verständnis der Gattung eines dramatischen Werkes ist in diesem Fall nicht der „gesellschaftliche Status“ der Figuren, sondern vor allem die Art des Konflikts. Wenn wir den Tod von Katerina als Folge eines Zusammenstoßes mit ihrer Schwiegermutter verstehen, um sie als Opfer familiärer Unterdrückung zu sehen, dann sieht das Ausmaß der Helden für eine Tragödie wirklich klein aus. Aber wenn Sie sehen, dass das Schicksal von Katerina durch das Aufeinanderprallen zweier historischer Epochen bestimmt wurde, erscheint die tragische Natur des Konflikts ganz natürlich.

Ein typisches Zeichen für die tragische Struktur ist das Gefühl der Katharsis, das der Zuschauer während der Auflösung erlebt. Durch den Tod wird die Heldin sowohl von Unterdrückung als auch von inneren Widersprüchen befreit, die sie quälen.

So entwickelt sich das Sozialdrama aus dem Leben der Kaufmannsklasse zur Tragödie. Ostrovsky konnte die epochale Zäsur zeigen, die sich im Bewusstsein der einfachen Leute durch einen Liebes-Alltagskonflikt vollzieht. Das erwachende Persönlichkeitsgefühl und eine neue, nicht auf individuellem Willen basierende Weltanschauung standen nicht nur in unversöhnlichem Antagonismus mit dem realen, weltlich verlässlichen Zustand der modernen patriarchalischen Lebensweise Ostrovskys, sondern auch mit der Idealvorstellung von ​​Moral, die einer hohen Heldin innewohnt.

Diese Verwandlung des Dramas in eine Tragödie war auch dem Triumph des lyrischen Elements im Gewitter zu verdanken.

Die Symbolik des Titels des Stücks ist wichtig. Zunächst einmal hat das Wort "Gewitter" in ihrem Text eine direkte Bedeutung. Das Titelbild wird vom Dramatiker in die Entwicklung der Handlung einbezogen, nimmt als Naturphänomen unmittelbar an ihr teil. Das Motiv eines Gewitters entwickelt sich im Stück vom ersten bis zum vierten Akt. Gleichzeitig wurde das Bild eines Gewitters von Ostrovsky auch als Landschaft nachgebildet: dunkle, mit Feuchtigkeit gefüllte Wolken („als ob sich eine Wolke zu einem Ball zusammenrollt“), wir spüren eine stickige Luft, wir hören Donner, wir erstarren vor dem Licht des Blitzes.

Der Titel des Stücks hat übertragenen Sinn. Der Sturm tobt in Katerinas Seele, er spiegelt sich im Kampf schöpferischer und zerstörerischer Prinzipien wider, im Aufeinanderprallen heller und düsterer Vorahnungen, guter und sündiger Gefühle. Die Szenen mit Grokha scheinen die dramatische Handlung des Stücks voranzutreiben.

Der Sturm im Spiel erwirbt und symbolische Bedeutung, der die Idee des gesamten Werkes als Ganzes ausdrückt. Das Erscheinen von Leuten wie Katerina und Kuligin im dunklen Königreich ist ein Gewitter über Kalinov. Das Gewitter im Stück vermittelt die katastrophale Natur des Lebens, den Zustand der zweigeteilten Welt. Die Vielseitigkeit und Vielseitigkeit des Titels des Stücks wird zu einer Art Schlüssel zu einem tieferen Verständnis seines Wesens.

„In Herrn Ostrovskys Stück, das den Namen „Gewitter“ trägt“, schrieb A. D. Galakhov, „sind die Handlung und die Atmosphäre tragisch, obwohl viele Stellen zum Lachen anregen.“ Das Gewitter verbindet nicht nur das Tragische und das Komische, sondern, was besonders wichtig ist, das Epos und das Lyrische. All dies bestimmt die Originalität der Komposition des Stücks. V. E. Meyerhold hat darüber hervorragend geschrieben: „Die Besonderheit der Konstruktion des Gewitters ist, dass höchster Punkt Spannung wird von Ostrovsky im vierten Akt (und nicht in der zweiten Szene des zweiten Akts) gegeben, und die Steigerung im Drehbuch erfolgt nicht allmählich (vom zweiten Akt über den dritten zum vierten), sondern durch einen Stoß oder eher zwei Stöße; der erste Anstieg wird im zweiten Akt angezeigt, in der Szene von Katerinas Abschied von Tichon (der Anstieg ist stark, aber noch nicht sehr), und der zweite Anstieg (sehr stark - dies ist der empfindlichste Stoß) im vierten Akt, im Moment von Katerinas Reue.

Zwischen diesen beiden Akten (wie auf den Gipfeln zweier ungleicher, aber steil ansteigender Hügel) liegt der dritte Akt (mit beiden Bildern) gleichsam in einem Tal.

Es ist leicht zu erkennen, dass das interne Schema der Konstruktion von The Thunderstorm, das vom Regisseur subtil enthüllt wurde, von den Entwicklungsstadien von Katerinas Charakter, den Stadien ihrer Entwicklung und ihren Gefühlen für Boris bestimmt wird.

A. Anastasiev stellt fest, dass Ostrovskys Stück sein eigenes besonderes Schicksal hat. Seit vielen Jahrzehnten hat "Thunderstorm" die Bühne der russischen Theater nicht verlassen, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova wurden berühmt für ihre Aufführungen der Hauptrollen, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, VN Pashennaya. Und gleichzeitig "haben Theaterhistoriker keine ganzheitlichen, harmonischen, herausragenden Aufführungen erlebt." Das ungelöste Rätsel davon große Tragödie liegt, so der Forscher, "in seinen vielen Ideen, in der stärksten Legierung aus unbestreitbarer, unbedingter, konkreter historischer Wahrheit und poetischer Symbolik, in der organischen Kombination aus realer Handlung und einem tief verborgenen lyrischen Anfang."

Wenn sie über die Lyrik von "Thunderstorm" sprechen, meinen sie normalerweise in erster Linie das lyrische System der Weltanschauung der Hauptfigur des Stücks, sie sprechen auch über die Wolga, die sich in ihrer allgemeinsten Form widersetzt die "Scheunen"-Lebensweise und die Kuligins lyrische Ergüsse verursacht. Aber die Wolga, die schönen Wolga-Landschaften, überhaupt die Natur konnte der Dramatiker kraft der Gattungsgesetze nicht in das System dramatischer Handlung einbeziehen. Er zeigte nur, wie die Natur zum integralen Bestandteil des Bühnengeschehens wird. Die Natur ist hier nicht nur ein Objekt der Bewunderung und Bewunderung, sondern auch das Hauptkriterium für die Bewertung alles Existierenden, sodass Sie den Alogismus, die Unnatürlichkeit des modernen Lebens erkennen können. „Hat Ostrovsky Thunderstorm geschrieben? "Gewitter" schrieb Wolga! - rief der berühmte Theaterkritiker und Kritiker S. A. Yuryev aus.

„Jeder echte Alltagsarbeiter ist gleichzeitig ein echter Romantiker“, wird die bekannte Theaterfigur A. I. Yuzhin-Sumbatov später über Ostrovsky sagen. Romantisch im weitesten Sinne des Wortes, überrascht von der Richtigkeit und Strenge der Naturgesetze und der Verletzung dieser Gesetze im öffentlichen Leben. Ostrovsky sprach darüber in einem seiner frühen Tagebucheinträge, nachdem er in den Orten von Kostroma angekommen war: „Und auf der anderen Seite der Wolga, direkt gegenüber der Stadt, gibt es zwei Dörfer; Einer ist besonders malerisch, von dem sich der lockigste Hain bis zur Wolga erstreckt, in den die Sonne bei Sonnenuntergang auf wundersame Weise von der Wurzel aus hineingeklettert ist und viele Wunder vollbracht hat.

Davon ausgehend Landschaftsskizze, argumentierte Ostrovsky:

„Ich bin erschöpft, wenn ich mir das ansehe. Natur - du bist ein treuer Liebhaber, nur schrecklich lüstern; egal wie sehr du dich liebst, du bist immer noch unzufrieden; unbefriedigte Leidenschaft brodelt in deinen Augen, und egal wie du schwörst, dass du deine Wünsche nicht befriedigen kannst, du wirst nicht wütend, gehst nicht weg, sondern betrachtest alles mit deinen leidenschaftlichen Augen, und diese erwartungsvollen Augen sind Hinrichtung und Qual für einen Menschen.

Die Lyrik von The Thunderstorm, so spezifisch in der Form (Ap. Grigoriev bemerkte subtil dazu: „... als ob kein Dichter, sondern ein ganzes Volk hier geschaffen hätte ...“), entstand genau auf der Grundlage der Nähe von die Welt des Helden und des Autors.

In den 1950er und 1960er Jahren wurde die Orientierung an einem gesunden natürlichen Anfang zum sozialen und ethischen Prinzip nicht nur von Ostrovsky, sondern der gesamten russischen Literatur: von Tolstoi und Nekrasov bis zu Tschechow und Kuprin. Ohne diese eigentümliche Manifestation der Stimme des „Autors“ in dramatischen Werken können wir den Psychologismus von „Die arme Braut“ und die Natur der Lyrik in „Gewitter“ und „Mitgift“ und die Poetik des neuen Dramas von nicht vollständig verstehen Ende des 19. Jahrhunderts.

Ende der 1960er Jahre erweiterte sich Ostrovskys Werk thematisch. Er zeigt, wie sich Neues mit Altem mischt: In den gängigen Bildern seiner Kaufleute sehen wir Glanz und Säkularität, Bildung und „angenehme“ Umgangsformen. Sie sind keine dummen Despoten mehr, sondern räuberische Erwerber, die nicht nur eine Familie oder eine Stadt, sondern ganze Provinzen in ihrer Faust halten. Im Konflikt mit ihnen stehen die verschiedensten Menschen, ihr Kreis ist unendlich weit. Und das anklagende Pathos der Stücke ist stärker. Die besten von ihnen: "Hot Heart", "Mad Money", "Forest", "Wolves and Sheep", "Last Victim", "Dowry", "Talents and Admirers".

Die Verschiebungen in der Arbeit von Ostrovsky der letzten Periode sind sehr deutlich sichtbar, wenn wir zum Beispiel "Hot Heart" mit "Thunderstorm" vergleichen. Der Kaufmann Kuroslepov ist ein bedeutender Kaufmann in der Stadt, aber nicht so beeindruckend wie Wild, er ist eher ein Exzentriker, er versteht das Leben nicht und ist mit seinen Träumen beschäftigt. Seine zweite Frau, Matryona, hat eindeutig eine Affäre mit dem Angestellten Narkis. Beide rauben den Besitzer aus und Narkis will selbst Kaufmann werden. Nein, das „dunkle Königreich“ ist jetzt nicht monolithisch. Die Lebensweise von Domostroevsky wird den Eigenwillen des Bürgermeisters Gradoboev nicht mehr retten. Die ungezügelte Ausgelassenheit des wohlhabenden Kaufmanns Khlynov ist ein Symbol für das Verbrennen des Lebens, den Verfall und den Unsinn: Khlynov befiehlt, die Straßen mit Champagner zu übergießen.

Parasha ist ein Mädchen mit einem "heißen Herzen". Aber wenn sich Katerina in The Thunderstorm als Opfer eines unerwiderten Ehemanns und eines willensschwachen Liebhabers herausstellt, dann ist sich Parasha ihrer Mächtigen bewusst mentale Stärke. Sie will auch fliegen. Sie liebt und verflucht die Charakterschwäche, die Unentschlossenheit ihres Geliebten: "Was ist das für ein Typ, was für eine Heulsuse hat sich mir auferlegt ... Anscheinend sollte ich selbst über meinen eigenen Kopf nachdenken."

Mit großer Spannung wird in The Last Victim die Entwicklung von Yulia Pavlovna Tuginas Liebe zu ihrem unwürdigen jungen Nachtschwärmer Dulchin gezeigt. In den späteren Dramen von Ostrovsky gibt es eine Kombination aus actiongeladenen Situationen mit einer detaillierten psychologischen Beschreibung der Hauptfiguren. Großes Gewicht wird auf die Wechselfälle der Qualen gelegt, die sie erfahren, in denen der Kampf des Helden oder der Heldin mit sich selbst, mit seinen eigenen Gefühlen, Fehlern und Annahmen einen großen Platz einzunehmen beginnt.

In dieser Hinsicht ist "Mitgift" charakteristisch. Hier konzentriert sich die Autorin vielleicht zum ersten Mal auf das Gefühl der Heldin, die der Fürsorge ihrer Mutter und der alten Lebensweise entkommen ist. In diesem Stück gibt es keinen Kampf zwischen Licht und Dunkelheit, sondern den Kampf der Liebe selbst um ihre Rechte und Freiheit. Larisa Paratova selbst bevorzugte Karandysheva. Die Menschen um sie herum haben Larisas Gefühle zynisch missbraucht. Die Mutter, die ihre Tochter, einen „Mitgiftlosen“ für einen Geldmann, „verkaufen“ wollte, der sich einbildete, dass er der Besitzer eines solchen Schatzes sein würde, war empört. Paratov missbrauchte sie, täuschte ihre besten Hoffnungen und betrachtete Larisas Liebe als eine der flüchtigen Freuden. Knurov und Vozhevatov beschimpften auch und spielten Larisa im Toss untereinander.

Welche Art von Zynikern, bereit für Fälschung, Erpressung, Bestechung für egoistische Zwecke, Grundbesitzer im postreformierten Russland wurden, erfahren wir aus dem Stück "Schafe und Wölfe". Die „Wölfe“ sind der Gutsbesitzer Murzavetskaya, der Gutsbesitzer Berkutov, und die „Schafe“ sind die junge reiche Witwe Kupavina, der willensschwache ältere Herr Lynyaev. Murzavetskaya will ihren ausschweifenden Neffen mit Kupavina verheiraten und sie mit den alten Rechnungen ihres verstorbenen Mannes "erschrecken". Tatsächlich wurden die Rechnungen von einem vertrauenswürdigen Anwalt, Chugunov, gefälscht, der auch Kupavina dient. Berkutov kam aus St. Petersburg hereingeflogen, ein Landbesitzer – und ein Geschäftsmann, abscheulicher als lokale Schurken. Er erkannte sofort, was los war. Kupavina mit seinen riesigen Hauptstädten übernahm, ohne über Gefühle zu sprechen. Er "plapperte" Murzavetskaya geschickt nach, indem er die Fälschung aufdeckte, und schloss sofort ein Bündnis mit ihr: Es ist wichtig für ihn, die Wahlen bei den Wahlen für die Führer des Adels zu gewinnen. Er ist ein echter "Wolf" und alle anderen neben ihm sind "Schafe". Gleichzeitig gibt es im Stück keine scharfe Trennung in Schurken und Unschuldige. Zwischen den "Wölfen" und "Schafen", als gäbe es eine Art abscheuliche Verschwörung. Alle spielen miteinander Krieg und finden gleichzeitig leicht einen gemeinsamen Vorteil.

Eines der besten Stücke in Ostrovskys gesamtem Repertoire ist anscheinend das Stück Schuldig ohne Schuld. Es vereint die Motive vieler früherer Arbeiten. Die Schauspielerin Kruchinina, die Hauptfigur, eine Frau von hoher spiritueller Kultur, erlebte eine große Lebenstragödie. Sie ist gütig und großzügig, und die weise Kruchinina steht an der Spitze des Guten und Leidens. Wenn man so will, sind sie und der „Lichtstrahl“ im „dunklen Reich“, sie und das „letzte Opfer“, sie und das „heiße Herz“, sie und die „Mitgift“, um sie herum „Bewunderer“, das ist, räuberische „Wölfe“, Geldräuber und Zyniker. Kruchinina, die noch nicht annimmt, dass Neznamov ihr Sohn ist, unterrichtet ihn im Leben und offenbart ihr unverhärtetes Herz: „Ich bin erfahrener als Sie und habe mehr in der Welt gelebt; Ich weiß, dass es in den Menschen viel Adel, viel Liebe, Selbstlosigkeit gibt, besonders bei Frauen.

Dieses Stück ist eine Lobrede auf die russische Frau, die Apotheose ihres Adels und ihrer Selbstaufopferung. Dies ist die Apotheose des russischen Schauspielers, dessen wahre Seele Ostrovsky gut kannte.

Ostrovsky schrieb für das Theater. Das ist die Besonderheit seiner Gabe. Die von ihm geschaffenen Bilder und Lebensbilder sind für die Bühne bestimmt. Deshalb ist die Sprache von Ostrovskys Charakteren so wichtig, deshalb klingen seine Werke so hell. Kein Wunder, dass Innokenty Annensky ihn einen „Realisten-Auditor“ nannte. Ohne Inszenierung auf der Bühne waren seine Werke wie unvollendet, weshalb Ostrovsky das Verbot seiner Stücke durch die Theaterzensur so hart traf. (Die Komödie „Our People – Let’s Settle“ durfte erst zehn Jahre, nachdem Pogodin es geschafft hatte, sie in einer Zeitschrift zu veröffentlichen, im Theater aufgeführt werden.)

Mit einem Gefühl unverhohlener Genugtuung schrieb A. N. Ostrovsky am 3. November 1878 an seinen Freund, den Künstler des Alexandrinsky-Theaters A. F. Burdin: „Die Mitgift“ wurde einstimmig als das beste aller meiner Werke anerkannt.

Ostrovsky lebte "Mitgift", zeitweise nur auf sie, sein vierzigstes Ding, richtete "seine Aufmerksamkeit und Kraft", wollte sie auf das Gründlichste "beenden". Im September 1878 schrieb er an einen seiner Bekannten: "Ich arbeite mit aller Kraft an meinem Stück; es scheint, dass es nicht schlecht ausgehen wird."

Bereits einen Tag nach der Premiere, am 12. November, konnte Ostrovsky erfahren und lernte zweifellos von Russkiye Vedomosti, wie es ihm gelang, "das gesamte Publikum, selbst die naivsten Zuschauer, zu ermüden". Denn sie - das Publikum - ist dem Spektakel, das er ihr bietet, eindeutig "entwachsen".

In den 1970er Jahren wurde Ostrovskys Verhältnis zu Kritikern, Theatern und Publikum immer komplizierter. Die Zeit, in der er Ende der fünfziger und Anfang der sechziger Jahre allgemeine Anerkennung genoss, wurde von einer anderen abgelöst, die sich in verschiedenen Kreisen immer mehr der Abkühlung zum Dramatiker zuwandte.

Die Theaterzensur war strenger als die Literaturzensur. Das ist kein Zufall. Theaterkunst ist ihrem Wesen nach demokratisch, sie ist direkter als die Literatur, sie richtet sich an die breite Öffentlichkeit. Ostrovsky in "Anmerkung zur Situation dramatische Kunst im gegenwärtigen Russland" (1881) schrieb, dass "dramatische Poesie dem Volk näher ist als andere Zweige der Literatur. Alle anderen Werke sind für gebildete Menschen geschrieben, aber Dramen und Komödien werden für das ganze Volk geschrieben; Dramatiker müssen sich das immer vor Augen halten, sie müssen klar und stark sein. Diese Volksnähe demütigt die dramatische Poesie keineswegs, sondern verdoppelt im Gegenteil ihre Kraft und verhindert, dass sie vulgär und niedergeschlagen wird.“ Ostrovsky spricht in seiner „Note“ davon, wie sich das Theaterpublikum in Russland danach ausdehnt 1861. In der Kunst des Zuschauers schreibt Ostrovsky: „Die schöne Literatur ist ihm noch langweilig und unverständlich, die Musik auch, nur das Theater macht ihm vollen Genuss, da erlebt er alles, was auf der Bühne geschieht, wie ein Kind, sympathisiert mit Gutem und erkennt das Böse, klar präsentiert.“ „Ein frisches Publikum“, schrieb Ostrovsky, „erfordert starkes Drama, große Komik, trotziges, offenes, lautes Lachen, heiße, aufrichtige Gefühle.“ In zweieinhalb Jahrzehnten sprach Alexander Blok über Poesie , wird schreiben, dass seine Essenz in den wichtigsten, "wandelnden" Wahrheiten liegt, in der Fähigkeit, sie dem Herzen des Lesers zu vermitteln.

Weiter so, trauernde Nörgler!

Schauspieler, beherrsche das Handwerk,

Um von der wandelnden Wahrheit

Alle fühlten sich krank und leicht!

("Balagan"; 1906)

Die große Bedeutung, die Ostrovsky dem Theater beimaß, seine Gedanken weiter Theaterkunst, über die Situation des Theaters in Russland, über das Schicksal der Schauspieler - all dies spiegelte sich in seinen Stücken wider.

Im Leben von Ostrovsky selbst spielte das Theater eine große Rolle. Er beteiligte sich an der Produktion seiner Stücke, arbeitete mit Schauspielern, war mit vielen von ihnen befreundet, korrespondierte. Er hat sich sehr bemüht, die Rechte der Schauspieler zu verteidigen und versucht, eine Theaterschule in Russland zu gründen, sein eigenes Repertoire.

Ostrovsky kannte das innere, vor den Augen des Publikums verborgene Hinterbühnenleben des Theaters gut. Beginnend mit "Der Wald" (1871) entwickelt Ostrovsky das Thema Theater, schafft Bilder von Schauspielern, schildert ihr Schicksal - diesem Stück folgen "Komiker des 17. Jahrhunderts" (1873), "Talente und Bewunderer" (1881 ), „Schuld ohne Schuld“ (1883).

Das Theater nach dem Bild von Ostrovsky lebt nach den Gesetzen jener Welt, die dem Leser und Zuschauer aus seinen anderen Stücken vertraut ist. Die Art und Weise, wie sich die Schicksale der Künstler gestalten, wird bestimmt durch die Sitten, Beziehungen, Umstände des „gemeinsamen“ Lebens. Ostrovskys Fähigkeit, ein genaues, lebendiges Bild der Zeit wiederzugeben, kommt auch in Stücken über Schauspieler voll zum Ausdruck. Dies ist Moskau der Ära des Zaren Alexei Michailowitsch ("Komiker des 17. Jahrhunderts"), eine Provinzstadt in der Moderne von Ostrovsky ("Talente und Bewunderer", "Schuldig ohne Schuld"), ein Adelssitz ("Wald").

Im Leben des russischen Theaters, das Ostrovsky so gut kannte, war der Schauspieler eine gezwungene Person, die in mehrfacher Abhängigkeit war. „Dann gab es eine Zeit der Favoriten, und der ganze geschäftsführende Fleiß des Repertoireinspektors bestand darin, den Chefregisseur anzuweisen, bei der Zusammenstellung des Repertoires alle erdenkliche Sorgfalt walten zu lassen, damit die Favoriten, die eine hohe Bezahlung pro Aufführung erhalten, jeden Tag und möglichst spielen , in zwei Theatern“, schrieb Ostrovsky in „A Note on Draft Rules on Imperial Theatres for Dramatic Works“ (1883).

In der Darstellung von Ostrovsky könnten sich die Schauspieler als fast Bettler herausstellen, wie Neschastlivtsev und Schastlivtsev in The Forest, gedemütigt, ihre menschliche Form aufgrund von Trunkenheit verlieren, wie Robinson in The Dowry, wie Shmaga in Guilty Without Guilt, wie Erast Gromilov in Talente und Bewunderer", "Wir, die Künstler, unser Platz ist im Buffet", - sagt Shmaga mit Trotz und boshafter Ironie.

Theater, das Leben der Provinzschauspielerinnen Ende der 70er Jahre, etwa zu der Zeit, als Ostrovsky Theaterstücke über Schauspieler schrieb, zeigt M.E. Saltykov-Shchedrin im Roman "Gentlemen Golovlyov". Yudushkas Nichten Lyubinka und Anninka werden Schauspielerinnen, entkommen Golovlevs Leben, landen aber in einer Krippe. Sie hatten kein Talent, keine Ausbildung, sie hatten kein Schauspiel studiert, aber das alles war auf der Provinzbühne nicht gefragt. Das Leben der Schauspieler erscheint in Anninkas Memoiren höllisch wie ein Albtraum: „Hier ist eine Szene mit einer rußigen, eingefangenen und rutschigen Szenerie von Feuchtigkeit; hier dreht sie sich selbst auf der Bühne, dreht sich nur und stellt sich vor, dass sie spielt ... Betrunkene und streitsüchtige Nächte; vorbeigehende Gutsbesitzer, die hastig einen grünen aus ihren mageren Brieftaschen ziehen; Kaufmannsgriff, der den „Schauspielern“ fast mit einer Peitsche in der Hand zujubelt. Und das Leben hinter der Bühne ist hässlich, und was sich auf der Bühne abspielt, ist hässlich: "... Und die Herzogin von Gerolstein, umwerfend mit einem Husarengeist, und Cleretta Ango, in einem Hochzeitskleid, mit einem Schlitz vorn bis zur Hüfte , und die schöne Elena, mit einem Schlitz vorne, hinten und von allen Seiten ... Nichts als Schamlosigkeit und Nacktheit ... so war das Leben!" Dieses Leben treibt Lubinka in den Selbstmord.

Die Übereinstimmungen zwischen Shchedrin und Ostrovsky bei der Darstellung des Provinztheaters sind natürlich - beide schreiben über das, was sie gut wussten, sie schreiben die Wahrheit. Aber Shchedrin ist ein gnadenloser Satiriker, er übertreibt so sehr, das Bild wird grotesk, während Ostrovsky ein objektives Bild des Lebens gibt, sein "dunkles Königreich" ist nicht hoffnungslos - nicht umsonst schrieb N. Dobrolyubov über einen "Strahl von Licht".

Dieses Merkmal von Ostrovsky wurde von Kritikern bemerkt, selbst als seine ersten Stücke erschienen. "... Die Fähigkeit, die Realität so darzustellen, wie sie ist - "mathematische Realitätstreue", das Fehlen jeglicher Übertreibung ... All dies sind nicht die Kennzeichen von Gogols Poesie; all dies sind die Kennzeichen der neuen Komödie", B . Almazov schrieb in dem Artikel „Traum anlässlich einer Komödie. Bereits in unserer Zeit stellte der Literaturkritiker A. Skaftymov in seiner Arbeit "Belinsky und die Dramaturgie von A. N. Ostrovsky" fest, dass "der auffälligste Unterschied zwischen den Stücken von Gogol und Ostrovsky darin besteht, dass Gogol kein Opfer von Laster und Ostrovsky hat hat immer ein leidendes Opfer Laster ... Ostrovsky stellt Laster dar und schützt etwas davor, schützt jemanden ... So ändert sich der gesamte Inhalt des Stücks, um die innere Legitimität, Wahrheit und Poesie echter Menschlichkeit scharf hervorzuheben, unterdrückt und vertrieben in einer Atmosphäre von dominantem Eigeninteresse und Betrug. Ostrowskis Herangehensweise an die Darstellung der Realität, die sich von der Gogols unterscheidet, erklärt sich natürlich aus der Originalität seines Talents, den „natürlichen“ Eigenschaften des Künstlers, aber auch (das darf nicht übersehen werden) aus der veränderten Zeit: erhöhte Aufmerksamkeit für das Individuum, für seine Rechte, Anerkennung seines Wertes.

IN UND. Nemirovich-Danchenko schreibt in seinem Buch "Die Geburt des Theaters" darüber, was Ostrovskys Stücke besonders szenisch macht: "die Atmosphäre der Freundlichkeit", "klare, feste Sympathie auf Seiten der Beleidigten, für die der Theatersaal immer äußerst empfindlich ist ."

In Stücken über Theater und Schauspieler hat Ostrovsky sicherlich das Image eines wahren Künstlers und einer wunderbaren Person. Im wirklichen Leben kannte Ostrovsky viele hervorragende Leute Theaterwelt, hoch geschätzt, respektiert. Eine wichtige Rolle in seinem Leben spielte L. Nikulina-Kositskaya, die Katerina in The Thunderstorm brillant spielte. Ostrovsky war mit dem Künstler A. Martynov befreundet, er schätzte N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova, die in seinen Stücken spielten; P.Strepetova.

In dem Stück Schuldig ohne Schuld sagt die Schauspielerin Elena Kruchinina: "Ich weiß, dass die Menschen viel Adel, viel Liebe und Selbstlosigkeit haben." Und Otradina-Kruchinina selbst gehört zu so wunderbaren, edlen Menschen, sie ist eine wunderbare Künstlerin, klug, bedeutend, aufrichtig.

"Oh, weine nicht; sie sind deine Tränen nicht wert. Du bist eine weiße Taube in einem schwarzen Schwarm Krähen, also picken sie dich an. Dein Weiß, deine Reinheit ist für sie beleidigend", sagt Narokov zu Sasha Negina Talente und Bewunderer.

Das lebendigste Bild eines edlen Schauspielers, das Ostrovsky geschaffen hat, ist der Tragiker Neschastlivtsev in The Forest. Ostrovsky zeigt eine "lebende" Person mit einem schwierigen Schicksal, mit einem traurigen Lebensgeschichte. Neschastlivtsev, der viel trinkt, kann nicht als "weiße Taube" bezeichnet werden. Aber er verändert sich im Laufe des Stücks, die Handlungssituation gibt ihm die Möglichkeit, sich vollständig zu offenbaren beste Eigenschaften seine Natur. Wenn sich Neschastlivtsevs Verhalten zunächst durch die dem Provinztragiker innewohnende Pose zeigt, eine Vorliebe für pompöse Rezitationen (in diesen Momenten ist er lächerlich); Wenn er den Meister spielt und sich in lächerlichen Situationen befindet, dann nimmt er, nachdem er verstanden hat, was auf dem Anwesen von Gurmyzhskaya passiert, was für ein Müll seine Geliebte ist, leidenschaftlich am Schicksal von Aksyusha teil und zeigt hervorragende menschliche Qualitäten. Es stellt sich heraus, dass die Rolle eines edlen Helden für ihn organisch ist, das ist wirklich seine Rolle - und nicht nur auf der Bühne, sondern auch im Leben.

Kunst und Leben sind für ihn untrennbar miteinander verbunden, der Schauspieler ist kein Heuchler, kein Heuchler, seine Kunst basiert auf echten Gefühlen, echten Erfahrungen, sie soll nichts mit Heuchelei und Lügen im Leben zu tun haben. Dies ist die Bedeutung der Bemerkung, die Gurmyzhskaya und ihre gesamte Gesellschaft von Neschastlivtsev werfen: "... Wir sind Künstler, edle Künstler und Komiker sind Sie."

Gurmyzhskaya entpuppt sich als Hauptkomiker in der Live-Performance, die in The Forest gespielt wird. Sie wählt für sich eine attraktive, hübsche Rolle einer Frau mit strengen moralischen Regeln, einer großzügigen Philanthropin, die sich ihr verschrieben hat gute Taten(„Meine Herren, lebe ich für mich? Alles, was ich habe, all mein Geld gehört den Armen. Ich bin nur ein Angestellter mit meinem Geld, und jeder Arme, jeder unglückliche Besitzer ist sein Besitzer“, inspiriert sie andere). Aber all das ist Heuchelei, eine Maske, die ihr wahres Gesicht verbirgt. Gurmyzhskaya täuscht und gibt vor, gutherzig zu sein, sie hat nicht einmal daran gedacht, etwas für andere zu tun und jemandem zu helfen: „Warum bin ich emotional geworden! Gurmyzhskaya spielt nicht nur eine ihr völlig fremde Rolle, sie zwingt auch andere dazu, mitzuspielen, drängt ihnen Rollen auf, die sie ins beste Licht rücken sollen: Neschastlivtsev wird die Rolle eines dankbaren, liebenden Neffen zugeteilt . Aksyusha - die Rolle der Braut, Bulanov - Aksyushas Bräutigam. Aber Aksyusha weigert sich, eine Komödie für sie zu brechen: "Ich werde ihn nicht heiraten, also warum diese Komödie?" Gurmyzhskaya, die nicht länger die Tatsache verbirgt, dass sie die Regisseurin des gespielten Stücks ist, weist Aksyusha grob an ihre Stelle: „Komödie! Wie kannst du es wagen? Aber sogar eine Komödie; Komödie."

Der Komiker Schastlivtsev, der sich als scharfsinniger herausstellte als der tragische Neschastlivtsev, der Gurmyzhskayas Auftritt zunächst im Glauben akzeptierte, erkannte die reale Situation vor ihm, sagt zu Neschastlivtsev: „Der Gymnasiast ist anscheinend schlauer; er spielt a hier eine bessere Rolle als deine ... Er spielt einen Liebhaber, und du bist ... ein Einfaltspinsel.

Vor dem Betrachter erscheint die echte, ohne schützende pharisäische Maske, Gurmyzhskaya - eine gierige, selbstsüchtige, betrügerische, verdorbene Dame. Die Darbietung, die sie spielte, verfolgte niedrige, abscheuliche, schmutzige Ziele.

Viele von Ostrovskys Stücken präsentieren ein solches falsches „Theater“ des Lebens. Podkhalyuzin spielt in Ostrovskys erstem Stück "Our People - Let's Settle" die Rolle des hingebungsvollsten und treuesten Besitzers einer Person und erreicht so sein Ziel - nachdem er Bolshov getäuscht hat, wird er selbst zum Besitzer. Glumov in der Komödie "Genug Dummheit für jeden Weisen" baut seine Karriere auf einem komplexen Spiel auf und setzt die eine oder andere Maske auf. Nur der Zufall hinderte ihn daran, sein Ziel in der von ihm begonnenen Intrige zu erreichen. In "Mitgift" tritt nicht nur Robinson, der Vozhevatov und Paratov unterhält, als Lord auf. Der lustige und erbärmliche Karandyshev versucht, wichtig zu wirken. Nachdem er Larisas Verlobter geworden war, "... hob er seinen Kopf so hoch, dass er über jemanden stolpern würde. Und er setzte aus irgendeinem Grund eine Brille auf, aber er trug sie nie. Er verbeugt sich - nickt kaum", sagt Vozhevatov. Alles, was Karandyschew tut, ist künstlich, alles ist Show: das elende Pferd, das er hat, und der Teppich mit billigen Waffen an der Wand, und das Abendessen, das er arrangiert. Paratovs Mann - umsichtig und seelenlos - spielt die Rolle einer heißen, hemmungslos breiten Natur.

Theater im Leben, imposante Masken entstehen aus dem Wunsch, sich zu verkleiden, etwas Unmoralisches, Schändliches zu verbergen, Schwarz für Weiß auszugeben. Hinter einer solchen Leistung steckt meist Berechnung, Heuchelei, Eigennutz.

Neznamov in dem Stück "Schuld ohne Schuld", der ein Opfer der Intrige ist, die Korinkina begonnen hat, und glaubt, dass Kruchinina nur vorgab, eine freundliche und edle Frau zu sein, sagt bitter: "Schauspielerin! Schauspielerin! also spielen Sie auf der Bühne. Sie zahlen Geld für einen guten Vorwand Und um im Leben über einfache, leichtgläubige Herzen zu spielen, die kein Spiel brauchen, die nach der Wahrheit fragen... sie sollten dafür hingerichtet werden... wir brauchen keinen Betrug! Gib uns die Wahrheit , die reine Wahrheit!" Der Held des Stücks drückt hier eine sehr wichtige Idee für Ostrovsky über das Theater aus, über seine Rolle im Leben, über das Wesen und den Zweck der Schauspielerei. Ostrovsky kontrastiert Komödie und Heuchelei im Leben mit Kunst voller Wahrheit und Aufrichtigkeit auf der Bühne. Ein echtes Theater, ein inspiriertes Stück eines Künstlers ist immer moralisch, bringt Gutes, erleuchtet einen Menschen.

Ostrovskys Stücke über Schauspieler und Theater, die die Umstände der russischen Realität in den 1970er und 1980er Jahren treffend widerspiegelten, enthalten bis heute lebendige Gedanken zur Kunst. Es sind Gedanken über das schwere, bisweilen tragische Schicksal eines wahren Künstlers, der sich, während er sich verwirklicht, verausgabt, verbrennt, über das Glück, das er in der Kreativität, der vollkommenen Hingabe findet, über die erhabene Mission der Kunst, die das Gute bejaht und Menschheit. Ostrovsky selbst drückte sich aus, offenbarte seine Seele in den von ihm geschaffenen Stücken, vielleicht besonders offen in Stücken über Theater und Schauspieler. Vieles darin stimmt mit dem überein, was der Dichter unseres Jahrhunderts in wunderbaren Versen schreibt:

Wenn das Gefühl die Linie vorgibt

Es schickt einen Sklaven auf die Bühne,

Und hier endet die Kunst.

Und der Boden und das Schicksal atmen.

(B. Pasternak " Ach ich wüsste es

was geschieht... ").

Ganze Generationen bemerkenswerter russischer Künstler sind mit den Inszenierungen von Ostrovskys Stücken aufgewachsen. Neben den Sadovskys gibt es auch Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitinov, Gogolev. Die Wände des Maly-Theaters sahen den großen Dramatiker live, und seine Traditionen wachsen immer noch auf der Bühne.

Die dramatischen Fähigkeiten von Ostrovsky sind Eigentum des modernen Theaters, das Gegenstand intensiver Studien ist. Es ist überhaupt nicht veraltet, trotz einiger altmodischer Techniken. Aber dieses Altmodische ist genau dasselbe wie im Theater von Shakespeare, Moliere, Gogol. Das sind alte, echte Diamanten. Ostrovskys Stücke enthalten grenzenlose Möglichkeiten für Bühnenauftritte und schauspielerisches Wachstum.

Die Hauptstärke des Dramatikers ist die alles überwindende Wahrheit, die Tiefe der Typisierung. Dobrolyubov bemerkte auch, dass Ostrovsky nicht nur Typen von Kaufleuten, Landbesitzern, sondern auch universelle Typen darstellt. Wir haben alle Zeichen die höchste Kunst was unsterblich ist.

Die Originalität von Ostrovskys Dramaturgie, ihre Innovation, manifestiert sich besonders deutlich in der Typisierung. Wenn Ideen, Themen und Handlungen die Originalität und Innovation des Inhalts von Ostrovskys Dramaturgie offenbaren, dann beziehen sich die Prinzipien der Typisierung von Charakteren bereits auf ihre künstlerische Darstellung, ihre Form.

A. H. Ostrovsky, der die realistischen Traditionen des westeuropäischen und russischen Dramas fortführte und weiterentwickelte, wurde in der Regel nicht von außergewöhnlichen Persönlichkeiten angezogen, sondern von gewöhnlichen, gewöhnlichen sozialen Charakteren von mehr oder weniger Typizität.

Fast jeder Charakter von Ostrovsky ist originell. Dabei steht das Individuelle in seinen Stücken nicht im Widerspruch zum Sozialen.

Indem er seine Figuren individualisiert, entdeckt der Dramatiker die Gabe des tiefsten Eindringens in ihre psychologische Welt. Viele Episoden von Ostrovskys Stücken sind Meisterwerke der realistischen Darstellung der menschlichen Psychologie.

„Ostrovsky“, schrieb Dobrolyubov zu Recht, „weiß, wie man in die Tiefen der Seele eines Menschen blickt, weiß, wie man die Natur von allen äußerlich akzeptierten Missbildungen und Wucherungen unterscheidet; darum ist die äußere Bedrückung, die Schwere der ganzen Situation, die einen Menschen erdrückt, in seinen Werken viel stärker zu spüren als in vielen Geschichten, inhaltlich fürchterlich ungeheuerlich, aber die äußere, offizielle Seite der Sache verdunkelt die innere völlig, menschliche Seite. Dobrolyubov erkannte eine der wichtigsten und besten Eigenschaften von Ostrovskys Talent in der Fähigkeit, "die Natur wahrzunehmen, in die Tiefen der Seele eines Menschen einzudringen, seine Gefühle einzufangen, unabhängig vom Image seiner externen offiziellen Beziehungen".

Bei der Arbeit an den Charakteren verbesserte Ostrovsky ständig die Methoden seiner psychologischen Fähigkeiten, erweiterte die Palette der verwendeten Farben und verkomplizierte die Farben der Bilder. In seinem allerersten Werk haben wir helle, aber mehr oder weniger einlineare Charaktere der Charaktere vor uns. Weitere Arbeiten sind Beispiele für eine tiefergehende und kompliziertere Erschließung von Menschenbildern.

In der russischen Dramaturgie wird ganz selbstverständlich die Schule von Ostrovsky bezeichnet. Es umfasst I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin und A. Kupchinsky. I. F. Gorbunov lernte von Ostrovsky und schuf wunderbare Szenen aus dem kleinbürgerlichen Kaufmanns- und Handwerksleben. Nach Ostrovsky enthüllte A. A. Potechin in seinen Stücken die Verarmung des Adels („The Newest Oracle“), das räuberische Wesen der reichen Bourgeoisie („Guilty“), Bestechung, den Karrierismus der Bürokratie („Lametta“), die spirituelle Schönheit der Bauernschaft ("Schafspelzmantel - die menschliche Seele"), die Entstehung neuer Menschen eines demokratischen Lagers ("Cut off chunk"). Potechins erstes Drama „Das Urteil des Menschen nicht Gottes“, das 1854 erschien, erinnert an Ostrovskys Dramen, die unter dem Einfluss des Slawophilismus entstanden sind. Ende der 1950er und Anfang der 1960er Jahre waren die Stücke von I. E. Chernyshev, einem Künstler des Alexandrinsky-Theaters und ständiger Mitarbeiter der Zeitschrift Iskra, in Moskau, St. Petersburg und den Provinzen sehr beliebt. Diese in liberal-demokratischem Geist geschriebenen Stücke, die eindeutig Ostrovskys künstlerischen Stil nachahmen, beeindruckten durch die Exklusivität der Hauptfiguren, die scharfe Formulierung moralischer und innerstaatlicher Themen. So wird in der Komödie Der Bräutigam aus dem Schuldenamt (1858) von einem armen Mann erzählt, der versucht, einen wohlhabenden Grundbesitzer zu heiraten, in der Komödie Glück ist kein Geld (1859) wird ein seelenloser Raubtierhändler dargestellt, in dem Drama Familienvater (1860) Tyrannenwirt und in der Komödie „Verwöhntes Leben“ (1862) schildert er einen äußerst ehrlichen, gütigen Beamten, seine naive Frau und einen unehrenhaft verräterischen Schleier, der ihr Glück verletzt.

Unter dem Einfluss von Ostrovsky später, Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts, spielten Dramatiker wie A. I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich und viele andere.

Ostrovskys unbestrittene Autorität als erster Dramatiker des Landes wurde von allen progressiven Literaten anerkannt. L. N. Tolstoi, der die Dramaturgie von Ostrovsky als „national“ hoch schätzte und auf seinen Rat hörte, schickte ihm 1886 das Stück „The First Distiller“. Der Autor von „Krieg und Frieden“ nannte Ostrovsky den „Vater der russischen Dramaturgie“ und bat ihn in einem Anschreiben, das Stück zu lesen und das „Urteil seines Vaters“ darüber zu äußern.

Ostrovskys Stücke, die fortschrittlichsten in der Dramaturgie des zweiten Hälfte XIX Jahrhundert, stellen einen Fortschritt dar, ein eigenständiges und wichtiges Kapitel in der Entwicklung der dramatischen Weltkunst.

Der enorme Einfluss von Ostrovsky auf die Dramaturgie der russischen, slawischen und anderer Völker ist unbestreitbar. Aber seine Arbeit ist nicht nur mit der Vergangenheit verbunden. Es lebt aktiv in der Gegenwart. Durch seinen Beitrag zum Theaterrepertoire, das Ausdruck des aktuellen Lebens ist, ist der große Dramatiker unser Zeitgenosse. Die Aufmerksamkeit für seine Arbeit nimmt nicht ab, sondern zu.

Ostrovsky wird mit dem humanistischen und optimistischen Pathos seiner Ideen, der tiefen und breiten Verallgemeinerung seiner Helden, Gut und Böse, ihren universellen menschlichen Eigenschaften und der Einzigartigkeit seiner ursprünglichen dramatischen Fähigkeiten lange die Herzen und Köpfe der in- und ausländischen Zuschauer anziehen.

Alle kreatives Leben EIN. Ostrovsky war untrennbar mit dem russischen Theater verbunden und seine Verdienste um die russische Bühne sind wirklich unermesslich. Er hatte allen Grund, am Ende seines Lebens zu sagen: "... das russische Schauspielhaus hat nur ein Ich. Ich bin alles: die Akademie, der Philanthrop und die Verteidigung. Außerdem ... wurde ich der Leiter der Bühnenkunst."

Ostrovsky beteiligte sich aktiv an der Inszenierung seiner Stücke, arbeitete mit Schauspielern zusammen, war mit vielen von ihnen befreundet und korrespondierte mit ihnen. Er bemühte sich sehr, die Moral der Schauspieler zu verteidigen und versuchte, eine Theaterschule in Russland zu gründen, sein eigenes Repertoire.

1865 organisierte Ostrovsky in Moskau einen Künstlerkreis, dessen Zweck darin bestand, die Interessen der Künstler, insbesondere der Provinzkünstler, zu schützen und ihre Ausbildung zu fördern. 1874 gründete er die Society of Dramatic Writers and Opernkomponisten. Er verfasste Memoranden an die Regierung über die Entwicklung der darstellenden Künste (1881), leitete das Maly-Theater in Moskau und das Alexandrinsky-Theater in St. Petersburg, war verantwortlich für das Repertoire der Moskauer Theater (1886) und war Leiter von die Theaterschule (1886). Er "baute" ein ganzes "Gebäude des russischen Theaters", bestehend aus 47 Originalstücken. "Sie haben der Literatur eine ganze Bibliothek von Kunstwerken geschenkt", schrieb I. A. Goncharov an Ostrovsky, "Sie haben Ihre eigene spezielle Welt für die Bühne geschaffen. Wir Russen können stolz sagen: Wir haben unser eigenes russisches Nationaltheater."

Ostrovskys Werk bildete eine ganze Epoche in der Geschichte des russischen Theaters. Fast alle seine Stücke wurden zu seinen Lebzeiten im Maly-Theater aufgeführt, sie brachten mehrere Generationen von Künstlern hervor, die zu wunderbaren Meistern der russischen Bühne heranwuchsen. Ostrovskys Stücke haben in der Geschichte des Maly-Theaters eine so bedeutende Rolle gespielt, dass es stolz Ostrovsky-Haus genannt wird.

Ostrovsky inszenierte seine Stücke meist selbst. Er kannte das innere, vor den Augen des Publikums verborgene Hinterbühnenleben des Theaters gut. Kenntnisse des Dramatikers schauspielerisches Leben manifestierte sich deutlich in den Stücken "Wald" (1871), "Komiker des 17. Jahrhunderts" (1873), "Talente und Bewunderer" (1881), "Schuldig ohne Schuld" (1883).

In diesen Werken treten vor uns lebende Typen von Provinzschauspielern unterschiedlicher Rollen auf. Das sind Tragiker, Komödianten, "erste Liebhaber". Aber unabhängig von der Rolle ist das Leben der Schauspieler in der Regel nicht einfach. Indem er ihr Schicksal in seinen Stücken darstellte, versuchte Ostrovsky zu zeigen, wie schwierig es für eine Person mit einer subtilen Seele und einem Talent ist, in einer unfairen Welt der Seelenlosigkeit und Ignoranz zu leben. Gleichzeitig könnten sich die Schauspieler im Bild von Ostrovsky als fast Bettler herausstellen, wie Neschastlivtsev und Schastlivtsev in Les; gedemütigt und durch Trunkenheit ihr menschliches Aussehen verlieren, wie Robinson in „Mitgift“, wie Shmaga in „Schuldig ohne Schuld“, wie Erast Gromilov in „Talente und Bewunderer“.

In der Komödie "The Forest" enthüllte Ostrovsky das Talent der Schauspieler des russischen Provinztheaters und zeigte gleichzeitig ihre demütigende Position, die zur Landstreicherei verdammt war und auf der Suche nach ihrem täglichen Brot umherwanderte. Als sie sich treffen, haben Schastlivtsev und Neschastlivtsev keinen Cent Geld und keine Prise Tabak. Es stimmt, Neschastvittsev hat ein paar Klamotten in seinem selbstgemachten Rucksack. Er hatte sogar einen Frack, aber um die Rolle spielen zu können, musste er ihn in Chisinau "gegen das Kostüm von Hamlet" eintauschen. Das Kostüm war für den Schauspieler sehr wichtig, aber um die notwendige Garderobe zu haben, wurde viel Geld benötigt ...

Ostrovsky zeigt, dass der Provinzschauspieler auf der unteren Stufe der sozialen Leiter steht. In der Gesellschaft gibt es Vorurteile gegen den Beruf des Schauspielers. Nachdem Gurmyzhskaya erfahren hat, dass ihr Neffe Neschastlivtsev und sein Kamerad Schastlivtsev Schauspieler sind, erklärt sie arrogant: "Morgen früh werden sie nicht hier sein. Ich habe kein Hotel, keine Taverne für solche Herren." Wenn die örtlichen Behörden das Verhalten des Schauspielers nicht mögen oder er keine Papiere hat, wird er verfolgt und kann sogar aus der Stadt ausgewiesen werden. Arkady Schastlivtsev wurde „dreimal von Kosaken mit Peitschen vier Meilen weit aus der Stadt geschmissen“. Wegen der Unordnung, der ewigen Irrfahrten trinken die Schauspieler. Der Besuch von Tavernen ist ihre einzige Möglichkeit, der Realität zu entfliehen, zumindest für eine Weile, um die Probleme zu vergessen. Schastlivtsev sagt: "... Wir sind ihm gleichgestellt, beide Schauspieler, er ist Neschastlivtsev, ich bin Schastlivtsev, und wir sind beide Trunkenbolde", und erklärt dann bravourös: "Wir sind ein freies, wandelndes Volk - wir schätzen das Wirtshaus am meisten." Aber diese Clownerie von Arkashka Schastlivtsev ist nur eine Maske, die den unerträglichen Schmerz der sozialen Demütigung verbirgt.

Trotz des schwierigen Lebens, der Widrigkeiten und des Grolls bewahren viele Minister von Melpomene Freundlichkeit und Edelmut in ihrer Seele. In "The Forest" schuf Ostrovsky das lebendigste Bild eines edlen Schauspielers - des Tragikers Neschastlivtsev. Er porträtierte einen „lebenden“ Menschen, mit einem schweren Schicksal, mit einer traurigen Lebensgeschichte. Der Schauspieler trinkt viel, aber während des Stücks verändert er sich, die besten Eigenschaften seiner Natur werden offenbart. Neschastlivtsev zwingt Vosmibratov, das Geld an Gurmyzhskaya zurückzugeben, und führt eine Aufführung durch, gibt gefälschte Bestellungen auf. In diesem Moment spielt er mit einer solchen Kraft, mit einem solchen Glauben, dass das Böse bestraft werden kann, dass er einen echten Lebenserfolg erzielt: Vosmibratov gibt Geld. Dann gibt Neschastlivtsev Aksyusha sein letztes Geld und arrangiert ihr Glück. Neschastlivtsev spielt nicht mehr. Seine Handlungen sind keine theatralische Geste, sondern ein wahrhaft edler Akt. Und als er am Ende des Stückes den berühmten Monolog von Karl Mohr aus F. Schillers „Räuber“ ausspricht, werden die Worte des Schiller-Helden im Wesentlichen zu einer Fortsetzung seiner eigenen zornigen Rede. Die Bedeutung der Bemerkung, die Neschastlivtsev Gurmyzhskaya und ihrem gesamten Unternehmen zuwirft: "Wir sind Künstler, edle Künstler und Komiker, seid ihr", liegt darin, dass Kunst und Leben seiner Ansicht nach untrennbar miteinander verbunden sind und der Schauspieler nicht ein Heuchler, kein Heuchler, seine Kunst basiert auf echten Gefühlen und Erfahrungen.

In der poetischen Komödie „Komödiant des 17. Jahrhunderts“ schlägt der Dramatiker die frühen Seiten der Geschichte der Nationalszene auf. Der talentierte Komiker Yakov Kochetov hat Angst, Künstler zu werden. Nicht nur er, sondern auch sein Vater sind sich sicher, dass dies ein verwerflicher Beruf ist, dass Possenreißer eine Sünde sind, schlimmer als die nichts sein kann, denn das waren die Vorkonstruktionsvorstellungen der Menschen in Moskau im 17. Jahrhundert. Aber Ostrovsky stellte die Verfolger von Possenreißern und ihre "Aktionen" den Liebhabern und Eiferern des Theaters in der vorpetrinischen Ära gegenüber. Der Dramatiker zeigte die besondere Rolle von Bühnenaufführungen in der Entwicklung der russischen Literatur und formulierte den Zweck der Komödie, "... bösartig und böse lustig zu zeigen, es lächerlich zu machen. ... Menschen durch die Darstellung von Moral zu lehren."

In dem Drama "Talents and Admirers" zeigte Ostrovsky, wie schwierig das Schicksal der mit einem riesigen Bühnengeschenk ausgestatteten Schauspielerin ist, die sich leidenschaftlich dem Theater widmet. Die Stellung des Schauspielers im Theater, sein Erfolg hängt davon ab, ob er von den wohlhabenden Zuschauern gemocht wird, die die ganze Stadt in ihren Händen halten. Schließlich lebten die Provinztheater hauptsächlich von Spenden lokaler Gönner, die sich als Meister des Theaters fühlten und den Schauspielern ihre Bedingungen diktierten. Alexandra Negina von "Talents and Admirers" weigert sich, an Intrigen hinter den Kulissen teilzunehmen oder auf die Launen ihrer wohlhabenden Bewunderer einzugehen: Prinz Dulebov, Beamter Bakin und andere. Negina kann und will sich nicht mit dem leichten Erfolg der anspruchslosen Nina Smelskaya zufrieden geben, die bereitwillig die Gunst reicher Verehrer annimmt und sich tatsächlich in eine gepflegte Frau verwandelt. Prinz Dulebov, beleidigt von Neginas Weigerung, beschloss, sie zu ruinieren, riss eine Benefizvorstellung ab und überlebte buchstäblich vom Theater. Sich vom Theater zu trennen, ohne das sie sich ihre Existenz nicht vorstellen kann, bedeutet für Negina, sich mit einem elenden Leben mit einer süßen, aber armen Studentin Petya Meluzov zufrieden zu geben. Sie hat nur einen Ausweg: sich in den Unterhalt eines anderen Verehrers zu begeben, des wohlhabenden Gutsbesitzers Velikatov, der ihr Rollen und durchschlagenden Erfolg in seinem Theater verspricht. Er nennt seinen Anspruch auf das Talent und die Seele von Alexandra glühende Liebe, aber im Wesentlichen ist es ein offener Deal zwischen einem großen Raubtier und einem hilflosen Opfer. Was Knurov in "Dowry" nicht leisten musste, erledigte Velikatov. Larisa Ogudalova hat es geschafft, sich auf Kosten des Todes von den goldenen Ketten zu befreien, Negina hat sich diese Ketten angelegt, weil sie sich ein Leben ohne Kunst nicht vorstellen kann.

Ostrovsky wirft dieser Heldin vor, die weniger geistige Mitgift hatte als Larisa. Aber gleichzeitig er Herzenskummer erzählte uns davon dramatisches Schicksal Schauspielerin, was seine Teilnahme und Sympathie verursacht. Kein Wunder, wie E. Kholodov feststellte, ist ihr Name derselbe wie Ostrovsky selbst - Alexandra Nikolaevna.

In dem Drama Schuldig ohne Schuld wendet sich Ostrovsky erneut dem Thema des Theaters zu, obwohl seine Probleme viel umfassender sind: Es spricht vom Schicksal von Menschen, die ihres Lebens beraubt sind. Im Mittelpunkt des Dramas steht die herausragende Schauspielerin Kruchinina, nach deren Auftritten das Theater buchstäblich „vom Applaus zerfällt“. Ihr Bild gibt Anlass, darüber nachzudenken, was die Bedeutung und Größe der Kunst ausmacht. Zunächst einmal, glaubt Ostrovsky, ist dies eine große Lebenserfahrung, eine Schule der Entbehrungen, Qualen und Leiden, die seine Heldin zufällig durchgemacht hat.

Kruchininas ganzes Leben außerhalb der Bühne ist "Trauer und Tränen". Diese Frau wusste alles: die harte Arbeit eines Lehrers, den Verrat und die Abreise eines geliebten Menschen, den Verlust eines Kindes, ernsthafte Krankheit, Einsamkeit. Zweitens ist es spiritueller Adel, ein mitfühlendes Herz, Glaube an das Gute und Respekt vor einer Person und drittens ein Bewusstsein für die hohen Aufgaben der Kunst: Kruchinina bringt dem Betrachter hohe Wahrheit, die Ideen von Gerechtigkeit und Freiheit. Mit ihrem Wort von der Bühne will sie „die Herzen der Menschen verbrennen“. Und zusammen mit einem seltenen Naturtalent und einer gemeinsamen Kultur ermöglicht all dies, das zu werden, was aus der Heldin des Stücks geworden ist – ein Universalidol, dessen „Glanz donnert“. Kruchinina schenkt ihren Zuschauern das Glück des Kontakts mit dem Schönen. Und deshalb schenkt ihr der Dramatiker selbst im Finale auch ihr persönliches Glück: Gewinnen verlorener Sohn, mittelloser Schauspieler Neznamov.

Der Verdienst von A. N. Ostrovsky vor der russischen Bühne ist wirklich unermesslich. Seine Stücke über Theater und Schauspieler, die die Umstände der russischen Realität in den 70er und 80er Jahren des 19. Jahrhunderts genau widerspiegeln, enthalten bis heute aktuelle Gedanken zur Kunst. Es sind Gedanken über ein schwieriges, manchmal tragisches Schicksal talentierte Menschen, die, auf der Bühne realisiert, sich selbst vollständig verbrennen; Gedanken über das Glück der Kreativität, die volle Hingabe, über die erhabene Mission der Kunst, die Güte und Menschlichkeit zu bekräftigen.

Der Dramatiker selbst drückte sich aus, offenbarte seine Seele in den von ihm geschaffenen Stücken, vielleicht besonders offen in Stücken über Theater und Schauspieler, in denen er sehr überzeugend zeigte, dass man selbst in den Tiefen Russlands, in den Provinzen, talentierte, desinteressierte treffen kann Menschen, die in der Lage sind, von den höchsten Interessen zu leben. . Vieles in diesen Stücken stimmt mit dem überein, was B. Pasternak in seinem wunderbaren Gedicht „Oh, if just I would have know that it happen ...“ geschrieben hat:

Wenn eine Linie ein Gefühl diktiert

Es schickt einen Sklaven auf die Bühne,

Und hier endet die Kunst.

Und der Boden und das Schicksal atmen.