Geist in Plastik: Interpretation zeitgenössischer japanischer Kunst. Japanische zeitgenössische Kunst

Die Japaner entdeckten die in den Dingen verborgene Schönheit im 9.-12. Jahrhundert, in der Heian-Ära (794-1185) und bezeichneten sie sogar mit dem besonderen Konzept „mono no academic“ (物の哀れ (もののあわれ)), was „ trauriger Charme der Dinge. Der Charme der Dinge ist eines der frühesten Japanische Literatur Laut Definitionen von Schönheit ist es mit dem shintoistischen Glauben verbunden, dass jedes Ding seine eigene Gottheit – Kami – und seinen eigenen, einzigartigen Charme hat. Avare ist die innere Essenz der Dinge, das, was Freude und Aufregung hervorruft.

- Washi (Wasi) oder Wagami (Wagami).
Manuelle Papierherstellung. Mittelalterliche Japaner schätzten Washi nicht nur wegen seiner praktischen Eigenschaften, sondern auch wegen seiner Schönheit. Sie war berühmt für ihre Subtilität, fast Transparenz, die ihr jedoch nicht die Kraft nahm. Washi wird aus der Rinde des Kozo-Baums (Maulbeerbaum) und einiger anderer Bäume hergestellt.
Washi-Papier ist seit Jahrhunderten erhalten geblieben. Ein Beweis dafür sind die Alben und Bände alter japanischer Kalligraphie, Gemälde, Siebe und Gravuren, die im Laufe der Jahrhunderte bis heute überliefert sind.
Vasyas Papier ist faserig, wenn man durch ein Mikroskop schaut, erkennt man Risse, durch die Luft und Sonnenlicht eindringen. Diese Qualität wird bei der Herstellung von Paravents und traditionellen japanischen Laternen verwendet.
Washi-Souvenirs sind bei Europäern sehr beliebt. Aus diesem Papier werden viele kleine und nützliche Gegenstände hergestellt: Geldbörsen, Umschläge, Fächer. Sie sind ziemlich langlebig und dennoch leicht.

- Gohei.
Maskottchen von Papierstreifen. Gohei – ein Ritualstab eines Shinto-Priesters, an dem Zickzackstreifen aus Papier befestigt sind. Dieselben Papierstreifen werden am Eingang eines Shinto-Schreins aufgehängt. Die Rolle des Papiers spielt im Shinto traditionell eine sehr große Rolle und den daraus hergestellten Produkten wird seit jeher eine esoterische Bedeutung beigemessen. Und der Glaube, dass jedes Ding, jedes Phänomen, sogar Worte, einen Kami – eine Gottheit – enthalten, erklärt die Entstehung einer Art angewandter Kunst wie Gohei. Der Shintoismus ähnelt in gewisser Weise unserem Heidentum. Für Shintoisten ist der Kami besonders bereit, sich in allem niederzulassen, was ungewöhnlich ist. Zum Beispiel auf Papier. Und noch mehr in einem zu einem komplizierten Zickzack verdrehten Gohei, das heute vor dem Eingang von Shinto-Schreinen hängt und auf die Anwesenheit einer Gottheit im Tempel hinweist. Es gibt 20 Möglichkeiten, das Gohei zu falten, und diejenigen, die besonders ungewöhnlich gefaltet sind, ziehen die Kami an. Gohei hat überwiegend eine weiße Farbe, es kommen aber auch Gold, Silber und viele andere Farbtöne vor. Seit dem 9. Jahrhundert gibt es in Japan den Brauch, das Gohei am Gürtel von Sumo-Ringern vor Beginn des Kampfes zu verstärken.

- Anesama.
Dies ist die Herstellung von Papierpuppen. Im 19. Jahrhundert stellten Samurai-Frauen Papierpuppen her, mit denen Kinder spielten, und zogen ihnen verschiedene Kleider an. In Zeiten, in denen es noch kein Spielzeug gab, war Anesama der einzige Gesprächspartner für Kinder und „übte“ die Rolle von Mutter, älterer Schwester, Kind und Freundin aus.
Die Puppe ist aus japanischem Washi-Papier gefaltet, die Haare sind aus gekräuseltem Papier, mit Tinte gefärbt und mit Kleber überzogen, was ihr einen Glanz verleiht. Eine Besonderheit ist eine hübsche kleine Nase auf einem länglichen Gesicht. Dieses einfache Spielzeug, das nur geschickte Hände erfordert und eine traditionelle Form hat, wird auch heute noch auf die gleiche Weise hergestellt wie früher.

- Origami.
Die alte Kunst des Papierfaltens (折り紙, wörtlich: „gefaltetes Papier“). Die Kunst des Origami hat ihre Wurzeln in Antikes China wo Papier erfunden wurde. Ursprünglich wurde Origami bei religiösen Zeremonien verwendet. Diese Art von Kunst war lange Zeit nur Vertretern der Oberschicht zugänglich, wo der Besitz von Papierfalttechniken ein Zeichen guten Geschmacks war. Erst nach dem Zweiten Weltkrieg gelangte Origami über den Osten hinaus nach Amerika und Europa, wo es sofort seine Fans fand. Klassisches Origami wird aus einem quadratischen Blatt Papier gefaltet.
Es ist ein bestimmter Satz konventioneller Symbole erforderlich, um das Faltschema selbst des komplexesten Produkts zu skizzieren. Die meisten konventionellen Zeichen wurden Mitte des 20. Jahrhunderts vom berühmten japanischen Meister Akira Yoshizawa in die Praxis umgesetzt.
Beim klassischen Origami wird ein quadratisches, gleichmäßig gefärbtes Blatt Papier ohne Kleber und Schere verwendet. Zeitgenössische Kunstformen weichen manchmal von diesem Kanon ab.

- Kirigami.
Kirigami ist die Kunst, aus einem mehrfach gefalteten Blatt Papier mit Hilfe einer Schere verschiedene Formen auszuschneiden. Eine Art Origami, die bei der Herstellung des Modells die Verwendung von Scheren und Papierschneiden ermöglicht. Dies ist der Hauptunterschied zwischen Kirigami und anderen Papierfalttechniken, der im Namen betont wird: 切る (kiru) – schneiden, 紙 (gami) – Papier. Wir alle liebten es in unserer Kindheit, Schneeflocken zu schneiden – eine Variante von Kirigami, mit dieser Technik kann man nicht nur Schneeflocken, sondern auch verschiedene Figuren, Blumen, Girlanden und andere süße Papierdinge schneiden. Diese Produkte können als Schablonen für Drucke, Albumdekorationen, Postkarten, Fotorahmen, Modedesign, Innenarchitektur und andere verschiedene Dekorationen verwendet werden.

- Ikebana.
Ikebana, (jap. 生け花 oder いけばな), übersetzt aus dem Japanischen – „ike“ – Leben, „bana“ – Blumen oder „Blumen, die leben“. Die japanische Kunst des Blumensteckens ist eine der schönsten Traditionen des japanischen Volkes. Bei der Zusammenstellung von Ikebana werden neben Blumen auch geschnittene Zweige, Blätter und Triebe verwendet. Das Grundprinzip ist exquisite Einfachheit, um die natürliche Schönheit der Pflanzen hervorzuheben. Ikebana ist die Schaffung einer neuen natürlichen Form, in der die Schönheit einer Blume und die Schönheit der Seele des Meisters, der die Komposition kreiert, harmonisch vereint werden.
Heute gibt es in Japan 4 große Ikebana-Schulen: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Darüber hinaus gibt es etwa tausend verschiedene Richtungen und Trends, die einer dieser Schulen angehören.

-Oribana.
Mitte des 17. Jahrhunderts verließen Ikenobo zwei Schulen von Ohara (die Hauptform von Ikebana – Oribana) und Koryu (die Hauptform – Sek). Übrigens studiert die Ohara-Schule immer noch nur Oribanu. Wie die Japaner sagen, ist es sehr wichtig, dass Origami nicht zu Origami wird. Gomi bedeutet auf Japanisch Müll. Schließlich haben Sie zufällig ein Stück Papier gefaltet, und was machen Sie dann damit? Oribana bietet viele Ideen für Blumensträuße zur Dekoration des Innenraums. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Fehler.
Sicht bildende Kunst, geborene Floristik. Die Floristik entstand in unserem Land vor acht Jahren, obwohl sie in Japan schon seit mehr als sechshundert Jahren existiert. Irgendwann im Mittelalter verstanden Samurai die Art und Weise eines Kriegers. Und Oshibana war Teil dieses Weges, genau wie das Schreiben von Hieroglyphen und das Führen eines Schwertes. Die Bedeutung des Fehlers bestand darin, dass der Meister im Zustand der völligen Präsenz im Augenblick (Satori) ein Bild aus getrockneten Blumen (gepressten Blumen) schuf. Dann könnte dieses Bild als Schlüssel und Leitfaden für diejenigen dienen, die bereit sind, in die Stille einzutreten und dasselbe Satori zu erleben.
Das Wesen der Kunst des „Oshibana“ besteht darin, dass der Autor durch das Sammeln und Trocknen von Blumen, Kräutern, Blättern und Rinde unter Druck und das Aufkleben auf den Untergrund mit Hilfe von Pflanzen ein wahres „Malwerk“ schafft. Mit anderen Worten: Es ist falsch, mit Pflanzen zu malen.
Künstlerische Kreativität Floristen basieren auf der Erhaltung der Form, Farbe und Textur von getrocknetem Pflanzenmaterial. Die Japaner haben eine Technik entwickelt, um „Oshibana“-Gemälde vor dem Ausbleichen und Verdunkeln zu schützen. Sein Wesen besteht darin, dass Luft zwischen Glas und Bild herausgepumpt wird und ein Vakuum entsteht, das verhindert, dass die Pflanzen verderben.
Es lockt nicht nur mit der Unkonventionalität dieser Kunst, sondern auch mit der Möglichkeit, Fantasie, Geschmack und Wissen über die Eigenschaften von Pflanzen zu zeigen. Floristen kreieren Ornamente, Landschaften, Stillleben, Porträts und Geschichtengemälde.

- Bonsai.
Bonsai als Phänomen erschien vor mehr als tausend Jahren in China, aber diese Kultur erreichte ihren Höhepunkt ihrer Entwicklung erst in Japan. (Bonsai – Japanisch 盆栽 wörtlich „Pflanze im Topf“) – die Kunst des Wachsens exakte Kopie echter Baum im Miniaturformat. Diese Pflanzen wurden mehrere Jahrhunderte vor unserer Zeitrechnung von buddhistischen Mönchen angebaut und wurden später zu einer der Aktivitäten des örtlichen Adels.
Bonsai schmückten japanische Häuser und Gärten. In der Tokugawa-Ära erhielt die Parkgestaltung einen neuen Aufschwung: Der Anbau von Azaleen und Ahornbäumen wurde zum Zeitvertreib der Wohlhabenden. Auch der Anbau von Zwergpflanzen (hachi-no-ki – „Baum im Topf“) entwickelte sich, allerdings waren die Bonsai dieser Zeit sehr groß.
Heutzutage werden für Bonsai gewöhnliche Bäume verwendet, die durch ständiges Beschneiden und verschiedene andere Methoden klein werden. Gleichzeitig entspricht das Verhältnis der Größen des Wurzelsystems, begrenzt durch das Volumen der Schale, und des Bodenteils des Bonsai den Proportionen eines erwachsenen Baumes in der Natur.

- Mizuhiki.
Makramee-Analogon. Dies ist eine alte japanische angewandte Kunst, bei der aus speziellen Schnüren verschiedene Knoten geknüpft und daraus Muster erstellt werden. Solche Kunstwerke hatten ein äußerst breites Spektrum – von Geschenkkarten und Briefen bis hin zu Frisuren und Handtaschen. Heutzutage ist Mizuhiki in der Geschenkbranche äußerst verbreitet – für jedes Ereignis im Leben soll ein Geschenk auf eine ganz bestimmte Art und Weise verpackt und gebunden werden. Es gibt extrem viele Knoten und Kompositionen in der Mizuhiki-Kunst, und nicht jeder Japaner kennt sie alle auswendig. Natürlich gibt es die gängigsten und einfachsten Knoten, die am häufigsten verwendet werden: für Glückwünsche zur Geburt eines Kindes, für eine Hochzeit oder Gedenkfeier, einen Geburtstag oder die Zulassung zur Universität.

- Kumihimo.
Kumihimo ist eine japanische geflochtene Schnur. Beim Weben entstehen Fäden, Bänder und Spitzen. Diese Schnürsenkel werden auf speziellen Maschinen gewebt – Marudai und Takadai. Die Marudai-Maschine wird zum Weben runder Schnürsenkel und die Takadai-Maschine für flache Schnürsenkel verwendet. Kumihimo bedeutet auf Japanisch „Seile weben“ (kumi – weben, zusammenfalten, himo – Seil, Spitze). Trotz der Tatsache, dass Historiker hartnäckig darauf bestehen, dass solche Webereien bei den Skandinaviern und den Bewohnern der Anden zu finden sind, japanische Kunst Kumihimo ist tatsächlich eine der ältesten Webarten. Die erste Erwähnung stammt aus dem Jahr 550, als sich der Buddhismus in ganz Japan verbreitete und besondere Zeremonien besondere Dekorationen erforderten. Später wurden Kumihimo-Schnürsenkel als Befestigungsmittel für den Obi-Gürtel eines Damenkimonos, als Seile zum „Verpacken“ des gesamten Samurai-Waffenarsenals (Samurai verwendeten Kumihimo zu dekorativen und funktionalen Zwecken zum Binden ihrer Rüstungen und Pferderüstungen) usw. verwendet auch zum Binden schwerer Gegenstände.
Eine Vielzahl moderner Kumihimo-Muster lassen sich ganz einfach auf selbstgebauten Pappwebstühlen weben.

- Komono.
Was bleibt von einem Kimono übrig, nachdem er ausgedient hat? Glaubst du, es wird weggeworfen? Nichts dergleichen! Das werden die Japaner niemals tun. Kimonos sind teuer. Es ist undenkbar und unmöglich, ihn einfach so wegzuwerfen ... Neben anderen Arten des Kimono-Recyclings stellten Kunsthandwerkerinnen aus kleinen Fetzen kleine Souvenirs her. Dabei handelt es sich um kleine Spielzeuge für Kinder, Puppen, Broschen, Girlanden, Damenschmuck und andere Produkte. Aus dem alten Kimono werden kleine süße Dinge hergestellt, die zusammenfassend „Komono“ genannt werden. Kleine Dinge, die ein Eigenleben entwickeln und den Weg des Kimonos fortsetzen. Das bedeutet das Wort „Komono“.

- Kanzashi.
Die Kunst, Haarspangen (meist mit Blumen (Schmetterlingen usw.) verziert) aus Stoff (hauptsächlich Seide) zu verzieren. Japanisches Kanzashi (Kanzashi) ist eine lange Haarnadel für eine traditionelle japanische Frauenfrisur. Sie wurden aus Holz, Lack, Silber, Schildpatt, das in traditionellen chinesischen und japanischen Frisuren verwendet wird. Vor etwa 400 Jahren änderte sich in Japan der Stil der Frauenfrisuren: Frauen hörten auf, ihre Haare in der traditionellen Form zu kämmen – Taregami (langes glattes Haar) und begannen, sie aufwendig zu stylen und bizarre Formen - nihongami. verwendet verschiedene Artikel- Haarnadeln, Stöcke, Kämme. Damals verwandelte sich selbst ein einfacher Kushi-Kamm in ein elegantes Accessoire von außergewöhnlicher Schönheit, das zu einem echten Kunstwerk wurde. In der traditionellen Tracht japanischer Frauen waren Handgelenkschmuck und Halsketten nicht erlaubt, Haarschmuck hingegen schon Hauptschönheit und ein Feld zur Selbstdarstellung – und demonstriert außerdem den Geschmack und die Dicke des Geldbeutels des Besitzers. Auf den Gravuren kann man – wenn man genau hinschaut – erkennen, wie Japanerinnen problemlos bis zu zwanzig teure Kanzashi in ihre Frisuren hängten.
Mittlerweile erlebt die Tradition der Verwendung von Kanzashi bei jungen japanischen Frauen, die ihren Frisuren Raffinesse und Eleganz verleihen möchten, ein Wiederaufleben. Moderne Haarspangen können mit nur einer oder zwei zierlichen handgefertigten Blumen geschmückt werden.

- Kinusaiga.
Eine erstaunliche Art von Handarbeit aus Japan. Kinusaiga (絹彩画) ist eine Mischung aus Batik und Patchwork. Die Grundidee besteht darin, dass aus alten Seidenkimonos Stück für Stück neue Gemälde gesammelt werden – wahre Werke Kunst.
Zunächst fertigt der Künstler eine Skizze auf Papier an. Anschließend wird diese Zeichnung auf ein Holzbrett übertragen. Die Kontur des Musters wird mit Rillen oder Rillen durchschnitten, anschließend werden aus dem alten Seidenkimono kleine, in Farbe und Ton passende Fetzen geschnitten, deren Kanten die Rillen füllen. Wenn man ein solches Bild betrachtet, hat man das Gefühl, ein Foto zu betrachten oder einfach nur die Landschaft vor dem Fenster zu betrachten, sie sind so realistisch.

- Temari.
Hierbei handelt es sich um traditionell japanische, geometrisch bestickte Bälle, die mit einfachen Stichen hergestellt werden und einst ein Kinderspielzeug waren. Heute sind sie zu einer Kunstform mit vielen Fans nicht nur in Japan, sondern auf der ganzen Welt geworden. Es wird angenommen, dass diese Produkte vor langer Zeit von Samurai-Frauen zur Unterhaltung hergestellt wurden. Am Anfang wurden sie eigentlich als Ball für ein Ballspiel verwendet, doch nach und nach erhielten sie künstlerische Elemente und verwandelten sich später in dekorative Ornamente. Die zarte Schönheit dieser Kugeln ist in ganz Japan bekannt. Und heute gehören farbenfrohe, sorgfältig gefertigte Produkte zu den Arten des Volkshandwerks in Japan.

- Yubinuki.
Japanische Fingerhüte werden beim Nähen oder Sticken von Hand auf das Mittelglied des Mittelfingers der Arbeitshand gesteckt, mit Hilfe der Fingerspitzen wird der Nadel die gewünschte Richtung vorgegeben und die Nadel durch den Ring in der Mitte geschoben Finger in der Arbeit. Ursprünglich wurden japanische Yubinuki-Fingerhüte ganz einfach hergestellt: Ein etwa 1 cm breiter Streifen aus dichtem Stoff oder Leder in mehreren Lagen wurde fest um den Finger gewickelt und mit ein paar einfachen Zierstichen zusammengehalten. Da waren die Yubinuks notwendiges Thema In jedem Haus wurden sie mit geometrischen Stickereien aus Seidenfäden verziert. Aus der Verflechtung von Stichen, bunt und komplizierte Muster. Yubinuki hat sich von einem einfachen Haushaltsgegenstand auch zu einem Objekt zum „Bewundern“ und zur Dekoration entwickelt Alltagsleben.
Yubinuki werden immer noch beim Nähen und Sticken verwendet, man findet sie aber auch einfach an den Händen an jedem Finger, wie dekorative Ringe. Stickereien im Yubinuki-Stil werden verwendet, um verschiedene Gegenstände in Form eines Rings zu dekorieren – Serviettenringe, Armbänder, Temari-Ständer, die mit Yubinuki-Stickereien verziert sind, und es gibt auch bestickte Nadelbetten im gleichen Stil. Yubinuki-Muster können eine großartige Inspiration für die Temari-Obi-Stickerei sein.

- Suibokuga oder Sumie.
Japanische Tuschemalerei. Das chinesischer Stil Die Malerei wurde im 14. Jahrhundert und Ende des 15. Jahrhunderts von japanischen Künstlern übernommen. wurde zum Mainstream der Malerei in Japan. Suibokuga ist monochrom. Es zeichnet sich durch die Verwendung von schwarzer Tinte (Sumi) aus, einer harten Form von Holzkohle oder chinesischer Tinte, die aus Ruß hergestellt wird, die in einem Tintenfass gemahlen, mit Wasser verdünnt und auf Papier oder Seide gestrichen wird. Monochrom bietet dem Meister eine endlose Auswahl an Tonoptionen, die die Chinesen vor langer Zeit als „Farben“ der Tinte erkannten. Suibokuga erlaubt manchmal die Verwendung echter Farben, beschränkt sie jedoch auf dünne, transparente Striche, die stets der Tuschelinie untergeordnet bleiben. Die Tuschemalerei teilt mit der Kunst der Kalligraphie wesentliche Merkmale wie einen streng kontrollierten Ausdruck und die technische Beherrschung der Form. Die Qualität der Tuschemalerei hängt wie bei der Kalligraphie von der Integrität und Reißfestigkeit der mit Tusche gezeichneten Linie ab, die das Kunstwerk sozusagen an sich selbst hält, so wie Knochen Gewebe an sich halten.

- Etegami.
Gezeichnete Postkarten (E-Bild, getaggt - Brief). Das Basteln von Postkarten zum Selbermachen ist in Japan generell eine sehr beliebte Aktivität, und vor den Feiertagen nimmt die Beliebtheit noch zu. Die Japaner lieben es, ihren Freunden Postkarten zu schicken, und sie empfangen sie auch gerne. Hierbei handelt es sich um eine Art Schnellbrief auf speziellen Zuschnitten, der ohne Umschlag per Post verschickt werden kann. Beim Etegami gibt es keine besonderen Regeln oder Techniken, jeder kann es ohne spezielle Ausbildung machen. Etagami hilft, die Stimmung und Eindrücke genau auszudrücken. Dies ist eine handgefertigte Postkarte, die aus einem Bild und einem kurzen Brief besteht und die Emotionen des Absenders wie Wärme, Leidenschaft, Fürsorge, Liebe usw. vermittelt. Sie verschicken diese Postkarten zu den Feiertagen und einfach so, mit Darstellungen der Jahreszeiten, Aktivitäten, Gemüse und Früchte, Menschen und Tiere. Je einfacher dieses Bild gezeichnet ist, desto interessanter sieht es aus.

- Furoshiki.
Japanische Wickeltechnik oder die Kunst des Stofffaltens. Furoshiki trat lange Zeit in das Leben der Japaner ein. Alte Schriftrollen aus der Kamakura-Muromachi-Zeit (1185–1573) sind erhalten geblieben und zeigen Bilder von Frauen, die in Stoff gewickelte Kleiderbündel auf dem Kopf tragen. Diese interessante Technik entstand bereits zwischen 710 und 794 n. Chr. in Japan. Das Wort „Furoshiki“ bedeutet wörtlich übersetzt „Badevorleger“ und ist ein quadratisches Stück Stoff, das zum Einwickeln und Tragen von Gegenständen aller Formen und Größen verwendet wurde.
Früher war es üblich, in japanischen Bädern (Furo) in leichten Baumwollkimonos zu gehen, die die Besucher von zu Hause mitbrachten. Der Badegast brachte auch einen speziellen Teppich (Shiki) mit, auf dem er beim Ausziehen stand. Nachdem er einen „Bade“-Kimono angezogen hatte, wickelte der Besucher seine Kleidung in einen Teppich und nach dem Bad wickelte er einen nassen Kimono in einen Teppich ein, um ihn mit nach Hause zu nehmen. So wird aus der Badematte eine multifunktionale Tasche.
Furoshiki ist sehr einfach zu verwenden: Der Stoff passt sich der Form des Objekts an, das Sie einwickeln, und die Griffe erleichtern das Tragen der Last. Darüber hinaus erhält ein Geschenk, das nicht in hartes Papier, sondern in einen weichen, mehrschichtigen Stoff verpackt ist, eine besondere Ausdruckskraft. Es gibt viele Möglichkeiten, Furoshiki für jeden Anlass zu falten, ob alltagstauglich oder festlich.

- Amigurumi.
Die japanische Kunst, kleine Stofftiere und humanoide Kreaturen zu stricken oder zu häkeln. Amigurumi (編み包み, wörtlich: „gestrickt-gewickelt“) sind meist niedliche Tiere (wie Bären, Hasen, Katzen, Hunde usw.), kleine Männchen, können aber auch leblose Objekte sein, die mit menschlichen Eigenschaften ausgestattet sind. Zum Beispiel Cupcakes, Hüte, Handtaschen und andere. Amigurumi wird gestrickt oder gestrickt oder gehäkelt. In letzter Zeit sind gehäkelte Amigurumi immer beliebter und verbreiteter geworden.
aus Garn gestrickt auf einfache Weise Stricken - spiralförmig und im Gegensatz zur europäischen Strickmethode sind Kreise normalerweise nicht verbunden. Außerdem werden sie im Verhältnis zur Garnstärke in einer kleineren Größe gehäkelt, um einen sehr dichten Stoff ohne Lücken zum Heraustreten der Füllung zu erhalten. Amigurumi werden oft aus Teilen hergestellt und dann zusammengesetzt, mit Ausnahme einiger Amigurumi, die keine Gliedmaßen haben, sondern nur Kopf und Rumpf, die ein Ganzes bilden. Die Gliedmaßen sind manchmal mit Plastikstücken gefüllt, um ihnen Lebendgewicht zu verleihen, während der Rest des Körpers mit Füllwatte gefüllt ist.
Die Verbreitung der Amigurumi-Ästhetik wird durch ihre Niedlichkeit („kawaii“) erleichtert.

Das deckt viele Techniken und Stile ab. Im Laufe seiner Geschichte hat es zahlreiche Veränderungen erfahren. Neue Traditionen und Genres kamen hinzu und die ursprünglichen japanischen Prinzipien blieben bestehen. Zusammen mit unglaubliche Geschichte Auch die japanische Malerei ist bereit, viele einzigartige und interessante Fakten zu präsentieren.

altes Japan

Die ersten Stile tauchen in der ältesten historischen Periode des Landes auf, noch vor Christus. e. Damals war Kunst ziemlich primitiv. Erstens, im Jahr 300 v. h., es erschienen verschiedene geometrische Figuren, die mit Hilfe von Stöcken auf Keramik hergestellt wurden. Ein solcher Fund von Archäologen als Verzierung auf Bronzeglocken gehört einer späteren Zeit an.

Etwas später, bereits im Jahr 300 n. Chr. h., es tauchen Höhlenmalereien auf, die viel vielfältiger sind geometrisches Ornament. Dabei handelt es sich bereits um vollwertige Bilder mit Bildern. Sie wurden in den Krypten gefunden und wahrscheinlich wurden die Menschen, die darauf gemalt sind, in diesen Grabstätten begraben.

Im 7. Jahrhundert n. Chr. e. Japan übernimmt das aus China stammende Drehbuch. Etwa zur gleichen Zeit stammen auch die ersten Gemälde von dort. Dann erscheint die Malerei als eigenständige Sphäre der Kunst.

edo

Edo ist bei weitem nicht das erste und nicht das letzte Gemälde, aber sie war es, die der Kultur viel Neues gebracht hat. Erstens ist es die Helligkeit und Brillanz, die der üblichen Technik in Schwarz- und Grautönen hinzugefügt wurden. Am meisten herausragender Künstler Dieser Stil wird als Sotasu bezeichnet. Er schuf klassische Gemälde, aber seine Charaktere waren sehr farbenfroh. Später wandte er sich der Natur zu und die meisten Landschaften entstanden vor einem vergoldeten Hintergrund.

Zweitens tauchte während der Edo-Zeit das Exotische, das Namban-Genre, auf. Es wurden moderne europäische und chinesische Techniken verwendet, die mit traditionellen japanischen Stilen verknüpft waren.

Und drittens erscheint die Nang-Schule. Dabei imitieren oder kopieren die Künstler zunächst die Werke chinesischer Meister vollständig. Dann erscheint ein neuer Zweig, der Bunjing genannt wird.

Modernisierungszeit

Die Edo-Zeit ersetzt die Meiji-Zeit, und nun muss die japanische Malerei Einzug halten neue Bühne Entwicklung. Zu dieser Zeit erfreuten sich Genres wie Western und dergleichen auf der ganzen Welt großer Beliebtheit, so dass die Modernisierung der Kunst zu einem alltäglichen Zustand wurde. Doch in Japan, einem Land, in dem alle Menschen Traditionen verehren, in gegebene Zeit Die Dinge waren ganz anders als in anderen Ländern. Hier verschärft sich der Wettbewerb zwischen europäischen und lokalen Technikern.

Die Regierung gibt in dieser Phase jungen Künstlern den Vorzug, die vielversprechend sind, ihre Fähigkeiten im westlichen Stil zu verbessern. Deshalb schicken sie sie an Schulen in Europa und Amerika.

Dies geschah jedoch erst zu Beginn der Periode. Die Sache ist die namhafte Kritiker ziemlich stark kritisierte westliche Kunst. Um zu verhindern, dass dieses Thema große Aufregung erregt, wurden europäische Stile und Techniken aus Ausstellungen verbannt, ihre Ausstellung wurde eingestellt und ihre Beliebtheit ließ nach.

Die Entstehung europäischer Stile

Dann kommt die Taisho-Zeit. Zu dieser Zeit kehren junge Künstler, die das Land verlassen haben, um an ausländischen Schulen zu studieren, in ihre Heimat zurück. Natürlich bringen sie neue Stile mit sich. Japanische Malerei die den europäischen sehr ähnlich sind. Impressionismus und Postimpressionismus treten auf.

In dieser Phase werden viele Schulen gegründet, in denen alte japanische Stile wiederbelebt werden. Aber es ist nicht möglich, westliche Tendenzen vollständig loszuwerden. Daher ist es notwendig, mehrere Techniken zu kombinieren, um sowohl Liebhaber der Klassiker als auch Fans der modernen europäischen Malerei zufrieden zu stellen.

Einige Schulen werden vom Staat finanziert, wodurch viele der nationalen Traditionen erhalten bleiben. Private Händler hingegen sind gezwungen, dem Beispiel der Verbraucher zu folgen, die etwas Neues wollen, sie sind der Klassiker überdrüssig.

Gemälde aus dem Zweiten Weltkrieg

Nach Kriegsbeginn blieb die japanische Malerei noch einige Zeit vom Geschehen fern. Es entwickelte sich separat und unabhängig. Aber es konnte nicht ewig so weitergehen.

Mit der Zeit, wenn sich die politische Situation im Land verschlechtert, ziehen hohe und angesehene Persönlichkeiten viele Künstler an. Einige von ihnen beginnen bereits zu Beginn des Krieges, im patriotischen Stil zu kreieren. Der Rest beginnt diesen Prozess nur auf Anordnung der Behörden.

Dementsprechend konnte sich die japanische bildende Kunst während des Zweiten Weltkriegs nicht besonders entwickeln. Daher kann es für die Malerei als stagnierend bezeichnet werden.

Ewiges Suibokuga

Japanische Sumi-e-Malerei oder Suibokuga bedeutet „Tintenzeichnung“. Dies definiert den Stil und die Technik diese Kunst. Es kam aus China, aber die Japaner beschlossen, ihm einen eigenen Namen zu geben. Und zunächst hatte die Technik keine ästhetische Seite. Es wurde von den Mönchen zur Selbstverbesserung während des Zen-Studiums verwendet. Außerdem zeichneten sie zunächst Bilder und trainierten später beim Betrachten ihre Konzentration. Die Mönche glaubten, dass strenge Linien, vage Töne und Schatten zur Verbesserung beitragen – alles, was man Monochrom nennt.

Die japanische Tuschemalerei ist trotz der großen Vielfalt an Gemälden und Techniken nicht so kompliziert, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Es basiert auf nur 4 Diagrammen:

1. Chrysantheme.
2. Orchidee.
3. Pflaumenzweig.
4. Bambus.

Eine geringe Anzahl von Grundstücken beschleunigt die Entwicklung der Technologie nicht. Manche Meister glauben, dass Lernen ein Leben lang dauert.

Obwohl Sumi-e schon vor langer Zeit auf den Markt kam, ist es immer gefragt. Darüber hinaus kann man die Meister dieser Schule heute nicht nur in Japan treffen, sie ist auch weit über die Grenzen Japans hinaus verbreitet.

Moderne Zeit

Am Ende des Zweiten Weltkriegs blühte die Kunst in Japan nur noch in den Großstädten auf, die Dorfbewohner und Dorfbewohner hatten genug Sorgen. Die Künstler versuchten größtenteils, den Verlusten des Krieges den Rücken zu kehren und das moderne Stadtleben mit all seinen Verzierungen und Besonderheiten auf Leinwand darzustellen. Europäische und amerikanische Ideen wurden erfolgreich übernommen, doch dieser Zustand hielt nicht lange an. Viele Meister wandten sich allmählich von ihnen ab und hin zu japanischen Schulen.

Es ist immer in Mode geblieben. Daher kann sich die moderne japanische Malerei nur in der Ausführungstechnik oder den dabei verwendeten Materialien unterscheiden. Aber die meisten Künstler nehmen verschiedene Innovationen nicht gut wahr.

Ganz zu schweigen von modisch moderne Subkulturen wie Anime und ähnliche Stile. Viele Künstler versuchen, die Grenze zwischen den Klassikern und dem, was heute gefragt ist, zu verwischen. Dieser Zustand ist größtenteils auf den Handel zurückzuführen. Klassiker und traditionelle Genres werden eigentlich nicht gekauft, daher ist es unrentabel, als Künstler in seinem Lieblingsgenre zu arbeiten, man muss sich an die Mode anpassen.

Abschluss

Zweifellos ist die japanische Malerei eine Fundgrube der bildenden Künste. Vielleicht blieb das betreffende Land das einzige, das nicht den westlichen Trends folgte und sich nicht an die Mode anpasste. Trotz vieler Rückschläge zur Zeit des Aufkommens neuer Techniken gelang es japanischen Künstlern immer noch, nationale Traditionen in vielen Genres zu verteidigen. Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum Gemälde im klassischen Stil heutzutage auf Ausstellungen einen hohen Stellenwert haben.

Der heutigen Welt wird oft die Schuld an einer spirituellen Krise, an der Zerstörung der Bindungen an Traditionen und an der Globalisierung zugeschrieben, die unweigerlich die nationalen Grundlagen untergräbt. Alles ist gleichzeitig personalisiert und entpersonalisiert. Wenn wir uns in die sogenannte klassische Kunst einteilen könnten nationale Schulen und stell dir das da vor italienische Kunst Was ist deutsche Kunst und was ist französische; Können wir dann zeitgenössische Kunst in dieselben „Schulen“ einteilen?

Als Antwort auf diese Frage möchte ich Sie auf japanische zeitgenössische Kunst aufmerksam machen. Auf einer Konferenz in Kunstmuseum Mori zum Thema Internationalismus in der zeitgenössischen Kunst im vergangenen Jahr wies Michio Hayashi, Professor an der Universität Tokio, darauf hin, dass die populäre Wahrnehmung von „Japanisch“ im Westen in den 1980er Jahren durch die Dreifaltigkeit von „Kitsch“, „Natürlichkeit“ und „technologische Komplexität“ gefestigt wurde “. Auch heute noch lässt sich die populäre und vor allem kommerziell beliebte zeitgenössische Kunst Japans in dieses Dreieck einordnen. Für den westlichen Betrachter bleibt es aufgrund der Besonderheiten, die nur der Kunst des Landes der aufgehenden Sonne innewohnen, geheimnisvoll und originell. Im August trafen sich West und Ost gleich an drei Kunstorten: Bis zum 8. August fand in Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) die Ausstellung „Duality of Existence – Post-Fukushima“ statt, die Ausstellung „teamLab: Ultra Subjektiver Raum“ dauerte bis zum 15. August praktisch in der Nähe (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); und der „Arhat-Zyklus“ von Takashi Murakami im Palazzo Reale in Mailand erobert und überrascht die Besucher immer noch.

Alle gezeigten Kunstwerke entstanden nach dem 11. März 2011, als der Tsunami Japan traf. Die Nuklearkatastrophe im Kernkraftwerk Fukushima hat die Nation aufgerüttelt und es notwendig gemacht, Prioritäten und Werte zu überdenken und sich wieder auf längst vergessene Traditionen zu besinnen. Die Kunst konnte nicht daneben stehen und präsentierte der Welt einen neuen Künstlertyp, der sich auf die Bedürfnisse des modernen Publikums konzentrierte und gleichzeitig die historischen Grundlagen und Werte würdigte.

Takashi Murakami – Werbung erfolgreicher Künstler, der Techno-Kitsch populär machte und eine neue visuelle Sprache Superflat schuf, die auf den Traditionen der japanischen Nihonga-Malerei und den Besonderheiten von Anime und Manga basiert. Die Ideologie seiner nachgebildeten Skulpturen und ausgefallenen Installationen sollte den Wandel in Japan nach dem Krieg veranschaulichen, als der Konsumismus vorherrschte. Doch der 11. März 2011 teilte das Leben Japans in „Vorher“ und „Nachher“, wie zwei schreckliche Tage im August 1945, als Atombomben auf Hiroshima und Nagasaki abgeworfen wurden. Nach diesem starken Erdbeben, das schreckliche Folgen hatte, begab sich Murakami auf den Weg, den Buddhismus und die japanische Ästhetik neu zu überdenken, und machte einen Schritt in Richtung Rückkehr zu den Ursprüngen und zur Spiritualität. Das erste Werk, das den Arhats-Zyklus einleitete, ist 500 Arhats, das 2012 in Takashi Murakamis Einzelausstellung in Doha, Katar, gezeigt wurde. Die Rückkehr zu buddhistischen Themen erklärt der Autor als Versuch zu erkennen, dass es auf dieser Welt nicht nur uns gibt, dass es von uns unabhängige Kräfte gibt und dass wir uns jedes Mal verbessern müssen, um nicht mehr von uns abhängig zu sein eigene Wünsche und Affekte. Eine dichte Wand aus Arhats, als würde sie das Publikum über die gesamten 100 Meter der Leinwand vor den tobenden Elementen schützen, flößte Frieden und Ruhe in die Seelen aller ein. Aber Murakami beschränkte sich nicht auf nur ein Werk und setzte den Zyklus der Gemälde fort, indem er die Erzählung ergänzte und erweiterte, als würde er eine Manga-Technik anwenden und eine Geschichte in visueller Gestaltung erzählen. Der zweite Teil des Zyklus wurde 2013 in der Blum & Poe Gallery (Los Angeles) präsentiert. Heute bereisen die Arhats in Mailand zum dritten Mal die Welt und verbreiten die Idee einer Rückkehr zur Spiritualität und des Verzichts auf Leidenschaften. Trotz der Erbaulichkeit und Tiefe der Bedeutung sind die Bilder aufgrund der kräftigen und leuchtenden Farbwahl und der künstlerischen Sprache selbst leicht wahrnehmbar. Manga-Elemente brachten ihnen den nötigen Anteil an Popularisierung, so dass die verbreiteten Ideen des Buddhismus auch von der uneingeweihten Öffentlichkeit leicht gelesen und akzeptiert wurden.

Der nächste Vertreter der modernen japanischen Malerei kann Kazuki Umezawa genannt werden, ein Schüler von Murakami, womit wir wieder bei der Frage nach Schule und Kontinuität wären. Er erstellt digitale Darstellungen von Anime-Charakteren, indem er sie auf Aufkleber zeichnet, um zusätzliche Tiefe und visuelles Chaos zu erzeugen. Aus zufälligen und verstreuten Bildern im gesamten Internet konstruiert er Collagen, bricht Hintergründe auf und kreiert Mandalas, die die Struktur und den Inhalt der Fantasie von Otaku (Anime- und Manga-Fans) widerspiegeln. Die Berufung auf das buddhistische Symbol erhöht den semantischen Wert der Werke des jungen Künstlers und verbindet einerseits das Heilige und das in der Kultur etablierte, andererseits zeitgenössische Themen, aber wiederum unter Einbeziehung eines spezifischen japanischen Phänomens – Anime.

Takashi Murakami und Kazuki Umezawa balancieren gekonnt zwischen Relevanz und Tradition, Kitsch und Stil.

Überraschenderweise antwortete ein 16-jähriger Junge, der neun Tage lang unter den Trümmern seines Hauses gefangen war und gerettet wurde, nach dem Erdbeben am 11. März 2011 in Japan auf die Frage eines Journalisten nach seinen Zukunftsträumen: „Ich möchte Künstler werden.“

Die moderne japanische Kunstszene scheint vollständig globalisiert zu sein. Künstler reisen zwischen Tokio und New York, fast alle haben eine europäische oder amerikanische Ausbildung erhalten, sie sprechen über ihre Arbeit in internationalem Kunstenglisch. Dieses Bild ist jedoch noch lange nicht vollständig.

Nationale Formen und Trends erweisen sich als eines der begehrtesten Produkte, die Japan dem Weltmarkt zu bieten hat. künstlerische Ideen und funktioniert.

Flugzeugbetrieb. Wie Superflat amerikanische Geek-Kultur und traditionelle japanische Malerei vereint

Takashi Murakami. „Tang Tan Bo“

Wenn in der westlichen Welt für fast jeden (außer vielleicht den eifrigsten postmodernen Theoretikern) die Grenze zwischen hoch und hoch ist Popkultur ist immer noch relevant, wenn auch problematisch, in Japan sind diese Welten völlig gemischt.

Ein Beispiel dafür ist Takashi Murakami, der Ausstellungen in den besten Galerien der Welt und Streaming-Produktion erfolgreich kombiniert.

Aufzeichnung des Rundgangs durch die Murakami-Ausstellung „Es wird sanften Regen geben“

Allerdings ist Murakamis Beziehung zur Populärkultur – und für Japan ist dies in erster Linie die Kultur der Manga- und Anime-Fans (Otaku) – komplizierter. Der Philosoph Hiroki Azuma kritisiert das Verständnis von Otaku als authentisches japanisches Phänomen. Otaku sehen sich direkt mit den Traditionen der Edo-Zeit des 17.-19. Jahrhunderts verbunden – der Ära des Isolationismus und der Ablehnung der Modernisierung. Azuma argumentiert, dass die Otaku-Bewegung – basierend auf Manga, Animation, Graphic Novels und Computerspielen – nur im Kontext der amerikanischen Besatzung nach dem Krieg als Folge des Imports amerikanischer Kultur entstanden sein konnte. Die Kunst von Murakami und seinen Anhängern erfindet Otaku mit Pop-Art-Techniken neu und entlarvt den nationalistischen Mythos von der Authentizität der Tradition. Es stellt eine „Re-Amerikanisierung der japanisierten amerikanischen Kultur“ dar.

Aus künstlerischer Sicht kommt Superflat der frühen japanischen Ukiyo-e-Malerei am nächsten. Das bekannteste Werk dieser Tradition ist der Kupferstich „ Eine große Welle in Kanagawa“ von Katsushiki Hokusai (1823-1831).

Für die westliche Moderne war die Entdeckung der japanischen Malerei ein Durchbruch. Sie ermöglicht es, das Bild als Fläche zu sehen und versucht, diese Eigentümlichkeit nicht zu überwinden, sondern mit ihr zu arbeiten.

Katsushiki Hokusai. „Die große Welle vor Kanagawa“

Pioniere der Leistung. Was bedeutet japanische Kunst der 1950er Jahre heute?

Dokumentation des kreativen Prozesses von Akira Kanayama und Kazuo Shiragi

Superflat nahm erst in den 2000er Jahren Gestalt an. Doch die für die Weltkunst bedeutsamen künstlerischen Aktionen begannen in Japan viel früher – und sogar früher als im Westen.

Die performative Wende in der Kunst vollzog sich an der Wende der 60er und 70er Jahre des letzten Jahrhunderts. In Japan erschien die Aufführung in den fünfziger Jahren.

Zum ersten Mal hat die Gutai-Gruppe ihren Fokus von der Schaffung autarker Objekte auf den Prozess ihrer Produktion verlagert. Von hier aus – ein Schritt zur Aufgabe des Kunstobjekts zugunsten eines flüchtigen Ereignisses.

Obwohl einzelne Künstler aus Gutai (und es gab 59 von ihnen in zwanzig Jahren) im internationalen Kontext aktiv existierten, versteht man, wie ihre kollektive Aktivität in der japanischen Nachkriegskunst im Allgemeinen erst vor kurzem im Westen begann. Der Boom kam 2013 mit mehreren Ausstellungen in kleinen Galerien in New York und Los Angeles, „Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde“ im MoMA und der großen historischen Retrospektive „Gutai: Splendid Playground“ im Guggenheim Museum. Der Moskauer Import japanischer Kunst scheint eine fast verspätete Fortsetzung dieses Trends zu sein.

Sadamasa Motonaga. Arbeit (Wasser) im Guggenheim Museum

Es ist auffällig, wie modern diese Retrospektivausstellungen wirken. Zentrales Objekt der Ausstellung im Guggenheim Museum ist beispielsweise die Rekonstruktion von Work (Water) von Sadamasa Motonaga, bei der die Ebenen der Museumsrotunde durch Polyethylenrohre mit farbigem Wasser verbunden sind. Sie erinnern an von der Leinwand abgerissene Pinselstriche und verdeutlichen Gutais zentralen Fokus auf „Konkretheit“ (übersetzt aus: „Konkretheit“) Japanischer Name Gruppen), die Materialität der Objekte, mit denen der Künstler arbeitet.

Viele Gutai-Mitglieder erhielten eine Ausbildung mit Bezug zur klassischen Nihonga-Malerei, viele sind biografisch mit dem religiösen Kontext des Zen-Buddhismus und seiner charakteristischen japanischen Kalligraphie verbunden. Sie alle fanden einen neuen, prozessualen oder partizipatorischen Zugang zu alten Traditionen. Kazuo Shiraga hat auf Video aufgezeichnet, wie er seine Anti-Rauschenberg-Monochrome mit den Füßen zeichnet, und hat sogar Gemälde in der Öffentlichkeit geschaffen.

Minoru Yoshida verwandelte Blumen aus japanischen Drucken in psychedelische Objekte – ein Beispiel dafür ist die Bisexuelle Blume, eine der ersten kinetischen (bewegten) Skulpturen der Welt.

Die Kuratoren der Ausstellung im Guggenheim Museum sprechen über die politische Bedeutung dieser Werke:

„Die Gutai demonstrierten die Bedeutung freier individueller Aktion, der Zerstörung der Erwartungen des Publikums und sogar der Dummheit als Möglichkeiten, der sozialen Passivität und Konformität entgegenzuwirken, die es einer militaristischen Regierung über Jahrzehnte ermöglichten, eine kritische Masse an Einfluss zu erlangen, in China einzumarschieren und dann Treten Sie dem Zweiten Weltkrieg bei.

Gut und weise. Warum Künstler in den 1960er Jahren Japan nach Amerika verließen

Gutai war im Japan der Nachkriegszeit die Ausnahme von der Regel. Avantgardistische Gruppen blieben marginal, die Kunstwelt war streng hierarchisch. Der wichtigste Weg zur Anerkennung war die Teilnahme an Wettbewerben anerkannter Vereinigungen klassischer Künstler. Daher zogen es viele vor, in den Westen zu gehen und sich in das englischsprachige Kunstsystem zu integrieren.

Besonders hart war es für die Frauen. Selbst im fortschrittlichen Gutai erreichte ihr Anteil nicht einmal ein Fünftel. Was können wir über traditionelle Institutionen sagen, für deren Zugang es notwendig war? besondere Bildung. In den sechziger Jahren hatten sich Mädchen jedoch bereits das Recht dazu erworben, Kunst zu erlernen (wenn es nicht um Dekoration ging, die zu den Fähigkeiten gehörte). Ryosai Kenbo- eine gute Ehefrau und eine weise Mutter) war ein gesellschaftlich verpönter Beruf.

Yoko Ono. Stück abschneiden

Die Geschichte der Auswanderung fünf mächtiger japanischer Künstlerinnen aus Tokio in die Vereinigten Staaten war Gegenstand von Midori Yoshimotos Studie „Into Performance: Japanische Künstlerinnen in New York“. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi und Shigeko Kubota beschlossen zu Beginn ihrer Karriere, nach New York zu gehen und arbeiteten dort unter anderem an der Modernisierung der Traditionen der japanischen Kunst. Nur Yoko Ono wuchs in den USA auf – doch auch sie weigerte sich bewusst, nach Japan zurückzukehren, da sie während ihres kurzen Aufenthalts in den Jahren 1962–1964 von der künstlerischen Hierarchie Tokios desillusioniert war.

Ono wurde die berühmteste der fünf – nicht nur als Ehefrau von John Lennon, sondern auch als Autorin protofeministischer Performances, die sich der Objektivierung widmeten. Weiblicher Körper. Es gibt offensichtliche Parallelen zwischen Cut Piece It, bei dem das Publikum Stücke von der Kleidung des Künstlers abschneiden konnte, und „Rhythm 0“ von der „Großmutter der Performance“ Marina Abramović.

Auf kurzen Beinen. So bestehen Sie die Schauspielausbildung des Autors Tadashi Suzuki

Im Fall von Ono und Gutai erlangten die Methoden und Themen ihrer Arbeit unabhängig von den Autoren internationale Bedeutung. Es gibt andere Formen des Exports – wenn die Werke des Künstlers auf internationaler Ebene mit Interesse wahrgenommen werden, die Übernahme der eigentlichen Methode jedoch aufgrund ihrer Spezifität nicht erfolgt. Der auffälligste Fall ist das Schauspieltrainingssystem von Tadashi Suzuki.

Selbst in Russland ist das Suzuki-Theater beliebt – und das ist nicht verwunderlich. Zuletzt war er 2016 mit der Aufführung von „Die Trojanerinnen“ nach den Texten von Euripides bei uns und in den 2000er Jahren mehrfach mit Shakespeare- und Tschechow-Inszenierungen. Suzuki übertrug die Handlung der Stücke auf den aktuellen japanischen Kontext und bot nicht offensichtliche Interpretationen der Texte: Er entdeckte den Antisemitismus bei Ivanov und verglich ihn mit der verächtlichen Haltung der Japaner gegenüber den Chinesen, übertrug die Handlung von König Lear auf eine japanische Irrenanstalt.

Suzuki baute sein System im Gegensatz zur russischen Theaterschule auf. Ende des 19. Jahrhunderts, während der sogenannten Meiji-Zeit, erlebte das modernisierende kaiserliche Japan den Aufstieg von Oppositionsbewegungen. Das Ergebnis war eine groß angelegte Verwestlichung einer zuvor äußerst geschlossenen Kultur. Zu den importierten Formen gehörte das Stanislavsky-System, das in Japan (und in Russland) immer noch eine der wichtigsten Regiemethoden ist.

Suzuki-Übungen

In den sechziger Jahren, als Suzuki seine Karriere begann, verbreitete sich immer mehr die These, dass sich japanische Schauspieler aufgrund ihrer körperlichen Merkmale nicht an Rollen aus westlichen Texten gewöhnen könnten, die das damalige Repertoire füllten. Dem jungen Regisseur gelang es, die überzeugendste Alternative anzubieten.

Suzukis Übungssystem, Beingrammatik genannt, umfasst Dutzende Arten des Sitzens und noch mehr Arten des Stehens und Gehens.

Seine Schauspieler spielen meist barfuß und wirken, durch die Absenkung des Schwerpunktes, möglichst fest am Boden verankert, schwer. Suzuki bringt ihnen und ausländischen Künstlern seine Technik im Dorf Toga bei, in alten japanischen Häusern voller moderner Ausrüstung. Seine Truppe gibt nur etwa 70 Auftritte pro Jahr, und die restliche Zeit lebt er fast ohne das Dorf zu verlassen und hat keine Zeit für persönliche Angelegenheiten – nur für die Arbeit.

Das Toga Center entstand in den 1970er Jahren und wurde auf Wunsch des Direktors vom weltberühmten Architekten Arata Isozaka entworfen. Suzukis System mag patriarchalisch und konservativ wirken, aber er selbst spricht über Toga in modernen Begriffen der Dezentralisierung. Schon Mitte der 2000er Jahre erkannte Suzuki, wie wichtig es ist, Kunst aus der Hauptstadt in die Regionen zu exportieren und lokale Produktionsstandorte zu organisieren. Laut dem Regisseur ähnelt die Theaterkarte Japans in vielerlei Hinsicht der russischen – die Kunst konzentriert sich auf Tokio und einige weniger Hauptzentren. Russisches Theater Ein Unternehmen, das regelmäßig in Kleinstädten auf Tour geht und seinen Sitz weit entfernt von der Hauptstadt hat, würde auch nicht schaden.

SCOT Company Center in Toga

Blumenpfade. Welche Ressource hat das moderne Theater in den Noh- und Kabuki-Systemen entdeckt?

Die Suzuki-Methode erwächst aus zwei alten japanischen Traditionen – aber auch aus Kabuki. Nicht nur, dass diese Theaterformen oft als die Kunst des Gehens bezeichnet werden, sondern auch in offensichtlicheren Details. Suzuki folgt oft der Regel über die Ausübung aller Rollen durch Männer und verwendet charakteristische räumliche Lösungen, zum Beispiel Hanamichi („der Weg der Blumen“) des Kabuki-Musters – eine Plattform, die sich von der Bühne bis in die Tiefen des Zuschauerraums erstreckt. Er nutzt auch durchaus erkennbare Symbole wie Blumen und Schriftrollen.

Natürlich in globale Welt Das Privileg der Japaner, ihre nationalen Formen zu verwenden, steht außer Frage.

Das Theater eines der bedeutendsten Regisseure unserer Zeit, des Amerikaners Robert Wilson, wurde auf Anleihen von But aufgebaut.

Er verwendet nicht nur Masken und Make-up, die das Massenpublikum an Japan erinnern, sondern übernimmt auch Handlungsweisen, die auf maximaler Verlangsamung der Bewegung und autarker Ausdruckskraft der Geste basieren. Die Kombination traditioneller und ritueller Formen mit modernster Lichtmusik und minimalistischer Musik (eine der beliebtesten Berühmte Werke Wilson – eine Inszenierung der Oper „Einstein on the Beach“ von Philip Glass) schafft Wilson im Wesentlichen die Synthese von Herkunft und Relevanz, die ein Großteil der modernen Kunst anstrebt.

Robert Wilson. „Einstein am Strand“

Aus Noh und Kabuki ist eine der Säulen des modernen Tanzes erwachsen – Butoh, wörtlich übersetzt – der Tanz der Dunkelheit. Butoh wurde 1959 von den Choreografen Kazuo Ono und Tatsumi Hijikata erfunden, die sich auch auf einen niedrigen Schwerpunkt und die Konzentration auf die Füße stützten. Es ging darum, Reflexionen traumatischer Kriegserlebnisse in die körperliche Dimension zu übertragen.

„Sie zeigten den Körper krank, zusammenbrechend, sogar monströs, monströs.<…>Die Bewegungen sind entweder langsam oder bewusst scharf und explosiv. „Dafür kommt eine spezielle Technik zum Einsatz, bei der die Bewegung aufgrund der Knochenhebel des Skeletts so ausgeführt wird, als ob die Hauptmuskeln nicht beansprucht werden“, schreibt die Tanzhistorikerin Irina Sirotkina Butoh in die Geschichte der Befreiung des Körpers ein, verbindet es mit der Abkehr von der Ballettnormativität. Sie vergleicht Butoh mit den Praktiken von Tänzern und Choreografen des frühen 20. Jahrhunderts – Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, spricht vom Einfluss auf den späteren „postmodernen“ Tanz.

Ein Fragment des Tanzes von Katsura Kana, dem modernen Nachfolger der Butoh-Tradition

Heute ist Butoh in seiner ursprünglichen Form keine avantgardistische Praxis mehr, sondern eine historische Rekonstruktion.

Das von Ono, Hijikata und ihren Anhängern entwickelte Bewegungsvokabular bleibt jedoch eine wichtige Ressource für moderne Choreografen. Im Westen wird es von Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky und sogar im Video zu „Belong To The World“ von The Weekend verwendet. In Japan ist der Nachfolger der Butoh-Tradition beispielsweise Saburo Teshigawara, der im Oktober nach Russland kommen wird. Obwohl er selbst Parallelen zum Tanz der Dunkelheit bestreitet, finden Kritiker durchaus erkennbare Zeichen: einen scheinbar knochenlosen Körper, Zerbrechlichkeit, geräuschlosen Schritt. Zwar werden sie bereits in den Kontext der postmodernen Choreografie gestellt – mit ihrem hohen Tempo, ihren Läufen und der Arbeit mit postindustrieller Noise-Musik.

Saburo Teshigawara. Metamorphose

Lokal global. Inwiefern ähnelt zeitgenössische japanische Kunst der westlichen Kunst?

Die Werke von Teshigawara und vielen seiner Kollegen fügen sich organisch in die Programme der besten westlichen Festivals für zeitgenössischen Tanz ein. Wenn Sie die Beschreibungen der Aufführungen und Aufführungen durchgehen, die beim Festival / Tokio – der größten jährlichen Show des japanischen Theaters – gezeigt wurden, werden Sie kaum grundlegende Unterschiede zu europäischen Trends erkennen können.

Eines der zentralen Themen ist die Ortsspezifität – japanische Künstler erkunden die Räume Tokios, von Ansammlungen des Kapitalismus in Form von Wolkenkratzern bis hin zu Randgebieten der Otaku-Konzentration.

Ein weiteres Thema ist die Untersuchung von Missverständnissen zwischen den Generationen, des Theaters als Ort der Live-Begegnung und der organisierten Kommunikation von Menschen unterschiedlichen Alters. Ihr gewidmete Projekte von Toshika Okada und Akira Tanayama wurden mehrere Jahre in Folge nach Wien zu einem der wichtigsten europäischen Festivals der darstellenden Künste gebracht. Die Übertragung dokumentarischer Materialien und persönlicher Geschichten auf die Bühne war Ende der 2000er Jahre nichts Neues, doch der Kurator der Wiener Festwochen präsentierte diese Projekte der Öffentlichkeit als Möglichkeit für einen Live-Punkt-zu-Punkt-Kontakt miteinander Kultur.

Ein weiterer Schwerpunkt ist die Aufarbeitung der traumatischen Erfahrung. Für die Japaner ist es nicht mit dem Gulag oder dem Holocaust verbunden, sondern mit der Bombardierung von Hiroshima und Nagasaki. Das Theater bezieht sich ständig auf ihn, aber die kraftvollste Aussage über Atomexplosionen als Moment der Entstehung der gesamten modernen japanischen Kultur stammt immer noch von Takashi Murakami.

zur Ausstellung „Little Boy: Die Künste der explodierenden Subkultur Japans“

„Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture“ ist der Titel seines kuratierten Projekts, das 2005 in New York gezeigt wurde. „Little Boy“ – „Baby“ auf Russisch – der Name einer der Bomben, die 1945 über Japan abgeworfen wurden. Murakami sammelte Hunderte von Manga-Comics von führenden Illustratoren, unverwechselbares Vintage-Spielzeug und Merchandise-Artikel, die von berühmten Animes von Godzilla bis Hello Kitty inspiriert wurden, und hat die Konzentration von Niedlichkeit – Kawaii – im Museumsraum auf die Spitze getrieben. Parallel dazu startete er eine Auswahl an Animationen, in denen zentrale Bilder Es gab Bilder von Explosionen, nackter Erde, zerstörten Städten.

Dieser Widerstand war die erste große Aussage über die Infantilisierung der japanischen Kultur als Mittel zur Bewältigung der posttraumatischen Belastungsstörung.

Nun scheint diese Schlussfolgerung bereits offensichtlich. Darauf baut eine akademische Studie über Kawaii von Inuhiko Yomota auf.

Es gibt auch spätere traumatische Auslöser. Zu den wichtigsten zählen die Ereignisse vom 11. März 2011, das Erdbeben und der Tsunami, die zu einem schweren Unfall im Kernkraftwerk Fukushima führten. Beim Festival/Tokyo-2018 war ein ganzes Programm von sechs Aufführungen dem Verständnis der Folgen einer Natur- und Technologiekatastrophe gewidmet; Sie wurden auch zum Thema eines der in Soljanka präsentierten Werke. Dieses Beispiel zeigt deutlich, dass das Arsenal Kritische Methoden Westliche und japanische Kunst unterscheiden sich nicht grundsätzlich. Haruyuki Ishii kreiert eine Installation aus drei Fernsehgeräten, die in Hochgeschwindigkeit geschnittenes und gelooptes Filmmaterial aus Fernsehprogrammen über das Erdbeben in einer Schleife abspielen.

„Die Arbeit besteht aus 111 Videos, die der Künstler täglich in den Nachrichten sah, bis zu dem Moment, als alles, was er sah, nicht mehr als Fiktion wahrgenommen wurde“, erklären die Kuratoren. „Neues Japan“ ist ein ausdrucksstarkes Beispiel dafür, wie Kunst sich der Interpretation auf der Grundlage nationaler Mythen nicht widersetzt, sondern gleichzeitig kritisches Auge ist der Ansicht, dass die gleiche Interpretation für Kunst jeglichen Ursprungs relevant sein könnte. Die Kuratoren sprechen über Kontemplation als Grundlage der japanischen Tradition und beziehen sich dabei auf Zitate aus Lao Tzu. Gleichzeitig, als würde man es ausklammern, ist bei fast jeder zeitgenössischen Kunst der „Beobachtereffekt“ (wie die Ausstellung genannt wird) im Mittelpunkt – sei es in Form der Schaffung neuer Kontexte für die Wahrnehmung bekannter Phänomene oder in der Erweckung die Frage nach der Möglichkeit adäquater Wahrnehmung als solcher.

Imagined Communities – ein weiteres Werk des Videokünstlers Haruyuki Ishii

Spiel

Allerdings sollte man nicht glauben, dass das Japan der 2010er Jahre eine Konzentration von Fortschrittlichkeit ist.

Die Gewohnheiten des guten alten Traditionalismus und die Liebe zur orientalistischen Exotik sind noch nicht überlebt. „The Theatre of Virgins“ ist der Titel eines eher bewundernden Artikels über das japanische Theater „Takarazuka“ in der russischen konservativen Zeitschrift „PTJ“. Takarazuka entstand Ende des 19. Jahrhunderts als Geschäftsprojekt, um Touristen in eine abgelegene Stadt mit demselben Namen zu locken, die zufällig zum Endpunkt eines Privatunternehmens wurde Eisenbahn. Im Theater spielen ausschließlich unverheiratete Mädchen, die nach Angaben des Bahnbesitzers männliche Zuschauer in die Stadt locken sollten. Heute funktioniert Takarazuka als Industriebetrieb – mit einem eigenen, dichten Fernsehsender Konzertprogramm, sogar der örtliche Vergnügungspark. Aber nur unverheiratete Mädchen haben noch das Recht, in der Truppe zu sein – hoffen wir, dass sie nicht zumindest ihre Jungfräulichkeit prüfen.

Allerdings verblasst Takarazuka im Vergleich zum Toji Deluxe Club in Kyoto, den die Japaner auch Theater nennen. Demnach zu urteilen, sehen sie absolut wild aus Beschreibung New Yorker-Kolumnist Ian Buruma, Striptease-Show: Mehrere nackte Mädchen auf der Bühne machen die Demonstration ihrer Genitalien zum öffentlichen Ritual.

Wie viele künstlerische Praktiken basiert auch diese Show auf alten Legenden (mit Hilfe einer Kerze und einer Lupe konnten die Männer aus dem Publikum abwechselnd die „Geheimnisse der Muttergöttin Amaterasu“ erkunden), und der Autor selbst wurde daran erinnert der Noh-Tradition.

Suchen Westliche Kollegen Für „Takarazuki“ und Toji überlassen wir es dem Leser – es ist nicht schwer, sie zu finden. Wir stellen nur fest, dass ein erheblicher Teil der modernen Kunst genau auf die Bekämpfung solcher Unterdrückungspraktiken abzielt – sowohl westliche als auch japanische, vom Superflat- bis zum Butoh-Tanz.

Obwohl Japan weltweit als ein Land mit aufstrebenden Technologien gilt, hat die zeitgenössische Kunst keine Eile, sich von der Tradition zu lösen. Die Ausstellung „Mono no Avare. „The Charm of Things“ ist eine traurige Geschichte über die menschliche Verfassung im Plastikzeitalter.

Mono no Aware – ein für die japanische Kultur charakteristisches ästhetisches Prinzip, das der Ausstellung den Namen gab, bedeutet den traurigen Charme der Dinge, ein Gefühl der Faszination für die offensichtliche und implizite Schönheit von Dingen und Phänomenen, mit einem obligatorischen Hauch grundloser Traurigkeit durch ein Gefühl für die illusorische Natur und Zerbrechlichkeit alles Sichtbaren. Es ist untrennbar mit der traditionellen japanischen Religion des Shintoismus verbunden. Shintoisten glauben, dass alle Dinge mit der spirituellen Essenz „Kami“ ausgestattet sind. Es existiert in jedem Objekt: sowohl in Holz als auch in Stein. „Kami“ sind unsterblich und in den Kreislauf von Leben und Tod eingebunden, durch den sich alles auf der Welt ständig aktualisiert.

Und obwohl zeitgenössische Kunst eine internationale Sprache spricht, sollte die in dieser Ausstellung präsentierte zeitgenössische japanische Kunst besser aus der Perspektive ihrer Traditionen betrachtet werden.

Die Einführungsinstallation des Künstlers Hiraki Sawa nahm einen ganzen Raum ein und ist ein Schattentheater, in dem die Schauspieler Haushaltsgegenstände sind. Sie wurde nach dem Prinzip einer Kindereisenbahn gebaut. Ein Zug fährt mit einer Taschenlampe durch die vom Künstler geschaffene Landschaft, ein Lichtstrahl lässt aus der Mikrowelt der Dinge eine Makrowelt entstehen. Und jetzt ist es schon soweit Birkenhain und nicht vertikal stehende Bleistifte; und das sind Stromleitungen auf den Feldern und keine hängenden Wäscheklammern; und ein umgekehrtes Plastikbecken mit Griffen ist ein Tunnel. Die Arbeit heißt „Inside“ und wurde zuvor auf der Biennale in Venedig gezeigt.

Die Malerei von Shinishiro Kano kann als primitiver Surrealismus bezeichnet werden. In Kanos Stillleben befinden sich ein Basketball, der Planet Erde und Früchte auf einem Teller.

Bei dem Gemälde handelt es sich nicht um ein Gemälde selbst, sondern nur um einen in Öl gemalten Rahmen. Auf der einen Leinwand ist eine Gottheitsfigur in einem roten Kimono mit einem an einem Haken aufgehängten roten Handtuch auf der anderen Leinwand kombiniert. Geht es in dieser Bildserie nicht um die Illusion der Welt? Oder vielleicht hat jedes Ding einen Kami.

Auf dem Gemälde von Masaya Chiba sind vor dem Hintergrund eines wunderschönen Dschungels zwei Figuren zu sehen: anthropomorphe Kreaturen, die aus weißer Substanz bestehen und kaum einem Mann und einer Frau ähneln. Sie sind wie orientalische Theaterpuppen auf Stöcken befestigt. Materie ist sterblich, sie ist nur eine Hülle – als ob der Autor es uns sagen wollte. Sein anderes Gemälde „Sleeping Man“ ist ungefähr gleich. Auf dem Bild ist keine Person zu sehen, nur eine Handvoll Dinge auf der Ottomane: alte Fotos und Postkarten, gewachsene Kakteen, Handschuhe, Lieblingskassetten, ein Glas Gewürze und ein Werkzeugsatz.

Der Künstler Teppei Kanueji „skulpturiert“ (aufgebautes Objekt) seine Person nach dem gleichen Prinzip: Er klebt Hausmüll in Form eines anthropomorphen Wesens auf und überzieht es mit weißer Farbe.

Ein riesiges Mandala liegt mit Salz auf dem Boden; es handelt sich um ein traditionelles Tempelritual für Japan, das offenbar aus dem Buddhismus stammt. Ein solches Schmuckstück fängt den Geist eines Labyrinths oder einer Karte eines geheimnisvollen Landes ein und wie gut es ist, dass es im Museum keinen Wind gibt. Diese Installation ist einzigartig, der Künstler hat sie mehrere Tage lang innerhalb der Mauern des Museums geschaffen. Es gibt auch eine interessante japanische Tradition: Vor dem Kampf streuen Sumoringer Salz auf den Boden.

Hiroaki Moritas Installation „From Evian to Volvik“ eröffnet eine ganze Reihe interessantes Thema modern für Japan – Kunststoffverarbeitung. Auf dem Glasregal liegt eine Flasche Evian-Wasser, deren Schatten genau in den Hals einer anderen Flasche Volvik fällt, die auf dem Boden steht. Es entsteht die Illusion, dass Wasser von Flasche zu Flasche fließt. Auf den ersten Blick absurd. Für die Japaner symbolisiert dieses konzeptionelle Werk nicht nur den Kreislauf des „kami“, also der spirituellen Essenz, sondern auch in buchstäblich das Prinzip des Recyclings - Recycling. Als Inselstaat war Japan einer der ersten, der lernte, wie man Plastikmüll sammelt, sortiert und recycelt. Aus dem entstehenden Material werden nicht nur neue Flaschen und Sneaker nachgefertigt, sondern sogar künstliche Inseln geschaffen.

Teppei Kuneujis Installation gleicht auf den ersten Blick einer Müllsortierstation. Hier sind Plastikgegenstände in verschiedenen Reihenfolgen ausgelegt: Schaufeln, Formen, verschiedene Spielzeuge, Kleiderbügel, farbige Zahnbürsten, Schläuche, Gläser und andere. Mit weißem Pulver bestreut scheinen sie hier schon seit einer Ewigkeit zu liegen. Wenn man zwischen diesen vertrauten, aber jetzt nicht benutzten Gegenständen umhergeht und sie bereits losgelöst betrachtet, hat man das Gefühl, in einem Steingarten zu meditieren. In seinen Fotocollagen baut Teppei Kuneuji „im Geiste“ Türme aus Bauschutt. Dabei handelt es sich jedoch nicht um solche kinetischen Ketten wie die des Künstlerduos Fishli und Weiss, sondern um einen buddhistischen Sakralbau, bei dem Stein auf Stein ruht, ohne dass es zu einem Bindemittel kommt.

Der Künstler Suda Yoshihiro platzierte eine kunstvoll gefertigte rosafarbene Holzrose mit einem heruntergefallenen Blütenblatt zwischen den Scheiben im Museumsfenster mit Blick auf die Moika. Wenn ich mir diesen sehr subtilen und poetischen Eingriff im Museum ansehe, möchte ich anfangen, in japanischen Versen im Haiku-Genre zu sprechen, wie zum Beispiel: „Winter. Sogar eine Rose in einem Museum blüht für immer.“

Ein weiteres nicht minder poetisches Werk, The Opposite of Volume, von Onishi Yasuaki bezieht sich auf das Werk des mittelalterlichen Malers und Zen-Mönchs Toyo Sesshu. Dieser japanische Klassiker ist dafür bekannt, ihn ins Land zu bringen aufgehende Sonne Chinesische monochrome Tuschezeichnung.

Yasuakis Installation ist die dreidimensionale Silhouette eines Berges aus grauem Polyethylen, auf die von der Decke Strahlen (wie Regen) aus gefrorenem Flüssigplastik fallen. Man sagt, man solle unter einem Regenguss einen „leeren“ Berg machen, als ob man ein Monochrom hätte Toyo-Gemälde Sessu, der Künstler musste einen Berg aus Kisten bauen, ihn mit dünnem Polyethylen abdecken und dann heißes Plastik von der Decke tropfen lassen.

Schließlich die Installation von Kengo Kito: Girlanden aus farbigen Sportreifen aus Kunststoff hängen herab, als wären es „japanische Grüße“, die nach Russland gebracht wurden Olympische Spiele. Es ist merkwürdig, dass die Ausstellung „The Charm of Things“ Kunststoff als Material verwendet, mit dem japanische Künstler nicht nur Umwelt-, sondern auch spirituelle Themen berühren.