heim › Salon › Klassische Musik: Komponistinnen. Komponistinnen: Von Clara Schumann bis Valentina Serova Beliebteste Komponistin

Klassische Musik: Komponistinnen. Komponistinnen: Von Clara Schumann bis Valentina Serova Beliebteste Komponistin

„Es ist wahrscheinlicher, dass ein Mann ein Kind zur Welt bringt, als dass eine Frau schreibt gute Musik", sagte einmal Deutscher Komponist Johannes Brahms. Eineinhalb Jahrhunderte später versammeln sich Komponistinnen in den größten Konzertsälen der Welt, schreiben Musik für Filme und entwickeln wichtige soziale Initiativen.

1. Cassia von Konstantinopel

Die griechische Nonne Cassia wurde 804 oder 805 in eine wohlhabende Familie Konstantinopels hineingeboren. Heute ist sie nicht nur als Gründerin bekannt Kloster in Konstantinopel, sondern auch als eine der ersten Hymnographinnen und Komponistinnen.

Cassia war sehr schön und einigen Quellen zufolge nahm sie 821 sogar an einer Brautschau für Kaiser Theophilus teil. Das Mädchen war nicht dazu bestimmt, die Frau des Kaisers zu werden, und bald nahm Cassia als Nonne den Schleier an, um ihr ganzes Leben in dem von ihr gegründeten Kloster zu verbringen. Dort komponierte Cassia Kirchenlieder und Kanons, und eine Analyse ihrer Werke, die Verweise auf die Schriften antiker Autoren enthält, lässt den Schluss zu, dass das Mädchen eine gute weltliche Bildung hatte.

Cassia von Konstantinopel ist eine der ersten Komponistinnen, deren Werke von zeitgenössischen Musikern aufgeführt werden können.

2. Hildegard von Bingen

Die deutsche Nonne Hildegard von Bingen war nicht nur musikalisch eine außergewöhnliche Persönlichkeit – sie arbeitete auch an naturwissenschaftlichen und medizinischen Werken, schrieb mystische Visionsbücher sowie spirituelle Gedichte.

Hildegard wurde Ende des 11. Jahrhunderts geboren und war das zehnte Kind einer Adelsfamilie. Ab ihrem achten Lebensjahr wurde das Mädchen von einer Nonne großgezogen und begann mit 14 Jahren in einem Kloster zu leben, wo sie Kunst und Liturgie studierte.

Als Kind begann das Mädchen, Musik zu ihren eigenen Gedichten zu komponieren, und bereits im Erwachsenenalter sammelte sie ihre Werke in einer Sammlung namens „Harmonische Symphonie der himmlischen Offenbarungen“. Die Sammlung umfasst Gesänge, zusammengefasst in mehreren Teilen zu liturgischen Themen.

3. Barbara Strozzi

Die italienische Komponistin Barbara Strozzi, die später als „die virtuoseste“ bezeichnet wurde, war uneheliche Tochter Dichter Giulio Strozzi, der sie später adoptierte. Barbara selbst hatte vier uneheliche Kinder verschiedene Männer. Das Mädchen wurde 1619 in Venedig geboren und studierte beim Komponisten Francesco Cavalli.

Strozzi schrieb Kantaten, Arietten, Madrigale und die Texte zu den Werken ihrer Tochter stammen von ihrem Vater Giulio. Barbara war die erste Komponistin, die ihre Werke nicht in Sammlungen, sondern einzeln veröffentlichte. Die Musik von Barbara Strozzi wird heute aufgeführt und wiederveröffentlicht.

4. Clara Schumann

Geboren wurde Clara Wieck 1819 in Leipzig als Sohn von Friedrich Wieck, einem bekannten Klavierlehrer in Stadt und Land. MIT junges Alter Das Mädchen lernte von ihrem Vater Klavier spielen und begann im Alter von 10 Jahren erfolgreich in der Öffentlichkeit aufzutreten.

Zusammen mit ihrem Vater ging Clara auf Deutschlandtournee und gab anschließend mehrere Konzerte in Paris. Etwa zu dieser Zeit begann die junge Clara, Musik zu schreiben – ihre ersten Werke wurden 1829 veröffentlicht. Gleichzeitig wurde der junge Robert Schumann Schüler von Friedrich Wieck, aus dessen Bewunderung für die talentierte Tochter des Lehrers Liebe wurde.

1940 heirateten Clara und Robert. Seitdem begann das Mädchen, von ihrem Mann geschriebene Musik aufzuführen, oft war sie die erste, die der Öffentlichkeit die neuen Kompositionen von Robert Schumann vorstellte. Auch der Komponist Johannes Brahms vertraute Clara die Uraufführung seiner Werke an, Enger Freund Familien.

Clara Schumanns eigene Kompositionen zeichneten sich durch ihre Modernität aus und galten als eines der besten Beispiele romantische Schule. Auch Robert Schumann schätzte die Schriften seiner Frau sehr, die jedoch darauf bestand, dass sich seine Frau darauf konzentrierte Familienleben und ihre acht Kinder.
Nach dem Tod Robert Schumanns führte Clara weiterhin seine Werke auf und interessierte sich für sie eigene Kreativität brach 1970 mit neuer Kraft aus, als erstmals Aufnahmen von Claras Kompositionen erschienen

5. Amy Beach

Die Amerikanerin Amy Marcy Cheney Beach ist die einzige Frau in der sogenannten „Boston Six“ der Komponisten, zu der neben ihr auch die Musiker John Knowles Payne, Arthur Foote, George Chadwick, Edward McDowell und Horatio Parker gehörten. Den Komponisten der „Sechs“ wird zugeschrieben, dass sie einen entscheidenden Einfluss auf die Entstehung der amerikanischen akademischen Musik hatten.

Amy wurde am 5. September 1867 als Tochter einer wohlhabenden Familie in New Hampshire geboren. MIT frühe Jahre Das Mädchen studierte Musik unter der Anleitung ihrer Mutter und nachdem die Familie nach Boston gezogen war, begann sie auch Komposition zu studieren. Erste Solokonzert Amy Beach fand 1883 statt und war ein großer Erfolg. Zwei Jahre später heiratete das Mädchen und hörte auf Drängen ihres Mannes praktisch auf, aufzutreten, und konzentrierte sich auf das Schreiben von Musik.

Mit ihren eigenen Werken trat sie später auf Tourneen in Europa und Amerika auf und heute gilt Amy Beach als die erste Frau, der das gelang erfolgreiche Karriere in der hohen Musik.

6. Valentina Serova

Die erste russische Komponistin, geborene Walentina Semjonowna Bergman, wurde 1846 in Moskau geboren. Aufgrund eines Konflikts mit dem Direktor gelang es dem Mädchen nicht, das St. Petersburger Konservatorium zu absolvieren, woraufhin Valentina begann, Unterricht zu nehmen Musikkritiker und Komponist Alexander Serov.

1863 heirateten Valentina und Alexander, zwei Jahre später bekam das Paar einen Sohn, den zukünftigen Künstler Valentin Serov. Im Jahr 1867 begannen die Serows mit der Herausgabe der Zeitschrift „Musik und Theater“. Ehegatten unterstützt freundschaftliche Beziehungen mit Ivan Turgenev und Pauline Viardot, Leo Tolstoi, Ilja Repin.

Valentina Serova hatte große Ehrfurcht vor der Arbeit ihres Mannes, und nach seinem Tod veröffentlichte sie vier Bände mit Artikeln über ihren Mann und vollendete auch seine Oper The Enemy Force.

Serova ist Autorin der Opern Uriel Acosta, Maria D'Orval, Miroed und Ilya Muromets. Neben der Musik schrieb sie auch Artikel über das Komponieren, veröffentlichte Memoiren über Treffen mit Leo Tolstoi und Erinnerungen an ihren Mann und Sohn.

7. Sofia Gubaidulina

Heute lebt und arbeitet die russische Komponistin Sofia Gubaidulina in Deutschland, ihre Heimat Tatarstan ist jedoch jedes Jahr Gastgeberin Musikwettbewerbe und Feste, die dem berühmten Einheimischen der Republik gewidmet sind.

Sofia Gubaidulina wurde 1931 in Tschistopol geboren. Als Mädchen schloss sie ihr Studium in Kasan ab Musikgymnasium, und trat dann in das Kasaner Konservatorium ein, wo sie Komposition studierte. Nach ihrem Umzug nach Moskau setzte Gubaidulina ihr Studium am Moskauer Konservatorium fort und erhielt nach ihrem Abschluss ein wichtiges Abschiedswort vom Komponisten Dmitri Schostakowitsch: „Ich wünsche Ihnen, dass Sie Ihren eigenen „falschen“ Weg gehen.“

Zusammen mit Alfred Schnittke und Edison Denisov gehörte Sofia Gubaidulina zum Trio der Moskauer Avantgarde-Komponisten. Gubaidulina arbeitete viel für das Kino und schrieb Musik für Filme wie „Vertical“, „Der Mensch und sein Vogel“, „Mowgli“ und „Scarecrow“.

1991 erhielt Sofia Gubaidulina ein Deutschlandstipendium und lebt seitdem in Deutschland, wo sie regelmäßig Russland mit Konzerten, Festivals und verschiedenen sozialen Initiativen besucht.

"IN Antikes Griechenland Alle Harfenisten waren Männer, und jetzt ist es ein „weibliches“ Instrument. Die Zeiten ändern sich und die Worte von Brahms, dass „es wahrscheinlicher ist, dass ein Mann ein Kind zur Welt bringt, als dass eine Frau gute Musik schreibt“, klingen leichtfertig“, sagte Sofia Asgatovna in einem Interview.

Wie in allen anderen Bereichen auch klassische Kunst In der westlichen Welt gibt es in der Geschichte der akademischen Musik unzählige vergessene Frauen, die es verdienen, über sich selbst erzählt zu werden.

Insbesondere - in der Geschichte der Komponistenkunst.

Selbst jetzt, wo die Zahl namhafter Komponistinnen jedes Jahr wächst, sind die Saisonpläne der berühmtesten Orchester und Konzertprogramme am meisten berühmte Künstler Selten werden Werke von Frauen geschrieben.

Wenn das Werk einer Komponistin dennoch zum Gegenstand der Aufmerksamkeit von Zuschauern oder Journalisten wird, gehen die Nachrichten darüber zwangsläufig mit traurigen Statistiken einher.

Hier ein aktuelles Beispiel: Die Metropolitan Opera brachte in dieser Saison das brillante „Love from afar“ von Caia Saariaho zur Aufführung – wie sich herausstellte, die erste von einer Frau geschriebene Oper, die seit 1903 in diesem Theater aufgeführt wurde. Es ist tröstlich, dass die Kompositionen von Saariaho – wie zum Beispiel die Musik von Sofia Gubaidulina oder Julia Wolf – auch ohne solche berichtenswerten Anlässe recht häufig aufgeführt werden.

Jemand allein aufgrund seines eigenen Verhaltens, das kulturelle Grundlagen zerstört, und jemand - durch seine Musik, zu der es kein Analogon gibt.

Louise Farranc (1804–1875)

Diesen Posten bekleidete sie die nächsten dreißig Jahre und trotz der pädagogischen Arbeitsbelastung gelang es ihr, sich als Komponistin zu beweisen. Allerdings nicht „geschafft zu zeigen“, sondern „konnte nicht zeigen“.

Farranc stammte aus einer berühmten Bildhauerdynastie und wuchs in dieser auf die besten Leute Pariser Kunst, so die Tat kreativer Ausdruck Für sie war es ganz natürlich.

In Frankreich hat jeder erste vielversprechende Autor viele Stunden an Opern geschrieben, und die lakonischen und klassisch inspirierten Werke des Parisers widersprachen wirklich der damaligen Mode.

Vergebens: Ihre besten Werke – wie die Dritte Symphonie in g-Moll – gelinde gesagt, gehen vor dem Hintergrund der damaligen Mastodons wie Mendelssohn oder Schumann nicht verloren. Ja, und Brahms hat mit seinen Versuchen, den Klassizismus in die Sprache der Romantik zu übersetzen, zehn oder sogar zwanzig Jahre umgangen.

Dora Pejacevic (1885–1923)

Das Mädchen wuchs unter der strengen Aufsicht englischer Gouvernanten auf, kommunizierte fast nicht mit Gleichaltrigen und wurde von ihren Eltern im Allgemeinen eher mit dem Ziel einer weiteren erfolgreichen Ehe für die Familie erzogen glückliche Kindheit.

Dies kam jedoch nur ihrer anderen Leidenschaft zugute: Schon zu Beginn des Ersten Weltkriegs etablierte sich die rebellische Adlige als bedeutendste Figur der kroatischen Musik.

Aber wenn wir davon abstrahieren historischer Zusammenhang Und wenn Sie die Musik von Pejacevic als eine aufrichtige Liebeserklärung an die deutschen Romantiker hören, wird es leicht sein, ihre ausdrucksstarke Melodie zu bemerken hohes Level Orchestrierung und sorgfältige Strukturarbeit.

Amy Beach (1867–1944)

Berühmteste Folge Biografien von Amy Strand kann so umformuliert werden. Im Jahr 1885, als sie 18 Jahre alt war, heirateten Amys Eltern sie mit einem 42-jährigen Chirurgen aus Boston. Das Mädchen war zu diesem Zeitpunkt bereits Klaviervirtuosin und hoffte, ihr Musikstudium und ihre Karriere als Musikerin fortzusetzen, doch ihr Mann entschied sich anders.

Dr. Henry Harris Audrey Beach, besorgt um den Status seiner Familie und geleitet von den damaligen Vorstellungen über die Rolle der Frau in der säkularen Gesellschaft Neuenglands, verbot seiner Frau das Musikstudium und beschränkte ihre Auftritte als Pianistin auf ein Konzert pro Jahr.

Für Amy, die davon geträumt hat Konzerthallen und ausverkauften Konzerten kam es einer Tragödie gleich. Doch wie so oft wich die Tragödie dem Triumph: Obwohl Beach ihre Karriere als Schauspielerin opferte, begann sie, sich mehr und mehr dem Schreiben zu widmen und wird heute von den meisten Forschern eindeutig als die beste amerikanische Komponistin der Spätromantik identifiziert.

Ihre beiden Hauptwerke – die 1896 veröffentlichte Gälische Symphonie und das drei Jahre später folgende Klavierkonzert – sind wirklich schön, auch wenn es ihnen nach damaligen Maßstäben an Originalität mangelt. Das Wichtigste ist, dass es in der Musik von Beach, wie man annehmen könnte, absolut keinen Platz für Provinzialismus und Engstirnigkeit gibt.

Ruth Crawford Seeger (1901–1953)

Ruth Crawford Seeger ist in den Kreisen ernsthafter Fans, Forscher und einfach Liebhaber amerikanischer Volksmusik viel bekannter als in der Welt der akademischen Musik. Warum?

Dafür gibt es zwei Hauptgründe: Erstens war sie die Frau des Musikwissenschaftlers Charles Seeger und damit die Vorfahrin des Seeger-Clans, einer Familie von Musikern und Sängern, die mehr als jeder andere zur Popularisierung des amerikanischen Folk beitrug.

Zweitens, sie den letzten Jahren Zehn Jahre ihres Lebens arbeitete sie intensiv an der Katalogisierung und Arrangierung von Liedern, die auf zahlreichen Reisen von John und Alan Lomax, den größten amerikanischen Folkloristen und Sammlern von Volksmusik, aufgenommen wurden.

Überraschenderweise bis zum Anfang gemeinsames Leben Sowohl Ruth als auch Charles Seeger waren Komponisten mit einer stark modernistischen Ausrichtung, deren Musik kaum als „Folklore“ bezeichnet werden konnte. Insbesondere die Schriften von Ruth Crawford aus den frühen 1930er Jahren sind nur mit den Werken von Anton Webern zu vergleichen – und selbst dann nur im Hinblick auf geschickt aufgebaute Dramaturgie und prägnante Konzentration Musikalisches Material.

Aber wenn Weberns Traditionen in jeder Note durchscheinen – egal ob österreichische oder Renaissance-Musik – dann existieren Seegers Werke wie außerhalb der Tradition, außerhalb der Vergangenheit und außerhalb der Zukunft, außerhalb Amerikas und außerhalb des Rests der Welt Welt.

Warum ist ein Komponist mit solch einem individuellen Stil immer noch nicht im kanonischen Repertoire der Moderne enthalten? Geheimnis.

Lily Boulanger (1893–1918)

Beste Aufsätze Lily Boulanger sind in religiösen Texten wie Psalmen oder buddhistischen Gebeten verfasst, sie werden meist wie von einem falsch gestimmten Chor zerrissen, unmelodisch und laut vorgetragen musikalische Begleitung. Man kann nicht auf Anhieb ein Analogon zu dieser Musik erkennen – ja, sie ähnelt in gewisser Weise den Frühwerken Strawinskys und den besonders feurigen Kompositionen Honeggers, aber weder das eine noch das andere erreichte eine solche Tiefe der Verzweiflung und verfiel nicht in solche Extreme Fatalismus.

Als ein Freund der Familie Boulanger, der Komponist Gabriel Fauré, die dreijährige Lily entdeckte absolute Tonhöhe Ihre Eltern und ihre ältere Schwester konnten sich kaum vorstellen, dass diese Gabe in etwas so Unengelhaftem zum Ausdruck kommen würde.

Vielleicht hätte sie eine ebenso bedeutende Komponistin werden können, wie sie sich als Lehrerin herausstellte. Auf jeden Fall begann sie als Komponistin – doch nach Lilys Tod brach nach eigener Aussage etwas in Nadia zusammen. Obwohl sie 92 Jahre alt war, erreichte die ältere Schwester nie den Höhepunkt der wenigen Kompositionen ihrer jüngeren Schwester, die im Alter von 24 Jahren an Morbus Crohn erkrankte.

Elizabeth Maconki (1907–1994)

Ralph Vaughan Williams, der Größte Britischer Komponist im letzten Jahrhundert, war ein leidenschaftlicher Verfechter des Nationalen Musikalische Traditionen. Also verarbeitete er es mit Begeisterung Volkslieder, schrieb verdächtig ähnlich wie anglikanische Hymnen Chorwerke und, mit unterschiedlichem Erfolg, die Kreativität neu gedacht Englische Komponisten die Renaissance.

Er unterrichtete auch Komposition am Londoner Royal College of Music, wo seine Lieblingsschülerin in den 1920er Jahren ein junges irisches Mädchen namens Elizabeth Maconki war.

Jahrzehnte später wird sie erzählen, dass es Vaughan Williams war, der ihr riet, niemals auf irgendjemanden zu hören und sich beim Komponieren von Musik nur auf ihre Interessen, Geschmäcker und Gedanken zu konzentrieren.

anschauliche Beispiele Originalität und Entwicklung der Komponistenfantasie von Maconchi – ihre Dreizehn Streichquartette, geschrieben von 1933 bis 1984 und bilden zusammen einen Zyklus der Quartettliteratur, der denen von Schostakowitsch oder demselben Bartok in nichts nachsteht.

Vitezslava Kapralova (1915–1940)

Wenige Jahre vor dem Ersten Weltkrieg ein unauffälliger Tschechischer Komponist und der Konzertpianist Vaclav Kapral gründete in seiner Heimatstadt Brünn eine Privatfirma Musikschule für Klavieranfänger. Die Schule existierte auch nach dem Krieg weiter und erlangte bald den Ruf, nahezu die beste des Landes zu sein.

Der Strom derjenigen, die studieren wollten und insbesondere vom Korporal selbst lernen wollten, veranlasste den Komponisten sogar kurzzeitig, darüber nachzudenken, alle anderen Aktivitäten zugunsten des Unterrichtens einzustellen.

Der Unteroffizier entwickelte einen Plan, der hinsichtlich des Ausmaßes an Arroganz, Dummheit und Kommerzialisierung überraschend war: aus Vitezslava ein wahres Musikmonster zu erziehen, das in der Lage wäre, ihn als Hauptlehrer der Familienschule zu ersetzen.

Und gleichzeitig zu dirigieren und zu komponieren – das war im Allgemeinen undenkbar. Gerade mit dem Komponieren von Musik begann der frischgebackene Student – und zwar von einer solchen Qualität, einer solchen stilistischen Vielfalt und in einem solchen Umfang, dass es wirklich niemanden gibt, mit dem man sich vergleichen kann.

Es ist klar, warum in der TV-Serie „Mozart im Dschungel“ Kapralova zum Vorbild für die Heldin namens Lizzy wird, die sich nicht zurücklehnen kann: Vitezslava starb im Alter von 25 Jahren an Tuberkulose – aber gleichzeitig die Zahl Die Anzahl der von ihr verfassten Kompositionen übersteigt die Kataloge sehr, sehr vieler Autoren.

Es ist jedoch logisch anzunehmen, dass dieses phänomenale Mädchen ihren endgültigen Triumph als Komponistin nicht mehr erlebte.

Bei aller formalen Qualität sind Kapralovas Kompositionen stilistisch der Musik des damals führenden tschechischen Komponisten Bohuslav Martinu sehr ähnlich, der auch ein großer Freund der Familie Kapral war, der Vitezslav seit seiner Kindheit kannte und es sogar schaffte, sich zu verlieben bei ihr kurz vor dem Tod des Mädchens.

TEXT: Oleg Sobolev

WIE IN JEDEM ANDEREN BEREICH DER KLASSISCHEN KUNST In der westlichen Welt gibt es in der Geschichte der akademischen Musik unzählige vergessene Frauen, die es verdienen, über sich selbst erzählt zu werden. Insbesondere - in der Geschichte der Komponistenkunst. Selbst heute, wo die Zahl namhafter Komponistinnen von Jahr zu Jahr wächst, sind in den Saisonplänen der berühmtesten Orchester und in den Konzertprogrammen der berühmtesten Interpreten selten Werke von Frauen enthalten.

Wenn das Werk einer Komponistin dennoch zum Gegenstand der Aufmerksamkeit von Zuschauern oder Journalisten wird, gehen die Nachrichten darüber zwangsläufig mit traurigen Statistiken einher. Hier ein aktuelles Beispiel: Die Metropolitan Opera brachte in dieser Saison das brillante „Love from afar“ von Caia Saariaho zur Aufführung – wie sich herausstellte, die erste von einer Frau geschriebene Oper, die seit 1903 in diesem Theater aufgeführt wurde. Es ist tröstlich, dass die Kompositionen von Saariaho – wie zum Beispiel die Musik von Sofia Gubaidulina oder Julia Wolf – auch ohne solche berichtenswerten Anlässe recht häufig aufgeführt werden.

Aus einer großen Liste weiblicher Namen ein paar wenig bekannte Musikheldinnen auszuwählen, ist eine schwierige Aufgabe. Die sieben Frauen, über die wir jetzt sprechen werden, haben eines gemeinsam: Sie passten bis zu einem gewissen Grad nicht in die Welt um sie herum. Jemand allein aufgrund seines eigenen Verhaltens, das kulturelle Grundlagen zerstört, und jemand - durch seine Musik, zu der es kein Analogon gibt.

Louise Farranc

Die gebürtige Jeanne-Louise Dumont wurde in der europäischen Musikwelt der 1830er und 1840er Jahre als Pianistin berühmt. Darüber hinaus war der Ruf des Mädchens als Künstlerin so hoch, dass Farranc 1842 zum Professor für Klavier am Pariser Konservatorium ernannt wurde. Diesen Posten bekleidete sie die nächsten dreißig Jahre und trotz der pädagogischen Arbeitsbelastung gelang es ihr, sich als Komponistin zu beweisen. Allerdings nicht „geschafft zu zeigen“, sondern „konnte nicht zeigen“. Farranc stammte aus der berühmtesten Bildhauerdynastie und wuchs unter den besten Persönlichkeiten der Pariser Kunst auf, sodass der Akt der kreativen Selbstdarstellung für sie äußerst natürlich war.

Madame Professor veröffentlichte im Laufe ihres Lebens etwa fünfzig Kompositionen, überwiegend Instrumentalkompositionen, und erhielt begeisterte Kritiken über ihre Musik von Berlioz und Liszt, doch in ihrer Heimat galt Farranc als zu unfranzösische Komponistin. In Frankreich hat jeder erste vielversprechende Autor viele Stunden an Opern geschrieben, und die lakonischen und klassisch inspirierten Werke des Parisers widersprachen wirklich der damaligen Mode. Vergebens: Ihre besten Werke – wie die Dritte Symphonie in g-Moll – gelinde gesagt, gehen vor dem Hintergrund der damaligen Mastodons wie Mendelssohn oder Schumann nicht verloren. Ja, und Brahms hat mit seinen Versuchen, den Klassizismus in die Sprache der Romantik zu übersetzen, zehn oder sogar zwanzig Jahre umgangen.

Dora Pejacevic

Als Vertreterin einer der vornehmsten Adelsfamilien des Balkans, Enkelin eines der Bans (sprich: Gouverneure) Kroatiens und Tochter eines anderen verbrachte Dora Pejacevic ihre Kindheit und Jugend genau wie gewohnt in der Weltpopkultur, die sie mögen schildern das Leben junger und von der Familie sorgfältig bewachter junger Aristokraten. Das Mädchen wuchs unter der strengen Aufsicht englischer Gouvernanten auf, kommunizierte fast nicht mit Gleichaltrigen und wurde im Allgemeinen von ihren Eltern mit dem Ziel einer weiteren erfolgreichen Ehe für die Familie und nicht mit einer glücklichen Kindheit erzogen.

Doch etwas ging schief: Als Teenager begeisterte sich Dora für die Ideen des Sozialismus, geriet in ständigen Konflikt mit ihrer Familie und wurde in der Folge im Alter von über zwanzig Jahren vom Rest der Pejacevics abgeschnitten für den Rest ihres Lebens. Dies kam jedoch nur ihrer anderen Leidenschaft zugute: Schon zu Beginn des Ersten Weltkriegs etablierte sich die rebellische Adlige als bedeutendste Figur der kroatischen Musik.

Doras Kompositionen, die durchweg von Brahms, Schumann und Strauss inspiriert waren, klangen im Vergleich zu den Maßstäben der sie umgebenden Welt äußerst naiv – zum Beispiel zum Zeitpunkt der Uraufführung ihres altmodischen Klavierkonzerts in Berlin und Paris, mit dem sie bereits zuhörten Macht und Hauptsache zu Lunar Pierrot und The Rite of Spring. Aber wenn wir den historischen Kontext außer Acht lassen und Pejacevics Musik als eine aufrichtige Liebeserklärung an die deutschen Romantiker hören, dann erkennt man leicht ihre ausdrucksstarke Melodie, ihre hochkarätige Orchestrierung und sorgfältige Strukturarbeit.

Amy Beach

Die berühmteste Episode der Biografie von Amy Beach lässt sich wie folgt nacherzählen. Im Jahr 1885, als sie 18 Jahre alt war, heirateten Amys Eltern sie mit einem 42-jährigen Chirurgen aus Boston. Das Mädchen war zu diesem Zeitpunkt bereits Klaviervirtuosin und hoffte, ihr Musikstudium und ihre Karriere als Musikerin fortzusetzen, doch ihr Mann entschied sich anders. Dr. Henry Harris Audrey Beach, besorgt um den Status seiner Familie und geleitet von den damaligen Vorstellungen über die Rolle der Frau in der säkularen Gesellschaft Neuenglands, verbot seiner Frau das Musikstudium und beschränkte ihre Auftritte als Pianistin auf ein Konzert pro Jahr.

Für Amy, die von Konzertsälen und ausverkauften Konzerten träumte, kam dies einer Tragödie gleich. Doch wie so oft wich die Tragödie dem Triumph: Obwohl Beach ihre Karriere als Schauspielerin opferte, begann sie, sich mehr und mehr dem Schreiben zu widmen und wird heute von den meisten Forschern eindeutig als die beste amerikanische Komponistin der Spätromantik identifiziert. Ihre beiden Hauptwerke – die 1896 veröffentlichte Gälische Symphonie und das drei Jahre später folgende Klavierkonzert – sind wirklich schön, auch wenn es ihnen nach damaligen Maßstäben an Originalität mangelt. Das Wichtigste ist, dass es in Beachs Musik, wie man annehmen könnte, absolut keinen Platz für Provinzialismus und Engstirnigkeit gibt.

Ruth Crawford Seeger

Ruth Crawford Seeger ist in den Kreisen ernsthafter Fans, Forscher und einfach Liebhaber amerikanischer Volksmusik viel bekannter als in der Welt der akademischen Musik. Warum? Dafür gibt es zwei Hauptgründe: Erstens war sie die Frau des Musikwissenschaftlers Charles Seeger und damit die Vorfahrin des Seeger-Clans, einer Familie von Musikern und Sängern, die mehr als jeder andere zur Popularisierung des amerikanischen Folk beitrug. Zweitens arbeitete sie in den letzten zehn Jahren ihres Lebens intensiv an der Katalogisierung und Arrangierung von Liedern, die auf zahlreichen Reisen von John und Alan Lomax, den größten amerikanischen Folkloristen und Sammlern von Volksmusik, aufgenommen wurden.

Überraschenderweise waren sowohl Ruth als auch Charles Seeger bis zum Beginn ihres gemeinsamen Lebens Komponisten mit einer äußerst modernistischen Ausrichtung, und es war sehr schwierig, das Wort „Folklore“ auf ihre Musik anzuwenden. Insbesondere die Kompositionen von Ruth Crawford aus den frühen 30er Jahren sind nur mit den Werken von Anton Webern zu vergleichen – und selbst dann nur im Hinblick auf gekonnt aufgebaute Dramaturgie und lakonisch konzentriertes musikalisches Material. Aber wenn Weberns Traditionen in jeder Note durchscheinen – egal ob österreichische oder Renaissance-Musik – dann existieren Seegers Werke wie außerhalb der Tradition, außerhalb der Vergangenheit und außerhalb der Zukunft, außerhalb Amerikas und außerhalb des Rests der Welt Welt. Warum ist ein Komponist mit solch einem individuellen Stil immer noch nicht im kanonischen Repertoire der Moderne enthalten? Geheimnis.

Lily Boulanger

Es scheint, welche Art von Musik könnte eine ewig kranke, zutiefst religiöse und pathologisch bescheidene Französin aus der High Society zu Beginn des letzten Jahrhunderts komponieren? Das ist richtig – einer, der als guter Soundtrack für Judgement Day dienen könnte. Die besten Kompositionen von Lily Boulanger basieren auf religiösen Texten wie Psalmen oder buddhistischen Gebeten. Meistens werden sie wie von einem falsch gestimmten Chor zu einer unregelmäßigen, nicht melodischen und lauten musikalischen Begleitung vorgetragen. Man kann nicht auf Anhieb ein Analogon zu dieser Musik erkennen – ja, sie ähnelt in gewisser Weise den Frühwerken Strawinskys und den besonders feurigen Kompositionen Honeggers, aber weder das eine noch das andere erreichte eine solche Tiefe der Verzweiflung und verfiel nicht in solche Extreme Fatalismus. Als ein Freund der Familie Boulanger, der Komponist Gabriel Fauré, entdeckte, dass die dreijährige Lily absolutes Gehör besaß, konnten sich ihre Eltern und ihre ältere Schwester kaum vorstellen, dass sich diese Gabe in etwas so Unengelhaftem niederschlagen würde.

Übrigens, über meine Schwester. Nadia Boulanger erwies sich als eine Figur der Musikgeschichte, die ihresgleichen sucht. Fast ein halbes Jahrhundert lang – von den 20er bis 60er Jahren – galt Nadia als eine der besten Musiklehrerinnen der Welt. Nadya hatte zu dieser Zeit sehr spezifische Ansichten sowohl zur neuen Musik als auch zur Musik im wahrsten Sinne des Wortes, war klassisch, hart, kompromisslos und erschöpfte ihre Schüler mit den schwierigsten Aufgaben und blieb selbst für ihre ideologischen Gegner ein Vorbild musikalische Intelligenz von beispiellosem Gedächtnis und Kraft. Vielleicht hätte sie eine ebenso bedeutende Komponistin werden können, wie sie sich als Lehrerin herausstellte. Auf jeden Fall begann sie als Komponistin – doch nach Lilys Tod brach nach eigener Aussage etwas in Nadia zusammen. Obwohl sie 92 Jahre alt war, erreichte die ältere Schwester nie den Höhepunkt der wenigen Kompositionen ihrer jüngeren Schwester, die im Alter von 24 Jahren an Morbus Crohn erkrankte.

Elizabeth Maconki

Ralph Vaughan Williams, der größte britische Komponist des letzten Jahrhunderts, war ein leidenschaftlicher Verfechter nationaler Musiktraditionen. Also überarbeitete er mit Begeisterung Volkslieder, schrieb Chorwerke, die anglikanischen Hymnen verdächtig ähnelten, und überdachte mit unterschiedlichem Erfolg das Werk englischer Komponisten der Renaissance. Er unterrichtete auch Komposition am Londoner Royal College of Music, wo seine Lieblingsschülerin in den 1920er Jahren ein junges irisches Mädchen namens Elizabeth Maconki war. Jahrzehnte später wird sie erzählen, dass es Vaughan Williams war, der ihr riet, niemals auf irgendjemanden zu hören und sich beim Komponieren von Musik nur auf ihre Interessen, Geschmäcker und Gedanken zu konzentrieren.

Der Rat erwies sich für Maconki als entscheidend. Ihre Musik blieb stets unberührt sowohl von den globalen Trends der Akademie-Avantgarde als auch von der jahrhundertealten anglo-keltischen Liebe zur ländlichen Folklore. Während ihrer Studienzeit entdeckte sie Bela Bartók (ein Komponist übrigens, der auch abseits offensichtlicher Trends arbeitete). Makonki lehnte in ihren Kompositionen natürlich die reife Musik des großen Ungarn ab, war aber gleichzeitig konsequent entwickelte ihren eigenen Stil, viel intimer und introspektiver. Anschauliche Beispiele für die Originalität und Entwicklung der Komponistenphantasie von Makonka sind ihre dreizehn Streichquartette, die zwischen 1933 und 1984 geschrieben wurden und zusammen einen Zyklus von Quartettliteratur bilden, der denen von Schostakowitsch oder demselben Bartok in nichts nachsteht.

Vitezslava Kapralova

Wenige Jahre vor dem Ersten Weltkrieg gründete der unauffällige tschechische Komponist und Konzertpianist Vaclav Kapral in seiner Heimatstadt Brünn eine private Musikschule für angehende Pianisten. Die Schule existierte auch nach dem Krieg weiter und erlangte bald den Ruf, nahezu die beste des Landes zu sein. Der Strom derjenigen, die studieren wollten und insbesondere vom Korporal selbst lernen wollten, veranlasste den Komponisten sogar kurzzeitig, darüber nachzudenken, alle anderen Aktivitäten zugunsten des Unterrichtens einzustellen.

Glücklicherweise zeigte seine Tochter Witezslava, die zu diesem Zeitpunkt noch nicht ihren zehnten Geburtstag gefeiert hatte, plötzlich außergewöhnliche musikalische Fähigkeiten. Das Mädchen spielte besser Klavier als viele erwachsene Profis, lernte das gesamte klassische Liedrepertoire auswendig und begann sogar, kleine Stücke zu schreiben. Der Unteroffizier entwickelte einen Plan, der hinsichtlich des Ausmaßes an Arroganz, Dummheit und Kommerzialisierung überraschend war: aus Vitezslava ein wahres Musikmonster zu erziehen, das in der Lage wäre, ihn als Hauptlehrer der Familienschule zu ersetzen.

Natürlich ist nichts davon passiert. Der ehrgeizige Witezslava, der Komponist und Dirigent werden wollte, trat im Alter von fünfzehn Jahren gleichzeitig in zwei entsprechende Fakultäten des örtlichen Konservatoriums ein. Dass eine Frau dirigieren will – das gab es in der Tschechischen Republik der 30er Jahre vor Kapralova nicht. Und gleichzeitig zu dirigieren und zu komponieren – das war im Allgemeinen undenkbar. Gerade mit dem Komponieren von Musik begann der frischgebackene Student – und zwar von einer solchen Qualität, einer solchen stilistischen Vielfalt und in einem solchen Umfang, dass es wirklich niemanden gibt, mit dem man sich vergleichen kann.

Große Frauen Russlands

Anastasia Moreva

Der Woronesch-Komponistenverband widmete das Frühlings-Musik- und Bildungsquiz den großen Frauen Russlands. Ihre Heldinnen waren Katharina die Große, Natalia Gontscharowa, die Dichterinnen Anna Achmatowa und Marina Zwetajewa sowie die Kosmonautin Valentina Tereschkowa. Erwachsene und junge Teilnehmer des Quiz lernten mit Interesse wenig bekannte Fakten aus Biografien prominente Frauen, lauschte dem Auftritt der Verdienten Künstlerin der Russischen Föderation Lyubov Kontsova, der Solistin der Woronesch-Oper Elena Petrichenko.

Initiiert wurde beispielsweise die russische Kaiserin Katharina II Frauenbildung in Russland. Auf ihre Initiative hin wurden das Smolny-Institut für edle Jungfrauen, eine Schule an der Akademie der Künste und eine Gesellschaft der zweihundert edlen Jungfrauen eröffnet. Catherine war verlobt literarische Tätigkeit, hinterließ eine große Sammlung von Werken – Notizen, Übersetzungen, Fabeln, Märchen, Komödien, Essays sowie Libretti für mehrere Opern. Teilnahme am wöchentlichen Satiremagazin „Everything“.

Natalya Goncharova - Ehefrau und Muse von A.S. Puschkin widmete den Zeilen des Dichters „Ich bin verheiratet und glücklich ... Dieser Zustand ist für mich so neu, dass es scheint, als wäre ich wiedergeboren.“ Sie war mit dem großen Dichter verheiratet und brachte vier Kinder zur Welt. Auf dem Programm standen Kompositionen von M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky sowie der Woronesch-Komponist Vladimir Naumov zu den Versen von A.S. Puschkin.

Zum ersten Mal hörten viele den Namen einer brillanten Frau, Dichterin und Schriftstellerin Evdokia Rostopchina. Sie kannte A.S. Puschkin, M.I. Lermontov, V.A. Schukowski, N.V. Gogol, dessen Begegnungen als Anstoß für das Schreiben eigener Gedichte dienten. Sie verfasste lyrische Theaterstücke, Romane in Prosa, dramatische Stücke für das Theater. In St. Petersburg, im Haus der Rostopchins, gaben sie oft Musikalische Abende, die von F. List, M.I. besucht wurden. Glinka, Prinz V.F. Odoevsky, Schriftsteller A.N. Ostrovsky und L.A. May sowie die Künstler M.S. Schtschepkin, I.V. Samarin und andere. Uns interessiert die Tatsache, dass die Gräfin zwei Jahre auf dem Gut Woronesch verbrachte, das ihrem Mann gehörte – der Stadt Anna. Den Auftakt des Abends bildete die Aufführung der Romanzen „Du wirst dich an mich erinnern“ von E. Krylatov, „Morgen“ von A. Rubinstein zu den Versen von E. Rostopchina.

Die Aufmerksamkeit der Zuhörer wurde auf die Romanzen des Woronesch-Komponisten Alexander Ukrainsky gelenkt, die auf Anna Akhmatovas Gedichten „Liebe“ und „Lasst die Stimmen der Orgel wieder platzen“ basieren und den Triumph der Kunst, des Frühlings, der Liebe und der wahren Poesie verherrlichen. Der Text der Gedichte wird in der Musik des Komponisten mit erstaunlicher Eindringlichkeit und Eindringlichkeit vermittelt.

Marina Zwetajewa – eine Dichterin, die von natürlicher Schönheit und freudigen Gefühlen der Liebe singt. Schwierig Lebensweg Tsvetaeva spiegelt sich in ihrem Werk wider, das voller Motive ist romantische Liebe, Ablehnung und Einsamkeit. Auf den Versen von M. Tsvetaeva wurden die Werke eines anderen Woronesch-Komponisten A. Mozalevsky geschrieben, die das Programm des Abends vervollständigten.

Der 1. Oktober war Internationaler Tag der Musik. Natürlich ist dies in erster Linie ein Feiertag der Komponisten. Aber aus irgendeinem Grund stellt man selten die Frage: Warum gibt es so wenige Komponistinnen? Sie können ein Experiment durchführen und beispielsweise 100 Personen zum Thema „Wer ist Ihr Lieblingskomponist“ interviewen? Und sicherlich werden alle 100 Befragten einen männlichen Autor nennen. Zum Beispiel Mozart, Tschaikowsky, Bach, Rachmaninow, Strauss, Beethoven oder Prokofjew … Und auf dieser Liste wird keine einzige Frau stehen.

Aber in den letzten zwei Jahrhunderten gab (und gibt) es Komponisten des schönen Geschlechts, deren Namen in Europa für Furore sorgten oder die heute bekannt sind.

Und heute können wir über die klügsten Komponistinnen sprechen.

Das schöne Geschlecht kam erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts ernsthaft zur Musik. Natürlich kann man über die Heldinnen des 19. Jahrhunderts sagen – Louise Farranc oder Joanna Kinkel. Allerdings waren sie in der allgemeinen Musikszene nicht sehr bekannt.

Deshalb können wir vielleicht mit der Französin Lily Boulanger beginnen. Leider erinnern sich heute nur noch wenige Menschen an sie, aber zu Beginn des 20. Jahrhunderts donnerte der Name Lily in ganz Europa. Sie war es, um es auszudrücken moderne Sprache, super beliebt, obwohl Gott sie schon einige Jahre gehen ließ.

Lily wuchs in einer musikalischen Familie auf, ihr Vater war Komponist und hatte auch eine Stelle als Gesangslehrer am Pariser Konservatorium inne. Interessanterweise wurde ihre Mutter, die Sängerin Raisa Myshetskaya, geboren in Sankt Petersburg.

Lily lernte im Alter von sechs Jahren Noten lesen – damals kannte sie noch nicht einmal die Buchstaben und konnte nicht lesen. Von ihren frühen Kompositionen ist nur der E-Dur-Walzer erhalten. Doch 1909 trat sie in das Pariser Konservatorium ein und erhielt bereits 1913 als erste Frau den Großen Preis von Rom für die Kantate Faust und Helena. Als Trägerin des Rom-Preises verbrachte sie 1914 vier Monate in „ Ewige Stadt". Ihre Reise wurde jedoch durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs unterbrochen. Sie starb vorzeitig an Tuberkulose im März 1915, als sie noch keine 25 Jahre alt war ... Sie wurde auf dem Friedhof von Montmartre begraben, aber nur wenige wissen, wo sich ihr Grab befindet.

Im 20. Jahrhundert erfreute sich die Engländerin Ruth Jeeps großer Beliebtheit. Seit ihrer Kindheit tritt sie als Pianistin auf. Doch bereits im Alter von acht Jahren führte sie ihre erste eigene Komposition auf. Warum nicht Mozart im Rock? 1936 trat sie in das Royal College of Music ein, wo sie Klavier, Oboe und Komposition studierte und nach ihrem Abschluss erneut als Pianistin und Oboistin auftrat. Dann erlitt Ruth eine schwere Handverletzung. und konzentriert beim Schreiben Eigenkompositionen und Handbuch Musikgruppen. Deshalb gründete und leitete Gyps 1953 das Portia Wind Ensemble, ein Kammerensemble aus Blasinstrumenten. Die Besonderheit dieses Teams bestand darin, dass es ausschließlich aus Mitgliedern bestand von Musikerinnen. 1955 wurde unter der Leitung von Gyps das London Repertory Orchestra gegründet, das hauptsächlich aus jungen Musikern bestand, und 1961 das Chanticleer Orchestra. Was die Kompositionen von Gips betrifft, so schrieb sie fünf Sinfonien. Fachleute schätzen vor allem die Zweite Symphonie, bei der Ruth sich nach Meinung von Fachleuten selbst übertroffen hat. Ruth Jeeps starb 1999 im Alter von 78 Jahren.

heller Stern klassische Musik Rufen Sie Sophia Gubaidulina an. Sie trat 1954 in das Konservatorium ein und schloss nicht nur ihr Studium, sondern auch ihr Graduiertenstudium erfolgreich ab. Wie Gubaidullina selbst sagt, war ihr damals das Abschiedswort von Dmitri Schostakowitsch wichtig: „Ich wünsche Ihnen, dass Sie Ihren „falschen“ Weg gehen.“

Gubaidulina schuf nicht nur „ernste“ Musik, sie schrieb auch Kompositionen für 25 Filme, darunter „Mowgli“ und „Scarecrow“. Doch 1979, auf dem VI. Komponistenkongress, wurde ihre Musik im Bericht von Tichon Chrennikow kritisiert. Im Allgemeinen landete Sofia auf der „schwarzen Liste“ der einheimischen Komponisten. 1991 erhielt Gubaidulina ein Deutschlandstipendium, seit 1992 lebt sie in der Nähe von Hamburg, wo sie ihre Werke schafft. Und er kommt selten nach Russland.

Nun, und natürlich kann man nicht umhin, etwas über Alexander Pakhmutova zu sagen. Sie ist vielleicht die erfolgreichste Komponistin überhaupt letzte Jahrzehnte. Sie von Anfang an frühe Kindheit Sie war außergewöhnlich musikalisch begabt. Und ihre ersten Melodien schrieb sie bereits mit drei Jahren. Darüber hinaus komponierte die kleine Sasha im Alter von vier Jahren das Stück „The Roosters Sing“.

Es ist nicht verwunderlich, dass sie dann problemlos in die Zentrale Musikschule des Moskauer Staatskonservatoriums aufgenommen wurde. Übrigens schloss sie 1953 ihr Studium am Konservatorium ab und schloss anschließend ihr Aufbaustudium erfolgreich ab. Und schon während ihres Studiums schrieb sie Musik und wurde zu einer der beliebtesten und gefordert Komponisten der UdSSR.

Pakhmutovas größtes Hobby sind Lieder. Die Lieder, deren Musik Alexandra Nikolaevna schrieb, wurden von vielen herausragenden Künstlern der sowjetischen und russischen Bühne aufgeführt und aufgeführt: Sergey Lemeshev und Lyudmila Zykina, Muslim Magomayev und Tamara Sinyavskaya, Anna German und Alexander Gradsky, Iosif Kobzon und Valentina Tolkunova, Lev Leshchenko und Maya Kristalinskaya, Eduard Khil und Sofia Rotaru, Valery Leontiev und Lyudmila Senchina.

Obwohl es weniger Komponistinnen als Männer gibt, hinterließen sie im Allgemeinen auch deutliche Spuren in der Weltmusik.

Schließlich gab und gibt es neben all den oben aufgeführten Talenten auch Talente wie Barbara Strozzi, Rebecca Saunders, Malvina Reynolds, Adriana Helzky und Karen Tanaka, und auch der Beitrag der schönen Hälfte der Menschheit zum musikalischen Welterbe ist sehr groß Großartig.

Beliebt in der Kategorie: