Glavne struje i pravci novog doba estetike. Glavni trendovi u razvoju estetike XIX - XX stoljeća

U prvoj polovici 20. stoljeća formira se jedna od najpopularnijih kulturnih i estetskih škola našeg stoljeća, frojdizam. Njegov utemeljitelj, austrijski filozof i psihijatar Sigmund Freud (1856.-1939.), uveo je objašnjenje podsvijesti sa stajališta intuicionističkih teorija svojih kolega. seksualni život osoba. I premda u djelima filozofa nema sistematiziranog prikaza estetske teorije, zasebne prosudbe o pitanjima estetike i umjetničke kulture sadržane su u njegovim Predavanjima o uvodu u psihoanalizu (1918), u knjizi Nezadovoljstvo kulturom (1930), kao kao i u člancima Leonardo da Vinci. Studija o psihoseksualnosti" (1910), "Dostojevski i oceubojstvo" (1928), "Pjesnik i fantazija" (1911). Freudova doktrina o urođenim nesvjesnim strukturama-instinktima imala je golem utjecaj na praksu tzv. "masovne kulture" koja se formirala početkom 20. stoljeća. Doista, filozof je u svojoj teoriji nesvjesnog polazio od činjenice da se čovjekova bit izražava u slobodi od nagona. Glavni utjecaj frojdizma na " masovna kultura leži u korištenju njegovih instinkata straha, seksa i agresivnosti. Freudova psihoanaliza stvorila je vrlo reprezentativnu školu koja postoji i danas. Posebnu ulogu u razvoju frojdovske doktrine imaju O. Rank, G. Sachs i posebno K.G. Jung. U 20. stoljeću ideje mislilaca prošlog stoljeća A. Schopenhauera i F. Nietzschea sažete su u elitnom estetičkom konceptu španjolskog filozofa Joséa Ortege y Gasseta (1883.-1955.). Godine 1925. u Europi je objavljeno njegovo najpoznatije djelo pod naslovom "Dehumanizacija umjetnosti", posvećeno problemu razlike između stare i nove umjetnosti. Glavna razlika između nove umjetnosti i stare, prema Ortegi y Gassetu, jest u tome što se ona obraća eliti društva, a ne njegovoj masi.

Knjiga Ortege y Gasseta "Dehumanizacija umjetnosti" s pravom je postala pravi avangardni manifest. Filozof staje na stranu onog dijela europske kreativne inteligencije s početka stoljeća koji je pokušavao stvoriti novu umjetnost. U tom smislu potrebno je analizirati najmarkantnije umjetničke pravce, smjerove i stilove koji su se deklarirali u ovom povijesnom razdoblju.

Avangarda (od francuskog avantgarde naprijed odred) je pojam koji je ujedinio različite škole i trendove europske umjetnosti 10-20-ih godina 20. stoljeća na principima radikalne obnove umjetničke prakse. U estetici se ustalio pojam "avangarda". likovna kritika u 20-ima. Glavna skupina avangardnih škola (futurizam, dadaizam, kubizam, ekspresionizam, suprematizam) deklarirala se krajnjim nihilizmom, krajnjim stupnjem negiranja prethodne kulturne tradicije klasičnog umjetničkog iskustva. Praktična provedba avangarde bila je svojstvena različitim vrstama umjetnosti: književnosti (L. Aragon, V. Hlebnikov, V. Majakovski), kazalištu (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), glazbi (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Skrjabin). No, avangarda se najočiglednije ostvarila god likovne umjetnosti. Slike različitih avangardnih smjerova karakteriziralo je odbacivanje umjetničke živosti. Avangardna umjetnost, uz rijetke iznimke (kubizam, koji uvjetno geometrizira prirodu, apstrakcionizam, sa svojom čisto fantastičnom geometrijom), je nefigurativna. Odbacivanje objektivnosti i pretvaranje umjetničkih sredstava kao što su boja, kompozicija, tekstura u samosvrhu bilo je diktirano osjećajem krize moderne civilizacije.

U drugoj polovici 20. stoljeća u europskoj estetici i umjetnosti nastavljaju se kreativna traženja i odvažni eksperimenti, javljaju se utjecajne ideje, nove umjetničke škole i značajna obećavajuća otkrića. Egzistencijalistički, strukturalistički, sociokulturni estetski pravci, predstavljeni imenima J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno i drugi. Najznačajnija estetska škola, koja se formirala u Francuskoj 1940-ih i 1950-ih godina, pripadala je egzistencijalističkom smjeru, a posebno se jasno očitovala u djelu J. P. Sartrea i A. Camusa. Podsjetimo, utemeljitelj filozofskog egzistencijalizma Soren Kierkegaard (1813.-1855.) smatrao je filozofiju promišljanjem bića na temelju osobne ljudske egzistencije – „egzistencije“. Estetski koncept egzistencijalizma također je kao istinit priznavao samo individualnu egzistenciju čovjeka i mogućnost spoznaje "egzistencije" uz pomoć ljudske mašte i emocija, koji su pak najvažnija strana umjetničkog stvaralaštva.

Francuski filozof i pisac Jean-Paul Sartre (1905.-1980.) u svojim spisima "Mašta" (1936.), "Esej o teoriji emocija" (1939.), "Imaginarno" (1940.) dovoljno detaljno raspravlja o različitim svojstvima ljudska svijest. Sartre tumači ljudsku svijest kao transcendentalnu, tj. onu koja nadilazi granice bilo kakvog iskustva i kao izvorište, životnu osnovu, uključujući stvaralačku aktivnost čovjeka. Prema mišljenju filozofa, umjetnička djela nisu izravan odraz stvarnosti, stoga takozvana "zamišljajuća svijest" svakog umjetnika ima kreativni karakter, jer nastaje sama od sebe i slobodna je od svih manifestacija stvarnosti. Izraz estetski pogledi Albert Camus(1913.-1960.) posljednje je njegovo poglavlje filozofski esej"Mit o Sizifu" (1942), u kojem razvija glavnu ideju svog djela - apsurdnost ljudskog postojanja u svijetu. “Apsurd”, osjećaj usamljenosti i otuđenosti od vanjskog svijeta, svemoć smrti postaju konstanta u Camusovoj dramaturgiji, prozi i estetici. Apsurd, prema Camusu, također pripada umjetničkom djelu. Međutim, sam čin umjetničkog stvaralaštva omogućuje čovjeku da održi svijest u svijetu kaosa. Potom se “estetika apsurda” kod filozofa razvija u “estetiku pobune”. Godine 1951. objavljen je politički esej "Pobunjeni čovjek" u kojem se Camus suprotstavlja krajnostima u umjetnosti, ideološkim i čisto formalističkim. I u Pobunjenom čovjeku iu svojim govorima o dodjeli Nobelove nagrade (1957.), Camus naglašava da prava umjetnost odražava ljudsku sudbinu i nastoji ovladati sudbinom.

U 1950-ima intuitivni i egzistencijalistički koncepti u zapadnoeuropskoj estetici nestaju u pozadinu, ustupajući mjesto strukturalizmu. Bit strukturalizma izrazio je njegov glavni teoretičar Claude Levi-Strauss (rođen 1908.). On je formulirao glavne faze strukturalist eksplorativna analiza: "čitanje" teksta, njegova mikroanaliza, interpretacija, dekodiranje i konačno modeliranje. Strukturalizam je postao osnova vrlo popularnog književnog i estetskog pokreta 60-ih godina, nazvanog Nova kritika, koji je predvodio pariški profesor Roland Barthes (1915.-1980.). U knjizi Kritika i istina (1966.) iznosi stajalište da se znanost o književnosti ne treba baviti razjašnjavanjem značenja djela, nego treba stvarati univerzalne zakone za izgradnju književne forme.

U 1960-im i 1970-im godinama sociološki koncepti zastupljeni imenima T. Adorna, G. Marcusea, E. Fromma bili su široko rasprostranjeni u zapadnoj Europi i SAD-u. Ti se nazivi objašnjavaju željom da se istraži korespondencija unutarnjih imanentnih struktura umjetničkih djela određenim vrstama uspostavljenih društvenih odnosa.

Najnovije vrijeme uključuje i dan umjetničke ere: avangarde i realizma. originalnost ovih epoha leži u činjenici da se one ne razvijaju sekvencijalno, nego povijesno paralelno.

avangardne umjetničke skupine n uj ( predmodernizam, modernizam, neomodernizam, postmodernizam) razvijaju se paralelno s realističnom grupom (kritički realizam 19. stoljeća, socrealizam, seoska proza, neorealizam, magični realizam, psihološki realizam, intelektualni realizam). U tom paralelnom razvoju epoha pojavljuje se opće ubrzanje kretanja povijesti.

Jedna od glavnih odredbi umjetničkog koncepta avangardnih trendova: kaos, nered „Zakon suvremenog života ljudskog društva. Umjetnost postaje kaosologija, proučavajući zakone svjetskog nereda.

Svi avangardni trendovi sužavaju svjesni i povećavaju nesvjesni početak kako u stvaralačkom tako iu recepcijskom procesu. Ova područja posvećuju veliku pažnju masovnoj umjetnosti i problemima formiranja svijesti pojedinca.

Značajke koje ujedinjuju avangardne umjetničke pokrete: novi pogled na položaj i svrhu čovjeka u svemiru, odbacivanje ranije utvrđenih pravila i normi, od tradicije i

spretnost, eksperimenti na polju oblika i stila, traženje novih umjetničkih sredstava i tehnika.

predmodernizam - prvo (početno) razdoblje umjetničkog razvoja avangardnog doba; skupina umjetničkih pravaca u kulturi druge polovice 19. stoljeća, otvara čitavu etapu (etapu izgubljenih iluzija) najnovijeg umjetničkog razvoja.

Naturalizam je umjetnički pravac čija je invarijanta umjetničke koncepcije bila afirmacija tjelesnog čovjeka u materijalno-materijalnom svijetu; osoba, čak i uzeta samo kao visokoorganizirana biološka jedinka, zaslužuje pažnju u svakoj manifestaciji; usprkos svim svojim nesavršenostima, svijet je stabilan i svi detalji o njemu su od općeg interesa. U umjetničkom konceptu naturalizma balansiraju se želje i mogućnosti, ideali i stvarnost, osjeća se izvjesna samozadovoljnost društva, njegovo zadovoljstvo svojim položajem i nespremnost da se išta mijenja u svijetu.

Naturalizam tvrdi da je cijeli vidljivi svijet dio prirode i da se može objasniti njezinim zakonima, a ne nadnaravnim ili paranormalnim uzrocima. Naturalizam je nastao iz apsolutizacije realizma i pod utjecajem darvinističkih bioloških teorija, znanstvene metode proučavanje društva i determinističke ideje Tainea i drugih pozitivista.

Impresionizam - umjetnički pravac (druga polovica 19. - početak 20. stoljeća), čija je invarijanta umjetničkog koncepta bila tvrdnja rafinirane, lirski osjetljive, dojmljive osobnosti, divljenja ljepoti svijeta. Impresionizam je otvorio novi tip percepcije stvarnosti. Za razliku od realizma koji je usmjeren na prenošenje tipičnog, impresionizam je usmjeren na posebno, individualno i njihovo subjektivno viđenje od strane umjetnika.

Impresionizam je majstorstvo boje, chiaroscuro, sposobnost prenošenja raznolikosti, višebojnosti života, radosti postojanja, hvatanja prolaznih trenutaka osvjetljenja i općeg stanja okolnog promjenjivog svijeta, prenošenja otvorenog zraka - igre svjetla. i sjene oko osobe i stvari, zračni okoliš, prirodno osvjetljenje, davanje estetskog izgleda predmetu koji se prikazuje.

Impresionizam se očitovao u slikarstvu (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) i u glazbi (C. Debussy i M. Ravel, A. Skrjabin), te u književnosti (djelomično G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eklekticizam- umjetnički pravac (koji se očitovao uglavnom u arhitekturi), koji uključuje, pri stvaranju djela, bilo kakvu kombinaciju bilo kojeg oblika prošlosti, bilo koje nacionalne tradicije, otvorenu dekorativnost, zamjenjivost i jednakost elemenata u djelu, kršenje hijerarhije u umjetničkog sustava i slabljenja sustava i cjelovitosti.

Eklekticizam karakteriziraju: 1) preobilje ukrasa; 2) jednak značaj raznih elemenata, svih stilskih oblika; 3) gubitak razlike između masivne i jedinstvene građevine u urbanoj cjelini ili književnog djela i drugih djela književnog postupka; 4) nedostatak jedinstva: fasada se odvaja od tijela zgrade, detalj - od cjeline, stil fasade - od stila interijera, stilovi različitih prostora interijera - jedni od drugih ; 5) izborna simetrično-osna kompozicija (odstupanje od pravila neparnog broja prozora na pročelju), ujednačenost pročelja; 6) načelo "non-finito" (nedovršenost djela, otvorenost kompozicije); 7) jačanje

asocijativno mišljenje autora (umjetnika, pisca la, arhitekt) i gledatelj; 8) oslobađanje od antičke tradicije i oslanjanje na kulture različitih epoha i različitih naroda; žudnja za egzotikom; 9) višestilski; 10) neregulirana osobnost (za razliku od klasicizma), subjektivizam, slobodno očitovanje osobnih elemenata; 11) demokratizam: težnja za stvaranjem univerzalnog, neklasnog tipa gradskog stanovanja.

Funkcionalno, eklekticizam u književnosti, arhitekturi i drugim umjetnostima usmjeren je na služenje "trećem staležu". Ključna građevina baroka je crkva ili palača, ključna građevina klasicizma je državna zgrada, ključna građevina eklekticizma je stambena zgrada (“za sve”). Eklektički dekorativizam tržišni je čimbenik nastao kako bi se u stambenu zgradu u kojoj se stanovi iznajmljuju privukao širu klijentelu. Profitabilna kuća - masovna vrsta stanovanja.

Modernizam- umjetničko doba koje objedinjuje umjetničke pokrete čiji umjetnički koncept odražava ubrzanje povijesti i jačanje njezina pritiska na čovjeka (simbolizam, rajonizam, fovizam, primitivizam, kubizam, akmeizam, futurizam); razdoblje najpotpunijeg utjelovljenja avangarde. U razdoblju modernizma dolazi do ubrzanog razvoja i promjene umjetničkih pravaca.

Modernistička umjetnička strujanja grade se dekonstrukcijom tipološke strukture klasičnog djela – neki njegovi elementi postaju predmetom umjetničkih eksperimenata. U klasičnoj umjetnosti ti su elementi uravnoteženi. Modernizam je poremetio tu ravnotežu jačajući neke elemente, a slabeći druge.

Simbolizam- umjetnički pravac doba moderne, koji afirmira umjetnički koncept: san pjesnika je viteštvo i lijepa dama. Snovi o

viteštvo, štovanje lijepe dame ispuniti poeziju simbolizam.

Nastala je simbolika u Francuskoj. Njegovi majstori bili su Baudelaire, Mallarmé, Verlaine i Rimbaud.

Akmeizam je umjetnički pravac ruske književnosti s početka 20. stoljeća, koji je nastao u "srebrnom vijeku", postojao uglavnom u poeziji i tvrdio: pjesnik- čarobnjak i ponosni vladar svijeta, otkrivajući njegove misterije i prevladavajući njegov kaos.

Akmeizmu su pripadali: N. Gumiljov, O. Mandeljštam, A. Ahmatova, S. Gorodecki, M. Lozinski, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich i drugi Futurizam- umjetnički pravac ere modernizma, afirmirajući agresivno borbenu osobnost u urbanistički organiziranom kaosu svijeta.

Definiranje umjetničkogčimbenik futurizma – dinamika. Futuristi su provodili načelo neograničenog eksperimentiranja i ostvarivali inovativna rješenja u književnosti, slikarstvu, glazbi i kazalištu.

primitivizam- umjetnički pravac koji pojednostavljuje čovjeka i svijet, nastojeći vidjeti svijet dječjim očima, radosno i jednostavno, izvan okvira „odraslog» poteškoće. Ova želja rađa prednosti i slabosti primitivizma.

Primitivizam je atavistička nostalgija za prošlošću, čežnja za predciviliziranim načinom života.

Primitivizam nastoji uhvatiti glavne obrise složenog svijeta, tražeći u njemu radosne i razumljive boje i linije. Primitivizam je kontraakcija stvarnosti: svijet postaje složeniji, a umjetnik ga pojednostavljuje. No, umjetnik tada pojednostavljuje svijet kako bi se nosio s njegovom složenošću.

Kubizam - geometrizirani varijetet primitivizma koji pojednostavljuje stvarnost, sagledavajući je dječjim ili "divljačkim" očima.

nekadašnji karakter primitivizacije: viđenje svijeta kroz forme geometrijski pravilnih likova.

Kubizam u slikarstvu i kiparstvu razvijaju talijanski umjetnici D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; njemački - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikanac - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Meksikanac Diego Rivera, Argentinac E. Pettoruti i dr.

U kubizmu se osjećaju arhitektonske konstrukcije; mase se mehanički spajaju jedna s drugom, a svaka masa zadržava svoju neovisnost. Kubizam je otvorio temeljno novi smjer u figurativnoj umjetnosti. Uvjetna djela kubizma (Braque, Gris, Picasso, Léger) zadržavaju svoju povezanost s modelom. Portreti odgovaraju originalima i prepoznatljivi su (jedan je američki kritičar u pariškoj kavani prepoznao čovjeka poznatog mu samo s Picassovog portreta, sastavljenog od geometrijskih figura).

Kubisti ne prikazuju stvarnost, već stvaraju "drugačiju stvarnost" i ne prenose izgled predmeta, već njegov dizajn, arhitektoniku, strukturu, suštinu. Oni ne reproduciraju "narativnu činjenicu", već vizualno utjelovljuju svoje znanje o prikazanoj temi.

Apstrakcionizam- umjetnički pravac umjetnosti 20. stoljeća čiji umjetnički koncept afirmira potrebu bijega pojedinca od banalne i iluzorne stvarnosti.

Djela apstraktne umjetnosti odvojena su od oblika samog života i utjelovljuju subjektivne kolorističke impresije i fantazije umjetnika.

Postoje dvije struje u apstrakcionizmu. Prva struja lirsko-emocionalni, psihološki apstrakcionizam - simfonija boja, harmonizacija bezobličnih kombinacija boja. Ovaj trend rođen je iz impresionističke raznolikosti dojmova o svijetu, utjelovljenih u platnima Henrija Matissea.

Tvorac prvog djela psihološkog apstrakcionizma bio je V. Kandinski, koji je naslikao sliku "Planina".

Druga struja geometrijski (logički, intelektualni) apstrakcionizam (»neoplasticizam«) je nefigurativni kubizam. P. Cezanne i kubisti, koji su stvarali novi tip umjetnički prostor spajanjem različitih geometrijski oblici, ravnine u boji, ravne i izlomljene linije.

Suprematizam(autor pojma i odgovarajućeg umjetničkog fenomena Kazimir Malevich) - za apstrakcionizam, izoštravajući i produbljujući njegove značajke. Maljevič je 1913. otvorio trend “suprematizma” slikom “Crni kvadrat”. Kasnije je Maljevič formulirao svoja estetska načela: umjetnost je postojana zbog svoje neprolazne vrijednosti; čisti plastični senzibilitet – „dostojanstvo umjetnina“. Estetika i poetika suprematizma afirmira univerzalne (suprematističke) slikovne formule i kompozicije – idealne konstrukcije geometrijski pravilnih elemenata.

Raionizam je jedan od gotovo apstrakcionističkih trendova koji je afirmirao teškoću i radost ljudskog postojanja i neizvjesnost svijeta u kojem su svi predmeti osvijetljeni. različiti izvori svjetlosti, ispadaju secirane zrake ove svjetlosti i gube svoju jasnu figurativnost.

Lučizam je nastao u 1908 - 1910 gg. u radu ruskih umjetnika Mihaila Larionova i njegove supruge Natalije Gončarove.

Tijekom iz neomodernizma potječu svi avangardni umjetnički pokreti iz takvo shvaćanje stvarnosti: osoba ne može izdržati pritisak svijeta i postaje neočovjekom. Tijekom ovog razdoblja, razvoj

Postoje avangardni umjetnički pokreti koji afirmiraju bezradne, pesimistične umjetničke koncepte svijeta i osobnosti. Među njima Dadaizam, konstruktivizam, nadrealizam, egzistencijalizam, neoapstrakcionizam itd.

Dadaizam je umjetnički pokret koji afirmira umjetnički koncept; svijet- besmisleno ludilo, revidiranje razuma i vjere.

Načela dadaizma bila su; raskinuti s tradicijama svjetske kulture, uključujući tradiciju jezika; bijeg od kulture i stvarnosti, ideja svijeta kao kaosa ludila, u koji je bačena bespomoćna osoba; pesimizam, nevjera, negiranje vrijednosti, osjećaj opće izgubljenosti i besmisla postojanja, rušenje ideala i svrhe života. Dadaizam je izraz krize klasičnih vrijednosti kulture, potrage za novim jezikom i novim vrijednostima.

Nadrealizam je umjetnički pokret koji se fokusira na zbunjenu osobu u tajanstvenom i nespoznatljivom svijetu. Koncept osobnosti u nadrealizmu mogao bi se sažeti u formulu agnosticizma: “Ja sam muškarac, ali su se granice moje osobnosti i svijeta zamaglile. Ne znam gdje moje "ja" počinje, a gdje prestaje, gdje je svijet i što je?

Nadrealizam kao umjetnički pravac razvili su: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Nadrealizam je nastao iz dadaizma, izvorno kao književni pravac, koja je kasnije pronašla svoj izraz u slikarstvu, kao iu kinu, kazalištu i dijelom u glazbi.

Za nadrealizam su čovjek i svijet, prostor i vrijeme fluidni i relativni. Gube svoje granice. Proklamira se estetski relativizam: sve teče, sve jest

čini se da je pomiješano; zamagljuje se; ništa nije sigurno. Nadrealizam potvrđuje relativnost svijeta i njegov vrijednosti. Ne postoje granice između sreće i nesreće, pojedinca i društva. Kaos svijeta uzrokuje kaos umjetničkog mišljenja- to je princip estetike nadrealizma.

Umjetnički koncept nadrealizma afirmira tajanstvenost i nespoznatljivost svijeta u kojem vrijeme i povijest nestaju, a čovjek živi u podsvijesti i bespomoćan je pred poteškoćama.

Ekspresionizam- umjetnički pravac koji tvrdi: otuđen, čovjek živi u neprijateljskom svijetu. Kao heroj vremena, ekspresionizam je istaknuo nemirnu, osjećajima preplavljenu osobnost [nesposobnu unijeti sklad u svijet razdiran strastima. -

Ekspresionizam kao umjetnički pravac nastao je na temelju odnosa s različitim područjima znanstvenog djelovanja: s Freudovom psihoanalizom, Husserlovom fenomenologijom, neokantovskom epistemologijom, filozofijom Bečkog kruga i Gestalt psihologijom.

Ekspresionizam se očitovao u različitim vrstama umjetnosti: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - u slikarstvu; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - u književnosti; I. Stravinski, B. Bartok, A. Schoenberg - u glazbi.

Ekspresionizam na temeljima kulture XX. stoljeća. oživljava romantizam. ekspresionizam inherentni strah od svijeta i proturječnost između vanjskog dinamizma i ideja o nepromjenjivoj biti svijeta (nevjerica u mogućnost njegova poboljšanja). Prema umjetničkom konceptima ekspresionizma, bitne snage osobnosti otuđene su u suprotstavljanju čovjek i neprijateljske javne institucije: sve je beskorisno. Ek ekspresionizam je izraz boli umjetnika humanista,

koju mu je uzrokovala nesavršenost svijeta. Ekspresionistički koncept ličnosti: ljudski- emocionalno, “prirodno” biće, strano industrijskom i racionalnom, urbanom svijetu u kojem je prisiljeno živjeti.

Konstruktivizam- umjetnički pravac (20-ih godina XX. st.), čija je idejna invarijanta ideja- čovjekovo postojanje odvija se u okruženju industrijskih snaga koje su mu otuđene; i heroj vremena- racionalist industrijskog društva.

Neopozitivistička načela kubizma, rođena u slikarstvu, proširena su u transformiranom obliku na književnost i druge umjetnosti i učvršćena u novom smjeru, konvergirajući s idejama tehnicizma - konstruktivizma. Potonji su smatrali da su proizvodi industrije neovisni, otuđeni od pojedinca i suprotstavljeni njezinim vrijednostima. Konstruktivizam se pojavio u osvit znanstvene i tehnološke revolucije i idealizirao je ideje tehnizma; cijenio je strojeve i njihove proizvode ispred pojedinca. Čak i najtalentiraniji i humanistička djela konstruktivizam otuđujući čimbenici tehnološkog napretka uzimaju se zdravo za gotovo. Konstruktivizam je pun patosa industrijskog napretka, ekonomske svrhovitosti; tehnokratski je.

Estetika konstruktivizma razvila se između krajnosti (ponekad padajući u jednu od njih) - utilitarizma, koji zahtijeva destrukciju estetike, i esteticizma. U vizualnim umjetnostima iu arhitekturi, kreativna načela konstruktivizma su što je moguće bliža inženjerstvu i uključuju: matematički izračun, lakonizam umjetničkih sredstava, shematizam kompozicije, logizaciju.

U književnosti se konstruktivizam kao umjetnički pravac razvio (1923. - 1930.) u radu grupe

LCC (Konstruktivistički književni centar): I.L. Selvinski, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinski (teoretičar grupa) i dr. Konstruktivizam je utjecao i na kazalište (redateljski rad Vsevoloda Mejerholjda koji je razvio načela biomehanike, kazališnog inženjerstva i uveo scenska radnja elementi cirkuskog spektakla. Ideje konstruktivizma zahvatile su svojim utjecajem razne vrste umjetnosti, ali su najveći utjecaj imale na arhitekturu. To je posebno utjecalo na rad Le Corbusiera, I. Leonidova, V.A. Shchuko i V.G. Gelfreich.

Egzistencijalizam- pojam čovjekove egzistencije, njegovo mjesto i uloga u ovom svijetu, odnos prema Bogu. Bit egzistencijalizma- primat egzistencije nad esencijom (čovjek sam oblikuje svoju egzistenciju i birajući što će, a što ne činiti, unosi esenciju u egzistenciju). Egzistencijalizam afirmira usamljenu sebičnu samovrijednu osobnost u svijetu apsurda. Za egzistencijalizam je pojedinac iznad povijesti.

U svom umjetničkom konceptu egzistencijalizam (J.P. Sartre, A. Camus) tvrdi da su sami temelji ljudskog postojanja apsurdni, makar samo zato što je čovjek smrtan; priča ide od lošeg do goreg i opet do lošeg. Nema kretanja prema gore, postoji samo vjeverica kotač povijest u kojoj se besmisleno vrti život čovječanstva.

Temeljna samoća, afirmirana umjetničkim konceptom egzistencijalizma, ima suprotnu logičnu posljedicu: život nije apsurdan tamo gdje čovjek nastavlja sebe u ljudskosti. Ali ako je čovjek samotnjak, ako je on jedina vrijednost na svijetu, onda je on društveno obezvrijeđen, nema budućnost i onda je smrt apsolutna. To precrtava čovjeka, a život postaje besmislen.

Neoapstrakcionizam(apstrakcionizam drugog vala) - spontano-impulsivno samoizražavanje; temeljno odbacivanje figurativnosti, prikazivanja stvarnosti, u ime čiste ekspresivnosti; tok svijesti uhvaćen u boji.

Neoapstrakcionizam stvara nova generacija apstrakcionista: J. Paul Lak, De Kuhn i Yig, A. Manisirer i dr. Ovladali su nadrealnom tehnikom i načelima "mentalnog automatizma". Paul Lak u stvaralačkom činu ističe ne djelo, već sam proces njegova nastanka. Taj proces postaje sam sebi svrhom i tu nastaju ishodišta “slikarske akcije”.

Načela neoapstrakcionizma potkrijepili su M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Talijanski teoretičar D. Severini pozivao je na zaborav realnosti, jer ona ne utječe na plastični izraz. Drugi teoretičar, M. Zefor, zaslugom apstraktnog slikarstva smatra to što ono ne nosi ništa od normalnog okruženja ljudskog života. Slikarstvu je fotografija oduzela figurativnost, ostavivši joj samo izražajne mogućnosti za otkrivanje subjektivnog svijeta umjetnika.

Slaba karika u teoriji apstrakcionizma i neoapstrakcionizma je nepostojanje jasnih vrijednosnih kriterija za razlikovanje kreativnosti od špekulacije, ozbiljnosti od šale, talenta od prosječnosti, vještine od smicalice.

Likovna rješenja apstrakcionizma i neoapstrakcionizma (usklađivanje boje i oblika, stvaranje "ravnoteže" ploha različitih veličina zbog intenziteta njihove boje) koriste se u arhitekturi, dizajnu, dekorativnoj umjetnosti, kazalištu, kinu i televiziji.

Postmodernizam kao umjetničko doba nosi umjetničku paradigmu koja tvrdi da osoba ne može izdržati pritisak svijeta i postaje posthuman. Svi umjetnički pravci ove

razdoblje prožeti ovom paradigmom, manifestirajući je i prelamajući kroz svoje nepromjenjive koncepte svijeta i osobnosti: pop art, sonopucmuka, aleatorika, glazbeni poentilizam, hiperrealizam, hepening itd.

Pop umjetnost- nova figurativna umjetnost. Pop art je apstrakcionističkom odbacivanju stvarnosti suprotstavio grubi svijet materijalnih stvari, kojemu se pripisuje umjetničko-estetski status.

Teoretičari pop arta tvrde da u određenom kontekstu svaki predmet gubi svoje izvorno značenje i postaje umjetničko djelo. Stoga se zadatak umjetnika ne shvaća kao stvaranje umjetničkog predmeta, već kao davanje umjetničkih svojstava običnom predmetu organiziranjem određenog konteksta za njegovu percepciju. Estetizacija materijalnog svijeta postaje načelo pop arta. Umjetnici nastoje postići dopadljivost, vidljivost i razumljivost svojih kreacija, služeći se za to poetikom etikete i oglašavanja. Pop art je sastav svakodnevnih predmeta, ponekad u kombinaciji s modelom ili skulpturom.

Zgužvani automobili, izblijedjele fotografije, komadići novina i plakati nalijepljeni na kutije, punjena kokoš ispod staklenke, pohabana cipela obojena bijelom uljanom bojom, elektromotori, stare gume ili plinske peći - umjetnički su eksponati pop arta.

Među umjetnicima pop-arta mogu se identificirati: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine i drugi.

Pop art kao umjetnički pravac ima niz varijanti (trendova): op art (umjetnički organizirani optički efekti, geometrijske kombinacije linija i točaka), env-apm(kompozicije, likovna organizacija ambijenta koji okružuje gledatelja), elektronička pošta(predmeti koji se kreću uz pomoć elektromotora

i konstrukcije, ovaj pravac pop arta izdvojio se kao samostalni umjetnički pravac – kinetizam).

Pop art je iznio koncept potrošačkog identiteta društva "masovne potrošnje". Idealna osobnost pop-arta je čovjek-konzument, kojemu bi estetizirane mrtve prirode robnih kompozicija trebale zamijeniti duhovnu kulturu. Riječi zamijenjene dobrima, literatura zamijenjena stvarima, ljepota zamijenjena korisnošću, pohlepa za materijalnim, potrošnja robe, zamjena duhovnih potreba, obilježje je pop-arta. Taj je smjer temeljno orijentiran na masovnu, nekreativnu osobu, lišenu samostalnog mišljenja i posuđivanja „svojih“ misli iz reklama i masovnih medija, osobu manipuliranu televizijom i drugim medijima. Tu je osobnost pop-art programirao da ispuni zadane uloge stjecatelja i potrošača, poslušno rušeći otuđujući utjecaj moderne civilizacije. Pop art osobnost - Zombi masovne kulture.

Hiperrealizam ~ umjetnički pokret čija je umjetnička koncepcija nepromjenjiva: neosobna živi sustav u okrutnom i grubom svijetu.

Hiperrealizam - stvara slikovita nadnaturalistička djela koja prenose najsitnije detalje prikazanog predmeta. Zapleti hiperrealizma su namjerno banalni, slike su naglašeno "objektivne". Ovaj pravac vraća umjetnike uobičajenim oblicima i sredstvima likovne umjetnosti, posebice slikarskom platnu, koje je pop art odbacio. Hiperrealizam kao glavne teme svojih slika postavlja mrtvu, umjetnu, "drugu" prirodu urbane sredine: benzinske postaje, automobile, izloge, stambene zgrade, telefonske govornice, koji se prikazuju kao otuđeni od čovjeka.

Hiperrealizam pokazuje posljedice pretjerane urbanizacije, uništavanje ekologije okoliša, dokazuje da metropola stvara nehumani okoliš. glavna tema hiperrealizam – bezlični mehanizirani život suvremenog grada.

Teorijsku osnovu hiperrealizma čine filozofske ideje frankfurtske škole, koja afirmira potrebu odmaka od ideologiziranih oblika figurativnog mišljenja.

Umjetnička djela fotorealizma temelje se na jako uvećanoj fotografiji i često se poistovjećuju s hiperrealizmom. No, i po tehnologiji stvaranja slike i, što je najvažnije, po invarijanti likovnog poimanja svijeta i osobnosti, radi se o, iako bliskim, ali različitim umjetničkim pravcima. Hiperrealisti su oponašali fotografije slikovnim sredstvima na platnu, fotorealisti oponašali slike obrađujući (bojama, kolažom) fotografije.

Fotorealizam potvrđuje prioritet dokumentarne i umjetničke koncepcije: pouzdana, obična osoba u pouzdanom, običnom svijetu.

Svrha fotorealizma je slika suvremene svakodnevice. Ulice, prolaznici, izlozi, automobili, semafori, kuće, kućanski predmeti reproducirani su u djelima fotorealizma autentično, objektivno i super slično.

Glavne značajke fotorealizma: 1) figurativnost, suprotstavljanje tradicijama apstrakcionizma; 2) privlačnost zapleta; 3) želja za izbjegavanjem "realističnih klišeja" i dokumentarizma; 4) oslanjanje na umjetnička dostignuća fotografske tehnologije.

Sonoristika- smjer u glazbi: igra boja, izražavanje "ja" autora. Za njegove predstavnike nije bitna visina tona, već boja boje. Traže nove glazbeni boje, nekonvencionalan zvuk: sviraju na štapu, na

pila, štapići za jelo po žicama klavira, šamar po palubi, na daljinski upravljač, zvuk se proizvodi brisanjem nastavka za usta maramicom.

U čistoj zvučnoj glazbi melodija, harmonija i ritam ne igraju posebnu ulogu, bitan je samo zvuk zvuka. Potreba da se popravi oživjela je posebne grafičke oblike snimanja tona u obliku tankih, podebljanih, valovitih linija stožastog oblika. Ponekad je naznačen i raspon u kojem izvođač treba svirati.

Utemeljitelj sonarne glazbe bio je poljski skladatelj K. Penderecki, a njegovu su inicijativu nastavili K. Serocki, S. Bussotti i drugi.

Glazbeni poentilizam- smjer u mušnici * čija je značajka raskinutost glazbenog tkiva, njegova raspršenost u registrima, složenost ritma i takta, obilje pauza.

Glazbeni poentilizam odbija stvoriti inteligibilnu umjetničku stvarnost (od stvarnosti koja bi se mogla razumjeti na temelju svjetske glazbene i umjetničke tradicije i korištenjem tradicionalnih glazbenih semiotičkih kodova). Poentilizam usmjerava pojedinca na emigraciju u svijet svoje duše i afirmira fragmentaciju svijeta koji ga okružuje.

Aleatorica- umjetnički smjer književnosti i glazbe, koji se temelji na filozofskoj predodžbi da u životu vlada slučajnost, afirmirajući umjetnički koncept: čovjek- igrač u svijetu slučajnih situacija.

Predstavnici aleatorike: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky i dr. Slučaj upada u književna ili glazbena djela mehanički: bacanjem žetona (kocke), igranjem šaha, miješanjem stranica ili variranjem fragmenata, a također i kroz

improvizacija: glazbeni tekst napisan je u “znakovima-simbolima” i potom slobodno interpretiran.

događa se- ovo je jedan od tipova moderne umjetničke kulture na Zapadu. A. Keprou bio je autor prvih produkcija hepeninga "Dvorište", "Stvaranja". Happening performansi podrazumijevaju tajanstvene, ponekad i nelogične radnje izvođača i obilježeni su obiljem rekvizita izrađenih od stvari koje su bile u upotrebi, pa čak i odnesene s odlagališta. Sudionici događanja odijevali su svijetle, pretjerano smiješne kostime, naglašavajući neživost izvođača, njihovu sličnost s kutijama ili kantama. Neke izvedbe sastoje se, primjerice, od bolnog oslobađanja ispod cerade. Pritom je individualno ponašanje glumaca improvizacijsko. Ponekad se glumci obraćaju publici s molbom da im pomogne. To uključivanje gledatelja u radnju odgovara duhu zbivanja.

Koncept svijeta i osobnosti koji izlaže zbivanje može se formulirati na sljedeći način: svijet- lanac slučajnih događaja, osoba mora subjektivno osjećati potpunu slobodu, ali zapravo se pokoriti jednoj radnji, biti manipulirana.

Happening koristi svjetlopis: svjetlo neprestano mijenja boju i snagu, usmjereno je izravno na glumca ili svijetli kroz paravane od različitih materijala. Često je popraćeno zvučnim efektima (ljudski glasovi, glazba, zveckanje, pucketanje, mljevenje). Zvuk je ponekad vrlo jak, neočekivan, dizajniran za učinak šoka. Prezentacija uključuje prozirne folije i filmske okvire. Laura također koristi aromatične tvari. Izvođač dobiva zadatak od redatelja, ali trajanje akcija sudionika nije određeno. Svatko može napustiti igru ​​kad god želi.

Događanja se organiziraju na različitim mjestima: na parkiralištima, u dvorištima okruženim visokim zgradama, u podzemlju. bedemi, tavani. Prostor događanja, prema načelima ove akcije, ne bi trebao ograničavati maštu umjetnika i gledatelja.

Teoretičar hepeninga M. Kerby ovu vrstu spektakla odnosi na područje kazališta, iako napominje da se hepening od kazališta razlikuje po odsustvu tradicionalne strukture izvedbe: zapleta, likova i sukoba. Drugi istraživači prirodu događanja povezuju sa slikarstvom i kiparstvom, a ne s kazalištem.

Hepening svojim ishodištima seže u umjetnička traženja s početka 20. stoljeća, u pokušaje pojedinih slikara i kipara da fokus sa slike ili skulpture prebace na sam proces njihova nastanka, drugim riječima, hepening također uzima svoje ishodišta u “slikarstvu akcije”: u “prskanju kapljica” J. Pollocka, u De Kooningovim “rezajućim” potezima, u kostimiranim slikovnim izvedbama J. Mathieua.

autodestruktivna umjetnost- to je jedan od čudnih fenomena postmodernizma. Slike naslikane bojom koja blijedi pred publikom. Knjiga "Ništa", objavljena u SAD-u 1975. godine i reprintirana u Engleskoj. Ima 192 stranice, a ni na jednoj nema niti jednog retka. Autor tvrdi da je izrekao misao: Nemam ti što reći. Sve su to primjeri samodestruktivne umjetnosti. Ona također ima svoj izraz u glazbi: izvedba djela na klaviru koji se raspada ili na violini koja se raspada i tako dalje.

Konceptualizam- riječ je o umjetničkom pravcu u zapadnoj umjetnosti koji u svom umjetničkom konceptu afirmira osobu koja je odvojena od izravnog (neposrednog) značenja kulture i koja je okružena estetiziranim produktima intelektualnog djelovanja.

Djela konceptualizma nepredvidivo su različita po teksturi i izgledu: fotografije, fotokopije tekstova, telegrami, reprodukcije, grafike, stupci brojeva, dijagrami. Konceptualizam ne koristi intelektualni proizvod ljudske djelatnosti za njegovu namjenu: primatelj ne bi trebao čitati i tumačiti značenje teksta, već ga doživljavati kao čisto estetski proizvod, zanimljiv po svom izgledu.

Predstavnici konceptualizma; Američki umjetnici T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler i drugi.

Kritički realizam 19. stoljeća,- umjetnički smjer” koji postavlja koncept: svijet i čovjek su nesavršeni; Izlaz- neopiranje zlu nasiljem i samousavršavanje.

M socijalistički realizam- umjetnički pravac koji afirmira umjetnički koncept: osoba je društveno aktivna i uključuje se u stvaranje povijesti nasilnim putem"

seljački realizam- umjetnički pravac koji tvrdi da je seljak glavni nositelj morala i oslonac narodnoga života.

Seljački realizam (seoska proza) - književni pravac ruske proze (60-ih - 80-ih); središnja tema je moderno selo, glavni lik- seljak je jedini pravi predstavnik naroda i nosilac ideala.

neorealizma- umjetnički pravac realizma 20. st. koji se očitovao u poslijeratnoj talijanskoj kinematografiji i dijelom u književnosti. Značajke: neorealizam je pokazao blisko zanimanje za čovjeka iz naroda, za život obični ljudi: velika pažnja za detalje, promatranje i fiksiranje elemenata koji su ušli u život nakon Drugog svjetskog rata. Proizvod-

Učenje neorealizma afirmira ideje humanizma, važnost jednostavnih životnih vrijednosti, dobrote i pravednosti u međuljudskim odnosima, jednakosti ljudi i njihovog dostojanstva, bez obzira na imovinsko stanje.

Magični realizam- umjetnički pravac realizam, koji afirmira koncept: čovjek živi u stvarnosti koja spaja suvremenost i povijest, nadnaravno i prirodno, paranormalno i obično.

Posebnost magični realizam- fantastične epizode razvijaju se po zakonima svakodnevne logike kao svakodnevna stvarnost.

psihološki realizam- umjetnički pokret 20. stoljeća, postavljajući koncept: pojedinac je odgovoran; duhovni svijet treba ispuniti kulturom koja promiče bratstvo ljudi i nadilazi njihov egocentrizam i usamljenost.

intelektualni realizam- Riječ je o umjetničkom pravcu realizma u čijim se djelima odvija idejna drama, a likovi u licima “glume” misli autora, izražavaju različite aspekte njegove umjetničke koncepcije. Intelektualni realizam pretpostavlja konceptualni i filozofski način razmišljanja umjetnika. Ako psihološki realizam nastoji prenijeti plastičnost kretanja misli, otkriva dijalektiku ljudske duše, interakciju svijeta i svijesti, onda intelektualni realizam nastoji umjetnički i uvjerljivo riješiti stvarne probleme, analizirati stanje svijeta.

Slične informacije.

Racionalistički temelji kulture

Nemoguće je povući savršeno preciznu granicu između kultura 16. i 17. stoljeća. Već u 16. stoljeću u učenjima talijanskih prirodnih filozofa počele su se oblikovati nove ideje o svijetu. Ali prava prekretnica u znanosti o svemiru događa se na prijelazu iz 16. u 17. stoljeće, kada Giordano Bruno, Galileo Galilei i Kepler, razvijajući Kopernikovu heliocentričnu teoriju, dolaze do zaključka o mnoštvu svjetova, o beskonačnosti svemira, u kojemu zemlja nije središte, već mala čestica kada je izumom teleskopa i mikroskopa čovjeku otkriveno postojanje beskrajno dalekog i beskrajno malog.

U 17. stoljeću mijenja se shvaćanje čovjeka, njegova mjesta u svijetu, odnosa pojedinca i društva. Osobnost renesansnog čovjeka karakterizira apsolutno jedinstvo i cjelovitost, lišena je složenosti i razvoja. Osobnost - renesanse - afirmira se u skladu s prirodom, koja je dobra sila. Energija osobe, kao i bogatstvo, određuju njegov životni put. Međutim, taj "idilični" humanizam više nije odgovarao nova era kada je čovjek sebe prestao prepoznavati kao središte svemira, kada je osjetio svu složenost i proturječnosti života, kada je morao voditi žestoku borbu protiv feudalne katoličke reakcije.

Osobnost 17. stoljeća nije vrijedna sama po sebi, kao osobnost renesanse, ona uvijek ovisi o sredini, o prirodi i o masi ljudi, kojoj se želi pokazati, impresionirati je i uvjeriti. Ta težnja da se, s jedne strane, zadire u maštu masa, a s druge strane da se uvjere, jedno je od glavnih obilježja umjetnosti 17. stoljeća.

Umjetnost 17. stoljeća, kao i umjetnost renesanse, karakterizira kult heroja. Ali ovo je junak kojeg karakteriziraju ne postupci, već osjećaji, iskustva. O tome svjedoči ne samo umjetnost, već i filozofija 17. stoljeća. Descartes stvara nauk o strastima, dok Spinoza ljudske želje smatra "kao da su linije, ravnine i tijela".

Ta nova percepcija svijeta i čovjeka mogla je u 17. stoljeću, ovisno o tome kako se koristila, poprimiti dvojak smjer. U tom složenom, kontradiktornom, mnogostranom svijetu prirode i ljudske psihe, mogla bi se istaknuti njezina kaotična, iracionalna, dinamična i emocionalna strana, njezina iluzornost, njegova senzualna svojstva. Taj je put doveo do baroknog stila.

No, naglasak bi se mogao staviti i na jasne, jasne ideje koje proziru istinu i red u ovom kaosu, na misao koja se bori sa svojim sukobima, na razum koji pobjeđuje strasti. Taj je put doveo do klasicizma.

Barok i klasicizam, dobivši svoje klasično oblikovanje u Italiji odnosno Francuskoj, proširili su se u jednom ili drugom stupnju po svim europskim zemljama i bili su dominantni pravci u umjetničkoj kulturi 17. stoljeća.

Estetska načela baroka

Barokni stil nastaje u Italiji, u zemlji rascjepkanoj na male države, u zemlji koja je doživjela protureformaciju i snažnu feudalnu reakciju, gdje su se bogati građani pretvorili u zemljoposjedničku aristokraciju, u zemlji u kojoj je cvala teorija i praksa manirizma a gdje su ujedno u svoj svojoj svjetlosti sačuvane najbogatije tradicije umjetničke kulture renesanse. Barok je svoju subjektivnost preuzeo od manirizma, svoju strast za stvarnošću od renesanse, ali oboje u novom stilskom prelamanju. I premda ostaci manirizma nastavljaju utjecati na prvo, pa čak i na drugo desetljeće 17. stoljeća, u biti se prevladavanje manirizma u Italiji može smatrati završenim do 1600. godine.

Jedan od problema karakterističnih za baroknu estetiku jest problem uvjeravanja koji potječe iz retorike. Retorika ne razlikuje istinu od vjerodostojnosti; kao sredstvo uvjeravanja, čini se da su ekvivalentni - i otuda slijedi iluzorni, fantastični, subjektivizam barokne umjetnosti, u kombinaciji s klasifikacijom "umjetničke" tehnike proizvodnje učinka koji stvara subjektivan, pogrešan dojam vjerodostojnosti.

Na temelju činjenice da je glavni pojam barokne estetike sposobnost uvjeravanja, ona se shvaća kao sposobnost uvjeravanja gledatelja uz pomoć specifičnog sredstva utjecaja, a to je umjetničko djelo. Retorika ukrašava govor, daje pojmovima i predmetima oblike koji se lakše percipiraju. Retorika je neraskidivo povezana s književnošću i poezijom, koja se često poistovjećuje s retorikom. Sposobnost uvjeravanja mora uvjeriti, dirnuti, iznenaditi onoga kome je namijenjena. Autor, dakle, mora do najsitnijih detalja poznavati onoga kome je njegovo djelo namijenjeno, mora ih proučavati i tim se spoznajama voditi pri stvaranju svojih djela.

Postoje li priznate i obavezne metode uvjeravanja gledatelja, čitatelja, slušatelja zbog svoje učinkovitosti? Sve su metode prikladne, pod uvjetom da postižu svoj glavni cilj - uvjeriti onoga kome su namijenjene. U tom pogledu problem istinitosti ili neistinitosti umjetničkog djela biva potisnut u drugi plan, postaje beznačajan. Iluzorno postaje princip. Čitatelja i gledatelja prije svega treba zaprepastiti, iznenaditi, a to se može učiniti vještim izborom čudnih i neobično komponiranih slika.

Većina teoretičara baroka bili su pisci, ali se u njihovim izjavama jasno osjeća glavni trend baroknog doba - približavanje različitih vrsta umjetnosti. Sve su umjetnosti međusobno povezane i imaju jedinstvenu bit. Razlikuju se samo u načinu izražavanja.

Racionalizam i normativizam estetike klasicizma

Klasicizam je jedno od najvažnijih područja umjetnosti. Učvrstivši se u djelima i stvaralaštvu mnogih generacija, iznijevši briljantnu plejadu pjesnika i pisaca, slikara i glazbenika, arhitekata, kipara i glumaca, klasicizam je ostavio takve prekretnice na putu umjetničkog razvoja čovječanstva kao što su tragedije. Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedija Molière glazba, muzika lully, poezija La Fontaine, park i arhitektonska cjelina Versaillesa, slike Poussina.

Klasicizam počinje svoje računanje od 16. stoljeća, dominira u 17. stoljeću, snažno se i ustrajno afirmira u 18. i početkom 19. stoljeća. Sama povijest potvrđuje opstojnost tradicije klasicističkog umjetničkog sustava i vrijednost koncepata svijeta i čovjeka koji u njemu leže, prvenstveno moralnog imperativa svojstvenog klasicizmu.

Riječ "klasicizam" (od latinskog classicus - uzoran) utjelovila je postojanu orijentaciju nove umjetnosti prema drevnom "uzorku". Međutim, vjernost duhu antike za klasičare nije značila ni jednostavno ponavljanje tih antičkih uzora, ni izravno kopiranje antičkih teorija. Klasicizam je bio odraz doba apsolutne monarhije te plemstva i birokracije na kojima se monarhija temeljila. Žalba na umjetnost Grčke i Rima, koja je također bila obilježje renesanse, sam po sebi još uvijek se ne može nazvati klasicizmom, iako je već sadržavao mnoge značajke ovog trenda.

Apsolutna monarhija imala je dvostruku ulogu u povijesti Francuske. Kulturna politika apsolutne monarhije i njezina estetska doktrina - klasicizam - odlikovale su se istom dvojnošću. Monarhijske dvorove karakterizirala je želja da se sve umjetničke snage podrede centralizirajućoj organizaciji. Kardinal Richelieu stvorio je službeno središte na polju književnosti i jezika - Francusku akademiju. Pod Lujem XIV. osnovana je Akademija likovnih umjetnosti. U tim središtima umjetničke kulture mnogo se radilo na stvaranju jedinstvenog književnog jezika, njegovom oslobađanju od provincijskih obilježja i ostataka starine, razvijanju pravilnog književnog govora, klasificiranju žanrova i dr. Slično se bavila i Umjetnička akademija koja je okupljala najistaknutije slikare i teoretičare umjetnosti. Uopće, sva ta djelatnost imala je progresivno značenje.

Prema umjetničkim kodeksima, od umjetnika se prije svega tražila "plemenitost dizajna". Zaplet slike morao je imati poučnu vrijednost. Stoga su posebno visoko cijenjene sve vrste alegorija, u kojima su više ili manje konvencionalno snimljene slike života izravno izražavale opće ideje. Najviši žanr smatrao se "povijesnim", koji je uključivao drevnu mitologiju, zaplete iz poznatih književnih djela, iz Biblije i slično. Portret, pejzaž, prizori iz stvarnog života smatrani su "malim žanrom". Najbeznačajniji žanr bila je mrtva priroda.

U pjesništvu je klasicizam u prvi plan stavio racionalno razvijanje teme prema određenim pravilima. Najupečatljiviji primjer za to je "Pjesnička umjetnost" bualo- traktat u prekrasnim stihovima koji sadrži mnogo zanimljivih ideja. Boileau je postavio zahtjev za primatom sadržaja u pjesničkoj umjetnosti, iako je to načelo kod njega izraženo u suviše jednostranom obliku - u obliku apstraktnog podređivanja osjećaja razumu.

Estetika europskog prosvjetiteljstva

Estetske teorije prosvjetiteljstva nastale su tijekom ranih buržoaskih revolucija 17.-18. stoljeća i dio su ideologije i kulture svoga vremena. Prosvjetitelji su smatrali da preustroj zastarjelog društvenog sustava treba provoditi širenjem naprednih ideja, borbom protiv neznanja, vjerske droge, srednjovjekovne skolastike, nehumanog feudalnog morala, umjetnosti i estetike, koja zadovoljava potrebe viših slojeva naroda. feudalno-apsolutistička država.

Uz svu svoju progresivnost, prosvjetitelji nisu mogli izaći izvan granica svoje ere. U spletkama harmoničnog društva prosvjetitelji su se oslanjali na nekog apstraktnog "građanina", na njegovu političku i moralnu svijest, a nikako na onu stvarnu osobu koja se zapravo formirala u kapitalizmu.

Prosvjetitelji su moralnim, političkim i estetskim odgojem nastojali ostvariti preobrazbu društva na načelima jednakosti i pravednosti. Oni su bili sasvim jasno svjesni činjenice da postoje suprotnosti između privatnih i javnih interesa, između osobnih težnji i dužnosti, između pojedinca i društva. Nadali su se da će te proturječnosti razriješiti uglavnom kroz estetski odgoj. Otuda su bili uvjereni da je estetsko načelo u stanju ublažiti urođeni egoizam ljudi, pretvoriti čovjeka u "individuu".

Sa stajališta odgoja “građanina”, novog čovjeka, prosvjetitelji su razmatrali osnovne pojmove: lijepo, uzvišeno, sklad, ljupkost, ukus ( Burke, Diderot ); U istom su duhu obrađeni problemi biti i društvene funkcije umjetnosti, umjetničkog sukoba, karaktera, istine u umjetnosti i dr. Lajtmotiv estetskih koncepcija prosvjetiteljstva bila je obrana umjetnosti visokog građanskog patosa, načela realizma i humanizma. Govorio je o odnosu lijepog i moralnog Shaftesbury .

U tumačenju kategorija estetike prosvjetitelji su polazili od načela senzacionalizma, koji je takav pravac u teoriji spoznaje, prema kojem je čulnost glavni oblik pouzdanog znanja. Klasična formula koja karakterizira senzacionalizam pripada stoicima: "Ne postoji ništa u umu što prije nije bilo u osjetilima."

Teorijsko oblikovanje predmeta estetike

Utemeljitelj njemačke estetike prosvjetiteljstva i "kum" samostalnog dijela filozofskog znanja bio je Baumgarten . Njegov epistemološki sustav podijeljen je u dva dijela: estetiku i logiku. Prva je bila teorija "nižeg", osjetilnog znanja, druga - višeg, "intelektualnog". Za označavanje nižeg znanja odabrao je pojam "estetika", koji je istovremeno tumačen kao osjet, osjećaj i znanje. Prema tome, ako je logika znanost o intelektualnim spoznajama, odnosno o zakonima i oblicima mišljenja, onda je estetika znanost o osjetilnim spoznajama. Sukladno tome, postoje dvije vrste sudova: "logički" i "osjetljivi" (osjetilni). Prvi počivaju na različitim idejama, drugi na nejasnim. One koje se temelje na jasnim idejama on naziva prosudbama razuma, a one koje se temelje na nejasnim idejama naziva prosudbama ukusa. Sudovi razuma daju nam istinu, sudovi ukusa daju nam ljepotu. Objektivna osnova prosuđivanja uma i prosuđivanja ukusa je savršenstvo, to jest podudarnost predmeta s njihovim pojmom.

Bit i javna namjena umjetnosti u doba prosvjetiteljstva

Bit umjetnosti njemački prosvjetitelj vidio je u oponašanju prirode Winkelman. Oponašanje lijepog u prirodi može biti usmjereno na jedan objekt ili skupiti zapažanja o više pojedinačnih objekata. U prvom slučaju dobiva se slična kopija, portret, u drugom - idealna slika. Winkelman drugi način smatra plodonosnijim. Umjetnik ovdje ne djeluje kao prepisivač, već kao stvarni kreator, jer prije nego što stvori sliku, on zacrta opći koncept ljepote, a zatim slijedi njezin prototip. Idealna ljepota nadilazi obične oblike materije, nadilazi njihova ograničenja.

ESTETIKA znanost o osjetilnoj spoznaji koja shvaća i stvara ljepotu i izražava se u slikama umjetnosti.

Pojam "estetika" uveden je u znanstvenu upotrebu sredinom 18. stoljeća. Njemački prosvjetiteljski filozof Alexander Gottlieb Baumgarten Estetika, 1750). Pojam dolazi od grčke riječi

aisthetikos osjećaj, koji se odnosi na osjetilno opažanje. Baumgarten je izdvojio estetiku kao samostalnu filozofsku disciplinu. PREDMET ESTETIKE Umjetnost i ljepota odavno su predmet proučavanja. Više od dva tisućljeća estetika se razvijala u okviru filozofije, teologije, umjetničke prakse i likovne kritike.

U procesu razvoja tema je postajala sve kompleksnija i obogaćena estetika. U razdoblju antike estetika se doticala općefilozofskih pitanja prirode ljepote i umjetnosti; teologija je imala značajan utjecaj na srednjovjekovnu estetiku, koja je služila kao jedno od oruđa spoznaje Boga; u renesansi se estetska misao razvijala uglavnom na području umjetničke prakse, a njezinim predmetom postaje umjetničko stvaralaštvo i njegovo povezivanje s prirodom. Početkom novoga vijeka estetika je nastojala oblikovati norme umjetnosti. Politika je imala veliki utjecaj na estetiku prosvjetiteljstva, fokusirajući se na društvenu svrhu umjetničkog stvaralaštva, njegov moralni i spoznajni značaj.

Klasik njemačke filozofije, Immanuel Kant, tradicionalno je predmet estetike smatrao lijepim u umjetnosti. Ali estetika, po Kantu, ne proučava predmete ljepote, nego samo sudove o ljepoti, t j . je kritika estetske sposobnosti prosuđivanja. Georg Hegel definirao je predmet estetike kao filozofiju umjetnosti ili filozofiju umjetničkog djelovanja i smatrao da se estetika bavi određivanjem mjesta umjetnosti u sustavu svjetskog duha.

U budućnosti je predmet estetike sužen na teoretsko utemeljenje određenog smjera u umjetnosti, analizu umjetnički stil, npr. romantizam (Novalis), realizam (V. Belinski, N. Dobroljubov), egzistencijalizam (A. Camus, J.-P. Sartre). Marksisti su definirali estetiku kao nauku o prirodi i zakonima estetske asimilacije stvarnosti i umjetničke kulture društva.

A. F. Losev razmatrao je predmet estetike kao svijet izražajnih oblika koje su stvorili čovjek i priroda. Smatrao je da estetika proučava ne samo lijepo, nego i ružno, tragično, komično itd., dakle znanost o izražavanju uopće. Na temelju toga, estetika se može definirati kao znanost o osjetilnom opažanju izražajnih oblika okolnog svijeta. U tom je smislu pojam umjetničke forme sinonim za umjetničko djelo. Iz svega rečenog možemo zaključiti da je predmet estetike pokretljiv i promjenjiv, au povijesnoj perspektivi ovaj problem ostaje otvoren.

ESTETSKA DJELATNOST Umjetnička djela nastaju kao rezultat umjetničke djelatnosti, koja je najviši oblik čovjekove estetske djelatnosti. Ali sfera estetskog istraživanja svijeta mnogo je šira od same umjetnosti. Dotiče se i aspekata praktične prirode: dizajna, vrtne i parkovne kulture, kulture svakodnevnog života itd. Ovi fenomeni se bave tehničkom i praktičnom estetikom. Tehnička estetika je teorija dizajna, istraživanje svijeta prema zakonima ljepote industrijskim sredstvima. Ideje tehničke estetike nastale su sredinom 19. stoljeća. u Engleskoj. John Ruskin u svojim djelima Prerafaelitizam(1851) i Politička ekonomija umjetnosti(1857.) uveo je koncept estetski vrijednih proizvoda. William Morris o teoriji (Djela Dekorativne umjetnosti, njihov odnos prema suvremenom životu, 1878;Vijesti niotkuda, ili doba sreće, 1891 itd.) i praktične (stvaranje umjetničko-industrijskog poduzeća) razine razvijale su probleme estetike rada, statusa umjetničke industrije, dizajna, umjetnosti i obrta te estetske organizacije okoliša. Njemački arhitekt i teoretičar umjetnosti Gottfried Semper 1863. objavio je esej "Iskustvo iz praktične estetike". Stil u tehničkim i tektonskim umjetnostima, gdje je, nasuprot filozofskom idealizmu svoga vremena, istaknuo temeljnu stilotvornu vrijednost materijala i tehnologije.

Estetika svakodnevnog života, ljudskog ponašanja, znanstvenog stvaralaštva, sporta itd. je u području praktične estetike. Ovo područje estetskih znanja još uvijek je malo razvijeno, ali ima veliku budućnost, budući da je opseg njegovih interesa širok i raznolik.

Dakle, estetska djelatnost je sastavni dio praktično-duhovno usvajanje stvarnosti od strane čovjeka.

Estetska aktivnost sadrži važne kreativne i igračke principe i povezana je s nesvjesnim elementima psihe ( vidi također BEZ SVIJESTI). Pojam "igre" kao jedne od bitnih karakteristika estetske djelatnosti uveo je u estetiku I. Kant, a razvio F. Schiller. Kant je formulirao dva najvažnija estetska pojma: "estetski izgled" i "slobodna igra". Pod prvim je razumio sferu postojanja ljepote, pod drugim - njezino postojanje istovremeno u stvarnom i uvjetnom planu. Razvijajući ovu ideju, Schiller Pisma o estetskom odgoju čovjeka(1794) je napisao da se ljepota, koja postoji u objektivnom svijetu, može ponovno stvoriti, može postati "predmetom impulsa za igrom". Čovjek je, prema Schilleru, potpuno čovjek samo kad igra. Igra nije ograničena prirodnom nuždom ili društvenom obvezom, ona je utjelovljenje slobode. Tijekom igre stvara se "estetski izgled" koji nadilazi stvarnost, savršeniji je, elegantniji i emotivniji od okolnog svijeta. No, dok uživa u umjetnosti, čovjek postaje suučesnik u igri i nikada ne zaboravlja dvojaku prirodu situacije. vidi također IGRA.

umjetnička djelatnost . Najviša, koncentrirana vrsta estetske djelatnosti, oslobođena utilitarnog početka, jest umjetnička djelatnost. Cilj umjetničkog stvaralaštva je stvaranje određenog umjetničkog djela. Stvara ga osebujna osobnost, stvaralac umjetničkih sposobnosti ( vidi također KREATIVNA OSOBNOST). U estetici se prepoznaje hijerarhija umjetničkih sposobnosti koja izgleda ovako: darovitost, talent, genij.

Genijalno. U antici je genij shvaćen kao iracionalna pojava. Na primjer, Plotin je objasnio genij umjetnika kao tijek kreativne energije koja dolazi iz temeljnih ideja svijeta. U renesansi je postojao kult genija kao kreativne individue. Racionalizam je potvrdio ideju kombiniranja prirodnog genija umjetnika s disciplinom uma. Neobična interpretacija genija iznesena je u traktatu Abbé Jean-Baptiste Dubosa (1670-1742) Kritička razmišljanja o poeziji i slikarstvu(1719). Autor traktata problem je razmatrao na estetskoj, psihološkoj i biološkoj razini. Genij, u svom umu, ne samo da ima živahan duh i bistru maštu, već i povoljan sastav krvi. Anticipirajući glavne odredbe kulturno-povijesne škole Hippolytea Tainea, Dubos je napisao da su vrijeme i mjesto, kao i klima, od velike važnosti za pojavu genija. Kant je u pojam "genija" stavio poseban sadržaj. Kantov genij je duhovna isključivost, to je umjetnički talent kojim priroda utječe na umjetnost, pokazujući svoju mudrost. Genij se ne pridržava nikakvih pravila, već stvara obrasce iz kojih se mogu izvesti određena pravila. Kant definira genija kao sposobnost opažanja estetskih ideja, tj. slike nedostupne mislima.

Inspiracija. Povijesni pogledi na prirodu genija neprestano su se razvijali u skladu s razvojem shvaćanja samog kreativnog procesa i jednog od njegovih glavnih elemenata – nadahnuća. Još Platon u dijalogu I on Govorio je o tome da je u trenutku stvaralačkog čina pjesnik u stanju bjesnila, pokretan je božanskom snagom. Iracionalni aspekt kreativnosti isticao je Kant. Uočio je nespoznatljivost kreativnog čina. Metoda umjetnikova rada, napisao je u Kritika sposobnosti prosuđivanja, neshvatljivo, zagonetka je većini ljudi, a ponekad i samom umjetniku.

Ako su iracionalne teorije kreativnosti bile svjesne prirode stvaralačkog čina kao posebne manifestacije duha, onda su pozitivistički orijentirane estetska tradicija inspiraciju smatra spoznatljivim fenomenom koji ne sadrži ništa mističnog i nadnaravnog. Inspiracija je rezultat intenzivnog prethodnog rada, dugog stvaralačkog traganja. U činu nadahnuća spojeni su talent i vještina umjetnika, njegovo životno iskustvo i znanje.

Umjetnička intuicija. Umjetnička intuicija posebno je važan element za inspiraciju. Ovaj problem razvio je francuski znanstvenik Henri Bergson. Smatrao je da je umjetnička intuicija nezainteresirana mistična kontemplacija i da je potpuno lišena utilitarnog početka. Oslanja se na nesvjesno u čovjeku. Na poslu kreativna evolucija(ruski prijevod, 1914.) Bergson je napisao da umjetnost kroz umjetničku intuiciju promišlja svijet kao cjelinu, u njegovom kontinuiranom razvoju u jedinstvenoj singularnosti pojava. Kreativna intuicija omogućuje umjetniku maksimalnu izražajnost u svom djelu. Neposrednost percepcije pomaže mu prenijeti svoje osjećaje. Kreativnost, kao neprekidno rađanje novoga, prema Bergsonu je bit života, za razliku od aktivnosti intelekta koji nije sposoban stvarati novo, već samo spajati staro.

U intuitivnoj estetici Benedetta Crocea, najpotpunije zastupljenoj u djelu Estetika kao znanost o izražavanju i kao opća lingvistika(1902) umjetnost nije ništa drugo nego lirska intuicija. Naglašava stvaralačku, formativnu prirodu nelogične intuicije, shvaćanje (za razliku od pojmova), jedinstveno, neponovljivo. Umjetnost u Croceu je ravnodušna prema intelektualnom znanju, a umjetnost ne ovisi o ideji djela.

Umjetnička slika. U procesu umjetničkog stvaralaštva, u kojem sudjeluju misao, mašta, fantazija, iskustvo, nadahnuće, intuicija umjetnika, rađa se likovna slika. Stvarajući umjetničku sliku, stvaratelj svjesno ili nesvjesno preuzima njezin utjecaj na publiku. Jedan od elemenata takvog utjecaja može se smatrati dvosmislenošću i podcjenjivanjem. umjetnička slika.

Insinuacija potiče misao promatrača, daje prostor kreativnoj mašti. Sličnu prosudbu iznio je i Schelling tijekom predavanja Filozofija umjetnosti(18021805), gdje se uvodi koncept "beskonačnosti nesvijesti". Prema njegovom mišljenju, umjetnik u svoje djelo, osim ideje, unosi i "neku beskonačnost", nedostupnu svakom "konačnom umu". Svako umjetničko djelo dopušta beskonačan broj interpretacija. Dakle, puno postojanje likovne slike nije samo ostvarenje likovne zamisli u gotovom djelu, nego i njezina estetska percepcija, koja je složen proces suučesništva i sustvaralaštva subjekta koji percipira.

Percepcija. Pitanja recepcije (percepcije) bila su u vidnom polju teoretičara “Constanz škole” (H.R. Jauss, V. Iser i dr.), koja je nastala u Njemačkoj kasnih 1960-ih. Zahvaljujući njihovom trudu, formulirana su načela receptivne estetike, čije su glavne ideje svijest o povijesnoj promjenjivosti značenja djela, koja je rezultat interakcije percipirajućeg subjekta (recipijenta) i autora.

kreativna mašta. Neophodan uvjet i za nastanak i za percepciju umjetničkog djela je kreativna mašta. F. Schiller je isticao da se umjetnost može stvarati samo slobodnom snagom imaginacije, te je stoga umjetnost način prevladavanja pasivnosti.

Uz praktične i umjetničke oblike estetskog djelovanja postoje i njegovi unutarnji, duhovni oblici: emocionalno-intelektualni, koji stvaraju estetske dojmove i ideje, estetske ukuse i ideale, kao i teorijski, koji razvijaju estetske pojmove i poglede. Ovi oblici estetske djelatnosti izravno su povezani s pojmom "estetske svijesti".

estetska svijest. Specifičnost estetske svijesti je u tome što je ona sagledavanje bića i svih njegovih oblika i vidova u smislu estetike kroz prizmu estetski ideal. Estetska svijest svake epohe upija sva razmišljanja o ljepoti i umjetnosti koja u njoj postoje. Ona uključuje prevladavajuće ideje o prirodi umjetnosti i njezina jezika, umjetničke ukuse, potrebe, ideale, estetske koncepte, umjetničke ocjene i kriterije koje oblikuje estetska misao.

Primarni element estetske svijesti je estetski smisao. Može se smatrati sposobnošću i emocionalnom reakcijom pojedinca povezanom s iskustvom percepcije estetskog predmeta. Razvoj estetskog osjećaja dovodi do estetska potreba, tj. na potrebu za uočavanjem i povećanjem lijepog u životu. Estetski osjećaji i potrebe izražavaju se u estetski ukus sposobnost zapažanja estetske vrijednosti nečega. Problem ukusa središnji je za estetiku prosvjetiteljstva. Diderot je, negirajući jednu od najvažnijih odredbi kartezijanske estetike o urođenom ukusu, smatrao da se ukus stječe u svakodnevnoj praksi. Ukus kao estetsku kategoriju detaljno razmatra i Voltaire. Definira ga kao sposobnost prepoznavanja lijepog i ružnog. Ideal umjetnika je čovjek čija je genijalnost spojena s ukusom. Okus nije isključivo subjektivna kvaliteta. Prosudbe ukusa općenito vrijede. Ali ako ukus ima objektivan sadržaj, onda je, prema tome, podložan obrazovanju. Razrješenje antinomije dobrog i lošeg ukusa Voltaire je vidio u prosvjećivanju društva.

Psihološke značajke prosudbi ukusa proučavao je engleski filozof David Hume. U većini svojih spisa O normi okusa,O tragediji,Na profinjenost ukusa i afekta itd.), tvrdio je da okus ovisi o prirodnom, emocionalnom dijelu živog organizma. Suprotstavio je razum i ukus, smatrajući da razum daje spoznaju istine i laži, ukus daje razumijevanje ljepote i ružnoće, grijeha i vrline. Hume je sugerirao da ljepota djela ne leži u njemu samom, već u osjećaju ili ukusu promatrača. A kad je čovjek lišen tog osjećaja, on nije u stanju razumjeti ljepotu, iako je bio svestrano obrazovan. Okus se odlikuje određenom pravilnošću, koja se može proučavati i mijenjati uz pomoć argumenata i razmišljanja. Ljepota zahtijeva aktivnost intelektualnih sposobnosti osobe koja mora "krčiti put" pravom osjećaju.

Problem ukusa zauzimao je posebno mjesto u Kantovoj estetskoj refleksiji. Uočio je antinomiju ukusa, kontradikciju koja je, po njegovom mišljenju, svojstvena svakom estetskom vrednovanju. S jedne strane, oko ukusa nema spora, jer je prosudba okusa vrlo individualna i nikakvi dokazi je ne mogu opovrgnuti. S druge strane, on ukazuje na nešto zajedničko što postoji između okusa i dopušta da se o njima raspravlja. Time je izrazio proturječje između individualnog i javnog ukusa, koje je u osnovi nerješivo. Po njegovom mišljenju, odvojeni, kontradiktorni sudovi o ukusu mogu postojati zajedno i biti jednako istiniti.

U 20. stoljeću problem estetskog ukusa razvio je H.-G.Gadamer. Na poslu Istina i metoda(1960) povezuje pojam "ukus" s pojmom "moda". U modi, prema Gadameru, moment društvene generalizacije sadržan u pojmu ukusa postaje stanovita stvarnost. Moda stvara društvenu ovisnost koju je gotovo nemoguće izbjeći. Ovdje leži razlika između mode i ukusa. Iako ukus djeluje u istoj društvenoj sferi kao i moda, on joj nije podložan. U usporedbi s tiranijom mode, ukus zadržava suzdržanost i slobodu.

Estetski ukus je generalizacija estetskog doživljaja. Ali to je uglavnom subjektivna sposobnost. Dublje generalizira estetsku praksu estetski ideal. Problem ideala kao teorijski problem estetike prvi je postavio Hegel. U Predavanja iz estetike definirao je umjetnost kao manifestaciju ideala. Estetski ideal je apsolut utjelovljen u umjetnosti, kojemu umjetnost teži i postupno se uzdiže. Vrijednost estetskog ideala u kreativni proces vrlo velik, jer se na njegovoj osnovi formira ukus umjetnika, ukus publike.

ESTETSKE KATEGORIJE Temeljna kategorija estetike je kategorija "estetsko". Estetika djeluje kao sveobuhvatan generički univerzalni pojam za estetsku znanost, kao "metakategorija" u odnosu na sve ostale njezine kategorije.

Najbliža kategoriji "estetskog" je kategorija "lijepog". Lijepo je primjer osjetilno promišljene forme, ideal u skladu s kojim se razmatraju drugi estetski fenomeni. Kad se govori o uzvišenom, tragičnom, komičnom itd., lijepo je mjerilo. Uzvišen da ova mjera prelazi. tragičan nešto što ukazuje na nesklad između ideala i stvarnosti, često dovodi do patnje, razočaranja, smrti. strip nešto što također svjedoči o neskladu između ideala i stvarnosti, samo što se taj nesklad razrješava smijehom. U suvremenoj estetskoj teoriji, uz pozitivne kategorije, izdvajaju se i njihovi antipodi - ružno, nisko, strašno. To se radi na temelju toga da isticanje pozitivne vrijednosti bilo koje kvalitete implicira postojanje suprotnih. Stoga, Znanstveno istraživanje treba razmotriti estetske pojmove u njihovoj korelaciji.

GLAVNE STUPNJEVI RAZVOJA ESTETSKOG MISLI. Elemente estetske refleksije nalazimo u kulturama Starog Egipta, Babilona, ​​Sumera i drugih naroda Starog Istoka. Estetska misao dobila je sustavan razvoj tek kod starih Grka.

Prve primjere estetske doktrine stvorili su Pitagorejci (6. st. pr. Kr.). Njihovi estetski pogledi razvili su se u tradiciji kozmološke filozofije, temeljene na bliskom odnosu ljudske osobe i svemira. Pitagora uvodi koncept kozmosa kao uređene cjeline. Njegovo glavno svojstvo je sklad. Od pitagorejaca dolazi ideja o harmoniji kao jedinstvu mnogostrukosti, harmoniji suprotnosti.

Pitagora i njegovi sljedbenici stvorili su takozvano učenje o "skladu sfera", tj. glazbu koju stvaraju zvijezde i planeti. Razvili su i učenje o duši, a to je harmonija, odnosno suzvučje, zasnovano na digitalnom omjeru.

Doktrina sofista, koja je pridonijela rađanju estetike, nastala je u 5. stoljeću. PRIJE KRISTA. Konačno formuliran od strane Sokrata i razložen od strane njegovih učenika, bio je antropološke prirode.

Na temelju uvjerenja da je znanje vrlina, on ljepotu shvaća kao ljepotu smisla, svijesti, razuma. Najvažniji preduvjeti ljepote predmeta su njihova svrsishodnost i funkcionalna opravdanost.

Posjeduje ideju da se lijepo samo po sebi razlikuje od pojedinačnih lijepih predmeta. Sokrat po prvi put razlikuje lijepo kao idealnu univerzalnost od njegove stvarne manifestacije. Prvi je dotaknuo problem znanstvene epistemologije u estetici i formulirao pitanje: što pojam "lijepog" znači sam po sebi.

Sokrat postavlja oponašanje kao načelo umjetničke kreativnosti ( mimeza), koji se smatra imitacijom ljudskog života.

Antropološka estetika postavila je filozofiji pitanja na koje odgovore nalazimo kod Platona i Aristotela. Detaljno Platonovo estetsko učenje predstavljeno je u djelima kao što su Gozba,Fedro,I on, Hipija Veliki,država itd. Važan aspekt platonističke estetike je poimanje ljepote. Ljepota je u njegovom shvaćanju posebna vrsta duhovne suštine, ideje. Apsolutna, nadosjetilna ideja lijepog je izvan vremena, prostora, izvan promjene. Budući da je lijepo ideja (eidos), ne može se shvatiti osjećajem. Lijepo se shvaća umom, intelektualnom intuicijom. U Pira Platon govori o svojevrsnim ljestvama ljepote. Uz pomoć energije erosa čovjek se uzdiže od tjelesne ljepote do duhovne, od duhovne do ljepote morala i zakona, zatim do ljepote učenja i nauke. Ljepota otkrivena na kraju ovog putovanja je apsolutna ljepota koja se ne može izraziti običnim riječima. To je izvan postojanja i znanja. Proširujući na taj način hijerarhiju ljepote, Platon dolazi do zaključka da je ljepota manifestacija božanskog principa u čovjeku. Osobitost lijepog kod Platona je u tome što je ono izvučeno iz okvira umjetnosti. Umjetnost je, s njegove točke gledišta, oponašanje svijeta osjetilnih stvari, a ne istinski svijet ideje. Budući da su stvarne stvari same kopije ideja, umjetnost, oponašajući osjetilni svijet, kopija je kopija, sjena sjena. Platon je dokazao slabost i nesavršenost umjetnosti na putu do ljepote.

Aristotel je, unatoč kontinuitetu estetskih pogleda, stvorio vlastitu estetsku teoriju, različitu od platonizma. U svojim traktatima O pjesničkom umijeću (Poetika),Retorika,Politika,Metafizika iznose se tekstovi koji su na određeni način vezani uz estetiku. U njima definira ljepotu čija su univerzalna obilježja veličina i red. Ali Aristotelova ljepota nije ograničena na ove značajke. Oni nisu lijepi sami po sebi, nego samo u odnosu na ljudsku percepciju, kada su razmjerni ljudskom oku i sluhu. Dijeleći ljudsku djelatnost na proučavanje, djelovanje i stvaranje, umjetnost upućuje na stvaranje temeljeno na pravilima. U usporedbi s Platonom značajno je proširio učenje o oponašanju (mimezis), koje shvaća kao sliku općeg.

Katarza(gr.

katarza čišćenje). Ona seže do drevnog pitagoreizma, koji je preporučivao glazbu za pročišćavanje duše. Heraklit je, prema svjedočenju stoika, govorio o pročišćenju vatrom. Platon je iznio nauk o katarzi kao oslobađanju duše od tijela, od strasti, od užitaka. Aristotel razvija učenje o katarzi kao temelju estetskog doživljaja. Umjetničko stvaralaštvo, prema Aristotelu, uz pomoć oponašanja dolazi do cilja u prekrasnim oblicima koje stvara. Forma koju stvara stvaratelj postaje predmet užitka receptivnog gledatelja. Energija uložena u djelo koje zadovoljava sve zahtjeve pravog zanatskog umijeća i lijepe forme stvara novu energiju - emocionalnu aktivnost prijemljive duše. Problem užitka važan je dio Aristotelove estetike. Užitak u umjetnosti odgovara razumnoj ideji i ima razumnu osnovu. Užitak i emocionalno čišćenje je krajnji cilj umjetnosti, katarza.

Kalokagatiya. Aristotel također razvija doktrinu kalokagatije, karakterističnu za antiku (od grč.

kalos lijep i agatos dobro, moralno savršeno) jedinstvo etički “dobrog” i estetski “lijepog”. Kalokagatiya je zamišljena kao nešto cjelovito i neovisno. Filozof “dobro” shvaća kao vanjske životne blagodati (moć, bogatstvo, slava, čast), a “lijepo” kao unutarnje vrline (pravednost, hrabrost itd.), pa među njima nema razlike. Kalokagatiya je, prema Aristotelu, unutarnja zajednica morala i ljepote koja se temelji na stvaranju, korištenju i unapređenju materijalnog bogatstva.

Entelehija(od grčkog.

enteleheja dovršen, dovršen). Entelehija je proces pretvaranja bezoblične materije u nešto cjelovito i uređeno. Sve što okružuje osobu, smatrao je filozof, nalazi se u stanju kaosa. Mehanizam entelehije omogućuje u procesu stvaralačke aktivnosti transformaciju neuređene "supstancije života" u uređenu "supstanciju oblika". Umjetnost taj proces provodi kroz umjetničku formu, red i sklad, uravnoteživanje strasti, katarzu. Mnoge ideje koje je Aristotel izrazio našle su svoj daljnji razvoj u kasnijim europskim estetskim teorijama.

Potkraj antike Plotin je iznio novi koncept ljepote i umjetnosti. Njegov neoplatonizam u kasnoantičkoj estetici bio je poveznica između antike i kršćanstva. Zvala se sabrana djela filozofa Ennead. Plotinova estetika u njegovim djelima nije uvijek otvoreno izražena. Ona se otkriva u općem filozofskom konceptu mislioca. Ljepota je za Plotina sadržana u vizualnim i slušnim percepcijama, u kombinaciji riječi, melodija i ritmova, u postupcima, znanju i ljudskim vrlinama. Ali neki predmeti su lijepi sami po sebi, dok su drugi samo zbog svog sudjelovanja u nečem drugom. Ljepota ne nastaje u samoj materiji, već postoji neka vrsta nematerijalne suštine, odnosno eidosa (ideje). Ovaj eidos povezuje različite dijelove i dovodi ih u jedinstvo, ne vanjsko i mehaničko, već unutarnje. Eidos je kriterij svih estetskih procjena.

Plotin je učio da čovjek potječe iz primarnog izvora svega bića, apsolutnog dobra, prvog. Iz ovog izvora dolazi emanacija (izljev) bezgranične energije prve do individualnosti, koja postupno slabi, jer na svom putu nailazi na otpor tamne inertne materije, bezobličnog nepostojanja. Pojedinačni čovjek je biće odsječeno od svog pravog mjesta u izvornom. Stoga stalno osjeća želju da se vrati kući, gdje je energija jača. Taj metafizički put lutalice služi u Plotinovoj filozofiji kao objašnjenje moralnog i estetskog iskustva. Ljubav prema ljepoti shvaćena je kao metafizička čežnja duše za nekadašnjim domom. Ona čezne za svojim prijašnjim boravištem za dobro, za Boga i za istinu. Dakle, glavna ideja Plotinovog estetskog učenja je ići u razumijevanju ljepote od čulnih užitaka do stapanja s nedokučivim iskonskim jedinstvom. Ljepota se postiže samo kao rezultat borbe duha s osjetilnom materijom. Njegova ideja o lutanju nemirne duše koja napušta svoje prebivalište i povratku imala je veliki utjecaj na djela Augustina, Tome Akvinskog, Danteovo djelo te na cjelokupnu filozofsku i estetsku misao srednjeg vijeka.

Estetika Bizanta. Formiranje bizantske estetike odvija se u 4.-6.st. Temelji se na učenjima predstavnika istočne patristike Grgur Nazijanski, Atanazija Aleksandrijskog, Grgura Nisejskog, Bazilija Velikog, Ivana Zlatoustog, kao i djela Pseudo-Dionizija Areopagita. Areopagitika, koji je imao golem utjecaj na srednjovjekovnu estetiku istoka i zapada. Apsolutna transcendentalna ljepota u tim je estetskim učenjima bio Bog, koji privlači k sebi, izaziva ljubav. Spoznaja Boga ostvaruje se ljubavlju. Pseudo-Dionizije je napisao da je lijepo kao krajnji uzrok granica svega i predmet ljubavi. Ona je i uzor, jer u skladu s njom sve dobiva izvjesnost. Bizantski mislioci dijelili su koncept transcendentalne i zemaljske ljepote, povezujući je s hijerarhijom nebeskih i zemaljskih bića. Prema Pseudo-Dioniziju, na prvom mjestu je apsolutna božanska ljepota, na drugom ljepota nebeskih bića, a na trećem ljepota predmeta materijalnog svijeta. Odnos Bizanta prema materijalnoj, čulno percipiranoj ljepoti bio je ambivalentan. S jedne strane, bila je poštovana kao rezultat božanskog stvaranja, s druge strane, osuđivana je kao izvor čulnog zadovoljstva.

Jedan od središnjih problema bizantske estetike bio je problem slike. Posebnu je važnost dobio u vezi s ikonoklastičkim sporovima (8.-9. st.). Ikonoklasti su smatrali da slika mora biti istobitna s prototipom, tj. biti savršena replika. Ali budući da prototip predstavlja ideju božanskog principa, ne može se prikazati uz pomoć antropomorfnih slika.

Ivan Damaščanin u propovijedi Protiv onih koji odbacuju svete ikone i Fedor Studit (759826) u Ikonoklastička poricanja inzistirao na razlici između slike i prototipa, tvrdeći da bi slika božanskog arhetipa trebala biti identična s njim ne "u biti", već samo "po imenu". Ikona je slika idealnog vidljivog izgleda (unutarnjeg eidosa) prototipa. Ovo tumačenje odnosa između slike i prototipa temeljilo se na razumijevanju uvjetne prirode slike. Slika je shvaćena kao složena umjetnička struktura kao "neslična sličnost".

Svjetlo. Jedna od najvažnijih kategorija bizantske estetike je kategorija svjetla. Ni u jednoj drugoj kulturi svjetlu se nije pridavala takva važnost. Problem svjetla uglavnom se razvijao u okviru asketske estetike koja se razvila u bizantskom monaštvu. Ova estetika interijera (od lat.

interijer unutarnji) imao je etičku i mističnu orijentaciju i propovijedao odbacivanje senzualnih užitaka, sustav posebnih duhovnih vježbi usmjerenih na kontemplaciju svjetla i drugih vizija. Njegovi glavni predstavnici bili su Makarije Egipatski, Nil Ankirski, Ivan Ljestvičnik, Izak Sirijac. Prema njihovom učenju, svjetlo je blagoslov. Postoje dvije vrste svjetla: vidljivo i duhovno. Vidljivo svjetlo doprinosi organskom životu, duhovno svjetlo ujedinjuje duhovne sile, okreće duše istinskom biću. Duhovno svjetlo nije vidljivo samo po sebi, ono je skriveno pod raznim slikama. Opaža se očima uma, okom uma. Svjetlost se u bizantskoj tradiciji pojavljuje kao općenitija i duhovnija kategorija od ljepote.

Boja. Druga modifikacija ljepote u bizantskoj estetici je boja. Kultura boja bila je rezultat stroge kanoničnosti bizantske umjetnosti. U crkvenom slikarstvu razvijena je bogata simbolika boja i poštovana je stroga hijerarhija boja. Svaka boja ima duboko religijsko značenje.

Bizantska estetika revidira sustav estetskih kategorija, na drugačiji način od antičke, stavljajući naglasak na ovo područje. Ona manje pažnje posvećuje kategorijama kao što su sklad, mjera, ljepota. Istodobno, u sustavu ideja koje su se raširile u Bizantu, veliko mjesto zauzima kategorija uzvišenog, kao i pojmovi "slike" i "simbola".

Simbolizam jedna je od najkarakterističnijih pojava srednjovjekovne kulture, kako Istoka tako i Zapada. O simbolima se razmišljalo u teologiji, književnosti, umjetnosti. Svaki predmet smatran je slikom nečega što mu odgovara u višoj sferi, postao je simbol ove više. U srednjem vijeku simbolizam je bio univerzalan. Misliti je značilo zauvijek otkrivati ​​skrivena značenja. Prema patrističkom konceptu, Bog je transcendentan, a Svemir je sustav simbola i znakova (znakova) koji upućuju na Boga i duhovnu sferu bića. U estetskoj srednjovjekovnoj svijesti osjetilni svijet zamijenjen je idealnim, simboličkim svijetom. Srednjovjekovni simbolizam živom svijetu pripisuje svojstvo refleksivnosti, iluzornosti. Odatle dolazi cjelokupni simbolizam kršćanske umjetnosti.

Tradicionalna estetika Istoka. Indija. Osnova estetskih ideja drevne Indije bila je mitopoetska tradicija, koja je našla izraz u figurativnom sustavu brahmanizma. Doktrina o Brahmanu kao univerzalnom idealu razvijena je u Upanišadama, od kojih najranije datiraju iz 8.-6. stoljeća. prije. OGLAS “Spoznati” Brahmana moguće je samo kroz najjači doživljaj bića (estetsku kontemplaciju). Ova nadosjetilna kontemplacija čini se najvećim blaženstvom i izravno je povezana s estetskim užitkom. Estetika i simbolizam Upanišada imali su velik utjecaj na slikovitost i estetiku indijskih epskih pjesama. Mahabharata I Ramayana i u cjelini daljnji razvoj estetske misli Indije.

Karakteristična značajka estetskog promišljanja srednjovjekovne Indije je nezainteresiranost za pitanja o estetskom u prirodi i životu. Predmet promišljanja je samo umjetnost, uglavnom književnost i kazalište. Glavna svrha umjetničkog djela je emocija. Estetsko je izvedeno iz emocionalnog. Središnji pojam svih estetskih učenja je pojam "rase" (doslovno "ukus"), koji označava umjetničku emociju u povijesti umjetnosti. Posebno su ovu doktrinu rase razvili teoretičari kašmirske škole, među kojima su najpoznatiji Anandavardhana (9. st.), Shankuka (10. st.), Bhatta Nayaka (10. st.) i Abhinavagupta (10.-11. st.). Zanimala ih je specifičnost estetske emocije, koju ne treba brkati s običnim osjećajem. Rasa, koja nije specifičan osjećaj, jest iskustvo koje nastaje u subjektu koji opaža i dostupno je samo unutarnjem znanju. Najviši stupanj estetskog doživljaja je kušanje rase, odnosno smirivanje u njezinoj svijesti, odnosno estetski užitak.

Kina.Na razvoj tradicionalne estetske misli u Kini izravno su utjecale dvije glavne struje kineska filozofija: konfucijanizam i taoizam. Estetičko učenje Konfucija (552./551479. pr. Kr.) i njegovih sljedbenika razvilo se u okviru njihove društveno-političke teorije. Središnje mjesto u njemu zauzimali su pojmovi "humanosti" i "rituala", utjelovljeni u ponašanju "plemenite osobe". Svrha ovih moralnih kategorija bila je održati etičke temelje u društvu i organizirati skladan svjetski poredak. Velika važnost pridavana je umjetnosti, koja se smatrala načinom moralnog usavršavanja i odgoja harmonije duha. Konfucijanizam je estetske zahtjeve podredio etičkim. Upravo je "lijepo" kod Konfucija sinonim za "dobro", a estetski ideal viđen je kao jedinstvo lijepog, dobrog i korisnog. Odavde dolazi snažan didaktički početak u tradicionalnoj kineskoj estetici. Ova estetska tradicija zalagala se za autentičnost i šarenilo umjetnosti. Kreativnost je smatrala vrhuncem stručne vještine, a umjetnika stvarateljem umjetnosti.

Druga je linija povezana s taoističkim učenjima. Njegovim utemeljiteljima smatraju se Lao Tzu (6. st. pr. Kr.) i Chuang Tzu (43. st. pr. Kr.). Ako su konfucijanci glavnu pozornost u svom učenju poklanjali etičkom načelu, onda su taoisti glavnu pozornost poklanjali estetskom načelu. Središnje mjesto u taoizmu zauzimala je teorija "tao" - puta, odnosno vječne promjenjivosti svijeta. Jedan od atributa Taoa, koji ima estetsko značenje, bio je koncept "tszyran" prirodnosti, spontanosti. Taoistička tradicija afirmirala je spontanost umjetničkog stvaralaštva, prirodnost umjetničke forme i njezinu usklađenost s prirodom. Otuda dolazi neodvojivost estetskog i prirodnog u tradicionalnoj estetici Kine. Na kreativnost se u taoizmu gledalo kao na otkrivenje i priljev, a na umjetnika kao na oruđe za "samostvaranje" umjetnosti.

Japan. Razvoj tradicionalne estetike Japana odvijao se pod utjecajem zen budizma. Ovo vjerovanje pridaje veliku važnost meditaciji i drugim metodama psihotreninga koje služe za postizanje satorija, stanja unutarnjeg prosvjetljenja, mira uma i ravnoteže. Zen budizam karakterizira pogled na život i materijalni svijet kao na nešto kratkotrajno, promjenjivo i tužne prirode. Tradicionalna japanska estetika, kombinirajući konfucijanske utjecaje iz Kine i japanske škole zen budizma, razvila je posebna načela koja su temeljna za japansku umjetnost. Među njima je najvažnija "wabi" estetika i moralno načelo uživajući u mirnom i neužurbanom životu, oslobođenom svjetovnih briga. To znači jednostavno i čista ljepota i jasno, kontemplativno stanje uma. Ceremonija čaja, umijeće aranžiranja cvijeća i vrtlarska umjetnost temelje se na ovom principu. Drugi princip japanske estetike, "sabi", koji se povezuje s egzistencijalnom usamljenošću osobe u beskonačnom svemiru, seže u zen budizam. Prema budističkoj tradiciji, stanje ljudske usamljenosti treba prihvatiti s tihom poniznošću i u njemu pronaći izvor nadahnuća. Pojam "yugen" (ljepota usamljene tuge) u budizmu je povezan s duboko skrivenom istinom koja se ne može razumjeti intelektualno. Ponovno se promišlja kao estetsko načelo, označavajući tajanstvenu "onozemaljsku" ljepotu ispunjenu tajanstvenošću, dvosmislenošću, mirom i nadahnućem.

Estetika zapadnoeuropskog srednjeg vijeka duboko teološki. Svi temeljni estetski pojmovi nalaze svoje dovršenje u Bogu. U estetici ranog srednjeg vijeka najcjelovitiju estetičku teoriju zastupa Augustin Aurelije. Pod utjecajem neoplatonizma, Augustin je dijelio Plotinovu ideju o ljepoti svijeta. Svijet je lijep jer ga je stvorio Bog, koji je sam najveća ljepota i izvor svake ljepote. Umjetnost ne stvara stvarne slike te ljepote, već samo njezine materijalne oblike. Stoga, smatra Augustin, ne treba voljeti samo umjetničko djelo, nego božansku ideju sadržanu u njemu. Slijedeći antiku, sv. Augustin je dao definiciju ljepote, polazeći od znakova formalnog sklada. U eseju O Božjem gradu on govori o ljepoti kao proporcionalnosti dijelova u kombinaciji s ugodnošću boje. Uz pojam ljepote povezivao je i pojmove proporcionalnosti, oblika i reda.

Novo srednjovjekovno tumačenje ljepote bilo je da su sklad, harmonija, red predmeta lijepi ne sami po sebi, već kao odraz višeg bogolikog jedinstva. Pojam "jedinstva" jedan je od središnjih u Augustinovoj estetici. On piše da je oblik svake ljepote jedinstvo. Što je neka stvar savršenija, to ima više jedinstva. Lijepo je jedno, jer je samo biće jedno. Pojam estetskog jedinstva ne može proizaći iz osjetilnih opažaja. Naprotiv, ona sama određuje percepciju ljepote. Započinjući estetsku procjenu, osoba već ima u dubini svoje duše pojam jedinstva, koje zatim traži u stvarima.

Augustinov nauk o kontrastima i suprotnostima imao je velik utjecaj na srednjovjekovnu estetiku. U traktatu O Božjem gradu napisao je da je svijet stvoren poput pjesme uljepšane antitezama. Različitost i raznolikost daje ljepotu svakoj stvari, a kontrast daje skladu posebnu izražajnost. Da bi percepcija ljepote bila potpuna i savršena, pravi odnos mora povezati promišljača ljepote sa samim spektaklom. Duša je otvorena za osjete koji su s njom u skladu i odbacuje osjete koji su joj neprikladni. Za percepciju ljepote potrebno je slaganje između lijepih predmeta i duše. Neophodno je da čovjek ima nesebičnu ljubav prema ljepoti.

Toma Akvinski u svom glavnom djelu Zbroj teologija zapravo sažeo zapadnu srednjovjekovnu estetiku. Sistematizirao je stavove Aristotela, neoplatoničara, Augustina, Dionizija Areopagita. Prvi karakteristični znak ljepote, ponavlja Toma Akvinski nakon svojih prethodnika, oblik je opažen visokim ljudskim osjećajima (vid, sluh). Ljepota svojom organizacijom utječe na osjećaj osobe. On sasvim u potpunosti potkrepljuje takve koncepte koji se odnose na objektivne karakteristike ljepote kao što su "jasnoća", "cjelovitost", "proporcija", "dosljednost". Proporcija je, po njemu, omjer duhovnog i materijalnog, unutarnjeg i vanjskog, ideja i oblika. Pod jasnoćom je razumio i vidljivi sjaj, sjaj neke stvari i njen unutarnji, duhovni sjaj. Savršenstvo je značilo odsustvo nedostataka. Kršćanski svjetonazor uvijek uključuje pojam dobrote u pojam ljepote. Novo u estetici Tome Akvinskog bilo je uvođenje razlike između njih. On je tu razliku vidio u tome što je dobro predmet i cilj stalnih ljudskih težnji, ljepota je postignuti cilj kada se ljudski intelekt oslobodi svih težnji volje, kada počne doživljavati zadovoljstvo. Cilj svojstven dobru, u ljepoti već, takoreći, prestaje biti cilj, nego je čisti oblik, uzet sam po sebi, bezinteresno. Takvo shvaćanje ljepote kod Tome Akvinskog omogućuje F. Losevu zaključak da je takvo određenje predmeta estetike polazište cjelokupne estetike renesanse.

Estetika renesanse individualistička estetika. Njegova specifičnost je u spontanom samopotvrđivanju osobe koja umjetnički misli i djeluje, shvaća prirodu koja ga okružuje i povijesni ambijent kao predmet uživanja i oponašanja. Estetska doktrina renesanse prožeta je životnim motivima i herojskim patosom. Njime dominira antropocentrična tendencija. U estetici renesanse shvaćanje lijepog, uzvišenog, herojskog također je povezano s antropocentrizmom. Osoba, njeno tijelo postaje model ljepote. Na čovjeka se gleda kao na manifestaciju titanskog, božanskog. Ima neograničene mogućnosti znanja i zauzima izniman položaj u svijetu. Programsko djelo, koje je imalo veliki utjecaj na umjetničku misao toga doba, bila je rasprava Pico dela Mirandola O dostojanstvu čovjeka(1487). Autor formulira potpuno novi koncept ljudske osobnosti. Kaže da je čovjek sam kreator, gospodar svoje slike. To potkrepljuje novi odnos prema umjetniku. To više nije srednjovjekovni zanatlija, već svestrano obrazovana osoba, konkretan izraz ideala univerzalne osobe.

U renesansi se ustalio pogled na umjetnost kao kreativnost. Antička i srednjovjekovna estetika umjetnost je smatrala primjenom na materiju gotovog oblika koji je već u duši umjetnika. U estetici renesanse rađa se ideja da sam umjetnik stvara, rekreira samu formu. Jedan od prvih koji je formulirao ovu ideju bio je Nikola Kuzanski (1401-1464) u svojoj raspravi O pameti. Napisao je da umjetnost ne samo da oponaša prirodu, već je stvaralačka, stvarajući oblike svih stvari, dopunjavajući i ispravljajući prirodu.

Bogata umjetnička praksa renesanse iznjedrila je brojne rasprave o umjetnosti. Ovo su spisi O slikarstvu, 1435; O kiparstvu, 1464; O arhitekturi, 1452 Leona Battista Alberti; O božanskoj proporciji Luca Pacioli (14451514); Knjiga o slikarstvu Leonardo da Vinci. U njima je umjetnost prepoznata kao izraz duha pjesnika i umjetnika. Važna značajka ovih rasprava je razvoj teorije umjetnosti, problema linearne i zračne perspektive, chiaroscura, proporcionalnosti, simetrije i kompozicije. Sve je to pomoglo da umjetnikova vizija postane stereoskopska, a predmeti koje prikazuje reljefni i opipljivi. Intenzivan razvoj teorije umjetnosti potaknut je idejom stvaranja iluzije stvarnog života u umjetničkom djelu.

17.-18.st., Prosvjetiteljstvo. Za 17. stoljeće karakteristična je prevlast filozofske estetike nad praktičnom. U tom razdoblju pojavljuju se filozofska učenja Francisa Bacona, Thomasa Hobbesa, Renea Descartesa, Johna Lockea, Gottfrieda Leibniza, koja su imala veliki utjecaj na estetsku refleksiju New Agea. Najcjelovitiji estetski sustav predstavljao je klasicizam, čija je ideološka osnova bio Descartesov racionalizam, koji je tvrdio da je osnova znanja um. Klasicizam je prije svega dominacija razuma. Jedna od karakterističnih značajki estetike klasicizma može se nazvati uspostavljanjem strogih pravila za kreativnost. Umjetničko djelo shvaćeno je ne kao prirodni organizam, već kao umjetna pojava koju je čovjek planski stvorio s određenom zadaćom i svrhom. Kodeks normi i kanona klasicizma je rasprava u stihovima Nicolasa Boileaua pjesnička umjetnost(1674). Smatrao je da se za postizanje ideala u umjetnosti moraju služiti strogim pravilima. Ta se pravila temelje na drevnim načelima ljepote, harmonije, uzvišenog, tragičnog. Glavna vrijednost umjetničkog djela je jasnoća ideje, plemenitost ideje i precizno kalibrirana forma. U Boileauovoj raspravi, teorija hijerarhije žanrova razvijena estetikom klasicizma, pravilo "tri jedinstva" (mjesto, vrijeme i radnja), usmjerenost prema moralnoj zadaći ( vidi također JEDINSTVA (TRI): VREMENA, MJESTA, RADNJE).

U estetskoj misli 17.st. ističe se barokni pravac, neformaliziran u koherentan sustav. Baroknu estetiku zastupaju imena kao što su Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) i Matteo Peregrini. U svojim spisima Pamet, ili umijeće brzog uma(1642) Gracijana; Aristotelov dalekozor(1654) Tesauro; Traktat o duhovitosti(1639) Peregrini) jedan od najvažniji pojmovi barokna estetika "duhovitost", odnosno "brz um". Ona se doživljava kao glavna kreativna snaga. Barokna duhovitost je sposobnost spajanja različitog. Osnova duhovitosti je metafora koja povezuje predmete ili ideje koji se čine beskrajno daleko. Barokna estetika naglašava da umjetnost nije znanost, ne temelji se na zakonima logičnog mišljenja. Pamet je znak genijalnosti, koji je Bogom dan, i nikakva teorija ne može pomoći da se pronađe.

Estetika baroka stvara sustav kategorija u kojem se zanemaruje koncept ljepote, a umjesto harmonije postavlja se koncept disharmonije i disonance. Odbacujući ideju o skladnoj strukturi svemira, barok odražava svjetonazor čovjeka s početka novog vijeka, koji je shvatio nedosljednost bića. Taj stav posebno oštro zastupa francuski mislilac Blaise Pascal. Pascalovo filozofsko razmišljanje, njegova književna djela zauzimaju važno mjesto u estetici 17. stoljeća. Nije dijelio pragmatizam i racionalnost modernog društva. Njegova vizija svijeta dobila je duboko tragičnu boju. Povezana je s idejama "skrivenog Boga" i "tišine svijeta". Između te dvije manifestacije nalazi se čovjek u svojoj usamljenosti, čija je priroda tragično podvojena. S jedne strane on je velik u svojoj razumnosti i zajedništvu s Bogom, s druge je neznatan u svojoj fizičkoj i moralnoj krhkosti. Ta je ideja izražena u njegovoj poznatoj definiciji: "čovjek je trska koja razmišlja". Pascal je u ovoj formuli odražavao ne samo svoju viziju svijeta, već je prenio opće raspoloženje stoljeća. Njegova filozofija prožima umjetnost baroka, koja gravitira prema dramatičnim zapletima koji rekreiraju kaotičnu sliku svijeta.

Engleska estetika 17.-18.st branio senzualistička načela, oslanjajući se na učenje Johna Lockea o osjetilnoj osnovi mišljenja. Lockeov empirizam i senzacionalizam pridonijeli su razvoju ideja o "unutarnjem osjetu", osjećaju, strasti, intuiciji. Utemeljena je i ideja temeljne bliske povezanosti umjetnosti i morala, koja je postala dominantna u estetici prosvjetiteljstva. U svom je djelu pisao o odnosu ljepote i dobrote Osobine ljudi, manira, mišljenja i vremena(1711) predstavnik takozvane "moralizirajuće estetike" A.E.K. Shaftesbury. U svojoj moralnoj filozofiji Shaftesbury se oslanjao na Lockeov senzacionalizam. Vjerovao je da ideje o dobroti i ljepoti imaju senzualnu osnovu, dolaze iz moralnog osjećaja svojstvenog samoj osobi.

Ideje engleskog prosvjetiteljstva imao veliki utjecaj na francuskog mislioca Denisa Diderota. Kao i njegovi prethodnici, povezuje ljepotu s moralom. Diderot je autor teorije prosvjetiteljskog realizma koju je potkrijepio u svojoj raspravi Filozofsko proučavanje porijekla i prirode ljepote(1751). Umjetničko stvaralaštvo shvaćao je kao svjesnu djelatnost koja ima razuman cilj i temelji se na Opća pravila umjetnost. Diderot je svrhu umjetnosti vidio u omekšavanju i poboljšanju morala, u odgoju vrline. Karakteristična značajka Diderotove estetske teorije je njezino jedinstvo s kritikom umjetnosti.

Razvoj estetike njemačkog prosvjetiteljstva vezan je uz imena Alexandera Baumgartena, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. U njihovim se radovima prvi put definira estetika kao znanost, oblikuje se načelo povijesnog pristupa umjetničkom djelu, usmjerava pozornost na proučavanje nacionalnog identiteta umjetničke kulture i folklora (I. Herder U lugovima kritike, 1769;O utjecaju pjesništva na običaje naroda u staro i novo doba, 1778;Calligone, 1800), javlja se tendencija komparativnog proučavanja raznih vrsta umjetnosti (G. Lessing Laokoon, ili o granicama slikarstva i poezije, 1766;Hamburška dramaturgija, 17671769), stvaraju se temelji teorijske povijesti umjetnosti (I. Winkelman Povijest antičke umjetnosti, 1764).

Estetika u njemačkoj klasičnoj filozofiji. Njemački prosvjetitelji imali su velik utjecaj na kasniji razvoj estetske misli u Njemačkoj, posebno njezino klasično razdoblje. Njemačku klasičnu estetiku (kraj 18. - početak 19. stoljeća) predstavljaju Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

Estetičke poglede I. Kant iznio je u Kritika sposobnosti prosuđivanja, gdje je estetiku smatrao dijelom filozofije. Detaljno je razvio najvažnije probleme estetike: nauk o ukusu, glavne estetske kategorije, nauk o geniju, pojam umjetnosti i njezin odnos prema prirodi, klasifikaciju umjetničkih oblika. Kant objašnjava prirodu estetskog suda, koji se razlikuje od logičkog suda. Estetski sud je sud ukusa, logički za cilj ima traženje istine. posebna vrsta estetski sud ukusa je lijep. Filozof ističe nekoliko točaka u percepciji ljepote. Prvo, to je nezainteresiranost estetskog osjećaja, koji se svodi na čisto divljenje predmetu. Druga je značajka lijepoga da je predmet sveopćeg divljenja bez pomoći kategorije razuma. U svoju estetiku uvodi i pojam "svrsishodnosti bez svrhe". Po njegovom mišljenju, ljepotu, kao oblik svrhovitosti predmeta, treba percipirati bez ikakve ideje o bilo kakvoj svrsi.

Kant je jedan od prvih dao klasifikaciju umjetničkih oblika. Umjetnosti dijeli na verbalne (umijeće rječitosti i poezije), slikovne (kiparstvo, arhitektura, slikarstvo) i umijeće ljupke igre osjeta (glazba).

Problemi estetike zauzimaju značajno mjesto u filozofiji G. Hegela. Sustavno izlaganje hegelijanske estetičke teorije sadržano je u njegovom Predavanja iz estetike(objavljeno 18351836). Hegelova estetika je teorija umjetnosti. Umjetnost definira kao stupanj u razvoju apsolutnog duha uz religiju i filozofiju. U umjetnosti se apsolutni duh spoznaje u formi kontemplacije, u religiji, u formi prikazivanja, u filozofiji, u pojmu. Ljepota umjetnosti je viša od prirodne ljepote, jer je duh superiorniji od prirode. Hegel je primijetio da je estetski stav uvijek antropomorfan, ljepota je uvijek ljudska. Hegel je svoju teoriju umjetnosti predstavio u obliku sustava. Piše o tri oblika umjetnosti: simboličkoj (Istok), klasičnoj (antika), romantičnoj (kršćanstvo). Različitim umjetničkim oblicima povezuje sustav različitih umjetnosti, različitih po građi. Hegel je početak umjetnosti smatrao arhitekturom, koja odgovara simboličkom stupnju u razvoju umjetničkog stvaralaštva. Za klasična umjetnost kiparstvo je karakteristično, a za romantičarsko slikarstvo, glazba i poezija.

Na temelju filozofskog i estetičkog učenja Kanta, F.W. Schelling stvara vlastitu estetičku teoriju. To je prikazano u njegovim spisima. Filozofija umjetnosti, ur. 1859 i O odnosu likovne umjetnosti prema prirodi, 1807. Umjetnost su, po Schellingovom shvaćanju, ideje koje kao "vječni pojmovi" prebivaju u Bogu. Stoga je neposredni početak svake umjetnosti Bog. Schelling u umjetnosti vidi emanaciju apsoluta. Umjetnik svoj rad duguje vječnoj ideji čovjeka, utjelovljenog u Bogu, koji je povezan s dušom i s njom čini jedinstvenu cjelinu. Ta prisutnost božanskog principa u osobi je "genij" koji omogućuje pojedincu materijalizaciju idealnog svijeta. Ustvrdio je ideju o superiornosti umjetnosti nad prirodom. U umjetnosti je vidio dovršenje svjetskog duha, sjedinjenje duha i prirode, objektivnog i subjektivnog, vanjskog i unutarnjeg, svjesnog i nesvjesnog, nužnosti i slobode. Umjetnost je za njega dio filozofske istine. Postavlja pitanje stvaranja novog područja estetike – filozofije umjetnosti i postavlja je između božanskog apsoluta i filozofirajućeg uma.

Schelling je bio jedan od glavnih teoretičara estetike romantizma. Nastanak romantizma vezuje se za jensku školu, čiji su predstavnici bili braća August Schlegel i Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (17731798), Ludwig Tieck.

Izvori filozofije romantizma su u subjektivnom idealizmu Fichtea, koji je subjektivno "ja" proglasio početkom. Na temelju Fichteovog koncepta slobodnog, neograničenog kreativna aktivnost, romantičari potkrepljuju autonomiju umjetnika u odnosu na vanjski svijet. Vanjski svijet mijenjaju se unutrašnji svijet pjesnički genij. U estetici romantizma razvijena je ideja kreativnosti, prema kojoj umjetnik u svom djelu ne odražava svijet onakvim kakav jest, već ga stvara onakvim kakav bi trebao biti u njegovom umu. Sukladno tome, povećala se uloga samog umjetnika. Dakle, u Novalisu pjesnik djeluje kao proricatelj i čarobnjak, oživljavajući neživu prirodu. Romantizam karakterizira negiranje normativnosti umjetničkog stvaralaštva, obnova umjetničkih oblika. Romantična umjetnost je metaforična, asocijativna, višeznačna, teži sintezi, interakciji žanrova, vrsta umjetnosti, povezanosti s filozofijom i religijom.

1920 stoljeća Od sredine 19.st Zapadnoeuropska estetska misao razvijala se u dva pravca. Prvi od njih povezan je s pozitivističkom filozofijom Augustea Comtea, autora Tečaj pozitivne filozofije(18301842). Pozitivizam je proglasio prioritet konkretnih znanstvenih spoznaja nad filozofijom, nastojao je objasniti estetske fenomene kategorijama i idejama posuđenim iz prirodnih znanosti. U okviru pozitivizma formiraju se takvi estetski trendovi kao što su estetika naturalizma i društvene analize.

Drugi smjer pozitivistički orijentirane estetike predstavljen je u djelima Hippolytea Tainea, koji je postao jedan od prvih specijalista na području sociologije umjetnosti. Razvijao je pitanja odnosa umjetnosti i društva, utjecaja sredine, rase, momenta na umjetničko stvaralaštvo. Umjetnost je, prema shvaćanju Tainea, proizvod specifičnih povijesnih uvjeta, a umjetničko djelo definira kao proizvod okoline.

Marksistička estetika također izlazi sa stajališta pozitivizma. Marksizam je umjetnost smatrao sastavnim dijelom općeg povijesnog procesa, čiju su osnovu vidjeli u razvoju načina proizvodnje. Korelirajući razvoj umjetnosti s razvojem gospodarstva, Marx i Engels su je promatrali kao nešto sekundarno u odnosu na ekonomsku osnovu. Glavne odredbe estetske teorije marksizma su načelo povijesne konkretnosti, spoznajna uloga umjetnosti i njezin klasni karakter. Manifestacija klasnog karaktera umjetnosti je, kako je smatrala marksistička estetika, njena tendencioznost. Marksizam je postavio temeljna načela koja su svoj daljnji razvoj našla u sovjetskoj estetici.

Opozicija pozitivizmu u europskoj estetičkoj misli u drugoj polovici 19. stoljeća. Postojao je pokret umjetnika koji je iznio slogan "umjetnost radi umjetnosti". Estetika "čiste umjetnosti" razvila se pod snažnim utjecajem filozofskog koncepta Arthur Schopenhauer. Na poslu Svijet kao volja i predodžba (1844) ocrtao je osnovne elemente elitističkog koncepta kulture. Schopenhauerovo učenje temelji se na ideji estetske kontemplacije. Podijelio je čovječanstvo na "ljude genija", sposobne za estetsku kontemplaciju i umjetničko stvaralaštvo, i "ljude od koristi", orijentirane na utilitarnu djelatnost. Genijalnost podrazumijeva izvanrednu sposobnost promišljanja ideja. Želje su uvijek svojstvene praktičnoj osobi, umjetnik-genij je miran promatrač. Zamjenjujući razum kontemplacijom, filozof time pojam duhovnog života zamjenjuje pojmom profinjenog estetskog užitka i nastupa kao preteča estetske doktrine "čiste umjetnosti".

Ideje "umjetnosti radi umjetnosti" oblikovane su u djelima Edgara Allana Poea, Gustavea Flauberta, Charlesa Baudelairea, Oscara Wildea. Nastavljajući romantičarsku tradiciju, predstavnici esteticizma tvrdili su da umjetnost postoji sama za sebe i da svoju svrhu ispunjava time što je lijepa.

Krajem 19.st u europskoj filozofskoj i estetičkoj misli odvijaju se procesi radikalne revizije klasičnih oblika filozofiranja. Odbacivanje i reviziju klasičnih estetskih vrijednosti izvršio je Friedrich Nietzsche. Pripremio je slom tradicionalnog transcendentalnog estetskog koncepta i uvelike utjecao na formiranje postklasične filozofije i estetike. U Nietzscheovoj estetici razvijena je teorija Apolonska i dionizijska umjetnost. U eseju Rađanje tragedije iz duha glazbe (1872) on razrješava antinomiju apolonskog i dionizijskog kao dva suprotna, ali međusobno neraskidivo povezana početka koja stoje u osnovi svakog kulturnog fenomena. Apolonska umjetnost nastoji urediti svijet, učiniti ga skladno uravnoteženim, jasnim i uravnoteženim. Ali apolonski princip tiče se samo vanjske strane bića. Ovo je iluzija i stalna samoobmana. Apolonskom strukturiranju kaosa suprotstavlja se dionizijska opijenost ekstazom. Dionizijsko načelo umjetnosti nije stvaranje novih iluzija, već umjetnost živih elemenata, ekscesa, spontane radosti. Dionizijsko ludilo u tumačenju Nietzschea pokazuje se kao način prevladavanja otuđenosti čovjeka u svijetu. Ići izvan granica individualističke izolacije prava je kreativnost. Najistinitiji oblici umjetnosti nisu oni koji stvaraju iluziju, već oni koji vam omogućuju pogled u ponor svemira.

Estetski i filozofski koncepti Nietzschea našli su široku primjenu u teoriji i praksi estetike modernizma krajem 19. i početkom 20. stoljeća. Izvorni razvoj ovih ideja opaža se u ruskoj estetici srebrnog doba. Prije svega na Vladimir Solovjev, u svojoj filozofiji "univerzalnog jedinstva", utemeljenoj na mirnom trijumfu vječne pobjede svijetlog načela nad kaotičnom zbrkom. a nietzscheanska estetika privukla je ruske simboliste. Slijedeći Nietzschea, svijet su doživljavali kao estetski fenomen koji je stvorio umjetnik teurg.

Estetske teorije 20. stoljeća. Estetski problemi 20. stoljeća Razvija se ne toliko u posebnim studijama koliko u kontekstu drugih znanosti: psihologije, sociologije, semiotike, lingvistike.

Među najutjecajnijim estetičkim konceptima ističe se fenomenološka estetika, utemeljena na filozofija Edmund Husserl. Poljski filozof Roman Ingarden (1893-1970) može se smatrati utemeljiteljem fenomenološke estetike. Ključni pojam fenomenologije je intencionalnost (od lat. intentio težnja, namjera, smjer), koja se shvaća kao konstrukcija predmeta spoznaje od strane svijesti.

Fenomenologija smatra umjetničko djelo samodostatnim fenomenom intencionalne kontemplacije bez ikakvog konteksta, polazeći od sebe. Sve što se o nekom djelu može doznati sadržano je u njemu samom, ono ima svoju samostalnu vrijednost, autonomno postojanje i gradi se po svojim zakonitostima.

Nikolai Hartmann (18821950) govorio je s fenomenološke pozicije. Glavna kategorija estetike lijepog shvaća se u stanju zanosa i sanjarenja. Razum, naprotiv, ne dopušta da se pridružimo sferi ljepote. Stoga je spoznajni čin nespojiv s estetskom kontemplacijom.

Michel Dufrenne (1910.-1995.) kritizirao je modernu zapadnu civilizaciju, otuđujući čovjeka od prirode, vlastite suštine i najviših vrijednosti bića. On nastoji identificirati temeljne temelje kulture koji bi omogućili uspostavljanje skladnih odnosa između čovjeka i svijeta. Uočivši patos Heideggerova koncepta umjetnosti kao "istine bića", Dufrenne takve temelje traži u bogatstvu estetskog iskustva, tumačenog sa stajališta fenomenološke ontologije.

Fenomenološka metoda istraživanja temelji se na metodologiji ruskog formalizma, francuskog strukturalizma i anglo-američke "nove kritike" koja je nastala kao opozicija pozitivizmu. U djelima J.K. otkupnina ( Nova kritika, 1941), A. Tate ( reakcionarni eseji, 1936), C. Brooks i R.P. Warren ( Razumijevanje poezije, 1938; Razumijevanje proze, 1943.) postavio je temeljna načela neokritičke teorije: proučavanje se temelji na izoliranom tekstu koji egzistira kao objekt neovisno o umjetniku-stvaratelju. Ovaj tekst ima organsku i cjelovitu strukturu koja može postojati kao posebna organizacija slika, simbola, mitova. Pomoću takve organske forme ostvaruje se spoznaja stvarnosti (novokritički koncept "poezije kao znanja").

Ostalim važnim područjima estetske misli 20. stoljeća. uključuju psihoanalitičke koncepte Z. Freuda i G. Junga, estetiku egzistencijalizma (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), estetiku personalizma (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur). ), estetika strukturalizma i poststrukturalizma (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), sociološki estetički koncepti T. Adorna i G. Marcusea.

U skladu s postmodernizmom razvija se i moderna estetska misao (I. Hassan, J.F. Lyotard). Estetiku postmodernizma karakterizira svjesno nepoštivanje bilo kakvih pravila i ograničenja koja je razvila prethodna kulturna tradicija, a kao rezultat toga, ironičan odnos prema toj tradiciji.

Pojmovni aparat estetike prolazi kroz značajne promjene, glavne kategorije estetike prolaze kroz smisleno preispitivanje, na primjer, uzvišeno se zamjenjuje nevjerojatnim, ružno je uz lijepo dobilo status estetske kategorije itd. Ono što se tradicionalno smatralo neestetskim postaje estetsko ili definirano estetski. To također određuje dvije linije razvoja moderne kulture: jedna je usmjerena na nastavak tradicionalne estetike (estetizacija svakodnevice smatra se njezinom ekstremnom manifestacijom, otuda npr. hiperrealizam, pop art i dr.), nadrealizam, konceptualna umjetnost. ).

Posebno mjesto u suvremenoj estetici zauzima tradicija kršenja, izlazak “izvan estetskih i umjetničkih normi”, tj. marginalno ili naivno stvaralaštvo, koje često nakon dugog vremena dobiva status estetskog (povijest kulture obiluje primjerima takvog stvaralaštva umjetnika, glazbenika, književnika).

Raznolikost estetskih teorija i koncepata moderne estetske znanosti svjedoči o kvalitativno novom, u usporedbi s klasičnim razdobljem, razvoju estetske misli. Korištenje iskustava mnogih humanističkih znanosti u suvremenoj estetici svjedoči o velikim perspektivama ove znanosti.

Ljudmila Tsarkova

KNJIŽEVNOST Povijest estetske misli, tt. 15. M., 19851990
Losev A.F. Oblik. Stil. Izraz. M., 1995
Bransky V.P. Umjetnost i filozofija. Kaliningrad, 1999
Bychkov V.V. 2000 godina kršćanske kulture subspecie aesthetica . Tt. 12. M. SPb, 1999
Gilbert K.E., Kuhn G. Povijest estetike. Sankt Peterburg, 2000
Gulyga A.V. Estetika u svjetlu aksikologije. Sankt Peterburg, 2000
Croce B. Estetika kao znanost o izražavanju i kao opća lingvistika. M., 2000. (monografija).
Mankovskaya N. Estetika postmodernizma. Sankt Peterburg, 2000
Adorno T. estetska teorija. M., 2001. (monografija).
Krivtsun O.A. Estetika. M., 2001. (monografija).
Yakovlev E.G. Estetika. M., 2001. (monografija).
Borev Yu.B. Estetika. M., 2002. (monografija).

Razvoj estetske znanosti u zemljama zapadne Europe i SAD-a u prvoj polovici našeg stoljeća izrazio je to kontradiktorno razdoblje u mnogim svojim konceptima i teorijama, prvenstveno nerealističke naravi, za mnoge od kojih je izraz "modernizam" osnovana je.

Modernizam (od francuskog modernog - najnoviji, moderan) opći je simbol za umjetničke trendove 20. stoljeća, koje karakterizira odbacivanje tradicionalnih metoda umjetničkog prikazivanja svijeta.

Modernizam kao umjetnički sustav pripremljen je dvama razvojnim procesima: dekadencijom (tj. bijegom, odbacivanjem stvarnog života, kulta ljepote kao jedine vrijednosti, odbacivanjem društvenih problema) i avangardom (čiji su manifesti pozivali na slom s naslijeđem prošlosti i stvaranjem novoga, suprotno tradicionalnim umjetničkim postavkama).

Svi glavni pravci i struje modernizma - kubizam, ekspresionizam, futurizam, konstruktivizam, imaginizam, nadrealizam, apstrakcionizam, pop art, hiperrealizam itd., ili su odbacili ili potpuno transformirali cijeli sustav umjetničkih sredstava i tehnika. Konkretno, u različitim vrstama umjetnosti to je dolazilo do izražaja: u promjeni prostornih slika i odbacivanju likovno-figurativnih obrazaca u likovnim umjetnostima; u reviziji melodijske, ritmičke i harmonijske organizacije u glazbi; u nastanku “struje svijesti”, unutarnjeg monologa, asocijativne montaže u književnosti itd. Ideje iracionalističkog voluntarizma A. Schopenhauera i F. Nietzschea, doktrina intuicije A. Bergsona i N. Losskog, psihoanaliza 3 veliki utjecaj na praksu modernizma imali su Freud i C. G. Jung, egzistencijalizam M. Heideggera, J.-P. Sartrea i A. Camusa, teorije socijalne filozofije Frankfurtske škole T. Adorna i G. Marcusea.

Opće emocionalno raspoloženje djela modernističkih umjetnika može se izraziti sljedećom frazom: kaotičnost suvremenog života, njegova dezintegracija pridonose neredu i usamljenosti čovjeka, njegovi sukobi su nerješivi i bezizlazni, a okolnosti u kojima se nalazi postavljeni su nepremostivi.

Nakon Drugog svjetskog rata većina modernističkih pravaca u umjetnosti izgubila je dotadašnje avangardne pozicije. U poslijeratnoj Europi i Americi počele su se aktivno manifestirati "masovne" i "elitne" kulture s različitim estetskim trendovima i pravcima koji su im odgovarali, a deklarirale su se i estetske škole nemarksističke prirode. Općenito, poslijeratnu etapu u razvoju strane estetike možemo definirati kao postmodernu.

Postmodernizam je pojam koji označava novu, do sada posljednju, superfazu u lancu kulturnih trendova koji se prirodno mijenjaju tijekom povijesti. Postmodernizam kao paradigma moderne kulture opći je smjer razvoja europska kultura nastala 70-ih godina. 20. stoljeće

Pojava postmodernih trendova u kulturi povezana je sa sviješću o ograničenosti društvenog napretka i strahom društva da njegovi rezultati prijete destrukcijom samog vremena i prostora kulture. Postmodernizam bi, takoreći, trebao postaviti granice ljudskog uplitanja u razvoj prirode, društva i kulture. Stoga postmodernizam karakterizira potraga za univerzalnim umjetničkim jezikom, zbližavanje i stapanje različitih umjetničkih pravaca, štoviše, “anarhizam” stilova, njihova beskrajna raznolikost, eklekticizam, kolaž, područje subjektivne montaže.

karakteristične značajke postmodernizam su:

Orijentacija postmoderne kulture i "mase" i "elite" društva;

Značajan utjecaj umjetnosti na neumjetničke sfere ljudskog djelovanja (na politiku, religiju, informatiku itd.);

Stilski pluralizam;

Široko citiranje u svojim kreacijama umjetničkih djela prethodnih razdoblja;

Ironija nad umjetničkim tradicijama prošlih kultura;

Korištenje tehnike igre pri izradi likovnih djela.

U postmodernom umjetničkom stvaralaštvu dolazi do svjesnog preorijentiranja od kreativnosti prema kompilaciji i citatnosti. Za postmodernizam, kreativnost nije jednaka kreaciji. Ako u pretpostmodernim kulturama funkcionira sustav "umjetnik - umjetničko djelo", onda se u postmodernizmu naglasak prebacuje na odnos "umjetničko djelo - gledatelj", što ukazuje na temeljnu promjenu umjetnikove samosvijesti. On prestaje biti "kreator", budući da se smisao djela rađa neposredno u činu njegove percepcije. Postmoderno umjetničko djelo mora se vidjeti, izložiti, ono ne može postojati bez gledatelja. Možemo reći da u postmodernizmu dolazi do prijelaza iz „umjetničkog djela“ u „umjetničku konstrukciju“.

Postmodernizam kao teorija dobio je značajno opravdanje u djelima J. Baudrillarda "Sustav stvari" (1969.), J. F. Lyotarda "Postmoderno znanje" (1979.) i "Spor" (1984.), P. Sloterdijka "Čarobno drvo" (1985.). ) i drugi

U ovom dijelu bit će analizirani samo najvažniji estetski pravci i škole nemarksističke orijentacije, kao i ključni problemi estetske znanosti 20. stoljeća.