Σπίτι › Ελαστικά και ζάντες › Eric Bulatov προσωπική ζωή. Ποιο είναι τι; Σχετικά με τους πίνακες του καλλιτέχνη Erik Bulatov διαφορετικών εποχών

Eric Bulatov προσωπική ζωή. Ποιο είναι τι; Σχετικά με τους πίνακες του καλλιτέχνη Erik Bulatov διαφορετικών εποχών

Έρικ Μπουλάτοφ. Πήδημα. 1994

Είναι ο μόνος Ρώσος καλλιτέχνης του οποίου τα έργα εκτέθηκαν επίσης στο Λούβρο, στο Εθνικό Κέντροτέχνης και πολιτισμού που πήρε το όνομά του από τον Πομπιντού και στο Μουσείο σύγχρονη τέχνηΠαρίσι. Το 1988, ο Eric Bulatov αναγνωρίστηκε από την UNESCO καλύτερος καλλιτέχνηςτης χρονιάς. Ο πλοίαρχος λέει ότι αναφέρεται σε αυτή την κατάσταση πραγμάτων όχι χωρίς ειρωνεία, εν τω μεταξύ, παραμένει ο συγγραφέας έργων ζωγραφικής που είναι πάντα επιτυχημένοι σε κορυφαίες δημοπρασίες.

Ο Eric Vladimirovich Bulatov είναι ένας από τους πιο διάσημους Ρώσους καλλιτέχνες avant-garde. Θεωρείται ένας από τους ιδρυτές της λεγόμενης Sots Art. Γεννήθηκε στο Sverdlovsk το 1933. Αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης με το όνομα V.I. Surikov.

Έρικ Μπουλάτοφ. Κινητές γρίλιες. Η Τζοκόντα. 2006

Οι πίνακες του Μπουλάτοφ είναι αναγνωρίσιμοι σε όλο τον κόσμο. Αυτό οφείλεται στη μοναδική τεχνική. Σωτς τέχνηή ποπ αρτ στα ρωσικά. Οι πίνακές του είναι πάντα κορεσμένοι με συμβολισμούς, που σε κρυπτογραφημένη μορφή παρουσιάζει στον θεατή τις παρατηρήσεις του για τον παραλογισμό της σοβιετικής πραγματικότητας, που βρίσκεται στα πρόθυρα μιας καμπής ορμώντας από τη μια πλευρά στην άλλη, αναζητώντας μια διέξοδο, αλλά εκεί γύρω είναι μόνο αδιέξοδα, τριγύρω υπάρχουν μόνο αξιωματούχοι με την πλήρη αυθαιρεσία τους και η πανταχού παρούσα βιομηχανία της Δύσης, που είναι πανίσχυρη τρυπάει σαν σφήνα το εξασθενημένο κέλυφος της κουλτούρας του σοβιετικού λαού.

Συχνά αυτές είναι οι λέξεις και οι προτάσεις των σοβιετικών αφισών εκείνης της εποχής, βγαλμένες εκτός πλαισίου, τοποθετημένες πάνω στον ίδιο τον πίνακα, που επιβεβαιώνουν, αυτοκαταφρονούν ή αλληλοσυμπληρώνονται. Όλα αυτά, ως δυσαρέσκεια για την πραγματικότητα, ως κοροϊδία, διαμαρτυρία και επαναστατική διάθεση, αντικατοπτρίζονται στην τέχνη του Έρικ Μπουλάτοφ.

Έρικ Μπουλάτοφ. Ορίζοντας. 1971-1972

Υπό αυτή την έννοια, ο καλλιτέχνης αποδείχθηκε πραγματικό ταλέντο. Δεν υπάρχουν πολλοί καλλιτέχνες στη χώρα μας που στο χώρο της avant-garde κατάφεραν να κερδίσουν τέτοια δημοτικότητα σε όλο τον κόσμο. Το θέμα εδώ δεν είναι καν τα αντισοβιετικά αισθήματα σε ορισμένες χώρες του κόσμου, που βρίσκουν υποστήριξη στους πίνακές του, αλλά το ίδιο το ταλέντο του συγγραφέα, η προσέγγισή του στη ζωγραφική, στους συμβολισμούς, σε ένα νέο είδος που έθρεψε και έβαλε. στα πόδια του.

Ο E. Bulatov άρχισε να φτιάχνει τα πρώτα ένθετα το 1957. Στη συνέχεια οι εκθέσεις πραγματοποιήθηκαν αποκλειστικά στη Ρωσία, οι οποίες, ωστόσο, ήταν αρκετά περιζήτητες λόγω του γεγονότος ότι η κοινωνία, σύμφωνα με τα λόγια του Βίκτορ Τσόι, «περίμενε αλλαγές». Από το 1973, ο καλλιτέχνης άρχισε να εκθέτει στο εξωτερικό. Από το 1992 ζει στο Παρίσι. Θεωρείται ένας από τους πιο ακριβούς Ρώσους καλλιτέχνες. Το έργο του «Σοβιετικός Χώρος» πουλήθηκε έναντι 1,6 εκατομμυρίων δολαρίων στη δημοπρασία της Philips.

Έρικ Μπουλάτοφ. Οδός Krasikov. 1977

«Ήθελα να δείξω Σοβιετική ζωήόπως ακριβώς είναι, χωρίς να εκφράζει καμία σχέση με αυτό. Δεν υπήρχε καμία προφανής διαμαρτυρία στον πίνακα μου, δεν είχα καμία επιθυμία να πείσω τον θεατή για κάτι: κοίτα πόσο τρομερό είναι! Δεν ήμουν ήρωας κοινωνικού αγώνα όπως ο Όσκαρ Ράμπιν. Το καθήκον μου ήταν θεμελιωδώς διαφορετικό: ήθελα ο θεατής να δει τη ζωή του όπως είναι, αλλά να τη δει σαν από έξω».

"Ήθελα να δημιουργήσω μια απόσταση μεταξύ αυτής της πραγματικότητας και της συνείδησης του θεατή. Αυτό εξυπηρετούσε η εικόνα, λειτουργώντας ως απόσταση, ως παράδειγμα μιας μακρινής ματιάς. Έφτιαξα ένα έργο τέχνης ως παράδειγμα μεταξύ πραγματικότητας και συνείδησης Αυτό ήταν το σημαντικό για μένα Να κάνω τον θεατή να σκεφτεί: άρα είναι η ζωή μου... Για να αντιληφθεί τους πίνακές μου όχι ως μάθημα, αλλά να κάνει και ο ίδιος μια ανακάλυψη.

Έρικ Μπουλάτοφ. Ήθελα να είναι ελαφρύ, αλλά δεν πέτυχε. 2002

Έρικ Μπουλάτοφ. Όλη αυτή την άνοιξη. 1998

Έρικ Μπουλάτοφ. Φωτογραφία για μνήμη

Μάργκαρετ Ρισμόντο. Boulevard Raspail

ουράνιος θόλος

Φθινοπωρινό τοπίο

«Μπρέζνιεφ. Σοβιετικό διάστημα "(1977)

Ρωσικός 20ος αιώνας

Δόξα στο ΚΚΣΕ

Χαρακτηριστικό και αναγνωρίσιμο δημιουργική μέθοδοςΤο Bulatov είναι η σύγκρουση του κειμένου της αφίσας, αποσπασμένο από το πλαίσιο της σοβιετικής πραγματικότητας, με το παραστατικό (τις περισσότερες φορές το τοπίο, δανεισμένο από τον μαζικό Τύπο) συνιστώσα. Ως αποτέλεσμα, ο καλλιτέχνης καταφέρνει με εξαιρετικά προσιτό τρόπο να εικονογραφήσει τον παραλογισμό της πραγματικότητας, υπερκορεσμένο από τα σύμβολα της σοβιετικής προπαγάνδας.

Εκτός από τα έργα του θέματος Sots Art, ακόμη και σε τους πρώιμη εργασίαΟ Bulatov ανέπτυξε μια θεωρία της αλληλεπίδρασης της εικόνας και του χώρου. Σε αυτά τα έργα του είναι αισθητή η επιρροή του Φαλκ. Μια δυνατή, πρωτότυπη σκηνή του έργου του, ανεκτίμητη στα πλαίσια της ιστορίας της τέχνης.

Τα έργα του Bulatov εκτίθενται τακτικά σε δημοπρασίες σύγχρονης τέχνης. Έτσι, στη δημοπρασία της Philips, το έργο "Σοβιετικός Χώρος" κέρδισε περίπου 1,6 εκατομμύρια δολάρια, δύο ακόμη καμβάδες με θέμα το Σοβιετικό, συμπεριλαμβανομένου του "Revolution - Perestroika", πουλήθηκαν για ένα εκατομμύριο δολάρια ο καθένας, γεγονός που έκανε τον Bulatov έναν από τους πιο ακριβούς σύγχρονους Ρώσους καλλιτέχνες.

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - αυτή η εικόνα εμφανίστηκε στην αφίσα της έκθεσης "Counterpoint"

Στις 14 Οκτωβρίου 2010 εγκαινιάστηκε στο Λούβρο η έκθεση «Αντίστιξη: Ρωσική Σύγχρονη Τέχνη». Στην έκθεση παρουσιάζονται έργα περισσότερων από είκοσι καλλιτεχνών. Αυτοί είναι οι Erik Bulatov, Emilia και Ilya Kabakov, Vitaly Komar και Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexei Kallima, Vladimir Dubossarsky και Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, οι Blue Noses + F και άλλοι. Την παραμονή της ημέρας έναρξης, ο Yury Kovalenko, ανταποκριτής της Izvestia στη Γαλλία, συνάντησε τον ακαδημαϊκό Eric Bulatov στο στούντιό του στο Παρίσι.

Izvestia: Κανένας από τους Ρώσους καλλιτέχνες δεν εξέθεσε στο Λούβρο κατά τη διάρκεια της ζωής του. Ναι, και δυτικοί δάσκαλοι που έχουν λάβει μια τέτοια τιμή, μία ή δύο φορές, και μέτρησαν. Με μια λέξη, είναι ωραίο να μπεις στο Λούβρο!

erik Bulatov: Πράγματι, το Λούβρο φαίνεται σε όλους μας κάτι ανέφικτο. Όμως η έκθεσή μας θα γίνει, σαν να λέμε, σε κελάρια - στο μεσαιωνικό Λούβρο, όπου έχουν ανασκαφεί τα θεμέλια των τειχών και των πύργων του παλατιού. Αυτό το μέρος για την έκθεση είναι απολύτως ακατάλληλο. Εκεί, εκτός από το ότι μπορείς να κάνεις εγκαταστάσεις ή να δείξεις βίντεο. Μια πραγματικά έκθεση που θα μιλούσε τελευταίας τεχνολογίαςτης τέχνης μας - ειδικά στο Έτος της Ρωσίας στη Γαλλία, θα έπρεπε να είχε κανονιστεί αλλού. Για παράδειγμα, στο Εθνικό Κέντρο Τεχνών και Πολιτισμού Georges Pompidou.

και: Λοιπόν, είσαι προσβεβλημένος;

Bulatov: Δεν είμαι προσβεβλημένος, αλλά απλά δεν θέλω να υπάρχει ευφορία, άμετρος ενθουσιασμός: "Αχ, το Λούβρο, το Λούβρο!" Αλλά όπως και να έχει, για εμάς τους Ρώσους, το Λούβρο είναι ένας ιερός τόπος στον οποίο ενωνόμαστε. Αφήστε κάπου στη γωνία, στη ρωγμή.

και: Η διεξαγωγή της «Αντίστιξης» σημαίνει αναγνώριση της σύγχρονης τέχνης μας; Ή μήπως είναι μόνο μία από τις εκδηλώσεις στο πλαίσιο του Σταυρού Έτους Ρωσίας και Γαλλίας;

Bulatov: Κάνω αυτή την ερώτηση στον εαυτό μου. Υπάρχουν σημάδια και των δύο. Από τη μια, υπήρχε από καιρό η πεποίθηση στη Δύση ότι η ρωσική τέχνη, εκτός από τους πρωτοποριακούς καλλιτέχνες της δεκαετίας του 1920, απλώς δεν υπάρχει. Όλα τα άλλα -πριν και μετά- είναι επαρχιακά και δευτερεύοντα. Φυσικά, αναγνωρίστηκαν τρεις-τέσσερις καλλιτέχνες μας, αλλά η επιτυχία τους παρέμεινε προσωπική και δεν μεταφέρθηκε Ρωσική τέχνηκαθόλου. Από την άλλη, υπάρχει - έστω και πολύ αργά - η διαδικασία καθιέρωσης της ρωσικής τέχνης στο σύνολό της.

και: Σε ποιο βαθμό η τρέχουσα έκθεση στο Λούβρο αντικατοπτρίζει τη σύγχρονη ρωσική τέχνη;

bulatov: Βασίζεται κυρίως στον εννοιολογισμό - μια σκηνοθεσία που θα παρουσιαστεί αρκετά πειστικά στο Λούβρο. Αλλά αυτή δεν είναι όλη η τέχνη μας. Αποδεικνύεται όχι μια αντικειμενική εικόνα, αλλά κάποιο θραύσμα. Πολλοί καλλιτέχνες που μου φαίνονται πολύ σημαντικοί απουσιάζουν από αυτή την έκθεση. Νομίζω ότι, για παράδειγμα, θα έπρεπε να είχε προσκληθεί ο Όσκαρ Ράμπιν.

και: Το κοινό περιμένει εκπλήξεις. Την ημέρα του vernissage στο Λούβρο, ο καλλιτέχνης Yuri Leiderman οργανώνει την παράστασή του: δύο γυναίκες στα ρωσικά εθνικές ενδυμασίεςεκατό κεφάλια λάχανο τεμαχίζονται μπροστά στα μάτια των θεατών. Από την πλευρά του, ο συνάδελφός του Γιούρι Άλμπερτ θα οδηγήσει το κοινό στο Λούβρο με δεμένα μάτια...

bulatov: Αυτός είναι ο εννοιολογισμός μας.

και: Ο πίνακας σας "Liberte" ("Ελευθερία") αναπαράγεται στην αφίσα της έκθεσης - ονομαστική κλήση από διάσημος πίνακαςΝτελακρουά «Ελευθερία στα οδοφράγματα».

Bulatov: Εκτίθενται δύο από τα έργα μου. Εκτός από αυτό, υπάρχει και ο πίνακας "Μαύρη βραδιά - Λευκό χιόνι".

και: Το «Liberte» είναι μια εικόνα σχολικού βιβλίου με κάθε έννοια. Μαζί με το άλλο σας έργο - τον «Σοβιετικό Χώρο» - μπήκε ακόμη και στα γαλλικά σχολικά βιβλία.

Bulatov: Έλαβα αυτή την παραγγελία το 1989, όταν ετοιμαζόταν μια μεγάλη γιορτή στη Γαλλία με την ευκαιρία της 200ης επετείου της επανάστασης. Επρόκειτο να σηκώσουν στον αέρα ένα αερόπλοιο, το οποίο, αφενός, έπρεπε να ζωγραφίσει ένας Ρώσος καλλιτέχνης και από την άλλη, ένας Αμερικανός. Και είχα μια ιδέα που σχετίζεται με την επαναστατική μας κατάσταση τη δεκαετία του 1980. Τότε υπήρχαν πολλές αυταπάτες που αγαπούσαν την ελευθερία.

και: Πώς αντιλαμβάνεται το δυτικό κοινό τη ρωσική τέχνη σήμερα;

Bulatov: Πάντα με ενδιαφέρον. Πείστηκα για αυτό στην έκθεση "Ρωσικό Τοπίο" στο Εθνική Πινακοθήκηστο Λονδίνο. Το μουσείο είναι δωρεάν, αλλά η έκθεση πληρώνεται. Και ο κόσμος στάθηκε για να το ανέβει. Η ίδια προσοχή δίνεται στις ρωσικές εκθέσεις στο Παρίσι. Το πρόβλημα προκύπτει με την κριτική - δεν έχει ενδιαφέρον.

Ι: Και ποιανού είναι η αλήθεια;

Bulatov: Η αλήθεια δεν μπορεί να είναι στο πλευρό αυτών που προσπαθούν να ηγηθούν της τέχνης. Είναι επίσης λάθος να υποθέσουμε ότι είναι στο πλευρό του κοινού. Οι μάζες, για παράδειγμα, πηγαίνουν στον Γκλαζούνοφ ή στον Σίλοφ. Σε κάθε περίπτωση, δεν μπορεί κανείς να μην υπολογίζει με το κοινό ή τουλάχιστον με εκείνους που θέλουν να κατανοήσουν τη ζωγραφική. Πρέπει να μορφωθούν, πρέπει να συνεργαστείς μαζί τους. Όχι απλώς να δηλώσεις έναν καλλιτέχνη καλό και έναν άλλο κακό, αλλά να εξηγήσεις πράγματα για τα θεμελιώδη θεμέλια της τέχνης.

και: Υπάρχει μια γαλλική έκφραση «να εκπαιδεύεις το μάτι».

Bulatov: Όχι μόνο τα μάτια, αλλά και το κεφάλι. Το μάτι, όπως είπε ο δάσκαλός μου Vladimir Andreevich Favorsky, μπορεί να εξαπατηθεί. Η συνείδηση είναι πιο δύσκολο να εξαπατηθεί.

και: Ο Φαβόρσκι δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης, αλλά και φιλόσοφος.

Bulatov: Ήταν φιλόσοφος της τέχνης. Συνδέθηκε με τον Florensky και με τους άλλους θρησκευτικούς φιλοσόφους μας. Δεν είμαι φιλόσοφος, αλλά απλώς καλλιτέχνης. Απλώς προσπαθώ να καταλάβω γιατί και γιατί το κάνω με αυτόν τον τρόπο και όχι αλλιώς.

και: Δεν είναι πολύ μεγάλη εξουσία οι επιμελητές, που ονομάζονται εδώ κομισάριοι; Καλλιτέχνες στα χέρια τους, με τα λόγια σου, σαν βοηθητικό υλικό - μπογιές και πινέλα;

Bulatov: Έχω την εντύπωση ότι η γενική κατάσταση αλλάζει τώρα. Ίσως γιατί μεταξύ των επιμελητών υπάρχει αλλαγή γενεών.

και: Η τέχνη δεν έχει χάσει τις ηθικές της λειτουργίες από πολλές απόψεις και δεν έχει γίνει μέρος της βιομηχανίας του θεάματος;

Bulatov: Δεν μπορούμε να κρίνουμε αντικειμενικά τη σημερινή τέχνη, γιατί κρίνουμε ακριβώς από αυτό που μας δείχνουν. Δεν ξέρω πώς αυτό αντιστοιχεί σε αυτό που συμβαίνει στην τέχνη. Επιπλέον, ελπίζω ότι αυτό δεν ισχύει καθόλου. Και για το τι είδους τέχνη σήμερα, θα μάθουμε, ίσως σε πενήντα χρόνια.

και: Η επερχόμενη νίκη στη Δύση της μαζικής μικροαστικής κουλτούρας είχε προβλεφθεί από τον Herzen. Τώρα φαίνεται να έχει επιτέλους το πάνω χέρι στη Ρωσία.

Bulatov: Δεν μπορεί να κερδίσει εντελώς. Δεν ζούμε βέβαια στην Αναγέννηση, αλλά η τέχνη δεν μπορεί να χαθεί. Αν συμβεί αυτό, η ανθρώπινη ύπαρξη θα γίνει χωρίς νόημα. Η Τέχνη κάνει ένα ερώτημα που κανείς άλλος δεν κάνει: «Γιατί άντρας;».

και: Ακόμα πηγαίνεις στο Λούβρο για να σπουδάσεις με τους κλασικούς. Τι μπορεί να μάθει ένας εδραιωμένος διάσημος καλλιτέχνης;

Bulatov: Στην πραγματικότητα, μπορώ να κάνω πολύ λίγα. Υπάρχουν πολλά πράγματα που δεν μπορώ να κάνω.

και: Ταπείνωση περισσότερο από υπερηφάνεια;

Bulatov: Όχι, είναι αλήθεια. Κάθε καλλιτέχνης έχει έναν δρόμο στον οποίο ακολουθεί. Κι αν παραπατήσεις λίγο, βρίσκεσαι αμέσως σε ένα τέλμα στο οποίο δεν πλοηγείστε καθόλου. Και κάθε φορά ένα νέο έργο πρέπει να ξεκινάει από την αρχή, να αποφασίζεται εκ νέου, γιατί στην τέχνη όλες οι αποφάσεις είναι εφάπαξ.

και: Εξακολουθείτε να βασανίζεστε από το δημιουργικό μαρτύριο;

Bulatov: Μαζί με τον Favorsky, ο Falk ήταν ο δάσκαλός μου. Ως μαθητής ήρθα να του δείξω τη δουλειά μου. Και με ρώτησε: «Τι γνώμη έχεις για αυτούς;». Τότε ήμουν σε πλήρη απόγνωση από τη δική μου μετριότητα και του το είπα. Ο Falk μου απάντησε: "Σημαίνει ότι είσαι τώρα σε πολύ καλή δημιουργική κατάσταση. Θα σου πω κάτι που δεν θα είναι παρηγοριά για σένα, αλλά που θα είναι χρήσιμο στο μέλλον. Αυτή η κατάσταση θα συνεχιστεί σε όλη σου τη ζωή. Και αν περάσει, τότε εσύ πώς τελείωσε ο καλλιτέχνης». Ποτέ δεν ένιωσα τόσο ανήμπορος όσο τώρα, στα γεράματά μου, όταν ξεκινάω μια νέα νεκρή φύση.

και: Δίπλα στα έργα ποιων μεγάλων καλλιτεχνών στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ ή στο Λούβρο θα θέλατε να εκθέσετε τη ζωγραφική σας;

Bulatov: Στο Λούβρο -τρομακτικό να το πω- με τη «Στέψη της Παναγίας» του Fra Angelico και με το «Country Concert» του Τιτσιάν. Στην γκαλερί Tretyakov - με τον Alexander Ivanov ή με τον Levitan. Ο αγαπημένος μου πίνακας των Λεβιτάνων είναι η «Λίμνη», που βρίσκεται στο Ρωσικό Μουσείο. Υποτίθεται ότι θα ονομαζόταν "Rus", αλλά ο Levitan δίστασε να δώσει αυτό το όνομα, θεωρώντας την εικόνα ανεπιτυχή.

και: Γιατί κρέμεται μια αναπαραγωγή της Μόνα Λίζα στο εργαστήριό σας στη Μόσχα;

Bulatov: Έγραψα ένα άρθρο για τη Μόνα Λίζα. Για μένα είναι σημαντικό πώς είναι διατεταγμένη αυτή η εικόνα, πώς φαίνεται το πρόβλημα του ορίου μεταξύ τέχνης και ζωής. Αυτό είναι που δούλεψε ο Λεονάρντο περισσότερο από οποιονδήποτε άλλον.

και: Αλλά η ζωή είναι ακόμα πιο σημαντική από την τέχνη;

Bulatov: Πραγματικά δεν ξέρω. Από τη μια, αυτό είναι αλήθεια, αλλά από την άλλη, η ζωή είναι το υλικό για την τέχνη.

και: Έχοντας ζήσει για περίπου δύο δεκαετίες στη Γαλλία, θεωρείτε τον εαυτό σας Ρώσο ή Ευρωπαίο καλλιτέχνη;

Bulatov: Είμαι Ρώσος καλλιτέχνης από την ανατροφή και την εκπαίδευση. Επομένως, είμαι Ευρωπαίος καλλιτέχνης, όπως όλοι οι καλλιτέχνες που ζουν στη Γαλλία, τη Γερμανία ή την Ιταλία.

και: Μεταξύ των αγαπημένων σας δασκάλων είναι ο Levitan και ο Savrasov. Δεν τα καταλαβαίνεις με το μυαλό σου;

Bulatov: Οι καλλιτέχνες δεν επηρεάζουν το μυαλό, αλλά τα συναισθήματα. Η τέχνη τους πάνω σου είτε δρα αμέσως, είτε δεν δρα καθόλου. Είμαι πεπεισμένος ότι αν συνθέσετε καλά μια έκθεση ρωσικών τοπίων του δέκατου ένατου αιώνα, θα κάνει τεράστια εντύπωση.

και: Κάποτε μου είπες ότι ο Λέβιταν και ο Μάλεβιτς δεν είναι αντίποδες.

Bulatov: Εφόσον και οι δύο έχουν τις ρίζες τους στη ρωσική κουλτούρα, σίγουρα δεν είναι αντίποδες. Προσπάθησαν να κάνουν τον θεατή συμμέτοχο σε αυτό που κάνουν. Ήταν πολύ σημαντικό για τον Λέβιταν ο θεατής -παρακάμπτοντας τη ζωγραφική- να μπει αμέσως στο τοπίο του, σε ένα άλσος σημύδων.

και: Μπορεί να εμφανιστεί σήμερα ένας νέος τοπιογράφος επιπέδου Levitan;

Bulatov: Υπάρχει ένας τέτοιος τοπιογράφος. Αυτός είναι ο Oleg Vasiliev (φίλος και συνάδελφος του Bulatov, με τον οποίο ασχολούνται με γραφικά βιβλίων για πολλά χρόνια. - Izvestia). Γίνεται αντιληπτός, αλλά ακόμα υποτιμάται.

και: Ο Βραζιλιάνος Gil Vicente ζωγράφισε μια ντουζίνα καμβάδες που απεικονίζουν τις υποτιθέμενες δολοφονίες του George W. Bush, του προέδρου της Βραζιλίας Lula da Silva και του σημερινού Πάπα Βενέδικτου XVI. Επιτρέπονται τα πάντα για τους καλλιτέχνες; Υπάρχει κάποιου είδους λογοκρισία στην τέχνη;

Bulatov: Η εξωτερική λογοκρισία είναι, φυσικά, μοιραία για την τέχνη. Πρέπει να υπάρχει εσωτερική λογοκρισία. Τι είναι? Ο Καντ το είπε καλύτερα: «Ο έναστρος ουρανός είναι από πάνω μας και ο ηθικός νόμος είναι μέσα μας». Και όλοι πρέπει να ακολουθήσουμε αυτόν τον νόμο.

Έρικ Μπουλάτοφ. Ελευθερία είναι ελευθερία, 1997-98

Η κοινή σας έκθεση με τον Vladimir Logutov ανοίγει τώρα στο NCCA. Ο Λογκούτοφ είναι ένας πολύ νέος καλλιτέχνης, από τη γενιά των 30 ετών. Νιώθεις συνέχεια σε αυτή την καλλιτεχνική γενιά;

Σε αυτή τη γενιά, τη γενιά των 30 ετών, νιώθω ενδιαφέρον για εμένα. Εδώ είναι η γενιά των 90s, ο "Medgermenevty", ο Anatoly Osmolovsky, ήταν εξ ολοκλήρου του προσανατολισμού του Kabakov - δεν με χρειάζονταν και, κατά συνέπεια, δεν τους χρειαζόμουν. Ενδιαφέρον νεότερη γενιάΈνιωσα όταν έδινα δημόσιες διαλέξεις.

Δεν σας συμβαίνει να δείτε το έργο ενός νέου καλλιτέχνη -Ρώσου ή ξένου- και να νιώσετε την παράδοσή σας σε αυτό;

Ξέρεις, κάτι τέτοιο συνέβη. Αν και πολύ σπάνιο. Αλλά δεν μπορώ να πω κάτι συγκεκριμένο: σχεδόν δεν θυμάμαι ονόματα. Αλλά πάντα χαίρομαι όταν βλέπω κάποιο είδος εγγύτητας με έναν καλλιτέχνη και το αν είναι νέος ή όχι δεν είναι σημαντικό.

Έρικ Μπουλάτοφ. Η ελευθερία είναι ελευθερία II. 2000-200

Όμως η νέα γενιά απομακρύνεται από τη ζωγραφική σε νέες μορφές - εγκαταστάσεις, video art, performance. Ο ίδιος Βλαντιμίρ Λογκούτοφ γυρίζει video art. Και συνεχίζεις με πείσμα να βγάζεις φωτογραφίες.

Είναι μια δύσκολη ερώτηση. Τι είναι ένας πίνακας ζωγραφικής; Αυτή η ερώτηση δεν έχει σαφή απάντηση. Νομίζω ότι υπάρχουν πολλά σύγχρονους καλλιτέχνεςλειτουργεί ακριβώς με την εικόνα, απλά δεν το αντιλαμβάνονται, πιστεύοντας ότι εγκατέλειψαν την εικόνα. Υπάρχουν πολλά παραδείγματα - ο Cy Twombly, οποιοσδήποτε από τους κονστρουκτιβιστές μας της δεκαετίας του '20, όλη η αμερικανική ποπ αρτ, Γερμανοί καλλιτέχνες- Ρίχτερ, Βασιλεία, Κίφερ. Μια εικόνα είναι χώρος σε ένα αεροπλάνο. Αλλά το αεροπλάνο είναι απλώς μια βάση από την οποία χτίζεται ο χώρος - είτε στη μία πλευρά αυτού του επιπέδου είτε στην άλλη. Αυτό είναι όλο. Αυτός ο χώρος μπορεί επίσης να κατασκευαστεί από τρισδιάστατα αντικείμενα.

- Δηλαδή, η ζωγραφική ως μέθοδος τέχνης μπορεί ακόμα να αναπτυχθεί;

Φυσικά, εξελίσσεται και δείχνει τις νέες του δυνατότητες. Η εικόνα έχει πολύ μεγάλες δυνατότητες και αυτή είναι η δύναμή της. Είμαι πολύ ευχαριστημένος με την εικόνα. Δείτε Τι είναι η εγκατάσταση; Αν η εγκατάσταση είναι ένας χώρος από τον οποίο πρέπει να περάσει ο θεατής, τότε σίγουρα δεν έχει καμία σχέση με τον πίνακα, γιατί ο πίνακας πρώτα απ' όλα απαιτεί από τον άνθρωπο να έχει μια σταθερή θέση σε σχέση με αυτόν. Αλλά εάν η εγκατάσταση έχει ένα περίγραμμα: στη μία πλευρά υπάρχει ένας θεατής και από την άλλη, μια συγκεκριμένη διαδικασία ξετυλίγεται. Γιατί δεν είναι αυτή μια εικόνα; Όπως η εγκατάσταση του Kabakov «Ένας άνθρωπος που πέταξε στο διάστημα από το δωμάτιό του». Το video art είναι ουσιαστικά επίσης μια εικόνα. Αλλά τα προβλήματά μου είναι πάνω από το κεφάλι μου, θα τα έχω αρκετά μέχρι το τέλος των ημερών μου, οπότε δεν θα σκαρφαλώσω σε αυτό το έδαφος, δεν θα κάνω εγκαταστάσεις ή video art. Όλα τα προβλήματά μου επιλύονται πολύ καλά μέσα από τις εικόνες.

ΣΕ Πρόσφατα, μου φαίνεται ότι το κοινωνικό στοιχείο φεύγει από τους πίνακές σου, αν και παλιότερα έπαιζε μεγάλο ρόλο. Πολλοί σε αποκαλούσαν ακόμη και ιδρυτή της Sots Art.

Δεν υπήρξα ποτέ καλλιτέχνης Sots Art. Φυσικά οι πίνακές μου, όπως ο «Ορίζοντας», έπαιξαν μεγάλο ρόλο στη διαμόρφωση αυτής της τάσης, έτσι είναι. Όμως οι καλλιτέχνες της Sots Art έχουν θεμελιώδεις διαφορές από εμένα. Το νόημα είναι τελείως διαφορετικό. Οι πίνακές μου είναι μια αντιπαράθεση μεταξύ ιδεολογοποιημένης πραγματικότητας και φυσικής πραγματικότητας. Δύο πραγματικότητες αντιτίθενται η μία στην άλλη και η συνείδησή μας είναι εντελώς μπλοκαρισμένη από αυτόν τον ιδεολογικό χώρο. Στο ίδιο θέμα. Και κανείς, εκτός από εμένα, δεν ασχολήθηκε με αυτή τη σύγκρουση. Μετά άρχισαν να το κάνουν όταν Σοβιετική Ένωσηήδη κατέρρευσε.

Μου φαίνεται ότι στη σύγχρονη ρωσική, ακόμη και στην τέχνη της Μόσχας, το κοινωνικό και το επίσημο συχνά διαχωρίζονται. Μερικοί καλλιτέχνες μιλούν μόνο για το κοινωνικό, άλλοι το ξεχνούν εντελώς, επιλέγοντας τη «μοναξιά της υποδοχής», όπως ο ίδιος ο Λογκούτοφ.

Δεν πρέπει να υπάρχει τέτοιο κενό. Άλλωστε, ο χώρος της τέχνης πρέπει να συνδεθεί με τον χώρο της ύπαρξής μας, που φυσικά περιλαμβάνει και τον κοινωνικό χώρο. Τελικά τι πρέπει να κάνει η τέχνη; Μια εξερεύνηση της φύσης του χώρου στον οποίο βρισκόμαστε, μια εξερεύνηση της αντίληψής μας για αυτόν τον χώρο. Η τέχνη προσπαθεί να εκφράσει τον κόσμο στον οποίο υπάρχουμε, ο οποίος στην πραγματικότητα δεν περιγράφεται ούτε αναγνωρίζεται. Εξάλλου, ο κόσμος είναι καινούργιος κάθε φορά και πρέπει να του βρούμε όνομα και εικόνα. Εδώ είναι το έργο τέχνης. Συνδέει την τέχνη με τη ζωή και νομίζω ότι αυτό είναι το όλο νόημα της τέχνης. Αυτή είναι η πεποίθησή μου. Ο κοινωνικός χώρος παίζει ρόλο σε αυτόν τον κόσμο, αλλά είναι μόνο ένα μέρος, και, όπως είμαι πεπεισμένος, όχι το πιο σημαντικό.

- Και στη Δύση, στο Παρίσι, για παράδειγμα, ενδιαφέρονται για τη σύγχρονη ρωσική τέχνη;

Όχι πραγματικά. Απλώς στη Δύση ξέρουν ακράδαντα ότι δεν υπάρχει, οπότε δεν υπάρχει τίποτα που να ενδιαφέρει εδώ. Υπάρχει ρωσική μουσική, υπάρχει ρωσική λογοτεχνία, ίσως ρωσικό θέατρο, αλλά δεν υπήρχε ρωσική τέχνη και δεν υπάρχει.

- Γιατί συμβαίνει αυτό?

Θα ήταν ενδιαφέρον να μάθω την απάντηση σε αυτήν την ερώτηση, αλλά δεν είναι δικό μου να την απαντήσω. Αυτό συνέβη στις δεκαετίες του 1920 και του 1930 και συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Όταν το όνομα του Chagall βρόντηξε εδώ στο Παρίσι, έγινε αντιληπτό ως προσωπική του επιτυχία. Και έτσι είναι με όλους: ένας Ρώσος καλλιτέχνης μπορεί να γίνει επιτυχημένος στη Δύση, αλλά αυτή η επιτυχία δεν θα μεταφερθεί ποτέ σε όλη τη ρωσική τέχνη. Ο Σαγκάλ είχε τεράστια επιτυχία και ο Λαριόνοφ και η Γκοντσάροβα κοντά πέθαιναν από την πείνα, γιατί κανείς δεν τους ένοιαζε. Παρεμπιπτόντως, αρκετοί σύγχρονοι Ρώσοι καλλιτέχνες εδώ ξέρουν επίσης πώς να πετύχουν, και δεν μπορώ να παραπονεθώ.

Υπάρχει αλαζονεία σε αυτή την απροσεξία στη ρωσική τέχνη, αλλά εμείς οι ίδιοι φταίμε σε μεγάλο βαθμό, γιατί οι ρωσικές εκθέσεις που γίνονται εδώ είναι κάτι τρομερό. Δεν μπορούν να αποδείξουν τίποτα εκτός από το ότι πραγματικά δεν υπάρχει ρωσική τέχνη. Είναι λυπηρό. Μου φάνηκε ότι αυτή ήταν η δουλειά της γενιάς μου - να εισάγω τη ρωσική τέχνη σε έναν ενιαίο, παγκόσμιο χώρο τέχνης. Δυστυχώς, δεν τα καταφέραμε: και πάλι μόνο μεμονωμένα ονόματα. Ελπίζω οι επόμενες γενιές να το καταφέρουν. Ωστόσο, η διαδικασία δεν σταματά.

- Και τι γίνεται με τη ρωσική πρωτοπορία;

Ξέρετε, στο Παρίσι, η ρωσική πρωτοπορία εκλαμβάνεται ως απόβαση γαλλική τέχνηστα ρωσικά. Ο 19ος αιώνας μας θεωρείται επαρχιακός κλάδος της γερμανικής τέχνης και στη συνέχεια η γαλλική απόβαση, που έδωσε ένα απροσδόκητο αποτέλεσμα. Μετά πυροβολήθηκαν οι αλεξιπτωτιστές και όλα τελείωσαν. Αν και είναι μέσα τον υψηλότερο βαθμόάδικο. Πιστεύω ότι ο 19ος αιώνας αξίζει επίσης ιδιαίτερη προσοχή - σίγουρα δεν πρόκειται για επαρχιακό κλάδο, αν και σίγουρα υπήρχαν γερμανικές επιρροές.

Βλέπετε, είναι σημαντικό οι Ρώσοι θεωρητικοί και οι κριτικοί τέχνης μας να αρχίσουν επιτέλους να ασχολούνται σοβαρά με αυτά τα ζητήματα. Κοιτάξτε, στην ιστορία της τέχνης μας υπάρχει το ρωσικό τέχνη XIXαιώνα, αποδείχτηκε ότι ήταν ανάμεσα σε δύο πόλους: είτε είναι ο διάβολος ξέρει τι (όπως σκέφτονται μερικές από τις ηγετικές μας προσωπικότητες, όπως η Katya Degot, στη Δύση και μετά), είτε είναι κάτι εξαιρετικό, το πιο όμορφο και το πιο σπουδαίο που δημιουργήθηκε ποτέ, καλύτερα από οποιονδήποτε στον κόσμο. Στην πραγματικότητα, και οι δύο αυτές θέσεις είναι επιβλαβείς. Όχι απλά λάθος, αλλά επιβλαβές. Είναι απαραίτητο να δούμε προσεκτικά πώς διαφέρει από την τέχνη άλλων χωρών και σχολείων, ποια είναι η ουσία της, ποιες είναι οι ελλείψεις και τα πλεονεκτήματά της. Το να στιγματίζεις ή να εξυμνείς είναι ένας δρόμος προς το πουθενά.

Και πάλι, αν μιλάμε για τη ρωσική τέχνη ως τέτοια, τότε πρέπει να καταλάβετε ποια είναι η σύνδεση μεταξύ διαφορετικών εποχών και ειδών. Πραγματικά Ρωσική XIXαιώνα και η ρωσική πρωτοπορία - είναι δύο αντίθετα πράγματα που αποκλείουν το ένα το άλλο; Αν και τα δύο είναι ρωσική τέχνη, τότε υπάρχει κάποιο είδος κοινά σημεία, κάτι ενιαίο. Κανείς όμως δεν αναλύει αυτά τα φαινόμενα. Γιατί θέλουμε τότε οι άλλοι να πιστεύουν ότι έχουμε τέχνη; Άλλωστε, δεν μπορούμε να πούμε τίποτα για αυτόν.

Λες τι θα μπορούσε να είναι επόμενη γενιάοι καλλιτέχνες θα μπορούν να αναδείξουν τη ρωσική τέχνη στην παγκόσμια σκηνή. Αλλά τώρα υπάρχει μια διαδικασία παγκοσμιοποίησης, όταν οι διαφορές μεταξύ της τέχνης διαφορετικές χώρεςδιαγράφονται όλο και περισσότερο. Ίσως τώρα αυτή η επιλογή της ρωσικής τέχνης να μην έχει νόημα;

Θα σας πω ότι η παγκοσμιοποίηση είναι απλώς ένας μύθος, στην πραγματικότητα δεν υπάρχει. Φυσικά και ο Kiefer και ο Baselitz είναι εντελώς Γερμανοί καλλιτέχνες, είναι αδύνατο να φανταστεί κανείς έναν Γάλλο ίδιο με τον Baselitz. Ή ο Άντι Γουόρχολ. Θα μπορούσε να είναι Ευρωπαίος; Φυσικά και όχι. Ένα άλλο πράγμα είναι ότι υπάρχουν φωτεινές προσωπικότητες, αλλά υπάρχουν και θαμπές. Και οι φωτεινοί εκφράζουν πολύ καλά την εθνική τους βάση. Επειδή η εθνική βάση είναι ένας τύπος συνείδησης, δεν είναι τεχνική και όχι φύση της εικόνας. Μπορούν να είναι οτιδήποτε, από μεταφορικά έως αφηρημένα. Ο τύπος της συνείδησης δεν μπορεί να ακυρωθεί. Διαμορφώνεται από όλους εθνικό πολιτισμό- και μουσική, και λογοτεχνία, και φιλοσοφία.

Η ρωσική τέχνη με αυτή την έννοια δεν διαφέρει από τις άλλες: το είδος της συνείδησης παραμένει, είναι το λιγότερο ευέλικτο. Υπαγορεύει τα δικά του χαρακτηριστικά για την εθνική αντίληψη της τέχνης. Και η ρωσική τέχνη, με αυτή την έννοια, κατά κάποιο τρόπο, είναι συγκεκριμένα διαφορετική από τη γαλλική. Ο θεατής μας θέλει από την τέχνη όχι αυτό που θέλει ο Γάλλος.

- Και τι θέλει το κοινό μας;

Κοίτα, η γαλλική τέχνη είναι θεμελιωδώς ερμητική. Δεν χρειάζεται θεατή, γιατί επιβεβαιώνει τη δική του σημασία και δεν εξαρτάται από το πώς θα αντιδράσει ο θεατής σε αυτό. Αυτό είναι πολύ σημαντικό σημείο. Αυτό δεν είναι ούτε κακό ούτε καλό, απλώς πολύ χαρακτηριστικό της γαλλικής συνείδησης. "Δεν σου αρέσει? Εντάξει, φύγε! Η τέχνη δεν θα χάσει τίποτα από αυτό, και θα χάσεις». Και η τέχνη μας θέλει θεατή, δεν μπορεί να υπάρξει χωρίς θεατή. Καμία τέχνη δεν χρειάζεται κοινό στον ίδιο βαθμό όπως η ρωσική τέχνη. Αυτό ισχύει για κάθε εποχή - και τον 19ο αιώνα, και τον Μάλεβιτς, και τον Τάτλιν, και τους εννοιολογιστές μας, όποιον θέλετε. Αυτό βρίσκεται στον πυρήνα της συνείδησής μας.

Διαγώνιος. Τομή

Ίσως γι' αυτό η τέχνη μας δεν γίνεται αντιληπτή στη Δύση; Άλλωστε, αν η τέχνη χρειάζεται κοινό, τότε είναι ελαττωματική.

Προσπαθούν λοιπόν να το ερμηνεύσουν, όπως εσύ τώρα. Αυτό όμως δεν έχει να κάνει με τη χρησιμότητα της ίδιας της τέχνης. Απλώς ένας τύπος συνείδησης.

Το υλικό προετοιμάστηκε από την Elena Ishchenko.

Ο Έρικ Μπουλάτοφ γεννήθηκε στο Σβερντλόφσκ (τώρα Αικατερινούπολη) το 1933: «Ο πατέρας μου πήγε για επαγγελματικό ταξίδι στα Ουράλια, η έγκυος μητέρα μου πήγε μαζί του, γεννήθηκα εκεί και μετά επέστρεψαν» στη Μόσχα.

Ο πατέρας μου ήταν από το Σαράτοφ και στη συνέχεια μετακόμισε στη Μόσχα με τους γονείς του. ΣΕ 1918 Ο πατέρας μπήκε στο πάρτι, αμέσως μετά το γυμνάσιο εμφύλιος πόλεμοςπου ήταν τραγωδία για την οικογένεια. ΣΕ 1937 τον έδιωξαν από το κόμμα και όλα πήγαν στη σύλληψη. «Αλλά τότε η μητέρα μου έκανε ένα απλό αλλά πολύ αποτελεσματικό πράγμα. Νοίκιασα μια ντάκα κοντά στη Μόσχα και ο πατέρας μου έζησε εκεί για περίπου έξι μήνες. Δεν ήταν σημαντική πολιτική προσωπικότητα, επομένως οι αρχές δεν χρειάστηκε να τον συλλάβουν. Υπήρχε μια διάταξη για κάθε περιοχή - να πάρουμε τόσα πολλά, αλλά αν δεν υπάρχει, θα πάρουμε άλλη. Πώς στρατολογήθηκαν στο στρατό, περίπου το ίδιο. Όταν τελείωσε αυτή η εκστρατεία και εμφανίστηκε ο πατέρας μου, δεν τον άγγιξαν, τον επανέφεραν στο κόμμα, αλλά δεν επέστρεψε στις κομματικές δουλειές. Είχε ανώτερη εκπαίδευση, και πήγε να εργαστεί ως επιστημονικός γραμματέας στη Μεγάλη Σοβιετική Εγκυκλοπαίδεια.

Η μητέρα ήταν ρομαντική φύση και πολύ δραστήρια. Γεννήθηκε στην Πολωνία, στο Bialystok. Στα δεκαπέντε της πέρασε παράνομα τα σύνορα: Ρωσία - ελευθερία, επανάσταση ... Την έπιασαν στα σύνορα, επέστρεψε, αλλά στο τέλος κατέληξε στη Ρωσία, μη γνωρίζοντας τη ρωσική γλώσσα, είχε γίντις και πολωνικά . Αλλά τρία χρόνια αργότερα γνώρισε τόσο πολύ τα ρωσικά που εργαζόταν ήδη ως στενογράφος. Πρώτα στο Kamenetz-Podolsk, μετά στη Μόσχα...

«Η μαμά ήταν πολύ προικισμένο άτομοκαι στο δεκαετία του 1920 για χρόνια έδινε ακόμη και εξετάσεις υποκριτικής σε κινηματογραφικό στούντιο ... Ήταν αντίθετη στη γενική γραμμή του κόμματος, ενάντια σε κάθε εξουσία, μια τυπική συνείδηση της διανόησης. Έπρεπε να είναι ενάντια στον πατέρα της, οι απόψεις τους ήταν από πολλές απόψεις αντίθετες, αλλά αγαπούσαν πολύ ο ένας τον άλλον.

Όταν ξεκίνησε ο πόλεμος, ο πατέρας μου πήγε εθελοντής στο μέτωπο και δεν επέστρεψε - πέθανε. Η οικογένεια έφυγε για εκκένωση - πρώτα στο Saratov, μετά στο Sverdlovsk. «Όταν φύγαμε για την εκκένωση, όσοι μεταφέρθηκαν στο διαμέρισμά μας έσφιξαν τη σόμπα με βιβλία. Ξεκινήσαμε από τα κάτω ράφια, όπου υπήρχαν τα βιβλία και οι ζωγραφιές των παιδιών μου, και στο πάνω μέρος τα βιβλία του Λένιν και του Μαρξ. Φυσικά, δεν ξεκίνησαν με τον Μαρξ και ήταν πολύ μακριά να ανέβουν εκεί…».

Με το ξέσπασμα του πολέμου, η ευτυχισμένη παιδική ηλικία του Έρικ τελείωσε. «Ο εφιάλτης συνεχίστηκε μέχρι που μπήκα στο σχολείο τέχνης. Στη συνέχεια πήγα κανονική ζωή. Από όσο θυμάμαι τον εαυτό μου, ζωγράφιζα και ζωγράφιζα καλά. Τότε ήταν πολύ νωρίς για να κρίνουμε τι θα μπορούσε να προκύψει από αυτό. Αυτό καθορίζεται από την ηλικία των δέκα ή δώδεκα ετών, αλλά ο πατέρας μου πίστευε ότι θα ήμουν καλλιτέχνης.

Σπούδασα στη δευτεροβάθμια εκπαίδευση της Μόσχας Σχολή καλών τεχνώνστο Ινστιτούτο Surikov, το επάγγελμά μου επιλέχθηκε στο σχολείο. Έγινε αρκετά ηλίθιο. Πρώτα, η μητέρα μου μου έδειξε τις ζωγραφιές μου. διαφορετικούς καλλιτέχνεςακόμα και η Κορίνα. Ο Κορίν και άλλοι είπαν ότι δεν χρειάζεται να με στείλουν πουθενά, μπορεί να με χαλάσουν εκεί, κάτι τέτοιο γενικά ήταν πολύ νωρίς.

Το καλλιτεχνικό σχολείο γίνεται δεκτό μετά την πέμπτη τάξη γενικής εκπαίδευσης. Δεν ήξερα ότι υπήρχε τέτοιο σχολείο και το έμαθα τυχαία. Σε ένα παράλληλο μάθημα μαθήτευσε ο συνομήλικός μου, που ζωγράφιζε κι αυτός, διαγωνιστήκαμε μαζί του. Κάποτε μου είπε ότι έμπαινε σε σχολή τέχνης, υπήρχαν εξετάσεις, αλλά ήταν σίγουρος ότι θα περνούσε. Σοκαρίστηκα όταν έμαθα ότι υπάρχει ένα τέτοιο σχολείο, έτρεξα εκεί, αλλά αποδείχτηκε ότι ήταν πολύ αργά - οι εξετάσεις τελείωσαν και έπρεπε να περιμένω τη νέα χρονιά. Με συμβούλεψαν να προετοιμαστώ στο Pioneer House...»

Για δύο χρόνια σπούδασε σε κύκλο σχεδίασης με τον Alexander Mikhailovich Mikhailov, τον οποίο θυμάται με αγάπη και ευγνωμοσύνη. Επί του χρόνουΟ Eric Bulatov προσπάθησε να μπει στη δεύτερη τάξη ενός σχολείου τέχνης, αλλά δεν πέρασε τον διαγωνισμό. Το 1947 εισήχθη στην τρίτη δημοτικού. Μετά το σχολείο, "κάπως από μόνος του" ο Bulatov μπήκε στο Ινστιτούτο Surikov, τη σχολή ζωγραφικής. Αφού αποφοίτησε από το σχολείο με μετάλλιο, δεν χρειάστηκε να δώσει εισαγωγικές εξετάσεις.

«Ήμουν τυχερός με τους δασκάλους στο Γυμνάσιο Καλών Τεχνών της Μόσχας (το διάσημο Σχολείο Τέχνης της Μόσχας), όπου σπούδασα με τον Ilya Kabakov και τον Oleg Vasilyev, ..με τον οποίο είμαστε φίλοι σε όλη μας τη ζωή».

«... Δεν ήμασταν «παιδιά της ίδιας αυλής». Η φιλία μας ήταν στην αρχή επαγγελματική - η κοινότητα κάποιων απόψεων που μοιραζόμασταν - και μόνο τότε, σαν να λέγαμε, ανθρώπινη. Τότε ήταν σαν αέρας, γιατί τριγύρω προσποιούνταν ότι απλά δεν υπήρχαμε. Και φυσικά, μια τέτοια φιλία, αμοιβαία υποστήριξη ήταν απλώς απαραίτητη ... Ο Όλεγκ και εγώ είχαμε στενές απόψεις, μιλούσαμε όλη την ώρα και χρειαζόμασταν ο ένας τον άλλον, οπότε συνεργαστήκαμε στη δουλειά.

Στο Ινστιτούτο Surikov, σπούδασε με τον καθηγητή Pyotr Dmitrievich Pokarzhevsky. «Στο σχολείο τέχνης, ζωγραφίζαμε σαν τρελοί, δουλεύαμε από το πρωί μέχρι το βράδυ και δεν σκεφτόμασταν τίποτα άλλο. Παιδιά των προνομιούχων και απλοί άνθρωποι, αλλά για εμάς δεν είχε σημασία, χωρίστηκαν μόνο σε μέτριους και ταλαντούχους. Και στο Surikovsky υπήρχε μια ζοφερή, μουχλιασμένη, επαρχιακή ατμόσφαιρα, η ώρα ήταν δύσκολη - το τέλος δεκαετία του 1940 - Αρχή δεκαετία του 1950 Ο θάνατος του Στάλιν...

Μέχρι το τέλος του ινστιτούτου, ο Bulatov συνειδητοποίησε ότι δεν έπρεπε να εξαρτάται από κρατικές παραγγελίες για να αναπτυχθεί ελεύθερα. Όλα τα προς το ζην ήταν στα χέρια του κράτους, δεν μπορούσαν να υπάρχουν ιδιωτικές παραγγελίες. Έτσι, στη ζωγραφική, ήταν απαραίτητο να αναζητήσει έναν άλλο τρόπο για να κερδίσει χρήματα, ώστε να αφήσει χρόνο για άμεση εργασία.

«Μετά το ινστιτούτο ένιωσα ότι δεν καταλάβαινα τίποτα από την τέχνη, δεν μπορούσα να κάνω τίποτα. Πρέπει να επανεκπαιδεύσω τον εαυτό μου για να μάθω πραγματική, σοβαρή τέχνη... Μετά την αποφοίτησή μου από τη Surikovka, έπεσα σε απόγνωση: δεν είχα συνείδηση ότι ήμουν καλλιτέχνης, αλλά υπήρχε η αίσθηση ότι όλα όσα μας έμαθαν δεν ήταν αλήθεια. Από πλήρη απόγνωση, ο Oleg Vasiliev και εγώ αρχίσαμε να ψάχνουμε για ένα άτομο που θα μπορούσε να εξηγήσει κάτι και κατά λάθος συναντήσαμε τον Favorsky ....

Ο Falk και ο Favorsky με βοήθησαν να καταλάβω και να κατακτήσω την τέχνη μου, η οποία ήταν πολύτιμη βοήθεια για μένα, δεν μπορούσα να το βρω στο ινστιτούτο. Ήθελα να γίνω σοβαρός, πραγματικός καλλιτέχνης, γι' αυτό έπρεπε να επανεκπαιδευτώ. Η εκπαίδευση που λάβαμε δεν ήταν αρκετή».

Χρειάστηκαν άλλα τρία χρόνια για να επανεκπαιδευτούν. Και για αυτό ήταν απαραίτητο να μην εξαρτόμαστε από το κράτος, να είμαστε οικονομικά και πνευματικά ανεξάρτητοι. Άρα, ήταν απαραίτητο να αναζητήσουμε μια ευκαιρία να κερδίσουμε τα προς το ζην όχι ζωγραφίζοντας. Τότε ήταν που ακούστηκε πολύ ευκαιριακά χρήσιμες συμβουλέςο σημερινός κλασικός Ilya Kabakov: «... πρέπει να ασχοληθείτε με την παιδική εικονογράφηση. Εκεί η δουλειά είναι λίγο πολύ δωρεάν, και εκεί είναι πιο ήσυχα. Κερδίστε και μετά θα κάνετε τα δικά σας. Και έτσι έγινε.

Από το 1959, ο Oleg Vasiliev και ο Eric Bulatov εργάζονται μαζί για να δημιουργήσουν εικονογραφήσεις για παιδικά βιβλία για τους εκδοτικούς οίκους Detgiz και Malysh. "Προσπάθησα διαφορετικοί τρόποι. Το καλύτερο για μένα ήταν η εικονογράφηση παιδικών βιβλίων...Έπρεπε να κερδίσουμε με κάποιο τρόπο τα προς το ζην, και ο Oleg Vasiliev και εμένα μου άρεσε πολύ να ζωγραφίζουμε εικόνες για παιδικά βιβλία ...Και έτσι, μαζί με τον Oleg Vasiliev, αρχίσαμε να εικονογραφούμε παιδικά βιβλία και το κάνουμε εδώ και τριάντα χρόνια.

Ο Έρικ Μπουλάτοφ και ο Όλεγκ Βασίλιεφ χώρισαν τη χρονιά σε δύο μέρη: τη σκοτεινή εποχή - φθινόπωρο και χειμώνα - αυτά ήταν παιδικά βιβλία που έφεραν κέρδη και τη μέρα - άνοιξη και καλοκαίρι - υπήρχε δουλειά για τον εαυτό τους, ζωγραφική.

«Όταν έκανα βιβλία για μισό χρόνο και ζωγράφιζα για μισό χρόνο, δεν είχα πάντα χρόνο να τελειώσω την εικόνα, αλλά εδώ πρέπει να στραφώ σε ένα άλλο έργο που απαιτεί διαφορετική συνείδηση και στάση. Αυτές οι μεταβάσεις ήταν πάντα δύσκολες... Και έχω αναπτύξει την ικανότητα να συντηρώ αυτή ή εκείνη την εικόνα στο μυαλό μου. Για έξι μήνες δεν έπρεπε να αλλάξει, ήταν απαραίτητο να επιστρέψω στο μέρος όπου διέκοψα τη δουλειά. Ίσως αυτή η προσέγγιση να ήταν περίεργη για μένα, αλλά σίγουρα αναπτύχθηκε χάρη σε αυτόν τον τρόπο δουλειάς... Ποτέ δεν τα ανακατεύω αυτά τα πράγματα.

«Δεν μπορούσαμε να κάνουμε και τα δύο ταυτόχρονα. Και οι δύο δουλειές απαιτούσαν πλήρη αφοσίωση από εμάς. Υπό αυτή την έννοια, ο Όλεγκ και εγώ είμαστε το ίδιο. Αν και δεν καταλάβαινα τότε γιατί για τον εαυτό μου, και τώρα δεν καταλαβαίνω. Είναι μια δουλειά που κάνεις γιατί νιώθεις ότι πρέπει να την κάνεις. Και αν προσπαθείς να μην το κάνεις αυτό, τότε όλη την ώρα η αίσθηση ότι εξαπατάς, ότι απατάς και γενικά χαζεύεις.

«Δεν μπορώ να πω ότι μας επιβάρυνε αυτό. Ήταν ενδιαφέρον. Φτιάξαμε παιδικά βιβλία μόνο οι δυο μας. Αναπτύξαμε έναν καλλιτέχνη που δεν ήταν ούτε ο Oleg Vasiliev ούτε ο Eric Bulatov. Ήταν κάποιος τρίτος. Όλα τα βιβλία μας είναι εικονογραφημένα από αυτόν τον καλλιτέχνη. Συνολικά έχουμε κάνει περισσότερα από εκατό βιβλία σε τριάντα χρόνια.

Όταν επρόκειτο για παραμύθια (“Tales of the Peoples of the World”, παραμύθια του Charles Perrault, παραμύθια του H.K. Andersen), ένα θυελλώδες και φωτεινές διακοπές. Μερικοί ερευνητές γκρίνιαξαν ακόμη και για το πονηρό ότι οι νέοι καλλιτέχνες εργάζονται με πολύ «θορυβώδη» τρόπο. Αλλά τα παιδιά, όπως γνωρίζετε, δεν διαβάζουν ερευνητές. Απλώς θαυμάζουν την Ωραία Κοιμωμένη, την όμορφη Σταχτοπούτα και, πολύ πιθανό, ακούνε πραγματικά τον θόρυβο μιας χαρούμενης μπάλας του γηπέδου.

«Τελικά, τα παιδιά αισθάνονται διαισθητικά πού βρίσκεται η αλήθεια της τέχνης. Μπορείτε να σχεδιάσετε ένα αντίγραφο ενός πραγματικού μεσαιωνικού κάστρου και το παιδί θα πει: Δεν το πιστεύω. Γιατί ξέρει ακριβώς πώς πρέπει να μοιάζει ένα πραγματικό κάστρο και πώς πρέπει να μοιάζει ένας πραγματικός πρίγκιπας. Έτσι προσπαθήσαμε να τα ζωγραφίσουμε όλα «στην αλήθεια».

Πολλά μεγάλους καλλιτέχνεςΞεκίνησα να εικονογραφώ παιδικά βιβλία. Υπάρχει η πιο επιφανειακή, κοσμική εξήγηση για αυτό. Εκείνα τα κωφά χρόνια της αυστηρής λογοκρισίας, δεν μπορούσαν ούτε να πουλήσουν ανοιχτά τα «σοβαρά» έργα τους, ούτε να τα εκθέσουν ανοιχτά. Και η τέχνη ενός παιδικού σχεδιαστή έδωσε ένα καλό εισόδημα και άφηνε χρόνο για εκείνες τις δραστηριότητες που θεωρούσαν τις κύριες. Και εδώ είναι ένα πολύ σημαντικό σημείο: είναι εύκολο να σκεφτεί κανείς ότι η αναγκαστική τους, μισθωτή εργασίαστον τομέα της παιδικής εικονογράφησης μόνο τα αποσπούσε την προσοχή από τον κύριο δρόμο.

Στην πραγματικότητα, όλα ήταν διαφορετικά. Δεν είναι περίεργο που ο σοφός λαός μας θέλει να επαναλαμβάνει ότι «δεν υπάρχει κακό χωρίς καλό». Γιατί, όπως είπε ο μεγάλος προλετάριος συγγραφέας Γκόρκι, «πρέπει να γράφεις για παιδιά με τον ίδιο τρόπο όπως για τους ενήλικες, μόνο καλύτερα». Αποδείχθηκε ότι αυτό το δήθεν αναγκαστικό, μεροκάματο έδωσε σε αυτούς τους καλλιτέχνες την ευκαιρία να περάσουν από ένα υπέροχο σχολείο. Ακριβώς όπως στην εποχή τους οι Oberiuts έμαθαν μια πρωτόγνωρη ελευθερία όταν έγραφαν τις παιδικές τους ρίμες, έτσι και οι καλλιτέχνες που πέρασαν από τη σχολή του σχεδιασμού βιβλίων για παιδιά, οικειοθελώς ή ακούσια, απέκτησαν ελευθερία που η ακαδημαϊκή κατάρτιση δεν θα δώσει ποτέ.

Λίγο πριν την περεστρόικα, στον Μπουλάτοφ προσφέρθηκε δουλειά στη Δύση. Συμφώνησε και έφυγαν με τη γυναίκα του. Μετά την έκθεση στη Ζυρίχη το 1988 μετακόμισαν στις ΗΠΑ.

«Ζούσαμε στη Νέα Υόρκη, στην καλλιτεχνική συνοικία του Σόχο, όπου υπάρχουν πολλοί γκαλερί τέχνης. Αυτό το μέρος έχει μια υπέροχη αύρα για δημιουργικότητα. Ωστόσο, συνεχίζουν να σου λένε: «Έλα, ό,τι κάνεις είναι υπέροχο, απλά πρέπει να το κάνεις ακόμα πιο γρήγορα, ακόμα περισσότερο!» Κάτω από τέτοια πίεση, η συνείδηση του καλλιτέχνη δεν έχει χρόνο να αναπτύξει νέες εικόνες και αρχίζει να κλωνοποιεί τις εικόνες του. δικές του ιδέες. Ήμουν, γενικά, τυχερός που φύγαμε σύντομα.

Έφυγαν για το Παρίσι. Το 1992, το γαλλικό Υπουργείο Πολιτισμού πρόσφερε μια μικρή επιχορήγηση και φθηνή στέγαση στο Παρίσι. «Μια φορά στο Παρίσι, η Νατάσα είπε ότι δεν θα πήγαινε πουθενά αλλού. Αγοράσαμε ένα διαμέρισμα κοντά στο Κέντρο Πομπιντού, κάναμε φίλους και ζούμε έτσι ...

Νομίζω ότι έχω πολύ ευτυχισμένη ζωή. Τι μπορεί να ονειρευτεί ένας καλλιτέχνης ποιος κάνει ό,τι θεωρεί κατάλληλο και με τον τρόπο που θεωρεί κατάλληλο;.. Ποιος δεν έχει υλικά προβλήματα και δεν τον ενοχλεί τίποτα; με το οποίο μάλλον δεν θα είχα αντεπεξέλθει. Μάλλον για τη σημερινή ευημερία πλήρωσα με το γεγονός ότι για τριάντα χρόνια δεν σκέφτηκα καν ότι θα μπορούσα να δείξω τους πίνακές μου, πόσο μάλλον να τους εκθέσω ή να τους πουλήσω.

Σπουδαίοι εικονογράφοι. Bulatov και Vasiliev. Ακριβώς. Ως όνομα καλλιτέχνη. Ίσως και τότε να ήταν γελοίο να ζωγραφίζουν παιδικά παραμύθια με κάθε λογής νεράιδες και μάγισσες, ή ίσως... Στα εβδομήντα, έστω και το χαμόγελο ενός παιδιού εκτιμάται διαφορετικά από το σαράντα. Και αν όλοι είναι ευχαριστημένοι με τα βιβλία σας; ..

φωτογραφία:Παράρτημα "Αντίκες" στο πηγάδι. «Interior + Design», 2008, Νο. 1, fotodepartament

Ο Eric Vladimirovich Bulatov (γεννημένος στις 5 Σεπτεμβρίου 1933 στο Sverdlovsk) είναι ένας από τους πιο διάσημους σύγχρονους Ρώσους καλλιτέχνες. Ένας από τους ιδρυτές της Sots Art.

Γεννήθηκε το 1933 στο Sverdlovsk (τώρα Αικατερινούπολη). Ο πατέρας - ο Βλαντιμίρ Μπορίσοβιτς, με καταγωγή από το Σαράτοφ, ήταν εργάτης του κόμματος (εντάχθηκε στο κόμμα το 1918), πέθανε στο μέτωπο το 1944, η μητέρα Raisa Pavlovna - από την πόλη Bialystok (Πολωνία), μετανάστευσε παράνομα στη Ρωσία σε ηλικία 15 ετών ; τρία χρόνια αργότερα έπιασε δουλειά ως στενογράφος - παρά το γεγονός ότι κατά την άφιξή της δεν ήξερε ρωσικά (ήξερε μόνο πολωνικά και γίντις).

Σύμφωνα με τον Erik Bulatov, για κάποιο λόγο ο πατέρας του πίστευε πολύ ότι θα γινόταν καλλιτέχνης.

Το 1958 αποφοίτησε Ινστιτούτο Τέχνηςπήρε το όνομά του από τον V. I. Surikov. Από το 1959, εργάστηκε στον παιδικό εκδοτικό οίκο "Detgiz" μαζί με τον Kabakov και τον Vasiliev. Η εκθεσιακή δραστηριότητα στη Μόσχα ξεκίνησε το 1957 και από το 1973 ήδη στο εξωτερικό.

Χαρακτηριστική και αναγνωρίσιμη δημιουργική μέθοδος του Μπουλάτοφ είναι η σύγκρουση ενός κειμένου αφίσας, αποσπασμένου από το πλαίσιο της σοβιετικής πραγματικότητας, με ένα παραστατικό (τις περισσότερες φορές τοπίο, δανεισμένο από τον μαζικό Τύπο) στοιχείο. Ως αποτέλεσμα, ο καλλιτέχνης καταφέρνει με εξαιρετικά προσιτό τρόπο να εικονογραφήσει τον παραλογισμό της πραγματικότητας, υπερκορεσμένο από τα σύμβολα της σοβιετικής προπαγάνδας.

Εκτός από τα έργα του θέματος Sots-Art, ακόμη και στα πρώτα του έργα, ο Bulatov ανέπτυξε μια θεωρία της αλληλεπίδρασης της εικόνας και του χώρου. Σε αυτά τα έργα του είναι αισθητή η επιρροή του Φαλκ. Μια δυνατή, πρωτότυπη σκηνή του έργου του, ανεκτίμητη στο πλαίσιο της ιστορίας της τέχνης.

Τα έργα του Bulatov εκτίθενται τακτικά σε δημοπρασίες σύγχρονης τέχνης. Έτσι, στη δημοπρασία της Philips, το έργο «Σοβιετικός Χώρος» κόστισε περίπου 1,6 εκατομμύρια δολάρια, δύο ακόμη καμβάδες με σοβιετικά θέματα, συμπεριλαμβανομένου του «Επανάσταση - Περεστρόικα», πουλήθηκαν για ένα εκατομμύριο δολάρια ο καθένας, γεγονός που έκανε τον Μπουλάτοφ έναν από τους πιο ακριβούς σύγχρονους Ρώσους καλλιτέχνες.

Από το 1963 έως τα τέλη της δεκαετίας του 1960, ο Erik Bulatov πειραματίστηκε με διάφορα μοντερνιστικά στυλ στη ζωγραφική, ανακάλυψε το ενδιαφέρον του να αναλύσει τις χωρικές, φωτεινές και χρωματικές ιδιότητες ενός πίνακα. Στην ΕΣΣΔ, ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε να εκθέσει για λόγους λογοκρισίας, μόνο το 1965 και το 1968 έγιναν βραχυπρόθεσμες εκθέσεις της δουλειάς του στο Ινστιτούτο Kurchatov και στο καφέ Blue Bird στη Μόσχα. Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, άρχισε να δημιουργεί πίνακες ζωγραφικής μεγάλης κλίμακας, στους οποίους, κατά κανόνα, αναφέρεται σε κοινωνικά θέματα και εικόνες μέσων μαζικής ενημέρωσης της σοβιετικής πραγματικότητας: απεικονίζει συνθήματα, επιγραφές, αφίσες. Το 1972 δημιουργεί τον περίφημο «Ορίζοντα». Κατά την περίοδο της περεστρόικα, ο πίνακας αντιλαμβανόταν ως έργο παρωδίας και μάλιστα ταυτίστηκε με το στυλ Sots Art. Το 1988, μετά από μια σειρά μεγάλων ατομικών εκθέσεων - στο Kunsthalle (Ζυρίχη), στο Κέντρο Ζωρζ Πομπιντού (Παρίσι), κ.λπ., καθώς και στη συμμετοχή στη Μπιενάλε της Βενετίας, έλαβε γρήγορα διεθνή αναγνώριση: ονομάστηκε «καλλιτέχνης της περεστρόικα» και αναγνωρίστηκε από την UNESCO ως ο καλύτερος καλλιτέχνης της χρονιάς. Τα περισσότερα από τα έργα του Erik Bulatov κατέληξαν σε δυτικές συλλογές και μουσεία.

Από το 1989 ζούσε στη Νέα Υόρκη, το 1992 μετακόμισε στο Παρίσι. Το 2003, για πρώτη φορά στην πατρίδα του, πραγματοποιήθηκε έκθεση γραφικών του και το 2006 - η πρώτη αναδρομική έκθεση των έργων του (και οι δύο εκθέσεις στο Γκαλερί Τρετιακόφ, Μόσχα). Το 2013 έγινε βραβευμένος Πανρωσικός ανταγωνισμόςστον τομέα της σύγχρονης τέχνης «Καινοτομία» στην υποψηφιότητα «Για δημιουργική συμβολή στην ανάπτυξη της σύγχρονης τέχνης». Το 2015, ο καλλιτέχνης προσκλήθηκε να δημιουργήσει καμβάδες μεγάλης κλίμακας στα εγκαίνια του νέου κτιρίου του Μουσείου Σύγχρονης Τέχνης Garage στη Μόσχα. Την ίδια χρονιά, για την έκθεση του Μουσείου του πρώτου Προέδρου της Ρωσίας Β. Ν. Γέλτσιν, δημιούργησε τον πίνακα «Ελευθερία».

Ζει στη Μόσχα και στο Παρίσι.

Στη Ρωσία αντιπροσωπεύεται από pop/off/art gallery.

Αυτό είναι μέρος ενός άρθρου της Wikipedia που χρησιμοποιείται με την άδεια CC-BY-SA. Πλήρες κείμενοάρθρα εδώ →

Bulatov, Eric Vladimirovich

Έρικ Μπουλάτοφ. Κινητές γρίλιες. Η Τζοκόντα. 2006

Έρικ Μπουλάτοφ. Ορίζοντας. 1971–1972

«Μπρέζνιεφ. Σοβιετικό διάστημα "(1977)

Έρικ Μπουλάτοφ. Οδός Krasikov. 1977

‘ Ήθελα να δείξω τη σοβιετική ζωή όπως είναι, χωρίς να εκφράσω καμία σχέση με αυτήν. Δεν υπήρχε καμία προφανής διαμαρτυρία στον πίνακα μου, δεν είχα καμία επιθυμία να πείσω τον θεατή για κάτι: κοίτα πόσο τρομερό είναι! Δεν ήμουν ήρωας κοινωνικού αγώνα όπως ο Όσκαρ Ράμπιν. Το καθήκον μου ήταν θεμελιωδώς διαφορετικό: ήθελα ο θεατής να δει τη ζωή του όπως είναι, αλλά την έβλεπε σαν απ' έξω.

« Ήθελα να δημιουργήσω μια απόσταση μεταξύ αυτής της πραγματικότητας και της συνείδησης του θεατή. Αυτό εξυπηρέτησε η εικόνα, λειτουργώντας ως απόσταση, ως παράδειγμα μιας μακρινής ματιάς. Έφτιαξα ένα έργο τέχνης ως παράδειγμα μεταξύ πραγματικότητας και συνείδησης. Αυτό ήταν που ήταν σημαντικό για μένα. Για να σκεφτεί ο θεατής: έτσι είναι η ζωή μου… Για να αντιληφθεί τους πίνακές μου όχι ως μάθημα, αλλά θα έκανε και ο ίδιος μια ανακάλυψη.

Έρικ Μπουλάτοφ. Ήθελα να είναι ελαφρύ, αλλά δεν πέτυχε. 2002

Έρικ Μπουλάτοφ. Όλη αυτή την άνοιξη. 1998

Έρικ Μπουλάτοφ. Φωτογραφία για μνήμη

Ρωσικός 20ος αιώνας

Δόξα στο ΚΚΣΕ

Χαρακτηριστική και αναγνωρίσιμη δημιουργική μέθοδος του Μπουλάτοφ είναι η σύγκρουση ενός κειμένου αφίσας, αποσπασμένου από το πλαίσιο της σοβιετικής πραγματικότητας, με ένα παραστατικό (τις περισσότερες φορές τοπίο, δανεισμένο από τον μαζικό Τύπο) στοιχείο. Σαν άποτέλεσμα ο καλλιτέχνης καταφέρνει να εικονογραφήσει με εξαιρετικά προσιτό τρόπο ο παραλογισμός της πραγματικότητας, υπερκορεσμένος με τα σύμβολα της σοβιετικής προπαγάνδας.

Εκτός από τα έργα του θέματος Sots-Art, ακόμη και στα πρώτα του έργα, ο Bulatov ανέπτυξε μια θεωρία της αλληλεπίδρασης της εικόνας και του χώρου. Σε αυτά τα έργα του είναι αισθητή η επιρροή του Φαλκ. Μια δυνατή, πρωτότυπη σκηνή του έργου του, ανεκτίμητη στα πλαίσια της ιστορίας της τέχνης.

Ε. Μπουλάτοφ. Η ΔΥΣΗ ΤΟΥ ΗΛΙΟΥ. 1989

Eric Bulatov "Liberte" 1992 - αυτή η εικόνα εμφανίστηκε στην αφίσα της έκθεσης "Counterpoint"

Στις 14 Οκτωβρίου 2010 εγκαινιάστηκε στο Λούβρο η έκθεση «Αντίστιξη: Ρωσική Σύγχρονη Τέχνη». Στην έκθεση παρουσιάζονται έργα περισσότερων από είκοσι καλλιτεχνών. Αυτοί είναι οι Erik Bulatov, Emilia και Ilya Kabakov, Vitaly Komar και Alexander Melamid, Valery Koshlyakov, Alexey Kallima, Vladimir Dubossarsky και Alexander Vinogradov, Andrey Monastyrsky, Vadim Zakharov, Yuri Leiderman, Yuri Albert, Avdey Ter-Oganyan, οι Blue Noses και + F και άλλοι. Την παραμονή του vernissage, ο Yuri Kovalenko, ανταποκριτής της Izvestia στη Γαλλία, συνάντησε τον ακαδημαϊκό Eric Bulatov στο εργαστήριό του στο Παρίσι.

Αποσπάσματα από συνέντευξη του 2010

++++++++++++++++++++++++++++

erik Bulatov: Πράγματι, το Λούβρο φαίνεται σε όλους μας κάτι ανέφικτο. Όμως η έκθεσή μας θα γίνει, σαν να λέμε, σε κελάρια - στο μεσαιωνικό Λούβρο, όπου έχουν ανασκαφεί τα θεμέλια των τειχών και των πύργων του παλατιού. Αυτό το μέρος για την έκθεση είναι απολύτως ακατάλληλο. Εκεί, εκτός από το ότι μπορείς να κάνεις εγκαταστάσεις ή να δείξεις βίντεο. Μια πραγματική έκθεση που θα μιλούσε για την τρέχουσα κατάσταση της τέχνης μας, ειδικά στο Έτος της Ρωσίας στη Γαλλία, θα έπρεπε να είχε οργανωθεί αλλού. Για παράδειγμα, στο Εθνικό Κέντρο Τεχνών και Πολιτισμού Georges Pompidou.

και: Λοιπόν, είσαι προσβεβλημένος;

Bulatov: Δεν είμαι προσβεβλημένος, αλλά απλά δεν θέλω να υπάρχει ευφορία, άμετρος ενθουσιασμός: "Ω, το Λούβρο, το Λούβρο!" Αλλά όπως και να έχει, για εμάς τους Ρώσους, το Λούβρο είναι ένας ιερός τόπος στον οποίο ενωνόμαστε. Αφήστε κάπου στη γωνία, στη ρωγμή..

…………………………….

και: Το κοινό περιμένει εκπλήξεις. Την ημέρα του βερνισάζ στο Λούβρο, ο καλλιτέχνης Yuri Leiderman οργανώνει τη δική του παράσταση: δύο γυναίκες με ρωσικές εθνικές ενδυμασίες τεμαχίζουν εκατό κεφάλια λάχανο μπροστά στο κοινό. Από την πλευρά του, ο συνάδελφός του Γιούρι Άλμπερτ θα οδηγήσει το κοινό στο Λούβρο με δεμένα μάτια…

bulatov: Αυτός είναι ο εννοιολογισμός μας.

και: Στην αφίσα της έκθεσης αναπαράγεται ο πίνακας σας «Liberte» («Ελευθερία») – απόηχος του διάσημου πίνακα του Ντελακρουά «Η Ελευθερία στα οδοφράγματα».

Bulatov: Εκτίθενται δύο από τα έργα μου. Εκτός από αυτό, υπάρχει επίσης ο πίνακας "Μαύρο βράδυ - Λευκό χιόνι".

Και: Το "Liberte" είναι μια εικόνα σχολικού βιβλίου με κάθε έννοια. Μαζί με το άλλο σας έργο - τον «Σοβιετικό Χώρο» - μπήκε ακόμη και στα γαλλικά σχολικά βιβλία.

Bulatov: Έλαβα αυτή την παραγγελία το 1989, όταν ετοιμαζόταν μια μεγάλη γιορτή στη Γαλλία με την ευκαιρία της 200ης επετείου της επανάστασης. Επρόκειτο να σηκώσουν στον αέρα ένα αερόπλοιο, το οποίο αφενός επρόκειτο να ζωγραφίσει ένας Ρώσος καλλιτέχνης και αφετέρου ένας Αμερικανός. Και είχα μια ιδέα που σχετίζεται με την επαναστατική μας κατάσταση τη δεκαετία του 1980. Τότε υπήρχαν πολλές αυταπάτες που αγαπούσαν την ελευθερία.

και: Πώς αντιλαμβάνεται το δυτικό κοινό τη ρωσική τέχνη σήμερα;

Bulatov: Πάντα με ενδιαφέρον. Πείστηκα για αυτό στην έκθεση «Ρωσικό Τοπίο» στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. Το μουσείο είναι δωρεάν, αλλά η έκθεση πληρώνεται. Και ο κόσμος στάθηκε για να το ανέβει. Η ίδια προσοχή δίνεται στις ρωσικές εκθέσεις στο Παρίσι. Το πρόβλημα προκύπτει με την κριτική - δεν έχει ενδιαφέρον.

Ι: Και ποιανού είναι η αλήθεια;

Bulatov: Η αλήθεια δεν μπορεί να είναι στο πλευρό αυτών που προσπαθούν να ηγηθούν της τέχνης. Είναι επίσης λάθος να υποθέσουμε ότι είναι στο πλευρό του κοινού. Οι μάζες, για παράδειγμα, πηγαίνουν στον Γκλαζούνοφ ή στον Σίλοφ. ΤΕΛΟΣ παντων Δεν μπορεί κανείς να μην υπολογίζει με το κοινό, ή τουλάχιστον με εκείνους που θέλουν να κατανοήσουν τη ζωγραφική. Πρέπει να μορφωθούν, πρέπει να συνεργαστείς μαζί τους. Δεν είναι εύκολο να δηλώνεις έναν καλλιτέχνη καλό και έναν άλλο κακό,αλλά για να εξηγήσει πράγματα που αφορούν τα θεμελιώδη θεμέλια της τέχνης.

και: Υπάρχει μια γαλλική έκφραση «να εκπαιδεύεις το μάτι».

και: Ο Φαβόρσκι δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης, αλλά και φιλόσοφος.

Bulatov: Δεν μπορούμε να κρίνουμε αντικειμενικά τη σημερινή τέχνη, γιατί κρίνουμε ακριβώς από αυτό που μας δείχνουν. Δεν ξέρω πώς αυτό αντιστοιχεί σε αυτό που συμβαίνει στην τέχνη. Επιπλέον, ελπίζω ότι αυτό δεν ισχύει καθόλου. ΕΝΑ για το τι είδους τέχνη σήμερα, θα ξέρουμε, ίσως σε πενήντα χρόνια.

Bulatov: Στην πραγματικότητα, μπορώ να κάνω πολύ λίγα. Υπάρχουν πολλά πράγματα που δεν μπορώ να κάνω.

και: Ταπείνωση περισσότερο από υπερηφάνεια;

και: Εξακολουθείτε να βασανίζεστε από το δημιουργικό μαρτύριο;

Bulatov: Μαζί με τον Favorsky, ο Falk ήταν ο δάσκαλός μου. Ως μαθητής ήρθα να του δείξω τη δουλειά μου. Και με ρώτησε: «Τι πιστεύεις για αυτούς;» Τότε ήμουν σε πλήρη απόγνωση από τη δική μου μετριότητα και του το είπα. Ο Φαλκ μου απάντησε: «Άρα είσαι τώρα σε πολύ καλή δημιουργική κατάσταση. Θα σου πω κάτι που δεν θα είναι παρηγοριά για σένα, αλλά θα είναι χρήσιμο στο μέλλον. Αυτή η κατάσταση θα συνεχιστεί σε όλη σας τη ζωή. Και αν περάσει, τότε εσύ ως καλλιτέχνης τελείωσες. Ποτέ δεν ένιωσα τόσο ανήμπορος όσο τώρα, στα γεράματά μου, όταν ξεκινάω μια νέα νεκρή φύση.

bulatov: Στο Λούβρο -τρομακτικό να το πω- με τη «Στέψη της Παναγίας» του Fra Angelico και με το «Country Concert» του Τιτσιάν. Στην γκαλερί Tretyakov - με τον Alexander Ivanov ή με τον Levitan. Ο αγαπημένος μου πίνακας των Λεβιτάνων είναι η Λίμνη, η οποία βρίσκεται στο Ρωσικό Μουσείο. Υποτίθεται ότι θα ονομαζόταν "Rus", αλλά ο Levitan ήταν πολύ ντροπαλός για να δώσει αυτό το όνομα, θεωρώντας την εικόνα ανεπιτυχή.

και: Γιατί κρέμεται μια αναπαραγωγή της Μόνα Λίζα στο εργαστήριό σας στη Μόσχα;

Bulatov: Έγραψα ένα άρθρο για τη Μόνα Λίζα. Είναι σημαντικό για μένα πώς είναι διατεταγμένη αυτή η εικόνα, πώς εμφανίζεται πρόβλημα του ορίου μεταξύ τέχνης και ζωής. Αυτό είναι που δούλεψε ο Λεονάρντο περισσότερο από οποιονδήποτε άλλον.

και: Αλλά η ζωή είναι ακόμα πιο σημαντική από την τέχνη;

Bulatov: Πραγματικά δεν ξέρω. Από τη μια, αυτό είναι αλήθεια, αλλά από την άλλη, η ζωή είναι το υλικό για την τέχνη.

και: Έχοντας ζήσει για περίπου δύο δεκαετίες στη Γαλλία, θεωρείτε τον εαυτό σας Ρώσο ή Ευρωπαίο καλλιτέχνη;

…………………………………..

και: Μπορεί να εμφανιστεί σήμερα ένας νέος τοπιογράφος επιπέδου Levitan;

………………………………………………….— Πρόσφατα, μου φαίνεται ότι το κοινωνικό στοιχείο φεύγει από τους πίνακές σας, αν και παλαιότερα έπαιζε μεγάλο ρόλο. Πολλοί σε αποκαλούσαν ακόμη και ιδρυτή της Sots Art.

— Δεν υπήρξα ποτέ καλλιτέχνης Sots Art. Φυσικά οι πίνακές μου, όπως ο «Ορίζοντας», έπαιξαν μεγάλο ρόλο στη διαμόρφωση αυτής της τάσης, έτσι είναι. Όμως οι καλλιτέχνες της Sots Art έχουν θεμελιώδεις διαφορές από εμένα. Το νόημα είναι τελείως διαφορετικό. Οι πίνακές μου είναι μια αντιπαράθεση μεταξύ ιδεολογοποιημένης πραγματικότητας και φυσικής πραγματικότητας. Δύο πραγματικότητες αντιτίθενται η μία στην άλλη και η συνείδησή μας είναι εντελώς μπλοκαρισμένη από αυτόν τον ιδεολογικό χώρο. Στο ίδιο θέμα. Και κανείς, εκτός από εμένα, δεν ασχολήθηκε με αυτή τη σύγκρουση. Μετά άρχισαν να μελετούν όταν η Σοβιετική Ένωση είχε ήδη καταρρεύσει.

……………………………………………..

— Και στη Δύση, στο Παρίσι, για παράδειγμα, ενδιαφέρονται για τη σύγχρονη ρωσική τέχνη;

- Όχι πραγματικά. Απλώς στη Δύση ξέρουν ακράδαντα ότι δεν υπάρχει, οπότε δεν υπάρχει τίποτα που να ενδιαφέρει εδώ. Υπάρχει ρωσική μουσική, υπάρχει ρωσική λογοτεχνία, ίσως ρωσικό θέατρο, αλλά δεν υπήρχε ρωσική τέχνη και δεν υπάρχει.

…………………………………….

— Και τι γίνεται με τη ρωσική πρωτοπορία;

— Ξέρετε, στο Παρίσι η ρωσική πρωτοπορία γίνεται αντιληπτή ως προσγείωση της γαλλικής τέχνης στη ρωσική τέχνη. Ο 19ος αιώνας μας θεωρείται επαρχιακός κλάδος της γερμανικής τέχνης και στη συνέχεια η γαλλική απόβαση, που έδωσε ένα απροσδόκητο αποτέλεσμα. Μετά πυροβολήθηκαν οι αλεξιπτωτιστές και όλα τελείωσαν. Αν και αυτό είναι πολύ άδικο. Πιστεύω ότι ο 19ος αιώνας αξίζει επίσης ιδιαίτερη προσοχή - σίγουρα δεν πρόκειται για επαρχιακό κλάδο, αν και σίγουρα υπήρχαν γερμανικές επιρροές.

Βλέπετε, είναι σημαντικό οι Ρώσοι θεωρητικοί και οι κριτικοί τέχνης μας να αρχίσουν επιτέλους να ασχολούνται σοβαρά με αυτά τα ζητήματα. Κοιτάξτε, στην ιστορία της τέχνης μας, η ρωσική τέχνη του 19ου αιώνα βρέθηκε ανάμεσα σε δύο πόλους: είτε είναι ο διάβολος ξέρει τι (όπως πιστεύουν μερικές από τις ηγετικές μας προσωπικότητες, όπως η Katya Degot, στη Δύση και μετά), είτε είναι κάτι εξαιρετικό. , το πιο όμορφο και το μεγαλύτερο που δημιουργήθηκε όταν Ή, το καλύτερο στον κόσμο. Στην πραγματικότητα, και οι δύο αυτές θέσεις είναι επιβλαβείς. Όχι απλά λάθος, αλλά επιβλαβές. Είναι απαραίτητο να δούμε προσεκτικά πώς διαφέρει από την τέχνη άλλων χωρών και σχολείων, ποια είναι η ουσία της, ποιες είναι οι ελλείψεις και τα πλεονεκτήματά της. Το να στιγματίζεις ή να εξυμνείς είναι ένας δρόμος προς το πουθενά.

Και πάλι, αν μιλάμε για τη ρωσική τέχνη ως τέτοια, τότε πρέπει να καταλάβετε ποια είναι η σύνδεση μεταξύ διαφορετικών εποχών και ειδών. Είναι πράγματι ο ρωσικός 19ος αιώνας και η ρωσική πρωτοπορία δύο αντίθετα πράγματα που αποκλείουν το ένα το άλλο; Αν και τα δύο είναι ρωσική τέχνη, τότε υπάρχει κάποια κοινή βάση εδώ, κάτι ενιαίο. Κανείς όμως δεν αναλύει αυτά τα φαινόμενα. Γιατί θέλουμε τότε οι άλλοι να πιστεύουν ότι έχουμε τέχνη; Άλλωστε, δεν μπορούμε να πούμε τίποτα για αυτόν.

………………………………………………

Το υλικό προετοιμάστηκε από την Elena Ishchenko.

Δημοσίευση - http://www.liveinternet.ru/community/camelot_club/post323364700/

*******************************************************

Ο Έρικ Βλαντιμίροβιτς Μπουλάτοφ γεννήθηκε στις 5 Σεπτεμβρίου 1933 στο Σβερντλόφσκ (τώρα Αικατερίνμπουργκ), Σοβιετικός και Ρώσος καλλιτέχνης.

Ο πατέρας - ο Βλαντιμίρ Μπορίσοβιτς, με καταγωγή από το Σαράτοφ, ήταν εργάτης του κόμματος (εντάχθηκε στο κόμμα το 1918), πέθανε στο μέτωπο το 1944, μητέρα - από την πόλη Bialystok (Πολωνία), μετανάστευσε παράνομα στη Ρωσία σε ηλικία 15 ετών. τρία χρόνια αργότερα έπιασε δουλειά ως στενογράφος - παρά το γεγονός ότι κατά την άφιξή της δεν ήξερε ρωσικά (ήξερε μόνο πολωνικά και γίντις). Σύμφωνα με τον Erik Bulatov, για κάποιο λόγο ο πατέρας του πίστευε πολύ ότι θα γινόταν καλλιτέχνης. Το 1958 αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Τέχνης V. I. Surikov. Από το 1959, εργάστηκε στον παιδικό εκδοτικό οίκο "Detgiz" μαζί με τον Kabakov και τον Vasiliev. Η εκθεσιακή δραστηριότητα στη Μόσχα ξεκίνησε το 1957 και από το 1973 ήδη στο εξωτερικό. Στα πρώτα έργα του στη δεκαετία του 1960, ο Bulatov διερεύνησε τις αρχές της αλληλεπίδρασης μεταξύ επιφάνειας και χώρου ως φιλοσοφική έννοια της ζωγραφικής και του χώρου. Ήταν ορόσημοτο έργο του, στο οποίο είναι αισθητή η επιρροή του Φαλκ, τον οποίο ο Μπουλάτοφ, μαζί με τον Φαβόρσκι, αποκαλούσαν δάσκαλό του. Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, ο Bulatov άρχισε να αναπτύσσει ένα νέο πρωτότυπο στυλ από το έργο του Horizon, συνδυάζοντας τυπικά νατουραλιστικά τοπία με μεγάλα σύμβολα αφίσας και διαφανή συνθήματα. Ως αποτέλεσμα, ο καλλιτέχνης καταφέρνει με εξαιρετικά προσιτό τρόπο να εικονογραφήσει τον παραλογισμό της πραγματικότητας, υπερκορεσμένο από τα σύμβολα της σοβιετικής προπαγάνδας. Ο χώρος του Bulatov είναι πάντα πολυεπίπεδος: είτε το κείμενο του συνθήματος είτε ένα αναγνωρίσιμο σύμβολο τοποθετείται πάνω από την εικόνα. Τονίζοντας την αντίθεση μεταξύ της προπαγάνδας και της πραγματικότητας, ο Bulatov πλησιάζει περισσότερο τη Sots Art, αλλά ο κύριος στόχος του καλλιτέχνη παραμένει να εξερευνήσει τα όρια μεταξύ του χώρου της τέχνης και του κοινωνικού χώρου. Ο Μπουλάτοφ βλέπει το δημιουργικό του έργο ως «να δείξει και να αποδείξει ότι ο κοινωνικός χώρος, όσο σημαντικός και επιθετικός κι αν φαίνεται, στην πραγματικότητα δεν είναι απεριόριστος. Έχει ένα όριο, ένα σύνορο και η ανθρώπινη ελευθερία και το νόημα της ανθρώπινης ύπαρξης γενικότερα είναι στην άλλη πλευρά των συνόρων. Ο χώρος της τέχνης είναι ακριβώς εκεί, στην άλλη πλευρά των κοινωνικών συνόρων».

«Ορίζοντας», 1972

"Πορτρέτο του Μπρέζνιεφ"

«Δόξα στο ΚΚΣΕ» 2003-2005

Από το 1992 ζει και εργάζεται κυρίως στο Παρίσι.

«Η λέξη στους πίνακές μου είναι μια καθαρά οπτική εικόνα. Μπορείτε να δείτε πώς ο αέρας πυκνώνει και μετατρέπεται σε λέξη. Φυσικά, είναι πιο εύκολο για τους Ρώσους θεατές, βλέπουν το νόημα σε αυτό. Οι δυτικοί δεν παρατηρούν πάντα τις αλλαγές που έχουν συμβεί στους πίνακές μου τα τελευταία χρόνια.

«Μην υπερβάλλετε τη σημασία της δουλειάς μου. Σοβιετική περίοδος. Εξάλλου, δεν υπήρχε τίποτα σοβιετικό ή αντισοβιετικό στον πίνακα "Είσοδος - δεν υπάρχει είσοδος", απλά το κόκκινο είναι το πιο αισιόδοξο και Μπλε χρώμα- το χρώμα της υπόκλισης. Αυτό το πακέτο αργότερα αποδείχθηκε ότι ήταν η γλώσσα μου. Ήταν πάντα σημαντικό για μένα η εικόνα να μην έχει εφαρμοσμένο χαρακτήρα και να μην απεικονίζει καμία κοινωνική θέση, να γίνεται η ίδια δήλωση. Πολλοί κριτικοί είδαν μόνο το σοβιετικό και το αντισοβιετικό όταν τους είπα για το τι δούλευα και για ποιο ιδανικό προσπαθούσα.

«Δούλεψα με το σοβιετικό θέμα μόνο μέχρι το 1991. Γιατί να μασάτε το παλιό; Όταν ήταν - ήταν ένα σοβαρό θέμα. Τώρα είναι σαν να κλωτσάς ένα νεκρό λιοντάρι».

«Πριν από περίπου πέντε χρόνια ζωγράφισα τον πίνακα «Το στερέωμα είναι ο ουρανός». Το έναυσμα ήταν ένα ποίημα του Vsevolod Nekrasov, αυτό είναι το αγαπημένο μου σύγχρονος ποιητήςπου σημαίνει πολλά για μένα. Εκεί, ο χώρος γύρισε μέσα προς τα έξω. Και αποδείχθηκε είτε μια σφαίρα, είτε, αντίθετα, ένα βάθος, ένα τέτοιο διπλό παιχνίδι. Γενικά, δούλεψα πολύ με τον ουρανό, ξεκινώντας το 1975, όταν ζωγράφισα τον πίνακα "Έρχομαι" - είναι ήδη είχε κίνηση μέσα από την εικόνα, μέσα από την εικόνα. Ο ουρανός για μένα είναι εικόνα ελευθερίας. Σε έναν κοινωνικό χώρο, είμαι πεπεισμένος, δεν μπορεί να υπάρξει ελευθερία. Νομίζω ότι γενικά για έναν άνθρωπο το νόημα της ζωής του, το νόημα της ύπαρξής του δεν βρίσκεται στον κοινωνικό χώρο. Εδώ ικανοποιούνται οι απαραίτητες ανάγκες, αλλά δεν ζούμε για αυτό, ζούμε για κάτι άλλο, μου φαίνεται.

Πηγές: Wikipedia, RFI - δημόσιος ραδιοφωνικός σταθμός

Δημοφιλή στην κατηγορία: