Dmitry Vdovin della master class ha creato un'attrazione. Dmitry Vdovin - Vice capo della Bolshoi Opera Company - Che cos'era? Vanità o perfezionismo

Dmitry Vdovin è nato il 17 aprile 1962 a Ekaterinburg. Laureato Istituto Statale arti teatrali a Mosca, e poi ha studiato presso la scuola di specializzazione di questa università sotto la guida della professoressa Inna Solovieva as critico teatrale, pubblicato nel più grande quotidiani nazionali e riviste. Successivamente, ha subito una riqualificazione e si è diplomato alla V.S. Popov Academy of Choral Art come cantante e insegnante di canto. Dal 1987 al 1992 - dipendente responsabile del lavoro sul campo teatro musicale Unione di figure teatrali dell'URSS.

Si è formato come insegnante di canto presso l'ECOV - il Centro europeo per l'opera e l'arte vocale in Belgio sotto la guida del capo del dipartimento vocale del Curtis Institute of Music di Filadelfia Michael Elaysen. Nel 1992, Dmitry Vdovin è diventato direttore artistico del Moscow Center for Music and Theatre, un'agenzia artistica che ha partecipato a joint progetti creativi con i più grandi teatri, festival e organizzazioni musicali internazionali.

Dal 1996, D.Vdovin ha collaborato con la grande cantante russa I.K. Arkhipova come insegnante e direttrice della sua Summer School, co-conduttrice della sua televisione e programmi dei concerti. Dal 1995 - insegnante, dal 2000 al 2005 - capo del dipartimento vocale della Gnessin State Medical University, nel 1999-2001 - insegnante della Gnessin Academy of Music, dal 2001 - professore associato, capo del dipartimento canto solista accademie Arte corale prende il nome da V.S. Popov, dal 2008 - Professore di Achia.

D. Vdovin ha tenuto corsi di perfezionamento in molte città della Russia, nonché negli Stati Uniti, Messico, Italia, Lettonia, Francia, Polonia, Svizzera. Era un insegnante ospite permanente del Programma Giovani alla Houston Grand Opera. Dal 1999 al 2009 - direttore artistico e insegnante del Moscow Scuola Internazionale padronanza vocale, che ha permesso ai più grandi insegnanti e specialisti d'opera di Russia, Stati Uniti, Italia, Germania, Gran Bretagna di venire a Mosca per lavorare con giovani cantanti

Membro della giuria di numerosi prestigiosi concorsi vocali: il Glinka International Competition, 1st e 2nd All-Russian gare musicali, il Concorso Internazionale Le voci verdiane di Busseto, il Concorso Vocale Internazionale Viotti e Pavarotti di Vercelli, AsLiCo di Como, Competizioni internazionali a Parigi e Bordeaux, Concorso dell'opera Italiana al Teatro Bolshoi, Concorso Internazionale a Montreal, Concorso del canale televisivo "Culture" "Big Opera", Concorso vocale a Izmir, Concorsi Internazionali Moniuszko a Varsavia, "Die Meistersinger von Nürnberg" di Norimberga, Opera de Tenerife in Spagna.

Dal 2009 - uno dei fondatori e direttore artistico Programma Opera Giovanile del Teatro Bolshoi della Russia. Dal 2015 - insegnante invitato dell'International studio dell'opera Opera di Zurigo. Corsi di perfezionamento al Metropolitan Opera di New York.

Consulente musicale per il film di Pavel Lungin " regina di spade". Inoltre, D.Yu. Vdovin era il vicedirettore team creativi Compagnia d'Opera del Teatro Bolshoi.

Famoso insegnante di canto, capo del programma giovanile del Teatro Bolshoi Dmitry Vdovin ha tenuto una master class interattiva al Winter International Festival musicale Yuri Bashmet a Sochi.

Quando stavo guidando qui, non ero sicuro che qualcuno durante le Olimpiadi sarebbe stato interessato alla master class di un insegnante di canto, - ha ammesso subito Vdovin. - Ma ti sei raccolto, il che significa che c'è interesse per la musica anche alle Olimpiadi. Lavoriamo con la voce, e questo non è uno strumento che si pulisce con uno straccio e si mette in un angolo. Questa è l'intera complessità del nostro lavoro.

Una caratteristica delle masterclass ai festival di Yuri Bashmet è la geografia. Grazie alla collaborazione con la compagnia Rostelecom, l'insegnante che è venuto al festival tiene una master class in molte città contemporaneamente. Nelle sale scuole di musica i kit video vengono installati, il suono e l'immagine entrano senza indugio nella sala dell'organo della Filarmonica di Sochi. Questa volta è stata frequentata la master class e, soprattutto, vi hanno preso parte Rostov, Ekaterinburg, Samara e Novosibirsk.

Ma hanno iniziato lo stesso con Sochi. David Chikradze, uno studente del 2° anno della Scuola d'Arte di Sochi, è stato il primo a osare di salire sul palco e ha cantato un'aria da Handel, la seconda romanza del Demone, al famoso insegnante.

Hai un bellissimo baritono, ma per l'esecuzione in pubblico hanno scelto un pezzo in cui dovevi andare oltre l'estensione. Ma prima, una nota importante. Venendo alla master class, dovresti avere tre serie di note: una per l'accompagnatore, un'altra per l'insegnante e la terza per te stesso. Perché per te stesso? Perché sei preoccupato e probabilmente dimenticherai molto di ciò che è stato detto, quindi devi prendere appunti sulla tua copia.

Soprattutto rigorosamente Dmitry Vdovin ha rimproverato i giovani artisti per la pronuncia sfocata o errata, sia russa che italiana.

La pronuncia è molto importante. Spesso devi cantare in italiano, inoltre, diverse centinaia di milioni di persone parlano questa lingua. La pronuncia corretta ti darà la chiave dell'esecuzione, ascolta la bellezza della pronuncia delle frasi degli italiani!

Un'altra qualità che Vdovin non ha trascurato è la natura organica del cantante.

Il canto dovrebbe essere spontaneo, naturale. Come diceva Oscar Wilde, la cosa più difficile è essere naturali. Quindi, per cantare, la cosa principale è rimanere naturali. Ora nel ruolo dell'opera regista teatraleè diventato più importante, gli artisti dell'opera devono lavorare sodo sulle immagini e la naturalezza è l'assistente più importante per il ruolo. Canta con un grande senso di divertimento: goditi il ​​bellissimo suono volante.

E il maestro ha ricordato al baritono David:

Handel non ha parti per baritoni, i baritoni stessi apparvero solo nel XIX secolo. Lasceremo quest'aria a tenori e controtenori, e tu cercherai qualcosa di più adatto alla tua voce.

L'audizione successiva è stata un ragazzo di 12 anni di Samara, Valery Makarov, che ha dimostrato un bellissimo triplo oltre i suoi anni.

Hai una bella voce e hai musicalità, e questo è importante. Specialisti separati lavorano con i bambini, non lo faccio, ma dirò alcuni pensieri. Questa è una canzone dolce! Non quello in cui devi mostrare la forza della voce, la pressione. Non appena sei passato a colori tenui, è diventato subito chiaro di cosa stavi cantando. Di cosa parla la canzone? L'eroe della canzone ha una vecchia madre e le canta che tornerà sicuramente da lei e la abbraccerà. Hai una giovane madre?

SÌ! Valera rispose senza esitazione.

E l'eroe di questa canzone è già vecchio. E per quanto riguarda la pronuncia. Ci sono parole in italiano che si pronunciano come "mamma" e "mama" - ce l'hanno significati diversi- "mamma" e "ti amo", rispettivamente. In questa canzone - "mamma". Prova a cantare in modo più profondo. Hai un bellissimo timbro - e il timbro è la cosa più bella della voce.

Un altro rappresentante di Samara ha cantato con eccessiva pressione. Vdovin iniziò a spiegare la frugalità nei mezzi visivi.

Prima di sollevare la melodia, la voce è coperta. La copertina non serve a spingere la voce avanti e indietro, ma a renderla più brillante! Devi cantare più musicalmente. Quando esce un giovane, ovviamente, tutti aspettano una voce, ma ancora di più aspettano il talento. Ci sono molti voti. Ma succede che la voce è piccola, ma tutti dicono: come canta! Prestare attenzione alla presentazione del materiale stesso.

Novosibirsk è stato presentato dalla diciottenne Irina Kolchuganova, che ha cantato dolcemente e timidamente l'aria di Gilda dal Rigoletto di Verdi. Vdovin ha attirato l'attenzione su come ha chiamato il lavoro.

Quando annunci quale aria canterai, aggiungi sempre le prime parole dell'aria al titolo e tutti gli ascoltatori di diversi paesi capiranno esattamente cosa canterai.

Tu canti dolcemente. Il problema con i nostri cantanti, che ascolto alle audizioni al Teatro Bolshoi e ai concorsi, è che non apprezzano la tenerezza. Gli artisti vogliono immediatamente aggressività, una consegna potente, cercano di cantare quelle parti che sono scritte per cantanti di un apparato più forte. E tenerezza: tocca il cuore degli ascoltatori. Salva questa tenerezza, fragilità in te stesso: rendila a tuo vantaggio.

Vdovin ha dato un altro prezioso consiglio sulla capacità di presentare materiale.

Un altro nome per quest'aria è "The Story". Devi vedere la persona a cui stai raccontando questa storia, ed è a lui che deve raccontare l'aria. Gilda racconta come si è intrufolata dietro la sua amata - beh, non puoi cantare forte qui! Tutti sanno com'è con il primo amore - sgattaiolare in giro, questa è un'emozione speciale - e deve essere mostrato all'ascoltatore.

Rostov è stato il prossimo nella trasmissione video. Il baritono di 21 anni Vadim Popechuk ha cantato in modo estremamente emotivo Leoncavallo. Prima di tutto, Vdovin ha attirato l'attenzione sul fragoroso applauso nella sala del Rostov Musical College.

Un artista è una professione così difficile che devi sostenerlo e - applaudire! Spesso molti esperti siedono nella sala del Teatro Bolshoi per le audizioni, ma l'artista ha cantato e nessuno ha applaudito. al di sotto della loro dignità. E devi applaudire!

Riguardo alla performance di Vadim, il maestro ha detto questo:

21 anni non bastano per un baritono. Aria scritta per voce piena, un baritono maturo. Leoncavallo ha già molte emozioni, e non è necessario appoggiarsi alle emozioni, rimanere legato, altrimenti non c'è intonazione italiana, ma gitana.

In seguito Dmitry Vdovin ha formulato un altro importante postulato:

La nostra professione è legata alla matematica, stranamente. Devi calcolare ogni pausa, ogni nota, la durata di ogni fermata. Per quello? Affinché il pubblico sia contagiato dalle tue emozioni nelle circostanze proposte, questo è importante: siamo a teatro. Il cantante deve conoscere in anticipo esattamente la durata di ogni nota, sapere quando inalerà, calcolare tutto al millisecondo.

E poi è iniziata la vera attrazione. Nella sala, Vdovin ha notato il baritono Andrei Zhilikhovsky, che partecipa al Programma giovanile del Teatro Bolshoi da lui supervisionato, ed è venuto a Sochi per cantare nella produzione di Yuri Bashmet di Eugene Onegin. E Andrei Zhilikhovsky è stato invitato sul palco, offrendosi di cantargli un duetto con Vadim, distici a sua volta. Notando lo sguardo perplesso di Zhilikhovsky, ha spiegato che avrebbero accompagnato da Rostov. E ha funzionato! La connessione si è rivelata stabile, senza il minimo ritardo (che vediamo spesso nelle trasmissioni in diretta dei canali TV), - due baritoni hanno cantato a turno, fondendosi all'unisono sulla coda.

Non mi piacciono molto le master class, perché c'è poco che possa essere veramente corretto. Ma mi permette di fare alcune riflessioni... Ora la situazione è incredibile, siamo seduti sulla costa del Mar Nero, Andrey è della Moldavia, Vadim e l'accompagnamento sono a Rostov. Abbiamo le nostre Olimpiadi!

Un'altra inclusione da Ekaterinburg. Il tenore quindicenne Alexander ha cantato la storia d'amore di Ciajkovskij "In mezzo a un ballo rumoroso".

Un po 'di materiale selezionato in modo impreciso - molto belle canzoni, ma questa storia d'amore è per molte persone anziane, con una grande esperienza di vita. Ma hai cantato in modo così toccante che è molto prezioso e devi mantenere questo filo per tutta la vita. Canta tutte le frasi in russo. Non "pipa", ma "pipa". Non "magro", questa è una pronuncia obsoleta, ma "magro". Canta tutte le frasi come dovrebbero suonare secondo le regole della lingua russa - e risulterà molto più chiaro e più forte. Non puoi cantare la vocale "U" - va in "O", e la percezione del testo ne risente, che è particolarmente importante per una storia d'amore.

Infine, Dmitry Vdovin ha dato consigli a tutti i giovani artisti.

Consiglio sempre ai giovani artisti: canta ovunque ea tutti quelli che puoi. Presentati ovunque, partecipa alle competizioni. Il paese è grande ed è molto difficile sfondare. Tutti possono richiedere l'ammissione al Programma Giovani del Teatro Bolshoi. Un annuncio sull'ammissione al Programma Giovani apparirà presto sul sito web del Teatro Bolshoi, fai domanda applicazione elettronica- e ti ascolteremo. Ricorda che ci sarà sempre una persona che ti ascolterà da qualche parte al festival, ti consiglierà, ti inviterà da qualche parte, ti aiuterà: è così che funziona la nostra vita professionale.

La master class si è conclusa con il romanzo di Tchaikovsky "To the Yellow Fields" basato sui versi di Alexei Tolstoy, interpretato dal baritono Andrei Zhilikhovsky.

Vadim Ponomarev
Foto - Alexey Molchanovsky

- Caro Dmitry Yuryevich, in rete si possono trovare brevi informazioni biografiche su di te, ma ricominciamo dall'inizio: dalla tua famiglia, dall'infanzia. Come e con cosa hai iniziato ad entrare nel mondo della musica, della voce, del teatro d'opera?

Sono nato e cresciuto a Sverdlovsk. I miei genitori, in generale, tutti parenti, sono interamente fisici e matematici. La mamma è un'insegnante di matematica superiore a Uralsky Università Statale, papà è un fisico, era il direttore di un grande istituto di ricerca, anche lo zio è un fisico, la zia è un'algebrista, il fratello è un capo. Dipartimento di Matematica dell'Accademia ora a Ekaterinburg. Sparsi per il mondo cugini e sorelle - tutti matematici.

Quindi sono l'unica eccezione, come si suol dire, in una famiglia non senza ... un musicista!

Ma allo stesso tempo, tutti hanno studiato musica durante l'infanzia: sia papà che fratello. Ma eccomi qui, in qualche modo "ritardato" in questo. Si è diplomato in una scuola di musica in pianoforte, è entrato in GITIS presso il dipartimento di teatro. E poi il mio pianismo si è rivelato molto utile, ci ho vissuto, accompagnando i cantanti. Cioè, era una specie di "baratto": ho imparato la voce da amici e conoscenti e li "ripagato" suonando arie, romanze al pianoforte, imparando con loro nuove opere. Volevo davvero cantare me stesso in gioventù, ma i miei genitori, essendo persone serie, mi hanno consigliato di ottenere prima una specialità più affidabile, quindi mi sono diplomato all'istituto come critico teatrale, specializzato in opera, e poi alla scuola di specializzazione.

Ahimè, non ho incontrato un vero insegnante di canto che credesse in me, ha dato un sussulto. Forse non c'erano abbastanza qualità personali per una carriera da solista, e grazie a Dio l'ho capito in tempo. Tutto ciò che non viene fatto è per il meglio. In generale, ho cantato decentemente abbastanza tardi, all'età di 30 anni. A quel tempo, molte persone mi conoscevano già mondo operistico in veste diversa. La situazione era delicata: nell'Unione dei lavoratori del teatro "comandavo" il teatro musicale. Era un'associazione che non visse a lungo sul declino dell'Unione Sovietica, organizzando enormi festival e concorsi con milioni di budget e buone intenzioni ...

All'inizio degli anni '90 sono andato in Belgio per migliorare come insegnante di canto e quando mi hanno offerto un contratto con un'agenzia abbastanza grande come cantante, ho improvvisamente capito che era troppo tardi, come si suol dire, "tutto il vapore è andato out”, o meglio, diretto dall'altra parte - per l'insegnamento.

- Ma c'è esempi storici carriere vocali tardive - il tenore Nikandr Khanaev, che ha iniziato a 36 anni, il basso Boris Gmyrya - a 33 anni, Antonina Nezhdanova ha fatto il suo debutto sul palcoscenico professionale solo a 29 anni.

In primo luogo, sono vissuti tra l'inizio e la metà del XX secolo, più sono vicini ai loro contemporanei, più è difficile trovare cantanti che inizino a 30 anni, e poi ognuno ha il suo "margine di sicurezza" in perseveranza verso il raggiungimento dell'obiettivo.

Quando è andato in pezzi Unione Sovietica, abbiamo organizzato "sul relitto" STD un'agenzia di concerti e recitazione, che ha avuto un discreto successo. Ricordo quei giorni con particolare gratitudine, perché per la prima volta all'età di 28 anni ho iniziato a viaggiare all'estero, prima non mi lasciavano uscire per qualche motivo. Ciò ha dato un'enorme esperienza di ascolto, l'opportunità di conoscere le migliori produzioni di opere sui palcoscenici mondiali, di valutare le voci dal vivo cantanti famosi. Ho scoperto da solo nuovo mondo, dove cantavano per niente come i nostri, con rare eccezioni.

Ho dovuto rompere alcune idee in me stesso, perché l'orecchio era "offuscato" dalla tradizione operistica sovietica, sia nel bene che nel cattivo senso questa parola. Ricostruito tecnicamente, stilisticamente, il mio gusto è cambiato. Non era facile, a volte faceva cose stupide. Per qualche tempo ho studiato con i ragazzi piuttosto per interesse, non ricordo nemmeno di aver preso soldi per le lezioni.

E poi sono stato invitato a insegnare canto alla Gnessin School, presso la Facoltà di attori di teatro musicale. Per me, specialmente per un set aggiuntivo, hanno preso l'unico studente: Rodion Pogosov. Aveva allora 16 anni, non cantava mai e generalmente sognava di diventare un attore drammatico. Ma in università di teatro non fu accettato e "per il dolore" entrò nella scuola e venne da me. Già all'età di 19 anni, nel suo 3° anno, ha debuttato come Papageno in " Nuova Opera”, e all'età di 21 anni è diventato il più giovane partecipante al programma giovanile del Metropolitan, e così via. Ora Rodion è un ricercato artista di classe internazionale.

- Ebbene, anche il "primo pancake" non ti è venuto grumoso!

Sì, lavorare con il mio primo studente ha richiesto molta forza ed energia da parte mia. L'ho costretto a cantare tutto il tempo, collaborando con sua madre. Queste non erano lezioni ordinarie due volte a settimana per 45 minuti, ma lezioni quasi ogni giorno. In poche parole, l'ho inseguito, superando la resistenza e la riluttanza a imparare. Puoi capire totalmente giovane ragazzo, oltre a non credere nelle loro capacità vocali. Rideva persino dei cantanti, lo stesso processo di canto accademico gli sembrava ridicolo.

- Si scopre che dovevi studiare da zero! E si ha l'impressione che gli studenti di Vdovin - sappiamo di più sui diplomati dell'Accademia del coro - siano già ragazzi preparati fin dall'infanzia, cantano dall'età di 6-7 anni, musicisti molto competenti.

Ora dicono di me che prendo "crema" nella mia classe, migliori voci. E cosa, è necessario prendere quelli cattivi? O devo dimostrare qualcosa a qualcuno? Qualsiasi artista normale (artista, maestro) sceglie sempre il meglio. Sì, ora i giovani vengono da me, vedendo i risultati del mio lavoro, e ho la possibilità di scegliere. E all'inizio mi hanno dato studenti diversi. Quindi ho seguito la scuola per estrarre completamente gli studenti difficili e penso che questo sia necessario per un giovane insegnante.

- Ci sono state opzioni completamente senza speranza? Che una persona perda del tutto la voce o abbandoni la sua carriera vocale, anche se non per colpa tua?

Anche l'età estremamente giovane degli attuali principianti è uno dei problemi. In precedenza, hanno iniziato a imparare la voce professionalmente all'età di 23-25 ​​anni, soprattutto uomini, cioè persone fisicamente in forma, forti non solo nel corpo ma anche nello spirito, che hanno scelto in modo significativo la loro professione. Ora i ragazzi di 15-16 anni vengono a scuola, all'Accademia del coro nella mia classe - a 17 anni.

Si scopre che all'età di 22 anni sono già laureati. Ho avuto un ragazzo del genere, basso, molto bravo, ha vinto concorsi. È stato immediatamente portato al programma giovanile in uno dei paesi europei e poi a teatro. E questo è tutto: non ho sentito parlare di lui da molto tempo, se n'è andato. I cosiddetti contratti fest nei teatri di repertorio sono particolarmente rischiosi per cantanti molto giovani. Ciò significa: cantare tutto, che si adatti o meno alla tua voce. Oggi - Rossini, domani - Mussorgsky, dopodomani - Mozart, e così via fino a Bernstein e all'operetta. Sembri, non sono passati nemmeno un paio d'anni, ma invece di una voce - i resti delle bellezze passate.

- Ma dopotutto, nella tradizione russo-sovietica, stili e nomi molto diversi sul poster si alternavano sempre, e anche i principali solisti cantavano non 6-7 "La Traviata" o "Peak", come lo sono ora in Occidente , ma 4-5 ruoli più diversi al mese .

Credo che le truppe regolari e teatro di repertorio superate, fanno male a tutti: artisti, direttori, pubblico. In primo luogo, c'è sempre una carenza di prove per mantenere in buona forma i titoli attuali. Non ci sono abbastanza prove nemmeno in ensemble così potenti come la Metropolitan Opera di New York o la Staatsoper di Vienna. Quindi non pensare che tutto vada male con noi, ma lì sono tutti prosperi. Ricordo come la mia studentessa fece il suo debutto al Met nel momento più difficile festa principale senza una sola prova sul palco! È così che è venuta fuori - e ha cantato, e persino il giradischi si è bloccato, e ha iniziato l'aria da dietro le quinte.

Quindi non sono un sostenitore del sistema del repertorio, nel nostro paese lo considero una reliquia dei tempi sovietici, non legata all'arte, ma collegata solo alla legislazione del lavoro, all'ideologia, ecc. Quindi ora siamo seduti in un vicolo cieco e non sappiamo cosa fare. I cantanti non sono sicuri del loro futuro, ma, a proposito, della professione artista dell'opera generalmente abbastanza rischioso, la voce è uno strumento troppo fragile, in caso di dubbio, puoi e dovresti inizialmente scegliere un altro campo. I direttori non sono contenti, perché il cantante non può eseguire Mozart oggi in modo altrettanto convincente e domani Prokofiev. Anche il pubblico oggi è viziato e ha bisogno di star o nomi nuovi. E si ottengono compromessi che vanno a scapito dell'art.

In una situazione di free lanser, i cantanti di spicco hanno sempre più possibilità di padroneggiare il repertorio giusto per loro, di incontrare direttori interessanti, partner di pari livello, ecc. E con quanta cura tutto può essere provato nel caso di un team di produzione per un determinato progetto!

- Ma allora, in una situazione in cui non ci sono nemmeno 5-6, e talvolta anche 12 spettacoli con lo stesso nome di fila, gli artisti hanno l'effetto dell'automatismo, come i solisti nei musical? Riesco a malapena a capire come sia possibile elaborare centinaia di spettacoli di fila a Broadway con un giorno libero, spesso senza sostituzione, raffigurando sentimenti, risate e lacrime sul palco ...

A differenza di Broadway, al teatro dell'opera tutte le sere gli artisti non escono (tranne in casi di emergenza), c'è sempre uno o due giorni di riposo. E le esibizioni raramente vanno avanti più di cinque volte nel blocco di messa in scena. I migliori teatri, come il Metropolitan, stanno cercando di riunire oggi i migliori interpreti di quest'opera in tutto il mondo. E credimi, nell'atmosfera alta professionalità e la perfezione di ogni dettaglio, è molto più facile per l'artista concentrarsi sull'immagine.

L'esempio del Met è interessante anche per il pubblico, perché in una settimana si possono ascoltare i lavori dei più stili diversi nella migliore prestazione. Dopotutto, non è un segreto che i visitatori, i turisti, più spesso dei "nativi" tendano ad arrivare al teatro dell'opera. Così, mentre ero a New York nel gennaio di quest'anno, in pochi giorni ho visitato la talentuosa compilation barocca Enchanted Island, ho visto il sensazionale Faust, poi Tosca e Daughter of the Regiment. E per il pigro "locale" i titoli di maggior successo si ripetono dopo circa sei mesi, come lo stesso "Anne Boleyn", che ha aperto l'attuale stagione lirica.

In generale, il tema delle varie tradizioni dell'esistenza del teatro dell'opera è follemente interessante e difficile, ogni paese ha i suoi momenti razionali che possono essere combinati per sempre, basta conoscerli e sapere come farlo.

- A te personalmente, soprattutto all'inizio attività pedagogica, non ha interferito con la mancanza della sua esperienza scenica?

All'inizio, ovviamente, sì, ha interferito! Naturalmente, quando mi siedo a una master class con Elena Vasilievna Obraztsova, che adoro, mi godo semplicemente i suoi confronti, il suo discorso figurativo. La sua vasta esperienza, il lavoro con maestri eccezionali, oltre alla sua personale fantasia artistica più ricca - tutto insieme affascina! Quando lavora su un frammento di un'opera o di una storia d'amore che conosce bene, allora costruisce un intero mondo creato dalla conoscenza e dal talento insieme, in cui non c'è solo recitazione, ma anche regia e persino direzione.

Sto imparando tutto il tempo! Ha studiato lavorando con l'indimenticabile Irina Konstantinovna Arkhipova, ora accanto alla Obraztsova, con Evgeny Evgenievich Nesterenko, con gli insegnanti del nostro Programma Giovani. Vado attraverso gli scogli di nuove feste e produzioni, anche straniere, con i miei studenti. Tutto questo è una ricerca, una scuola, un arricchimento della pratica personale. Sono stato fortunato in termini di tempo, ho iniziato a insegnare attivamente all'età in cui cantanti lirici di solito occupati solo con se stessi e le loro carriere. Ho avuto l'opportunità di immergermi molto profondamente e ampiamente nei problemi pedagogici: acquisire esperienza pedagogica, lavorare con tutti i tipi di voci, studiare vari repertori.

Consentitemi di fare un paragone alquanto inaspettato qui. C'è un'opinione secondo cui i migliori ostetrici sono uomini, perché non sono in grado di capire, immaginare i dolori del travaglio e agire in modo più deciso e calmo.

Sì, forse, il momento del mio distacco dall'esibizione in quanto tale può essere benefico. Ci ho pensato molto e sono giunto alla conclusione che il canto lirico e la pedagogia vocale sono due cose diverse professioni, per certi versi, ovviamente, simile, ma non in tutto.

Come esistono, se ti rivolgi alla medicina, un chirurgo e un diagnostico. Un ottimo chirurgo dalle "mani d'oro" può fare una diagnosi sbagliata, e viceversa. Queste professioni richiedono conoscenze diverse.

Il nostro, pedagogico, è piuttosto ristretto quando si tratta solo di tecnica vocale e richiede un'enorme ampiezza di vedute quando sorgono domande sul repertorio, conoscenza della professione del cantante da tutte le parti. Sì, non canto sul palco, ma lo faccio sempre in classe, mostrandomi con la mia voce. Non suono il pianoforte in pubblico, ma posso accompagnare bene gli studenti. Ero un manager, quindi posso parlare agli studenti delle "insidie" dei contratti, dei cattivi e buone condizioni discorsi. A meno che io stesso non abbia diretto e messo in scena opere, ma, ancora una volta, svolgo queste funzioni durante le prove.

- E nonostante tutto questo, tu, Dmitry, sei un'eccezione alla regola: un insegnante di canto di successo che non si è esibito sul palco. Ci sono altri colleghi con un destino simile?

Posso nominare Svetlana Grigoryevna Nesterenko (l'omonimo del nostro grande basso), lavoriamo insieme nel Bolshoi Theatre Youth Program, lei è il capo del dipartimento vocale dell'Accademia del coro. VS Popova. Tra i suoi studenti ci sono Alexander Vinogradov, Ekaterina Lekhina, Dinara Alieva e molti altri degni cantanti. E il grande pubblico, in quanto cantanti, non conosce molti eccezionali insegnanti occidentali. In generale, noi insegnanti di canto siamo combattenti sul fronte invisibile.

E con tutte le lamentele, il livello generale dei cantanti nel mondo è ormai piuttosto alto, ce n'è anche una certa sovrabbondanza, ma la carenza di validi insegnanti di canto seri è costante, poiché c'era una professione di pezzo, ed è rimasta. Ecco il paradosso.

All'inizio del lavoro, le osservazioni di cantanti esperti che io, dicono, non sono un cantante, non ho annusato il trucco, non l'ho provato, ferito, non molto, ma graffiato. E ora - assolutamente non importa. Mi sono calmato in questo senso, ho tanti compiti e tanta responsabilità per dozzine dei miei studenti di successo sparsi per il mondo. Bisogna tenerli lontani dagli errori, dalla voglia di arrampicarsi nel repertorio sbagliato, bisogna scrivergli, chiamarli, convincerli. Fino a un conflitto: questo è raro, ma è successo che si è concluso con una lite e una rottura (non da parte mia). Tutti vogliono essere adulti e, allo stesso tempo, tutti sono vulnerabili, come i bambini! A volte non capiscono che il loro buon canto è il mio profondo interesse, e non che io sia un tale tiranno con una frusta, sono venuto a un'esibizione oa un concerto per criticarli duramente.

- Un insegnante molto anziano e saggio in una scuola di musica sempre subito dopo il concerto ha solo elogiato gli studenti e ha rimandato il "debriefing" al giorno successivo. Perché il palco è adrenalinico, comunque, le critiche non saranno prese sul serio nell'euforia degli applausi, ma le ali, la voglia di suonare può essere spezzata da un bambino con un'osservazione tagliente.

In questo senso, ho un carattere difficile. So che sto sbagliando, essendo una persona emotiva e dura, ma non riesco sempre a trattenermi, anche se ci provo.

Di recente c'è stato un concerto, estremamente infruttuoso. Così è successo: una situazione difficile, poche prove, scarso contatto con l'orchestra. Alla fine, sono andato dai ragazzi e ho semplicemente citato di nuovo E.V. Obraztsova: "Compagni, oggi non avevamo un teatro, ma un club intitolato a Tsuryupa". Tutti, ovviamente, sono diventati molto tristi, ma questo non ha impedito che il secondo concerto del giorno successivo andasse molto meglio!

A volte, ovviamente, ferisci gli studenti. Ma allo stesso tempo dico: ragazzi, ma mi faccio male e mi offendo con commenti, non vi biasimo per tutto, questi sono i nostri errori comuni, io stesso non dormo la notte, soffro, analizzo.

- Un insegnante che non sgrida è lo stesso medico che non cura!

Ci sono anche problemi di differenze mentali. Una mia collega, la nostra famosissima pianista e meravigliosa insegnante, una volta in America ha alzato la voce nel cuore e ha lanciato le note in direzione di uno studente. Proprio lì - un'indagine, la polizia, uno scandalo ... Pertanto, negli Stati Uniti non è stato facile per me abituarmi a lavorare in questo senso: beh, a volte voglio aggiungere emozioni, alzare la voce a uno studente, ma questo è impossibile lì.

Ma ci sono anche altri studenti! Sono rimasto scioccato durante la mia prima visita a una master class a Houston. Un bravo giovane baritono è venuto da me e mi ha mostrato l'aria di Yeletsky. gliel'ho offerto lezione aggiuntiva la sera, insomma. Voleva far passare la cavatina di Figaro da Siviglia. Ma alle 18, minuto per minuto, la pianista si è alzata e se n'è andata: la sua giornata lavorativa era finita, tutto era severo. Io stesso mi sono reso conto che avrei scavato troppo a fondo nell'accompagnamento di bravura di Rossini e ho detto: "Canterai ancora Yeletsky?" Ha accettato volentieri e mi ha stupito: nelle poche ore trascorse dalla lezione del mattino, ha sistemato tutto! Tutti i miei commenti su fraseggio, pronuncia, intonazione, contenuto recitativo: tutto è preso in considerazione!

"Sì, come stai?" Chiedo a lui. "Maestro, mi sono seduto, ho guardato le note per 15 minuti, ho ascoltato la registrazione della nostra lezione, ho capito cosa hai detto - e l'aria è ora pronta."

Per me è stato uno shock gioioso! Tornando a Mosca, come ha rimproverato i suoi stessi studenti per questo incidente, perché finché non glielo dici venti volte, non lo faranno! Vengono in classe senza registratore, a volte anche senza matita e una copia in più della musica per prendere appunti. Cosa puoi dire? Devi essere duro.

- Ci sono ragazze nella tua classe. C'è differenza di approccio?

È più facile con i ragazzi in una certa misura, ma senza le ragazze in classe sarebbe solo noioso! Certo, la voce femminile esige da me un approccio diverso alla realtà vocale, una maggiore concentrazione di attenzione. Materiale diverso e, di conseguenza, strumenti diversi. Richiede più tempo per la riflessione, più impegno e anche conoscenze tecniche ed esperienza. Ma, come ha dimostrato la vita, in generale, e con voci femminili Ho capito. E in classe la presenza di generi diversi dà un enorme vantaggio nel repertorio, si possono eseguire ensemble, duetti.

- C'è una crisi generale nella voce mondiale tra la fine del XX e l'inizio del XXI secolo? confrontato, ad esempio, con 60-70 del XX secolo, e se sì, perché?

Se è così, la crisi è sempre esistita. Nei tempi d'oro della Callas e del Del Monaco, c'era chi parlava con nostalgia dei tempi di Ponselle, Gigli e Caruso, e così via, andando indietro nel tempo, all'inizio dell'Ottocento, fino a nomi del tutto leggendari. Questo è della serie: "Il cielo era più blu e l'erba era più verde".

In linea di principio, la scuola è diventata migliore e più uniforme paesi diversi, poiché abbiamo iniziato a vivere in un unico spazio informativo, abbiamo avuto l'opportunità di ascoltare spesso vivere o in una registrazione molto fresca di tutto il meglio sui palcoscenici operistici mondiali. Per molti appassionati di musica salire su un aereo e ritrovarsi in poche ore in una qualsiasi capitale musicale è diventata una realtà accessibile.

Secondo me la crisi è altrove. Ci sono parecchi professionisti forti adesso, i disoccupati si stanno moltiplicando tra i quadri, ma sono pochissime le voci eccezionali, straordinarie. E nemmeno tanto in bellezza, ma in potenza, volume del suono.

- Mi unisco a te con tutto il cuore - pochi dei cantanti d'opera di oggi anche i migliori possono essere riconosciuti senza un annuncio alla radio, anche se i "vecchi" - all'istante, da due note!

E questo è anche il costo della tecnologia! Tutti hanno iniziato a cantare troppo bene allo stesso modo. Molti ex grandi erano riconoscibili, straordinari e belli non solo per i loro meriti, ma anche per "irregolarità divine", come la stessa incomparabile Callas. Manca non solo timbri brillanti, ma soprattutto individualità, con rare eccezioni. Anche perché i cantanti sono ormai diventati estremamente dipendenti dalla dittatura del regista e la loro professione non è in prima fila per importanza per il teatro lirico.

- Oh, il nostro argomento preferito riguarda il "rioperatore"! Come ti senti per lei?

C'è un periodo nel teatro musicale in questo momento che tutti stiamo attraversando come malattia o maltempo. Ricordi quando studiavamo la storia della musica e parlavamo della "caduta dell'opera lirica" ​​in epoca barocca, del "concerto in costume"? A metà del XX secolo, sui palcoscenici mondiali, insieme a Callas e Luchino Visconti, l'opera ha iniziato a fondersi con il mondo del dramma, del cinema, attingendo immagini dalla pittura e in qualche modo elevandosi a livello artistico. Ma, di conseguenza, il teatro dell'opera è andato all'estremo opposto, il manierismo. Questo è particolarmente radicale in Germania, tanto che Peter Stein ha già detto da qualche parte, parlando della regia operistica tedesca: “Scusa, ma in questo contesto mi sento a disagio a definirmi un regista tedesco, non mi considero tale”.

Ma curiosamente, per secoli si è parlato della morte dell'opera lirica. Va sempre agli estremi. Ma quando, a quanto pare, tutto è già finito, all'improvviso riesce a trovare dei nuovi mezzi e ad apparire di nuovo in tutta la sua bellezza.

- Si si! Ecco perché le produzioni in costume tradizionale, come Werther nel 2010 all'Opéra Bastille di Parigi, Adrienne Lecouvreur la scorsa stagione al Covent Garden, o la più recente L'isola incantata al Met, rompono gli applausi fin dalla prima apertura del sipario. .

Ma in questa situazione non vorrei sembrare un terry ortodosso, un retrogrado e un conservatore. Ci sono incredibilmente sottili e profondi produzioni contemporanee musica lirica.

Ognuno determina il grado di persuasività e talento del regista stesso, e ho anche sviluppato un'opinione personale su questo argomento. Penso che se la produzione ha una sua logica profonda, se ogni "spara", allora la produzione è un successo. E se in una performance il regista ha semplicemente messo insieme tutte le immagini e le metafore che ha risparmiato negli anni precedenti di inattività, e non riesce a sbarcare il lunario, e noi ci sediamo e non capiamo, allora perché? In teoria, anche letteralmente “camminare sulla testa” può essere reso convincente, come ha dimostrato Natalie Dessay in Ariadne auf Naxos.

- Ma il maestro vocale Vdovin non può dire che è difficile e non fisiologico camminare a testa in giù mentre si canta, alzarsi per gli studenti?

No, purtroppo non posso dire nulla, anche se a volte mi indigno per molte cose. A teatro, tutte le persone dipendono e devono essere fedeli al piano del regista. A volte vedo che le persone sono imbarazzate a vergognarsi sul palco in una sorta di layout del regista. Di che tipo di persuasività artistica stiamo parlando qui! E la cosa più triste è che, a parte l'egoismo e il capriccio, a volte questo non ha alcun senso. Ma d'altra parte, sono d'accordo che è possibile mostrare un artista anche in un modo brutto, se c'è un compito artistico davvero profondo in questo.

Sono un esperto di teatro di prima educazione, il cui primo leader è stato Pavel Alexandrovich Markov, e il maestro principale era Inna Natanovna Solovyova, persone fantastiche. Ho trovato bei momenti per il teatro: sono andato agli spettacoli di A. Efros, G. Tovstonogov, Y. Lyubimov, e c'erano così tanti tour a Mosca ...

- Ci sono studenti che non vogliono "piegarsi" sotto la tirannia dei direttori e pensare a se stessi solo in un puro genere da concerto da camera?

Ne ho incontrato uno di questi, tuttavia, non è un mio studente. Ha tutto per diventare un fenomeno eccezionale del nostro tempo: questo è il basso Dmitry Beloselsky. Ha lasciato il coro, per molto tempo ha cantato solo musica cantata-oratorio, concerti. Non volevo andare all'opera. Solo di recente, all'età di 34 anni, ha cambiato idea, è venuto al Teatro Bolshoi e, grazie a Dio, è così. A questa età ha più possibilità di non abbandonare prematuramente la corsa, di costruirsi una lunga vita con intelligenza e comprensione. carriera di successo. Dmitry sta riscuotendo un enorme successo ovunque si esibisca. Dal Metropolitan al Bolshoi. Ma, purtroppo, è difficile per un cantante da concerto "puro" sopravvivere finanziariamente, la professione di esecutore da camera sta praticamente morendo. Ahimè!

- Il concetto di "scuola vocale russa" ha senso oggi? A questo proposito, al concerto di laurea del Programma Giovanile del Teatro Bolshoi la scorsa primavera, di cui tu, Dmitry, sei a capo, sono rimasto spiacevolmente sorpreso da quanto i giovani cantanti migliori e più convincenti affrontino la musica occidentale e quanto sia problematico per loro di eseguire il russo.

La scuola russa esiste senza dubbio, poiché esiste un enorme patrimonio operistico e la lingua russa. E come componente - tradizione teatrale. Lo stesso repertorio russo impone un approccio tecnico diverso rispetto alle opere di italiano, francese, musica tedesca. Il problema, secondo me, è che la nostra musica è pensata principalmente per voci molto forti, per cantanti maturi. Poiché la maggior parte delle opere sono state scritte per i due Teatri Imperiali, da sempre famosi per le loro voci potenti e profonde. La domanda su dove trovare il vero Herman o Marfa per Khovanshchina oggi sta diventando sempre più difficile da risolvere ...

A proposito, in America, Tatyana è considerata una festa di età più forte persino di Lisa in "Peak". E Yeletsky è più forte del Conte de Le nozze di Figaro. Anche Lensky e Onegin non sono considerati ruoli giovanili, come è consuetudine con noi, solo perché Pyotr Ilyich ha scritto le sue scene liriche per gli studenti del Conservatorio di Mosca. Ma c'è un'orchestrazione molto densa e una tessitura vocale complessa, con grandi salti su e giù per l'estensione, che, credetemi, come insegnante, non tutti i giovani cantanti possono fare. E data l'acustica problematica che abbiamo in molte sale e il modo in cui le orchestre amano rimbombare, è necessario disporre di voci forti e molto potenti per sopportare tutto questo. Scusami, ma credo che la cavatina di Antonida di Glinka, ad esempio, sia così difficile da scrivere che per lei buona performance subito devi dare una medaglia nelle ali di un soprano! Un altro punto delicato: i compositori russi, nonostante tutto il loro genio, non sempre padroneggiavano le complessità della scrittura vocale. E questo è comprensibile - se stessa tradizione operistica in Russia non è così vecchio e molti dei suoi rappresentanti lo hanno imparato da soli.

Maggiori informazioni su Glinka, in connessione con il sensazionale ultima prima"Ruslana", ora parlo solo del lato vocale, perché c'erano dichiarazioni sulla stampa che, dicono, non c'è nessuno che canti correttamente rispetto alla precedente produzione del Teatro Bolshoi degli anni '70 di B. A. Pokrovsky. Dirò come testimone e ascoltatore vivente - sì, in quella performance c'erano i brillanti Ruslan - Evgeny Nesterenko, Lyudmila - Bela Rudenko, Tamara Sinyavskaya - Ratmir. Ma tra l'abbondanza di personaggi (e la performance era in 2-3 cast) c'erano cantanti che, per qualche motivo sconosciuto, sono apparsi sul palco del Teatro Bolshoi e, non è un segreto che ci fossero spettacoli, essendo entrati in cui potresti perdere interesse per l'opera per sempre, in quanto tale.

Tornerò di nuovo sulla divisione dei generi: ci sono cantanti meravigliosi che sono unici nelle opere di Mozart e niente di più. E altri dovrebbero cantare esclusivamente musica russa: questo è il loro punto di forza. Ma quando iniziano a cantare questo e quello, è peggio per Mozart, Glinka e per gli ascoltatori.

- Sfortunatamente, non tutti i cantanti hanno una mente analitica sobria e la volontà di rifiutare progetti avventurosi, come il tuo Dmitry Korchak, a cui è già stato offerto di cantare Herman!

Sì, Dima è fantastico in questo senso, ma il fatto che ci sia così poca musica russa nel suo repertorio, perché la sua voce è troppo leggera, è un peccato, lo fa molto bene. E anche Vasily Ladyuk, a proposito. Ricordo la sera in cui ha eseguito romanzi russi - anche se non mi piacciono i lavori da camera orchestrati, Mikhail Pletnev l'ha fatto incredibilmente bene, ha avuto luogo uno dei migliori concerti per penetrare il significato della musica!

In generale, per cantare bene la musica russa, devi lavorare molto duramente per sbarazzarti di un numero enorme dei nostri cliché, dalla perdita della sensazione di freschezza. A volte gli stranieri hanno nuove sfumature sorprendenti, ea volte percepiamo involontariamente la tradizione come una registrazione urtext e cliché di un classico riconosciuto della scena russa di molto tempo fa.

- A proposito di "ascoltare" vecchi dischi. Per molto tempo, l'affermazione di Svyatoslav Teofilovich Richter è affondata nell'anima, quella gioventù moderna, viziata dalla disponibilità di apparecchiature di registrazione del suono, si abitua a controllarsi costantemente dall'esterno, dopo lo spettacolo. E le precedenti generazioni di musicisti, private di questa benedizione della civiltà, svilupparono il cosiddetto "preascolto", cioè la capacità di sentire in anticipo, con l'orecchio interno, la frase musicale successiva.

Al punto. Di recente ho ascoltato una registrazione audio dal Met - "Le nozze di Figaro". E durante gli ensemble, a volte non riuscivo a capire, seduto senza note, chi suonava adesso: la Contessa, Susanna o Cherubino. Perché tutti e tre, scusa, piccolo René Fleming! Certo, la disponibilità di registrazioni sonore di tutto e di tutti, You Tube, ecc. lasciare il segno interpreti contemporanei, e l'interpretazione cliché viene da qui.

- Ma permetti personalmente agli studenti di usare la tecnologia nelle lezioni, negli spettacoli?

Permetto di sì. Come persona teatrale, capisco che quando inizi a costruire compiti con i ragazzi, cercando le origini di questa o quell'immagine musicale, cause ed effetti, allora i cliché se ne vanno, la pressione delle registrazioni audio e video di altre persone se ne va.

- I cantanti hanno bisogno di un contesto storico, conoscenza del tempo e del luogo dell'azione del loro eroe, della biografia dell'autore?

Beh, certo! Artista d'opera, cantante deve essere una persona istruita! Per riempire il lavoro, il testo di significato - anche su madrelinguaè necessario comprendere non solo le parole, ma anche l'intera situazione attorno al personaggio, alla trama, legami storici se tale è il materiale. È terribile quando i giovani non conoscono i nomi dei poeti che hanno scritto i testi per i romanzi, o quando non sanno dove si trovano le Fiandre, di cui si canta nell'aria di Don Carlos. Oppure non immagina che l'aria sia rivolta al partner e, in sostanza, questo è un duetto.

La cosa più importante è sviluppare l'immaginazione artistica nel cantante, fargli vedere e capire cosa c'è nel profondo e tra le righe.

- Una domanda un po' provocatoria: cosa preferisci - la voce brillante del cantante combinata con un'abilità artistica limitata e un aspetto anonimo, o viceversa, un'arte brillante con una voce molto moderata?

Personalmente, ora preferisco restare a casa in una situazione del genere! Ma, seriamente, in un'opera, una brillante abilità artistica unita a una voce mediocre non è appropriata, potrebbe esserci un cantante insignificante in termini di forza o timbro, ma deve padroneggiare appieno il suo strumento. Nessun altro modo, un corpo snello, i tratti del viso corretti e la plasticità recitativa, se mancano completamente le note, non salveranno: cosa fare, un genere sintetico.

Pertanto, apprezziamo così tanto gli esempi più rari dell'armonia di tutto: una voce fenomenale, musicalità, un enorme temperamento recitativo, combinato con una bellezza brillante e molto coraggiosa - tale era Vladimir Andreevich Atlantov sul palco, che regnava sul palco del Bolshoi Teatro. Ho avuto il piacere di conoscerlo durante i miei anni da studente. Atlantov, probabilmente, non era un esempio di ideale, raffinato scuola vocale, ma mi ha dato molto in termini di comprensione del processo del canto lirico, in quello che dovrebbe essere un vero artista.

Intervistato da Tatyana Elagina

È interessante notare che in tre opere eseguito al festival ROF quest'anno, le parti principali del tenore saranno eseguite da cantanti russi, e tutti sono studenti del professor Dmitry Yuryevich Vdovin.

I mesi estivi, a quanto pare, dovrebbero portare a un calo dell'intensità delle passioni teatrali, ma ciò non accade. Proprio in estate ci sono numerosi concorsi e festival difficili e molto prestigiosi. Tra l'enorme numero di festival, un posto speciale appartiene al ROF - il Rossini Opera Festival, che si svolge ogni anno nella città di Pesaro in Italia, la patria di Gioacchino Rossini. Il 10 agosto avrà luogo l'apertura di questo festival.

Il programma ROF-2017 si aprirà con un'esibizione dell'opera L'assedio di Corinto di G. Rossini, con il tenore Sergei Romanovsky nel ruolo del titolo. Il giorno successivo, 11 agosto, andrà in scena l'opera The Touchstone di G. Rossini con la partecipazione del tenore Maxim Mironov. L'opera "Torvaldo e Dorlisca" di G. Rossini sarà presentata il 12 agosto, canterà il tenore Dmitry Korchak. Tutti loro sono studenti di Dmitry Vdovin.

- Qual è il segreto del "fenomeno della scuola di Vdovin"?

Una domanda a cui non è facile rispondere, in quanto è di natura un po' "fanfara". E, come sai, "alla fanfara" puoi tuonare. (ride) Ma d'altra parte non voglio tergiversare, i risultati ci sono ei cantanti con cui ho lavorato occupano un posto certo e serio nel teatro d'opera mondiale. È curioso che nella mia adolescenza mi sia interessato molto a Rossini. Ciò è dovuto alle registrazioni di "Il barbiere di Siviglia" e "Italiano in Algeria". Erano fatti in russo, che pure giocava un ruolo importante, ero troppo giovane e forse cantare in italiano non mi avrebbe affascinato così tanto. Sono rimasto affascinato dalla teatralità di Rossini, dal suo umorismo, dalla sua straordinaria generosità melodica e dall'edonismo della vita. E a me, che vivevo nel clima rigido degli Urali e nelle condizioni non meno dure dell'URSS, non solo la sua musica, ma tutta la sua storia (ho letto "La vita di Rossini" di Stendhal) sembrava essere una specie di insolito e mondo festivo. In cui potevo entrare solo come modesto proprietario di dischi in vinile.

Ma è successo che all'inizio del mio lavoro di insegnante, tre tenori sono venuti da me con un piccolo intervallo di tempo, che sono diventati specialisti del repertorio rossiniano. È vero, non tutto è così semplice. Il diciottenne Maxim Mironov è stato subito considerato da me un tenore di Rossini per le specificità della sua voce insolitamente acuta e molto mobile. La prima aria che gli diedi fu Languir per una bella da L'italiana ad Algeri e poi O come mai non senti da Otello. E ora è uno dei migliori Lindor e Rodrigo.

Sergey Romanovsky... I primi mesi e anche un anno, probabilmente, ho studiato di più con lui Don Ottavio, Nemorino, Lensky. No, abbiamo iniziato a cantare Cenerentola abbastanza presto, e ricordo come Mironov l'ha sentita per la prima volta quando mi ha chiamato al telefono, come qualcun altro canta Rossini. Era Romanovsky! Ma un'entrata seria con Serezha in Rossini è avvenuta quando ho deciso di fare una performance semi-palcoscenica di Journey to Reims a Mosca. Devo dire che questa storia di 10 anni fa ha introdotto molte persone sia nella professione che nel mondo rossiniano. Ma soprattutto ha dato molto a Romanovsky, che era l'unico conte Liebenskoff. Questa è la parte più difficile, più virtuosa, e grazie ad essa ha attirato l'attenzione di specialisti, molti dei quali sono venuti appositamente a Mosca in quel momento per vedere la nostra esibizione praticamente studentesca. Poco dopo debuttò in questo ruolo in Italia, a Treviso ea Jesi, e ben presto si scoprì che in una serie di rappresentazioni alla Scala Liebenskoff era cantato a turno da Korczak e Romanovsky. Era un momento molto rischioso, era troppo presto per debuttare in un teatro così importante in così giovane età. Tuttavia, tutto è andato avanti. Mironov ha cantato il suo primo Rossini alla Fenice di Venezia (Mohammed II), questo è stato il suo primo contratto in Occidente dopo il concorso Neue Stimmen, dove ha preso il mi bemolle stratosferico superiore alla fine dell'aria di Lindor. A proposito, devo dire che all'inizio degli anni 2000 non c'erano così tanti alti tenori rossiniani come lo sono adesso. La concorrenza è notevolmente aumentata.

Dmitry Korchak, che consideravo più un tenore per Mozart, un francese opera lirica e repertorio russo (e fino ad oggi credo che questi siano i suoi più punti di forza), tuttavia, Rossini iniziò a cantare molto. Le sue eccezionali capacità musicali hanno attirato l'attenzione dei maggiori direttori (Muti, Chaya, Maazel, Zedda), così come Ernesto Palacio, un tenore rossiniano molto importante in passato, poi mentore di Juan Diego Flores, e ora la prima persona nel Il mondo rossiniano, capofila del festival, e ora l'Accademia di Pesaro, patria di Rossini. È stato lui, il Maestro Palacio, a riunire quest'anno i nostri tre tenori, di cui non posso che essere orgoglioso.

Ci sono tre tenori al ROF-2017 e tutti i tuoi studenti. Questi sono Korchak, Mironov, Romanovsky. Sono diversi, certo, ma cosa li unisce come tuoi studenti?

Sono talentuosi, molto intelligenti, ognuno a modo suo e molto laboriosi. Non sopporto le persone pigre. proprietari pigri belle voci- per me questi sono filistei dell'arte, una specie di rentier mentalmente panciuto delle loro capacità vocali. Questi tre non sono affatto così. Artisti molto responsabili, seri e premurosi. Questo è ciò che li unisce.

Dmitry Yurievich Vdovin(nato) - Figura dell'opera russa e insegnante di canto, artista onorato della Federazione Russa, professore all'Accademia di arte corale.

Direttore artistico del Programma dell'Opera giovanile del Teatro Bolshoi della Russia.

Biografia

Nato il 17 aprile 1962 a Sverdlovsk (ora Ekaterinburg). Si è laureato presso l'Istituto statale di arti teatrali (ora RATI) di Mosca, quindi ha studiato presso la scuola di specializzazione di questa università sotto la guida della professoressa Inna Solovieva come critico teatrale (opera), pubblicato sui principali giornali e riviste nazionali. Successivamente, ha subito una riqualificazione e si è diplomato all'Accademia di arte corale. V. S. Popova come cantante e insegnante di canto. Dal 1987 al 1992 - un dipendente responsabile del lavoro nel campo del teatro musicale dell'Unione dei lavoratori del teatro dell'URSS. Formatosi come insegnante di canto presso ECOV - il Centro europeo per l'opera e l'arte vocale in Belgio sotto la guida del capo del dipartimento vocale del Curtis Institute of Music di Filadelfia Michael Elaysen (1992-1993). Nel 1992, Dmitry Vdovin è diventato direttore artistico del Moscow Center for Music and Theatre, un'agenzia artistica che ha partecipato a progetti creativi congiunti con importanti teatri, festival e organizzazioni musicali internazionali. Dal 1996, D. Vdovin collabora con la grande cantante russa I. K. Arkhipova come insegnante e direttrice della sua Summer School, co-conduttrice dei suoi programmi televisivi e concertistici. Dal 1995 - insegnante, dal 2000 al 2005. - Capo del dipartimento vocale dell'Università medica statale. Gnesins, nel 1999-2001 - insegnante dell'Accademia delle scienze russa. Gnesinykh, dal 2001 - Professore associato, capo (fino al 2003) del Dipartimento di canto solista dell'Accademia di arte corale. V. S. Popova, dal 2008 - Professore dell'Accademia delle arti. D. Vdovin ha tenuto corsi di perfezionamento in molte città della Russia, nonché negli Stati Uniti, Messico, Italia, Lettonia, Francia, Polonia, Monaco, Svizzera. È stato insegnante ospite regolare presso lo Houston Grand Opera House Youth Program (HGO Studio). Dal 1999 al 2009 - direttore artistico e insegnante della Moscow International School of Vocal Art, che ha permesso ai più grandi insegnanti e specialisti d'opera provenienti da Russia, Stati Uniti, Italia, Germania, Gran Bretagna di venire a Mosca per lavorare con giovani cantanti

Membro della giuria di molti prestigiosi concorsi vocali - il Concorso Internazionale. Glinka, il 1° e il 2° Concorso Musicale Panrusso, il Concorso Internazionale Le voci verdiane di Busseto, il Concorso Vocale Internazionale. Viotti e Pavarotti a Vercelli, AsLiCo a Como (Italia), Concorsi Internazionali a Parigi e Bordeaux (Francia), Concorso dell'opera Italiana a Mosca e Linz, Concorso Internazionale a Montreal (Canada), concorso del canale televisivo "Culture" "Big Opera ”, il concorso Elena Obraztsova a San Pietroburgo, il concorso vocale a Izmir (Turchia), i Concorsi Internazionali. Moniuszko a Varsavia, "Die Meistersinger von Nürnberg" a Norimberga, Opera de Tenerife in Spagna.

Dal 2009 - uno dei fondatori e direttore artistico del Programma Opera giovanile del Teatro Bolshoi della Russia. Dal 2015 è insegnante ospite presso l'International Opera Studio dell'Opera di Zurigo. Corsi di perfezionamento al Metropolitan Opera, New York (Lindemann Young Artist Development Program).

Consulente musicale per il film di Pavel Lungin "La dama di picche" (2016).

Inoltre, D. Yu Vdovin è stato vicedirettore dei team creativi della compagnia d'opera del Teatro Bolshoi (2013-2014)