Il nome delle compagnie di balletto dei teatri mondiali. Breve storia del balletto
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Famosi balletti russi. Primi 5
Il balletto classico è una straordinaria forma d'arte nata in Italia durante il Rinascimento maturo, "trasferita" in Francia, dove il merito del suo sviluppo, tra cui la fondazione dell'Accademia di danza e la codificazione di molti movimenti, appartenne al re Luigi XIV . La Francia ha esportato l'arte della danza teatrale in tutti i paesi europei, compresa la Russia. A metà del XIX secolo, la capitale del balletto europeo non era più Parigi, che ha regalato al mondo i capolavori del romanticismo La Sylphide e Giselle, ma Pietroburgo. Fu nella capitale del Nord che per quasi 60 anni lavorò il grande coreografo Marius Petipa, ideatore del sistema della danza classica e autore di capolavori che ancora non escono di scena. Dopo la Rivoluzione d'Ottobre volevano buttare giù il balletto dalla nave della modernità, ma riuscirono a difenderlo. Tempo sovieticoè stato segnato dalla creazione di un numero considerevole di capolavori. Presentiamo cinque migliori balletti nazionali - in ordine cronologico.
"Don Chisciotte"
Scena dal balletto Don Chisciotte. Una delle prime produzioni di Marius Petipa
Prima del balletto di L.F. Minkus "Don Chisciotte" al Teatro Bolshoi. 1869 Dall'album dell'architetto Albert Kavos
Scene dal balletto Don Chisciotte. Kitri - Lyubov Roslavleva (al centro). Messa in scena di A.A. Gorsky. Mosca, Teatro Bolshoi. 1900
Musica di L. Minkus, libretto di M. Petipa. Prima produzione: Mosca, Teatro Bolshoi, 1869, coreografia di M. Petipa. Produzioni successive: San Pietroburgo, Teatro Mariinsky, 1871, coreografia di M. Petipa; Mosca, Teatro Bolshoi, 1900, San Pietroburgo, Teatro Mariinsky, 1902, Mosca, Teatro Bolshoi, 1906, tutto - coreografia di A. Gorsky.
Il balletto "Don Chisciotte" è uno spettacolo teatrale pieno di vita e di giubilo, un'eterna celebrazione della danza, che non stanca mai gli adulti ea cui i genitori portano con piacere i propri figli. Anche se è chiamato il nome dell'eroe famoso romanzo Cervantes, ma respinto da uno dei suoi episodi, "Le nozze di Quiteria e Basilio", e racconta le avventure di giovani eroi, il cui amore alla fine vince, nonostante l'opposizione del padre testardo dell'eroina, che voleva farla sposare con i ricchi Gamache.
Quindi Don Chisciotte non c'entra quasi nulla. Durante tutta la performance, un artista alto e magro, accompagnato da un collega basso e panciuto che ritrae Sancho Panza, cammina su e giù per il palco, rendendo a volte difficile guardare le bellissime danze composte da Petipa e Gorsky. Il balletto, in sostanza, è un concerto in costume, una celebrazione della danza classica e caratteristica, dove tutti gli artisti di qualsiasi compagnia di balletto hanno qualcosa da fare.
La prima produzione del balletto ebbe luogo a Mosca, dove Petipa si recava di tanto in tanto per elevare il livello della compagnia locale, che non poteva essere paragonata alla brillante compagnia del Teatro Mariinsky. Ma a Mosca era più facile respirare, quindi il coreografo, in sostanza, ha messo in scena una reminiscenza del balletto anni meravigliosi gioventù trascorsa in un paese assolato.
Il balletto fu un successo e due anni dopo Petipa lo trasferì a San Pietroburgo, il che rese necessaria una rielaborazione. Lì, i balli caratteristici erano molto meno interessati dei classici puri. Petipa ha ampliato "Don Chisciotte" a cinque atti, ha composto un "atto bianco", il cosiddetto "Sogno di Don Chisciotte", un vero paradiso per gli amanti delle ballerine in tutù, proprietarie di belle gambe. Il numero di amorini nel "Sogno" ha raggiunto cinquantadue...
Don Chisciotte è venuto da noi in una rielaborazione del coreografo moscovita Alexander Gorsky, che amava le idee di Konstantin Stanislavsky e voleva rendere il vecchio balletto più logico e drammaticamente convincente. Gorsky ha distrutto le composizioni simmetriche di Petipa, ha cancellato il tutù nella scena "Dream" e ha insistito sull'uso del trucco scuro per i ballerini spagnoli. Petipa lo ha definito un "maiale", ma già nella prima alterazione di Gorsky, il balletto è stato rappresentato sul palcoscenico del Teatro Bolshoi 225 volte.
"Il lago dei cigni"
Scenario per la prima rappresentazione. Grande teatro. Mosca. 1877
Scena dal balletto Il lago dei cigni» P.I. Čajkovskij (coreografi Marius Petipa e Lev Ivanov). 1895
Musica di P. Tchaikovsky, libretto di V. Begichev e V. Geltser. Prima produzione: Mosca, Teatro Bolshoi, 1877, coreografia di V. Reisinger. Produzione successiva: San Pietroburgo, Teatro Mariinsky, 1895, coreografia di M. Petipa, L. Ivanov.
Il balletto preferito da tutti, la cui versione classica andò in scena nel 1895, in realtà era nato diciotto anni prima al Teatro Bolshoi di Mosca. La colonna sonora di Čajkovskij, la cui fama mondiale doveva ancora arrivare, era una sorta di raccolta di "canzoni senza parole" e sembrava troppo complicata per l'epoca. Il balletto ha avuto luogo circa 40 volte ed è caduto nell'oblio.
Dopo la morte di Čajkovskij, il Lago dei cigni fu messo in scena al Teatro Mariinsky e tutte le successive produzioni del balletto si basarono su questa versione, che divenne un classico. All'azione è stata data grande chiarezza e logica: il balletto raccontava il destino della bellissima principessa Odette, trasformata in un cigno dalla volontà del genio malvagio Rothbart, di come Rothbart ingannò il principe Siegfried, che si innamorò di lei, ricorrendo al fascino di sua figlia Odile e alla morte degli eroi. La partitura di Čajkovskij è stata ridotta di circa un terzo dal direttore Ricardo Drigo e riorchestrata. Petipa ha creato la coreografia per il primo e il terzo atto, Lev Ivanov per il secondo e il quarto. Questa separazione corrispondeva idealmente alla vocazione di entrambi i brillanti coreografi, il secondo dei quali doveva vivere e morire all'ombra del primo. Petipa è il padre del balletto classico, il creatore di composizioni impeccabilmente armoniose e il cantante di una donna-fata, una donna-giocattolo. Ivanov è un coreografo innovativo con una sensibilità insolita per la musica. Il ruolo di Odette-Odile è stato interpretato da Pierina Legnani, “Regina delle ballerine milanesi”, è anche la prima Raymonda e l'inventore delle 32 fouettes, il tipo di rotazione più difficile sulle scarpe da punta.
Potresti non sapere nulla del balletto, ma il Lago dei cigni è noto a tutti. Negli ultimi anni di esistenza Unione Sovietica, quando gli anziani capi si sostituivano abbastanza spesso, la melodia accorata del duetto “bianco” dei protagonisti del balletto e gli scoppi delle braccia alari dallo schermo televisivo preannunciavano il triste evento. I giapponesi amano così tanto il Lago dei cigni che sono pronti a guardarlo al mattino e alla sera, eseguito da qualsiasi troupe. Nessuna compagnia itinerante, di cui ce ne sono molte in Russia, e soprattutto a Mosca, può fare a meno di Lebedinoy.
"Schiaccianoci"
Scena del balletto Lo Schiaccianoci. Prima messa in scena. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Teatro dell'Opera Mariinskij. 1892
Scena del balletto Lo Schiaccianoci. Prima messa in scena. Teatro dell'Opera Mariinskij. 1892
Musica di P. Tchaikovsky, libretto di M. Petipa. Prima produzione: San Pietroburgo, Teatro Mariinsky, 1892, coreografia di L. Ivanov.
Da libri e siti web circolano ancora informazioni errate secondo cui Lo Schiaccianoci è stato messo in scena dal padre del balletto classico Marius Petipa. In effetti, Petipa ha scritto solo la sceneggiatura e la prima produzione del balletto è stata eseguita dal suo subordinato, Lev Ivanov. Un compito impossibile toccò a Ivanov: la sceneggiatura, creata nello stile dell'allora stravagante balletto di moda con l'indispensabile partecipazione di un artista ospite italiano, era in evidente contraddizione con la musica di Čajkovskij, che, sebbene scritta in stretta conformità con le istruzioni di Petipa, si distingueva per grande sentimento, ricchezza drammatica e complesso sviluppo sinfonico. Inoltre, l'eroina del balletto era un'adolescente e la ballerina-star era preparata solo per il pas de deux finale (un duetto con un partner, composto da un adagio - una parte lenta, variazioni - danze soliste e una coda (finale virtuoso)). La prima produzione de Lo Schiaccianoci, dove il primo, prevalentemente un atto di pantomima, differiva nettamente dal secondo, un atto di divertissement, non ebbe molto successo, i critici notarono solo il Valzer dei fiocchi di neve (vi parteciparono 64 ballerini) e il Pas de deux of the Dragee Fairy and the Prince of Pertosse , ispirato all'Adagio con una rosa di Ivanov da La bella addormentata, dove Aurora balla con quattro gentiluomini.
Ma nel XX secolo, che ha saputo penetrare nelle profondità della musica di Čajkovskij, Lo Schiaccianoci era destinato a un futuro davvero fantastico. Ci sono innumerevoli spettacoli di balletto nell'Unione Sovietica, nei paesi europei e negli Stati Uniti. In Russia, le produzioni di Vasily Vainonen al Teatro Accademico Statale dell'Opera e del Balletto di Leningrado (ora Teatro Mariinsky di San Pietroburgo) e Yuri Grigorovich al Teatro Bolshoi di Mosca sono particolarmente apprezzate.
"Romeo e Giulietta"
Balletto Romeo e Giulietta. Giulietta - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939
La sig.ra Patrick Campbeple come Giulietta in Romeo e Giulietta di Shakespeare. 1895
Finale di Romeo e Giulietta. 1940
Musica di S. Prokofiev, libretto di S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Prima produzione: Brno, Teatro dell'Opera e del Balletto, 1938, coreografia di V. Psota. Produzione successiva: Leningrado, State Academic Opera and Ballet Theatre. S. Kirov, 1940, coreografia di L. Lavrovsky.
Se si legge la frase di Shakespeare in una nota traduzione russa "Non c'è storia più triste al mondo della storia di Romeo e Giulietta", poi hanno detto del balletto del grande Sergei Prokofiev scritto su questa trama: "Non c'è storia più triste al mondo della musica di Prokofiev nel balletto". Veramente sorprendente per bellezza, ricchezza di colori ed espressività, la partitura di "Romeo e Giulietta" al momento della sua apparizione sembrava troppo complicata e inadatta al balletto. I ballerini si sono semplicemente rifiutati di ballare con lei.
Prokofiev scrisse la colonna sonora nel 1934, e originariamente non era destinata al teatro, ma alla famosa Scuola coreografica accademica di Leningrado per celebrare il suo 200° anniversario. Il progetto non fu realizzato a causa dell'assassinio di Sergei Kirov a Leningrado nel 1934 e nel principale teatro musicale della seconda capitale scoppiarono cambiamenti. Né il progetto di mettere in scena Romeo e Giulietta al Bolshoi di Mosca si è realizzato. Nel 1938, la prima fu proiettata da un teatro a Brno, e solo due anni dopo, il balletto di Prokofiev fu finalmente messo in scena nella patria dell'autore, all'allora Teatro Kirov.
Il coreografo Leonid Lavrovsky, nell'ambito del genere "drambalet" (una forma di dramma coreografico caratteristico del balletto degli anni '30-'50), molto apprezzato dalle autorità sovietiche, ha creato uno spettacolo impressionante ed emozionante con scene di massa accuratamente scolpite e finemente caratteristiche psicologiche definite dei personaggi. A sua disposizione c'era Galina Ulanova, la ballerina-attrice più raffinata, rimasta insuperata nel ruolo di Giulietta.
La colonna sonora di Prokofiev è stata rapidamente apprezzata dai coreografi occidentali. Le prime versioni del balletto apparvero già negli anni '40. I loro creatori erano Birgit Kuhlberg (Stoccolma, 1944) e Margarita Froman (Zagabria, 1949). Famose produzioni di "Romeo e Giulietta" appartengono a Frederick Ashton (Copenaghen, 1955), John Cranko (Milano, 1958), Kenneth MacMillan (Londra, 1965), John Neumeier (Francoforte, 1971, Amburgo, 1973).I. Moiseev, 1958, coreografia di Y. Grigorovich, 1968.
Senza "Spartacus" il concetto di "balletto sovietico" è impensabile. Questo è un vero successo, un simbolo dell'epoca. Periodo sovietico sviluppò altri temi e immagini, profondamente diversi dal balletto classico tradizionale ereditato da Marius Petipa e dai Teatri Imperiali di Mosca e San Pietroburgo. Fiabe con un lieto fine sono stati archiviati e sono stati sostituiti da storie eroiche.
Già nel 1941, uno dei principali compositori sovietici, Aram Khachaturian, parlò della sua intenzione di scrivere musica per uno spettacolo monumentale ed eroico da mettere in scena al Teatro Bolshoi. Il tema era un episodio dell'antica storia romana, una rivolta di schiavi guidati da Spartaco. Khachaturian ha creato una colonna sonora colorata utilizzando motivi armeni, georgiani e russi e piena di bellissime melodie e ritmi infuocati. La produzione doveva essere messa in scena da Igor Moiseev.
Ci sono voluti molti anni prima che il suo lavoro arrivasse al pubblico, e non è apparso al Teatro Bolshoi, ma al Teatro. Kirov. Il coreografo Leonid Yakobson ha creato una performance sbalorditiva e innovativa, abbandonando gli attributi tradizionali del balletto classico, inclusa la danza sulle punte, utilizzando plastica libera e ballerine che indossano sandali.
Ma il balletto "Spartacus" divenne un successo e un simbolo dell'epoca nelle mani del coreografo Yuri Grigorovich nel 1968. Grigorovich ha impressionato lo spettatore con una drammaturgia completamente costruita, un ritratto sottile dei personaggi dei personaggi principali, un'abile messa in scena di scene di folla, purezza e bellezza degli adagi lirici. Ha definito il suo lavoro "uno spettacolo per quattro solisti con un corpo di ballo" (corpo di ballo - artisti coinvolti in episodi di danza di massa). Vladimir Vasiliev ha interpretato il ruolo di Spartaco, Crasso - Maris Liepa, Frigia - Ekaterina Maksimova e Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet era prevalentemente maschile, il che rende il balletto "Spartacus" unico nel suo genere.
Oltre alle famose letture di Spartacus di Yakobson e Grigorovich, ci sono circa altre 20 produzioni del balletto. Tra questi la versione di Jiri Blazek per il Balletto di Praga, Laszlo Serega per il Balletto di Budapest (1968), Jüri Vamos per l'Arena di Verona (1999), Renato Zanella per il Balletto dell'Opera di Stato di Vienna (2002), Natalia Kasatkina e Vladimir Vassilev per lo State Academic Theatre dirige il balletto classico a Mosca (2002).
I biglietti per spettacoli teatrali famosi in tutto il mondo devono essere prenotati con largo anticipo. Proviamo a scoprire come queste attrazioni attirano spettatori da tutto il mondo e quanto costa un biglietto miglior teatro pace.
Certo, in questo elenco mancano chiaramente i teatri Bolshoi o Mariinsky, ma abbiamo deciso di dedicare un articolo a parte ai teatri più famosi della Russia.
I teatri più famosi del mondo
La vita è in pieno svolgimento nelle capitali d'Europa. Parigi, Londra, Milano: non solo le fashioniste ei turisti con le macchine fotografiche accorrono qui. Anche gli intellettuali - intenditori di architettura, teatro, opera, balletto e musica saranno deliziati.Teatro Covent Garden
LondraLa capitale della Gran Bretagna è ricca di teatri con la storia. È stato sul palcoscenico del London Globe che le opere di Shakespeare sono state messe in scena per la prima volta. Ma sebbene il Globe, sopravvissuto a due ricostruzioni, sia ancora operativo oggi, la Royal Opera House di Covent Garden, sede del Royal Ballet e della Royal Opera, ha lo status di teatro più famoso di Londra.
L'edificio moderno è già il terzo. Nel 1732, il teatro aprì per la prima volta le sue porte agli spettatori che vennero a vedere la produzione di "Secular Customs" basata sull'opera di William Congreve. Dopo 76 anni, l'edificio di Covent Garden fu distrutto da un incendio. Ci sono voluti 9 mesi per riprendersi. Il teatro riaperto ha deliziato il pubblico con Macbeth. Nel 1856 il teatro bruciò di nuovo, ma due anni dopo rinacque dalle ceneri così come lo vediamo ora.
Ricostruzione su larga scala teatro si è tenuto nel 1990. Ora la sua sala a 4 livelli ospita 2268 visitatori. I prezzi dei biglietti per il Covent Garden Theatre vanno da £ 15 a £ 135.
grande opera
ParigiIl teatro più famoso di Parigi è la Grand Opera. Nel 1669, Luigi XIV "dava il via libera" alla fondazione di un teatro dell'opera al poeta Pierre Perrin e al compositore Robert Kamber. Nel corso dei secoli il teatro cambiò più volte nome e sede, fino a quando nel 1862 finì nel IX arrondissement di Parigi, in un edificio progettato da Charles Garnier, costruito nel 1875 dall'architetto Charles Garnier.
La facciata del teatro è lussuosa: è decorata con quattro sculture (personificazioni di dramma, musica, poesia e danza) e sette archi. L'edificio è coronato da una maestosa cupola splendente.
Il palcoscenico della Grand Opera ha visto tedeschi, italiani e compositori francesi. Fu qui che ebbe luogo la prima dell'opera di Stravinsky "Mavra". Il suo nome attuale è Palais Garnier, ed è forse il teatro più visitato al mondo.
VenaL'Austria è la culla di molti classici: Haydn, Mozart, Beethoven, la cui musica ha costituito la base della Scuola di musica classica di Vienna. Forse è per questo che l'Opera di Vienna può essere tranquillamente definita il teatro dell'opera più famoso del mondo.
Il teatro dell'opera fu costruito nel 1869. L'apertura è stata segnata dall'opera Don Giovanni di Mozart.
Poiché l'edificio del teatro è stato costruito nello stile di un neorinascimentale estremamente comune, è stato ripetutamente sottoposto a critiche spietate: la facciata dell'edificio sembrava noiosa ai viennesi, insignificante.
Secondo guerra mondiale il teatro fu parzialmente distrutto, ma nel 1955 fu solennemente riaperto con l'opera Fidelio di Beethoven. In termini di numero di rappresentazioni, nessuno degli altri teatri d'opera può essere paragonato all'Opera di Vienna. Per 285 giorni all'anno, in questo edificio sulla Ringstrasse vengono messe in scena circa 60 opere. Ogni anno, una settimana prima del primo giorno di Quaresima, qui si tiene il Ballo viennese, un evento inserito nell'elenco dei beni culturali immateriali protetti dall'UNESCO.
La Scala
Milano>Fu nell'Italia rinascimentale che nacque l'opera moderna. Nel 1776 l'architetto milanese Giuseppe Piermarini piacque un pezzo di terra sul sito della distrutta chiesa di Santa Lucia della Scala. Si decise di costruirvi un teatro dell'opera, che alla fine ricevette il nome dal suo "antenato".
Durante la costruzione della fondazione sotterranea, hanno trovato una lastra di marmo con l'immagine dell'antico attore romano Pilade, che i costruttori hanno preso come segno dall'alto.
La prima opera della Scala fu Riconosciuta in Europa dal compositore Antonio Salieri. Fu tra queste mura che suonarono per la prima volta le orchestre di Gavazzeni Gianandrea, Arturo Toscanini e Riccardo Muti.
Oggi la Scala è giustamente letta da uno dei teatri più famosi al mondo. Questo è il primo dopo il Duomo di Milano che i turisti che sono arrivati a Milano ispezionano.
L'ultima volta che il teatro è stato ricostruito è stato nei primi anni 2000. L'inaugurazione è avvenuta nel 2004 e l'opera Renewed Europe di Salieri è stata nuovamente proiettata sul palcoscenico rinnovato.
Palazzo della Musica Catalana
BarcellonaTeatro piuttosto giovane (rispetto al precedente), il Palazzo della Musica Catalana di Barcellona aprì le sue porte agli esteti musicali nel 1908. Barcellona ama l'Art Nouveau spagnolo di Gaudi, e quindi si è deciso di costruire la principale sala da concerto del paese nello stesso stile: onde e spirali prevalgono qui su linee rette.
La facciata del Palazzo ci ricorda che in Spagna le culture europea e araba sono strettamente intrecciate come in nessun altro luogo.
Ma caratteristica principale sala concerti- la sua illuminazione. La luce è completamente naturale. La cupola del Palazzo della Musica Catalana è realizzata con mosaici di vetro colorato. I raggi del sole, rifratti, creano un effetto indescrivibile!
Teatro dell'opera di Sydney
SidneyLa Sydney Opera House potrebbe non essere la più visitata al mondo, ma è sicuramente il teatro più riconoscibile e insolito. Le sue pareti bianche simili a vele sono diventate una delle moderne meraviglie del mondo.
La cerimonia di inaugurazione ebbe luogo nell'ottobre 1973 con la partecipazione della regina Elisabetta II.
Tutti sanno com'è il Sydney Theatre dall'esterno, ora guarda com'è dentro: che deliziosa combinazione di futurismo e gotico!
La superficie totale dell'edificio supera i due ettari. All'interno troverai quasi mille stanze, perché l'edificio è il "quartier generale" dell'Australian Opera, Sydney Orchestra Sinfonica, il National Ballet e la Sydney Theatre Company.
L'illuminazione del teatro consuma energia, del tutto paragonabile al consumo di elettricità di una piccola città australiana.
Kabukiza
TokioSappiamo molto sui teatri europei, ma per quanto riguarda il teatro in Oriente? Quali sono le caratteristiche, in particolare, dei giapponesi cultura teatrale?
Il teatro classico giapponese combina teatro, musica, danza e poesia sul palco. Lo scenario degli spettacoli è semplice, cosa che non si può dire delle maschere e dei kimono degli attori. Il significato della performance è un osso duro per uno spettatore impreparato che non ha familiarità con la cultura giapponese e non è in grado di comprendere i molti sottili riferimenti alla mitologia, alla letteratura e alla storia.
Tuttavia, il teatro Tokyo Kabuki-za è adorato non solo dai giapponesi, ma anche dai turisti: nessuno dei posti del 1964 nella sala è solitamente vuoto. I prezzi dei biglietti partono da 15.000 yen (circa 8.000 rubli) e, a un costo aggiuntivo, gli spettatori possono acquistare un'audioguida che spiegherà tutti i dettagli di ciò che sta accadendo.
Radio City Music Hall
New YorkCostruito nel cuore di Manhattan nel 1932, il Radio City Music Hall è diventato uno dei luoghi di intrattenimento preferiti dai newyorkesi. Spettacoli, musical, spettacoli orchestre jazz, anteprime di film freschi: tutto questo potrebbe essere visto qui. L'era è cambiata, ma l'eleganza e la brillantezza dei musical di Broadway del XX secolo continueranno ad affascinare sia gli americani che i turisti.
Il tradizionale musical natalizio è particolarmente popolare.
Radio City può ospitare 6.000 persone contemporaneamente, motivo per cui il suo palco ospita spesso eventi nazionali come i Grammy Music Awards.
L'orgoglio del municipio di Radio City è un enorme organo a 4410 canne.
Sempre Opera
DresdaÈ l'Opera Nazionale di Dresda o Semperoper in onore dell'architetto Gottfried Semper. Il maestoso edificio neorinascimentale ricevette per la prima volta i visitatori il 12 aprile 1841. La prima opera che suonò da questo palcoscenico fu la commedia di Goethe Ifigenia in Tauris. Successivamente, qui si sono svolte le anteprime di molte opere di Richard Wagner.
Inserito da copypaster il Mer, 15/08/2007 - 01:11
Il balletto è un'arte piuttosto giovane. Ha poco più di quattrocento anni, anche se la danza decora la vita umana fin dai tempi antichi.
Il balletto è nato nel nord Italia durante il Rinascimento. I principi italiani adoravano le magnifiche feste di palazzo, in cui la danza occupava un posto importante. I balli rurali non erano adatti a dame e signori di corte. Le loro vesti, come le sale dove ballavano, non permettevano movimenti disorganizzati. Insegnanti speciali - maestri di danza - hanno cercato di mettere le cose in ordine nei balli di corte. Hanno provato in anticipo singole figure e movimenti della danza con i nobili e hanno guidato gruppi di ballerini. A poco a poco la danza divenne sempre più teatrale.Il termine "balletto" apparve alla fine del XVI secolo (dall'italiano balletto - ballare). Ma allora non significava un'esibizione, ma solo un episodio di danza che trasmette un certo stato d'animo. Tali "balletti" di solito consistevano in "uscite" poco collegate di personaggi - il più delle volte eroi miti greci. Dopo tali "uscite" è iniziata una danza comune: il "grande balletto".
La prima rappresentazione di balletto fu il Queen's Comedy Ballet, messo in scena in Francia nel 1581 dal coreografo italiano Baltazarini di Belgiojoso. È stato in Francia che ulteriori sviluppi balletto. Dapprima si trattava di balletti in maschera, poi pomposi balletti melodrammatici su trame cavalleresche e fantastiche, in cui gli episodi di danza venivano sostituiti da arie vocali e recitazione di poesie. Non essere sorpreso, a quel tempo il balletto non era solo uno spettacolo di danza.
Durante il regno di Luigi XIV, le esibizioni del balletto di corte raggiunsero uno splendore speciale. Lo stesso Louis amava partecipare ai balletti e ricevette il suo famoso soprannome di "Il re sole" dopo aver interpretato il ruolo del sole nel "Balletto della notte".
Nel 1661 creò la Royal Academy of Music and Dance, che comprendeva 13 importanti maestri di danza. Il loro compito era preservare le tradizioni della danza. Il direttore dell'accademia, l'insegnante di danza reale Pierre Beauchamp, ha individuato le cinque posizioni fondamentali della danza classica.
Presto fu aperta l'Opera di Parigi, il cui coreografo era lo stesso Beauchamp. Sotto la sua guida si formò una compagnia di balletto. All'inizio era composto solo da uomini. Le donne apparvero sul palcoscenico dell'Opera di Parigi solo nel 1681.
Il teatro ha messo in scena balletti d'opera del compositore Lully e commedie-balletti del drammaturgo Molière. All'inizio vi prendevano parte i cortigiani e le esibizioni quasi non differivano dalle esibizioni di palazzo. Si ballavano i già citati minuetti lenti, gavotte e pavane. Maschere, abiti pesanti e scarpe col tacco alto rendevano difficile per le donne eseguire movimenti complessi. Pertanto, le danze maschili si distinguevano allora per maggiore grazia e grazia.
Entro la metà del XVIII secolo, il balletto stava guadagnando grande popolarità in Europa. Tutte le corti aristocratiche d'Europa cercarono di imitare il lusso della corte reale francese. Teatri d'opera aperti nelle città. Numerosi ballerini e insegnanti di danza trovarono facilmente lavoro.
Presto influenzato dalla moda femminile costume da balletto divenne molto più leggero e libero, sotto di esso si indovinavano le linee del corpo. I ballerini hanno abbandonato le scarpe con i tacchi, sostituendole con scarpe leggere senza tacco. Anche il costume maschile divenne meno ingombrante: pantaloni attillati fino alle ginocchia e calze permettevano di vedere la figura del ballerino.
Ogni innovazione ha reso le danze più significative e la tecnica di danza più elevata. A poco a poco, il balletto si separò dall'opera e si trasformò in un'arte indipendente.
Sebbene la scuola di balletto francese fosse famosa per la sua grazia e plasticità, era caratterizzata da una certa freddezza e formalità di esecuzione. Pertanto, coreografi e artisti cercavano altri mezzi di espressione.
Alla fine del XVIII secolo nacque una nuova tendenza nell'arte: il romanticismo, che ebbe una forte influenza sul balletto. In un balletto romantico, il ballerino stava sulle scarpe da punta. Maria Taglioni è stata la prima a farlo, cambiando completamente le idee precedenti sul balletto. Nel balletto "La Sylphide" è apparsa come una fragile creatura da malavita. Il successo è stato sbalorditivo.
In quel momento apparvero molti meravigliosi balletti, ma, sfortunatamente, il balletto romantico fu l'ultimo periodo di massimo splendore. arte della danza nell'ovest. Dal secondo metà del XIX il balletto del secolo, avendo perso il suo significato precedente, è diventato un'appendice dell'opera. Solo negli anni '30, sotto l'influenza del balletto russo, iniziò la rinascita di questa forma d'arte in Europa.
In Russia, il primo spettacolo di balletto - "Il balletto di Orfeo ed Euridice" - fu messo in scena l'8 febbraio 1673 alla corte dello zar Alexei Mikhailovich. I balli cerimoniali e lenti consistevano in un cambiamento di posture aggraziate, inchini e movimenti, alternati a canti e discorsi. NO Ruolo significativo non ha suonato nello sviluppo della danza teatrale. Era solo un altro "divertimento" reale, che attirava con la sua insolita e novità.
Solo un quarto di secolo dopo, grazie alle riforme di Pietro I, la musica e la danza entrarono nella vita della società russa. L'addestramento obbligatorio alla danza fu introdotto nelle scuole nobiliari. A corte cominciarono ad esibirsi musicisti congedati dall'estero, artisti dell'opera e compagnie di balletto.
Nel 1738 fu aperta la prima scuola di balletto in Russia e tre anni dopo 12 ragazzi e 12 ragazze della servitù del palazzo divennero i primi ballerini professionisti in Russia. Dapprima si esibirono nei balletti di maestri stranieri come figuranti (come venivano chiamati i ballerini del corpo di ballo), e successivamente nelle parti principali. Il notevole ballerino di quel tempo, Timofey Bublikov, brillava non solo a San Pietroburgo, ma anche a Vienna.
All'inizio del XIX secolo, l'arte del balletto russo raggiunse la sua maturità creativa. I ballerini russi hanno portato espressività e spiritualità alla danza. Sentendolo in modo molto accurato, A. S. Pushkin ha definito la danza della sua contemporanea Avdotya Istomina "un volo pieno di anima".
Il balletto a quel tempo occupava una posizione privilegiata tra gli altri tipi di arte teatrale. Le autorità vi hanno prestato grande attenzione, fornendo sussidi statali. Le compagnie di balletto di Mosca e San Pietroburgo si esibivano in teatri ben attrezzati e i diplomati delle scuole di teatro rifornivano ogni anno lo staff di ballerini, musicisti e decoratori.
Artù San Leon
Nella storia del nostro teatro di balletto, si incontrano spesso i nomi di maestri stranieri che hanno svolto un ruolo significativo nello sviluppo del balletto russo. Prima di tutto, questi sono Charles Didelot, Arthur Saint-Leon e Marius Petipa. Hanno contribuito a creare la scuola di balletto russa. Ma i talentuosi artisti russi hanno anche permesso di rivelare i talenti dei loro insegnanti. Ciò attirava invariabilmente i più grandi coreografi d'Europa a Mosca e San Pietroburgo. In nessuna parte del mondo potevano incontrare una troupe così numerosa, talentuosa e ben addestrata come in Russia.
A metà del XIX secolo, il realismo arrivò alla letteratura e all'arte russa. I coreografi febbrilmente, ma senza successo, hanno cercato di creare spettacoli realistici. Non hanno tenuto conto del fatto che il balletto è un'arte condizionale e il realismo nel balletto differisce in modo significativo dal realismo nella pittura e nella letteratura. La crisi dell'arte del balletto è iniziata.
Una nuova tappa nella storia del balletto russo iniziò quando il grande compositore russo P. Tchaikovsky compose per la prima volta la musica per il balletto. Era il lago dei cigni. Prima di allora, la musica del balletto non veniva presa sul serio. Era considerata vista inferiore creatività musicale, solo un accompagnamento alla danza.
Grazie a Čajkovskij, la musica del balletto è diventata un'arte seria insieme all'opera e musica sinfonica. In precedenza, la musica dipendeva completamente dalla danza, ora la danza doveva obbedire alla musica. Erano richiesti nuovi mezzi di espressione e un nuovo approccio alla creazione di una performance.
L'ulteriore sviluppo del balletto russo è legato al nome del coreografo di Mosca A. Gorsky, che, abbandonando le tecniche obsolete della pantomima, ha utilizzato le tecniche della regia moderna in uno spettacolo di balletto. Dando Grande importanza il design pittoresco della performance, ha attirato i migliori artisti a lavorare.
Ma il vero riformatore dell'arte del balletto è Mikhail Fokin, che si ribellò alla costruzione tradizionale spettacolo di balletto. Ha sostenuto che il tema della performance, la sua musica, l'era in cui si svolge l'azione, richiedono ogni volta diversi movimenti di danza, un diverso schema di danza. Durante la messa in scena del balletto "Egyptian Nights" Fokine si è ispirato alla poesia di V. Bryusov e agli antichi disegni egizi, e le immagini del balletto "Petrushka" sono state ispirate dalla poesia di A. Blok. Nel balletto Daphnis and Chloe, ha abbandonato la danza sulle punte e, con movimenti liberi e plastici, ha fatto rivivere antichi affreschi. La sua "Chopiniana" ha fatto rivivere l'atmosfera del balletto romantico. Fokin ha scritto che "sogna di creare un balletto drammatico dal balletto divertente, dalla danza - un linguaggio comprensibile e parlante". E ci è riuscito.
Anna Pavlova
Nel 1908 iniziarono le esibizioni annuali di ballerini russi a Parigi, organizzate dalla figura teatrale S. P. Diaghilev. I nomi dei ballerini russi - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - sono diventati noti in tutto il mondo. Ma il primo di questa fila è il nome dell'incomparabile Anna Pavlova.
Pavlova - lirica, fragile, con linee del corpo allungate, occhi enormi - incisioni evocate raffiguranti ballerine romantiche. Le sue eroine trasmettevano un sogno puramente russo di una vita armoniosa e spiritualizzata o desiderio e tristezza per una vita insoddisfatta. The Dying Swan, creato dalla grande ballerina Pavlova, è un simbolo poetico del balletto russo all'inizio del XX secolo.
Fu allora, sotto l'influenza dell'abilità degli artisti russi, che il balletto occidentale si scosse e ottenne un secondo vento.
Dopo la Rivoluzione d'Ottobre del 1917, molte figure del balletto lasciarono la Russia, ma nonostante ciò la scuola di balletto russo sopravvisse. Il pathos del movimento verso una nuova vita, i temi rivoluzionari e, soprattutto, la possibilità di esperimenti creativi hanno ispirato i maestri di ballo. Il loro compito era avvicinare l'arte coreografica alla gente, renderla più vitale e accessibile.
È così che è nato il genere del balletto drammatico. Queste erano esibizioni, di solito basate su trame di famosi Lavori letterari, che sono stati costruiti secondo le leggi di una performance drammatica. Il contenuto in essi è stato presentato con l'aiuto della pantomima e della danza pittorica. A metà del XX secolo, il balletto drammatico era in crisi. I coreografi hanno tentato di preservare questo genere di balletto, esaltando lo spettacolo delle esibizioni con l'ausilio di effetti scenici, ma, purtroppo, invano.
Alla fine degli anni '50, arrivò una svolta. Coreografi e ballerini di una nuova generazione hanno fatto rivivere generi dimenticati - balletto in un atto, sinfonia di balletto, miniatura coreografica. E dagli anni '70 sono sorte compagnie di balletto indipendenti, indipendenti dai teatri dell'opera e del balletto. Il loro numero è in costante aumento, tra questi ci sono studi di danza libera e danza moderna.
nel XVI secolo ha fatto molta strada e ai nostri tempi è diventato popolare in tutto il mondo. Numerose scuole di balletto e compagnie teatrali, il cui numero aumenta ogni anno, sono sia classiche che moderne.
Ma se ci sono dozzine di famosi spettacoli di balletto e, in effetti, differiscono dagli altri gruppi di danza solo per il livello di abilità, allora si possono contare sulle dita i teatri di balletto nazionali con una lunga storia.
Balletto russo: teatri Bolshoi e Mariinsky
Tu ed io abbiamo qualcosa di cui essere orgogliosi, perché il balletto russo è uno dei migliori al mondo. Il lago dei cigni, Lo schiaccianoci, i famosi balletti di plastica apparsi nel nostro paese all'inizio del XX secolo hanno reso la Russia la seconda patria di quest'arte e hanno fornito ai nostri teatri un flusso infinito di spettatori riconoscenti da tutto il mondo.
Oggi, le compagnie dei teatri Bolshoi e Mariinsky competono per il titolo di migliore, le cui abilità vengono migliorate giorno dopo giorno. I ballerini di entrambe le compagnie sono selezionati tra gli allievi dell'Accademia di San Pietroburgo intitolata ad A. Ya Vaganova, e fin dai primi giorni di formazione, tutti i suoi studenti sognano un giorno di esibirsi in una parte da solista sul palco principale del paese .
Balletto francese: Grand Opera
La culla del balletto mondiale, il cui atteggiamento nei confronti delle esibizioni è rimasto immutato per tre secoli, e dove esiste solo la danza classica accademica, e tutto il resto è considerato un crimine contro l'arte, è il sogno supremo per tutti i ballerini del mondo.
Ogni anno, i suoi membri vengono reintegrati con solo tre ballerini che hanno superato così tante selezioni, concorsi e test che nemmeno gli astronauti si sarebbero mai sognati. I biglietti per l'Opera di Parigi non sono economici e solo i più ricchi intenditori d'arte possono permetterseli, ma la sala è piena durante ogni spettacolo, perché oltre agli stessi francesi, vengono qui tutti gli europei che sognano di ammirare il balletto classico.
Stati Uniti: American Ballet Theatre
Acquisito un'ampia popolarità dopo l'uscita di "The Black Swan", l'American Ballet Theatre è stato fondato dal solista del Russian Bolshoi Theatre.
Avendo una propria scuola, il balletto non assume ballerini esterni e ha uno stile distintivo russo-americano. Le produzioni convivono con storie classiche, come il famoso Schiaccianoci, e nuove indicazioni di danza. Molti intenditori di balletto affermano che ABT ha dimenticato i canoni, ma la popolarità di questo teatro sta crescendo di anno in anno.
Regno Unito: Birmingham Royal Ballet
Curato dalla stessa Regina, il London Ballet è piccolo per numero di ballerini, ma si distingue per il rigore della selezione dei partecipanti e del repertorio. Qui non incontrerai tendenze moderne e deviazioni di genere. Forse è per questo che, incapaci di resistere alle dure tradizioni, molti giovani stelle di questo balletto lo lasciano e iniziano a creare le proprie compagnie.
Non è facile arrivare allo spettacolo del balletto reale, solo le persone più nobili e ricche del mondo ne sono onorate, ma una volta ogni tre mesi vengono organizzate serate di beneficenza con ingresso aperto.
Balletto austriaco: Opera di Vienna
La storia dell'Opera di Vienna ha un secolo e mezzo e per tutto questo tempo i ballerini russi sono stati i primi solisti della compagnia. Conosciuta per i suoi balli annuali, che non hanno avuto luogo fino alla seconda guerra mondiale, il Teatro dell'Opera di Vienna è l'attrazione più visitata dell'Austria. Le persone vengono qui per ammirare i talentuosi ballerini e, guardando i loro compatrioti sul palco, parlano con orgoglio la loro lingua madre.
È molto facile ottenere i biglietti qui: grazie all'enorme sala e all'assenza di rivenditori, puoi farlo il giorno del balletto, le uniche eccezioni saranno i giorni delle anteprime e l'apertura della stagione.
Quindi, se vuoi vedere il balletto classico eseguito dai ballerini più talentuosi, vai in uno di questi teatri e goditi l'arte antica.
Gran Bretagna. Prima della tournée della compagnia di Diaghilev e Anna Pavlova a Londra negli anni '10 e '20, il balletto veniva presentato in Inghilterra principalmente con esibizioni di singoli ballerine famose sui palcoscenici dei music hall, ad esempio, la danese Adeline Genet (1878-1970). Il balletto inglese deve la sua nascita a due donne che lavorarono per Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982), originaria della Polonia, e Ninette de Valois (nata nel 1898), nata in Irlanda ma formata a Londra. Rambert, allievo del musicista e creatore del sistema di ginnastica ritmica Emile Jacques-Dalcroze, fu invitato da Diaghilev ad aiutare Nijinsky quando dovette lavorare alla partitura de La sagra della primavera di Stravinskij, che era molto difficile in termini di ritmo . Per diversi anni ha ballato nel corpo di ballo della compagnia di balletto russo, poi è tornata in Inghilterra e nel 1920 ha aperto la sua scuola. I suoi studenti si sono esibiti, prima chiamati Marie Rambert Dancers, poi come parte del Ballet Club, al minuscolo Mercury Theatre, situato a Nottinhill Gate, Londra. Fu a Rambert che molti famosi artisti inglesi iniziarono la loro carriera, inclusi i coreografi Frederick Ashton e Anthony Tudor. Entrambi si dedicarono alla danza da adulti, ma ben presto iniziarono a mettere in scena piccoli balletti da Rambert. Negli anni '30, un'intera generazione di giovani ballerini inglesi è cresciuta nelle loro produzioni. De Valois, che ballò anche nella compagnia di Diaghilev, dopo averlo lasciato, aprì una scuola a Londra, che presto entrò a far parte del Sadler's Wells Theatre, e nel 1931 dai suoi allievi si formò il Vic Wells Ballet; nel 1948 fu chiamato "Sadler's Wells Balle". Ashton ha unito le forze con Ninette de Valois per creare balletti che hanno messo in luce i talenti di giovani artisti formati da de Valois, Margot Fontaine (1919-1991), Beryl Gray (nato nel 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (nato nel 1926). Con la loro partecipazione, nei successivi quarant'anni, è stato sviluppato uno stile di esecuzione e performance di balletto specificamente inglese, caratterizzato da virtuosismo, drammaticità e puro lirismo classico. Le produzioni di Ashton includono quelle piene di umorismo (Facade, 1931, musica di William Walton; Vain Precaution, 1960, musica di Ferdinand Herold, arrangiata da John Lunchbury) e tragiche (Ondine, 1958, musica di H.W. Henze; A Month in the Country, 1976, su musica di F. Chopin), senza trama (Symphonic Variations, 1946, su musica di S. Frank; Monotony 1 e Monotony 2, 1965, 1966, su musica di E. Satie) e narrativa (Cenerentola, 1948, musica di Prokofiev; Dream, 1964, su musica di F. Mendelssohn nella lavorazione di Lanchbury). Ashton ha creato volentieri balletti basati su opere letterarie: ad esempio, il suo sogno è basato sull'opera teatrale di Shakespeare Sogno di una notte di mezza estate e A Moon in the Country è basato sull'omonima opera di Turgenev. La musa di Ashton era Margot Fonteyn, il cui talento come ballerina si sviluppò contemporaneamente ai suoi esperimenti coreografici. Ha creato per lei il suo ultimo balletto nel 1963: si tratta di Marguerite e Armand (basato sulla Dama con le camelie del figlio di Alexander Dumas e sulla musica di F. Liszt). In questo momento Fonteyn, che aveva già più di quarant'anni, visse, per così dire, una seconda fase della giovinezza, trovando un nuovo partner nella persona del ballerino Rudolf Nureyev, emigrato dall'Unione Sovietica. Ashton è stato ispirato dai talenti dei più esecutori diversi: dramma caratteristico di Lynn Seymour (nato nel 1939) o Christopher Gable (1940-1998), tecnica brillante e allo stesso tempo emotività, manifestata nel duetto di Anthony Dowell (nato nel 1943) e Antoniet Sibley (nato nel 1939). Purtroppo, dopo la morte di Ashton (1988), le sue produzioni non sono conservate con la stessa cura con cui si conservano in America i balletti Balanchine o Tudor. Negli anni '30, Ninette de Valois invitò il direttore del Teatro Mariinsky Nikolai Sergeev (1876-1951), emigrato dalla Russia, a mettere in scena balletti classici del XIX secolo per arricchire il repertorio e offrire agli artisti l'opportunità di padroneggiare forme di danza precedentemente insolite. Nel 1956, il Sadler's Wells Ballet era diventato il Royal Ballet e si esibiva alla Royal Opera House, Covent Garden. Nel suo repertorio negli anni '60 e '70, insieme al tradizionale opere classiche e produzioni di Frederick Ashton, apparvero balletti drammatici di Kenneth Macmillan. Le sue esibizioni si distinguono per il loro dramma sottolineato, sono piene di passi acrobatici e supporti che servono come espressione di intense emozioni. Le esibizioni di maggior successo di Macmillan sono state Romeo e Giulietta in più atti (musica di Prokofiev, 1965) e Manon (1974, su musica di J. Massenet, arrangiata da Leighton Lucas), che vengono messe in scena in molti paesi. Ashton, che diresse il Royal Ballet dal 1963, si ritirò dopo la partenza di de Valois nel 1970. Fino al 1977, la compagnia lavorò sotto Macmillan, poi Norman Morris (nata ballerina e coreografa Martha Graham (1894-1991). Nel 1986, Dowell, un ballerino che aveva lavorato con Ashton, assunse la direzione della compagnia, mentre Macmillan rimase uno dei coreografi della compagnia fino alla sua morte nel 1992. Fu sostituito da David Bintley (nato nel 1957), i cui balletti, a volte drammatico, a volte senza trama, molto vario per stile e genere. Dowell ha introdotto nel repertorio le produzioni di Balanchine e Robbins, così come le opere di W. Forsyth e alcuni dei ballerini della compagnia. Ha invitato come ospiti ballerini dalla Russia, dalla Francia e dagli Stati Uniti, ma allo stesso tempo ha prestato attenzione ai propri artisti: sotto di lui sono fioriti i talenti di Darcy Bussel (nata nel 1969) Viviana Durante (nata nel 1967). In risposta alle critiche che indicavano una mancanza di attenzione all'eredità di Ashton, Dowell organizzò il Royal Ballet Festival per la stagione 1994-1995. Per tutti gli anni Quaranta e Quaranta, la compagnia Balle Rambert ha continuato a mettere in scena nuovi balletti, mantenendo nel proprio repertorio i balletti classici originali, pensati per un piccolo cast. Nel 1966 la compagnia fu riorganizzata, abbandonando completamente gli spettacoli tradizionali e conservando solo opere nello stile della danza moderna. Nel 1987, Richard Alston (nato nel 1948), influenzato principalmente dallo stile del coreografo americano Merce Cunningham (nato nel 1919), ne divenne il leader. Nel 1994 questo incarico è stato assunto da Christopher Bruce (nato nel 1945), ex primo ballerino e coreografo della compagnia. Altre compagnie inglesi includono l'English National Ballet, che ha il suo diretto predecessore nella compagnia fondata nel 1949 dagli ex ballerini di Diaghilev Alicia Markova e Anton Dolin (1904-1983), che per molti anni ha portato il nome di "London Festival Balle". Nel 1984, il danese Peter Schaufus (nato nel 1949), che guidava la troupe, fece rivivere il balletto di Ashton Romeo e Giulietta, che a quel tempo era stato quasi dimenticato. Nel 1990, Ivan Nagy divenne il capo della troupe. Balletto Reale mantenne sempre una seconda, piccola troupe mobile. Si è stabilita a Birmingham negli anni '90 ed è ora conosciuta come il Birmingham Royal Ballet.
Russia sovietica e altri paesi. In Russia il balletto non perse importanza negli anni successivi alla prima guerra mondiale e sotto il dominio sovietico, anche quando la situazione politica ed economica sembrava minacciare l'esistenza stessa del Bolshoi e del Mariinsky (dal nome della Rivoluzione d'Ottobre Teatro di Stato opera e balletto, GOTOB, e dal 1934 - il nome di S.M. Kirov) teatri. Gli anni '20 sono un periodo di intensa sperimentazione sia nella forma che nel contenuto di uno spettacolo di balletto. Ci sono anche produzioni di Proletkult su temi politici e sociali, e a Mosca le opere di Kasyan Goleizovsky (1892-1970), e a Pietrogrado (nel 1924 ribattezzata Leningrado) varie produzioni di Fyodor Lopukhov (1886-1973), tra cui la sua Grandezza di the Universe (1922 ) sulla musica della Quarta Sinfonia di Beethoven. Il papavero rosso alla musica di R.M. Glier, un balletto messo in scena nel 1927 da Vasily Tikhomirov (1876-1956) e Lev Lashchilin (1888-1955) a Mosca, servì da prototipo per molti successivi balletti sovietici: questo è un multi-atto performance, il cui tema sono le nobili passioni e gesta eroiche, e la musica appositamente scritta è di natura sinfonica. Balletti come nel 1932 Le fiamme di Parigi di Vasily Vainonen (1901-1964) e nel 1934 La fontana di Bakhchisaray di Rostislav Zakharov (1907-1984) - entrambi con musiche di Boris Asafiev, come nel 1939 Laurencia (musica di Alexander Crane ) di Vakhtang Chabukiani (1910-1992 ) e nel 1940 Romeo e Giulietta di Leonid Lavrovsky (1905-1967) (musica di Prokofiev), può servire da esempio di quei principi estetici seguiti non solo dalle principali compagnie: il Teatro . S.M. Kirov a Leningrado e al Teatro Bolshoi di Mosca, ma anche tutti i circa 50 teatri che hanno lavorato nel paese. Sebbene i reperti individuali degli anni '20 fossero conservati, prevalevano le esibizioni orientate all'ideologia politica sovietica e il modo di esibirsi si distingueva per la sbalzo nell'esecuzione dei movimenti e la flessibilità (caratteristiche nelle braccia e nella schiena), sviluppando contemporaneamente salti alti, sollevamenti acrobatici (ad esempio, sollevamento alto su un braccio del gentiluomo) e rapida rotazione, che conferiva ai balletti sovietici un'espressione drammatica speciale. Una delle maestre che contribuì allo sviluppo di questo stile fu Agrippina Vaganova (1879-1951). Ex ballerina del Teatro Mariinskij, ha iniziato ad insegnare alla fine della sua carriera artistica. Diventata insegnante alla Scuola coreografica di Leningrado, Vaganova ha sviluppato un programma e un libro di testo di danza classica e ha preparato i suoi allievi affinché potessero eseguire sia i grandi balletti romantici del passato che i nuovi balletti sovietici, con la loro tecnica virtuosistica. In tutta l'Unione Sovietica, così come nell'Europa orientale, il sistema Vaganova è stato posto come base per l'addestramento. Spettatori dentro Europa occidentale e gli Stati Uniti non avevano praticamente familiarità con il balletto sovietico fino alla metà degli anni '50, quando le compagnie di balletto del teatro. Kirov e il Teatro Bolshoi per la prima volta andarono in tournée in Occidente. L'interesse per lui ha suscitato la straordinaria abilità delle ballerine del Bolshoi Galina Ulanova (1910-1998), che ha trasmesso i sentimenti di Giselle e Giulietta con un lirismo penetrante, e Maya Plisetskaya (nata nel 1925), che ha colpito con la sua brillante tecnica nel ruolo di Odette-Odile ne Il lago dei cigni. Mentre il Teatro Bolshoi incarnava le caratteristiche più spettacolari dello stile sovietico, la purezza classica dei ballerini del Teatro Kirov ha trovato espressione in artisti come Natalya Dudinskaya (nata nel 1912) e Konstantin Sergeev (1910-1992), che hanno contribuito alla rinascita della tradizione Petipa. Raggiunto un grande successo generazioni successive artisti: Ekaterina Maksimova (nata nel 1939), Vladimir Vasiliev (nata nel 1940), Natalya Bessmertnova (nata nel 1941) e Vyacheslav Gordeev (nata nel 1948) al Teatro Bolshoi, Irina Kolpakova (nata nel 1933), Alla Sizova (nata . 1939) e Yuri Solovyov (1940-1977) al Teatro Kirov. Nel 1961 Nureyev, uno dei principali ballerini del Teatro Kirov, soggiornò in Occidente durante la tournée della compagnia in Francia. Altri due artisti di spicco dello stesso teatro - Natalia Makarova e Mikhail Baryshnikov - hanno fatto lo stesso (Makarova - a Londra nel 1970, Baryshnikov - in Canada nel 1974). Negli anni '80, la pressione amministrativa e politica sull'arte nell'Unione Sovietica si allentò, Oleg Vinogradov (nato nel 1937), che diresse la compagnia di balletto del Teatro. Kirov dal 1977, iniziò a introdurre nel repertorio i balletti di Balanchine, Tudor, Maurice Béjart (nato nel 1927) e Robbins. Meno incline all'innovazione fu Yuri Grigorovich (nato nel 1927), che dal 1964 diresse il Bolshoi Ballet. Le sue prime produzioni - Stone Flower (musica di Prokofiev, 1957) e Spartacus (musica di A.I. Khachaturian, 1968) - sono tipiche Spettacoli sovietici. Grigorovich fa affidamento su effetti spettacolari, gestisce con sicurezza una grande massa di ballerini che si muovono energicamente, ampiamente utilizzati danza popolare preferisce le storie eroiche. Per molti anni, il palcoscenico del Teatro Bolshoi ha rappresentato quasi esclusivamente i balletti di Grigorovich oi suoi adattamenti di vecchie commedie come Il lago dei cigni. Alla fine degli anni '80, Irek Mukhamedov (nato nel 1960) e Nina Ananiashvili (nato nel 1963) del Teatro Bolshoi, così come Altynai Asylmuratova (nato nel 1961) e Farukh Ruzimatov (nato nel 1963) del Teatro. Kirov ha ricevuto il permesso di esibirsi con le principali compagnie di balletto in Occidente, quindi è entrato a far parte di questi gruppi. Anche Vinogradov e Grigorovich iniziarono a cercare opportunità per mostrare i loro talenti al di fuori della Russia, dove i finanziamenti statali per i teatri furono notevolmente ridotti dopo il crollo dell'URSS nel 1991. Nel 1995, Grigorovich fu sostituito come direttore del Bolshoi Ballet da Vladimir Vasiliev. Altre compagnie a San Pietroburgo sono il balletto del Maly Theatre of Opera and Ballet. M. P. Mussorgsky (fino al 1991 era chiamato Maly Theatre of Opera and Ballet), il "Boris Eifman Ballet Theatre" di San Pietroburgo, diretto dal coreografo Boris Eifman (nato nel 1946), la compagnia di miniature coreografiche creata da Leonid Yakobson ( 1904-1975), che ha lavorato al Teatro. Kirov nel 1942-1969, il cui lavoro divenne famoso in Occidente. Troupe a Mosca teatro musicale loro. KS Stanislavsky e Vl.I. Nemirovich-Danchenko, Teatro del balletto classico. La troupe "Experiment", creata a Perm da Evgeny Panfilov (nato nel 1956), merita attenzione. Il crollo dell'Unione Sovietica e la conseguente crisi economica portarono enormi disagi alle compagnie di balletto, fino ad allora generosamente sovvenzionate dallo Stato. Molti ballerini e insegnanti hanno lasciato il paese per stabilirsi negli Stati Uniti, in Inghilterra, in Germania e in altri paesi occidentali. Durante la Guerra Fredda, molti paesi dell'Europa orientale, che facevano parte del blocco sovietico, seguirono i principi sovietici sia nella formazione dei ballerini che nella messa in scena degli spettacoli. Quando i confini si sono aperti, molti artisti di questi paesi, in particolare ungheresi e polacchi, si sono uniti ai risultati delle coreografie delle compagnie occidentali che sono venute da loro e hanno iniziato a viaggiare al di fuori dei loro paesi.
Francia. Balletto francese all'inizio del XX secolo era in uno stato di crisi. Gli artisti russi invitati all'Opera di Parigi, in particolare dalla compagnia di Diaghilev, erano molto più forti interpreti francesi. Dopo la morte di Diaghilev, il primo ballerino della sua compagnia, Sergei Lifar (1905-1986), arrivato una volta in Francia dall'Ucraina, diresse il Balletto dell'Opera di Parigi e rimase in questo incarico nel 1929-1945, poi nel 1947-1958 . Sotto la sua guida sono cresciute eccellenti ballerine, in particolare la meravigliosa ballerina lirica Yvette Chauvire (nata nel 1917), diventata famosa per la sua interpretazione del ruolo di Giselle. Gli esperimenti più interessanti nel campo della coreografia sono stati realizzati al di fuori dell'Opera di Parigi, in particolare da Roland Petit e Maurice Béjart. Petit (nato nel 1924) lasciò l'Opera nel 1944 e creò il "Ballet des Champs-Elysées", dove mise in scena, tra gli altri spettacoli, il balletto Youth and Death (1946, su musica di J.S. Bach) per il giovane e dinamico ballerino Jean Babilé (nato nel 1923). Poi per la compagnia "Ballet of Paris" ha creato uno dei suoi più famosi e lunga vita produzioni - Carmen (1949, su musiche di J. Bizet) con Rene (Zizi) Jeanmer (nato nel 1924). Il senso della teatralità di Petit gli ha permesso di lavorare in una varietà di generi e di partecipare a eventi commerciali. Nel 1972-1998 ha guidato la compagnia " Balletto Nazionale Marsiglia", dove ha messo in scena molti spettacoli teatrali eleganti e taglienti. Dopo Lifar, la compagnia dell'Opera di Parigi era guidata una ad una da tali maestri famosi come Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi e Rosella Hightower (nata nel 1920). Il repertorio è stato arricchito dalle opere di Petit e Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glenn Tetley, nonché dai rappresentanti della danza moderna americana Paul Taylor (nato nel 1930) e Merce Cunningham. Nel 1983, Rudolf Nureyev è stato nominato alla carica di capo. Ha prestato particolare attenzione allo sviluppo di ballerine come Sylvie Guillaume (nata nel 1965) e Isabelle Guerin (nata nel 1961), e ha dato alla compagnia l'opportunità di cimentarsi in opere coreografiche di varie direzioni, pur mantenendo i classici. Dopo la partenza di Nureyev (1989), Patrick Dupont (nato nel 1959), l'ex primo ballerino, che aveva il titolo di "star", è tornato nella troupe, ora come leader. Negli anni '70 e '80, le truppe provinciali francesi iniziarono a ricevere il sostegno statale e guadagnarono fama internazionale. Particolarmente degna di nota è la compagnia "Balletto dei dipartimenti del Reno", che, sotto la direzione di Jean Paul Gravier, ha mostrato diverse ricostruzioni di spettacoli del XVIII secolo, realizzate sulla base di un attento ricerca storica intrapresi dal coreografo svedese Ivo Kramer (n. 1921), in particolare, i balletti Vain Precaution di Dauberval e Medea e Jason Noverre (musica di Jean Joseph Rodolphe). Il Ballet de Lyon Opera esegue spettacoli di danza drammatica stilizzata coreografata da Magy Marin (nato nel 1947).
Danimarca. Il balletto in Danimarca è entrato nel XX secolo in uno stato di stagnazione. Qui, grazie a Hans Beck, l'eredità di August Bournonville è stata preservata, ma la mancanza di iniziativa ha portato al fatto che lo sviluppo del Royal Ballet di Copenaghen si è fermato. Un certo risveglio delle sue attività avvenne nel periodo 1932-1951, quando la troupe era guidata da Harald Lander (Lanner), uno studente di Beck. Lander ha mantenuto le opere di Bournonville, se possibile nella loro versione originale, ma ha anche messo in scena i suoi balletti: il più famoso è Etudes (1948, su musica di K. Czerny, arrangiato da Knudoge Risager), dove i componenti principali della formazione del balletto classe sono stati portati sul palco e teatralizzati. Nel 1951 Lander nominò Vera Volkova (1904-1975), all'epoca la più autorevole esperta in Occidente del sistema Vaganova, quale consulente artistico della troupe. Grazie ai suoi sforzi, i ballerini danesi hanno imparato nuova tecnologia, che ha aperto loro nuove opportunità nell'esecuzione di opere stili diversi. La troupe è uscita dall'isolamento, ha girato l'Europa, la Russia e il continente americano. La grazia e l'animazione gioiosa insita nello stile di Bournonville hanno fatto l'impressione più favorevole, così come la bravura della danza, che ha contraddistinto l'esibizione dei ballerini danesi, in particolare Eric Brun. La formazione dei ballerini maschi è stata riconosciuta come uno dei principali successi della scuola danese. Negli anni '60 e '70 ci fu uno straordinario aumento dell'interesse per la storia del balletto e gli spettacoli di Bournonville iniziarono a essere studiati come l'esempio più autentico di opere di balletto romantico sopravvissute, spingendo il Royal Danish Ballet a tenere Bournonville Ballet Festivals nel 1979 e 1992. Dopo Lander, il team ha lavorato sotto la guida di molti artisti, tra cui Flemming Flindt (nato nel 1936), Henning Kronshtam (nato nel 1934) e Frank Andersen (nato nel 1954). Nel 1994, la troupe è stata diretta da Peter Schaufus e nel 1996-1999 dall'inglese Maina Gielgud (nata nel 1945). Il repertorio del Royal Danish Ballet si espanse gradualmente con il lavoro di coreografi stranieri, allo stesso tempo iniziarono ad essere inclusi nel repertorio i balletti di Bournonville gruppi di danza In tutto il mondo. Nel 1982, il National Ballet of Canada ha messo in scena l'intero balletto Naples (musiche di Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli e Hans Christian Lumby), e nel 1985 Balle West nella città americana di Salt Lake City (Utah) . ), diretto da Bruce Marks e Tony Lander, ha mostrato una ricostruzione del balletto Abdalla (musica di Holger Simon Paulli), che non veniva rappresentato prima da 125 anni.
Germania. Durante la prima metà del 20° sec in Germania, il fenomeno più significativo è stato lo sviluppo della danza libera, che qui ha ricevuto il nome di "espressivo" - Ausdruckstanz. Dopo la seconda guerra mondiale, i governi della RFG e della DDR prestarono molta attenzione al sostegno delle compagnie di balletto. In tutte le principali città della Germania occidentale, sono stati creati gruppi di balletto indipendenti nei teatri d'opera, che hanno messo in scena le loro esibizioni mentre partecipavano alle opere. John Cranko dall'Inghilterra (1927-1973), che ha eseguito e messo in scena una serie di spettacoli nella compagnia inglese "Sadler's Wells Theatre Balle", ha diretto il Balletto di Stoccarda nel 1961 e ha formato un vasto repertorio delle sue esibizioni multi-atto, in molti rispetta lo stile che ricorda i balletti sovietici, ricchi di danze drammatizzate. Questo è Romeo e Giulietta (musica di Prokofiev, 1962). Onegin (1965, su musiche di Čajkovskij, arrangiamenti di K. Kh. Stolze) e La bisbetica domata (1969, su musiche di A. Scarlatti, arrangiamenti di K.-H. Stolze), balletti il cui successo è stato ampiamente dipendeva dalla partecipazione della meravigliosa ballerina Marcia Heide (nata nel 1939), brasiliana di nascita, e del suo compagno, l'americano Richard Craghan (nato nel 1944). La troupe guadagnò presto fama mondiale; dopo la prematura scomparsa di Cranko, è stato diretto da Glen Tetley, che ha messo in scena il balletto Solo all'organo in memoria di Cranko (Voluntaries, 1973, su musica di F. Poulenc). Tra i principali successi di Cranko c'era il laboratorio creativo da lui creato, dove i giovani coreografi potevano sperimentare. Gli americani William Forsythe e John Neumeier (n. 1942), così come il ceco Jiri Kilian (n. 1947), iniziarono a lavorare qui. Tutti loro sono diventati i principali coreografi in teatri di balletto Europa nei decenni successivi. Neumeier ha assunto la direzione del balletto ad Amburgo nel 1973 e vi ha creato un ricco repertorio, sia dalle sue edizioni di spettacoli classici che da produzioni originali su temi religiosi e filosofici, dove ha utilizzato la musica di Mahler, Stravinsky e Bach. Il suo balletto Passion for St. Matthew (1981) è durato quattro ore. Forsythe è entrato a far parte del Balletto di Stoccarda poco prima della morte di Cranko e ha ballato qui, mettendo in scena spettacoli, fino al 1984, quando è stato invitato a dirigere il Balletto di Francoforte. Influenzato da idee comuni nella letteratura moderna, Forsyth le applicò al balletto. Nelle sue coreografie c'è la stessa frammentazione che contraddistingue la letteratura dell'era postmoderna, nella danza sono spesso inclusi passaggi verbali e vengono utilizzate tecniche legate ad altre forme d'arte. La tecnica di danza si basa su un'energia estrema, una violazione dell'equilibrio naturale, e il suo obiettivo è trasmettere relazioni romantiche nel momento. massima tensione. Tali sono i balletti Love Songs (1979, musica folk) e In the middle, in qualche modo elevato (musica di Leslie Stuck e Tom Wilems), messo in scena da Forsythe su invito di Nureyev in Opera di Parigi nel 1988. Forsyth ha usato volentieri nelle sue produzioni un suono tagliente musica elettronica L'olandese Tom Willems, che ha contribuito a creare un'atmosfera di alienazione e vaga ansia.
Olanda. Prima della seconda guerra mondiale, l'influenza della danza libera tedesca era la più forte nei Paesi Bassi. Dopo la guerra, l'interesse del pubblico per il balletto aumentò e ad Amsterdam fu creata la compagnia "Dutch National Ballet". Nel 1959, alcuni ballerini e coreografi, dopo aver lasciato questa compagnia, fondarono il "Netherlands Dance Theatre", che si stabilì a L'Aia e si dedicò esclusivamente a coreografia contemporanea. Le due compagnie si scambiavano spesso artisti e spettacoli. Hans van Manen (nato nel 1932) e Rudy van Dantzig (nato nel 1933), direttore artistico del Dutch National Ballet, insieme a Glen Tetley formarono il repertorio del balletto olandese teatro danza". Al centro del lavoro di Tetley ci sono diverse influenze: queste sono Chania Holm (1898-1992) e Martha Graham, e Jerome Robbins, e l'American Balle Theatre; non per niente usa nelle sue produzioni sia la tecnica delle dita di balletto, e gli eccessi del corpo e le mani enfaticamente espressive caratteristiche della danza moderna, ma non usano salti e sbandate sviluppati nella danza classica. I balletti di van Dantzig e van Manen sono simili ai balletti di Tetley in quanto hanno una miscela di tecniche diverse. 1965, musica di Jan Berman) è stato eseguito da molte compagnie di balletto in tutto il mondo. argomenti che riguardano le persone e preferiscono utilizzare la musica dei compositori Europa centrale. Kilian ha aggiunto nuove qualità allo stile misto dei suoi predecessori: ampio uso di movimenti eseguiti sdraiati sul pavimento, effetti scultorei drammatici, sollevamenti alti e trottole. I suoi balletti The Return to a Foreign Land (1974 e 1975 - due edizioni) e Sinfonietta (1978), creati sulla musica di L. Janacek e rappresentati in molti paesi, dimostrano le possibilità che si aprono quando il modello di danza è costruito sui ballerini vicini l'uno all'altro. Interessato alla cultura aborigeni australiani, coreografo ha creato nel 1983 i balletti The Haunted Place (Stamping Ground, musica di Carlos Chavez) e Sleep Time (Dreamtime, musica di Takemitsu). All'inizio degli anni '90, Kilian si unì alla compagnia principale con un'altra compagnia - "Netherlands Theatre 3". Lo Scapino Ballet, con sede a Rotterdam sotto la direzione di Niels Kriste (nato nel 1946), è un'altra compagnia olandese che ha attirato l'attenzione con le sue produzioni moderne.
L'arte del balletto nel mondo. Come la metà del 20 ° secolo il ruolo del balletto aumentò, iniziarono a essere create compagnie in quasi tutti i paesi delle Americhe, dell'Europa, dell'Asia, anche in alcune aree Asia centrale e Africa, così come in Australia e Nuova Zelanda. Il balletto ha trovato un posto per sé anche in paesi con una propria ricca tradizione di danza, come Spagna, Cina, Giappone e Asia Minore. Maurice Béjart, cresciuto nella Francia del dopoguerra, ha fondato nel 1960 a Bruxelles il Balletto del XX secolo. Questa compagnia, così come una scuola molto insolita organizzata sotto di essa chiamata "Mudra", aveva l'obiettivo di promuovere l'arte del balletto, dimostrando drammi di danza basati sulla psicologia e idee filosofiche moderne. Molte esibizioni si sono svolte negli stadi in modo che il maggior numero possibile di spettatori potesse vederle. Béjart ha confutato l'affermazione spesso citata di Balanchine secondo cui "il balletto è una donna" e si è concentrato sui ballerini maschi: ad esempio, nel balletto L'uccello di fuoco (sulla musica della suite di Stravinsky, 1970), ha sostituito l'esecutore della parte principale con un giovane uomo che ritrae un partigiano. Tuttavia, la principale ballerina di Balanchine, Susan Farrell, che ha temporaneamente lasciato la compagnia di New York dopo essersi sposata, ha ballato nella sua compagnia per cinque anni. Nel 1987, Gerard Mortier, direttore del Théâtre de la Monnaie di Bruxelles, dove lavorava il Balletto del XX secolo, suggerì a Bejart di tagliare i costi e ridurre la composizione della compagnia. Bejart, che non era d'accordo con questi requisiti, iniziò a cercare un altro posto dove poter continuare il suo lavoro. Gli sono state fatte numerose offerte da diversi paesi d'Europa e ha scelto Losanna in Svizzera. Ora la sua compagnia si chiama "Béjart's Ballet". Negli ultimi decenni del XX sec la ballerina italiana Carla Fracci, Alessandra Ferri (nata nel 1963) e Viviana Durante, prima ballerina del Royal Ballet inglese, si sono esibite con grande successo fuori dall'Italia, ma non c'era teatro in patria dove potessero trovare una degna applicazione per i loro talenti. In Spagna, dove le tradizioni della danza nazionale sono ancora più forti di qualsiasi innovazione, tuttavia, è apparso un coreografo locale impegnato nel balletto classico: Nacho Duato (nato nel 1957), che dirige il Ballet Lirico Nacional. Duato, ex ballerino del Dutch Dance Theatre, coreografa danze che combinano la trasgressione di Kilian con una feroce passione. Negli anni '20, l'impresario svedese Rolf de Mare (1898-1964) fondò a Parigi la compagnia di balletto svedese, coreografata da Jean Berlin (1893-1930). Questo gruppo fece audaci esperimenti e per alcuni anni della sua esistenza, dal 1920 al 1925, gareggiò con il Balletto Russo di Diaghilev. Il Royal Swedish Ballet, situato nell'edificio della Royal Opera di Stoccolma dal 1773, fu diretto nel 1950-1953 da Anthony Tudor. Nel 1950 Birgit Kulberg (n. 1908) Freken Julia (musica di Thure Rangström) ha debuttato qui, che è ancora eseguita da molte compagnie in tutto il mondo. Nel 1963, Tudor, nuovamente invitato al Royal Ballet, mise in scena l'Eco delle trombe (su musiche di Bohuslav Martinu). Birgit Kulberg, che ha studiato con Kurt Jooss e Martha Graham, ha fondato la sua compagnia nel 1967 e ha sperimentato la combinazione di coreografia classica e danza moderna in un'unica performance. Suo figlio Mats Ek (nato nel 1945), che dirige il Kulberg balle dal 1990, ha eseguito produzioni completamente nuove dei balletti Giselle e Il lago dei cigni, che non assomigliano in alcun modo alle produzioni tradizionali dei balletti Giselle e Il lago dei cigni. Nel 20 ° secolo sorsero tre importanti compagnie canadesi: il Royal Winnipeg Ballet, fondato con il nome di Winnipeg Ballet Club nel 1938 e nel 1949 era diventato una compagnia professionale; "National Ballet of Canada", creato a Toronto nel 1951; e il Great Canadian Ballet, che iniziò ad operare a Montreal nel 1957. Il National Ballet of Canada fu fondato da Celia Franca (nata nel 1921), che si esibì con le compagnie inglesi Balle Rambert e Sadler's Wells Ballet. Basandosi sull'esperienza di Sadler's Wells Balle, ha iniziato mettendo in scena balletti classici del XIX secolo. Franca ha diretto la troupe fino al 1974, quando è stata sostituita da Alexander Grant (nato nel 1925). Reid Anderson (nato nel 1949) è stato il capo della troupe dal 1994 al 1996, e nel 1996 James Kudelka (nato nel 1955) è stato nominato a questo incarico. Il balletto si sviluppò rapidamente a Cuba. Alicia Alonso, una delle ballerine americane più famose negli Stati Uniti, è tornata in patria dopo la rivoluzione di Fidel Castro nel 1959 e ha creato la compagnia "National Ballet of Cuba". La vita teatrale della stessa Alonso è stata molto lunga, ha smesso di esibirsi solo all'età di più di sessant'anni. Molti grandi ballerini e coreografi hanno lavorato a Buenos Aires in tempi diversi, in particolare Nijinska e Balanchine. Gli argentini Julio Bocca e Paloma Herrera (nato nel 1975), che divennero i principali ballerini del "balle tietr americano", iniziarono a studiare danza a Buenos Aires. Molti ballerini russi dopo la rivoluzione del 1917 lasciarono il paese attraverso il confine asiatico. Alcuni di loro si stabilirono temporaneamente o permanentemente in Cina. Dopo la seconda guerra mondiale, insegnanti e coreografi dell'URSS hanno lavorato in Cina. Durante il periodo dei cinesi Rivoluzione culturale 1960 L'influenza sovietica diminuì e iniziarono a essere create opere nazionali, come il battaglione delle donne rosse o la ragazza dai capelli grigi (entrambi nel 1964). Queste esibizioni sono esempi di una direzione che nega il lirismo nel balletto come decadenza, la loro caratteristica notevole è la disciplina ferrea e la chiarezza nelle danze di massa eseguite dal corpo di ballo sulle dita. Con l'aumento dell'influenza straniera negli anni '70 e '80, in molte città cinesi sono emerse nuove compagnie di balletto. Vengono creati anche nelle principali città di molti altri paesi asiatici.
Conclusione. Entro la fine del 20 ° secolo i problemi che deve affrontare l'arte del balletto sono diventati sempre più chiari. Negli anni '80, quando Balanchine, Ashton e Tudor morirono (negli anni '80) e Robbins si allontanò da vigorosa attività, c'era un vuoto creativo. La maggior parte dei giovani coreografi che lavoravano alla fine del XX secolo non erano molto interessati a sviluppare le risorse della danza classica. Preferivano una miscela di diversi sistemi di danza, con la danza classica che appariva impoverita e la danza moderna priva di originalità nel rivelare le capacità corporee. Nel tentativo di trasmettere ciò che costituisce l'essenza della vita moderna, i coreografi usano la tecnica delle dita come per accentuare i pensieri, ma ignorano i tradizionali movimenti delle mani (port de bras). L'arte del sostegno è stata ridotta a una sorta di interazione tra partner, quando una donna viene trascinata sul pavimento, lanciata, girata in cerchio, ma quasi mai sostenuta o ballata con lei. La maggior parte delle compagnie costruisce il proprio repertorio per includere i classici del XIX secolo. (Sylphide, Giselle, Il lago dei cigni, La bella addormentata), i balletti più famosi dei maestri del XX secolo. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor e Ashton), produzioni popolari di Macmillan, Cranko, Tetley e Kilian e il lavoro di una nuova generazione di coreografi come Forsyth, Duato, James Koudelka. Allo stesso tempo, i ballerini ricevono una formazione migliore, come ci sono insegnanti più esperti. Il campo relativamente nuovo della medicina della danza ha dato ai ballerini l'accesso alle tecniche per prevenire gli infortuni. C'è un problema nell'introdurre i ballerini alla musica. La musica popolare diffusa non conosce la diversità degli stili, in molti paesi l'insegnamento dell'alfabetizzazione musicale è di basso livello, quando si mettono in scena danze, si usano costantemente fonogrammi - tutto ciò ostacola lo sviluppo della musicalità tra i ballerini. nuovo fenomeno ultimi decenni iniziarono i concorsi di balletto, il primo dei quali si tenne a Varna (Bulgaria) nel 1964. Attirano non solo premi, ma anche l'opportunità di mostrarsi ai giudici che rappresentano le organizzazioni più prestigiose. A poco a poco ci furono più gare, almeno dieci in diversi paesi; alcuni offrono insieme borse di studio in denaro. In connessione con la necessità di coreografi, sono sorti anche concorsi per coreografi.
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