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Valutazione dei pianisti mondiali. Pianisti moderni: un elenco dei migliori pianisti del nostro tempo, opere

KGKP "Scuola d'arte di Akimat del distretto di Shemonaikha"

progetto di ricerca

Grandi pianisti - esecutori

XIX, XX, XXI secolo

Preparato da: Tayurskikh Daria Grado 5

Podfatilov Denis Grado 3

Guida del gruppo:

insegnante di scuola d'arte

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Introduzione……………………………………………………………...2

XIX secolo………………………………………………………………..3

XX secolo…………………………………………………………………..13

XXI secolo……………………………………………………………….24

Conclusione…………………………………………………..............

... "pianoforte - è l'inizio e la fine di tutto, non tanto uno strumento musicale quanto uno stile di vita, e il significato non è nella musica per amore della musica, ma nella musica per amore del pianoforte."

Herold Schönberg

pianisti– Questo musicisti, specializzata nell'esecuzione pianistica di opere musicali.

Grandi pianisti. Come si diventa un grande pianista? È sempre un sacco di lavoro. E tutto inizia nell'infanzia. Molti pianisti e compositori hanno iniziato a suonare all'età di 4 o anche 3 anni.Quindi, quando si forma una forma "ampia" del palmo, che in futuro aiuta a giocare magistralmente.

A seconda dell'era dello sviluppo della musica per pianoforte, a volte venivano proposti requisiti diametralmente opposti per i pianisti. Inoltre, la professione di musicista si interseca inevitabilmente con quella di compositore. La maggior parte dei pianisti compone da sé brani per pianoforte. E solo rari virtuosi sono riusciti a diventare famosi eseguendo esclusivamente melodie di altre persone.
In ogni caso, come ogni musicista, è importante che un pianista sia sincero ed emotivo, capace di dissolversi nella musica che esegue.

La storia della musica per pianoforte è piuttosto interessante. Ci sono diverse fasi in esso, ognuna delle quali ha le sue tradizioni. Spesso i canoni dell'epoca erano fissati da uno (raramente da più) compositori che suonavano magistralmente lo strumento (dapprima era il clavicembalo e poi il pianoforte).

Pertanto, evidenziando tre epoche nella storia del pianismo, prendono il nome dai compositori più famosi: Mozart, Liszt e Rachmaninoff. Nella terminologia tradizionale degli storici, queste erano rispettivamente le epoche del classicismo, poi del romanticismo e del primo modernismo.

Ognuno di loro è rimasto per secoli un grande compositore, ma un tempo ognuno ha anche determinato le tendenze chiave del pianismo: classicismo, romanticismo e primo modernismo. Allo stesso tempo, altri grandi pianisti hanno agito contemporaneamente con ciascuno di loro. Alcuni di loro erano anche grandi compositori. Erano: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann e altri.

Se fai un viaggio nella storia della scienza del pianoforte, puoi imparare molte cose interessanti. Ad esempio, che in tempi diversi, in epoche diverse, le tradizioni chiave nel suonare il pianoforte furono determinate da uno o più grandi compositori che sapevano suonare fluentemente il clavicembalo e in seguito, con l'avvento del pianoforte, furono eccellenti pianisti.

Molti famosi pianisti hanno intrattenuto e deliziato ascoltatori e amanti della musica nel corso della storia. Il pianoforte è diventato uno degli strumenti più popolari sin dalla sua invenzione grazie alla sua versatilità e al suono piacevole. Sebbene la storia abbia conservato diversi nomi di grandi pianisti, qualsiasi recensione dei più famosi pianisti-esecutori è molto soggettiva ei nomi di tali artisti sono difficili da inserire in un elenco.

Tuttavia, ci sono ancora pianisti che sono riusciti a raggiungere la vetta della fama e del riconoscimento mondiale.

XIXsecolo

Nella seconda metà del XIX secolo, un nuovo strumento entra nella vita musicale: pianoforte. L'inventore di questo "clavicembalo con pianoforte e forte" fu un maestro padovano

Bartolomeo Cristofori.

A poco a poco, il pianoforte, migliorando, ha preso un posto dominante nella pratica musicale. Uno strumento con azione a martello ha permesso di estrarre su di esso suoni di varie intensità e applicarli gradualmente crescendoEdiminuendo. Queste qualità del pianoforte corrispondevano al desiderio di espressività emotiva del suono, al trasferimento nel loro movimento e allo sviluppo di immagini, pensieri e sentimenti che eccitavano le persone.

Con l'avvento del pianoforte e la sua introduzione nella pratica esecutiva, sono nati nuovi rappresentanti.

19esimo secolo proporre un'intera galassia di compositori eccezionali che hanno notevolmente ampliato i confini dei mezzi tecnici ed espressivi del pianoforte. Nelle maggiori città, centri europei di cultura musicale e performativa, le principali scuole pianistiche, Questo:

Londra(Muzio Clementi, Johann Baptist Cramer, John Field);

Vienna(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg e altri);

Parigino, in seguito noto come francese(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer e altri);

Tedesco(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow e altri);

russo(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton e Nikolai Rubinstein, ecc.).

Stile di performance del XIX secolo

La storia dello sviluppo della tecnica pianistica è la storia delle culture e degli stili. Tra le abilità indispensabili di un pianista dei secoli 18-19 c'era l'improvvisazione, allora il pianista non si era ancora separato dal compositore, e se eseguiva la musica di qualcun altro, allora la regola era considerata molto libera, individualmente creativa manipolazione del testo musicale, c'era una pratica di colorazione e variazioni, oggi considerata non valida.

Lo stile dei maestri del XIX secolo era pieno di una tale ostinazione esecutiva che lo considereremmo al cento per cento insapore e inaccettabile.

Un ruolo eccezionale nello sviluppo della musica per pianoforte e della cultura pianistica appartiene a Scuole di Londra e Vienna.

Il fondatore della London School era il famoso virtuoso, compositore e insegnante

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi ei suoi studenti suonavano il pianoforte inglese, che aveva un suono eccezionale e richiedeva una battitura chiara e forte, poiché questo strumento aveva una tastiera molto stretta. Il pianoforte viennese, progettato dal maestro Johann Stein e prediletto da Mozart, aveva un suono più melodioso, anche se non così forte, e aveva una tastiera relativamente leggera. Diventando quindi direttore e poi comproprietario di una delle più grandi ditte di pianoforti in Inghilterra, Clementi conseguì un miglioramento degli strumenti inglesi, conferendo loro maggiore melodiosità e alleggerendo la tastiera. L'impulso per questo fu un incontro personale tra Clementi e Mozart nel 1781 a Vienna, dove ebbe luogo il loro originale concorso come compositori e pianisti alla corte dell'imperatore austriaco. Clementi è rimasto colpito dall'anima del modo di suonare di Mozart e dal suo "canto al pianoforte".

Muzio Clementi - l'autore di numerose opere per pianoforte e il più grande insegnante, ha creato la sua scuola di pianoforte. Fu autore dei primi esercizi e studi tecnici istruttivi nella storia del pianoforte, dando un'idea dei suoi principi metodologici.

Lo stesso Clementi ei suoi studenti (I. Kramer, D. Field - uno degli studenti più dotati, E. Brekr) - i maggiori virtuosi dell'inizio del XIX secolo - si distinguevano per l'eccellente tecnica delle dita. Clementi, insieme ai suoi allievi, ha creato una tecnica progressiva incentrata sullo sviluppo di nuovi modi di interpretare lo strumento, utilizzando la piena prospettiva del suono e del rilievo del "concerto". Opera pedagogica di M. Clementi "Passo al Parnaso, ovvero l'arte di suonare il pianoforte, incarnata in 100 esercizi in uno stile rigoroso ed elegante". Questo lavoro è una scuola fondamentale per l'educazione delle abilità pianistiche, 100 esercizi stupiscono per la varietà di contenuti e il volume dei compiti di esecuzione. Molti rappresentanti della scuola londinese furono audaci innovatori nel campo del pianismo, utilizzando nelle loro composizioni, oltre ai passaggi delle dita, doppie note, ottave, costruzioni di accordi, prove e altre tecniche che conferiscono al suono brillantezza e varietà.

La scuola Clementi ha dato vita ad alcune tradizioni nella pedagogia pianistica:

il principio di molte ore di esercitazioni tecniche;

suonare con dita "isolate" a forma di martello con mano ferma;

gravità del ritmo e dinamiche di contrasto.

fondatori Scuola Viennese c'erano grandi compositori pianisti: Haydn, Mozart e Beethoven.

Un rappresentante di spicco della pedagogia pianistica progressista era molto famoso.

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

La "Scuola pianistica teorica e pratica" di Czerny ha molto in comune con il "Manuale" di Hummel. Parlando in dettaglio della tecnica del suonare, delle modalità del suo sviluppo e dell'acquisizione delle abilità necessarie per un pianista, sottolinea nella terza parte del suo lavoro che tutto ciò è solo “un mezzo per raggiungere il vero obiettivo dell'arte, che, indubbiamente, è mettere l'anima nella performance e lo spirito, e quindi influenzare i sentimenti e i pensieri degli ascoltatori.

Si dovrebbe concludere che i metodi di insegnamento del XIX secolo erano ridotti a compiti puramente tecnici, basati sul desiderio di sviluppare la forza e la fluidità delle dita attraverso molte ore di allenamento. Insieme a questo, nella prima metà del XIX secolo, gli esecutori più dotati, per lo più studenti di Clementi, Adam, Czerny, Field e altri insegnanti eccezionali, che avevano raggiunto un alto virtuosismo, svilupparono coraggiosamente nuove tecniche di esecuzione pianistica, raggiungendo il potere di il suono dello strumento, la brillantezza e la brillantezza di passaggi complessi. Di particolare importanza nella trama delle loro opere erano le costruzioni di accordi, le ottave, le doppie note, le prove, le tecniche di spostamento della mano e altri effetti che richiedono la partecipazione dell'intera mano.

Parigi XIX secolo è il centro cultura musicale, abilità virtuosa. È considerato il creatore della scuola parigina di pianoforte compositore, pianista, insegnante

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

Nella sua opera "Metodo per insegnare il pianoforte con l'ausilio di una maniglia" (1830) si sostanziava l'utilizzo di dispositivi tecnici per lo sviluppo di vari tipi di tecnica (fine, allungamento muscolare, ecc.). Caratteristica scuole di questo tipo - una comunità di pedagogia autoritaria installazioni. La formazione è iniziata con lo sviluppo della corretta vestibilità dello strumento e la padronanza delle più semplici formule tecnico-motorie, e solo molto più tardi gli studenti hanno iniziato a imparare le opere musicali.

Il desiderio di virtuosismo ha portato alla forzatura del ritmo delle lezioni, all'abuso di esercizi meccanici, che ha portato a malattie professionali e una diminuzione del controllo uditivo.

Germania del XIX secolo L'influenza dell'attività letteraria-critica e pedagogica sull'estetica romantica di questo paese è significativa.

Roberto Schumann (1810-1856)

luogo significativo Nelle opere di Robert Schumann si occupava lo sviluppo delle domande sulla formazione di un musicista, un vero artista di un nuovo tipo, fondamentalmente diverso dai virtuosi alla moda. Il compositore considera questo uno dei mezzi più efficaci per elevare la cultura musicale.

I problemi della pedagogia musicale sono toccati nelle opere di R. Schumann "Regole di casa e di vita per i musicisti", "Supplemento all'album per la gioventù", nella prefazione agli Studi sui capricci di Paganini op.Z. le principali questioni musicali e pedagogiche sono le seguenti: l'interazione dell'educazione etica ed estetica , l'acquisizione di una conoscenza profonda e versatile che costituisce la base di qualsiasi educazione, la formulazione dei principi dell'arte seria e la critica della direzione del salone e la passione per "tecnica per amore della tecnologia" nella composizione e arti dello spettacolo; lotta contro il dilettantismo.

Le opinioni musicali e pedagogiche di Schumann servivano e servono come base dell'avanzato metodologia moderna. La musica per pianoforte del compositore è ancora utilizzata attivamente nei programmi di studio di tutti i livelli fino ad oggi.

Impossibile non parlare di un così grande compositore e virtuoso pianista polacco

Fryderik Chopin (1810-1849)

Nella prima metà del XIX secolo, Frederic Chopin divenne il primo compositore a scrivere esclusivamente per pianoforte. Da bambino dotato, Chopin ha scritto molti pezzi per pianoforte belli e complessi che hanno deliziato molti studenti e pianisti per molti anni. Chopin conquistò rapidamente Parigi. Ha subito colpito il pubblico con una performance particolare e insolita. A quel tempo, Parigi era invasa da musicisti provenienti da tutto il mondo. I pianisti virtuosi erano i più popolari. Il cui gioco si è distinto per perfezione tecnica e brillantezza, sbalordendo il pubblico. Questo è il motivo per cui il primo concerto di Chopin suonava come un contrasto così netto. Secondo le memorie dei contemporanei, la sua performance è stata sorprendentemente spirituale e poetica. Il ricordo del famoso musicista ungherese Franz Liszt è stato conservato sul primo concerto di Chopin. Il pianista e compositore che iniziò anche la sua brillante carriera: “Ricordiamo la sua prima esibizione nella Hall of Pleyel, quando gli applausi, che aumentarono a dismisura, non sembrarono in alcun modo sufficienti per esprimere il nostro entusiasmo di fronte al talento, che, insieme a felici innovazioni nel campo della sua arte, ha aperto una nuova fase nello sviluppo del sentimento poetico. Chopin conquistò Parigi, come una volta Mozart e Beethoven conquistarono Vienna. Come Liszt, è stato riconosciuto come il miglior pianista del mondo.

Compositore, pianista, direttore d'orchestra, insegnante ungherese

Franz Liszt (1811-1886)

Coetaneo e amico di F. Chopin. L'insegnante di pianoforte di Ferenc era K. Czerny.

Esibendosi in concerti dall'età di nove anni, Liszt divenne famoso per la prima volta come pianista virtuoso.

Nel 1823-1835. visse e tenne concerti a Parigi, dove sviluppò anche la sua attività pedagogica e compositiva. Qui il musicista conobbe e strinse amicizia con G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand e altri personaggi di spicco dell'arte e della letteratura.

Nel 1835-1839. Liszt viaggiò attraverso la Svizzera e l'Italia e durante questo periodo portò alla perfezione la sua abilità di pianista.

Nel suo lavoro di composizione, Liszt ha avanzato l'idea di una sintesi di diverse arti, principalmente musica e poesia. Da qui il suo principio principale: la programmazione (la musica è composta per una certa trama o immagine). Il risultato di un viaggio in Italia e conoscenza dei dipinti Maestri italiani divenne ciclo pianistico"Anni di peregrinazioni", oltre a una sonata fantasy "Dopo aver letto Dante".

Anche Franz Liszt ha dato un enorme contributo allo sviluppo della musica per pianoforte da concerto.

Cultura musicale della Russia nel XIX secolo. sembra essere una sorta di "macchina del tempo". Per cento anni la Russia ha percorso un percorso di tre secoli, con il quale non si può paragonare lo sviluppo regolare e graduale delle scuole di compositori nazionali. principali paesi Europa occidentale. E solo in quel momento i compositori russi riuscirono a padroneggiare la ricchezza accumulata dell'arte popolare nel vero senso della parola ea far rivivere i pensieri popolari in forme belle e perfette. musica classica.

Alla fine del XVIII - inizio XIX secolo. la pedagogia musicale in Russia sta muovendo i primi passi: si sta formando una scuola di pianoforte russa. È caratterizzato dallo sviluppo attivo di metodi di insegnamento stranieri e allo stesso tempo il desiderio degli insegnanti russi avanzati di creare una scuola nazionale di pianismo.

A differenza dell'Europa occidentale, la Russia non conosceva una cultura del clavicembalo altamente sviluppata, sebbene il clavicembalo fosse noto sin dal XVI secolo. Gli ascoltatori russi hanno mostrato un grande interesse esclusivamente per musica vocale e gli strumenti a tastiera che esistevano in Russia venivano usati per accompagnare canti e balli. Solo alla fine del XVIII secolo. crescente interesse nell'imparare a suonare il clavicembalo. The Clavier School of Simon Lelein, estratti dalla "Clavier School" di Daniel Gottlieb Türk sono stati pubblicati in russo.

All'inizio dell'Ottocento risale la pubblicazione del trattato di Vincenzo Manfredini "Le regole dell'armonico e del melodico per l'insegnamento di tutte le musiche". Insieme a questo, nella prima metà del XIX secolo furono pubblicate in russo varie scuole di pianoforte di musicisti stranieri: Scuola di pianoforte di M. Clementi (1816), Scuola di pianoforte pratica completa di D. Steibelt (1830), F Günten (1838) e altri .

Tra i musicisti-insegnanti di spicco della prima metà del XIX secolo. erano I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gercke, Alexander Villuan.

In questi anni in Russia si diplomavano anche scuole di autori russi, i cui compilatori cercavano di avvicinare i sussidi didattici ai compiti di educazione dei musicisti russi. Il repertorio della "Scuola" di I. Prach (ceco, vero nome Jan Bohumir, anno di nascita sconosciuto, morto nel 1818; compositore, che ha lavorato a lungo a San Pietroburgo come insegnante di musica in varie istituzioni educative) comprendeva , ad esempio, molte opere di autori russi.

Nella guida originale I. Pracha"Complete School for Piano..." (1806) ha tenuto conto delle specificità della cultura esecutiva russa; sono state sollevate questioni sull'educazione musicale dei bambini. Prach ha dato un contributo significativo allo sviluppo della pedagogia del pianoforte. Concretizza le disposizioni teoriche sulla base di indicazioni metodologiche che determinano diverse modalità di esecuzione. (figurazioni armoniche, arpeggi e accordi, ottave spezzate, ecc.) con esempi che illustrano una particolare tecnica o movimento.

Attività J. Campo come musicista e insegnante è stato di grande importanza per la pedagogia pianistica russa. Ha allevato una galassia di musicisti famosi, come M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke e molti altri. La scuola di Field era, ovviamente, di grande importanza. Può essere considerato il fondatore della principale scuola di pianoforte. Negli anni 20-30. 19esimo secolo Nei suoi studi, Field ha cercato di subordinare il lavoro tecnico agli obiettivi artistici: espressività del fraseggio, rifinitura in filigrana del suono di ogni nota, divulgazione del contenuto dell'opera.

R. HenseltEA.Gerke

Hanno insegnato nelle istituzioni educative generali e al Conservatorio di San Pietroburgo. Il loro metodo pedagogico rifletteva la direzione progressiva della scuola pianistica russa, vale a dire: sviluppo di orizzonti basati sull'uso di un vasto repertorio, il desiderio di educare l'indipendenza dello studente. Erano ardenti oppositori del metodo di "addestramento", "perforazione".

A. Villano era un educatore progressista. Il suo ruolo storico sta nel fatto che ha svelato il talento musicale di A. Rubinstein il bambino ed è riuscito a dare la giusta direzione al suo sviluppo. Gli aspetti migliori del metodo pedagogico di Villuan, manifestati nel suo attività pratiche, si riflettevano nella sua "Scuola" (1863). Il metodo di estrazione del suono che ha trovato - "cantare" al pianoforte - è diventato uno dei più potenti mezzi artistici A. I giochi di Rubinstein. "Scuola" copre una grande quantità di conoscenze relative alla formazione tecnica e all'educazione musicale di un pianista. Particolarmente preziose sono le opinioni di Villuan sul raggiungimento di un suono di pianoforte melodioso e profondo, sullo sviluppo del legato, per il quale vengono utilizzate tecniche ragionevoli che non hanno perso il loro significato nemmeno oggi.

Nella storia dell'arte pre-rivoluzionaria e post-rivoluzionaria russa, il ruolo principale appartiene a Conservatori di San Pietroburgo e Mosca

i più grandi centri di cultura musicale del paese. Le attività di entrambi i conservatori si sono sviluppate in stretto contatto, il che è stato determinato non solo dalla comunanza dei loro compiti, ma anche dal fatto che molto spesso gli alunni del Conservatorio di San Pietroburgo lavoravano a Mosca e i moscoviti sono diventati insegnanti del Conservatorio di San Pietroburgo Conservatorio.

Quindi, P. I. Tchaikovsky si è laureato al Conservatorio di San Pietroburgo, poi è diventato uno dei primi professori del Conservatorio di Mosca; L. Nikolaev (allievo di V. Safonov al Conservatorio di Mosca) - in seguito uno dei principali rappresentanti della scuola di pianoforte di Leningrado; Gli studenti di Nikolaev V. Sofronitsky e M. Yudina hanno lavorato a Mosca per diversi anni.

Fondatori dei Conservatori di San Pietroburgo e Mosca, fratelli

Anton e Nikolaj Rubinstein,

Durante gli anni di guida dei conservatori, hanno posto le basi fondamentali per la formazione dei giovani musicisti. I loro allievi (A. Siloti, E. Sauer - studenti di Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drukker, I. Hoffman - studenti di Anton) sono diventati i primogeniti in una galassia di giovani artisti che hanno ottenuto riconoscimenti da la comunità musicale mondiale.

Grazie agli sforzi dei fratelli Rubinstein, la pedagogia pianistica russa acquisì nell'ultimo terzo del XIX secolo. grande prestigio e Riconoscimento internazionale. È a loro che la Russia deve il fatto di aver preso uno dei primi posti nell'imparare a suonare il pianoforte.

Si può concludere che sia gli insegnanti-musicisti avanzati dell'Europa occidentale che quelli russi del XIX secolo cercassero modi ragionevoli e originali per influenzare lo studente. Stavano cercando modi efficaci per razionalizzare il lavoro tecnico. Usando in modo creativo le tradizioni della produzione musicale clavicembale e le idee che si sono sviluppate nei secoli precedenti sull'essenza del processo di formazione della tecnica esecutiva del pianista, la metodologia del XIX secolo. giunse alla giustificazione di un opportuno principio di esecuzione: l'uso olistico dell'apparato pianistico. Fu nel XIX secolo che fu creato un database davvero grandioso di studi ed esercizi, che fino ad oggi rimane indispensabile nell'insegnamento del pianoforte.

Analisi materiale musicale mostra che i suoi creatori sono insiti nel desiderio di cercare movimenti di gioco naturali, principi di diteggiatura associati alle caratteristiche strutturali della mano umana.

Tuttavia, va notato che il 19 ° secolo. ha dato alla pedagogia e all'educazione musicale un sistema di idee brillanti e promettenti e, soprattutto, il desiderio di educare un musicista istruito attraverso lo sviluppo opportuno della sua individualità creativa.

XXsecolo

20 secolo - il periodo di massimo splendore dell'arte del pianoforte. Questo periodo è insolitamente ricco di pianisti eccezionali e di eccezionale talento.

All'inizio del 20 ° secolo divenne famoso Hoffmann E corto, Schnabel E Paderevsky. E naturalmente CON. Rachmaninov, il genio della Silver Age, che ha segnato nuova era non solo nella musica per pianoforte, ma anche nella cultura mondiale in generale.

La seconda metà del 20 ° secolo è l'era di pianisti famosi come Sviatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.L'elenco continua...

Stile di performance del 20 ° secolo

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Questo è il desiderio di una profonda comprensione del testo musicale, e per l'esatta trasmissione dell'intenzione del compositore, e la comprensione dello stile e della natura della musica come base per un'interpretazione realistica delle immagini artistiche incorporate nell'opera.

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Fine XIX - inizio XX secolo - un periodo estremamente movimentato nella storia della cultura artistica mondiale. Il confronto tra la cultura democratica delle masse, che entravano sempre più attivamente nella lotta per i propri diritti sociali, e la cultura d'élite della borghesia divenne estremamente aggravato.

Grandi Artisti di questo tempo ha riconosciuto le caratteristiche della crisi in evoluzione nuova musica: "Viviamo in un'epoca in cui le fondamenta dell'esistenza umana vengono scosse", ha affermato I.F. Stravinsky, uomo moderno perde il senso del valore e della stabilità .... Poiché lo spirito stesso è malato, la musica del nostro tempo, e soprattutto ciò che crea, ciò che considera vero, porta con sé segni di insufficienza patologica. Confessioni simili potrebbero essere ascoltate più di una volta dalle labbra di altri grandi musicisti.

Ma, nonostante l'impatto della crisi dell'epoca, la musica ha raggiunto nuove brillanti vette. La pedagogia pianistica si è arricchita di molte opere interessanti. L'attenzione degli autori delle opere pubblicate è stata rivolta alle questioni della padronanza artistica degli studenti.

Eccellenti insegnanti di pianista G. Neuhaus, G. Hoffmann, I. Kogan metodi sviluppati per l'apprendimento di successo degli studenti.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianista, insegnante, scrittore di musica. Fondatore della più grande scuola di pianoforte sovietica. Tutto ciò di cui scrive è intriso di un amore appassionato per l'arte, la musica per pianoforte e la performance.

Di grande interesse per noi è il libro intitolato "Sull'arte di suonare il pianoforte".

Il libro è stato scritto da linguaggio figurativo, è pieno di giudizi su molti compositori, esecutori e insegnanti. Pone nuovi problemi e domande che riguardano ogni pianista. Ci sono molte pagine in esso, che hanno il carattere di un'autobiografia musicale, dedicata ai ricordi del proprio percorso creativo. Tuttavia, in questa improvvisazione emergono chiaramente le opinioni dell'autore sull'arte pianistica e sui compiti dell'insegnante. Nelle sue opere, Neuhaus scrive dell'immagine artistica, del ritmo, del suono, del lavoro sulla tecnica, della diteggiatura e della pedalata, dei compiti di un insegnante e di uno studente e dell'attività concertistica di un musicista.

Con grande persuasività, mostra che la cosiddetta metodologia "da manuale", che fornisce principalmente una ricetta - "regole dure", anche se vere e comprovate, sarà sempre solo una metodologia iniziale, semplificata, costantemente bisognosa di sviluppo , chiarimento di fronte alla vita reale, aggiunta o, come dice lui stesso, "in una trasformazione dialettica". Si oppone bruscamente e con temperamento al "metodo di coaching" e al "risucchio infinito delle stesse opere" nel lavoro pedagogico, contro la falsa posizione secondo cui "la regia può fare tutto con gli studenti". Cerca di risolvere dialetticamente non solo problemi generali di esecuzione musicale, ma anche questioni tecniche più ristrette.

Definendo il ruolo dell'insegnante, Neuhaus ritiene che l'insegnante dovrebbe sforzarsi di essere non tanto un insegnante di pianoforte quanto un insegnante di musica.

Neuhaus ha prestato particolare attenzione nel suo lavoro pedagogico al rapporto tra "musicale" e "tecnico". Pertanto, ha cercato principalmente di superare l'incertezza tecnica, la rigidità dei movimenti dello studente nella sfera di influenza sulla psiche dello studente, sui percorsi della musica stessa. Ha agito in modo simile quando ha raccomandato agli studenti metodi per lavorare su "luoghi difficili". A suo avviso, tutto ciò che è "difficile", "complesso", "non familiare" dovrebbe, se possibile, essere ridotto a più "facile", "semplice", "familiare"; allo stesso tempo consiglia vivamente di non abbandonare il metodo per aumentare la difficoltà, poiché con l'aiuto di questo metodo il giocatore acquisisce quelle abilità, quell'esperienza che gli permetteranno di risolvere completamente il problema.

Infine, Neuhaus ha cercato in tutti i modi di avvicinare lo studente alla musica, di rivelargli il contenuto dell'opera in mostra, e non solo di ispirarlo in modo poetico vivido, ma anche di dargli un'analisi dettagliata della forma e struttura dell'opera - melodia, armonia, ritmo, polifonia, trama - in una parola, per rivelare allo studente gli schemi della musica e le modalità della sua attuazione.

Parlando di ritmo come uno degli elementi più importanti che compongono il processo esecutivo, Neuhaus sottolinea la grande importanza del "senso dell'insieme", la capacità di "pensare a lungo", senza la quale il pianista non può suonare in modo soddisfacente nessuna opera importante in termini di forma .

L'autore considera la sottovalutazione di suono (ascolto insufficiente del suono) e la sua sopravvalutazione, cioè "assaporare la sua bellezza sensuale". Ponendo questa domanda in questo modo, Neuhaus definisce il concetto di bellezza del suono in un modo nuovo - non astrattamente, fuori dal contatto con lo stile e il contenuto, ma derivandolo dalla comprensione dello stile e della natura della musica eseguita.

Allo stesso tempo, sottolinea che un'opera musicale e la "fiducia musicale" non risolvono il problema della padronanza della tecnica pianistica. È necessario anche l'allenamento fisico, fino a un gioco lento e forte. “In tale lavoro”, aggiunge, “devono essere osservate le seguenti regole: assicurarsi che il braccio, l'intero braccio, dalla mano all'articolazione della spalla, sia completamente libero, non si “congela” da nessuna parte, non sia bloccato, non si “irrigidisce”, non perde la sua potenziale (!) flessibilità pur mantenendo una completa calma ed utilizzando solo quei movimenti strettamente “necessari”.

Determinare la tua prospettiva diteggiatura, Neuhaus scrive che la migliore diteggiatura è quella che ti permette di trasmettere più accuratamente il significato di questa musica. La diteggiatura associata allo spirito, al carattere e allo stile musicale dell'autore, definisce la più bella ed esteticamente giustificata.

In modo simile, Neuhaus definisce il problema pedalare. Dice giustamente che le regole generali su come prendere il pedale stanno alla pedalata artistica come una parte della sintassi sta al linguaggio del poeta. In sostanza, secondo lui, non esiste un pedale corretto. Il pedale artistico è inseparabile dall'immagine sonora. Questi pensieri sono supportati nel libro da una serie di esempi interessanti, dai quali è chiaro quale importanza l'autore attribuisse ai vari metodi di pedalata.

Possiamo solo dire che Neuhaus considerava la tecnica del pianista come qualcosa di organicamente connesso con la comprensione della musica e le aspirazioni artistiche. Questa, infatti, è la base della scuola di esecuzione sovietica in generale e, in particolare, della scuola Neuhaus, che ha formato artisti straordinari come S. Richter, E. Gilels, J. Zak e molti altri pianisti eccezionali.

Un contributo peculiare alla scuola pianistica sovietica sono articoli e libri

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Nel libro "Alle porte della maestria" l'autore parla dei prerequisiti psicologici per il successo del lavoro pianistico. In questo lavoro individua "tre anelli principali": una chiara visione dell'obiettivo, focalizzazione su questo obiettivo e una volontà persistente di raggiungerlo. Nota giustamente che questa conclusione non è nuova e si applica non solo ai pianisti, ma a qualsiasi campo dell'arte e dell'attività lavorativa umana.

Nella prefazione al libro parla del significato della psiche del pianista, del ruolo del corretto adattamento psicologico nel suo lavoro, condizione necessaria per il buon esito delle lezioni. Questo argomento è di grande interesse non solo per gli artisti, ma anche per gli insegnanti, dai quali molto dipende dalla formazione della psiche dello studente e dal suo adattamento psicologico.

Parlando dell'obiettivo, della volontà, dell'attenzione, della concentrazione, dell'autocontrollo, dell'immaginazione e di altri elementi che determinano il successo nel lavoro di un pianista, Kogan aggiunge loro la necessità di un desiderio appassionato di esprimere le immagini musicali concepite e amate in un ideale modulo. Presta particolare attenzione alla questione della "calma creativa" e dell'eccitazione dell'esecutore prima dell'esibizione e durante l'esibizione al concerto.

Considerando le varie fasi del lavoro di un pianista su un brano, Kogan caratterizza in dettaglio le tre fasi di questo processo: 1) visione e anteprima, 2) apprendimento a pezzi, 3) "assemblaggio" dell'opera come fase finale.

Kogan si è soffermato in particolare su questioni di fraseggio, diteggiatura, raggruppamento tecnico e rappresentazione mentale delle difficoltà. Quasi tutto ciò che ha analizzato si basa sui principi pianistici di Busoni.

Il libro contiene anche un'analisi di alcuni aspetti delle arti performative, che in letteratura metodologica ricevuto relativamente poca attenzione. Questi includono, ad esempio, la questione del sottotesto verbale di vari episodi in opere per pianoforte, che può servire come "guida all'intonazione ausiliaria" che rende più facile "trovare la naturale distribuzione del respiro, una convincente" pronuncia "delle singole intonazioni".

Dopo aver studiato l'eredità pedagogica di Kogan, possiamo concludere che le opere di Kogan caratterizzano ampiamente il fondamentale indicazioni metodologiche moderna scuola pianistica sovietica nelle arti dello spettacolo pianistico.

Uno dei più grandi pianisti dell'inizio del nostro secolo, è la gloria delle arti dello spettacolo del XX secolo

Giuseppe Hoffmann (1876-1957)

Il destino dell'artista itinerante - un fenomeno che in forma civilizzata conserva le tradizioni dei musicisti itineranti - è stato a lungo il destino di Hoffmann. Hoffmann era anche impegnato in attività pedagogiche, ma non era così brillante come esibirsi.

Hoffmann attribuiva grande importanza al periodo di studio. La necessità di un Maestro, l'obbligo di fidarsi di lui, la sua importanza per la formazione di un esecutore: questi sono i motivi che compaiono ripetutamente sulle pagine dei libri di Hoffmann. Lo stesso Hoffmann fu fortunato con i suoi insegnanti: erano il famoso pianista e compositore Moritz Moszkowski (autore di brillanti studi virtuosistici e pezzi da salotto) e il famoso Anton Rubinstein, l'incontro con il quale divenne uno degli eventi principali della vita creativa di Hoffmann.

Un altro evento importante nella vita di Hoffmann, che ha influenzato radicalmente il suo destino creativo, il modo di pensare, il modo di vivere, è stato il trasferimento in America (e in seguito l'adozione della cittadinanza americana). Quindi: una visione sobria e pratica della vita, un approccio professionale a qualsiasi problema, anche creativo; questa praticità puramente americana si nota sia nei libri che negli articoli.

Nel suo libro del 1914 Piano Playing Answers to Questions About Piano Playing, è importante che Hoffmann abbia delineato i principi generali che contribuiscono a suonare bene il pianoforte. Sottolinea il vantaggio delle lezioni al mattino. Consiglia di non studiare per più di un'ora, al massimo due ore di fila. Tutto dovrebbe dipendere dalla condizione fisica. Consiglia inoltre di modificare l'ora e la sequenza delle opere studiate. L'attenzione del pianista è focalizzata sulle discussioni sulla "tecnologia" del suonare il pianoforte, in cui ha compreso brillantemente. Hoffman considera importante il lavoro senza strumento (anche con e senza note).

Particolarmente importanti sono i pensieri di Hoffmann sulla "tecnica mentale" - la necessità di iniziare l'analisi di un'opera teatrale con un'analisi della forma e della trama; inoltre, nel processo di analisi, ogni passaggio "deve essere perfettamente preparato mentalmente prima di essere provato al pianoforte".

Hoffmann, è molto moderno in molte caratteristiche di stile. Ci è vicino con la sua praticità: tutto è essenzialmente, niente di superfluo.

Genio della Silver Age, grande pianista, compositore, direttore d'orchestra

Sergej Rachmaninov (1873-1943)

Ha iniziato a studiare sistematicamente la musica all'età di cinque anni età. Nel 1882, Sergei entrò a San Pietroburgo conservatorio. Nel 1885 si trasferì a Mosca e divenne studente al Conservatorio di Mosca, dove studiò prima con il famoso insegnante-pianista N. S. Zverev (il cui allievo era anche il compositore e pianista russo Alexander Nikolaevich Skryabin), e dal 1888 - con il pianista e il direttore Alexander Ilyich Siloti (pianoforte); compositore, pianista e direttore d'orchestra Anton Stepanovich Arensky (composizione, strumentazione, armonia); compositore, pianista e personaggio musicale e pubblico Sergei Ivanovich Taneyev (contrappunto di scrittura rigorosa).

Rachmaninoff è uno dei più grandi musicisti a cavallo tra il XIX e il XX secolo. La sua arte si distingue per la veridicità della vita, l'orientamento democratico, la sincerità e la completezza emotiva dell'espressione artistica. Rachmaninoff ha seguito le migliori tradizioni della musica classica, in particolare russa. Era un cantante pieno di sentimento di natura russa.

Impulsi appassionati di protesta inconciliabile e contemplazione silenziosa, vigilanza tremante e determinazione volitiva, tragedia cupa e inni entusiastici coesistono strettamente nelle sue composizioni. La musica di Rachmaninov, che possiede un'inesauribile ricchezza melodica e sottovoce-polifonica, ha assorbito fonti di canzoni popolari russe e alcune caratteristiche del canto di Znamenny. Una delle basi originali stile musicale Rachmaninov - una combinazione organica di ampiezza e libertà di respiro melodico con energia ritmica. Il tema della patria, centrale a creatività matura Rachmaninov. Il nome di Rachmaninov come pianista è alla pari con i nomi di F. Liszt e A. G. Rubinstein. Tecnica fenomenale, melodiosa profondità di tono, ritmo flessibile e imperioso obbedivano completamente al modo di suonare di Rachmaninov.

La fama del pianista Rachmaninoff era abbastanza grande e presto divenne davvero leggendaria. Le sue interpretazioni della propria musica e delle opere di compositori romantici - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt hanno riscosso un particolare successo. L'attività concertistica di Rachmaninoff come virtuoso pisciatore errante in città e paesi è continuata ininterrottamente per quasi 25 anni.

In America, dove, per caso, si è trasferito a vivere, ha ottenuto un successo sbalorditivo che non ha mai accompagnato qui un artista straniero. Gli ascoltatori erano attratti non solo dalle elevate capacità di esecuzione di Rachmaninoff, ma anche dal modo di suonare e dall'ascetismo esterno, dietro il quale si nascondeva la natura brillante del geniale musicista. "Una persona capace di esprimere i propri sentimenti in tale modo e con tale forza deve prima di tutto imparare a dominarli perfettamente, ad essere il loro padrone ..." - è stato scritto in una delle recensioni.

Le registrazioni su grammofono dell'esecuzione di Rachmaninov danno un'idea della sua tecnica fenomenale, del senso della forma e dell'atteggiamento eccezionalmente responsabile nei confronti dei dettagli. Il pianismo di Rachmaninov ha influenzato maestri eccezionali dell'esecuzione pianistica come Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Pianista americano - virtuoso di origine ucraino-ebraica, uno dei più grandi pianisti del XX secolo

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Nato in Russia dal 1928 negli Stati Uniti. Rappresentante dello stile di esecuzione romantico (opere di F. Liszt, anche nelle sue trascrizioni, Fryderyk Chopin, compositori russi, ecc.).

Vladimir Horowitz studiò con V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky e F. M. Blumenfeld al Kiev Musical College, trasformato nel settembre 1913 nel Kyiv Conservatory. Dopo la laurea nel 1920, V. Horowitz non ricevette un diploma, poiché non aveva un certificato di laurea in palestra. Ha eseguito il suo primo concerto da solista a Kharkov nel 1920 (ma il primo concerto pubblico documentato ha avuto luogo nel dicembre 1921 a Kiev). Poi ha tenuto concerti in varie città della Russia insieme a un giovane odessano, il violinista Natan Milshtein, per il quale è stato pagato più spesso con il pane che con i soldi, a causa della difficile situazione economica del paese.

Dal 1922 Horowitz, tenendo concerti nelle città di Russia, Ucraina, Georgia, Armenia, ha accumulato un repertorio gigantesco in termini di volume. Così, ad esempio, in tre mesi (novembre 1924 - gennaio 1925) eseguì più di 150 brani della famosa "serie di Leningrado", composta da 20 concerti. Nonostante il suo primo successo come pianista, Horowitz affermò di voler diventare un compositore, ma scelse la carriera di pianista per aiutare una famiglia che aveva perso tutte le sue ricchezze durante la Rivoluzione del 1917. Il successo dei "figli della rivoluzione" (come li chiamava Lunacharsky in uno dei suoi articoli) fu travolgente. In molte città sorsero club di ammiratori di questi giovani musicisti.

Nel settembre 1925 Vladimir Horowitz ebbe l'opportunità di partire per la Germania (ufficialmente partiva per studiare). Prima di partire, ha imparato e suonato il 1 ° concerto di P. I. Tchaikovsky a Leningrado. Grazie a questo lavoro, divenne famoso in Europa. Questo concerto ha svolto un ruolo "fatale" nella vita del pianista: ogni volta, ottenendo un trionfo nei paesi dell'Europa e dell'America, Horowitz ha eseguito proprio il 1 ° concerto di P. I. Tchaikovsky. Dopo il pianista, anche Milstein partì per la Germania nel dicembre 1925. In Europa, entrambi i musicisti hanno rapidamente guadagnato fama come brillanti virtuosi. Horowitz fu scelto dalle autorità sovietiche per rappresentare l'Ucraina al Concorso Internazionale Chopin inaugurale nel 1927, ma il pianista decise di rimanere in Occidente e quindi non partecipò al concorso. Fino al 1940 ha viaggiato con concerti in quasi tutti i paesi d'Europa e ovunque ha avuto un successo straordinario. A Parigi, mentre suonava V. Horowitz, furono chiamati i gendarmi per calmare il pubblico, che ruppe le sedie in estasi. Nel 1928, Vladimir Horowitz si esibì brillantemente alla Carnegie Hall di New York e viaggiò in molte città americane con clamoroso successo.

Pianista russo con radici tedesche

Svyatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Trascorse l'infanzia e la giovinezza a Odessa, dove studiò con il padre, pianista e organista formatosi a Vienna, e lavorò come accompagnatore al teatro dell'opera. Tenne il suo primo concerto nel 1934. All'età di 22 anni, formalmente autodidatta, entrò al Conservatorio di Mosca, dove studiò con Heinrich Neuhaus. Nel 1940 fece la sua prima apparizione pubblica a Mosca, eseguendo la 6a Sonata di Prokof'ev; successivamente divenne il primo esecutore della sua settima e nona sonata (quest'ultima è dedicata a Richter). Nel 1945 vinse il concorso All-Union di musicisti che si esibivano.

Fin dai primi passi nel campo professionale, è stato percepito come un virtuoso e un musicista di dimensioni eccezionali.

Per diverse generazioni di musicisti e amanti della musica sovietici e russi, Richter non è stato solo un pianista eccezionale, ma anche portatore della più alta autorità artistica e morale, la personificazione del moderno musicista-educatore universale. Il vasto repertorio di Richter, che si espanse fino agli ultimi anni della sua vita attiva, comprendeva musiche di epoche diverse, dal Clavicembalo ben temperato di Bach e le Suites di Handel al Concerto di Gershwin, alle Variazioni di Webern e ai Movimenti di Stravinskij.

In tutte le aree del repertorio, Richter si è dimostrato un artista unico, combinando l'assoluta oggettività dell'approccio al testo musicale (attenta aderenza alle istruzioni dell'autore, controllo fiducioso sui dettagli, evitamento di esagerazioni retoriche) con un tono drammatico insolitamente alto e concentrazione spirituale dell'interpretazione.

L'accresciuto senso di responsabilità di Richter nei confronti dell'arte e la capacità di arrendersi si sono manifestati nel suo speciale impegno per la performance d'insieme. In una fase iniziale della carriera di Richter, i suoi principali compagni di ensemble erano il pianista Anatoly Vedernikov, uno studente di Neuhaus, la cantante Nina Dorliak (soprano, moglie di Richter), la violinista Galina Barinova, il violoncellista Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (il loro perfetto, collaborazione veramente classica - tutte sonate per violoncello di Beethoven). Nel 1966 nasce la comunità di Richter e David Oistrakh; nel 1969 hanno presentato in anteprima la Sonata per violino di Shostakovich. Richter era un partner frequente del Quartetto. Borodin e ha collaborato volentieri con musicisti nuove generazioni, anche con Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kochis, i pianisti Vasily Lobanov e Andrey Gavrilov. L'arte di Richter come solista e suonatore di ensemble è immortalata in un numero enorme di registrazioni in studio e dal vivo.

Pianista sovietico, artista popolare dell'URSS

Emil Grigorievich Gilels (1916-1985)

Emil ha iniziato a suonare il pianoforte all'età di cinque anni e mezzo, il suo primo insegnante è stato Yakov Tkach. Dopo aver ottenuto rapidamente un notevole successo, Gilels fece la sua prima apparizione pubblica nel maggio 1929, eseguendo opere di Liszt, Chopin, Scarlatti e altri compositori. Nel 1930, Gilels entrò all'Odessa Institute of Music (ora Odessa Conservatory).

E l'anno successivo vinse il Concorso pianistico tutto ucraino, e un anno dopo incontrò Arthur Rubinstein, che parlò con approvazione della sua esibizione.

La fama arrivò al musicista dopo la sua vittoria nel 1933 al First All-Union Competition of Performing Musicians, che fu seguito da numerosi concerti in tutta l'URSS. Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Odessa nel 1935, Gilels entrò nella scuola di specializzazione del Conservatorio di Mosca nella classe di Heinrich Neuhaus.

Nella seconda metà degli anni Trenta il pianista ottenne grandi successi internazionali: si classificò secondo al concorso internazionale di Vienna (1936), perdendo solo contro Jacob Flier, e due anni dopo si vendicò di lui, vincendo il Concorso Isaia di Bruxelles, dove Flier è rimasto al terzo posto. Tornato a Mosca, Gilels iniziò ad insegnare al conservatorio come assistente di Neuhaus.

Durante gli anni della guerra, Gilels partecipò al lavoro di mecenatismo militare, nell'autunno del 1943 tenne concerti nella Leningrado assediata, dopo la fine della guerra tornò ad attività concertistiche e didattiche attive. Si è esibito spesso con la sorella minore, la violinista Elizaveta Gilels, così come con Yakov Zak. Nel 1950] formò un trio per pianoforte con Leonid Kogan (violino) e Mstislav Rostropovich (violoncello), e nel 1945 tenne per la prima volta concerti all'estero (diventando uno dei primi musicisti sovietici autorizzati a farlo), andò in tournée in Italia, Svizzera, Francia e paesi scandinavi. Nel 1954 fu il primo musicista sovietico ad esibirsi alla sala Pleyel di Parigi. Nel 1955, il pianista divenne il primo musicista sovietico a tenere concerti negli Stati Uniti, dove eseguì il primo concerto per pianoforte di Tchaikovsky e il terzo concerto di Rachmaninoff con la Philadelphia Orchestra diretta da Eugene Ormandy, e presto tenne un recital alla Carnegie Hall, che fu un enorme successo. Negli anni '60 e '70, Gilels era uno dei musicisti sovietici più ricercati al mondo, trascorrendo circa nove mesi all'anno in concerti e tournée all'estero.

Riassumendo, vorrei sottolineare che i principi metodologici ei libri dei più importanti rappresentanti del pianismo sovietico mostrano che le opinioni di questi musicisti, nonostante tutta l'individualità del loro approccio all'esecuzione e alla pedagogia del pianoforte, avevano molto in comune. Questo è il desiderio di una profonda comprensione del testo musicale, dell'esatto trasferimento dell'intenzione del compositore e della comprensione dello stile e della natura della musica come base per un'interpretazione realistica delle immagini artistiche incorporate nell'opera.

Tipico a questo proposito è una delle affermazioni G. G. Neuhaus: "Parliamo tutti della stessa cosa, ma con parole diverse." Questo è comune e determina i principi della scuola pianistica sovietica, che ha allevato pianisti meravigliosi e insegnanti eccezionali.

XXIsecolo

Cos'era e cosa è diventato il pianoforte arti dello spettacolo per tutto il XX secolo?

Cosa c'è di nuovo in inizio XXI secolo?

Com'è consuetudine suonare il pianoforte adesso, nel secondo decennio del 21° secolo?

Stile di performance del 21° secolo

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All'inizio del 21 ° secolo, continuano ad esistere due aree principali dell'esecuzione musicale: il virtuosismo trascendentale e la significatività dell'interpretazione. Alla fine del 20° secolo, queste aree sono diventate sempre più concentrate, separandosi l'una dall'altra. Tuttavia, è sorto un nuovo fenomeno, quando i pianisti potevano servire contemporaneamente sia l'una che l'altra corrente delle arti dello spettacolo.

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Le tradizioni della performance sono influenzate da competizione totale, In questo caso, l'eccezionale livello competitivo di esecuzione delle opere musicali diventa un modello sempre più familiare che deve essere seguito, anche sul palco del concerto.

Gli ideali della registrazione del suono e il livello competitivo delle prestazioni, influenzando le tradizioni dei concerti, richiedevano un aumento significativo della qualità del pianoforte. Ogni brano del programma, e non solo i bis, deve suonare al livello di un capolavoro dell'arte performativa. Ciò che è stato possibile in studio grazie all'ingegneria del suono e all'editing al computer da diverse opzioni di performance, dovrebbe accadere sul palco in questo momento, qui e ora.

Concorsi e festival internazionali contribuiscono alla globalizzazione dell'arte pianistica.

Molto spesso apprendiamo i loro nomi dopo la competizione PI Tchaikovsky. Questa competizione ha portato la fama a pianisti come: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhania Aubakirova...

Pianista americano che ha conquistato i cuori russi

Primo vincitore del Concorso Internazionale Tchaikovsky (1958)

VanCliburn (1934-2013)

Il pianista americano Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) è forse il musicista straniero più amato nel nostro Paese. È stato il pubblico russo ad apprezzare per primo le capacità di esecuzione di Van Cliburn, è stato dopo una visita in Russia che è diventato un musicista di fama mondiale.

Ha ricevuto le sue prime lezioni di pianoforte all'età di tre anni presso sua madre. Quando Cliburn aveva sei anni, la famiglia si trasferì in Texas, dove vinse un concorso all'età di tredici anni e presto fece il suo debutto alla Carnegie Hall.

Nel 1951 entrò alla Juilliard School, nella classe di Rosina Levina, e negli anni successivi ricevette numerosi premi in prestigiosi concorsi americani e internazionali.

Il nome di Cliburn ha guadagnato fama mondiale dopo una sensazionale vittoria al primo Concorso Internazionale Tchaikovsky a Mosca nel 1958. Il giovane pianista ha conquistato la simpatia dei membri della giuria e del pubblico. Ciò è stato tanto più sorprendente dato che l'azione si è svolta al culmine della Guerra Fredda. Al suo ritorno in patria, Cliburn ricevette una magnifica accoglienza entusiastica. Il musicista era intriso di amore e rispetto per l'URSS e dopo la competizione è venuto più volte con concerti.

Van Cliburn è stato in tournée sia nel suo paese natale che all'estero. Ha parlato con reali e capi di stato, con tutti i presidenti degli Stati Uniti. È diventato il primo interprete di musica classica, il proprietario di un album di platino. Sono state vendute più di un milione di copie della sua esecuzione del primo concerto per pianoforte di Tchaikovsky.

Il Van Cliburn Piano Competition si tiene a Fort Worth, in Texas, dal 1962.

pianista russo, insegnante di musica, figura pubblica

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Il talento musicale di Vladimir Krainev si è manifestato nella scuola secondaria di musica specializzata di Kharkov, dove è entrato all'età di 5 anni. Due anni dopo, ebbe luogo la sua prima esibizione sul grande palcoscenico: insieme all'orchestra, eseguì il concerto di Haydn e il primo concerto di Beethoven.

Con il supporto degli insegnanti di Kharkov, Krainev è entrato nella centrale di Mosca scuola di Musica al conservatorio Čajkovskij nella classe di Anaida Sumbatyan. Nel 1962 entra al Conservatorio. Čajkovskij nella classe di Heinrich Neuhaus, e dopo la sua morte ha studiato con il figlio Stanislav Neuhaus, dal quale ha anche completato gli studi post-laurea nel 1969.

Il riconoscimento mondiale arrivò a Vladimir Krainev all'inizio degli anni '60, quando vinse i premi principali nelle principali competizioni internazionali di Leeds (Gran Bretagna, 1963) e Lisbona (Portogallo, 1964). Dopo un'esibizione a Leeds, il giovane pianista ha ricevuto un invito a fare una tournée negli Stati Uniti. Nel 1970 vinse una brillante vittoria al IV Concorso Internazionale intitolato a P.I. Čajkovskij a Mosca.

Dal 1966, Vladimir Krainev è solista della Filarmonica di Stato di Mosca. Dal 1987 - professore al Conservatorio di Mosca. Dal 1992 - professore alla Scuola Superiore di Musica e Teatro di Hannover (Germania).

Vladimir Krainev è stato in tournée in Europa e negli Stati Uniti, esibendosi con direttori eccezionali come Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev è stato l'organizzatore del festival "Vladimir Krainev Invites" in Ucraina e del Concorso Internazionale per Giovani Pianisti a Kharkov (dal 1992), a lui intitolato.

Nel 1994, il pianista ha creato la International Charitable Foundation for Young Pianists. La Fondazione ha fornito assistenza e sostegno ai futuri musicisti professionisti, ha creato le condizioni per la loro creatività in Russia e all'estero, ha organizzato tournée e concerti per giovani musicisti e ha sostenuto istituzioni educative di cultura e arte.

Famoso direttore d'orchestra e pianista, People's Artist della RSFSR, fondatore e leader dal 1990 al 1999 e dal 2003 ad oggi dell'Orchestra Nazionale Russa. Vincitore della medaglia d'oro al Concorso Internazionale Tchaikovsky nel 1978 e del Grammy Award nel 2004.

Mikhail Vasilyevich Pletnev è nato a1957

Pletnev ha trascorso la sua infanzia a Saratov e Kazan, dall'età di 7 anni ha iniziato a frequentare una scuola di musica al Conservatorio di Kazan nella classe di pianoforte. Dall'età di 13 anni ha studiato alla Central Music School del Conservatorio Tchaikovsky di Mosca. Nel 1973, il sedicenne Pletnev vinse il Gran Premio al Concorso Giovanile Internazionale di Parigi e l'anno successivo entrò al Conservatorio di Mosca, studiando con i professori Yakov Flier e Lev Vlasenko.

Nel 1977 Pletnev vinse il primo premio al Concorso pianistico All-Union di Leningrado e nel 1978 vinse una medaglia d'oro e il primo premio al Concorso internazionale Čajkovskij di Mosca. Nel 1979 Pletnev si diplomò al conservatorio e nel 1981 studi post-laurea, dopodiché divenne assistente di Vlasenko, in seguito iniziò a insegnare nella sua classe di pianoforte.

Diventato solista del Concerto di Stato nel 1981, Pletnev divenne famoso come pianista virtuoso, la stampa notò le sue interpretazioni dell'opera di Čajkovskij, ma anche le sue esecuzioni di Bach, Beethoven, Rachmaninoff e altri compositori. Pletnev ha collaborato con direttori famosi come Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai e le più famose orchestre sinfoniche del mondo, tra cui la London Symphony e la Los Angeles Philharmonic.

Nel 1980, Pletnev fece il suo debutto come direttore d'orchestra e dieci anni dopo, nel 1990, creò l'Orchestra Sinfonica Nazionale Russa indipendente (in seguito ribattezzata Orchestra Sinfonica Nazionale Russa, RNO) a spese di donazioni straniere e fino al 1999 ne fu il direttore artistico. direttore, direttore d'orchestra principale e presidente del fondo. Nel 2008, Pletnev è diventato direttore ospite dell'Orchestra Sinfonica della Svizzera italiana (Orchestra della Svizzera italiana). Nel 2006, Pletnev ha creato il Fondo di sostegno cultura nazionale. Dal 2006 al 2010, Pletnev è stato membro del Consiglio sotto il Presidente della Federazione Russa per la Cultura e l'Arte, e dal 2007 al 2009 è stato membro della Commissione della Federazione Russa per l'UNESCO.

Pianista kazako, insegnante, professore e rettore del Kurmangazy Kazakh National Conservatory,

Artista popolare del Kazakistan, vincitore di concorsi internazionali, professore

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova è nata nel 1957

Diplomato al Conservatorio Statale di Alma-Ata. Kurmangazy, Conservatorio Statale di Mosca. P. I. Tchaikovsky e studi post-laurea (con il professor L. N. Vlasenko).

Dal 1979 - primo violino dello Stato teatro accademico opera e balletto Abai e un assistente tirocinante presso il Conservatorio statale di Mosca intitolato ad A. PI Ciajkovskij. 1981 - insegnante senior, professore associato, capo del dipartimento speciale di pianoforte del Conservatorio di Stato di Alma-Ata. Kurmangazy. Dal 1983 è solista della Kazakh State Philharmonic. Jambula. Dal 1993 - Professore del Conservatorio statale di Almaty dal nome. Kurmangazy. 1994 - Viene fondata la "Scuola d'autore di Zhania Aubakirova", che lavora su metodi e tecnologie educative moderne. Dal 1997 - rettore del Conservatorio nazionale kazako intitolato a Kurmangazy. Sotto la sua guida, il conservatorio è diventato la principale università musicale del paese e centro culturale ed educativo della repubblica, e nel 2001 è stato insignito dello status nazionale.

1998 - Su iniziativa di Zhania Aubakirova, è stata organizzata l'agenzia musicale Classics, che ha tenuto con grande successo le stagioni kazake in Francia, organizzato concerti in più di 18 paesi, registrato più di 30 CD, più di 20 film musicali sugli artisti kazaki. 2009 - a novembre, la Student Symphony Orchestra del Kazakh National Conservatory prende il nome. Kurmangazy ha fatto un tour di cinque principali città USA: Los Angeles, San Francisco, Washington DC, Boston e New York. Giovani musicisti, insieme al loro rettore, l'artista popolare della Repubblica del Kazakistan Zhania Aubakirova, si sono esibiti nelle sale più famose del mondo: il Kennedy Center e la Carnegie Hall.

Concerti solisti ed esibizioni di Zhania Aubakirova con orchestre famose, che promuovono classici della musica mondiale e opere di compositori kazaki, si tengono regolarmente in Kazakistan, le più grandi sale da concerto in Francia, Inghilterra, Germania, Giappone, Russia, Polonia, Italia, Stati Uniti, Israele, Grecia, Ungheria. Grandi sale Conservatorio Ciajkovskij di Mosca e Filarmonica di San Pietroburgo, Casa della Musica di Mosca.

Eccezionale pianista contemporaneo

Boris Berezovskynato nel 1969

Entra al Conservatorio di Mosca nella classe dell'eccezionale pianista Eliso Virsaladze. Dopo qualche tempo, Berezovsky diventa "angusto" nella classe di Eliso Virsaladze, dove si suona solo il repertorio tradizionale, quindi inizia a prendere lezioni private da Alexander Sats. Sats apre nuovi orizzonti della musica classica russa per Boris Berezovsky. Con lui, Berezovsky inizia a interpretare Medtner, molto Rachmaninov e molti altri. Ma Boris Berezovsky non è mai riuscito a completare i suoi studi al Conservatorio di Mosca, è stato espulso per aver partecipato al Concorso Čajkovskij durante gli esami finali. Ma questa circostanza non gli ha impedito di diventare l'esecutore più virtuoso e ricercato del nostro tempo.

Da più di un decennio Boris Berezovsky si esibisce con le più famose orchestre del mondo: la BBC Orchestra, la London and New York Philharmonic Orchestra, la New Japanese Philharmonic Orchestra, la Birmingham e la Philadelphia Symphony Orchestra. Berezovsky partecipa costantemente a vari festival di musica da camera, e il suo concerti da solista può essere ascoltato a Berlino e New York, Amsterdam e Londra. Fluente in inglese e francese.

Il pianista ha una discografia abbastanza ampia. Le ultime registrazioni dei suoi concerti hanno ricevuto i voti più alti dalla critica. I premi della German Recording Association alto premio sonate di Rachmaninoff, interpretate da Boris Berezovsky. Una registrazione delle opere di Ravel è entrata nelle classifiche classiche Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine, Independent.

Boris Berezovsky è un vincitore della medaglia d'oro al 9 ° Concorso Internazionale Tchaikovsky, è chiamato il "nuovo Richter", il suono di Berezovsky, con un pianissimo trasparente e un ricco spettro di sfumature dinamiche, è riconosciuto come il più perfetto tra i pianisti della sua generazione . Oggi, sempre più spesso puoi ascoltare Boris Berezovsky sui principali palchi dei concerti in Russia.

Uno degli artisti ispirati e intelligenti, russo pianista , insegnante, solista Filarmonica di Stato di Mosca , Artista popolare della Russia

NicolathLeó HIVpratí nsky è nato in1972

Il suo modo di suonare è riuscito ad assorbire tutto il meglio che la scuola centrale di musica e il conservatorio di Mosca potevano offrire.

Questo ispirato interprete, in possesso di una brillante tecnica esecutiva, ha ora un raro dono per l'approccio creativo al materiale, uno dei pochi, è in grado di portare nel mondo una scintilla di Dio nelle opere di Beethoven, per rivelare il raro "suono inferale " di Mozart, per suonare qualsiasi materiale degno in modo che lo spettatore stanco abbia riscoperto migliaia di volte melodie suonate in un'incarnazione completamente diversa.

Ora in Russia ci sono molti professionisti che possono mostrare un'alta classe. Tuttavia, in nessun modo inferiore a eminenti colleghi, Lugansky rimane un fenomeno unico nella musica russa.

Puoi suonare i classici in modi diversi: ogni scuola - francese, tedesca, italiana - offre la propria soluzione agli alti compiti di un suono unico.

Ma ogni pianista veramente virtuoso "crea i propri classici", il che è una prova del genio. All'alba della sua carriera musicale, Nikolai Lugansky era chiamato "il pianista di Richter", poi furono anche paragonati ad Alfred Cortot.

Nikolai Lugansky rimane un fenomeno unico nella musica russa.

Famoso pianista russo, musicista classico

Evgeny Igryevich Kissin è nato nel 1971

All'età di 6 anni è entrato alla Gnessin Music School. La prima e unica insegnante è Anna Pavlovna Kantor.

Inizialmente, da bambino prodigio, si è esibito sotto il nome di Zhenya Kissin. All'età di 10 anni si è esibito per la prima volta con un'orchestra, eseguendo il 20° concerto di Mozart. Un anno dopo, ha tenuto il suo primo concerto da solista. Nel 1984 (all'età di 12 anni) ha eseguito i Concerti per pianoforte 1 e 2 di Chopin nella Sala Grande del Conservatorio di Mosca.

Nel 1985 Evgeny Kissin si recò per la prima volta all'estero con concerti, nel 1987 fece il suo debutto nell'Europa occidentale al Festival di Berlino. Nel 1988 si è esibito con Herbert von Karajan al Concerto di Capodanno dell'Orchestra Filarmonica di Berlino, eseguendo il 1° Concerto di Tchaikovsky.

Nel settembre 1990, Kissin ha fatto il suo debutto negli Stati Uniti, dove ha eseguito i concerti 1 e 2 di Chopin con il New York Orchestra Filarmonica diretto da Zubin Mehta. Una settimana dopo, il musicista tiene un concerto da solista alla Carnegie Hall. Nel febbraio 1992, Kissin ha preso parte alla cerimonia dei Grammy Awards a New York, trasmessa in televisione a un pubblico di, secondo le stime, un miliardo e seicento milioni di telespettatori. Nell'agosto 1997, ha tenuto un recital al festival Proms all'Albert Hall di Londra, la prima serata di pianoforte negli oltre 100 anni di storia del festival.

Kissin conduce un'intensa attività concertistica in Europa, America e Asia, riscuotendo il pienone costante; si è esibito con le più importanti orchestre del mondo sotto la direzione di direttori quali Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeny Svetlanov, Yuri Temirkanov , Georg Solti e Maris Jansons; I partner di musica da camera di Kissin includono Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern e altri.

Yevgeny Kissin dà anche letture di poesie in yiddish e russo. Nel 2010 è uscito un CD con registrazioni di opere di poesia moderna in yiddish eseguite da E. Kisin "Af di keyboard fun yidisher poem" (Sui tasti della poesia ebraica). Secondo lo stesso Kissin, ha avuto una forte identità ebraica fin dall'infanzia e ha pubblicato materiale pro-Israele sul suo sito web personale.

Pianista russo, personaggio pubblico, artista popolare russo

Denis Leonidovich Matsuev è nato nel 1975

Denis Matsuev ha trascorso la sua infanzia nella nativa Irkutsk. nato a famiglia creativa, un ragazzo con nei primi anni faceva musica. Prima è andato in città scuola di educazione generale N. 11 intitolato a V. V. Mayakovsky e allo stesso tempo iniziò a frequentare la scuola d'arte locale. All'età di sedici anni, Denis Matsuev è entrato all'Irkutsk Musical College. Tuttavia, si rese presto conto che il suo talento aveva bisogno di un taglio più approfondito. Al consiglio di famiglia si decise di trasferirsi nella capitale. I genitori hanno capito che il loro figlio di talento potrebbe avere una biografia creativa di grande successo. Denis Matsuev si è trasferito a Mosca nel 1990.

Nel 1991 è diventato un vincitore della International Public Charitable Foundation chiamata "New Names". Grazie a questa circostanza, già in gioventù ha visitato più di quaranta paesi del mondo con concerti. Le persone più importanti sono venute ad ascoltare il suo gioco virtuosistico: la regina inglese, il papa e altri. Nel 1993, Denis Matsuev è riuscito a entrare nel Conservatorio di Stato di Mosca. Allo stesso tempo, si è esibito nei programmi del fondo pubblico New Names, che si sono svolti sotto la supervisione del mecenate di Denis, Svyatoslav Belz. Nel 1995, l'artista è stato accettato come solista alla Filarmonica di Stato di Mosca. Ciò ha permesso a Denis Leonidovich di espandere la portata della sua attività concertistica.

Insieme alla vittoria all'Undicesimo Concorso Internazionale intitolato a Pyotr Ilyich Tchaikovsky, il musicista è arrivato a fama mondiale. Questo fatidico evento ha impreziosito la sua biografia nel 1998. Denis Matsuev è diventato uno dei pianisti più famosi al mondo. Le sue esibizioni virtuose hanno causato una grande risonanza nel mondo. L'artista iniziò ad essere invitato agli eventi più prestigiosi. Ad esempio, si è esibito alla chiusura delle Olimpiadi di Sochi.

Dal 2004 Denis Matsuev presenta ogni anno il suo abbonamento personale. In esso, insieme al musicista, si esibiscono le migliori orchestre sinfoniche della Russia e dell'estero.

Fa molto per il suo paese. Nel tentativo di instillare nelle persone l'amore per la musica, l'artista organizza tutti i tipi di festival e concorsi. Inoltre, si sforza di tenerli in diverse regioni della Russia, in modo che tutti gli abitanti del paese possano toccare l'alta arte, ascoltare la brillante esecuzione delle migliori opere musicali.

In conclusione, riassumiamo le principali direzioni e tendenze nello sviluppo dell'arte pianistica del 21° secolo. Nelle aree virtuosistiche e significative dell'arte pianistica si riscontrano i seguenti fattori che accompagnano lo sviluppo: attenzione alla qualità e all'estetica della registrazione del suono, aumento dell'espressività della coniugazione del tono, espansione delle opportunità nel campo dell'agogica e del timbro del suono , un rallentamento dei tempi e una diminuzione del livello dinamico medio delle prestazioni e la polifonizzazione della trama. Questi fattori contribuiscono alla crescita della profondità e al rinnovamento moderno del lato contenutistico della performance. Insieme a questo, il repertorio concertistico per pianoforte viene aggiornato grazie alla scoperta di nuove opere altamente artistiche che non sono state apprezzate prima.

Tuttavia, sono la generalizzazione e la significatività dell'intonazione le principali tendenze nello sviluppo dell'arte pianistica del 21 ° secolo.

Questo elenco di pianisti che si esibiscono mostra che il pianoforte offre un'ispirazione quasi illimitata. Per tre secoli, gli esecutori di musica per pianoforte hanno deliziato gli ascoltatori e li hanno ispirati alle proprie imprese nel mondo della musica.

A qualunque tempo appartenga il musicista, non solo il suo talento lo ha reso grande, ma anche la sua completa dissoluzione nella musica!!!

PSDopo aver studiato la letteratura su questo tema, siamo giunti alla conclusione che lo sviluppo delle scuole di pianoforte dal momento della loro formazione fino ai nostri giorni è stato dovuto alla versatilità spirituale della personalità del maestro, e le ricerche pedagogiche sono servite da base creativa e in realtà da stimolo alla creatività. I musicisti dell'Illuminismo progressista sostenevano tutto ciò che consideravano prezioso nell'arte; alti ideali civici, scopo missionario della creatività.

Il pensiero di grandi musicisti e insegnanti è sempre stato rivolto allo sviluppo di principi di insegnamento che corrispondono alle idee sui compiti dell'esecuzione. Ciò ha determinato in gran parte il contenuto dei lavori scientifici dedicati a suonare lo strumento.

Gli antichi trattati dell'era del clavierismo parlavano di composizione musicale, tecnica di improvvisazione e arrangiamento di composizioni musicali, seduta allo strumento, diteggiatura e regole del gioco. Tutto ciò è spiegato dal fatto che nell'era pre-piano il compositore era l'esecutore, facendo conoscere agli ascoltatori le proprie opere e la sua maestria nell'improvvisazione. La professione di esecutore-interprete (ma non di compositore di musica) in quegli anni non era ancora stata individuata come una forma speciale dell'attività creativa del musicista. Solo nel XIX secolo, insieme al regno di un nuovo strumento sul palco dei concerti - il pianoforte - e alla passione per il virtuosismo del gioco, ci fu una graduale differenziazione di musicisti, compositori, esecutori e insegnanti che insegnano a suonare questo strumento.

Anche il contenuto è cambiato molto. opere scientifiche nell'arte musicale. In vari studi, libri di testo e lavori sui metodi di insegnamento, tutte le questioni relative alla creatività musicale, all'esecuzione e alla pedagogia non sono state più considerate. Il tema di ogni opera era solo un'area separata della musicologia. Gli autori di libri sull'arte del pianoforte erano principalmente interessati ai problemi della padronanza della tecnica del pianoforte e la maggior parte delle opere e dei manuali metodici erano dedicati a questi argomenti. Così, per molti anni, i lavori teorici sull'esecuzione pianistica si sono ridotti ai problemi di stabilire tecniche di esecuzione razionali che consentano di raggiungere la tecnica virtuosa. Solo alla fine dell'Ottocento e nel Novecento musicisti di spicco si sono rivolti alle questioni artistiche delle arti dello spettacolo, che hanno determinato i compiti di interpretazione, comprensione dello stile e del contenuto delle opere musicali. Questi compiti erano anche collegati a questioni di tecnica per suonare il pianoforte. L'obiettivo più importante dell'insegnante era educare un musicista la cui arte esecutiva non è una dimostrazione di abilità tecnica, ma la capacità di trasmettere il significato più profondo di un'opera d'arte in forme di espressione figurative viventi.

Riconoscere l'unico miglior pianista moderno al mondo è un'impresa impossibile. Per ogni critico e ascoltatore, vari maestri saranno idoli. E questa è la forza dell'umanità: il mondo contiene un numero considerevole di pianisti degni e talentuosi.

Agrerich Marta Archerich

Il pianista è nato nella città argentina di Buenos Aires nel 1941. Ha iniziato a suonare lo strumento all'età di tre anni, e all'età di otto ha fatto il suo debutto pubblico, dove ha eseguito un concerto dello stesso Mozart.

La futura star del virtuoso ha studiato con insegnanti come Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy e Stefan Michelangeli, uno dei più importanti pianisti classici del 20 ° secolo.

Dal 1957 Argerich iniziò a partecipare ad attività agonistiche e vinse il primo grandi vittorie: 1° classificato al Concorso Pianistico di Ginevra e al Concorso Internazionale Busoni.

Tuttavia, il vero successo sbalorditivo è arrivato a Marta nel momento in cui, all'età di 24 anni, è riuscita a vincere il concorso internazionale Chopin nella città di Varsavia.

Nel 2005 ha vinto il più alto Grammy Award per la sua interpretazione di opere da camera dei compositori Prokofiev e Ravel, e nel 2006 per la sua interpretazione dell'opera di Beethoven con l'orchestra.

Sempre nel 2005, il pianista ha ricevuto il Premio Imperiale Giapponese.

Il suo gioco ardente e gli straordinari dati tecnici, con l'aiuto dei quali esegue magistralmente le opere dei compositori russi Rachmaninov e Prokofiev, non possono lasciare nessuno indifferente.

Uno dei pianisti contemporanei più famosi in Russia è il musicista Evgeniy Igorevich Kisin.

Nato il 10 ottobre 1971 a Mosca, all'età di sei anni è entrato alla Gnessin Music School. Kantor Anna Pavlovna divenne la sua prima e unica insegnante per tutta la vita.

Dal 1985 Kissin ha iniziato a dimostrare il suo talento all'estero. Nel 1987 fa il suo debutto in Europa occidentale.

Dopo 3 anni conquista gli Stati Uniti, dove esegue il 1° e il 2° concerto di Chopin con la New York Philharmonic Orchestra, e una settimana dopo si esibisce in formato solista.

Un altro dei più straordinari pianisti russi virtuosi contemporanei è il famoso Denis Matsuev.

Denis è nato nella città di Irkutsk nel 1975 in una famiglia di musicisti. I genitori fin dalla tenera età hanno insegnato al bambino all'arte. La prima insegnante del ragazzo fu sua nonna Vera Rammul.

Nel 1993, Matsuev è entrato al Conservatorio di Stato di Mosca e due anni dopo è diventato il principale solista della Filarmonica di Stato di Mosca.

Ha guadagnato fama mondiale dopo aver vinto il Concorso Internazionale Tchaikovsky nel 1998, quando aveva solo 23 anni.

Preferisce unire il suo approccio innovativo al suonare con le tradizioni della scuola pianistica russa.

Dal 2004 tiene una serie di concerti dal titolo "Solista Denis Matsuev", invitando le principali orchestre nazionali ed estere a collaborare con lui.

Christian Zimmermann

Christian Zimmerman (nato nel 1956) è un celebre pianista contemporaneo di origine polacca. Oltre ad essere uno strumentista, è anche direttore d'orchestra.

Le sue prime lezioni di musica furono tenute da suo padre, un pianista dilettante. Quindi Christian ha continuato i suoi studi con l'insegnante Andrzej Jasinski in un formato privato, per poi trasferirsi al Conservatorio di Katowice.

Ha iniziato a tenere i suoi primi concerti all'età di 6 anni e nel 1975 ha vinto il Concorso Pianistico Chopin, diventando così il più giovane vincitore della storia. Nel corso dell'anno successivo, ha affinato le sue abilità pianistiche con il famoso pianista polacco Artur Rubinstein.

Christian Zimmermann è considerato un geniale esecutore del lavoro di Chopin. La sua discografia include registrazioni di tutti i concerti per pianoforte di Ravel, Beethoven, Brahms e, naturalmente, il suo idolo principale - Chopin, nonché registrazioni sonore di composizioni di Liszt, Strauss e Respiha.

Dal 1996 insegna all'Accademia di musica di Basilea. Ha ricevuto gli Academy Awards Kiji e Leonie Sonning.

Nel 1999 ha creato la Polish Festival Orchestra.

Wang Yujia è un rappresentante cinese dell'arte pianistica. Ha guadagnato fama grazie al suo gioco virtuoso e incredibilmente veloce, per il quale le è stato assegnato lo pseudonimo di "Flying Fingers".

Il luogo di nascita della pianista moderna cinese è la città di Pechino, dove ha trascorso la sua infanzia in una famiglia di musicisti. All'età di 6 anni inizia i test di tastiera e un anno dopo entra al Conservatorio Centrale della capitale. All'età di 11 anni è stata iscritta per studiare in Canada e dopo 3 anni si è finalmente trasferita in un paese straniero per proseguire gli studi.

Nel 1998 ha ricevuto il premio del Concorso Internazionale per Giovani Pianisti nella città di Ettlingen e nel 2001, oltre al premio sopra descritto, la giuria ha assegnato a Van un premio per pianisti sotto i 20 anni per un importo di 500.000 yen (300.000 in rubli).

La pianista suona con successo anche compositori russi: ha il Secondo e Terzo Concerto di Rachmaninoff, così come il Secondo Concerto di Prokofiev.

Fazıl Say è un pianista e compositore contemporaneo turco nato nel 1970. Ha studiato al Conservatorio di Ankara, e poi nelle città della Germania - Berlino e Düsseldorf.

Vale la pena notare, oltre alle sue attività pianistiche, le sue qualità di compositore: nel 1987, la composizione del pianista "Black Hymns" è stata eseguita in onore del 750 ° anniversario della città.

Nel 2006 si è svolta a Vienna la prima del suo balletto "Patara", scritto sulla base del tema di Mozart, ma già una sonata per pianoforte.

Due compositori occupano un posto importante nel repertorio pianistico di Say: i titani musicali Bach e Mozart. Ai concerti alterna composizioni classiche alle proprie.

Nel 2000 ha fatto un insolito esperimento, rischiando di registrare il balletto "The Rite of Spring" per due pianoforti, eseguendo entrambe le parti con le proprie mani.

Nel 2013 è caduto sotto un procedimento penale per dichiarazioni su un social network legate al tema dell'Islam. Il tribunale di Istanbul ha concluso che le parole del musicista erano dirette contro la fede musulmana e ha condannato Fazil Say a 10 anni di libertà vigilata.

Nello stesso anno il compositore ha presentato istanza di nuovo processo, il cui verdetto è stato nuovamente confermato a settembre.

Altro

Semplicemente non è possibile raccontare tutti i pianisti moderni in un articolo. Pertanto, elencheremo quelli i cui nomi sono significativi oggi nel mondo della musica classica:

Daniel Barenboim da Israele;
Yundi Li dalla Cina;
Dalla Russia;
Murray Perahia dagli Stati Uniti d'America;
Mitsuko Uchida dal Giappone;
dalla Russia e molti altri maestri.

Ogni amante della musica classica può nominare il suo preferito.

Alfred Brendel non era un bambino prodigio ei suoi genitori non avevano niente a che fare con la musica. La sua carriera è iniziata senza tante storie e si è sviluppata lentamente. Forse è questo il segreto della sua longevità? All'inizio di quest'anno, Brendel ha compiuto 77 anni, tuttavia, il suo programma di concerti a volte include 8-10 spettacoli al mese.

La performance solista di Alfred Brendel alla Concert Hall del Teatro Mariinsky è stata annunciata per il 30 giugno. Impossibile trovare il sito ufficiale del pianista di questo concerto. Ma c'è una data per il prossimo concerto di Mosca, che si terrà il 14 novembre. Tuttavia, Gergiev si distingue per la sua capacità di risolvere problemi insolubili.

Mozart, Liszt e Rachmaninov - classici dell'arte pianistica

La storia della musica per pianoforte è piuttosto interessante. Ci sono diverse fasi in esso, ognuna delle quali ha le sue tradizioni. Spesso i canoni dell'epoca erano fissati da uno (raramente diversi) che suonava magistralmente lo strumento (dapprima era il clavicembalo, poi il pianoforte).

Notevoli pianisti del XVIII e XIX secolo

In ognuno di questi periodi hanno lavorato anche altri pianisti, molti dei quali sono stati contemporaneamente compositori di opere musicali e hanno lasciato un segno indelebile nella storia della musica per pianoforte. Questi sono due dei tre "classici viennesi" Schubert e Beethoven, i tedeschi Brahms e Schumann, il polacco Chopin e il francese Charles Valentin Alkan.

Giovanni Brahms

Durante questo periodo, ai pianisti era richiesto principalmente di essere in grado di improvvisare. La professione di pianista era strettamente connessa con la composizione. E anche quando eseguiva opere di altre persone, la sua interpretazione, una libera interpretazione, era considerata corretta. Oggi una tale esibizione sarebbe considerata di cattivo gusto, sbagliata, persino inetta.

Notevoli pianisti del XX e XXI secolo

Il 20 ° secolo è il periodo di massimo splendore dell'arte del pianoforte. Questo periodo è insolitamente ricco di pianisti eccezionali e di eccezionale talento.

All'inizio del XX secolo divennero famosi Hoffmann e Cortot, Schnabel e Paderewski. E, naturalmente, Rachmaninov, il genio della Silver Age, che ha segnato una nuova era non solo nella musica per pianoforte, ma anche nella cultura mondiale in generale.

La seconda metà del XX secolo è l'era di pianisti famosi come Svyatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff...

Sviatoslav Richter

Continua la loro creatività musicale all'inizio del 21 ° secolo come pianisti eccezionali come l'americano Van Cliburn, che divenne il primo vincitore del Concorso Internazionale Ciajkovskij nel 1958. Vale la pena menzionare il musicista che ha vinto lo stesso concorso l'anno successivo: il pianista pop più popolare Vladimir Ashkenazy.

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