N. Davydov - Fondamenti teorici dell'abilità bayanista

Khabibullina Inna Yurievna

MBOUDOD "Scuola di musica per bambini n. 13", Kazan

Sviluppo delle competenze tecniche iniziali nella classe di fisarmonica a bottoni

Ogni opera d'arte è l'incarnazione di un'idea creativa, ricca immaginazione dell'artista. Nel processo di realizzazione della sua idea, l'autore mobilita tutta la volontà creativa, tutta l'abilità, e più alto è il talento e l'abilità dell'artista, più impressionante e significativo appare il risultato finale. Non fa eccezione e musicale arti dello spettacolo. Ma a differenza, diciamo, di un pittore, che fissa la sua idea sulla tela e non ha bisogno di un intermediario tra sé e lo spettatore, un musicista interprete interpreta l'idea del compositore. Parlando di questo, intendiamo prima di tutto la tecnica dell'artista, con l'aiuto della quale incarna la sua rappresentazione sonora di un'opera musicale, la sua visione (udito) di un'immagine artistica.

Nel processo di apprendimento della fisarmonica, l'insegnante di una scuola di musica, insieme a compiti educativi e musicali e artistici generali, affronta il compito di sviluppare le capacità tecniche degli studenti.

Nel senso ampio del termine, la tecnica è il lato materiale delle arti dello spettacolo, il mezzo di trasmissione più importante contenuto artistico lavori.

Nel senso stretto del termine, la tecnica può essere definita come la massima precisione e velocità dei movimenti delle dita.

L'intera tecnica di un fisarmonicista o fisarmonicista può essere suddivisa in piccola (dito) e grande, così come la tecnica di suonare con la pelliccia e la tecnica di produzione del suono, cioè, in sostanza, tutto ciò che fa uno studente, a partire dal toccare un chiave, è una tecnica. La tecnica raffinata include varie scale e passaggi arpeggiati, melismi, prove con le dita, doppie note. Grande - tremolo delle dita, ottave, accordi, salti, tecnica del pennello.

Lo sviluppo della tecnica dipende in gran parte dalle capacità naturali dello studente. Ma anche gli studenti con dati di performance nella media possono raggiungere un'elevata padronanza tecnica a condizione che lavorino correttamente e sistematicamente su vari tipi di materiale didattico: scale, arpeggi e accordi, esercizi e studi.

Scale, arpeggi, accordi sono le principali formule tecniche. Il lavoro sistematico e coerente su questo materiale è una condizione necessaria per lo sviluppo delle abilità e abilità di gioco di base. Lavoro di successo su scale, arpeggi e accordi aiuta a superare molte difficoltà tecniche:

1) ti permette di scegliere meglio la diteggiatura razionale;

2) crea una scorrevolezza delle dita fine e libera;

3) promuove la coordinazione dei movimenti di entrambe le mani;

4) la levigatezza della pelliccia e il cambio di direzione del suo movimento;

5) aiuta a eseguire più accuratamente vari tratti e sfumature con una varietà di tecniche di estrazione del suono.

Inoltre, suonare scale, arpeggi e accordi contribuisce al consolidamento delle conoscenze teoriche nella pratica, sviluppa un senso di armonia e ritmo negli studenti.

Lo sviluppo della tecnologia ha successo solo se gli studenti risolvono un certo compito musicale con ogni riproduzione di una scala o arpeggio, controllano la natura del suono con le loro orecchie, osservano sfumature dinamiche, tratti e ritmo.

Devi suonare scale, arpeggi e accordi in una certa dimensione, mantenendo la durata.

Lo studio della scala è preceduto da esercizi con l'esecuzione di tutti i suoni di seguito (come una scala cromatica), con cambio di pelo: ogni 3 suoni, 6 suoni e poi suonando solo sui tasti bianchi.

Per la corretta impostazione delle dita della mano sinistra è utile suonare la scala in “pezzi” di 2, 3 suoni.

Le bilance di solito iniziano a essere studiate quando l'impostazione della mano, della mano e delle dita è fissa. Inizia a suonare a un tempo lento con un numero pari di durate per ogni movimento del mantice.

Per insegnare a tuo figlio a suonare ritmicamente, puoi usare un metronomo.

Arpeggio - accordi sparsi. Si consiglia inoltre di iniziare l'apprendimento con gli esercizi. Cerca di non guardare la tastiera per sviluppare un orientamento tattile.

La categoria fisica della complessità è suonata dagli accordi. Gli accordi vengono suonati con i movimenti delle mani. Le dita devono essere preparate a prendere un accordo in anticipo, come se fossero in aria. Il lavoro deve essere avviato con attenzione ritmo moderato con esercizio.

L'esecuzione di accordi più comoda in ritmo veloce- questa è un'esibizione con un pennello con una piccola partecipazione dell'intera mano. Quando suoni gli accordi, non dovresti alzare le dita in alto sopra la tastiera, dovrebbero essere nello stato raccolto. Nel processo di esecuzione di una progressione di accordi, devi:

1) rimuovere contemporaneamente le dita dall'accordo precedente, senza lasciare sfumature casuali;

2) preparare la posizione delle dita per la successiva presa dell'accordo;

3) effettuare un opportuno movimento della spazzola;

4) premendo contemporaneamente le dita sui tasti, eseguire un nuovo accordo.

METODI DI ESECUZIONE DI SHAMMA E ARPEGIO.

1 ° CLASSE

Scale: colpi - legato, non legato, staccato.

Durata:

2a classe

La scala può essere suonata con colpi diversi, in varie combinazioni metro-ritmiche. Arpeggio lungo.

2 OPZIONI:

1) trasferimento a mano;

2) posizionando il 1° dito, trasferendo il pennello.

I suoni di riferimento dovrebbero essere evidenziati nell'arpeggio con un accento più forte e un movimento attivo delle dita. Gli arpeggi possono essere usati con tratti diversi e pattern ritmici diversi.

L'esecuzione degli arpeggi con entrambe le mani è impraticabile, poiché i suoni bassi della tastiera sinistra sono limitati ad un'ottava e, quindi, il movimento delle dita della mano sinistra lungo i tre tasti senza muoversi non porta allo sviluppo di alcuna abilità utile, ma rende solo difficile muovere la mano destra.

Nel lavoro sullo sviluppo della tecnica dell'allievo, un ruolo importante è svolto dagli esercizi utilizzati per sviluppare varie abilità: interazione, indipendenza, fluidità delle dita, movimento rapido della mano attraverso il movimento del polso, ecc.

Neuhaus, considerando gli esercizi "come una sorta di prodotto semilavorato", ha scritto che tutti gli esercizi in generale sono necessari per sviluppare il contatto tra dita e tasti.

Quando si lavora sugli esercizi, è molto importante che lo studente comprenda chiaramente lo scopo degli esercizi e i benefici che possono portare, in modo che possa concentrarsi il più possibile sull'esecuzione del compito richiesto e monitorare la qualità del gioco . V. Safonov ha scritto: “Anche negli esercizi più aridi, osserva costantemente la bellezza del suono. L'esercizio è importante per giocare con la pressione e anche con una certa passione sportiva. E viceversa, suonare in modo disattento senza un adeguato controllo sulla qualità dell'esecuzione e senza obiettivi sonori specifici disorganizza lo studente, influenzando negativamente l'esecuzione dei brani che vengono appresi ". (10, p. 52). Gli esercizi appresi dovrebbero essere usati come materiale formativo, fissandolo nella memoria e nelle sensazioni fisiche, e allo stesso tempo iniziando nuovi esercizi.

Il lavoro sugli esercizi inizia già nei primi mesi di apprendimento dello strumento, quando la posizione della mano, del braccio e delle dita è fissa. Per i principianti, è molto utile esercitarsi in varie sequenze all'interno della posizione della mano (dopo che il bambino ha padroneggiato il colpo legato). Dovresti iniziare con gli esercizi più semplici - collegando 2 - 3 suoni adiacenti per raggiungere gradualmente l'esecuzione di 5 suoni.

Non premiamo i tasti a fondo. Gli esercizi a cinque dita dovrebbero essere usati non solo all'inizio dell'allenamento, ma anche nelle scuole medie e superiori. Allo stesso tempo, è necessario variare continuamente gli esercizi e ottenere una migliore qualità dell'esecuzione, maggiore uniformità, chiarezza e un aumento del tempo. Ad esempio, possiamo citare gli esercizi della raccolta di S. Ganon "Pianist - virtuoso". Gli esercizi sono strutturati in modo tale che la mano "lavori" in una direzione e "riposi" nell'altra (condizionatamente).

Quando si eseguono gli esercizi, la pelliccia dovrebbe essere tesa, la respirazione viene presa su ogni figura, la pulsazione è chiara, la mano è libera, lavoriamo con la tastiera (cioè le dita non si alzano in alto sopra la tastiera). Non premiamo i tasti a fondo.

L'indipendenza delle dita è ben raggiunta quando si eseguono esercizi con terze, seste, esercizi a due voci. Dovrebbero essere appresi a un ritmo lento, con le dita alzate in alto, già nel primo anno di studio.

Prova - estrazione rapida e ripetuta dello stesso suono con dita alternate. La prova viene solitamente eseguita con due dita forti. È inoltre necessario suonare con altre dita, il che aiuta a ottenere chiarezza nel suono e prestazioni più libere. Le prove vengono eseguite con l'ausilio di leggeri movimenti del polso sulla prima nota.

Il tremolo è disponibile in 2 tipi:

1) tremolo sulla tastiera;

2) pelliccia tremolo.

Tremolo sulla tastiera - alternanza veloce e ripetuta di due suoni non adiacenti o di due consonanze (intervalli, accordi o un solo suono e consonanza):

Fur tremolo - ripetizione veloce dello stesso suono o consonanza cambiando il movimento del lato sinistro dello strumento. In questo caso, le dita che premono i tasti non vengono rimosse dalla tastiera. Quando si suona il tremolo con il mantice, ci sono 3 punti di appoggio: il pollice sulla barra, la cinghia sulla tastiera sinistra e l'avambraccio.

Insieme alla mano destra, è necessario allenare anche la mano sinistra. E in questo lavoro, prima di tutto, è necessario risolvere il problema dello sviluppo uniforme di tutte e quattro le dita che suonano (tranne il pollice).

Dita ben sviluppate della mano sinistra scale minori Perché quando si suona, sono coinvolte la 4a e la 5a dita.

Un buon mezzo per superare le difficoltà tecniche in un lavoro sono esercizi costruiti sugli elementi di punti tecnicamente difficili nel lavoro che si sta imparando. Tali esercizi possono essere selezionati o composti dagli studenti stessi e consistono nel giro più complesso, in qualsiasi passaggio, o includere 2-3 elementi che si susseguono nel lavoro.

Gli studi svolgono un ruolo importante nello sviluppo della tecnologia. Il significato di questo genere risiede nel fatto che gli studi consentono di concentrarsi sulla risoluzione delle tipiche difficoltà di esecuzione e che combinano compiti particolarmente tecnici con compiti musicali.

Pertanto, l'uso degli studi crea i prerequisiti per un fruttuoso lavoro sulla tecnica. L'inclusione di questo o quello studio nel curriculum può essere dovuta a due compiti:

1) lo sviluppo e lo sviluppo di un certo tipo di tecnologia;

2) preparare gli studenti a superare le difficoltà tecniche in un'opera d'arte.

Nel primo caso si persegue l'obiettivo dello sviluppo a tutto tondo dello studente. Il suo programma include costantemente studi per vari tipi di tecnica, e ogni studio dovrebbe essere leggermente superiore alle capacità dello studente, assicurando così la sua costante crescita tecnica. Nel secondo caso, è necessario prendere studi contenenti il ​​\u200b\u200btipo di tecnica e quegli elementi di movimento che si trovano nell'opera, oltre che di natura simile alla musica. La difficoltà degli studi non dovrebbe superare il livello di sviluppo dello studente.

Il lavoro sugli schizzi deve essere eseguito in una determinata sequenza:

1) Studiare la costruzione dello studio e determinare il compito tecnico per avere un'idea chiara della portata e della natura del lavoro da svolgere. Analizza il testo in dettaglio, imposta la diteggiatura;

2) Inizia a imparare lo studio, elabora i punti più difficili in parti. Questo lavoro dovrebbe iniziare con esercizi contenenti gli elementi caratteristici dei luoghi difficili.

3) Negli studi scritti per lo sviluppo della mano destra, prestare attenzione all'esecuzione dell'accompagnamento con la mano sinistra e viceversa;

4) Contemporaneamente all'assimilazione del testo dello studio, monitorare l'implementazione di fraseggi, accenti, dinamiche, determinare i confini del movimento della pelliccia;

5) Devi suonare uno studio a tempi diversi, senza abituarti a nessuno. Inizia a un ritmo lento, tornando costantemente ad esso nel processo di lavoro;

6) L'apprendimento del testo a memoria dovrebbe avvenire nel corso della padronanza delle sue caratteristiche tecniche e artistiche.

Nella mia relazione, vorrei sottolineare ancora una volta che il lavoro sulla tecnica dovrebbe essere svolto con lo studente in modo sistematico e mirato. Tenendo conto delle caratteristiche individuali degli studenti e del grado della loro preparazione, il docente può redigere per ciascuno di essi uno specifico programma di lavoro sulla tecnologia.

I teorici delle arti dello spettacolo musicale sono unanimi nel senso che è impossibile eseguire all'infinito vari esercizi tecnici e impegnarsi astrattamente nella tecnica manuale in isolamento da specifici compiti artistici ed esecutivi. Abbastanza comune è malinteso sulla tecnica come tutto - solo sulla velocità delle dita, mentre tutto ciò che fa un musicista che si esibisce è tecnica: tecnica di produzione del suono, tecnica del mantice, tecnica piccola, grande, ecc. per migliorare la tecnica, una chiara presentazione del risultato sonoro aiuta in misura maggiore: "Assicurati che l'immagine sonora mentale diventi distinta, le dita devono e lo obbediranno", ha scritto il famoso pianista I. Hoffman. È necessario un lavoro scrupoloso quotidiano in luoghi tecnicamente difficili. Se ci sono elementi familiari di tecnica - prove, gamma - e passaggi simili all'arpeggio, allora, di regola, non richiedono costi di tempo speciali. Ma molto spesso ci sono anche figurazioni insolite che richiedono sforzi speciali e aggiuntivi per il loro sviluppo. Qui è importante trovare il proprio metodo, il modo più breve per ottenere il risultato desiderato. Sfortunatamente, gli insegnanti non sempre aiutano gli studenti a trovare il metodo necessario. Di conseguenza, un altro studente passa ore a lavorare su un passaggio, inseguendolo all'impazzata a un ritmo veloce, ma non c'è ancora qualità. In luoghi tecnicamente difficili, è sempre importante rendersi conto: cosa esattamente non funziona? In questi casi, ad esempio, il famoso pianista A. Korto consigliava: "Invece di ripetere il testo molte volte, identifica gli elementi difficili e crea esercizi basati su di essi".

Quando si lavora in luoghi tecnicamente difficili, dovrebbe essere assegnato un ruolo speciale al gioco lento. Tali esercizi sono utili per sviluppare movimenti automatici delle dita. Tuttavia, è improbabile che battere meccanicamente ogni nota di un passaggio a un tempo lento porti benefici tangibili. La parte ritmica, il fraseggio, le sfumature devono necessariamente corrispondere al brano che si sta eseguendo, sia a ritmo veloce che lento. Allo stesso tempo, non si può pensare al rallentatore in note separate: ogni tono deve essere correlato con il suono precedente e successivo. La funzione principale è svolta dalle dita attive, non da un pennello.

Per una fissazione più solida di una figurazione difficile, è utile giocare con le sue varie figure, comprese quelle tratteggiate. Con un gioco del genere, ogni dito viene fissato a sua volta sulla chiave desiderata.

Nel repertorio dei suonatori di bayan e fisarmonica ci saranno sempre opere in cui lo stesso tipo di tecnica viene utilizzato per lungo tempo. Anche se si è abbastanza versati nella tecnica necessaria, a volte è fisicamente difficile sostenere un brano fino alla fine. Qui, oltre alla resistenza, è richiesta la capacità di alleviare lo stress durante le prestazioni. Questo insegnamento per rilassarsi, devi imparare. Ogni artista nel lavoro dovrebbe avere tali punti in cui è necessario rilassarsi all'istante per un breve momento. Questi possono essere la fine e l'inizio di una frase o di un motivo, un cambiamento nella pelliccia, un cambiamento nella dinamica: in tutti questi casi, puoi scuotere leggermente la mano o l'avambraccio. Aiuta anche un leggero cambiamento nella posizione delle mani, del corpo, ecc.

Uno dei tipi più comuni di attrezzatura per fisarmonicisti e fisarmonicisti è la piccola attrezzatura. La maggior parte degli artisti usa un tratto staccato. Ma questo tratto non sempre rispecchia pienamente la sfera figurativa dell'opera. Il colpo staccato è molto efficace nella tecnica fine. Viene eseguito con un colpo di dito fulmineo senza movimenti inutili. Se è richiesto un tratto netto, netto ed elastico, le dita dovrebbero essere leggermente piegate, arrotondate, in questo caso funzioneranno come "martelli". Quando raggiungiamo la leggerezza di un tratto staccato con una tecnica raffinata, può esserci una tendenza a suonare in modo superficiale. Questo dovrebbe essere evitato.

Qualsiasi tipo di tecnica è attraente proprio quando è usata magistralmente. "Gioca veloce" e "gioca magistralmente" non sono la stessa cosa. La loro principale differenza è che un gioco virtuoso è uno sforzo mirato di ciascuno, anche il più piccolo frammento tecnico, al suo punto logico.

In base all'intenzione del compositore, l'esecutore ne utilizzerà vari risorse tecniche. Per uno studente riflessivo e curioso, è utile prima analizzare mentalmente, e poi in pratica, confrontare quanto segue: caratteristiche della dinamica nei brani per clavicembalo di Couperin, Rameau, Scarlatti e preludi e fughe per organo di Bach. Registrazione in organo, brani per clavicembalo e arrangiamenti di canti popolari. Nelle opere stili diversi anche la natura del tocco sarà diversa. E l'esecutore dovrebbe affinare la sua tecnica non in isolamento da contenuto musicale, ma avendo questo contenuto davanti a sé come obiettivo specifico. "Per me ce n'è solo una, l'unica vera tecnica: quella che è completamente messa al servizio della musica", ha detto P. Casals, uno dei musicisti progressisti del nostro tempo. È importante per un musicista comprendere correttamente il ruolo della tecnologia nella creazione di un'immagine artistica. La tecnologia non dovrebbe mai essere fine a se stessa. La tecnica è un mezzo per creare un'immagine musicale e artistica. Quindi, in definitiva, la cosa principale non è la destrezza delle dita, ma un trasferimento convincente dell'intenzione del compositore. Ma è proprio per questo che è necessario possedere una scorta sufficiente di mezzi tecnici. E più ricco e diversificato è questo stock, più reale è la possibilità del trasferimento più completo e convincente del contenuto musicale. Sulla base di quanto precede, possiamo concludere che il ruolo e l'importanza della tecnica dell'esecutore difficilmente possono essere sopravvalutati. Se un musicista è ben consapevole del compito principale della sua arte performativa (creare un'immagine artistica di un'opera particolare), allora dovrebbe anche capire quale opera titanica è necessaria per ottenere l'immagine sonora desiderata. In questo caso non si tratta delle difficoltà dell'attuazione diretta, ma dell'enorme lavoro tecnico mirato che precede il risultato finale: parlare in pubblico.

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12.Casals P. "Il lavoro del pianista sulla tecnica". L. - 1968

Formazione tecnica di un suonatore di fisarmonica in una scuola di musica
Dudina Alevtina Vladimirovna, insegnante istruzione aggiuntiva
Articolo classificato sotto: Tecnologia didattica
La tecnologia, nel senso più ampio del termine, è il lato materiale
arti dello spettacolo, un importante mezzo di trasmissione artistica
il contenuto dell'opera. In senso stretto, la tecnologia è il massimo
precisione e velocità dei movimenti delle dita. Abilità motorie
(interazione di tutte le parti delle mani, coordinazione dei movimenti), la capacità di muoversi liberamente
utilizzare il suono e le capacità tecniche della fisarmonica a bottoni vengono acquistati e
sono elaborati sul materiale di esercizi, scale, arpeggi, studi.
Indubbiamente, lo sviluppo della tecnologia dipende in gran parte dal naturale
dati dello studente. Ma anche bambini con dati medi forniti correttamente
il lavoro organizzato e la determinazione possono raggiungere livelli elevati
risultati.
Il lavoro con gli studenti inizia con punti importanti per qualsiasi musicista:
adattamento corretto, posizione della mano, posizione dello strumento. A differenza di
violinisti, cantanti che passano molti anni a posizionare le mani,
apparato vocale, i fisarmonicisti si occupano molto poco di questo problema. Ma
impostazione corretta macchina da gioco nella fase iniziale dell'istruzione
è molto importante, perché da questo dipende la capacità di esprimersi nella performance
intenzione artistica.
La messa in scena di un fisarmonicista è composta da tre componenti: posti a sedere, messa in scena
strumento, posizione della mano. Quando si lavora sull'atterraggio dovrebbe tener conto e
la natura del lavoro svolto e le caratteristiche psicologiche, nonché
anche dati anatomici e fisiologici di un musicista, soprattutto di uno studente (altezza,
lunghezza e struttura di braccia, gambe, corpo).
La vestibilità corretta è tale che il corpo sia stabile, non limiti i movimenti
mani, determina la compostezza del musicista, crea un'emozione
Umore. La vestibilità corretta è quella che è comoda e crea
massima libertà di azione dell'esecutore, stabilità dello strumento.
Devi sederti su mezza sedia con sedile duro o semiduro,
che è approssimativamente all'altezza delle sue ginocchia. Ai bambini piccoli
metti un supporto speciale sotto i loro piedi o mettili su una sedia con

gambe accorciate. Il fisarmonicista ha tre punti di riferimento: l'appoggio su una sedia e l'appoggio
piedi sul pavimento. Le gambe dovrebbero essere divaricate per facilitare il supporto. Tuttavia
dovrebbe essere preso in considerazione un altro punto di appoggio: nella parte bassa della schiena. Questo è ciò che dà
facilità e libertà di movimento del tronco e delle braccia.
Lo strumento sta fermo, parallelo al corpo del fisarmonicista, la pelliccia è a sinistra
anca. Il corpo dell'esecutore dovrebbe essere leggermente inclinato in avanti, verso
strumento allo scopo di un contatto costante del corpo con la fisarmonica a bottoni. "Parte inferiore
della metà del corpo destro è sulla coscia destra ”, come molti dicono
scuole. Ma, come osserva F. Lips, questo non è vero, perché in pratica nella coscia
il collo riposa. È in questa posizione che la fisarmonica a bottoni acquista stabilità.
quando si gioca sulla compressione. Gli spallacci devono essere regolati in modo che tra
esecutore e strumento era la distanza per respirare liberamente. IN
in alcuni casi viene utilizzata una cinghia che collega gli spallacci
Indietro. Questo dà stabilità alle cinture, non cadono più dalle spalle. Lavoratore
anche la cinghia della mano sinistra è regolata per adattarsi, in modo che la mano possa liberamente
spostati lungo la tastiera. Certo, un'impostazione razionale
lo strumento non è tutto, ma il fisarmonicista e lo strumento devono essere una cosa sola
organismo artistico.
Durante l'intero periodo di studio dovrebbe essere dato a quanto segue
fattori psicologici: attenzione, immaginazione, coscienza, emozioni,
svilupparli. È necessario insegnare al bambino a identificarsi in modo indipendente
difficoltà, fissare obiettivi.
Padroneggiare lo strumento e migliorare le capacità di esecuzione è impossibile
senza studiare ed eseguire esercizi, scale, arpeggi. Lavorare su
esercizi, scale, studi è un processo artistico.
Il successo qui dipende dalla scelta. metodo giusto lavoro. Gioco Gamma,
esercizi, arpeggi sono inutili senza connessione a un suono specifico
compiti. Il successo dello sviluppo tecnologico si verifica solo se
se ad ogni gioco, gli studenti risolvono un certo
compito musicale, la natura del suono è controllata dall'udito, il
sfumature dinamiche, ritmo, pennellate. In gamma deve essere
essere presenti opzioni tratteggiate, ritmiche e dinamiche per
attrarre più interesse da parte degli studenti. Nel processo di ripetizione
alcune formule tecniche sono sviluppate necessarie per
automatismo, precisione, sicurezza nell'esecuzione dei movimenti.
Il compito principale di un musicista è lavorare su un brano musicale,
rivelando la sua visione artistica. Ma per questo avere il necessario
abilità tecniche. Un suonatore di fisarmonica dovrebbe, mentre sviluppa la tecnica, ricorrere a
esercizi speciali?

La pedagogia musicale moderna considera gli esercizi importanti
E rimedio efficace per lo sviluppo tecnico dello studente. Maggioranza
gli esercizi si basano su ripetizioni multiple di un passaggio. Da
anche le scale e gli arpeggi sono costituiti da elementi così semplici.
Sulla necessità di esercizio, va detto che qualsiasi attività
una persona è associata all'esercizio, sia esso un atleta, uno scienziato, ecc. IN
nel processo di studio di scale ed esercizi, il musicista padroneggia il ritmo,
sfumature dinamiche, tratti diversi. Quando si impara
esercizi, scale, arpeggi, è necessario impostare una varietà di
compiti: per il controllo della pelliccia, tratti, sfumature dinamiche, ritmo, tempo. Questo
aiuterà a giocare in modo significativo, creativo, evitando meccanici e sconsiderati
gioco. Allo studente dovrebbe essere insegnato a suonare consapevolmente, comprendendo il set
obiettivo, ascolta il tuo gioco, valuta le tue azioni.
Esercizi costruiti sugli elementi di luoghi tecnicamente difficili
del lavoro che si sta imparando, sono un buon mezzo per superare
difficoltà tecniche nel lavoro. Gli esercizi possono includere
il giro d'affari più complesso, il passaggio, due o tre elementi successivi
funziona uno dopo l'altro.
I compiti dovrebbero iniziare con esercizi e scale. Iniziando con
pezzi, per "risparmiare" qualche minuto, lo studente perde ore, perché i muscoli
non "riscaldate", le dita sono inattive e per ottenere il desiderato
risultato richiede molto tempo.
Per padroneggiare luoghi difficili, allo studente deve essere dato uno speciale
esercizi relativi a compiti di esecuzione musicale,
derivanti dall'apprendimento del lavoro. In questo caso, l'esercizio
c'è un obiettivo specifico associato alla musica, mirato non solo a
lato fisico del movimento.
L'insegnante seleziona gli esercizi per ogni studente in base a
difficoltà tecniche. Questi esercizi formano un complesso insieme a
un esercizio indispensabile per tutti. Tale lavoro su esercizi,
scale, l'arpeggio organizza i movimenti dell'esecuzione, permettendo allo studente di farlo
raggiungere la libertà, la fiducia nella padronanza delle abilità tecniche,
richiesto dall'esecutore. Quando si lavora in luoghi difficili, un ruolo speciale
dovrebbe essere dato a suonare a un ritmo lento, il che è utile per
sviluppo di movimenti automatici delle dita. Ritmo, sfumatura,
il fraseggio dovrebbe corrispondere a ciò che viene eseguito al tempo.

Un altro punto importante nello sviluppo tecnico dello strumentista è
studio sistematico degli studi. Inclusione di qualsiasi studio nello studio
il programma è determinato dai seguenti compiti: lo sviluppo di un certo
tipo di tecnologia, preparando lo studente a superare le difficoltà tecniche
in un'opera d'arte. Nel primo caso, gli studi sono studiati per
consolidare le competenze acquisite negli esercizi, svilupparsi tecnicamente
alunno. Ogni studio dovrebbe essere leggermente al di sopra delle possibilità
studente, assicurando la sua costante crescita tecnica. Nel secondo caso
Gli studi sono pezzi che combinano compiti tecnici con l'esecuzione
difficoltà, sfide espressività musicale. Pertanto sono scelti
tali schizzi che contengono quel tipo di tecnica, quegli elementi di movimenti,
che si incontreranno nel lavoro, vicino alla natura della musica. Alunno
dovrebbe sapere che la fluidità nell'esecuzione di uno studio non è un fine, ma un mezzo per farlo
ottenere prestazioni espressive. Dopotutto, uno studio non è solo educativo
musica. Qualsiasi studio, per quanto piccolo e semplice nel testo, deve
contenere senso artistico. Anche le difficoltà tecniche sono necessarie
nell'attenzione. Pertanto, insieme all'analisi del testo musicale, è necessario identificare
caratteristiche della fattura, difficoltà tecniche, determinano le modalità della loro
superamento.
Ai principianti dovrebbero essere forniti schizzi per un tipo di tecnica, ma no
dovrebbe essere caricato con schizzi per un solo tipo di tecnica.
È preferibile alternare schizzi per diversi tipi di attrezzatura, che
contribuisce allo sviluppo di successo dello studente.
L'insegnante di fisarmonica dovrebbe prestare attenzione agli studi di N. Chaikin,
A. Kholminov, K. Myaskov, V. Galkin, A. Sudarikov, A. Onegin e altri.
compositori, poiché questi studi sono stati scritti tenendo conto delle possibilità tecniche
il nostro strumento e hanno le qualità di un musical artistico
lavori. Spesso nella pedagogia della fisarmonica ricorrono al violino e
studi per pianoforte (i loro arrangiamenti per fisarmonica a bottoni). Tuttavia, non sempre lo sono
l'idea contribuisce allo sviluppo delle competenze necessarie, perché sono chiamate
sviluppare la tecnica, soprattutto tra violinisti e pianisti. Pertanto, l'insegnante
deve comprendere chiaramente il compito che assegnerà allo studente,
quando si sceglie uno studio.
Il materiale Etude è selezionato per il semestre accademico secondo rigorosamente
piano ben congegnato, progettato per i singoli tecnici
sviluppo di ogni studente. È necessario dare la preferenza a quegli studi,
che saranno utili allo studente e relativi a opere musicali,
prevista per sei mesi.

Lavoro quotidiano sugli studi - questo non è fine a se stesso, ma un mezzo per padroneggiare
varie abilità esecutive di suonare la fisarmonica a bottoni, l'uso di questi
competenze in brani per la più completa divulgazione del musical
immagine artistica.
Il ruolo dello sviluppo tecnico del fisarmonicista difficilmente può essere sopravvalutato. Alunno-
il musicista deve essere consapevole del compito della sua attività. Prima di tutto questo
creazione di un'immagine artistica di un'opera musicale mediante
il suo strumento - bayan.
Letteratura:
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Lips F. R. L'arte di suonare la fisarmonica a bottoni. - M.: Musica, 2004.
Sudarikov A. F. 16 lezioni di bayan (fisarmonicista). - M. : Compositore, 2003.
Sudarikov A.F. Scuola di scioltezza. - M.: Compositore, 2001.

Alla fine del XX secolo, la scuola bayan sovietica aveva ottenuto un grande successo. Al giorno d'oggi, le esibizioni di bayan e fisarmonica sono diventate una parte importante della cultura musicale. Ciò è confermato dai successi dei migliori fisarmonicisti e fisarmonicisti sulle scene musicali più prestigiose del mondo, l'emergere di un repertorio significativo e serio, un significativo miglioramento nella progettazione della strumentazione stessa e lo sviluppo attivo di studi scientifici e metodologici Pensiero.

In questo lavoro si è reso necessario tracciare la storia della formazione e dei miglioramenti della fisarmonica a bottoni, come strumento musicale e studiare il cambiamento nel possibile repertorio dei fisarmonicisti durante il perfezionamento dello strumento a fisarmonica al fine di comprendere i principi della trasposizione di un'opera per fisarmonica in un'orchestra di strumenti popolari russi.

Gli anni '70 del XIX secolo furono segnati dalla comparsa in Russia della prima armonica cromatica a due file, creata da N.I. Beloborodov. Questa invenzione è stata una pietra miliare sulla strada per l'emergere di uno strumento musicale qualitativamente nuovo: il bayan. Alla fine del XIX - inizio del XX secolo. I maestri russi di Tula, San Pietroburgo e Mosca stanno sviluppando schemi più avanzati per l'armonica cromatica a tre e quattro file. Tali strumenti successivamente vennero chiamati fisarmoniche a bottoni del sistema Hegström.

Il momento fondamentale nella nascita del disegno fondamentale della fisarmonica a bottoni fu l'iniziativa di Paolo Soprani, che brevettò nel 1897 un disegno che divenne cardine, momento fondamentale nella creazione dello strumento che chiamiamo fisarmonica a bottoni. Nel 1907, il maestro di San Pietroburgo P.E. Sterligov ha realizzato uno strumento da concerto migliorato con una tastiera destra a quattro file. E nel 1929, finalmente progetta una tastiera sinistra con il passaggio di accordi già pronti a una scala elettiva.

Così, in appena un quarto di secolo del suo sviluppo, la fisarmonica a bottoni è passata da un'armonica domestica con layout di tastiera imperfetti e un accompagnamento già pronto limitato a uno strumento da concerto pronto per la selezione che ha ricevuto soluzioni progettuali molto promettenti.

Se inizialmente la fisarmonica a bottoni veniva realizzata a mano, esclusivamente al richiamo dell'anima, poi all'inizio del XX secolo, soprattutto dopo la rivoluzione, la fisarmonica a bottoni iniziò ad essere prodotta in serie in apposite fabbriche.

Nel 1960, il principale progettista della Fabbrica sperimentale di strumenti musicali di Mosca, V. Kolchin, creò la fisarmonica a bottoni "Russia". Nel 1962, Yu Volkovich sviluppò il primo strumento timbrico del paese con una tavola armonica rotta di produzione seriale "Solista". Nel 1970 realizzò anche una fisarmonica a bottoni a quattro voci pronta per la selezione del marchio Jupiter. Nel 1971, il designer A. Sizov ha creato uno strumento da concerto con 7 registri su una tastiera sinistra pronta per la selezione.

Oltre allo sviluppo e al miglioramento delle fisarmoniche a bottoni multitimbriche da concerto, l'assortimento si sta espandendo e vengono creati nuovi design di strumenti seriali. Nel 1965, una fisarmonica a bottoni a due voci pronta per la selezione "Rubin" apparve alla Kirov Factory of Musical Instruments, progettata da N. Samodelkin. Nel 1974, gli specialisti di Tula hanno creato la fisarmonica a bottoni "Lefty". Nel 1982, il designer V. Proskurdin, insieme al maestro L. Kozlov, ha creato uno strumento a cinque parti "Rus" e una fisarmonica a bottoni a quattro parti "Mir".

Bayan è diventato molto diffuso. Le armoniche stavano gradualmente diventando un ricordo del passato e la fisarmonica a bottoni poteva essere vista ovunque: ai matrimoni, ai balli e sedi di concerti, nei club e in altre festività. Dotata di grandi capacità armoniche e timbriche, la fisarmonica a bottoni divenne uno strumento di accompagnamento indispensabile, al pari di un pianoforte. Relativamente leggero e facile da trasportare, era come una piccola orchestra, che combinava le capacità di diversi strumenti.

I vantaggi della fisarmonica a bottoni sono stati riconosciuti anche dai musicisti professionisti. Cominciarono a scrivere opere per lui, trascrivere i classici, fare arrangiamenti complessi (I. Panitsky, V. Zarnov, F. Klimentov, V. Rozhkova, F.A. Rubtsov). Nei negozi sono apparsi spartiti di composizioni speciali per fisarmonicisti, sia principianti che esperti. Le classi per i suonatori di bayan furono aperte nelle scuole e nei college di musica, ma tra la gente venivano chiamati fisarmonicisti alla vecchia maniera.

Durante la guerra, la fisarmonica a bottoni si rivelò uno strumento indispensabile al fronte e alle retrovie. Gli artisti che sono venuti dai soldati sulla linea di fuoco si sono esibiti con il suo accompagnamento, ai feriti - agli ospedali, agli operai - alle fabbriche e alle fabbriche. C'erano anche i loro fisarmonicisti distaccamenti partigiani. Dopo la guerra, insieme alle fisarmoniche a bottoni di fabbricazione tedesca catturate, iniziarono a essere portate dall'estero fisarmoniche, che avevano bottoni sui bassi e comodi tasti per la melodia, come un pianoforte. Una delle prime fisarmoniche di produzione nazionale si chiamava "Red Partizan", in seguito apparvero altri marchi.

Con una svolta nell'organologia e nella tecnologia della fisarmonica a bottoni, avvenuta con un cambiamento nelle file delle tastiere e dei principi di diteggiatura, e con una ristrutturazione timbrica-tessile nella sfera sonora della fisarmonica a bottoni, i problemi di esecuzione della polifonia, lavoro non tradizionale sull'educazione uditiva dei giovani musicisti, l'apprendimento basato sui problemi, l'analisi della composizione strumentale e l'organizzazione strutturale dell'orchestra di fisarmoniche e molti altri.

L'espressività timbrica della fisarmonica a bottoni ha acquisito una funzionalità molto significativa e fondamentalmente nuova. La proprietà più importante dell'orchestrazione è stata stabilita nel suo suono. Il lato timbrico della musica per fisarmonica è diventato una parte organica della composizione e dell'esecuzione.

Il crescente interesse per i generi polifonici, l'appello alla polifonia dei secoli XVII-XVIII testimonia la divulgazione della fisarmonica a bottoni non solo come strumento polifonico, ma come elemento della cultura organistica. C'è una notevole relazione di consistenza e timbro tra l'organo e la fisarmonica a bottoni.

Insieme alla popolarità dello strumento, è aumentata anche l'espansione del repertorio, l'abilità degli artisti. Apparvero professionisti di alto livello ei compositori non consideravano più vergognoso scrivere composizioni speciali per la fisarmonica a bottoni: sonate, brani musicali e persino concerti per fisarmonica a bottoni con un'orchestra sinfonica. Forse non erano paragonabili alle grandi opere sinfoniche, ma nel complesso è stato un grande passo avanti.

A cavallo tra gli anni '70 e '80, in ogni nuovo pezzo di fisarmonica su larga scala, si sentiva un nuovo carattere di presentazione. La libertà di scelta dei mezzi e le proprietà qualitativamente nuove dello strumento bayan hanno portato il lavoro del compositore a risultati piuttosto radicali. La base della forma _ magazzino musicale _ riceve un'espressione più libera. Le voci e la guida vocale perdono la loro natura vocale, il flusso da suono a suono è soggetto alla logica strumentale, dove sono tipiche la netta spigolosità dei salti, la discontinuità frequente e la rapidità del flusso dei toni. La creatività del compositore bayan include tutti i tipi di magazzini musicali tipici della musica del 20 ° secolo.

Una conferma dell'alto livello di sviluppo della fisarmonica a bottoni e delle sue possibilità musicali è stata l'apertura di uno speciale conservatorio, un istituto di istruzione superiore nella classe della fisarmonica a bottoni. A quel tempo, non c'erano autorità indiscutibili in quest'area che dominavano i giovani e si aprivano grandi opportunità creative per i giocatori di bayan alle prime armi.

Alla fine del 20° secolo, la scuola nazionale bayan aveva raggiunto un grande successo e i nomi degli artisti di talento che si esibivano nelle più grandi sale da concerto del mondo divennero famosi. educazione musicale I giocatori di Bayan hanno iniziato a ricevere solo dalla fine degli anni '20 del nostro secolo. Nell'ultimo periodo, l'arte bayan ha raggiunto livelli significativi.

In seguito al miglioramento dell'arte di suonare la fisarmonica a bottoni, si è formato anche il pensiero metodologico. Eminenti fisarmonicisti sovietici - artisti e insegnanti - hanno dato un contributo significativo agli sviluppi teorici. Sono apparse numerose scuole, tutorial, manuali, nonché articoli su vari aspetti della pedagogia e delle esibizioni sulla fisarmonica a bottoni. La sempre crescente cultura musicale dei fisarmonicisti ha influenzato attivamente il miglioramento del design dello strumento stesso.

Tutti questi importanti fattori non potevano che influenzare la formazione del repertorio per fisarmonica e, in particolare, le opere originali create in questo periodo. E ogni fase nello sviluppo della fisarmonica a bottoni ha apportato qualcosa di fresco e originale al sistema figurativo, in particolare alle trame, all'uso di nuove tecniche per ottenere nuovi effetti espressivi, alla struttura del linguaggio musicale delle opere. Negli ultimi decenni si è accumulato un vasto repertorio, comprendente opere di alto pregio artistico, magistralmente scritte e diverse per forma e genere.

I primi tentativi di creare un repertorio originale per bayan risalgono agli anni '30. Tuttavia, le commedie di V. Zarnov, F. Klimentov, V. Rozhkov, apparse in quel momento, e ancor più realizzate in modo poco professionale da fisarmonicisti-dilettanti nell'elaborazione di canzoni popolari, non potevano soddisfare le sempre crescenti esigenze artistiche dei musicisti . Erano necessarie serie composizioni e miniature su larga scala su temi popolari, che potessero rivelare ampiamente le possibilità espressive della fisarmonica a bottoni.

Dalla metà degli anni '30, uno dei più importanti autori di arrangiamenti di canzoni popolari russe è stato l'eccezionale fisarmonicista di pepita di Saratov I. Panitsky. Conoscendo profondamente e assorbendo la canzone popolare, è stato in grado di implementarne le caratteristiche con straordinaria attenzione e sottigliezza.

Un'importante pietra miliare nello sviluppo della musica per il bayan sono state le opere create a metà degli anni '40 - primi anni '50 da N. Chaikin, A. Kholminov, Yu Shishakov. In esse, con grande completezza artistica e persuasività, migliori qualità caratteristica di questi compositori: la "socievolezza" della struttura intonazionale della musica, la varietà dei sentimenti espressi in esse, la sincerità dell'espressione emotiva. Allo stesso tempo, se N. Chaikin è più incline all'attuazione delle tradizioni romantiche, allora nel lavoro di Yu.N. Shishakov e A.N. Kholminov, si nota una dipendenza diretta dalle tradizioni kuchkiste. Allo stesso tempo, nelle opere di questi autori, è evidente il desiderio di massimizzare le possibilità della fisarmonica a bottoni con accordi già pronti nella tastiera sinistra, di arricchire il tessuto musicale con nuovi mezzi espressivi (come due concerti per la fisarmonica a bottoni con il russo orchestra popolare Yu.N. Shishakova (1949), Suite per bayan solo di A.N. Kholminov (1950)).

Le generazioni successive di compositori hanno creato opere principalmente per il tipo moderno di strumento: una fisarmonica a bottoni multitimbrica pronta per la selezione (A. Repnikov, Vl. Zolotarev, V. Vlasov, ecc.).

Come in altri generi di arte musicale, il desiderio dei compositori che lavorano nel campo della musica per fisarmonica di superare il noto letargo accademico, l'inerzia del pensiero creativo insito in alcune opere del tempo precedente, per cercare più attivamente nuove immagini e mezzi della loro incarnazione intonazionale.

Una delle manifestazioni della fisarmonica a bottoni funzionante all'inizio del secolo e fino ai giorni nostri? questo è il suo coinvolgimento in vari ensemble strumentali jazz e pop e tipici ensemble di musica pop, ad esempio: "Pesnyary", "SS Brigade", "VV", "Strelchenko_band", "Bryats_Band", "Romantic Trio", ecc. estetica moderna, un'attenzione speciale merita una tale specificità della performance bayan come la teatralità, che si esprime nel dispiegamento di artisti "verso il pubblico", ad es. rivolto? all'ascoltatore (spettatore), che fornisce attributi mimetici-plastici dell'arte teatrale.

Pertanto, allo stato attuale, il problema del repertorio nel contesto dell'esecuzione della fisarmonica come fenomeno integrale della cultura e dell'arte musicale richiede, ovviamente, una ricerca con punti diversi visione: dalla fondatezza genetica dei presupposti estetici e storici dell'arte per l'emergere allo studio delle possibilità e delle prospettive di sviluppo nel contesto delle ultime tendenze e tendenze artistiche.

Autonoma Comunale Istituto d'Istruzione

istruzione aggiuntiva per i bambini

"Centro educazione estetica bambini "Arcobaleno"

ESPERIENZA sull'argomento
"LO SBARCO DEL BAYANISTA COME ELEMENTO IMPORTANTE

Razepina Vasilisa Sergeevna,

insegnante di istruzione supplementare

MAOU DOD CEVD "Arcobaleno"

Berezniki, 2013

introduzione………………………………………………………………….2

Capitolo 1. L'apparato esecutivo del suonatore di bayan come elemento importante del processo esecutivo ……………………………………………….....4

1.1. Apparecchio per fisarmonicista………………………….....4

1.2 Analisi dell'approccio alla formazione dell'atterraggio letteratura metodologica suonatore di fisarmonica a bottoni…………………………………………………...6

capitolo 2 Atterraggio, come elemento importante dell'apparato di gioco del bayanista ..21 2.1 Requisiti di base per la formazione dell'atterraggio………………21

2.2. L'influenza dell'approdo sulla formazione dell'apparato esecutivo del fisarmonicista………………………………………………………………….23

2.3. I criteri principali per ottenere un fisarmonicista…………………………29

Conclusione……………………………………………………………...31

Elenco della letteratura usata……………………………......32

introduzione

La popolarità della fisarmonica a bottoni nel mondo moderno è gradualmente diminuita. Pertanto, è necessario cercare nuovi approcci nell'insegnamento della fisarmonica a bottoni, per insegnare lo strumento ai bambini in un modo nuovo.

La fisarmonica a bottoni è uno strumento molto complesso. In primo luogo, le due tastiere hanno una struttura diversa, inoltre, la tastiera sinistra comprende sia una versione già pronta che una versione elettiva allo stesso tempo. In secondo luogo, quando si suona lo strumento, la mano destra si muove verticalmente e la mano sinistra sia verticalmente che orizzontalmente mentre si muove il mantice. E infine, in terzo luogo, non c'è controllo visivo delle tastiere.

A causa di quanto sopra, un insegnante di fisarmonica principiante deve affrontare molti problemi. Uno dei quali, in ogni caso, diventa il problema di formare la misura corretta per un suonatore di fisarmonica principiante. Lo strumento per i bambini sembra pesante e scomodo. E se questi inconvenienti non vengono prevenuti in tempo, il desiderio del bambino di suonare lo strumento può scomparire rapidamente.

Se durante la formazione dell'apparato performante uno qualsiasi degli elementi si forma in modo errato, la crescita professionale dello studente rallenta notevolmente, le lezioni diventano dolorose e infruttuose.

Il corretto adattamento è la base per la formazione dell'apparato di esecuzione del bayanista, ciò è dovuto alle caratteristiche del design dello strumento.

Analizzando le esibizioni dei fisarmonicisti scolastici, la pratica dimostra che non viene prestata sufficiente attenzione all'atterraggio. Lo strumento non è stabile, il che causa guasti durante l'esecuzione.

Lo scopo del lavoro: sviluppo dei criteri principali per l'atterraggio di un fisarmonicista.

Per raggiungere l'obiettivo, sono stati fissati i seguenti compiti:

1. 
   Studia la letteratura sull'argomento scelto;
2. 
   Si consideri la struttura dell'apparato performante del bayanista;
3. 
   Studiare le caratteristiche del funzionamento dell'apparato esecutivo;
4. 
   Analizzare gli approcci alla formazione della seduta nella letteratura metodologica bayanista;
5. 
   Identificare i requisiti di base per la formazione dell'atterraggio;
6. 
   Considera un approccio moderno per determinare l'adattamento di un suonatore di fisarmonica;
7. 
   Determinare l'influenza dell'atterraggio errato sul risultato del processo di esecuzione del fisarmonicista;
8. 
   Formare i criteri principali per l'atterraggio di un fisarmonicista;

Durante il lavoro sono stati utilizzati i seguenti metodi:

• 
  Generalizzazione e sistematizzazione dei materiali sul tema della ricerca;
• 
  Analisi della letteratura metodologica;
• 
  Metodo di osservazione personale;

Capitolo 1

In termini di scopo e compiti funzionali, l'apparato esecutivo del bayanista è identico al lavoro dell'apparato esecutivo di qualsiasi strumento musicale. Tuttavia, l'apparato di esecuzione del suonatore di bayan è un sistema complesso costituito da vari elementi che sono caratteristici dell'esecuzione di bayan. Rivelatore elementi strutturali di questo sistema e determinare il loro impatto sul processo di performance è un requisito obbligatorio quando si sviluppano criteri e linee guida.

1.1 L'apparato esecutivo del suonatore di fisarmonica.

Il lavoro con gli studenti inizia con punti importanti per qualsiasi musicista: l'adattamento corretto, il posizionamento delle mani, la posizione dello strumento. A differenza dei violinisti, dei cantanti, che impiegano molti anni a sistemare le mani e l'apparato vocale, i fisarmonicisti si occupano molto poco di questo problema. Ma la corretta impostazione della macchina da gioco nella fase iniziale dell'allenamento è molto importante, da essa dipende la possibilità di esprimere idee artistiche nella performance.

Naturalmente, il più attivo nel processo di suonare la fisarmonica a bottoni è il cingolo scapolare, che consiste in spalla, avambraccio, polso e dita, ma altre parti dell'apparato esecutivo non dovrebbero essere ignorate. OS Pankov credeva che: “L'apparato di esecuzione di un musicista che si esibisce è spesso inteso come dita, mano, avambraccio, che sono direttamente coinvolti nella produzione del suono. Tuttavia, non possono essere considerati isolatamente. Sembra che dovremmo parlare delle reazioni motorie dell'intero corpo umano. .

La sua approvazione si basa sui risultati di insegnanti e artisti nel campo della razionalizzazione dei movimenti esecutivi, nonché sull'introduzione di nuovi elementi colorati nell'arte dello spettacolo dei fisarmonicisti.

È impossibile considerare solo le braccia e il cingolo scapolare come un apparato performante. tratto caratteristico performance sulla fisarmonica a bottoni è che per estrarre il suono è necessario non solo premere i tasti, ma anche guidare il mantice. Poiché è il comportamento della pelliccia che determina in gran parte la qualità del suono prodotto sulla fisarmonica a bottoni, si dovrebbe considerare più attentamente il lavoro dei muscoli della schiena. Possiamo affermare con sicurezza che la schiena, così come il cingolo scapolare, è una parte importante dell'apparato esecutivo del suonatore di fisarmonica.

Un'altra caratteristica della fisarmonica a bottoni è che lo strumento è sulle ginocchia dell'esecutore durante il gioco. I modi per tenere la fisarmonica a bottoni sono comunemente chiamati l'atterraggio del suonatore di fisarmonica a bottoni. Oltre alla scienza meccanica, i cambiamenti nell'adattamento influenzano le caratteristiche del suono prodotto dalla fisarmonica a bottoni. Analizzando il repertorio moderno di compositori di fisarmonica come: Vecheslav Semyonov, Vladimir Zubitsky, Alexander Mordukhovich, Alexander Letunov, possiamo affermare con sicurezza che anche le ginocchia e i piedi sono coinvolti nel processo di esecuzione. Questo, senza dubbio, amplia notevolmente il concetto di apparato di esecuzione del suonatore di bayan. Non possiamo escludere dalla considerazione l'anca e le gambe dell'esecutore. Tutto quanto sopra ci permette di affermarlo l'intero sistema muscolo-scheletrico umano.

Tuttavia, l'approccio scientifico non ci consente di considerare solo la struttura muscolo-scheletrica di una persona come un apparato performante. Con qualsiasi movimento, l'esecuzione dell'attività non fa eccezione, il sistema motorio umano è controllato, regolato e coordinato dal sistema nervoso centrale.

In considerazione di quanto precede, l'apparato performante del bayanista dovrebbe essere considerato l'intero sistema muscolo-scheletrico di una persona, regolato e coordinatoHo un sistema nervoso.

La messa in scena dell'apparato esecutivo del bayanista, fisarmonicista è dovuta principalmente alla natura della musica eseguita, alle caratteristiche progettuali dello strumento, nonché alle caratteristiche psicologiche, anatomiche e fisiologiche dell'esecutore stesso. Le domande di dichiarazione includono tre componenti: atterraggio, installazione dello strumento, posizione delle mani.

Nel nostro lavoro considereremo solo uno dei componenti dell'apparato di esecuzione del suonatore di bayan: APPRODO.
1.2. Analisi dell'approccio della formazione di atterraggio

nella letteratura metodica del bayanista.

Nella fase iniziale dell'insegnamento a un suonatore di fisarmonica, l'insegnante deve spesso affrontare un problema come la corretta formazione del posto dello studente. Più spesso in una situazione del genere, si rivolgono a varie "Scuole" e "Tutorial" per chiedere aiuto.

A nostra volta, proveremo a considerare gli approcci alla formazione dell'atterraggio nella letteratura più frequentemente utilizzata. Come tale letteratura, useremo: quattro "manuali di autoistruzione per suonare la fisarmonica" (autori: O. Agafonov, V. Alekhin, R. Bazhilin, A. Basurmanov), quattro "scuole per suonare la fisarmonica" (autori: Yu. Akimov, P. Govorushko, A. Onegin, V. Semyonov), nonché il libro di A. Ivanov "Il corso iniziale per suonare la fisarmonica a bottoni" e il manuale "Il sistema di formazione iniziale per suonare la fisarmonica a bottoni ", autore N. Yakimets.

O. Agafonov, praticamente non assegna spazio a un argomento come "atterraggio", si dicono letteralmente tre frasi:

“Prima di iniziare a suonare, devi regolare gli spallacci in modo che lo strumento non sia premuto contro il corpo e stia saldamente sulle ginocchia del musicista. La gamba destra crea un'enfasi quando si stringe la pelliccia. Ciò è necessario per garantire la libertà di movimento della mano destra.

Il libro contiene anche un'immagine (Fig. 1):

In questa immagine, la barra del corpo destro non poggia sulla coscia, le gambe sono vicine. Con un tale adattamento, lo strumento è molto instabile; lo strumento inizia a "uscire" sul lato destro.

Il prossimo esempio è il "Tutorial per suonare la fisarmonica a bottoni" di V. Alyokhin. Ecco come l'autore descrive l'atterraggio del suonatore di fisarmonica:

“Quando suoni uno strumento, devi seguire le regole di base:

1. 
   Dovresti sederti sulla metà del sedile della sedia.
2. 
   Le gambe dovrebbero essere in una posizione tale che le ginocchia siano all'altezza del sedile.
3. 
   Il corpo dovrebbe essere leggermente inclinato in avanti, la gamba sinistra dovrebbe essere leggermente spinta in avanti.
4. 
   Lo strumento è posto sul piede sinistro, mentre il collo poggia sul piede destro.
5. 
   La cinghia destra è indossata sopra la spalla. La cinghia sinistra funge da supporto per la mano sinistra quando la pelliccia è tesa. Dovrebbe esserci un piccolo spazio libero tra il corpo dello strumento e il torace.
6. 
   Se il fisarmonicista suona da seduto, allora lo strumento deve avere tre punti di riferimento: le gambe destra e sinistra e la spalla, su cui si mette la cintura.

interessante dentro questa descrizione sono 5 e 6 punti. "Giusto la cintura è messa sulla spalla. La cinghia sinistra funge da supporto per la mano sinistra ... ". Si scopre che viene utilizzata solo una tracolla. Questo è quello che vedi al punto 6. "... Tre punti di appoggio: Gamba destra e sinistra e SPALLA, su cui si mette la CINTURA.". Questo testo è confermato dalla Figura 2, tratta dal tutorial precedente. In effetti, nella "vecchia" scuola bayan, veniva utilizzata una tracolla, ma tieni presente che la collezione è stata rilasciata nel 1977, e all'epoca tutti giocavano già con due tracolle. Si può concludere che l'autore ha piuttosto preso l'argomento della semina da tutorial vecchio stile, il che significa che questo problema non è particolarmente importante per l'autore.

Roman Bazhilin nel suo "Tutorial per suonare la fisarmonica a bottoni (fisarmonica)" descrive in dettaglio l'adattamento e l'installazione dello strumento:

“Una vestibilità comoda per il gioco, prima di tutto, deve essere stabile. Per le lezioni, devi scegliere una sedia comoda. Il sedile della sedia dovrebbe essere leggermente al di sopra del livello delle ginocchia dello studente. Dovresti sederti abbastanza in profondità, circa la metà del sedile. Le gambe, in piedi su un piede pieno, sono leggermente divaricate e leggermente spinte in avanti. Il peso del busto, insieme al peso dello strumento, dovrebbe ricadere su tre punti di appoggio: sul sedile della sedia e sulla pianta dei piedi.

Si dovrebbe prestare attenzione a "sedia comoda", quale non è specificato, e anche quello "dovresti sederti abbastanza in profondità".

Se ti siedi troppo profondamente su una sedia, perdi il supporto sui tuoi piedi.

Questa descrizione non specifica come lo strumento dovrebbe stare con un tale adattamento. Si può concludere che l'atterraggio non riceve ancora la dovuta attenzione in questo manuale.

P L'ultimo tutorial proposto da A. Basurmanov. L'atterraggio è descritto come segue:

“La fisarmonica a bottoni va suonata stando seduti su una sedia leggermente inclinata in avanti e poco profonda. Durante il gioco, la pelliccia della fisarmonica a bottoni dovrebbe essere sulla gamba sinistra e la parte inferiore del lato destro del corpo della fisarmonica a bottoni dovrebbe poggiare contro la gamba destra. Le gambe dovrebbero poggiare su tutto il piede. La gamba sinistra dovrebbe essere leggermente spinta in avanti.

In questa definizione non è indicata solo la rigidità della sedia, ma tutto il resto è descritto in dettaglio, inoltre l'autore parla ulteriormente della corretta posizione delle cinture, della corretta scienza meccanica e di altre cose che dipendono direttamente l'atterraggio allo strumento. Tutto quanto sopra è ovviamente illustrato (Fig. 3). Ma l'immagine è un po' contraria alla descrizione della vestibilità, perché. su di esso, il suonatore di fisarmonica siede molto profondamente su una sedia, che ancora una volta non provoca alcun appoggio ai piedi.

Consideriamo nello specifico le “scuole” di suonare lo strumento. Yu Akimov dice quanto segue sull'atterraggio:

“Quando si lavora sul pianerottolo, è necessario tenere conto dei dati fisici dello studente. La postura adottata dovrebbe dare stabilità al corpo e non limitare il movimento delle mani, determinare la compostezza dell'esecutore e creare uno stato d'animo emotivo prima della partita. IN periodo iniziale l'allenamento può essere considerato il corretto adattamento iniziale, che è comodo e offre libertà di azione all'esecutore, stabilità dello strumento. Il suonatore di fisarmonica suona seduto su una sedia con sedile duro o semiduro, che dovrebbe trovarsi all'incirca all'altezza delle sue ginocchia. I bambini di bassa statura dovrebbero essere sistemati su panchine o seduti su una sedia con le gambe accorciate.

L'opinione dell'autore sull'atterraggio nel periodo iniziale dell'allenamento non è espressa correttamente. In ogni caso, un bambino che prende uno strumento per la prima volta nella sua vita si sentirà a disagio seduto su di esso, il corpo umano non è particolarmente adatto per la fisarmonica a bottoni. L'adattamento corretto deve essere insegnato fin dall'inizio.

“Devi sederti su metà del sedile, senza toccare lo schienale della sedia. Le gambe sono leggermente divaricate e poggiano sul pavimento (o sulla panca), appoggiate su un piede intero. Il corpo dell'esecutore dovrebbe essere leggermente inclinato in avanti, verso lo strumento, in modo da mantenere un contatto costante tra il corpo dell'allievo e la fisarmonica a bottoni. Uno strumento con pelliccia raccolta (compressa) è posto sui fianchi. La parte inferiore del collo è sul piede destro.

Di nuovo si dice così "mezza sedia" anche questo può portare a un appoggio incompleto sulla pianta dei piedi. Circa la parte inferiore del collo, l'autore del Dice che dovrebbe essere solo sulla gamba e non appoggiarsi su di essa, questo può portare all'instabilità dello strumento quando si suona sull'impugnatura. Un esempio in Figura 4. Conclusione: l'autore è interessato alla questione dell'atterraggio, ma alcuni elementi rimangono controversi.

P. Govorushko nella sua "Scuola" non solo descrive l'atterraggio, ma spiega anche perché è più opportuno sedersi così:

“Devi sederti su una sedia poco profonda. Questo atterraggio fornisce un supporto adeguato alle gambe. La gamba destra è posizionata sulla linea della spalla destra, la sinistra un po 'più in là della linea della spalla sinistra e leggermente davanti alla gamba destra. Portare la gamba sinistra di lato e in avanti è necessario perché è a sinistra che il corpo dell'esecutore si precipita involontariamente quando la pelliccia viene aperta. La gamba sinistra estesa previene la perdita di equilibrio.

La posizione principale del corpo è leggermente inclinata in avanti. Le spalle sono liberamente abbassate, sono allo stesso livello. Nella regione lombare, la colonna vertebrale è naturalmente concava. Lo strumento è posto sulla coscia sinistra con l'intera base della pelliccia, e non con il suo angolo interno o esterno. La parte inferiore destra del corpo poggia sulla coscia destra.

La corretta posizione dello strumento dipende dall'altezza del sedile. La sedia dovrebbe essere di un'altezza tale che la linea dei fianchi scenda solo leggermente fino alle ginocchia. Da questo, lo strumento sarà leggermente inclinato in avanti. Questa posizione dello strumento è una condizione necessaria per l'uso del mignolo nella parte inferiore della tastiera sinistra. Per una comodità ancora maggiore del suo utilizzo, la parte inferiore dello strumento dovrebbe essere avvicinata a te, mentre la parte superiore sarà a una certa distanza dal torace, il che contribuisce alla respirazione libera.

D Per garantire la stabilità dello strumento durante il gioco, vengono utilizzati spallacci (lunghi), che vengono indossati nella parte superiore delle spalle.

Viene spiegato perché le gambe dovrebbero stare in questo modo, per cui lo strumento dovrebbe essere leggermente inclinato. E viene fornito anche un esempio in quali casi l'atterraggio aiuta in materia di diteggiatura. Un'immagine di un atterraggio di questa "Scuola" nella Figura 5.

Penso che quando si applica il materiale di questa "Scuola", allo studente debba essere spiegato perché è necessario sedersi in questo modo, solo allora capirà e apprezzerà i grandi benefici di un adattamento adeguato.

Nella "School of Bayan Playing" di A. Onegin, un enorme capitolo è dedicato all'atterraggio e, come nella precedente "School", alcuni punti sono spiegati in dettaglio, ad es. non solo come, ma anche perché devi sederti in questo modo:

“Fin dalle prime lezioni, devi imparare l'adattamento corretto e naturale. Devi sederti su una sedia non molto profonda, più vicina al bordo con una leggera inclinazione in avanti. I piedi dovrebbero essere saldamente sul pavimento. I piccoli studenti devono mettere una panca (supporto) sotto i loro piedi o dare una sedia dell'altezza appropriata in modo che il supporto delle gambe dia stabilità al corpo.

Le ginocchia non devono essere tenute troppo larghe e bisogna fare attenzione che la gamba sinistra non partecipi al dribbling del pelo. Lo studente dovrebbe sedersi liberamente e comodamente, ma non sciolto, ma raccolto.

Tieni la testa dritta e non guardare la tastiera mentre suoni.

Indubbiamente, l'atterraggio in questa scuola è descritto in modo impeccabile, ma nell'ulteriore narrazione dell'autore vediamo di nuovo una tracolla (Fig. 6). R. Onegin ne parla così: “...due cinghie creano una posizione più stabile per lo strumento. Ma insieme a questo, attaccare lo strumento al petto con due cinghie lo porta troppo vicino e causa rigidità al suonatore, limita la libertà di movimento delle sue mani e limita la mobilità dello strumento nelle sue mani. Ecco perché studenti delle scuole di musica per bambini Non è consigliabile utilizzare due spallacci. Questo è accettabile solo per artisti maturi.

I bambini sono molto attivi per natura e se qualcosa li incatena, cambieranno sicuramente posizione, ma la fisarmonica a bottoni non è uno strumento facile e se viene tenuta solo sulle ginocchia, lo strumento potrebbe cadere se il bambino si muove in modo impreciso . Su questo tema, si può non essere d'accordo con l'autore.

Una delle "Scuole" più giovani è la "Scuola" di V. Semyonov. Descrive in modo molto dettagliato non solo la vestibilità corretta, ma l'autore supporta anche la modifica della vestibilità durante il gioco, per una posizione più comoda delle mani, delle mani o delle dita. L'autore scrive così:

“In primo luogo, l'insegnante posiziona la fisarmonica a bottoni sulla coscia sinistra dell'allievo in modo tale da creare le condizioni per movimenti liberi e naturali della mano destra e regola la lunghezza della tracolla destra, quindi quella sinistra, che dovrebbe essere più corta rispetto a quello giusto. Questo crea stabilità per la parte superiore dello strumento mentre si suona.

Questa definizione descrive la base per la corretta posizione dello strumento, secondo V. Semenov. Ed ecco come descrive il cambiamento di vestibilità:

“Durante l'esecuzione, alcuni elementi della seduta possono cambiare, per esempio: inclinare lo strumento verso di sé rende più comodo l'uso del primo dito, e permette anche di usare più razionalmente il peso della mano destra quando si suonano gli accordi. La posizione orizzontale dello strumento è ideale per eseguire complesse tecniche di tremolio del mantice. Una certa inclinazione in avanti è conveniente per il tradizionale movimento a tre dita sulla tastiera selettiva.

Naturalmente, questa è un'informazione utile e necessaria per un insegnante di fisarmonica, ma nella fase iniziale della formazione non dovresti confondere lo studente. Man mano che il programma diventa più complesso e diventa possibile utilizzare questi metodi, saranno molto appropriati. È molto importante quando si usa questa "Scuola" ricordare che è stata scritta per una fisarmonica a bottoni a cinque file (Fig. 7).

Prendi in considerazione altri due manuali, anch'essi progettati per l'apprendimento iniziale a suonare la fisarmonica a bottoni. Nel "Corso iniziale di suonare la fisarmonica a bottoni" di A. Ivanov, la questione dei posti a sedere è descritta in modo molto dettagliato. Ecco la definizione di base:

“Non dovresti sederti su tutta la sedia, ma abbastanza in profondità in modo che il corpo sia stabile e la posizione sia abbastanza comoda. Il corpo si inclina leggermente in avanti. Non dovresti appoggiarti allo schienale della sedia, così come sederti troppo dritto; stare seduti in posizione eretta consuma più energia e quindi si stanca prima. Le spalle dovrebbero essere abbassate. Alzare le spalle crea una tensione inutile. Le mani non devono essere premute contro il corpo, altrimenti la libertà di movimento è impossibile. L'altezza del sedile non deve interferire con la stabilità del corpo e il comfort della vestibilità complessiva. I piedi dovrebbero essere posizionati in modo naturale, con un supporto adeguato.

La frase è un po' confusa: "... non dovresti sederti troppo dritto: stare seduto dritto, consuma più energia e quindi si stanca prima." Pertanto, la posizione della schiena in merito all'atterraggio dietro lo strumento in A. Ivanov rimane un mistero. Cosa dice l'autore delle gambe:

“Le ginocchia non dovrebbero essere sollevate in alto; L'altezza delle ginocchia dovrebbe essere approssimativamente a livello del sedile. Le gambe non devono essere tenute premute l'una contro l'altra o divaricate per aiutare a muovere la pelliccia. Durante il gioco, le gambe devono rimanere immobili.

Ancora una volta, non c'è precisione e concretizzazione che abbiamo incontrato in alcuni tutorial e "Scuole".

Anche questo manuale suggerisce la fisarmonica a bottoni con una tracolla, e solo i bambini a volte possono usare la seconda:

"... sarà consigliabile utilizzare anche una seconda cintura per bambini - sulla spalla sinistra."

Questa affermazione contraddice assolutamente la "Scuola" di A. Onegin.

L'autore scrive della presenza di una panca o di un poggiapiedi come segue:

“... Non dovrebbero essere usati poggiapiedi, non importa quanto siano corte le gambe; È meglio trovare una sedia dell'altezza appropriata.

Questa affermazione non è d'accordo con molti tutorial e "Scuole".

C'è anche una nota interessante in questo manuale:

"L'esecutore dovrebbe sedersi con qualche giro (obliquo) verso l'ascoltatore, come per mostrare meglio la tastiera giusta."

Quindi, nel libro di A. Ivanov ce ne sono molti questioni controverse che non soddisfano i requisiti moderni.

L'ultimo libro che propongo di prendere in considerazione è "Il sistema di apprendimento iniziale per suonare il bayan", autore N. Yakimets.

"... lo sviluppo della tastiera destra è connesso allo sviluppo della sua rappresentazione speculativa ... e per questo è necessario installare una fisarmonica con una certa inclinazione della parte superiore del corpo verso il petto ...".

In questo libro, questa è forse la più grande differenza rispetto ai manuali precedenti.

Traendo conclusioni, si può Di nuovo per assicurarsi che l'atterraggio sia una domanda del genere a cui non è possibile rispondere in modo inequivocabile. L'adattamento dipende dallo strumento, dalla sedia, dall'età dello studente, ecc., e può anche cambiare durante il gioco. Non tutti i fisarmonicisti prestano la dovuta attenzione all'atterraggio, che non sempre funziona bene per la sua ulteriore attività professionale.

Come risultato dell'analisi di cui sopra, propongo una tabella dei principali elementi di atterraggio e la loro riflessione da parte di diversi autori.

№	NOME E COGNOME. Autore	Titolo del libro	Anno pubblicazioni	Sedia (altezza, profondità, rigidità, presenza di un cavalletto)	Numero di cinture	Distanza tra corpo e strumento	Posizione delle gambe	punti di rotazione
1	Ivanov Azary Ivanovich	Corso base di fisarmonica	1963	Non dovresti sederti su tutta la sedia, ma abbastanza in profondità. Le ginocchia non dovrebbero essere sollevate in alto; L'altezza delle ginocchia dovrebbe essere approssimativamente a livello del sedile. Niente sottobicchieri.	2 pz. 3° solo per bambini	Il corpo si inclina leggermente in avanti.	I piedi dovrebbero essere posizionati in modo naturale, con un supporto adeguato. Durante il gioco, le gambe devono rimanere immobili.	___
2	Onegin Alexey Evseevich	Scuola di Bayan	1964	Devi sederti su una sedia non molto profonda, più vicina al bordo con una leggera inclinazione in avanti. I piccoli studenti devono mettere una panchina sotto i loro piedi.	2 pz. 3° solo per i professionisti.	Ci deve essere una distanza tra il corpo e lo strumento.	I piedi devono essere ben saldi a terra in modo che l'appoggio delle gambe dia stabilità al corpo.	___
3	Govorushko Pietro Ivanovich	Scuola di Bayan	1971	Devi sederti su una sedia poco profonda. La sedia dovrebbe essere di un'altezza tale che la linea dei fianchi scenda solo leggermente fino alle ginocchia.	3 pz.	La posizione principale del corpo è leggermente inclinata in avanti.	La gamba destra è posizionata sulla linea della spalla destra, la sinistra un po 'più in là della linea della spalla sinistra e leggermente davanti alla gamba destra. Lo strumento è posto sulla coscia sinistra con l'intera base della pelliccia, e non con il suo angolo interno o esterno. La parte inferiore destra del corpo poggia sulla coscia destra.	___
4	Alekhin Vasily Vasilievich	Tutorial per suonare la fisarmonica a bottoni	1977	Dovresti sederti sulla metà del sedile della sedia.	2 pz.	Dovrebbe esserci un piccolo spazio tra il corpo dello strumento e il torace.	Le gambe dovrebbero essere in una posizione tale che le ginocchia siano all'altezza del sedile. Gamba sinistra: spingi leggermente in avanti. Lo strumento è posto sul piede sinistro, mentre il collo poggia sul piede destro.	Tre punti di riferimento: gamba destra e sinistra e spalla, su cui si mette la cintura.
5	Akimov Yuri Timofeevich	Scuola di Bayan	1980	La sedia deve avere un sedile duro o semiduro, che dovrebbe trovarsi all'incirca all'altezza delle ginocchia dello studente. I bambini di bassa statura dovrebbero sostituire i banchi. Devi sederti su metà del sedile, senza toccare lo schienale della sedia.	3 pz.	Il corpo dell'esecutore dovrebbe essere leggermente inclinato in avanti, verso lo strumento, in modo da mantenere un contatto costante tra il corpo dell'allievo e la fisarmonica a bottoni.	Le gambe sono leggermente divaricate e poggiano sul pavimento, appoggiate su un piede intero. Lo strumento con la pelliccia raccolta è posto sui fianchi. La parte inferiore del collo è sulla gamba destra.	___
6	Basurmanov Arkadij Pavlovich	Tutorial per suonare la fisarmonica a bottoni	1989	Sedersi su una sedia con una leggera inclinazione in avanti e poco profonda .	3 pz.	___	Le gambe dovrebbero poggiare su tutto il piede. La gamba sinistra dovrebbe essere leggermente spinta in avanti. Durante il gioco, la pelliccia della fisarmonica a bottoni dovrebbe essere sulla gamba sinistra e la parte inferiore del lato destro del corpo della fisarmonica a bottoni dovrebbe poggiare contro la gamba destra.	___
7	Yakimets Nikolai Trofimovich	Il sistema di apprendimento iniziale per suonare la fisarmonica a bottoni	1990	___	3 pz.	Installa la fisarmonica a bottoni con una leggera inclinazione della parte superiore del corpo verso il petto. Sposta la pendenza man mano che lo studente cresce.	___	___
8	Agafonov Oleg Filippovich	Tutorial per suonare la fisarmonica a bottoni	1998	___	3 pz.	Lo strumento non è premuto contro il corpo	La gamba destra crea enfasi quando si stringe la pelliccia	___
9	Semyonov Vecheslav Anatolievich	Scuola moderna di suonare la fisarmonica a bottoni	2003	___	3 pz. 4° sulle scapole.	Lo strumento è strettamente premuto sul corpo.	___	___
10	Bazhilin Roman Nikolaevich	Tutorial per suonare la fisarmonica a bottoni	2004	Il sedile della sedia dovrebbe essere leggermente al di sopra del livello delle ginocchia dello studente. Dovresti sederti abbastanza in profondità, circa la metà del sedile.	3 pz.	___	Le gambe, in piedi su un piede pieno, sono leggermente divaricate e leggermente spinte in avanti.	Tre punti di appoggio: sul sedile della sedia e sulla pianta dei piedi.

La fase iniziale dell'apprendimento della fisarmonica a bottoni è la più difficile, responsabile e significativa per un bambino. Dipende da lui creare le basi per l'ulteriore sviluppo dello studente. Durante questo periodo, viene posto il suo atteggiamento nei confronti della musica, dello sviluppo spirituale ed estetico.

I primi anni di istruzione sono una sorta di tappa nello sviluppo musicale e professionale del bambino. Nel processo di lavoro con musicisti alle prime armi, non ci sono determinati standard nella formazione e nell'istruzione. La cosa principale dentro processo creativo- formare nel bambino motivazioni positive nelle lezioni di musica. Qui, i metodi sono importanti per attivare il processo di apprendimento, aumentando l'interesse nel suonare la fisarmonica a bottoni.

Tutti i bambini nascono con determinati prerequisiti per le inclinazioni musicali. Da oggi sono stati annullati gli esami di ammissione alla scuola di musica. Nella prima fase è molto difficile identificare inequivocabilmente le capacità musicali dei bambini che non sanno suonare e prevedere il loro ulteriore sviluppo.

È necessario interessare il bambino, perché frequentare due scuole contemporaneamente con la stessa responsabilità richiede un enorme stress psicologico, fisico e mentale. Di fronte a un tale volume di informazioni, il bambino inizia a capire che l'apprendimento è, prima di tutto, un lavoro che richiede grande pazienza, attenzione e molte diverse autolimitazioni. Non tutti i bambini possono adattarsi a un tale regime, così tanti provano delusione, un calo di interesse per l'apprendimento. È necessario prevenire questo momento critico, formare in anticipo il desiderio di studiare in una scuola di musica.

Le prime lezioni durante questo periodo sono principalmente di natura informativa. È importante trasmetterlo al bambino in una lingua che capisca e, prima di tutto, affascinarlo con la musica. Ascolta di più, parla con il bambino del carattere, dell'umore della commedia o della canzone. Assicurati di cantarlo con uno studente. Ciò coinvolge il bambino nel "regno creativo della musica". Il lavoro individuale offre tale opportunità.

Mappatura fatti della vita presi dalla nostra vita quotidiana, tenendo conto degli interessi e degli hobby di ogni bambino, ci consentono di trasmettere le informazioni necessarie sul programma in una forma accessibile. Con aiuto vari esercizi, aiuto visivo sotto forma di varie immagini, video, metodi di lavoro innovativi, l'insegnante sarà in grado di rendere la lezione interessante e renderla memorabile per studenti di diverse fasce d'età.

Principalmente lavoro con i bambini età più giovane. Le caratteristiche fisiche e mentali di tali bambini richiedono approccio speciale. Non sono molto diligenti ei 45 minuti trascorsi possono sembrare un'eternità per lo studente e l'insegnante. Lavorare con questi bambini dovrebbe avvenire in modo giocoso. La lezione è suddivisa in più periodi: i primi 15 minuti di studio del materiale, i successivi 5 minuti - esercizi ritmici alla musica. Può essere un valzer, una marcia, una polka, una danza quadrata, ecc., Durante la quale, secondo lo stile musicale, il bambino può eseguire vari passi di danza mantenendo un ritmo chiaro. marzo - marzo; valzer: muovi le mani come un alito di brezza leggera, rami di alberi ondeggianti (mani). Polka, danza quadrata: i soliti movimenti più semplici che i bambini hanno conosciuto da allora asilo- un tacco, una punta o due stomps con gambe e tre slam con maniglie. E termina il riscaldamento musicale con la stessa marcia. Una tale pausa musicale sviluppa l'immaginazione, l'emotività del bambino, il senso del ritmo; rilassa i muscoli delle braccia, delle gambe e del corpo.

Per i prossimi 15 minuti, continua a studiare un nuovo argomento o affida al bambino il compito di consolidare il materiale studiato, a seconda della complessità nuovo argomento. Al termine della lezione è importante assicurarsi che il bambino abbia appreso l'argomento e sia pronto a fare i compiti da solo. I compiti sono scritti in un linguaggio chiaro e conciso, nei minimi dettagli, in dettaglio. Ad esempio: esercizio 1 - con dita precise, studio a memoria 2 linee, un pezzo - smontare separatamente con ciascuna mano, osservando il movimento della pelliccia (spremere, aprire).

Il lavoro con gli studenti inizia con punti importanti per qualsiasi musicista: l'adattamento corretto, il posizionamento delle mani, la posizione dello strumento. A differenza dei violinisti, dei cantanti, che impiegano molti anni a sistemare le mani e l'apparato vocale, i fisarmonicisti si occupano molto poco di questo problema. Ma la corretta impostazione della macchina da gioco nella fase iniziale della formazione è molto importante, perché da essa dipende la possibilità di esprimere l'intenzione artistica del compositore nell'opera.

La messa in scena di un fisarmonicista è composta da tre componenti: atterraggio, installazione dello strumento, posizione delle mani. Quando si lavora sul pianerottolo, si dovrebbero tenere conto dei dati anatomici e fisiologici dello studente, delle caratteristiche psicologiche, nonché della natura del lavoro studiato.

L'adattamento corretto è tale che il corpo è stabile, non limita il movimento delle mani, determina la compostezza del bambino, crea il suo stato d'animo emotivo. La calzata corretta è quella che è comoda e crea la massima stabilità dello strumento, libertà di azione per l'esecutore.

Devi sederti sulla metà anteriore della sedia con un sedile duro o semiduro che si trova approssimativamente all'altezza delle sue ginocchia. I bambini piccoli vengono posti sotto i loro piedi con un supporto speciale o messi su una sedia con le gambe accorciate. Il fisarmonicista ha tre punti di riferimento: appoggiato su una sedia e appoggiato con i piedi sul pavimento. Le gambe dovrebbero essere divaricate per facilitare il supporto. Tuttavia, dovrebbe essere preso in considerazione un altro punto di supporto: nella parte bassa della schiena. Questo è ciò che conferisce leggerezza e libertà di movimento del busto e delle braccia. Lo strumento è fermo, parallelo al corpo dello studente, pelo sulla coscia sinistra. Il corpo dovrebbe essere leggermente inclinato in avanti verso lo strumento per mantenere il corpo in costante contatto con la fisarmonica a bottoni. Il collo poggia sulla coscia. È in questa posizione che la fisarmonica a bottoni acquisisce stabilità quando si suona "squeeze". Gli spallacci devono essere regolati in modo tale che vi sia una distanza di respirazione libera tra il corpo dello studente e lo strumento.

In alcuni casi viene utilizzata una cinghia che collega gli spallacci nella parte posteriore. Questo dà stabilità alle cinture, ora non cadono dalle spalle. Anche la cinghia della mano sinistra è regolata per consentire alla mano di muoversi liberamente lungo la tastiera.

Quando si suona la fisarmonica a bottoni, la mano sinistra e la mano destra hanno attività funzionali diverse. La mano sinistra è potente (stringi, apri la pelliccia). In questo caso, l'importante è non sollevare il corpo della fisarmonica a bottoni con la mano sinistra. A destra - performance da solista sulla tastiera. È la mano destra che richiede un'attenzione speciale. La mano dovrebbe essere di forma rotonda. Affinché il bambino possa mantenere forma desiderata mani, puoi usare oggetti come una palla, una mela. Afferrandolo con le dita e facendolo rotolare su una superficie dura, il bambino inizia ad abituarsi a tenere la forma desiderata e ad aderire automaticamente ad essa. L'articolazione del gomito dovrebbe muoversi parallelamente al pavimento, mentre i muscoli del braccio dovrebbero essere liberi e non dovrebbero ostacolare il movimento del braccio. Puoi usare esercizi come un'onda: intreccia le dita intrecciate insieme in una serratura e raffigura un'onda con movimenti fluidi. Tali movimenti, se eseguiti regolarmente, contribuiscono allo sviluppo della flessibilità delle articolazioni delle dita e dell'articolazione della spalla, anch'essa non irrilevante per corretto sviluppo macchina da gioco e posizione della mano.

Il criterio principale per la corretta impostazione delle mani è la naturale naturalezza e l'opportunità dei movimenti. Quando si lavora alla messa in scena di un suonatore di fisarmonica, è necessario che la performance compiti a casa era sotto il controllo dei genitori. Del resto non è un segreto che il 90% del successo, nell'assimilazione di questo argomento da parte di uno studente, risieda proprio nel corretto completamento dei compiti. Pertanto, il principio di interazione tra insegnante e genitori deve necessariamente operare nell'insegnamento. Per fare ciò, è auspicabile che i genitori frequentino le lezioni nella specialità dei loro figli. Se ciò non è possibile, alle riunioni dei genitori di classe, dove possono ascoltare il gioco del bambino, analizzare il suo sviluppo, il corretto adattamento allo strumento e gli errori comuni commessi durante l'esecuzione di opere musicali.

I fisarmonicisti alle prime armi, in età scolare, per acquisire fiducia nelle proprie capacità, devono essere sistematicamente stimolati con incoraggiamenti verbali. Valutare il loro lavoro e sviluppo non è un sistema a punti, poiché è assente nel grado 1, ma ad esempio: varie immagini (emoticon o personaggi dei cartoni animati preferiti).

Grande	Bene	in modo soddisfacente

Con questo approccio, il bambino si sforzerà di ricevere il miglior elogio possibile.

Quando si studia materiale teorico(notazione musicale, durata delle note e loro collocazione sul pentagramma...) per una migliore comprensione dei termini è preferibile utilizzare

guida visiva colorata. Ad esempio: una nota intera è una mela intera, una mezza nota è una mela tagliata a metà, ecc.

La svolta e il momento più difficile è lo studio diretto delle opere sullo strumento. Prima di iniziare a suonare lo studente deve avere una buona conoscenza della tastiera e della struttura dello strumento stesso, principio di estrazione del suono.

Bayan si compone di tre parti principali:

1) il lato destro del corpo, a cui è attaccato il manico con i tasti posti su di esso (tastiera destra), una cinghia per la mano destra e una cinghia larga per la mano sinistra;

2) il lato sinistro della custodia con i tasti all'esterno (tastiera sinistra) e una piccola cinghia per la mano sinistra;

3) pelliccia piegata che collega entrambe le parti del corpo.

Studiare la tastiera giusta richiede un'attenzione particolare. Le abilità e le conoscenze precedentemente acquisite vengono applicate in pratica, sotto la stretta supervisione dell'insegnante, senza premere i tasti, prima la mano destra si muove su e giù sulla tastiera, osservando tutte le regole per la posizione della macchina da gioco.

I muscoli dovrebbero essere liberi e senza tensione nei movimenti delle mani. La particolarità della struttura della tastiera destra della fisarmonica consente ai musicisti di suonare nonostante ciò (alla cieca).

Ci sono tre file di tasti principali e ausiliari sul collo del corpo della tastiera destro. Le file vengono contate dal lato della pelliccia. Principali tasti bianchi: sulla 1a riga do, la; il 2 - mi, sale; 3 - si, re, fa. I suoni vengono estratti sulla fisarmonica a bottoni quando la pelliccia si muove e i tasti vengono premuti contemporaneamente. I tasti vanno premuti con calma, senza troppi sforzi, poiché il volume del suono dipende dal movimento della pelliccia, e non dalla forza con cui si premono i tasti con il dito. L'aria pompata dalla pelliccia entra nel foro aperto con una chiave e mette in moto oscillatorio la piastra d'acciaio - "voce". Quando togli il dito dalla chiave, il foro si chiude, l'aria smette di fluire verso la "voce" e il suono si interrompe. Non è consentito aprire e comprimere la pelliccia senza premere i tasti o un'apposita valvola di sfiato, che alcune fisarmoniche a bottoni hanno sul lato sinistro del corpo. Con un debole movimento della pelliccia, il suono è silenzioso, con un movimento più energico - forte, con uno sforzo eccessivo - molto acuto e sgradevole da ascoltare. Devi guidare la pelliccia solo con la mano sinistra. La mano destra nella condotta della pelliccia non dovrebbe prendere parte. Non puoi aiutare il movimento della pelliccia con i tuoi piedi. La corretta gestione della pelliccia è la condizione principale per un'esecuzione musicale espressiva e significativa.

Le lezioni con musicisti principianti dovrebbero essere varie e interessanti, con un cambiamento sistematico delle attività. Per molti anni di studio in una scuola di musica, i bambini dovrebbero ascoltare molto, saper parlare di musica e opere musicali, saper analizzare il testo musicale, percepire una certa immagine artistica attraverso i mezzi di espressione musicale. Alle prime lezioni, i bambini non dovrebbero solo padroneggiare le basi teoriche della musica, ma anche imparare a intonare puramente la melodia con la loro voce, prenderla sullo strumento da chiavi diverse, acquisire la capacità di ascoltarne l'accompagnamento armonico. Prima di tutto, è necessario insegnare al bambino a sentire la connessione logica dei suoni musicali che formano una melodia. Ci sono casi in cui gli studenti che eseguono brani complessi non possono riprodurre (suonare o cantare) a memoria la melodia di un brano già appreso. La ragione di questo fenomeno risiede nel fatto che il processo pedagogico iniziale è stato costruito in modo errato: l'insegnante ha prestato attenzione al lato artigianale e tecnico dell'educazione, dimenticando lo sviluppo musicale. I canti e le canzoni più semplici, una volta appresi, dovrebbero educare i bambini alla corretta percezione uditiva della melodia. Allo stesso tempo, va ricordato che un'esecuzione melodiosa, un bel fraseggio sono associati alla corretta padronanza del gioco del legato. È meglio iniziare le lezioni sviluppando un buon "legato" nell'esecuzione della melodia "legato".

Va tenuto presente che il vero buon suono si ottiene come risultato del lavoro diretto delle dita e del mantice, e sia il modo in cui le dita toccano i tasti che il mantice si completano costantemente a vicenda e, cosa che va sempre ricordata, sono reciprocamente dipendenti dallo specifico musica suonata. Gli esercizi per non legato, legato sono utili per giocare con il trasferimento della mano da un'ottava all'altra, sentendo la libertà della mano. I tipi di lavoro creativo alle lezioni di una speciale fisarmonica a bottoni sono molto diversi, affascinano i piccoli musicisti che iniziano a sentire se stessi e la loro importanza in mondo della musica con la prima fortuna, con la prima lavoro creativo. Digitato indipendentemente nel programma "Final" - il testo musicale è un capolavoro per i musicisti principianti. Cominciano a sentire il loro coinvolgimento con la musica, con le capacità di composizione e iniziano a esercitarsi con entusiasmo. Nel lavorare con un gruppo di studenti, è importante affascinarli con un lavoro creativo congiunto. Può essere una preparazione per qualsiasi serata, vacanza. E qui incontrerai sicuramente un ampio raggio di immaginazione dei bambini. Amano disegnare, scrivere sceneggiature, comporre opere sui loro disegni e usarli in spettacoli teatrali. I bambini devono solo essere in grado di accendere e affascinare con la creatività!

Tipi di lavoro creativo:

• selezione di melodie con la loro successiva complicazione con schemi ritmici di chiavi diverse;
• selezione dell'accompagnamento di canti e melodie;
• comporre frasi melodiche in parole,
• comporre una melodia per schemi ritmici;
• completamento di frasi;
• scrivere frasi di domanda-risposta;
• scrivere una commedia per un disegno;
• trasformazione di una melodia in generi diversi (marcia, polka, valzer, canto);
• comporre uno studio con varie trasformazioni, e molti altri...

Parallelamente allo sviluppo del controllo uditivo del bambino, è imperativo sviluppare le capacità di leggere tutti i segni complessi inclusi nel concetto "Il concetto di" testo musicale "significa non solo note, ma anche designazioni di durata, dinamica, diteggiatura indicazioni, ecc.

È imperativo abituare lo studente allo studio approfondito e alla precisa attuazione di tutte le numerose designazioni, che sono la chiave per comprendere l'intenzione del compositore. Educare l'abitudine all'esatta osservanza delle designazioni della diteggiatura, e successivamente un atteggiamento consapevole nei confronti di questo problema, contribuirà alla crescita tecnica dello studente. La diteggiatura è scelta dall'insegnante per la divisione più conveniente del brano, seguita da una spiegazione dell'opportunità del prescelto, al fine di superare le difficoltà il prima possibile. La diteggiatura è selezionata in accordo con gli obiettivi artistici del lavoro.

Nel primo anno di studio, lo studente acquisisce determinate abilità tecniche, che vengono sviluppate su esercizi speciali in studi, varie costruzioni posizionali e sequenze di cinque tasti, scale. Lo studio delle scale dovrebbe essere associato al loro uso nella letteratura pedagogica, combinando così compiti tecnici e artistici. "La tecnica deve andare di pari passo con un genuino sviluppo musicale fin dall'inizio", scrive Hoffmann. L'attenzione dello studente dovrebbe essere rivolta all'uniformità del suono nel gioco delle scale. Il corretto studio e assimilazione di scale, esercizi, ecc. nel primo anno di studio è la chiave per un buon avanzamento tecnico dello studente in futuro. Lo sviluppo della tecnica del suonatore di bayan dovrebbe essere associato allo sviluppo musicale generale. Il compito più importante del processo pedagogico è l'esercizio corretto e produttivo allo strumento. Ma un esercizio non può essere inteso come suonare solo scale, studi istruttivi...

La tecnica include la padronanza di tutte le tecniche necessarie per incarnare un'immagine artistica. "La tecnica è tocco, diteggiatura, conoscenza del fraseggio", scrive M. Long. Pertanto, il lavoro su compiti puramente tecnici dovrebbe andare di pari passo con il lavoro sul suono, sul fraseggio, ecc. "Collega sempre l'esercizio con il lavoro sull'esecuzione, la difficoltà spesso non è nelle note, ma nell'ombra dinamica prescritta", ha scritto F. Busone. Necessario lavoro tecnico subordinato a compiti artistici in modo che non vi sia divario tra lo sviluppo musicale e l'accumulo di capacità motorie. I risultati del lavoro su scale e arpeggi, ad esempio, senza i quali non è concepibile lo sviluppo della tecnica di uno studente, dovrebbero essere presi in considerazione quando si eseguono opere d'arte. Ci sono casi in pratica in cui uno studente che suona bene le scale non può applicarle nelle opere studiate con le dinamiche e il fraseggio necessari. Nella scelta per uno studente degli studi necessari allo sviluppo di alcuni tipi di tecnica, l'insegnante dovrebbe dare la preferenza a quelli in cui le difficoltà tecniche e compiti musicali sono in unità. Lo studente, assimilando e accumulando capacità motorie, deve lavorare contemporaneamente sul fraseggio, sulla sfumatura.

Libri usati:

1. Akimov Yu. T. Scuola di fisarmonica a bottoni
2. Labbra F. R. L'arte di suonare la fisarmonica a bottoni
3. Sudarikov. scuola di fluidità
4. Barenboim L. Pedagogia musicale e performance
5. Govorushko M. Sulle basi dello sviluppo delle capacità esecutive di un fisarmonicista
6. Ilyin E. N. L'arte della comunicazione
7. Semyonov I. Scuola moderna di suonare la fisarmonica a bottoni