Kammerkunst von Brahms. Johannes Brahms

Sie repräsentierten zwei gegensätzliche Pole. Der Name Wagner war ein Symbol radikaler Innovation, während Brahms als Bewahrer klassischer Traditionen wahrgenommen wurde. Viele Zeitgenossen glaubten, dass er den „ausgetretenen Pfaden“ folgte, nannten ihn einen Akademiker und Konservativen.

Um Wagner und Liszt entstanden die sogenannten. Weimarer Schule, der sich für eine radikale Erneuerung der Musiksprache, neue Formen, Programmierung, Synthese von Musik und Drama einsetzte. Brahms‘ Position war eine andere: Streben nach Harmonie von Neuem und Traditionellem Er glaubte nicht, dass klassische Genres und Formen erschöpft seien und durch etwas Neues ersetzt werden müssten. Der Genrekreis, in dem er arbeitete, ist bezeichnend: Als Hommage an die neuen romantischen Genres (Miniatur, Ballade, Rhapsodien) tendierte der Komponist eindeutig zu den klassischen Genres der Symphonie, Sonate und dem Konzert. Darüber hinaus: Dank Brahms werden einige Prinzipien noch älterer Genres und Formen – des Barock (das sind Passacaglia, Concerto Grosso, Orgel-Chor-Präludium, polyphoner Präludium-Fugen-Zyklus) – wiederbelebt. Das auffälligste Beispiel für die Verwendung barocker Prinzipien ist das tragische Finale der 4. Symphonie.

Gerade die Tatsache, dass Brahms die Ansichten der Listo-Wagnerianer nicht teilte, war der Grund, ihn in das Gegenteil einzubeziehen – Leipziger Schulen e, zumal zu seinen Vertretern die engsten Freunde des Komponisten gehörten (Robert und Clara Schumann, Geiger Josef Joachim). Brahms selbst betrachtete sich als Erbe R. Schumanns, der ihn kurz vor seinem Tod in seinem letzten Artikel „segnete“.

Der Kampf der Weimarer und Leipziger Schulen Deutsche Musik war heftig, lang und unerbittlich. Das Paradoxe bestand darin, dass Wagner seine reformistischen Prinzipien in der einzigen Gattung umsetzte, die Brahms nicht ansprach: der Oper.

In diesem Kampf zeigte Brahms seinen angeborenen Adel: Er ließ sich nie auf das Niveau einer Zeitungspolemik herab, und seine Antwort auf die scharfen Angriffe sowohl Wagners selbst als auch seiner Anhänger war Schweigen.

Brahms fungierte in seinem Werk also als Wächter ewige Werte - klassische Traditionen, und das macht ihn mit Romantikern wie Schubert, Mendelssohn, Chopin verwandt. Der klassische Beginn ist bei Brahms sowohl in der Klarheit des Thematismus zu spüren, der auf verallgemeinerten Intonationen basiert (Musikwissenschaftler erwähnen oft seine Vorliebe für die Intonation von Terzen und Sexten), als auch in der Harmonie, Proportionalität und Ausgewogenheit der Formen. Es ist insbesondere bezeichnend, dass Brahms durch die Hinwendung zum Liszt-Genre der Rhapsodie diesem einen strengeren, klassischen Rahmen verleiht.

Ein Beispiel wäre 1. Rhapsodie, h-Moll. Im Gegensatz zu Liszts vollkommener improvisatorischer Freiheit der Rhapsodien ist es in einer dreistimmigen Reprisenform mit extremen Sonatenabschnitten geschrieben. Ihre Musik basiert auf dem Kontrast zweier Bilder – leidenschaftlich, ungestüm ausdrucksstark (G.P.) und ruhiger, lyrisch nachdenklich (P.P. und das damit verbundene Hauptthema des Mittelsatzes).

Als Pianist und Dirigent führte Brahms viele Werke des 17. und 18. Jahrhunderts auf, die er jederzeit auswendig spielen konnte beliebig aus 48 Fugen „HTK“ Bach.

Allerdings im Neuzustand historische Bedingungen- Im Zeitalter der Romantik konnte die Harmonie des Weltbildes der Wiener Klassiker objektiv nicht erreicht werden. In vielen Werken von Brahms dominieren Drama und Tragödie, charakteristisch für die romantische Kunst im Allgemeinen. Ein Beispiel hierfür ist das Konzept der 4. Sinfonie: Die Gedankenbewegung geht darin gewissermaßen in die entgegengesetzte Richtung wie bei Beethoven – „vom Licht zur Dunkelheit“, bis zur tragischen Katastrophe des Finales.

In der Musik von Brahms gibt es weitere typische Merkmale der Romantik – emotionale Ungestümheit, Aufmerksamkeit für die geistige Welt eines Menschen, die Dominanz des lyrischen Prinzips.

Die Lyrik prägt das gesamte Schaffensbild von Brahms. Fast alle seine Themen sind lyrischer Natur. Gleichzeitig zeichnet sich die Lyrik von Brahms durch ihr erstaunliches Fassungsvermögen aus; sie beinhaltet oft sowohl Genre- als auch epische, erzählerische Elemente.

Wie alle anderen Romantiker hatte auch Brahms eine große Bedeutung Interesse an Folklore. Wie keiner seiner zeitgenössischen deutschen Komponisten beschäftigte er sich eingehend und nachdenklich mit der Folklore. Von seinem 24. Lebensjahr bis zu seinem Lebensende verarbeitete Brahms als Leiter des Chorkapellmeisters deutsche Volkslieder und förderte sie. Die Worte des Komponisten kommen nicht von ungefähr: „Ein Volkslied ist mein Ideal.“ Nachdem er die Hälfte seines Lebens in Wien verbracht hat, d.h. Im Zentrum eines multinationalen Landes kannte und liebte Brahms die Folklore am meisten verschiedene Völker. Er komponierte häufig Übersetzungen aus der slawischen (tschechischen, slowakischen, serbischen, mährischen), italienischen, schottischen und ungarischen Volksdichtung. Der Komponist bewunderte die ungarische Volksmusik und schuf wunderbare Werke „Ungarische Tänze“ für Klavier zu 4 Händen (es gibt sie in verschiedenen Bearbeitungen).

Außer Theatermusik Es gibt keinen Bereich der Komponistenkreativität, den Brahms nicht ansprechen würde. In seiner Musik sind alle Musikgenres vertreten, von der Symphonie bis zur Hausmusik in 4 Händen.

Die vier Sinfonien von Brahms gehören neben den Sinfonien Schuberts zu den höchsten Errungenschaften der Symphonie nach Beethoven. Seine Konzerte stehen den Sinfonien in ihrer Bedeutung in nichts nach – 2 Klaviere, 1 Violine und 1 Doppel (für Violine und Cello).

Die stimmliche Kreativität ist außerordentlich reichhaltig: Lieder (ca. 200), Vokalensembles, verschiedene Chorkompositionen (mit Begleitung und a capella), Vokal- und Symphoniewerke, unter denen das Deutsche Requiem hervorsticht.

Die gleiche Bandbreite an Interessen lässt sich im kammermusikalischen Bereich beobachten: Hier gibt es Kammerensembles unterschiedlichster Zusammensetzung und Klaviermusik.

Das Interesse des Komponisten am Klavier war konstant, was ganz natürlich ist, denn. Er war ein bemerkenswerter Pianist, der ständig in einem Ensemble mit Geigern (Eduard Remenyi, Joseph Joachim), Sängern und Clara Schumann auftrat. Zu den frühesten Klavierkompositionen von Brahms gehören drei Flügelsonaten, die Schumann als „verborgene Sinfonien“ bezeichnet. Tatsächlich bricht ihre Musik deutlich aus dem traditionellen Kammermusikrahmen aus.

Zusätzlich zu diesen Sonaten widmete Brahms dem Klavier fünf Variationszyklen (darunter Variationen über Händels Klavier, über Paganinis Klavier, über Schumanns Klavier), 5 Balladen, 3 Rhapsodien und 2 Klaviersammlungen. Etüden sowie Capriccio (7) und Intermezzo (18) – seine Originalversion des FFP. Miniaturen.

Wurde zu einem wichtigen Genre spät. In seiner Interpretation erhält das Intermezzo eine Eigenständigkeit (während zuvor ein solcher Name einem von ihnen gegeben wurde). Mittel Teile eines Sonaten-Symphonie- oder Suite-Zyklus). Hier wurde die ganze Welt der Texte von Brahms verallgemeinert – vom aufgeklärten Frieden (Es dur intermezzo, op. 117) bis zur tiefen Tragödie (es moll intermezzo, op. 118).

Brahms‘ Zeitgenossen und spätere Kritiker betrachteten den Komponisten sowohl als Erneuerer als auch als Traditionalisten. Seine Musik weist in Struktur und Kompositionstechnik Kontinuität zu den Werken Bachs und Beethovens auf. Obwohl Zeitgenossen die Werke des deutschen Romantikers als zu akademisch empfanden, waren sein Können und sein Beitrag zur Entwicklung unübersehbar Musikalische Kunst, begeisterte viele herausragende Komponisten nachfolgende Generationen. Sorgfältig durchdacht und tadellos strukturiert wurde Brahms‘ Werk zum Ausgangspunkt und zur Inspiration für eine Generation von Komponisten. Hinter dieser äußeren Skrupellosigkeit und Kompromisslosigkeit verbarg sich jedoch die wahrhaft romantische Natur des großen Komponisten und Musikers.

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Kurzbiographie von Brahms

Äußerlich ist die Biographie von Johannes Brahms unauffällig. Das zukünftige Genie der Musikkunst wurde am 7. Mai 1833 in einem der ärmsten Viertel Hamburgs in der Familie des Musikers Johann Jakob Brahms und des Haushälters Christian Nissen geboren.

Der Familienvater wurde einst gegen den Willen seiner Eltern Berufsmusiker in der Klasse der Streich- und Blasinstrumente. Vielleicht war es die Erfahrung elterlicher Missverständnisse, die ihn dazu veranlasste, ihm große Aufmerksamkeit zu schenken musikalisches Können eigene Söhne - Fritz und Johannes.

Unbeschreiblich erfreut über das musikalische Talent, das sich schon früh in seinem jüngsten Sohn zeigte, stellte der Vater Johannes seinem Freund, dem Pianisten Otto Friedrich Kossel, vor, als der Junge erst sieben Jahre alt war. Kossel lehrte Johannes die Technik des Klavierspielens und weckte in ihm den Wunsch, dessen Wesen in der Musik zu erlernen.

Nach drei Jahren Studium wird Johannes zum ersten Mal in seinem Leben öffentlich auftreten und ein Quintett aufführen Beethoven Und Mozarts Klavierkonzert . Aus Sorge um die Gesundheit und das Talent seines Schülers lehnt Kossel die dem Jungen angebotene Amerikareise ab. Er vertritt den jungen Johannes der beste Lehrer Musik in Hamburg zu Edward Marksen. Als Marksen das talentierte Spiel des zukünftigen Komponisten hörte, bot er ihm an, ihn kostenlos auszubilden. Dies befriedigte das in ihrer Notlage gerechtfertigte finanzielle Interesse der Eltern von Johannes voll und ganz und veranlasste sie, die Idee mit Amerika aufzugeben. Der neue Lehrer Johannes studierte bei ihm in der Klavierklasse und legte dabei besonderen Wert auf das Studium der Musik Bach und Beethoven und war der Einzige, der seine Neigungen zum Schreiben sofort unterstützte.

Brahms war wie sein Vater gezwungen, sich durch abendliches Spielen in den rauchigen Räumlichkeiten von Hafenkneipen und Tavernen sein Brot zu verdienen, und arbeitete tagsüber mit Edward Marksen zusammen. Eine solche Belastung des unreifen Körpers von Johannes wirkte sich negativ auf seinen ohnehin schlechten Gesundheitszustand aus.

Kreatives Dating

Sein Auftreten unterschied Brahms von seinen Kollegen. Er zeichnete sich nicht durch die Verhaltensfreiheit aus, die vielen kreativen Naturen innewohnt, im Gegenteil, der junge Mann schien losgelöst von allem, was um ihn herum geschah, und völlig in innere Kontemplation versunken. Die Leidenschaft für Philosophie und Literatur ließ ihn im Hamburger Bekanntenkreis noch einsamer werden. Brahms beschließt, seine Heimatstadt zu verlassen.

In den folgenden Jahren lernte er viele kennen prominente Persönlichkeiten in der damaligen Musikwelt. Der ungarische Geiger Eduard Remenyi, der 22-jährige Geiger und persönliche Begleiter des Königs von Hannover Josef Joachim, Franz Liszt und schließlich Robert Schumann – diese Menschen traten einer nach dem anderen in nur einem Jahr im Leben des jungen Johannes auf, und jeder von ihnen spielte eine wichtige Rolle dabei, Komponist zu werden.

Joachim blieb für den Rest seines Lebens ein enger Freund von Brahms. Auf seine Empfehlung hin besuchte Johannes 1853 Düsseldorf, Schuman . Als der begeisterte Brahms das Spiel des letzteren hörte, führte er, ohne auf eine Einladung zu warten, mehrere seiner Kompositionen vor ihm auf. Johannes wurde ein gern gesehener Gast im Haus von Robert und Clara Schumann, die von Brahms sowohl als Musiker als auch als Mensch schockiert waren. Es wurden zwei Wochen Kommunikation mit dem kreativen Paar Wendepunkt im Leben eines jungen Komponisten. Schumann tat sein Bestes, um seinen Freund zu unterstützen und sein Werk in den höchsten Musikkreisen seiner Zeit bekannt zu machen.

Einige Monate später kehrte Johannes von Düsseldorf nach Hamburg zurück, um seinen Eltern zu helfen und seinen Bekanntenkreis in Joachims Haus zu erweitern. Hier traf er Hans von Bülow, berühmter Pianist und Dirigent seiner Zeit. Am 1. März 1854 führte er das Werk von Brahms öffentlich auf.

Im Juli 1856 Schumann, lange Zeit litt an einer psychischen Störung und starb. Die Erfahrung des Verlustes eines zutiefst geschätzten Freundes löste in Brahms den Wunsch aus, sich musikalisch auszudrücken: Er beginnt mit der Arbeit am berühmten deutschen Requiem.

Kein Prophet im eigenen Land

Brahms träumte davon, in Hamburg einen guten Wohn- und Arbeitsort zu bekommen Heimatort aber sie boten ihm nichts an. Dann, im Jahr 1862, beschloss er, nach Wien zu gehen, in der Hoffnung, das Hamburger Publikum zu beeindrucken und mit seinen Erfolgen in der Musikhauptstadt der Welt Anklang zu finden. In Wien erlangte er schnell allgemeine Anerkennung und war damit sehr zufrieden. Doch seinen Hamburg-Traum vergaß er nie.

Später wurde ihm klar, dass er nicht für eine lange Routinearbeit in einer Verwaltungsposition geeignet war, was ihn von der Kreativität ablenkte. Tatsächlich blieb er nirgendwo länger als drei Jahre, weder als Leiter der Chorkapelle noch als Leiter der Gesellschaft der Musikliebhaber.

In den letzten Jahren

Als ihn 1865 in Wien die Nachricht vom Tod seiner Mutter erreichte, war Brahms über den Verlust sehr bestürzt. Wie wahr kreative Person er übersetzte jeden emotionalen Schock in die Sprache der Notizen. Der Tod seiner Mutter veranlasste ihn, das Deutsche Requiem fortzusetzen und zu vollenden, das später zu einer besonderen Erscheinung der europäischen Klassiker wurde. An Ostern 1868 präsentierte er seine Schöpfung erstmals im Hauptdom von Bremen, der Erfolg war überwältigend.

1871 mietete Brahms eine Wohnung in Wien, die für den Rest seines Lebens zu seinem relativ dauerhaften Wohnsitz wurde. Man muss zugeben, dass Johannes Brahms angesichts seiner im Laufe der Jahre zunehmenden Egozentrik ein seltenes Talent hatte, Menschen abzustoßen. IN letzten Jahren Leben, er verdarb die Beziehungen zu vielen neuen Bekanntschaften, entfernte sich von alten. Selbst Enger Freund Joachim brach alle Beziehungen zu ihm ab. Brahms trat für seine Frau ein, die er des Verrats verdächtigte, was den eifersüchtigen Ehepartner sehr beleidigte.

Der Komponist verbrachte den Sommer gern hier Ferienorte Dort findet man nicht nur heilende Luft, sondern auch Inspiration für neue Werke. Im Winter gab er als Interpret oder Dirigent Konzerte in Wien.

In den letzten Jahren ging Brahms tiefer in sich hinein, wurde düster und düster. Er schrieb keine großen Werke mehr, sondern fasste sein Werk sozusagen zusammen. Zuletzt trat er öffentlich mit seiner Vierten Symphonie auf. Im Frühjahr 1897 starb Brahms und hinterließ der Welt unsterbliche Partituren und die Gesellschaft der Musikliebhaber. Am Tag der Beerdigung wehten die Flaggen aller Schiffe im Hamburger Hafen auf Halbmast.

„... verschluckt vom grenzenlosen Streben nach tödlicher, selbstloser Liebe“

„Ich denke nur in der Musik, und wenn es so weitergeht,
Ich werde mich in einen Akkord verwandeln und im Himmel verschwinden.

Aus einem Brief von I. Brahms an Clara Schumann.

In der Biographie von Brahms steht die Tatsache, dass der 14-jährige Johannes im Sommer 1847 in den Südosten von Hamburg ging, um seine Gesundheit zu verbessern. Hier unterrichtet er die Tochter von Adolf Giezmann im Klavierspiel. Mit Lizhen beginnt eine Reihe romantischer Hobbys im Leben des Komponisten.

Clara Schumann nahm im Leben von Brahms einen besonderen Platz ein. Nachdem er diese erstaunliche Frau 1853 zum ersten Mal getroffen hatte, hegte er sein ganzes Leben lang strahlende Gefühle für sie und tiefe Ehrfurcht vor ihrem Ehemann. Die Tagebücher der Schumanns waren voller Hinweise auf Brahms.

Clara, Mutter von sechs Kindern, war 14 Jahre älter als Johannes, was ihn jedoch nicht davon abhielt, sich zu verlieben. Johannes bewunderte ihren Mann Robert und vergötterte seine Kinder, sodass von einer Romanze zwischen ihnen keine Rede sein konnte. Sturm der Gefühle und Schwankung zwischen Leidenschaft für Verheiratete Frau und aus Respekt vor ihrem Mann entstand die Musik für die alte schottische Ballade „Edward“. Nach vielen Prüfungen blieb die Liebe von Johannes und Clara platonisch.

Vor seinem Tod litt Schumann schwer unter einer psychischen Störung. Die Art und Weise, wie Brahms sich in dieser für Clara schwierigen Zeit um sie kümmerte und sich wie ein Vater um ihre Kinder kümmerte, war die höchste Manifestation der Liebe, zu der nur ein Mensch mit einer edlen Seele fähig ist. Er schrieb an Clara:

„Ich möchte dir immer nur von der Liebe erzählen. Jedes Wort, das ich dir schreibe und das nicht von Liebe spricht, lässt mich bereuen. Du hast mich gelehrt und lehrst mich weiterhin jeden Tag, zu bewundern und zu lernen, was Liebe, Zuneigung und Hingabe sind. Ich möchte dir immer so berührend wie möglich schreiben, wie aufrichtig ich dich liebe. Ich kann Sie nur bitten, mir beim Wort zu vertrauen…“

Um Clara zu trösten, schrieb er 1854 Variationen über ein Thema von Schumann für sie.

Der Tod Roberts führte entgegen den Erwartungen anderer nicht zu einer neuen Etappe in der Beziehung zwischen Clara und Brahms. Er korrespondierte viele Jahre mit ihr und half ihren Kindern und Enkeln auf jede erdenkliche Weise. Später nannten Claras Kinder Brahms als einen von ihnen.

Johannes überlebte Clara um genau ein Jahr, als wollte er bestätigen, dass diese Frau die Quelle des Lebens für ihn war. Der Tod seiner Geliebten schockierte den Komponisten so sehr, dass er mit der Vierten Symphonie eines seiner bedeutendsten Werke komponierte.

Diese innige Leidenschaft war jedoch nicht die letzte im Leben von Brahms, da sie die stärkste war. Freunde luden den Maestro ein, den Sommer 1858 in Göttingen zu verbringen. Dort lernte er die charmante Besitzerin einer seltenen Sopranistin Agatha von Siebold kennen. Brahms war leidenschaftlich in diese Frau verliebt und schrieb voller Freude für sie. Alle waren sich ihrer bevorstehenden Heirat sicher, doch die Verlobung wurde bald aufgelöst. Danach schrieb er an Agatha: „Ich liebe dich! Ich muss dich unbedingt wiedersehen, aber ich kann keine Ketten tragen. Bitte schreib mir ... kann ich ... noch einmal kommen, um dich in meine Arme zu nehmen, dich zu küssen und dir zu sagen, dass ich dich liebe? Sie sahen sich nie wieder und Brahms gestand später, dass Agatha seine „letzte Liebe“ war.

Nach sechs Jahren, im Jahr 1864 in Wien, wird Brahms der Baronin Elisabeth von Stockhausen Musik unterrichten. Ein schönes und begabtes Mädchen wird zu einer weiteren Leidenschaft des Komponisten, und auch diese Beziehung wird nicht keimen.

Im Alter von 50 Jahren lernte Brahms Hermine Spitz kennen. Sie besaß den schönsten Sopran und wurde später die Hauptsängerin seiner Lieder, insbesondere Rhapsodien. Von einer neuen Leidenschaft inspiriert, schuf Brahms viele Werke, doch auch die Affäre mit Hermine währte nicht lange.

Bereits im Erwachsenenalter erkennt Brahms, dass sein Herz immer seiner einzigen Frau gehört hat und immer gehören wird: der Musik. Kreativität war für ihn der organisierende Kern, um den sich sein Leben drehte, und alles, was diesen Menschen vom Schaffen musikalischer Werke ablenkte, musste aus seinen Gedanken und seinem Herzen gerissen werden: sei es eine respektable Position oder eine geliebte Frau.

Interessante Fakten

• Brahms übertraf sich in der Kunst des Kontrapunkts. Seine komplexesten Formen wurden zu natürlichen Mitteln, um die Gefühle des Komponisten auszudrücken.
• Seine erste Symphonie war ein wahrhaft episches Werk. Er begann 1854 mit dem Schreiben und führte das Werk 22 Jahre später zum ersten Mal auf, während er gleichzeitig eine gründliche Bearbeitung durchführte.
• Der sogenannte Krieg der Romantiker war im Wesentlichen ein musikalischer Streit zwischen den Vertretern der radikalen Musikrichtung Wagner und Liszt einerseits und den Konservativen Brahms und Clara Schumann andererseits. Infolgedessen empfanden Zeitgenossen Brahms als hoffnungslos veraltet, doch mittlerweile erfreut er sich großer Beliebtheit.
• Brahms hat so lange kein anderes Werk geschrieben wie das Deutsche Requiem. Es wurde auch das längste Werk des Komponisten. Für seinen Text wählte Brahms selbst Zitate aus der lutherischen Bibel aus. Es sei darauf hingewiesen, dass das kanonische Requiem aus Fragmenten der liturgischen Messe bestehen sollte, dies ist jedoch nicht der Fall. Hauptmerkmal Textbestandteil des Werkes von Brahms. Keines der ausgewählten Zitate enthält den Namen Jesus Christus, was mit Absicht geschah: Als Reaktion auf Einwände sagte Brahms, dass er den Text für mehr Universalität und Inklusivität vielleicht sogar in „Das menschliche Requiem“ umbenennen würde.

• Die meisten Werke von Brahms kurze Aufsätze angewandte Natur. Der einflussreiche amerikanische Kritiker B. Heggin argumentierte, dass Brahms besonders gut in kleinen Genres sei, zu denen er Ungarische Tänze, Walzer für Klavier zu vier Händen und Walzer der Liebe für Vokalquartett und Klavier sowie einige seiner vielen Lieder zählte, insbesondere „ Wiegenlied“.
• Das Hauptthema im Finale der Ersten Symphonie ist eine Reminiszenz an das Hauptthema des Finales von Beethovens Neunter Symphonie. Als einer der Kritiker dies bemerkte und Brahms gegenüber mit seiner Beobachtung prahlte, antwortete er, dass jeder Esel es bemerken könne.
• In der Brahms-Biographie heißt es, dass der Komponist im Alter von 57 Jahren sein Ende verkündete kreative Karriere. Nachdem er jedoch einfach nicht mehr mit dem Komponieren aufhören konnte, schenkte er der Welt etwas wirklich Unglaubliches schöne Schriften: Klarinettensonate, Trio und Quintett.
• Im Jahr 1889 wurde eine Audioaufnahme von Brahms bei der Aufführung eines seiner ungarischen Tänze gemacht. Es gibt viele Kontroversen darüber, wessen Stimme auf der Platte zu hören ist, aber die donnernde Darbietung gehört zweifellos Brahms selbst.

• 1868 schrieb Brahms das bekannte, auf Volkstexten basierende „Wiegenlied“. Er komponierte es speziell für den Geburtstag seines Sohnes Bertha Faber, seiner guten Freundin.
• Brahms war in seiner frühen Kindheit der Musiklehrer des berühmten Filmkomponisten Max Steiner.
• Sein Zuhause in der kleinen Stadt Lichtental, Österreich, wo Brahms arbeitete Kammerarbeiten Seine mittlere Schaffensperiode und viele seiner Hauptwerke, darunter das „Deutsche Requiem“, sind bis heute museal erhalten.

Schwerer Charakter

Johannes Brahms wurde berühmt für seine Düsterkeit und Missachtung aller weltlichen Verhaltensnormen und Konventionen. Selbst gegenüber engen Freunden war er ziemlich hart. Man sagt, dass er sich einmal, als er eine Gesellschaft verließ, dafür entschuldigte, dass er nicht alle beleidigt hatte.

Als Brahms und sein Freund, der Geiger Rémeigny, ein Empfehlungsschreiben erhielten, trafen sie in Weimar ein Franz Liszt Als König der deutschen Musikwelt blieb Brahms sowohl Liszt als auch seinem Werk gegenüber gleichgültig. Der Maestro war empört.

Schumann wollte die Aufmerksamkeit der Musikszene auf Brahms lenken. Er schickte den Komponisten mit einem Empfehlungsschreiben an den Verlag nach Leipzig, wo er zwei Sonaten aufführte. Brahms widmete eines davon Clara Schumann, das andere Joachim. Er schrieb auf den Titelseiten nicht über seinen Gönner ... kein Wort.

1869 kam Brahms auf Anregung eines Neiders nach Wien Wagner stieß auf heftige Zeitungskritik. Gerade das schlechte Verhältnis zu Wagner erklärt die Forschung für das Fehlen von Opern im Erbe von Brahms: Er wollte nicht in das Territorium seines Kollegen eindringen. Vielen Quellen zufolge bewunderte Brahms selbst Wagners Musik zutiefst und zeigte nur gegenüber Wagners Theorie der dramatischen Prinzipien eine Ambivalenz.

Da Brahms große Ansprüche an sich selbst und sein Werk stellte, zerstörte er viele seiner Werke frühe Arbeiten, die Kompositionen enthielt, die einst vor Schumann aufgeführt wurden. Der Eifer des großen Perfektionisten erreichte den Punkt, dass er sich nach vielen Jahren, im Jahr 1880, in einem Brief an Eliza Giezmann mit der Bitte richtete, Manuskripte seiner Musik für den Chor zu schicken, damit er sie verbrennen könne.

Der Komponist Hermann Levi vertrat einmal die Meinung, Wagners Opern seien besser als die von Gluck. Brahms verlor die Beherrschung, erklärte, es sei unmöglich, die beiden Namen zusammen auszusprechen, und verließ die Versammlung sofort, ohne sich auch nur von den Hausbesitzern zu verabschieden.

Alles passiert zum ersten Mal...

• 1847 trat Brahms erstmals als Solist auf und spielte Sigismund Thalbergs Fantasie auf dem Klavier.
• Sein erster vollständiger Solokonzert im Jahr 1848 bestand aus einer Aufführung von Bachs Fuge sowie Werken von Marxen und seinem Zeitgenossen, dem Virtuosen Jakob Rosenstein. Das Konzert, das stattfand, hob den 16-jährigen Jungen nicht unter den Einheimischen hervor ausländische Künstler. Dies bestätigte Johannes in der Vorstellung, dass die Rolle eines Interpreten nicht seine Berufung sei, und veranlasste ihn, sich gezielt mit der Komposition musikalischer Werke zu beschäftigen.
• Brahms‘ erstes Werk, die Fis-moll-Sonate (Opus 2), entstand 1852.
• Er veröffentlichte seine Schriften zunächst unter eigener Name 1853 in Leipzig.
• Die Ähnlichkeit der Werke von Brahms mit dem späten Beethoven wurde bereits 1853 von Albert Dietrich bemerkt, was er in einem Brief an Ernst Naumann erwähnte.
• Die erste hohe Stellung im Leben von Brahms: 1857 wurde er ins Königreich Detmold eingeladen, um Prinzessin Frederika das Klavierspielen beizubringen, den Hofchor zu leiten und als Pianist Konzerte zu geben.
• Die Uraufführung des ersten Klavierkonzerts am 22. Januar 1859 in Hamburg wurde sehr kühl aufgenommen. Und beim zweiten Konzert wurde er ausgebuht. Brahms schrieb an Joachim, sein Spiel sei brillant und entscheidend gewesen ... ein Misserfolg.
• Im Herbst 1862 besuchte Brahms erstmals Wien, das später seine zweite Heimat wurde.
• Brahms‘ erste Symphonie wurde 1876 veröffentlicht, er begann jedoch bereits in den frühen 1860er Jahren, sie zu schreiben. Als dieses Werk erstmals in Wien präsentiert wurde, wurde es sofort als Beethovens Zehnte Symphonie bezeichnet.

Quellen der Inspiration

Rémeigny machte Brahms mit der Zigeunervolksmusik von Czardas bekannt. Ihre Motive bildeten später die Grundlage seiner meisten beliebte Werke, einschließlich " Ungarische Tänze».

Die gemeinsame Arbeit mit Joachim in Göttingen, wo er Studentenlieder aufnahm, wurde gezeigt und wurde zur Grundlage seiner „Akademischen Ouvertüre“. Im gleichen Zeitraum schrieb er seine ehrgeizige erste Klaviersonate.

Als Brahms darauf aufmerksam wurde Nervenzusammenbruch Schumann eilte nach Düsseldorf, um seine Familie zu ernähren. In dieser Zeit schrieb er seine frühen Meisterwerke, darunter das Erste Klaviertrio.

Tätigkeit am Hof ​​Detmold, großer Komponist ließ seine Seele nach den stressigen Jahren in Düsseldorf ruhen. Es war diese helle spirituelle Stimmung, die sich auf die in Detmold geschriebenen Orchesterserenaden in H-Dur und D-Dur übertrug.

Diese Liste erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit und enthält nur die meisten berühmte Filme, das Tonauszüge aus den angegebenen Werken des Komponisten enthält.

Musikalisches Werk von I. Brahms	Film	Baujahr
Konzert für Violine und Orchester D-Dur; Quintett für Klarinette; Erstes Klavierkonzert; Erste Symphonie	Absolute Macht	2016
Vierte Symphonie	Einhundert	2016
Ungarischer Tanz Nr. 5; Wiegenlied	Puppe	2016
Dritte Symphonie	Odyssee Liquidation	2016 2007
Wiegenlied	Hundeleben Ich sehe ich sehe Bücherdieb Ich einfach unverbesserlich 2 Silver Linings Playbook Herberge Gedankenjäger Die Truman Show	2017 2014 2013 2013 2012 2005 2001 1998
Ungarischer Tanz Nr. 5	Heute werde ich alleine nach Hause gehen Papiermann	2014 2009 2006
Erste Symphonie	besonders gefährlich Weiler Batman	2012 2000 1992
Ungarischer Tanz Nr. 8	Bunker	2011
Requiem	Der König spricht! Als Nietzsche weinte	2010 2007
Rhapsodie für Bratsche	Grauzone	2001
Trio in C-Dur	Nahrung der Liebe	2002
Quartett für Klavier und Streichtrio	Falsch	2000
Violinkonzert in D-Dur	Und es wird Blut fließen	2007

Filme über Brahms und sein Werk

Unter den Filmen, die über das Leben und Werk von I. Brahms erzählen, sind die bedeutendsten:

• Dokumentarfilm „Who is who. Berühmte Komponisten: Brahms (2014), USA. Drehbuch, Produktion und Regie: M. Hossik. Der 25-minütige Film erzählt vom Leben und Schaffen des großen Komponisten und führt den Zuschauer in die Orte ein, an denen er aufgewachsen ist, gelebt und gearbeitet hat.
• Die Programmreihe des Autors von A. Vargaftik „Die Partituren brennen nicht“ (2002-2010), Russland. Dies ist eine Geschichte über den „bärtigen Onkel“, seine Werke und wenig bekannte Details seines Privatlebens. Der Autor der Sendungen erzählt anschaulich und interessant über Brahms und umgeht dabei akademische Klischees. Der Film präsentiert die Musik des Komponisten und zeigt Orte, die mit seinem Leben in Zusammenhang stehen.
• Der einzigartige Musical-Dokumentarfilm „Schumann. Clara. Brahms“ (2006), Deutschland. Die Autoren des Films widmeten dem Schicksal und der Karriere von Robert und Clara Schumann mehr Aufmerksamkeit. Da ihr Leben viele Jahre lang eng mit Brahms verbunden war, erzählt der Film von ihm. Dies ist nicht nur eine Geschichte über ein herausragendes Trio, hier gibt es Episoden der großartigen Aufführung ihrer Musik durch Helen Grimaud, Albrecht Mayer, Truls Merck und Anna Sophie von Otter, außerdem teilen die vorgestellten Musiker ihre Erfahrungen beim Lernen der Schumanns und Brahms, ihre Vision ihres schwierigen Schicksals.

Video: Sehen Sie sich einen Film über Johannes Brahms an

Johannes Brahms (1833 - 1897)

Solange es Menschen gibt, die in der Lage sind, mit ganzem Herzen auf Musik zu reagieren, und solange die Musik von Brahms eine solche Reaktion in ihnen hervorruft, wird diese Musik leben.

G. Gal

Das Werk von Johannes Brahms vereint die emotionale Ungestümheit der Romantik und die Harmonie des Klassizismus, bereichert durch die philosophische Tiefe des Barock und die antike Polyphonie strenger Schrift – „die musikalische Erfahrung eines halben Jahrtausends wird verallgemeinert“ (lautGeiringer -Wiener Brahms-Forscher.

Johannes Brahms wurde am 7. Mai 1833 in eine Musikerfamilie hineingeboren. Sein Vater durchlief einen schwierigen Weg vom reisenden Handwerkermusiker zum Kontrabassisten. Philharmonisches Orchester Hamburg. Er vermittelte seinem Sohn erste Fähigkeiten im Spielen verschiedener Saiten- und Blasinstrumente, doch Johannes fühlte sich mehr zum Klavier hingezogen. Erfolgreiche Studien bei Kossel (später beim berühmten Lehrer Marxen) ermöglichten es ihm, im Alter von 10 Jahren an einem Kammerensemble teilzunehmen und mit 15 Jahren ein Solokonzert zu geben. Schon in jungen Jahren half Johannes seinem Vater, die Familie zu ernähren, indem er in den Hafenschenken Klavier spielte, Arrangements für den Verleger Kranz arrangierte und als Pianist arbeitete Opernhaus. Bevor er Hamburg (1853) zu einer Tournee mit dem ungarischen Geiger Remenyi verließ, war er bereits Autor zahlreicher, größtenteils zerstörter Werke unterschiedlicher Genres.Aus den in Konzerten vorgetragenen Volksliedern entstanden später die berühmten „Ungarischen Tänze“ für Klavier.

Im Alter von vierzehn Jahren absolvierte Johannes eine private Realschule. Nachdem er die Schule verlassen hatte und seine musikalische Ausbildung fortsetzte, begann sein Vater, ihn für die Abendarbeit zu gewinnen. Johannes Brahms war gebrechlich und litt oft unter Kopfschmerzen. Längerer Aufenthalt in stickigen, verrauchten Räumen und ständiger Schlafmangel durch nächtliche Arbeitbetroffenauf seine Gesundheit.

Auf Empfehlung des Geigers Josef Joachima, Brahms hatte die Gelegenheit, sich zu treffen30. September 1853mit Robert Schumann. Schumann überzeugteJohannesBrahms, um eine seiner Kompositionen aufzuführen, und nach ein paar Takten sprang er mit den Worten auf: „ Clara muss das hören!„Bereits am nächsten Tag taucht unter den Einträgen in Schumanns Geschäftsbuch der Satz auf:“ Brahms war zu Gast – ein Genie».

Clara Schumann notierte die erste Begegnung mit Brahms in ihrem Tagebuch: „Dieser Monat bescherte uns ein wunderbares Phänomen in der Person des zwanzigjährigen Komponisten Brahms aus Hamburg. Das ist ein wahrer Bote Gottes! Es ist wirklich berührend, diesen Mann am Klavier zu sehen, sein attraktives junges Gesicht zu beobachten, das beim Spielen aufleuchtet, seine schöne Hand zu sehen, mit der er die schwierigsten Passagen mit Leichtigkeit meistert, und gleichzeitig diese außergewöhnlichen Kompositionen zu hören ... "

JohannesBrahmswurde nicht nur als Student, sondern auch als Sohn von der Familie Schumann adoptiert und lebte bei ihnen bis zum Tod von Robert Schumann im Juli 1856.Brahmsstand ständig an der Seite von Clara Schumann und war fasziniert vom Charme einer herausragenden Frau.Er sah in Clara – mitdie Elastizität des berühmten Schumannden er sehr schätzte, Mutter von sechs Kindern, hervorragende Pianistin, außerdem eine schöne und kultivierte Frau -etwassublimieren, trotzig.

Nach dem Tod von Robert ShumBrahms hörte auf, sich mit Clara Schumann zu treffen.Von 1857 bis 1859 war er Musiklehrer und Chordirigent am Detmolder Hof, wo er danach die gewünschte Ruhe finden konntegeprägt von Angst und UnruheJahrein Düsseldorf. Diese helle, unbeschwerte Seelenstimmung von Brahms verdanken wir den Orchesterserenaden in D-Dur und H-Dur.

Die „Hamburger Periode“ im Leben von Brahms begann mit der triumphalen Aufführung seines Klavierkonzerts in d-Mollim März 1859. Die in Hamburg verbrachten Jahre gaben dem Werk von Brahms einen starken Impuls, vor allem weil es möglich wurdemit Frauenchor in Detmold komponierte Stücke aufführen. Als er später nach Österreich reiste, trug er ein großes musikalisches Gepäck mit sich: Quartette, ein Trio in H-Dur, drei Klaviersonaten sowie viele Violinstücke. Im September 1862 kam Johannes Brahms erstmals nach Wien. Seine Freude kannte keine Grenzen. Er schrieb: „...ich wohne zehn Schritte vom Prater entfernt und kann in einem Wirtshaus, in dem Beethoven oft saß, ein Glas Wein trinken.“ Zunächst zeigte er den damals berühmten Pianisten Julius EpsteinQuartett in g-Moll. Die Bewunderung war so groß, dass der bei der Uraufführung anwesende Geiger Josef Helmesberger dieses Werk von „Beethovens Erbe“ sofort in sein Konzertprogramm aufnahm und es am 16. November im Konzertsaal der Gesellschaft der Musikfreunde aufführte. Begeistert berichtete Brahms seinen Eltern, wie herzlich er in Wien aufgenommen wurde.

Herbst 1863Johannes Brahms erhielt die Position des Chorleiters der Wiener Gesangsakademie, die er nur eine Saison lang innehatte, teils aufgrund von Intrigen, teils weil Brahms es vorzog, sich keinerlei Verpflichtungen zu unterwerfen und frei zu schaffen.

Im Juni 1864Brahmsging zurück nach Hamburg.Balder musste ihren Tod ertragenMutter. Im TrioE-Durfür HörnerJohannes Brahmsversuchte, die Sehnsucht und Bitterkeit des Verlustes auszudrücken. Gleichzeitig beginnt er das „Deutsche Requiem“.Über die Entstehungsgeschichte ist nur Folgendes bekannt„Deutsches Requiem“den Komponisten mehr als zehn Jahre lang beschäftigte und dass Brahms, schockiert über das tragische Schicksal Schumanns, bald nach dessen Tod eine Trauerkantate komponieren wollte. Der Tod der Mutter könnte der letzte Anstoß für die Fortsetzung und Vollendung des Requiems sein. Brahms vollendete 1868 den sechsten Teil des Requiems und schrieb weiter Titelblatt: „Im Gedenken an die Mutter.“

Die Uraufführung des noch unvollendeten Werkes fand am 10. April 1868 in Bremen statt und schockierte das Publikum. Die Neue Evangelische Kirchenzeitung schrieb nach der Aufführung des Werkes am 18. Februar 1869 in Leipzig: „Und wenn wir ein Genie erwartet hätten... dann hätte Brahms nach diesem Requiem diesen Titel wirklich verdient.“.

Einer vongroßes GlückJohannesBrahms war mit dem berühmten Chirurgen Theodor Billroth bekannt und wurde eingeladenim Jahr 1867an die Universität Wien. Großer MusikliebhaberbillrothwurdeBrahms als Freund, Kritiker und Mäzen.

Im Januar 1871 JohannesBrahmserhielt die Nachricht von einer schweren ErkrankungVater. Anfang Februar 1872 traf er einErnach Hamburg, und am nächsten Tag starb sein Vater.

Im Herbst 1872 wurde Brahms künstlerischer Leiter der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien. Die Arbeit in der „Society“ war eine Belastung, er überlebte nur drei Staffeln. Dann zog Brahms erneut in die bayerischen Berge, in Tutzing bei München erschienen beide Violinquartette c-Moll, die er Billroth widmete.

Die finanzielle Lage von Johannes Brahms wurde 1875 so gestärktErIch könnte die meiste Zeit der Kreativität widmen. Er vollendete die im Schumann-Haus begonnene Arbeit am Quartett in c-Moll. Hinzu kommen zwanzig Jahre ArbeitErste Symphonie.

Im Sommer 1877 schrieb Brahms in Pörtschach am Wörthersee seine Zweite Symphonie. Der Sinfonie folgten 1878 ein Violinkonzert in D-Dur und eine Sonate für Violine in G-Dur, die Regensonaten genannt wurden. Im selben Jahr erhielt Brahms die Ehrendoktorwürde der Universität Breslau, anlässlich derer er sich eines üppigen Bartes entledigte, der ihm Festigkeit verlieh.

1880 ging Brahms nach Bad Ischl, weil er glaubte, dort weniger von Touristen und Autogrammjägern belästigt zu werden. Der Ort war ruhig, was zur Stärkung beitrugseinGesundheit. Gleichzeitig begann die Freundschaft mit Johann Strauss. Brahms war fasziniert von der Persönlichkeit und Musik von Strauss.Im Sommer nächstes Jahr Johannes zog nach Pressbaum, wo er das Zweite Klavierkonzert vollendete, dessen fröhlicher Charakter an die malerische Landschaft des Wienerwalds erinnert.

Der Sommer 1883 führte Johannes Brahms an die Ufer des Rheins, an Orte, die mit seiner Jugend verbunden waren. In Wiesbaden fand er Gemütlichkeit und eine angenehme Atmosphäre, die ihn zur Entstehung der Dritten Symphonie inspirierten.

ZuletztBrahms komponierte seine einzige Vierte Symphonie zwischen 1884 und 1885. Seine Uraufführung am 25. Oktober in Meiningen löste einhellige Bewunderung aus.

Die vier Sinfonien von Johannes Brahms spiegeln unterschiedliche Aspekte seiner Weltanschauung wider.

Im Ersten – dem direkten Nachfolger von Beethovens Symphonie – wird die Schärfe der aufflammenden dramatischen Kollisionen in einem fröhlichen Hymnenfinale aufgelöst.

Die zweite Symphonie, wahrhaft wienerisch (in ihren Ursprüngen Haydn und Schubert), könnte man als „Symphonie der Freude“ bezeichnen.

Der dritte – der romantischste des gesamten Zyklus – reicht von einem enthusiastischen Rausch des Lebens zu düsterer Angst und Dramatik und verschwindet plötzlich vor der „ewigen Schönheit“ der Natur, einem hellen und klaren Morgen.

Vierte Sinfonie – Krone bedeutender Symphoniker zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts JahrhundertJohannesBrahms – entwickelt sich „von der Elegie zur Tragödie“(nach Sollertinsky). Größe geschaffenBrahmsSymphonien schließen ihre tiefe Lyrik nicht aus.

Brahms war sehr anspruchsvoll an sich selbst und hatte Angst vor der Erschöpfung seiner kreativen Vorstellungskraft. Er dachte darüber nach, seine kompositorische Tätigkeit einzustellen. Eine Begegnung im Frühjahr 1891 mit dem Klarinettisten des Meininger Orchesters Mühlfeld veranlasste ihn jedoch, ein Trio, ein Quintett (1891) und dann zwei Sonaten (1894) mit der Klarinette zu schaffen. Parallel dazu schreibt Brahms 20 Klavierstücke(op. 116-119), das zusammen mit Klarinettenensembles das Ergebnis der kreativen Suche des Komponisten wurde. Dies gilt insbesondere für das Quintett und das Klavierintermezzo – „traurige Worte des Herzens“, die die Strenge und Zuversicht eines lyrischen Ausdrucks vereinen,ausRaffinesse und Einfachheit des Schreibens, alles durchdringende Melodien der Intonationen.

Veröffentlicht1894 zeugte die Sammlung „49 deutsche Volkslieder“ (für Gesang und Klavier) von der ständigen Aufmerksamkeit Johannes Brahms' für das Volkslied – seine Ethikan wen und das ästhetische Ideal.Bearbeitungen deutscher Volkslieder BrAms studierte sein ganzes Leben lang, er interessierte sich auch für slawische (tschechische, slowakische, serbische) Melodien, deren Charakter er in seinen Liedern nachbildete Volkstexte. „Vier strenge Melodien“ für Gesang und Klavier (eine Art Solokantate nach Texten aus der Bibel, 1895) und 11 Chororgelvorspiele (1896) ergänzten das „geistliche Testament“ des Komponisten mit einem Appell an die Genres und künstlerischen Mittel Bachovsks

Johannes Brahms (1833-1897) – ein herausragender deutscher Komponist der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, einer Zeit, in der in der Person von Hector Berlioz Franz Liszt und Richard Wagner spielten künstlerische Leitung Die Romantik erreichte ihren Höhepunkt.

Brahms‘ Werk umfasst alle bekannten Genres, außer Oper und Ballett. Er hat insgesamt 120 Orus.

Zu den symphonischen Werken von Brahms gehören: vier Sinfonien (op. 68 in C-Dur, op. 73 in D-Dur, op. 90 in F-Dur, op. „Tragische“ (op. 81)), Variationen über ein Thema von Haydn (op. 56) und zwei frühe Serenaden (op. 11 D-dur und op. 16 A-dur).

Im Vokal-Chor-Genre schrieb Brahms etwa zweihundert Werke, darunter Romanzen, Lieder, Balladen und Chöre (Männer, Frauen und gemischt).

Wie Sie wissen, war Brahms ein wunderbarer Pianist. Natürlich schrieb er eine Vielzahl von Werken für Klavier: ein Scherzo (op. 4 es-moll), drei Sonaten (op. 1 C-dur, op. 2 fis-moll, op. 5 f-moll), Variationen über ein Thema von Schumann (op. 9), Paganini (op. 35), Variationen über ein ungarisches Thema (op. 21), Variationen und Fuge über ein Thema von Händel (op. 24), 4 Balladen (op. 10) , 4 Capriccios und 4 Intermezzos (op. 76), 2 Rhapsodien (op. 79), Fantasien (op. 116), viele Theaterstücke.

Unter den Soloklavierwerken von Brahms erfreuen sich zwei Rhapsodien op. 79 aus dem Jahr 1880 großer Beliebtheit bei Interpreten und Zuhörern. Brahms war nicht der erste, der dieses Genre in der Klaviermusik verwendete. Es ist bekannt, dass Tschechischer Komponist V. Ya. Tomaszek bereits 1815 gab es Werke dieser Gattung. Doch trotz dieser Tatsache wird die Blütezeit des Rhapsodie-Genres zu Recht mit dem Namen des herausragenden ungarischen Komponisten Franz Liszt in Verbindung gebracht. Weltberühmt für seine 19 Ungarischen Rhapsodien, vom Komponisten komponiert in der Zeit von 1840 bis 1847. Es ist bekannt, dass in fast jedem von ihnen authentische Volkslieder und Tanzmelodien verwendet werden. Auch die Zweiteilung der Lisztischen Rhapsodien ist darauf zurückzuführen Volkstradition kontrastierende Gegenüberstellung von Gesang und Tanz. Interne Entwicklung Liszts Rhapsodien sind recht frei, improvisatorisch und basieren auf dem Wechsel einzelner großer Abschnitte nach dem Prinzip einer durchgehenden oder kontrastverbundenen Form. Aber das wichtigste Merkmal von Liszts Rhapsodien liegt in ihrem tiefen ungarischen Nationalgeschmack.

Ganz anders jedoch sind die beiden Rhapsodien op. 79 von Brahms, die ein recht vollständiges Bild vom figurativen Inhalt der Musik des Komponisten, den Hauptvorzügen seines Talents und Stilmerkmalen vermitteln.

Insbesondere die Rhapsodie op. 79 Nr. 2 in g-Moll ist ein lyrisch-dramatisches Werk, das in voller Sonatenform geschrieben ist.

Die Zweite Rhapsodie basiert auf vier ausdrucksstarken, scharf charakteristischen Themen, die in ihrem Wechsel eine Exposition der Sonatenform bilden. Jedes dieser Themen hat sein eigenes „Gesicht“. Sie sind nach Genre und insbesondere nach Struktur definiert, was typisch für Brahms als deutschen Komponisten ist.

Das erste der vier Themen (das Hauptthema der Sonatenform) ist erregt impulsiv, romantisch strebend, mit einer typisch deutschen pathetischen Romantik. Die darin enthaltenen Ausdrucksmittel (Melodie, Modus und Tonalität, Harmonie, Rhythmus, Textur, Form) zielen darauf ab, die stürmische Erregung menschlicher Gefühle auszudrücken. Genremäßig ist das Hauptthema heterogen: Die monophone Melodie in der rechten Hand ist eindeutig ein Lied; Triolen in der Mittelstimme sind ein charakteristisches Merkmal der romantischen Begleitung, und die jambischen Oktavbässe in der linken Hand verleihen dem Thema die Züge eines Marsches. Dadurch entsteht eine dreischichtige Genretextur, die den reichen, komplexen und intensiven figurativen Inhalt des Hauptthemas zum Ausdruck bringt. Die Form des Hauptthemas ist eine einfache Phase des Wiederaufbaus, wobei jeder der beiden Sätze eine viertaktige Welle mit Anstieg und Abfall darstellt.

Interessanterweise gibt es nach der Präsentation des Hauptthemas keinen ausgedehnten Verbindungsteil (der im Prinzip charakteristisch für die Sonatenformen deutscher klassischer Komponisten war), sondern einen plötzlichen, abrupten Übergang zu einem hellen, eigenständigen, sehr lakonischen verbindendes Thema. Im übertragenen Sinne ist es intrakontrastierend: Mutig-entschlossene Ausrufe werden durch scherzofliegende Elemente ersetzt. Akkord-Oktav-Textur, laute (f) Dynamik und das ganze Thema durchdringende Pausen verleihen der Musik einen aufgeregt-willensstarken, strebenden Charakter. Der Form nach stellt das Verbindungsthema eine einfache Periode wiederholter, aber nicht quadratischer Struktur dar, wie das Hauptthema. Und vom Umfang her ist es sogar noch kürzer, „unvollendet“, verkürzt und erfordert (aufgrund der Offenheit des Zeitraums) eine Fortsetzung.

Mit dem Aufkommen eines Nebenthemas entsteht ein neues, kontrastreiches, höchst lyrisches Bild der Ausstellung. Die Melodie basiert auf einem scharf ausdrucksstarken, ergreifenden Triolenmotiv, bei dem die Quinte d-Moll mit einer verminderten Terz und einem betonten Stopp auf der vierten erhöhten Stufe gesungen wird, der im selben Takt durch die vierte natürliche Stufe „aufgehoben“ wird. Durch das ununterbrochene, pausenlose Singen der Melodie in Verbindung mit den weit verbreiteten Figurationen der Begleitung entsteht ein Gefühl von Angst, verborgenem seelischem Schmerz und schmerzhaften Seufzern. Leidenschaftlicher Ungestüm bringt Brahms Schumann näher. In Chopins Melodie scheint sie über die übrige Struktur des Themas hinauszuragen.

Das Nebenthema mündet in ein stolzes, dramatisches Schlussthema. Im ersten Moment klingt es sehr geheimnisvoll, sogar düster. Im ersten Satz des einfachen Abschnitts erzeugt die gleiche wiederholte Note in der rechten Hand ein fantastisches Gefühl der Erzwingung, des Wartens auf einen Zusammenbruch, eines heftigen Gefühlsausbruchs. Die Oktavbässe in der linken Hand scheinen schleichende Schritte darzustellen, und die Triolen in der Mittelstimme, die während der Präsentation des Themas pulsieren, verleihen dem Thema noch mehr Spannung und Spannung. Im zweiten Satz klingt die Musik souveräner, ausdauernder, sogar marschierender. Es endet (übrigens zum ersten Mal in der Exposition der Sonatenform) mit der ausgedehnten reinsten Tonika in d-Moll.

Die psychologische und künstlerische Wirkung dieses Tonikums ist erstaunlich: Nach all den Unruhen, Aufregungen und Zweifeln der Seele ist durch Willensanstrengung endlich eine gewisse Gewissheit, eine Gewissheit über den emotionalen Zustand eines Menschen erreicht worden.

In Anlehnung an die Tradition der Wiener Klassiker wiederholt Brahms die Exposition der Sonatenform. Sie werden gezwungen, die plötzlichen Stimmungsschwankungen, die charakteristisch sind, noch einmal zu erleben romantische Helden. Gleichzeitig ist es interessant, dass Brahms den rein romantischen Inhalt aller vier Themen der Ausstellung in klassisch klaren, prägnanten Formen einer einfachen Periode mit jeweils unterschiedlicher innerer Struktur verkörpert: Das Hauptthema ist eine einfache Periode eines Quadrats Struktur (4 + 4), das verbindende Thema ist eine einfache Periode einer nichtquadratischen Struktur ( 3 + 2), das Nebenthema ist die Periode einer einzelnen Struktur, das Schlussthema ist eine einfache Periode wiederholter Struktur mit einer Erweiterung des zweiten Satzes (4 + 8). Überraschenderweise haben sie trotz aller figurativen und gattungsmäßigen Kontraste der Themen viel gemeinsam: Im Vordergrund steht überall eine ausdrucksstarke Melodie, ein Triolenrhythmus, der alle Themen vereint, und eine dreischichtige Textur. Insgesamt entwickeln sich die musikalischen Bilder der Exposition schnell, aktiv und in einem äußerst komprimierten Maßstab: Die Exposition umfasst nur 32 Takte.

In der Durchführung betont Brahms das widersprüchliche, dramatische Wesen seiner Rhapsodie und entwickelt ausschließlich das Haupt- und Schlussthema, also das aufregendste, impulsivste und mutigste aller Themen der Exposition. Die Ausarbeitung ist recht detailliert (53 Takte gegenüber 64 Takten Exposition) und besteht aus drei Abschnitten: Das Hauptthema entwickelt sich im ersten und dritten Abschnitt und das Schlussthema entwickelt sich in der Mitte. Deswegen thematische Inhalte Die Durchführung wird als groß angelegte dreiteilige Form mit kontrastierender mittlerer und dynamischer Reprise wahrgenommen. Im ersten Abschnitt der Durchführung (20 Takte) verschärft Brahms die emotionale Erregung und Klangverwirrung des Hauptthemas und erschwert dessen modale und tonale Entwicklung, einschließlich des Wechsels entfernter Tonarten (F, f, gis, e, h), dargestellt durch ihre Dominanten, was grundsätzlich in der Darstellung des Hauptthemas in der Ausstellung festgelegt wurde. Im Mittelteil erklingt das Schlussthema entweder ängstlich heimlich (p mezzo voce) oder wütend zornig (ff) und auch mit scharfen Bundtonbrüchen von h-moll nach G-dur, g-moll und d-moll. Der dritte Abschnitt wird als gewaltiges spannungsgeladenes Vorspiel zur Reprise der Sonatenform wahrgenommen, das auf mehreren Ostinaten basiert, ungestüm aufsteigenden, vom Hauptthema isolierten Anrufungsmotiven, die auch die dynamische Spannung erhöhen (von pp bis ff). Die gesamte Durchführung vereint durch einen sprudelnden Triolenrhythmus in der Mittelstimme einer Dreischichtigkeit. Nach solch einer gezielten entwicklungstechnischen Intensivierung des Dramas wird die Reprise der Sonatenform als „Insel der Erlösung“ vor erlebten Stürmen wahrgenommen, obwohl sie natürlich auch basiert auf den gleichen vier kontrastierenden Themen wie die Exposition. - d-moll, und Brahms behielt in der Reprise sowohl die Struktur als auch die Skala aller Themen bei und fügte nur eine kurze (8 Takte) Coda mit einem pulsierenden und verklingenden Triolenrhythmus hinzu das Ende.

Rhapsody zeichnet ein Porträt von Brahms – einem leidenschaftlichen Träumer mit stürmischem Temperament und rebellischen Gefühlen.

Die Form der Rhapsodie zeichnet sich durch Harmonie und Raffinesse aus, der Komponist verbindet auf geniale Weise die Merkmale einer Sonate und einer dreiteiligen Komposition. Die zweite Rhapsodie ist ein großartiges Beispiel für Brahms‘ Konzertpianismus.

Die Durchführung ist, wie bei Brahms üblich, komprimiert und intensiv. Indem er die Hauptthemen transformiert, legt er in der Durchführung den Konfliktinhalt des Dramas offen. Dramatik und figurativer Konflikt werden mit äußerster Lakonie dargestellt.

Brahms ist der letzte große Vertreter des Deutschen Romantik XIX Jahrhundert. Es gelang ihm, seinen eigenen, originellen kreativen Stil zu schaffen. Sein musikalische Sprache geprägt von individuellen Merkmalen: typische Betonungen des Deutschen Volksmusik(Sätze entlang der Klänge eines Dreiklangs mit plagalen Wendungen in der Melodie und plagalen Harmonien); charakteristisches „Flimmern“ von Dur-Moll; charakteristische unerwartete Abweichungen, modale Variabilität, melodisches und harmonisches Dur.

Um den Reichtum der inhaltlichen Schattierungen auszudrücken, wird Rhythmus verwendet: die Einführung von Triolen, gepunkteten Linien, Synkopen. Themen sind oft offen, was den Weg zu öffnet weitere Entwicklung Gedanken.

Die Verwendung von Strukturen, die seit der Zeit der Wiener Klassik etabliert waren, hatte für Brahms einen zutiefst individuellen Charakter: Brahms wollte die Fähigkeit alter Formen beweisen, die moderne Struktur von Gedanken und Gefühlen zu vermitteln. Andererseits halfen ihm klassische Formen, die aufgeregten, ängstlichen und rebellischen Gefühle, die ihn überwältigten, „zu zügeln“.

Die Pluralität der Bilder ist ein typisches Merkmal der Musik von Brahms. Er verband die freie Meinungsäußerung in der Sonatensatzform mit der klassischen, rationalen Entwicklungslogik.

Brahms schrieb ein komplexes und widersprüchliches Werk, das den Stil und die Sprache seiner Zeit widerspiegelte.

Brahms Komponist Romantik Rhapsodie

Nur Brahms wusste, wie man Gesangsmelodien schafft, die so national in Geist und Lager sind. Das ist nicht verwunderlich: Keines seiner zeitgenössischen deutschen und Österreichische Komponisten So genau und nachdenklich studierte er nicht die Poesie und musikalische Kreativität seines Volkes.

Brahms hinterließ mehrere Sammlungen mit Bearbeitungen deutscher Volkslieder (für Gesang und Klavier oder Chor, insgesamt über hundert Lieder). Sein geistliches Testament war eine Sammlung Neunundvierzig deutsche Volkslieder (1894). Noch nie hat Brahms so herzlich über seine eigenen Kompositionen gesprochen. Er schrieb an Freunde: „Vielleicht bin ich zum ersten Mal zärtlich mit dem verbunden, was unter meiner Feder hervorkam ...“. „Mit so viel Liebe, sogar Liebe, habe ich noch nie etwas erschaffen.“

Brahms ging kreativ mit der Folklore um. Er empörte sich gegen diejenigen, die das lebendige Erbe der Volkskunst als archaische Antike interpretierten. Es ist in gleichermaßen spannende Lieder aus verschiedenen Zeiten – alt und neu. Brahms interessierte sich nicht für die historische Authentizität der Melodie, sondern für die Ausdruckskraft und Integrität des musikalischen und poetischen Bildes. Mit großer Sensibilität ging er nicht nur auf die Melodien, sondern auch auf die Texte ein und suchte sorgfältig nach deren besten Möglichkeiten. Nachdem er viele Folkloresammlungen durchgesehen hatte, wählte er das aus, was ihm künstlerisch perfekt erschien und zur Bildung des ästhetischen Geschmacks von Musikliebhabern beitragen könnte.

Für das Musizieren zu Hause stellte Brahms seine Sammlung zusammen und nannte sie „Deutsche Volkslieder für Gesang und Klavier“ (die Sammlung besteht aus sieben Heften mit jeweils sieben Liedern; im letzten Heft sind die Lieder in Bearbeitung für die Hauptstimme aufgeführt). Sänger im Chor). Viele Jahre hegte er den Traum, eine solche Sammlung zu veröffentlichen. Etwa die Hälfte der darin enthaltenen Melodien hatte er zuvor für den Chor bearbeitet. Nun stellte sich Brahms eine andere Aufgabe: die Schönheit des Gesangsparts durch subtile Striche im einfachen Teil der Klavierbegleitung hervorzuheben und zu betonen (Balakirev und Rimsky-Korsakov taten dasselbe in ihren Bearbeitungen des Russischen). Volkslied):

Und er nahm oft Volkstexte als Grundlage für seine eigenen Gesangskompositionen und beschränkte sich dabei nicht nur auf den Bereich des deutschen Schaffens: Mehr als zwanzig Werke slawischer Poesie inspirierten Brahms zu Liedern – Solo, Ensemble, Chor (Darunter befinden sich Perlen der Gesangstexte von Brahms wie „Über die ewige Liebe“ op. 43 Nr. 1, „Der Weg zur Geliebten“ op. 48 Nr. 1, „Der Eid der Geliebten“ op. 69 Nr. 4.). Es gibt auch Lieder mit ungarischen, italienischen und schottischen Volkstexten.

Der Kreis der Dichter, die sich in den Gesangstexten von Brahms widerspiegeln, ist breit. Der Komponist liebte die Poesie und war deren anspruchsvoller Kenner. Aber es ist schwierig, seine Sympathien für irgendjemanden auszumachen literarische Leitung, obwohl quantitativ romantische Dichter vorherrschen. Bei der Auswahl der Texte spielte weniger der individuelle Stil des Autors als vielmehr der Inhalt des Gedichts die Hauptrolle, denn Brahms achtete auf solche volkstümlichen Texte und Bilder. Zu poetischen Abstraktionen, Symbolik, Merkmalen des Individualismus im Werk einer Reihe zeitgenössische Dichter er war stark negativ.

Brahms nannte seine Vokalkompositionen „Lieder“ oder „Gesänge“ für Singstimme mit Klavierbegleitung. (Die einzige Ausnahme bilden „Romanzen aus L. Ticks „Magelona““ op. 33 (der Zyklus umfasst fünfzehn Stücke); diese Romanzen ähneln im Charakter einer Arie oder einer Solokantate.). Mit diesem Namen wollte er die führende Rolle des Gesangsparts und die untergeordnete des Instrumentalparts hervorheben. IN dieses Problem er fungierte als direkter Nachfolger der Liedtraditionen Schuberts. Das Festhalten an den Schubert-Traditionen spiegelt sich auch darin wider, dass Brahms dem Liedanfang Vorrang vor dem Deklamatorium einräumt und die strophische (Couplet-)Struktur dem „Durchgang“ vorzieht. Ein weiterer Strom deutscher Kammermusik Vokalmusik präsentiert im Werk Schumanns und weiterentwickelt von den großen Meistern dieser Gattung – Robert Franz (Der deutsche Komponist Robert Franz (1815-1892) ist Autor von etwa zweihundertfünfzig Liedern.) in Deutschland und Hugo Wolff in Österreich. Die grundlegenden Unterschiede liegen darin, dass Schubert und Brahms, die sich auf die eigentümliche Art des Volksliedes stützten, stärker davon ausgingen allgemein Inhalt und Stimmung des Gedichts vertieften sich weniger in seine Schattierungen sowohl der psychologischen als auch der bildlich-bildlichen Ordnung, während Schumann und noch mehr Wolf versuchten, die konsequente Entwicklung poetischer Bilder, die ausdrucksstarken Details des Textes in der Musik zu verkörpern, und nutzte daher deklamatorische Momente häufiger. Dementsprechend nahm der Anteil der Instrumentalbegleitung bei ihnen zu, und beispielsweise nannte Wolf seine Vokalwerke bereits nicht mehr „Lieder“, sondern „Gedichte“ für Gesang und Klavier.

Allerdings sollte man diese beiden Traditionen nicht als einander ausschließend betrachten: Es gibt deklamatorische Momente bei Brahms (oder Schubert) sowie Liedmomente bei Schumann. Wir sprechen über den vorherrschenden Wert des einen oder anderen Prinzips. Dennoch hat Grieg recht, wenn er feststellt, dass Schumann in seinen Liedern mehr ist Dichter, während Brahms - Musiker.

Die erste veröffentlichte Romanze von Brahms „Treue in der Liebe“ op. 3 Nr. 1 (1853). Hier ist vieles charakteristisch für das Werk des Komponisten und vor allem das eigentliche Thema des philosophischen Lagers (das Bild einer zerbrochenen, aber wahren und unerschütterlichen Liebe). Die allgemeine Stimmung wird in den „müden“ Triolen der Begleitung zu den gemessenen Seufzern der Melodie treffend eingefangen und eingefangen. Ein ähnlicher Vergleich in der Gleichzeitigkeit verschiedener Rhythmen (Duoli oder Quartoli mit Triolen usw.) sowie Synkopen sind Brahms' Lieblingstricks:

Brahms sagte, dass man an der Anordnung der Pausen einen wahren Meister der Vokalmusik von einem Amateur unterscheiden könne. Brahms selbst war solch ein Meister: Seine Art, die Melodie „auszusprechen“, ist deutlich. Normalerweise wird bereits in der anfänglichen Rhythmusintonation, wie im Embryo, das Thema des Liedes eingeprägt. Charakteristisch hierfür ist das kurze Motiv, das in der analysierten Romanze zunächst im Bass durchdringt und in die Stimme eindringt. Generell ist das subtile und sensible Verhalten des Basses typisch für Brahms („Der Bass gibt der Melodie Charakter, verdeutlicht und vervollständigt sie“, lehrte der Komponist). Darin spiegelt sich auch sein Hang zu kontrapunktischen Transformationen des Themas wider.

Dank dieser Techniken wird eine bemerkenswerte Einheit des Ausdrucks von Gesangsmelodie und Klavierbegleitung erreicht. Dies wird auch durch die motivische Verbindung erleichtert, die durch Wiederholungen und Appelle, freie thematische Entwicklung oder Vervielfältigung der Melodie im Klavierpart erfolgt. Als Beispiel nennen wir: „Das Geheimnis“ op. 71 Nr. 3, „Der Tod ist eine helle Nacht“ op. 96 Nr. 1, „Wie Melodien mich anziehen“ op. 105 Nr. 1, „Deeper is all my slumber“ op. 105 Nr. 2.

Diese Werke gehören zur quantitativ bedeutendsten, wenn auch ungleichen Gruppe der Brahms-Romanzen. Größtenteils handelt es sich dabei um traurige, aber leuchtende Farbreflexionen – nicht so sehr um aufgeregte Monologe (die ihm selten gelingen), sondern um herzliche, spannende Gespräche Lebensthemen. Bilder von traurigem Verwelken und Tod nehmen in solchen Überlegungen manchmal zu viel Raum ein, und dann bekommt die Musik eine monotone, düstere Farbe, verliert ihre Unmittelbarkeit des Ausdrucks. Wenn sich Brahms jedoch auf dieses Thema bezieht, schafft er wunderbare Werke. Das sind die Vier strengen Melodien, op. 121 ist seine letzte Kammergesangskomposition (1896). Es ist eine Art Solokantate für Bass und Klavier, die Mut und Standhaftigkeit angesichts des Todes verherrlicht, ein allumfassendes Gefühl der Liebe. Der Komponist thematisiert die „Armen und Leidenden“. Um spannende, zutiefst menschliche Inhalte zu vermitteln, mischt er die Techniken von Rezitativ, Arioso und Lied organisch ein. Besonders beeindruckend sind die lyrisch aufgeklärten Seiten des zweiten und dritten Stückes.

Eine andere Bildsphäre und dementsprechend anders künstlerische Mittel typisch für die Lieder von Brahms, getragen vom Volksgeist. Davon gibt es auch viele. In dieser Gruppe gibt es zwei Arten von Liedern. Für Erste Charakteristisch ist der Appell an Bilder von Freude, mutiger Stärke, Spaß, Humor. Bei der Übertragung dieser Bilder treten Merkmale deutlich hervor Deutsch Volkslied. Insbesondere wird die Bewegung der Melodie entlang der Töne des Dreiklangs genutzt; Die Begleitung verfügt über ein Akkordlager. Beispiele sind „Schmied“ op. 19 Nr. 4, „Schlagzeugerlied“ op. 69 Nr. 5, Der Jäger op. 95 Nr. 4, „Ein Haus steht in grünen Linden“ op. 97 Nr. 4 und andere.

Solche Lieder kommen oft vor selbst Größe; Ihre Bewegung wird durch den Rhythmus eines flotten Schritts, manchmal eines Marsches, organisiert. Ähnliche Bilder von Spaß und Freude, jedoch mit einer persönlicheren, intimeren Farbgebung, erscheinen in Smooth drei Viertel Lieder, deren Musik von Intonationen und Rhythmen durchdrungen ist österreichisch Volkstänze - Ländler, Walzer ( „Oh liebe Wangen“ op. 47 Nr. 4, „Der Eid des Geliebten“ op. 69 Nr. 4, „Liebeslied“ op. 71 Nr. 5). Brahms gibt diese Bilder des Tanzgenres oft in einer schlichten Brechung wieder – entweder mit einem Hauch von Verschlagenheit oder versteckter Traurigkeit. Die wärmsten und herzlichsten Töne der Musik von Brahms sind hier eingefangen. Seine Melodie erhält flexible Plastizität und die natürliche Entwicklung, die für Volksmelodien charakteristisch ist. Zu diesen Liedern gehören (in der Regel sind sie in Volkstexten, insbesondere in tschechischer Sprache, geschrieben): „Sonntag“ op. 47 Nr. 3, „Der Weg zum Geliebten“ op. 48 Nr. 1, „Wiegenlied“ op. 49 Nr. 4.

In Gesangsduetten und -quartetten werden verschiedene Seiten des Inhalts dargestellt. Aber auch hier lassen sich für Brahms charakteristische Merkmale sowohl in philosophischen Texten als auch in Texten finden. Haushaltsplan. Die besten Beispiele für Letzteres finden Sie in op. 31 und in zwei Notizbüchern „Lieder der Liebe“ op. 52 und 65(Der Komponist nannte sie „Walzer für vier Stimmen und für Klavier zu vier Händen“; insgesamt dreiunddreißig Stücke). In diesen bezaubernden Miniaturen, die eine Art Parallele zu den berühmten „Ungarischen Tänzen“ von Brahms bilden, verschmelzen die Elemente Gesang und Tanz. Jedes Stück hat seine eigene lakonische Handlung und erzählt von den Freuden und Leiden der Liebe. Kurioser Entwicklungsstil Vokalensemble: Die Stimmen werden entweder kontrapunktisch verbunden oder in Form eines Dialogs kontrastiert. Die dialogische Form verwendete Brahms übrigens auch in seinen Sololiedern.

Ähnliche Bilder finden sich in Chormusik : Neben Vokalwerken mit Instrumentalbegleitung hinterließ Brahms viele Stücke für Frauen- oder gemischten Chor a cappella. (Für die männliche Zusammensetzung des Ganzen fünf Chöre op. 41, konzipiert im Geiste von Soldatenliedern patriotischen Inhalts). Die vollkommensten in Bezug auf Inhaltstiefe und Entwicklung sind fünf Lieder für gemischten Chor op. 104. Die Sammlung beginnt mit zwei Nocturnes, die unter dem gemeinsamen Titel „Nachtwache“ vereint sind; Ihre Musik zeichnet sich durch feines Soundwriting aus. Wunderbare Soundeffekte in der Gegenüberstellung von Ober- und Unterstimmen kommen im Lied zum Einsatz. Letztes Glück»; dem Stück ist eine besondere modale Note innewohnend“ Verlorene Jugend»; mit seinen dunklen, düsteren Farben fällt auf letzte Nummer - « Herbst».

Brahms schrieb auch eine Reihe von Werken für Chor (teilweise mit Solistenbeteiligung) und Orchester. Ihre Namen sind symptomatisch und erinnern wiederum an die Liedströmung im Werk von Brahms: „Lied des Schicksals“ op. 54(Text von F. Hölderlin), „Lied vom Triumph“ op. 55, „Trauerlied“ op. 82(Text von F. Schiller), „Lied der Parks“ op. 89(Text von W. Goethe).

„Deutsches Requiem“ op. 55 ist das bedeutendste Werk dieser Reihe.