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Teatro Il primo teatro di corte, che esisteva nel 1672-1676, fu definito dallo stesso zar Alexei Mikhailovich e dai suoi contemporanei come una sorta di nuovo "divertimento" e "freddezza" a immagine e somiglianza dei teatri dei monarchi europei. Il teatro alla corte reale non è apparso immediatamente. Russi

Dipartimento dell'Istruzione della città dell'amministrazione di Polysaevo

Centro informativo e metodologico

Comunale Istituto d'Istruzione

"Media scuola comprensiva N. 35"

Storia del teatro nel Regno Unito

progetto di ricerca

Polisaevo 2007

Dipartimento dell'Istruzione della città dell'amministrazione di Polysaevo

Centro informativo e metodologico

Istituto scolastico comunale

"Scuola secondaria n. 35"

Storia del teatro nel Regno Unito

Daria Putinceva,

Proposto ricerca contiene una descrizione della storia del teatro in Gran Bretagna. Il progetto di ricerca caratterizza il teatro inglese dal Medioevo ad oggi, le sue direzioni e tendenze. L'opera traccia la formazione e lo sviluppo delle principali tendenze teatrali, l'originalità della lotta teatrale in diversi stadi sviluppo storico. Particolare attenzione è rivolta alla questione delle specificità nazionali del teatro inglese.

Storia del teatro nel Regno Unito: ricerca / . - Polysaevo: Centro informativo e metodologico, 2007.

Nota esplicativa

Obiettivo del lavoro: familiarizzazione con una cultura straniera.

Compiti di lavoro: ampliare la conoscenza culturale del Regno Unito.

Il teatro inglese è parte integrante della cultura mondiale. Le migliori tradizioni dell'arte nazionale inglese hanno arricchito il processo teatrale mondiale. Il lavoro di attori, registi e drammaturghi inglesi ha conquistato amore e riconoscimento ben oltre i confini dell'Inghilterra.

Il lavoro di attori, registi, drammaturghi della Gran Bretagna gode da tempo di riconoscimento e amore in Russia.

La storia del teatro è stata a lungo associata alla storia dell'umanità. Da quella pagina iniziale della storia, mentre l'umanità ricorda se stessa, ricorda anche il teatro, divenuto suo eterno compagno.

Ami il teatro quanto lo amo io? - ha chiesto ai suoi contemporanei il nostro grande connazionale Vissarion Belinsky, profondamente convinto che una persona non possa non amare il teatro.

Ami il teatro? Con la stessa domanda più di 20 secoli fa, avrebbero potuto rivolgersi ai loro spettatori, che riempivano le panchine di pietra di enormi anfiteatri sotto cielo aperto Hellas, i grandi padri del teatro antico Eschilo e Sofocle, Euripide e Aristofane.

Seguendoli, già in altri secoli, altre epoche storiche, con analogo richiamo ai loro contemporanei, Shakespeare e Ben Jonson in Inghilterra potrebbero girare. E tutti loro, chiedendo alla gente del loro tempo: "Ti piace il teatro?" - avrebbe il diritto di contare su una risposta affermativa.

Il teatro, la letteratura e la musica inglesi sono parte integrante della cultura mondiale. Le migliori tradizioni della cultura inglese hanno arricchito il mondo processo culturale, ha vinto amore e riconoscimento ben oltre i confini dell'Inghilterra.

Il lavoro dei drammaturghi inglesi gode da tempo del riconoscimento e dell'amore in Russia. I più grandi attori del teatro russo hanno recitato nelle tragedie di Shakespeare.

Nella storia della cultura inglese si distinguono i seguenti periodi principali: il Medioevo, il Rinascimento, il XVII secolo, il XVIII secolo (l'età dell'Illuminismo), il XIX secolo (romanticismo, realismo critico), periodo fine XIX secolo - l'inizio del XX secolo (1871 - 1917) e il XX secolo, in cui si distinguono due periodi: 1917 - 1945. e 1945-presente.

Alto Medioevo ( v – XI secoli)

Nel VI secolo a.C. le isole britanniche furono invase dai Celti. Nel I secolo d.C., la Gran Bretagna fu conquistata dai Romani. Il dominio dell'Impero Romano continuò fino al V secolo, quando gli anglosassoni e gli juti invasero il territorio della Gran Bretagna. Le tribù anglosassoni hanno portato la loro lingua, cultura e stile di vita nelle isole britanniche.

La storia del teatro medievale è la storia della lotta delle visioni idealiste e religiose sulla vita con la visione realistica del mondo delle persone.

Per molti secoli nella vita dei popoli dell'Europa feudale si sono conservate le tradizioni delle feste rituali pagane, contenenti elementi di teatralizzazione: lo scontro dell'inverno e dell'estate, i giochi di maggio, durante i quali venivano rappresentate scenette con la partecipazione del re e Regina di maggio, ecc. ecc. Le truppe vagavano per l'Europa divertimenti popolari - istrioni. Sapevano fare tutto: cantare, ballare, destreggiarsi, recitare. Recitando scene comiche, spesso non solo divertivano il pubblico, ma ridicolizzavano anche coloro che opprimevano e opprimevano persone normali. Pertanto, la chiesa proibiva i giochi rituali, perseguitava gli istrioni, ma non era in grado di distruggere l'amore della gente per gli spettacoli teatrali.

Nel tentativo di rendere più efficace il servizio ecclesiale - la liturgia - il clero stesso inizia a utilizzare forme teatrali. Appare il primo genere del teatro medievale: il dramma liturgico (IX-XIII secolo). Durante la liturgia, i sacerdoti recitavano storie delle Sacre Scritture. Nel tempo, le rappresentazioni di drammi liturgici vengono portate fuori dalla chiesa sul portico e sul sagrato.

XI – XV secolo

Nell'XI secolo le isole britanniche furono conquistate dai Normanni. Ciò ha contribuito all'influenza francese sulla vita culturale del paese.

Nei secoli XIII-XIV. appare un nuovo genere di spettacolo teatrale medievale – mirakl ("miracolo"). Le trame dei miracoli sono prese in prestito dalle leggende sui santi e sulla vergine Maria.

Pinnacolo del teatro medievale – mistero . Si sviluppa nei secoli XIV-XV, durante il periodo di massimo splendore delle città medievali. I misteri si svolgono nelle piazze della città. La presentazione del mistero è stata massiccia - e in base al numero di partecipanti, l'allegoria" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorica. I personaggi morali di solito personificavano varie proprietà umane, i suoi vizi e virtù .

L'eroe della moralità è una persona in generale. "Every man" - questo era il nome della morale inglese della fine del XV secolo. In questa commedia, la Morte è apparsa a ogni persona e lo ha chiamato in un "lungo viaggio", permettendogli di portare con sé qualsiasi compagno. Una persona si è rivolta all'amicizia, alla parentela, alla ricchezza, ma è stata rifiutata ovunque. Forza, Bellezza, Ragione, Cinque Sensi hanno accettato di accompagnare una persona, ma sull'orlo della tomba lo hanno lasciato tutti. Solo le buone azioni sono saltate nella tomba con lui. I moralisti abbandonarono i soggetti biblici, ma conservarono l'edificazione religiosa.

Palcoscenico - il primo genere di teatro medievale che ha rotto con la morale religiosa. La farsa, genere allegro e satirico, metteva in ridicolo i concetti sociali, politici e morali della società feudale. Cavalieri sciocchi, mercanti avidi, monaci voluttuosi recitano nella farsa. Ma il vero eroe di questo genere, di tutte le trame poco dignitose, ma sempre divertenti e farsesche, è un allegro ladro della gente comune. In una farsa, ha ragione chi ha ingannato tutti.

L'esperienza delle rappresentazioni farsesche fu ampiamente utilizzata dal teatro delle epoche successive. Le commedie di Shakespeare adottarono non solo i metodi buffoni della farsa, ma anche lo spirito del libero pensiero popolare che la riempiva.

Rinascimento

Nel XV - XVI secoli nei paesi europei è in atto “il più grande sconvolgimento progressivo di tutti quelli vissuti dall'umanità fino a quel momento”: il passaggio dal medioevo feudale al nuovo tempo, segnato da periodo iniziale sviluppo del capitalismo. Questa era di transizione era chiamata Rinascimento o Rinascimento.

Questa era l'era di nuova cultura, rompendo con i dogmi religiosi, un'era di rapido sviluppo dell'arte e della letteratura, facendo rivivere gli ideali dell'antichità. Grandi opportunità per attivo attività creativa. In questa era ha luogo la formazione della cultura nazionale.

Il XVI secolo in Inghilterra fu il periodo di massimo splendore del dramma. Il teatro inglese rispondeva agli interessi popolari ed era insolitamente popolare in un'atmosfera di impennata nazionale. Alla fine del XVI secolo c'erano una ventina di teatri a Londra; tra questi, particolarmente famosi erano il James Burbage Theatre e il Philip Hensloe Theatre. Lo sviluppo della cultura teatrale non è stato privo di difficoltà, l'ostacolo principale erano le azioni dei puritani, che consideravano il teatro un affare "demoniaco".

I drammaturghi di quel tempo includevano Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe e altri.

Le commedie di Beaumont (1584-1616) e Fletcher (1579-1625) caratterizzano un'altra epoca nella storia del teatro inglese. Hanno cercato di aristocratizzare il teatro, di introdurre una certa raffinatezza e decenza negli spettacoli teatrali. Le idee nobili e monarchiche diventano oggetto di particolare attenzione nel teatro di Beaumont e Fletcher. Dal palco si sentono costantemente richieste di servizio disinteressato al re.

William Shakespeare

Il teatro del Rinascimento inglese deve il suo periodo di massimo splendore, prima di tutto, a William Shakespeare. La drammaturgia di Shakespeare è il risultato di tutto lo sviluppo precedente del dramma, l'apice del teatro.

"La tragedia è nata sulla piazza" - ha scritto, riferendosi alle lontane origini dell'opera di Shakespeare - il teatro popolare dei misteri medievali. Le tradizioni del teatro delle piazze - un'ampia copertura degli eventi, l'alternanza di episodi comici e tragici, la dinamica dell'azione - sono state preservate dai predecessori di Shakespeare - i drammaturghi R. Green, K. Marlo e altri. Hanno portato sul palco idee amanti della libertà, hanno mostrato nuovi eroi con una forte volontà e un carattere completo.

Nel primo periodo "ottimista" del suo lavoro, Shakespeare scrisse commedie alimentate da stati d'animo luminosi e gioiosi. Ma quando il "mare dei disastri" si è aperto davanti all'occhio penetrante del poeta, quando l'inesorabile corso della storia ha messo in luce sempre più nettamente le contraddizioni tra feudalesimo e nascente capitalismo, eroe perfetto nelle sue opere è stato sostituito da un amante del potere, un egoista e una persona avida, e talvolta un criminale.

Per la prima volta questa svolta è stata rivelata nella tragedia "Amleto". Ma gli eroi di Shakespeare non si sono inchinati davanti al mondo del male. Entrando nella lotta e cadendo vittime dei loro onnipotenti avversari, gli eroi delle tragedie di Shakespeare, anche con la loro stessa morte, affermarono la fede nell'uomo e nel suo luminoso destino. È in questo che sta l'immortalità delle tragedie di Shakespeare e il loro suono moderno.

teatro shakespeariano Il Globe è stato collocato tra altri teatri - sulla riva sud del Tamigi, fuori Londra, poiché le autorità hanno vietato gli spettacoli in

William Shakespeare

Teatro Globus". Aspetto.

la città stessa. L'edificio era coronato da una piccola torre, dove sventolava una bandiera durante lo spettacolo.

L'azione si è svolta all'aria aperta: una massa di persone stava davanti al palco, ricchi cittadini si sono stabiliti sulle gallerie, che circondavano le pareti rotonde del teatro su tre livelli. Il palcoscenico era diviso in 3 parti: la parte anteriore - il boccascena, la parte posteriore, separata da due colonne laterali e coperta da un baldacchino di paglia, e la parte superiore - a forma di balcone. Il palcoscenico era decorato con tappeti e stuoie e dall'alto era appeso un pannello: nero - nelle tragedie e blu - nelle commedie. La scena dell'azione era indicata da un dettaglio (l'albero indicava che l'azione si svolgeva nella foresta e il trono - quello nel palazzo).

La composizione della troupe era piccola: solo 8-12 persone. A volte ogni attore doveva interpretare fino a tre o più ruoli in una commedia. Le eroine erano interpretate da giovani graziosi e fragili. I più grandi attori tragici erano Edward Alleyn, con cui recitava successo speciale nelle commedie di K. Marlo e Richard Burbage - miglior esecutore ruoli di Amleto, Lear, Otello e Macbeth. Richard Tarlton e William Kemp hanno recitato in ruoli comici.

XVII secolo

Se durante il Rinascimento in Inghilterra, la drammaturgia e il teatro erano nel loro periodo di massimo splendore, le usanze teatrali a Londra a quei tempi erano abbastanza libere, regnava completa facilità sia sul palco che nell'auditorium, e attori e spettatori non erano timidi di espressioni, allora nel XVII secolo furono perseguitati dai puritani.

Nel Rinascimento si poteva vedere un mago con un cane sul palco, che raffigurava "e il re d'Inghilterra, il principe di Galles, e quando si siede sulla schiena, poi il papa e il re di Spagna". Qualche signora in una commedia potrebbe dire dal palco che puoi indovinare dall'urina, o un gentiluomo - scrivi dove ha fatto pipì. “Il nostro palcoscenico a volte ha la stessa sporcizia e puzza di Smithfield (un sobborgo di Londra dove si tenevano le fiere e talvolta venivano bruciati gli eretici), dice Ben Jonson. "Lì tutto è chiamato con il suo nome proprio", scrisse Voltaire nel XVIII secolo scena inglese.

La morale teatrale può essere desunta dall'anonimo "Protesta o denuncia di attori contro la soppressione della loro professione e la loro espulsione da più teatri" (1643). “Promettiamo per il futuro di non ammettere mai nelle nostre logge da sei soldi donne promiscue che vengono lì solo per essere portate via con loro da apprendisti e impiegati di avvocati, e nessun altro tipo di donna simile, tranne quelle che vengono con i loro mariti o Parenti stretti. Sarà cambiato anche l'atteggiamento nei confronti del tabacco: non sarà venduto... quanto a parolacce e simili bassezze che possono scandalizzare le persone per bene, ma cattive persone spingerli alla dissolutezza, quindi li espelleremo completamente insieme ad autori immorali e maleducati - poeti.

Fare spettacoli e recitarli era dichiarato un'attività peccaminosa; la visita al teatro era fermamente condannata e considerata un atto dannoso e pernicioso. Con l'avvento dei puritani al potere, gli spettacoli teatrali in Inghilterra furono banditi. Il 2 settembre 1642, il parlamento inglese chiuse i teatri e vietò tutti gli spettacoli, sostenendo che gli spettacoli "spesso esprimono allegria e frivolezza sfrenate", mentre si dovrebbe dirigere i propri pensieri al "pentimento, alla riconciliazione e al volgersi a Dio". Cinque anni dopo, il Parlamento confermò questa risoluzione, ora in termini più duri e ordinando che le persone disobbedienti (attori) fossero incarcerate come criminali. La cultura ha vissuto una crisi acuta. La Chiesa ha lottato a lungo e con forza contro gli spettacoli teatrali. "I teatri sono pieni, ma le chiese sono vuote", lamentano i preti puritani. A teatro "regnano gesti liberi, discorsi sciolti, risate e scherni, baci, abbracci e sguardi immodesti", il clero è indignato. "La parola di Dio è violata e la religione divina stabilita nel nostro stato è profanata", afferma il sindaco.

Teatro XVII secolo Sembrava alla borghesia puritana d'Inghilterra un teatro di dissolutezza e depravazione, un teatro che serviva i gusti degli aristocratici e corrompeva la gente comune.

C'erano anche difensori. Il drammaturgo Thomas Nash scrisse nel 1592 che le trame delle commedie sono prese in prestito dalle cronache inglesi, le grandi gesta degli antenati vengono recuperate dalla "tomba dell'oblio", e quindi viene emessa la condanna della "modernità degenerata e viziata", che nelle commedie "la menzogna dorata di santità esteriore viene sezionata".

Le caratteristiche della cultura sono state determinate dagli eventi della rivoluzione borghese. Le contraddizioni di classe tra borghesia e grandi proprietari terrieri si aggravarono, il governo della repubblica borghese fu guidato da Oliver Cromwell, poi la monarchia degli Stuart fu restaurata.

Gli Stuart, tornati al potere, riaprirono i teatri nel 1660, e la commedia brillante ma immorale dell'era della Restaurazione, per così dire, confermò la valutazione negativa data al teatro dai soci di Cromwell.

Dopo il colpo di stato, salì al potere Guglielmo III d'Orange. Il movimento popolare crebbe.

Guglielmo III non ha chiuso i teatri, ma con decreto del 01.01.01 ha severamente avvertito gli attori che “se continuano a recitare spettacoli che contengono espressioni contrarie alla religione e alla decenza, e consentono la blasfemia e l'immoralità sul palco, allora per questo dovranno rispondere con la testa.

Nello stesso anno, 1698, fu pubblicato un trattato da un certo teologo puritano di nome Jeremy Collier con il titolo molto colorato "A Brief Survey of the Immorality and Empiety of the English Stage". Il teologo ha condannato severamente la pratica teatrale esistente. Ha scritto che c'era rabbia e rabbia sul palco. “Il sangue e la barbarie sono quasi divinizzati”, che “il concetto di onore è pervertito, i principi cristiani sono umiliati”, che “diavoli ed eroi sono fatti dello stesso metallo”, e ha chiesto una radicale ristrutturazione dei teatri, trasformandoli in un una specie di scuola di virtù, buone maniere e decenza: “ Lo scopo delle commedie è incoraggiare la virtù ed esporre il vizio, mostrare la fragilità della grandezza umana, le improvvise vicissitudini del destino e le conseguenze dannose della violenza e dell'ingiustizia.

La borghesia inglese non voleva più la chiusura dei teatri, come avveniva prima, ma il loro adeguamento alle esigenze della classe. Anche se la "gloriosa rivoluzione" del 1688 portò all'alleanza tra la borghesia e la nuova nobiltà, tuttavia, l'ostilità persisteva. Le posizioni dei proprietari terrieri erano ancora forti, sebbene gli aristocratici si sottomettessero allo stato delle cose, non si erano affatto riconciliati del tutto. Gli attacchi all'aristocrazia si sono uditi anche durante gli spettacoli teatrali.

Nel 1713, Joseph Addison (1672-1719) cercò di stabilire la classica tragedia sul palcoscenico inglese.

In quel momento apparve un nuovo genere: il dramma, ma la commedia non voleva rinunciare alle sue posizioni. Gli spettatori, che hanno versato lacrime abbondanti alle esibizioni di The London Merchant ed erano pieni di orrore per il cupo finale dello spettacolo, di tanto in tanto volevano ridere. Questa opportunità è stata data loro da Fielding, e successivamente da Oliver Goldsmith e Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith voleva far rivivere la "commedia gay" dei giorni di Shakespeare e Ben Jonson. Nel suo trattato An Experience on the Theatre, or a Comparison of a Allegro and Sentimental Comedy (1733), ne parlò direttamente e scrisse diverse commedie senza moralismi, senza troppe tendenziosità, prendendo allegramente in giro l'inesperienza dei giovani che sono facilmente ingannato. Le commedie sono piene di errori divertenti, i personaggi sono rappresentati in modo abbastanza naturale.

Tuttavia, Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) ha lasciato il segno più importante nella storia del dramma inglese di questo periodo. Ha scritto per un breve periodo. Tutte le sue migliori opere sono state create in cinque anni. L'incendio del suo teatro in Drury Lane ha inferto l'ultimo colpo allo scrittore.

Il classicismo nella sua forma classica non poteva trovare un terreno solido in Inghilterra. C'erano due ragioni per questo: lo stato politico del paese e l'autorità del teatro di Shakespeare.

Per quanto riguarda Shakespeare, ha così eclissato le conquiste del dramma antico che dopo di lui era semplicemente impensabile affidarsi interamente all'esempio degli antichi autori greci. I drammaturghi inglesi che lavoravano per il teatro non potevano seguire Eschilo, Sofocle ed Euripide così incondizionatamente come facevano i loro omologhi francesi. Davanti a loro c'era l'esempio di Shakespeare, che lavorava secondo un sistema completamente diverso e otteneva risultati senza precedenti.

Nel 1644, il Globe Theatre di Shakespeare fu demolito, ricostruito dopo un incendio nel 1613, nel 1649 - i teatri Fortune e Phoenix, nel 1655 - Blackfriars. Attori sparsi per il paese, entrati nei soldati, scomparsi senza lasciare traccia, secondo un autore anonimo del XVII secolo (Historia histrionica).

Nel 1643 gli attori redigono un toccante documento anonimo: una denuncia per la soppressione della loro professione. "Ci rivolgiamo a te, grande Febo, ea te, nove sorelle - muse, protettrici della mente e protettrici di noi, poveri attori umiliati", hanno scritto. "Se, con l'aiuto del tuo onnipotente intervento, potessimo essere nuovamente installati nei nostri ex teatri e tornare di nuovo alla nostra professione ... "Gli attori hanno scritto che le commedie e le tragedie che hanno interpretato erano" una riproduzione vivente delle azioni delle persone ”, che il vizio in loro era punito e la virtù premiata, che "il linguaggio inglese era espresso nel modo più corretto e naturale". Phoebus e nove sorelle - muse, mecenati delle arti, non hanno risposto. Il teatro ha subito danni irreparabili.

John Milton, il più grande poeta inglese del XVII secolo, non condivideva l'atteggiamento negativo dei puritani nei confronti delle rappresentazioni teatrali. Milton era particolarmente risoluto contro i drammaturghi e il teatro dell'era della Restaurazione, che aveva un carattere enfaticamente divertente. Milton considerava la tragedia, i classici esempi dell'antica arte greca, la cosa principale nell'arte drammatica. Imitandoli, ha introdotto un coro che commenta quanto stava accadendo, e ha stabilito l'unità di tempo: la durata degli eventi nella tragedia non supera le 24 ore. L'unità di luogo e azione è rigorosamente mantenuta.

Periodo di restauro

Il periodo della Restaurazione iniziò in Inghilterra poco dopo la morte di Cromwell.

I divieti imposti dai puritani agli spettacoli teatrali e ai vari tipi di intrattenimento furono revocati. I teatri furono riaperti, ma erano molto diversi dal teatro inglese del XVI - inizio XVII secolo e il suo disegno esterno, e la natura delle commedie. Sul palco sono stati utilizzati ricchi scenari e magnifici costumi.

Particolare successo ebbero le commedie di William Wycherley (1640-1716) e William Congreve (1670-1729).

Teatri inglesi "Drury Lane" e "Covent Garden"

Visitiamo ora i teatri di Londra. Nel 1663 fu costruito a Londra il Drury Lane Theatre, che ottenne il diritto al monopolio nella scelta del repertorio. Nel 1732 ne apparve un altro teatro più grande- Covent Garden. C'era poco ordine nei teatri londinesi. Il pubblico, irrompendo nell'auditorium, si è precipitato lungo le panchine della platea per accaparrarsi i posti più vicini al palco. Di tanto in tanto c'erano peculiari "rivolte teatrali": il pubblico, insoddisfatto dello spettacolo, l'aumento dei prezzi, qualsiasi artista, soffocava le voci degli attori, lanciava loro frutta e talvolta irrompeva sul palco.

In questa sfrenata Londra del XVIII secolo, gli attori cercavano di recitare in modo decoroso e di parlare con voci misurate. Tuttavia, il classicismo inglese non era completo, integrale: veniva costantemente "corretto" dalla tradizione realistica proveniente da Shakespeare.

L'attore Thomas Betterton (1635 - 1710) recitò la parte di Amleto come una volta la interpretò Burbage, avendo ricevuto istruzioni dallo stesso Shakespeare. L'attore James Quinn (1693-1766), che agli inglesi sembrava troppo classicista, ha interpretato il ruolo di Falstaff in modo abbastanza realistico. Nel 1741, Charles Maclean (1697-1797) interpretò realisticamente Shylock ne Il mercante di Venezia di Shakespeare. Nello stesso anno, David Garrick (1717 - 1779), che divenne il più importante attore realista del XVIII secolo, interpretò il ruolo di Riccardo III. Garrick ha interpretato ugualmente bene ruoli comici e tragici. Come mimo Garrick non conosceva eguali. La sua faccia potrebbe rappresentare costantemente tutte le sfumature e le transizioni dei sentimenti. Sapeva essere divertente, patetico, maestoso, spaventoso. Garrick era un attore molto intelligente, con una tecnica riccamente sviluppata e precisa, e allo stesso tempo un attore di sentimento. Una volta, mentre interpretava il Re Lear nella tragedia di Shakespeare, Garrick si lasciò così trasportare che si strappò la parrucca e la gettò da parte.

Garrick ha diretto per molti anni il Drury Lane Theatre, dove ha riunito una compagnia straordinaria e messo in scena 25 opere di Shakespeare. Prima di lui, nessuno ha lavorato in modo così coscienzioso e ostinato alle produzioni delle opere di Shakespeare. Dopo Garrick, hanno imparato ad apprezzare Shakespeare molto più di prima. La fama di questo attore tuonò in tutta Europa.

Creatività Garrick ha riassunto lo sviluppo del teatro del XVIII secolo, dal classicismo al realismo.

18esimo secolo

Età dell'Illuminismo

Nel XVIII secolo iniziò un'era di transizione, culminata nella rivoluzione borghese francese. Il movimento di liberazione si è sviluppato, è diventato necessario distruggere il feudalesimo e sostituirlo con il capitalismo.

Letteratura inglese

L'era turbolenta ha dato vita alla fioritura della cultura democratica, compresa la creatività teatrale.

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20 ° secolo

1945-presente

Dopo la seconda guerra mondiale, in connessione con la formazione del sistema socialista mondiale e la crescita della guerra di liberazione nazionale dei popoli, il crollo dell'Impero britannico divenne inevitabile e naturale. I teatri rappresentano eventi turbolenti, spartiacque e sconvolgimenti sociali.

Nei primi anni dopo la seconda guerra mondiale, lo scrittore più popolare in Inghilterra era John Boynton Priestley. Ha scritto più di quaranta commedie. I più significativi sono Dangerous Corner (1932) e Time and the Conways (1937).

Nelle commedie di Priestley, l'influenza della drammaturgia di Cechov è palpabile. Priestley si sforza di trasmettere il dramma della vita quotidiana, di mostrare la vita con tutti i suoi mezzitoni, di rivelare i caratteri non solo dei personaggi principali, ma anche di quelli secondari.

Le commedie di John Osborne (1929) hanno svolto un ruolo importante nella cultura inglese. Le commedie di John Osborne hanno stimolato un'impennata nello sviluppo del dramma inglese negli anni '60.

Nel 1956, la commedia di John Osborne Look Back in Anger andò in scena al Royal Court Theatre, che fu un clamoroso successo. Il drammaturgo ha trasmesso in modo molto accurato l'umore della gioventù inglese di quel tempo. Jimmy Porter è entrato in scena, il giovane eroe "arrabbiato", come lo chiamavano i critici. Questo giovane dal basso, che si era fatto strada in un ambiente sociale ostile, aveva poca idea di cosa fosse un'esistenza degna. Ha preso le armi, senza risparmiare sforzi, contro i valori morali esistenti, il modo di vivere tradizionale. vita pubblica, in parte contro leggi sociali. Questi stessi tratti contraddistinguono alcuni dei personaggi, sia moderni che storici, nelle commedie di John Arden, Sheila Delaney e altri.

Le abilità di attori e registi progressisti in alcuni paesi sono perfezionate su materiale drammatico classico, sui migliori esempi di letteratura realistica. Usano i classici per porre acuti problemi contemporanei. Attore inglese Laurence Olivier, nella forma di Otello, esprimeva una rabbiosa protesta contro l'emergente civiltà borghese. Amleto è servito a Paul Scofield per esprimere i pensieri dolorosi e difficili della giovane generazione di intellettuali europei del dopoguerra che si sentivano responsabili dei crimini commessi nel mondo.

Le produzioni delle opere di Shakespeare del regista inglese Peter Brook riscuotono un meritato successo di pubblico.

L'arte teatrale degli ultimi tempi è caratterizzata da tante piccole compagnie professionali, semiprofessionali e non professionali, che vagano da una località in un altro; rivitalizzazione dei teatri studenteschi; la crescente protesta di attori e registi contro il commercio dell'arte. I giovani usano spesso il palco per aspre discussioni politiche. Il teatro scende in piazza, dove si svolgono spettacoli di semi-improvvisazione.

Quasi ogni fenomeno della creatività teatrale in Inghilterra è permeato di crudeli contraddizioni interne, irte di uno scontro di opposte tendenze ideologiche ed estetiche.

John Osborne è un sostenitore del teatro che critica l'ordine sociale nel mondo capitalista, che è l'arma più convincente dell'epoca.

Le commedie di John Osborne hanno determinato lo sviluppo del dramma inglese negli anni '60.

L'originalità della drammaturgia di Sean O'Casey, un eccezionale drammaturgo anglo-irlandese, è determinata dal legame con l'irlandese tradizione folcloristica. Le sue opere sono caratterizzate da una bizzarra combinazione di tragico e

Laurence Olivier nel ruolo di Riccardo III

"Riccardo III" W. Shakespeare

comico, reale e fantastico, quotidiano e patetico. I drammi di O'Casey usano le convenzioni del teatro espressionista.

Movimento teatri popolari perseguendo principalmente obiettivi educativi, ha spazzato l'intera Europa. In Inghilterra, il Workshop Theatre sorse e ottenne grande fama sotto la direzione di Joan Littlewood.

Il primo teatro di Londra, chiamato The Theatre, fu aperto nel 1577 dall'attore James Burbage a Shoreditch. Pochi mesi dopo venne aperto nelle vicinanze un secondo teatro, detto il Sipario. Ben presto Burbage e suo figlio Thomas, che divenne più famoso di suo padre, organizzarono il Black Brothers Theatre - in onore dell'ordine monastico domenicano, poiché il palcoscenico era allestito nel refettorio del vecchio monastero. Tuttavia, tutti i teatri furono costantemente attaccati dalle autorità londinesi, che maledissero questi stabilimenti come un demone dell'inferno e una fonte di sventura, un luogo di ozio e dissolutezza, un raduno di persone viziose eccitate dalla vista di ragazzi vestiti da donna - in altre parole, un luogo per coloro che preferiscono al suono della tromba correre per assistere a uno spettacolo piuttosto che ascoltare un sermone al suono di una campana.

A Southwark gli attori avevano più forza di volontà che in città, dove la vita dei teatri era fortemente limitata dalle regole stabilite dalle autorità. Inoltre, Tula potrebbe essere facilmente raggiunta in barca o tramite un ponte. Al momento della chiusura dei monasteri, parte di Southwark, che in precedenza era appartenuta al monastero di Bermondsey e al monastero della Beata Vergine Maria, divenne proprietà del re. Nel 1550 fu venduto al Comune per circa mille lire. Rimasero invenduti solo due appezzamenti, che rimasero fuori dalla giurisdizione della città. Su uno c'era una prigione, l'altro si chiamava ("Giardino di Parigi"); fu su questi due siti che apparvero i teatri al tempo della regina Elisabetta, liberi dai divieti e dalla censura di Londra. Nel Rose Theatre, costruito nel 1587, le opere di Marlowe furono messe in scena per la prima volta, e qui il talento di Edward Alleyn fiorì sul palcoscenico. Poi vennero i teatri "Swan" (nel 1596), "Globe" (nel 1599; un decimo apparteneva a Shakespeare) e nel 1613 - "Hope".

I londinesi sono stati attirati in questi e in altri teatri da trombe rumorose e bandiere sventolanti. Il denaro veniva raccolto dai visitatori proprio nel teatro e posto in una scatola speciale, che veniva poi chiusa a chiave in una piccola stanza: il botteghino (nel "cassetta dei contanti"). Gli spettatori si sono seduti su poltrone disposte a gradinate attorno al palco, o su panche proprio sul palco, e lo spettacolo è iniziato con le loro forti esclamazioni. Gli attori recitavano le loro parti e il pubblico li interrompeva con grida di indignazione o di approvazione, insulti o lodi. Ciò è continuato fino alla fine dell'atto, dopodiché il palco si è riempito di ballerini, giocolieri e acrobati; venditori ambulanti con vassoi e ceste stipati lungo le corsie tra i sedili degli spettatori, che vendevano torte, frutta, rimedi erboristici, libretti; gli uomini erano gentili con le donne. Gli operai del teatro spesso fumavano, l'aria era piena di fumo di tabacco, le sedie di legno spesso prendevano fuoco e il pubblico si precipitava alle porte. bruciato lo stesso anno in cui Nadezhda aprì; solo una persona è rimasta ferita nel processo: i suoi pantaloni hanno preso fuoco, ma li ha spenti rapidamente versando birra da una bottiglia.

Vicino ai teatri c'erano giardini con orsi, arene per adescare un toro legato con cani, terreni per combattimenti di galli, che attiravano un pubblico eterogeneo: gente ricca e povera, nobile e comune. Dopo aver goduto della rappresentazione di Otello o Edoardo II, il giorno dopo il pubblico è andato a vedere l'orso adescato dai cani nel Giardino di Parigi, i galli da combattimento che, dopo aver rilasciato gli speroni, hanno ricoperto di sangue e piume la sabbia dell'arena, i cani che volavano lontano dai colpi di tori impazziti (i cani venivano catturati in trappole di vimini in modo che non rimanessero mutilati quando cadevano e potessero continuare a combattere), sulle persone che colpivano con le spade, tagliandosi le orecchie e le dita a vicenda sotto la forte approvazione della folla.

Teatri del West End

Il volto delle strade del West End è cambiato radicalmente. Molti edifici del XVIII secolo. sono stati ricostruiti sia all'esterno che all'interno secondo il gusto dell'epoca. Così, in Grafton Street (ora Salon of Helena Rubinstein), la signora Arthur James ha mostrato la sua ricchezza con un'impressionante ristrutturazione di una casa progettata nel 1750. Sir Roberto Taylor.

Molti edifici costruiti in georgiano, reggenza e Stili vittoriani, ha dato vita a nuovi teatri come il Duke of York Theatre, il New Theatre, The Rock, il Palladium, il Gaiety, Her Highness' Theatre, il London Pavilion, il Palace, l'Apollo, il Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwich , Globe, Queens e Colosseo. Tutti furono costruiti durante gli ultimi dieci anni del regno della regina Vittoria e nove anni del regno dello stesso Edoardo.

Centinaia di vecchi edifici furono demoliti per far posto a negozi, grandi gallerie commerciali con sontuose vetrate e porte in mogano intarsiate in ottone. Nel 1901, i muri di terracotta dell'Harrods General Store su Brompton Road iniziarono a salire. Fu rapidamente seguita dalla costruzione di nuovi negozi di strada in stile barocco esagerato, come Wearing and Gillows (1906), di dimensioni colossali, in particolare il maestoso edificio che il commerciante iniziò a costruire nel 1909 Harry Selfridge dal Wisconsin.

Quando il negozio di Selfridge fu completato, Regent Street era completamente cambiata; l'Aldwych Loop attraversava il labirinto di strade a nord dello Strand di fronte a Somerset House, si fiancheggiava di edifici monumentali e Kingsway Street si estendeva a nord fino a Holborn.

Se hai mai l'opportunità di visitare la città inglese di Stratford, assicurati di visitare lo Shakespeare Royal Theatre.

Il Globe Theatre di Shakespeare è uno dei teatri più antichi d'Inghilterra. Il Globe si trova sulla riva sud del Tamigi. Prima di tutto, le prime rappresentazioni delle opere di Shakespeare sul palcoscenico hanno portato fama al teatro. L'edificio è stato ricostruito per vari motivi tre volte, ovvero storia ricca Teatro shakespeariano.

L'emergere del teatro shakespeariano

La storia del Globe Theatre risale al 1599, quando a Londra, dove l'arte teatrale è sempre stata trattata con amore, furono costruiti uno dopo l'altro gli edifici dei teatri pubblici. Per la costruzione della nuova arena sono stati utilizzati materiali da costruzione - strutture in legno rimaste da un altro edificio - il primissimo teatro pubblico con il nome logico "Teatro".

I proprietari dell'ex edificio del teatro, la famiglia Burbage, lo costruirono a Shoreditch nel 1576, dove affittarono un terreno.

Quando i prezzi dei terreni sono aumentati, hanno smantellato il vecchio edificio e trasportato i materiali sul Tamigi, dove hanno eretto una nuova struttura: il Globe Theatre di Shakespeare. Tutti i teatri sono stati costruiti al di fuori dell'influenza del comune di Londra, il che è stato spiegato dalle opinioni puritane delle autorità.

Durante l'era di Shakespeare, c'è stata una transizione dall'arte teatrale amatoriale a quella professionale. Sorsero compagnie di recitazione, che dapprima conducevano un'esistenza errante. Hanno viaggiato per le città e hanno mostrato spettacoli alle fiere. I rappresentanti dell'aristocrazia iniziarono a prendere gli attori sotto il loro patrocinio: li accettarono nei ranghi dei loro servi.

Ciò ha dato agli attori una posizione nella società, sebbene fosse molto bassa. Le truppe venivano spesso chiamate secondo questo principio, ad esempio "Servi del Lord Chamberlain". Successivamente, quando Giacomo I salì al potere, solo i membri della famiglia reale iniziarono a patrocinare gli attori e le compagnie iniziarono a essere ribattezzate "Servi di Sua Maestà il Re" o altri membri della famiglia reale.

La troupe del Globe Theatre era una partnership di attori su azioni, ad es. gli azionisti ricevevano proventi da compensi derivanti da spettacoli. I fratelli Burbage, come William Shakespeare, sono i principali drammaturghi della compagnia e altri tre attori erano azionisti del Globe. Attori non protagonisti e adolescenti erano a teatro con uno stipendio e non ricevevano entrate dalle esibizioni.

Il teatro di Shakespeare a Londra aveva la forma di un ottaedro. Auditorium Tipico era il "Globo": una piattaforma ovale senza tetto, racchiusa da un grande muro. L'arena ha preso il nome dalla statua di Atlanta situata all'ingresso, che sosteneva il globo. Questa palla o globo era circondata da un nastro con la famosa iscrizione " Tutto il mondo è teatro(traduzione letterale - "Il mondo intero recita").

Il teatro di Shakespeare ha ospitato da 2 a 3mila spettatori. Sul lato interno dell'alto muro c'erano le logge per i rappresentanti dell'aristocrazia. Sopra di loro c'era una galleria per persone benestanti. Il resto si trovava intorno al palco, che entrava nell'auditorium.

Il pubblico doveva stare in piedi durante lo spettacolo. Alcune persone particolarmente privilegiate erano sedute proprio sul palco. I biglietti per i ricchi che sono disposti a pagare per i posti in galleria o sul palco costano molto di più dei posti in platea - intorno al palco.

Il palco era una pedana bassa rialzata di circa un metro. Sul palco c'era un portello che conduceva sotto il palco, da cui apparivano i fantasmi man mano che l'azione procedeva. Sul palco stesso, molto raramente c'erano mobili e nessuna scenografia. Non c'era il sipario sul palco.

Sopra il retroscena c'era un balcone, sul quale apparivano i personaggi che, secondo la commedia, si trovano nel castello. C'era una specie di tribuna sul palco superiore, dove si svolgevano anche azioni sceniche.

Ancora più in alto c'era una struttura simile a una capanna dove venivano riprodotte scene fuori dalla finestra. È interessante notare che, quando è iniziata una rappresentazione al Globe, sul tetto di questa capanna è stata appesa una bandiera, che era visibile molto lontano ed era un segnale che era in corso uno spettacolo nel teatro.

La povertà e una certa austerità dell'arena determinarono che la cosa più importante che accadeva sul palcoscenico era il gioco degli attori e il potere della drammaturgia. Non c'erano oggetti di scena per una comprensione più completa dell'azione, molto era lasciato alla mercé dell'immaginazione del pubblico.

È interessante notare che il pubblico in platea durante lo spettacolo mangiava spesso noci o arance, il che è stato confermato dai ritrovamenti degli archeologi durante gli scavi. Il pubblico potrebbe discutere ad alta voce alcuni momenti della performance e non nascondere le proprie emozioni dall'azione che hanno visto.

Il pubblico ha anche celebrato i propri bisogni fisiologici proprio in sala, quindi la mancanza di un tetto è stata una salvezza per l'olfatto degli amanti dell'arte teatrale. Pertanto, rappresentiamo approssimativamente la parte pesante di drammaturghi e attori che danno spettacoli.

Fuoco

Nel 1613, a luglio, durante la prima dell'Enrico VIII di Shakespeare, sulla vita del monarca, l'edificio del Globe andò a fuoco, ma il pubblico e la troupe non furono feriti. Secondo lo scenario, una delle pistole avrebbe dovuto sparare, ma qualcosa è andato storto ed è scoppiato un incendio. strutture in legno e un tetto di paglia sul palco.

La fine dell'edificio originale del Globe segnò un cambiamento nei circoli letterari e teatrali: nello stesso periodo Shakespeare smise di scrivere opere teatrali.

Restauro del teatro dopo l'incendio

Nel 1614 l'edificio dell'arena fu restaurato e nella costruzione fu utilizzata la pietra. Il tetto sopra il palco è stato sostituito con uno di tegole. La compagnia teatrale continuò a suonare fino alla chiusura del Globe nel 1642. Quindi il governo puritano e Cromwell emisero un decreto che vietava tutti gli spettacoli di intrattenimento, compresi quelli teatrali. Il Globe, come tutti i teatri, ha chiuso.

Nel 1644 l'edificio del teatro fu demolito e al suo posto furono costruite case popolari. La storia del Globe è stata interrotta per quasi 300 anni.

La posizione esatta del primo Globe a Londra era sconosciuta fino al 1989, quando la base della sua fondazione fu trovata in Park Street sotto un parcheggio. I suoi contorni sono ora segnati sulla superficie del parcheggio. Potrebbero trovarsi lì anche altri resti del Globo, ma ora questa zona è inclusa nell'elenco dei valori storici e, quindi, gli scavi non possono essere effettuati lì.

Palcoscenico del Globe Theatre

L'emergere del teatro moderno di Shakespeare

La moderna ricostruzione dell'edificio del Globe Theatre è stata proposta non dagli inglesi, il che è sorprendente, ma dal regista, attore e produttore americano Sam Wanamaker. Nel 1970 organizzò l'apertura del Globe Trust Fund, che aveva lo scopo di restaurare il teatro centro educativo e mostra permanente.

Lo stesso Wanamaker morì nel 1993, ma l'apertura ebbe luogo ancora nel 1997 sotto nome moderno Globe Theatre di Shakespeare. Questo edificio si trova a 200-300 metri dall'ex sede del Globus. L'edificio è stato ricostruito secondo le tradizioni dell'epoca, inoltre, è stato il primo edificio che è stato permesso di costruire con un tetto di paglia dopo il grande incendio di Londra del 1666.

Gli spettacoli sono solo in primavera e in estate, perché. l'edificio è stato costruito senza tetto. Nel 1995 il primo direttore artistico era Mark Rylance, sostituito da Dominic Dromgoole nel 2006.

Le escursioni nel teatro moderno vanno ogni giorno. Più di recente, accanto al Globe è stato aperto un parco-museo a tema interamente dedicato a Shakespeare. Oltre a vedere la più grande esposizione dedicata al drammaturgo di fama mondiale, puoi prendere parte a eventi di intrattenimento: assistere a un combattimento con la spada, scrivere un sonetto o prendere parte alla produzione di una delle opere di Shakespeare.

L'arte drammatica nel Regno Unito è apparsa molto tempo fa. Proviene da spettacoli di strada che si tenevano durante le vacanze in chiesa e servivano come una sorta di moralismo. Nel Rinascimento tutte le aree dell'arte acquisiscono un carattere più secolare e si allontanano dai temi religiosi. Fu in quel momento che apparve il teatro, allora rivoluzionario, dove W. Shakespeare, ora conosciuto in tutto il mondo, metteva in scena opere teatrali.

Lo sviluppo moderno del teatro cerca il massimo realismo in tutti i suoi ambiti, ripensando anche le trame classiche. Ora i teatri d'Inghilterra stupiscono non solo con spettacoli interessanti, ma anche con un'architettura originale, nonché con insolite decisioni del regista.

Se stai programmando un viaggio a Londra, assicurati di visitare il Piccadilly Theatre. Esiste da più di otto decenni e soddisfa gli intenditori di arte teatrale non solo con produzioni classiche moderne, ma anche tradizionali.

Uno dei teatri più antichi di Londra è l'Aldwych Theatre, che da oltre un secolo raccoglie intorno a sé l'intera città. Tali attori eminenti come Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone e altri una volta si sono esibiti sul suo palco.

I fan di brillante spettacoli musicali Da visitare è il New London Theatre. Sono stati i musical a portare il teatro piuttosto giovane negli anni 70-80 del secolo scorso una vera fama tra i giovani. Fino ad ora, soddisfa il pubblico con produzioni a livello mondiale, con brillantezza azioni sceniche e buona musica.

Un altro teatro di Londra, noto per spettacoli nello stile di un musical e commedie, è lo Shaftesbury Theatre. Non molto tempo fa ha celebrato il suo centenario: il lavoro del teatro non si è fermato nemmeno durante la seconda guerra mondiale. La costruzione di questo teatro merita un'attenzione particolare per il suo insolito design antico.

Tra teatri moderni A Londra spicca il Pinkock Theatre. Resiste adeguatamente alla concorrenza dei vecchi teatri grazie al suo approccio innovativo alla drammaturgia classica. La scena utilizza spesso elementi di modernità balli di strada e persino numeri acrobatici per migliorare l'effetto del gioco.

L'edificio della Grand Opera di Belfast colpisce per la sua bellezza. Costruito nel XIX secolo, non è solo un punto di riferimento architettonico in stile orientale, ma soddisfa anche gli appassionati di teatro con un repertorio classico e un'acustica eccellente.

centro principale arte drammatica nel Regno Unito chiamano il teatro reale Drury Lane. Si trova a Londra e ha svolto un ruolo importante nello sviluppo del teatro nel paese. Durante la sua esistenza, molti eminenti attori sono riusciti a visitare il suo palcoscenico.

Un altro monumento architettonico della Gran Bretagna è l'Her Majesty's Theatre. Il teatro fu creato all'inizio del XVIII secolo e alla fine del XIX secolo fu trasferito in un nuovo grande edificio, dove si trova tuttora. È un enorme storico e valore culturale, e il repertorio classico piacerà a tutti gli amanti di questa forma d'arte. Questo teatro si trova a Londra, a ovest di Westminster.