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Gli artisti più insoliti e scioccanti del mondo. I dipinti più insoliti di artisti famosi: foto e descrizioni dei 20 dipinti più strani del mondo

Tra opere nobili arti che soddisfano l'occhio e causano solo emozioni positive, ci sono tele, per usare un eufemismo, strane e scioccanti. Presentiamo alla vostra attenzione 20 dipinti appartenenti al pennello in tutto il mondo artisti famosi che ti fanno terrorizzare...

"Perdere la mente sulla materia"

Un dipinto dipinto nel 1973 dall'artista austriaco Otto Rapp. Ha raffigurato un decadimento testa umana, indossa una gabbia per uccelli, in cui giace un pezzo di carne.

"Negro vivente sospeso"

Questa raccapricciante creazione di William Blake raffigura uno schiavo negro appeso al patibolo con un uncino infilato nelle sue costole. L'opera è basata sulla storia del soldato olandese Steadman, testimone oculare di un massacro così crudele.

"Dante e Virgilio all'Inferno"

Il dipinto di Adolphe William Bouguereau è stato ispirato da una breve scena di una battaglia tra due anime dannate dell'Inferno di Dante.

"Inferno"

Dipinto "Inferno" artista tedesco Hans Memling, scritto nel 1485, è una delle creazioni artistiche più terribili del suo tempo. Doveva spingere le persone verso la virtù. Memling ha accentuato l'orribile effetto della scena aggiungendo la didascalia: "Non c'è redenzione all'inferno".

"Il grande drago rosso e il mostro marino"

Il famoso poeta e artista inglese del XIII secolo William Blake, in un momento di intuizione, creò una serie di acquerelli raffiguranti il gran dragone rosso del Libro dell'Apocalisse. Il drago rosso era l'incarnazione del diavolo.

"Spirito dell'acqua"

L'artista Alfred Kubin è considerato il maggior rappresentante simbolismo ed espressionismo ed è noto per le sue oscure fantasie simboliche. "The Spirit of Water" è una di queste opere, raffigurante l'impotenza dell'uomo di fronte al mare.

"Necronom IV"

Questa spaventosa creazione del famoso artista Hans Rudolf Giger è stata ispirata dal film Alien. Giger soffriva di incubi e tutti i suoi dipinti erano ispirati da queste visioni.

"Marsia Scorticante"

Creato da un artista dei tempi Rinascimento italiano Il dipinto di Tiziano "The Flaying of Marsias" è attualmente in Museo Nazionale a Kroměříž nella Repubblica Ceca. Pezzo d'arte raffigura una scena da mitologia greca, dove il satiro Marsia viene scorticato per aver osato sfidare il dio Apollo.

"La tentazione di Sant'Antonio"

Matthias Grunewald ha ritratto le scene religiose del Medioevo, sebbene lui stesso sia vissuto durante il Rinascimento. Si diceva che Sant'Antonio avesse affrontato prove della sua fede mentre pregava nel deserto. Secondo la leggenda, fu ucciso dai demoni in una grotta, poi resuscitò e li distrusse. Questo dipinto raffigura Sant'Antonio attaccato dai demoni.

"Teste mozzate"

Più opera notevole Théodore Géricault è La zattera della Medusa, un enorme quadro dipinto in stile romantico. Gericault ha cercato di rompere i confini del classicismo passando al romanticismo. Questi dipinti erano stato iniziale la sua creatività. Per il suo lavoro ha utilizzato arti e teste reali, che ha trovato negli obitori e nei laboratori.

"Grido"

Questo dipinto famoso L'espressionista norvegese Edvard Munch è stato ispirato da una serena passeggiata serale durante la quale l'artista ha assistito al tramonto rosso sangue.

"Morte di Marat"

Jean-Paul Marat è stato uno dei leader rivoluzione francese. Soffrendo di una malattia della pelle, trascorreva la maggior parte del tempo in bagno, dove lavorava alle sue registrazioni. Lì è stato ucciso da Charlotte Corday. La morte di Marat è stata raffigurata più volte, ma è l'opera di Edvard Munch ad essere particolarmente crudele.

"Natura morta di maschere"

Emil Nolde è stato uno dei primi pittori espressionisti, anche se la sua fama è stata messa in ombra da altri come Munch. Nolde ha dipinto questo dipinto dopo aver studiato le maschere Museo di Berlino. Nel corso della sua vita è stato affascinato da altre culture e questo lavoro non fa eccezione.

"Lardo di Gallowgate"

Questo dipinto non è altro che un autoritratto dell'autore scozzese Ken Currie, specializzato in dipinti cupi e socialmente realistici. La materia preferita di Curry è la squallida vita urbana della classe operaia scozzese.

"Saturno che divora suo figlio"

Una delle opere più famose e sinistre Artista spagnolo Francisco Goya è stato dipinto sul muro della sua casa nel 1820-1823. La trama è basata su mito greco sul titano Chronos (a Roma - Saturno), che temeva di essere rovesciato da uno dei suoi figli e li mangiò subito dopo la nascita.

"Giuditta che uccide Oloferne"

L'esecuzione di Oloferne è stata rappresentata da grandi artisti come Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach il Vecchio e molti altri. SU dipinto di Caravaggio, scritto nel 1599, raffigura il momento più drammatico di questa storia: la decapitazione.

"Incubo"

Il dipinto del pittore svizzero Heinrich Fuseli fu esposto per la prima volta alla mostra annuale della Royal Academy di Londra nel 1782, dove sconvolse visitatori e critici.

"Strage degli innocenti"

Questa eccezionale opera d'arte di Peter Paul Rubens, composta da due dipinti, fu creata nel 1612, ritenuta influenzata dalle opere del famoso Artista italiano Caravaggio.

"Studio del ritratto di Innocenzo X Velasquez"

Questa terrificante immagine di uno degli artisti più influenti del ventesimo secolo, Francis Bacon, si basa su una parafrasi famoso ritratto Papa Innocenzo X di Diego Velasquez. Schizzato di sangue, con un volto dolorosamente distorto, il Papa è raffigurato seduto in una struttura tubolare metallica, che, a ben vedere, è un trono.

"Il giardino delle delizie terrene"

Questo è il trittico più famoso e spaventoso di Hieronymus Bosch. Ad oggi, ci sono molte interpretazioni del dipinto, ma nessuna di esse è stata definitivamente confermata. Forse l'opera di Bosch rappresenta il Giardino dell'Eden, il Giardino delle Delizie e la Punizione che si dovrà subire per i peccati mortali commessi durante la vita.

Alcune opere d'arte sembrano colpire lo spettatore in testa, sbalordito e sorprendente. Alcuni di loro ti attirano nel pensiero e alla ricerca di strati semantici, simbolismo segreto. Alcuni dipinti sono ricoperti di segreti e misteri mistici, e alcuni sorprendono con un prezzo esorbitante.

"Stranezza" è un termine piuttosto soggettivo, e ognuno ha i propri straordinari dipinti che si distinguono da una serie di altre opere d'arte.

Edvard Munch "L'urlo"

1893, cartone, olio, tempera, pastello. 91×73,5 cm

Galleria Nazionale, Oslo

The Scream è considerato un evento espressionista fondamentale e uno dei più dipinti famosi nel mondo.
“Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo si è tinto di rosso sangue, mi sono fermato, esausto, e mi sono appoggiato alla staccionata - ho guardato il sangue e le fiamme sopra il fiordo nero-bluastro e il città - i miei amici sono andati avanti e io mi sono alzato, tremando per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura ", ha detto Edvard Munch sulla storia del dipinto.
Ci sono due interpretazioni di ciò che è raffigurato: è l'eroe stesso che è preso dall'orrore e urla silenziosamente, premendosi le mani sulle orecchie; oppure l'eroe chiude le orecchie al grido del mondo e della natura che risuona intorno a lui. Munch ha scritto 4 versioni di The Scream, e c'è una versione secondo cui questa immagine è il frutto di una psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva l'artista. Dopo un ciclo di cure in clinica, Munch non è tornato a lavorare sulla tela.

Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

1897-1898, olio su tela. 139,1×374,6 cm

Museo belle arti, Boston

Un'immagine profondamente filosofica del post-impressionista Paul Gauguin è stata scritta da lui a Tahiti, dove è fuggito da Parigi. Alla fine dell'opera voleva addirittura suicidarsi, perché "credo che questa tela non solo sia superiore a tutte le mie precedenti, e che non creerò mai qualcosa di migliore o addirittura simile". Ha vissuto altri 5 anni, e così è successo.
Sotto la direzione dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; gruppo medio simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nell'ultimo gruppo, secondo l'artista, "una vecchia che si avvicina alla morte sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta la futilità delle parole".

Pablo Picasso "Guérnica"

1937, olio su tela. 349×776 cm

Museo Reina Sofía, Madrid

L'enorme affresco "Guernica", dipinto da Picasso nel 1937, racconta l'incursione dell'unità di volontari della Luftwaffe sulla città di Guernica, a seguito della quale la seimillesima città fu completamente distrutta. L'immagine è stata dipinta in appena un mese: i primi giorni di lavoro sull'immagine, Picasso ha lavorato per 10-12 ore e già nei primi schizzi si vedeva idea principale. Questo è uno dei le migliori illustrazioni l'incubo del fascismo, così come la crudeltà umana e il dolore.
Guernica presenta scene di morte, violenza, atrocità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940 Pablo Picasso fu convocato alla Gestapo di Parigi. La conversazione si è subito spostata sul dipinto. "Sei stato tu?" "No, l'hai fatto."

Jan van Eyck "Ritratto degli Arnolfini"

1434, olio su tavola. 81,8×59,7 cm

Galleria Nazionale di Londra, Londra

Il ritratto presumibilmente di Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie è uno dei più opere complesse Scuola di pittura occidentale del Rinascimento settentrionale.
Il famoso dipinto è completamente e completamente pieno di simboli, allegorie e riferimenti vari - fino alla firma "Jan van Eyck era qui", che lo ha trasformato non solo in un'opera d'arte, ma in un documento storico che conferma un evento reale che il l'artista era presente.
In Russia anni recenti l'immagine ha guadagnato grande popolarità grazie alla somiglianza del ritratto di Arnolfini con Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Demone seduto"

1890, olio su tela. 114×211 cm

Galleria Tretyakov, Mosca

Il dipinto di Mikhail Vrubel sorprende con l'immagine di un demone. Il triste ragazzo dai capelli lunghi non è affatto come le idee universali su come dovrebbe apparire spirito maligno. L'artista stesso ha parlato del suo dipinto più famoso: "Il demone non è tanto uno spirito malvagio quanto uno spirito sofferente e dolente, con tutto questo uno spirito prepotente e maestoso". Questa è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Con le mani giunte tragicamente, il Demone siede con occhi grandi e tristi rivolti in lontananza, circondato da fiori. La composizione sottolinea il vincolo della figura del demone, come se fosse inserita tra le traverse superiore e inferiore del telaio.

Vasily Vereshchagin "L'apoteosi della guerra"

1871, olio su tela. 127×197 cm

Galleria Statale Tretyakov, Mosca

Vereshchagin è uno dei principali pittori di battaglie russi, ma ha dipinto guerre e battaglie non perché le amasse. Al contrario, ha cercato di trasmettere alla gente il suo atteggiamento negativo nei confronti della guerra. Una volta Vereshchagin, nel fervore dell'emozione, esclamò: “Di più quadri di battaglia Non scriverò - tutto qui! Prendo quello che scrivo troppo vicino al mio cuore, grido (letteralmente) il dolore di ogni ferito e ucciso. Probabilmente il risultato di questa esclamazione fu il terribile e ammaliante dipinto "L'apoteosi della guerra", che raffigura un campo, corvi e una montagna di teschi umani.
L'immagine è scritta in modo così profondo ed emotivo che dietro ogni teschio che giace in questa pila, inizi a vedere le persone, i loro destini e i destini di coloro che non vedranno più queste persone. Lo stesso Vereshchagin, con triste sarcasmo, definì la tela una "natura morta" - raffigura una "natura morta".
Tutti i dettagli dell'immagine, compreso il colore giallo, simboleggiano morte e devastazione. Il cielo azzurro e limpido sottolinea la morte dell'immagine. L'idea dell '"Apoteosi della guerra" è espressa anche dalle cicatrici delle sciabole e dai fori dei proiettili sui teschi.

Grant Wood "Gotico americano"

1930, olio. 74×62 cm

Istituto d'arte di Chicago, Chicago

« gotico americano"- una delle immagini più riconoscibili nell'arte americana del 20° secolo, il meme artistico più famoso del 20° e 21° secolo.
L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate. Facce arrabbiate, un forcone proprio al centro della foto, vestiti antiquati anche per gli standard del 1930, un gomito scoperto, cuciture sugli abiti del contadino che ripetono la forma di un forcone, e quindi una minaccia che si rivolge a chiunque chi invade. Tutti questi dettagli possono essere guardati all'infinito e rabbrividire per il disagio.
È interessante notare che i giudici del concorso dell'Art Institute of Chicago hanno percepito "Gothic" come un "valentino umoristico", e la gente dell'Iowa è stata terribilmente offesa da Wood per averli rappresentati in una luce così spiacevole.

René Magritte "Amanti"

1928, olio su tela

Il dipinto "Lovers" ("Lovers") esiste in due versioni. Su uno, un uomo e una donna, le cui teste sono avvolte in un panno bianco, si baciano e sull'altro "guardano" lo spettatore. L'immagine sorprende e affascina. Con due figure senza volto, Magritte ha trasmesso l'idea della cecità dell'amore. Sulla cecità in tutti i sensi: gli innamorati non vedono nessuno, noi non vediamo i loro veri volti e inoltre gli innamorati sono un mistero anche l'uno per l'altro. Ma con questa apparente chiarezza, continuiamo ancora a guardare gli amanti di Magritte ea pensare a loro.
Quasi tutti i dipinti di Magritte sono enigmi che non possono essere completamente risolti, poiché sollevano interrogativi sull'essenza stessa dell'essere. Magritte parla continuamente dell'inganno del visibile, del suo mistero nascosto, che di solito non notiamo.

Marc Chagall "Passeggiata"

1917, olio su tela

Galleria Statale Tretyakov

Di solito estremamente serio nella sua pittura, Marc Chagall ha scritto un delizioso manifesto della propria felicità, pieno di allegorie e amore. "Walk" è un autoritratto con sua moglie Bella. La sua amata si libra nel cielo e sembra essere trascinata nel volo e Chagall, che è in piedi a terra precariamente, come se la toccasse solo con la punta delle scarpe. Chagall ha una tetta nell'altra mano: è felice, ha una tetta tra le mani (probabilmente il suo dipinto) e una gru nel cielo.

Hieronymus Bosch "Il giardino delle delizie"

1500-1510, olio su legno. 389×220 cm

Prato, Spagna

"Il giardino delle delizie" - il trittico più famoso di Hieronymus Bosch, che prende il nome dal tema della parte centrale, è dedicato al peccato della voluttà. Ad oggi, nessuna delle interpretazioni disponibili dell'immagine è stata riconosciuta come l'unica vera.
Il fascino duraturo e allo stesso tempo la stranezza del trittico risiede nel modo in cui l'artista esprime l'idea principale attraverso molti dettagli. Il quadro è pieno di figure trasparenti, strutture fantastiche, mostri divenuti allucinazioni, caricature infernali della realtà, che egli guarda con sguardo penetrante, estremamente acuto. Alcuni scienziati volevano vedere nel trittico un'immagine della vita umana attraverso il prisma della sua vanità e le immagini dell'amore terreno, altri - il trionfo della voluttà. Tuttavia, l'innocenza e un certo distacco con cui vengono interpretate le singole figure, nonché l'atteggiamento favorevole nei confronti di quest'opera da parte delle autorità ecclesiastiche, fanno dubitare che la glorificazione dei piaceri corporali possa esserne il contenuto.

Gustav Klimt "Le tre età della donna"

1905, olio su tela. 180×180 cm

galleria Nazionale arte contemporanea, Roma

"Three Ages of Woman" è sia gioiosa che triste. In esso, la storia della vita di una donna è scritta in tre figure: incuria, pace e disperazione. La giovane donna è organicamente intessuta nell'ornamento della vita, la vecchia si distingue da essa. Il contrasto tra l'immagine stilizzata di una giovane donna e l'immagine naturalistica di una donna anziana diventa significato simbolico: la prima fase della vita porta con sé infinite possibilità e metamorfosi, l'ultima porta costante costanza e conflitto con la realtà.
La tela non si lascia andare, entra nell'anima e fa pensare alla profondità del messaggio dell'artista, oltre che alla profondità e all'inevitabilità della vita.

Egon Schiele "Famiglia"

1918, olio su tela. 152,5×162,5 cm

Galleria del Belvedere, Vienna

Schiele era uno studente di Klimt, ma, come ogni studente eccellente, non copiava il suo insegnante, ma cercava qualcosa di nuovo. Schiele è molto più tragico, strano e spaventoso di Gustav Klimt. Nelle sue opere c'è molto di ciò che si potrebbe chiamare pornografia, varie perversioni, naturalismo e, allo stesso tempo, dolorosa disperazione.
"Famiglia" - la sua ultimo lavoro, in cui la disperazione è portata all'assoluto, nonostante questa sia la sua immagine meno strana. Lo dipinse poco prima di morire, dopo che la moglie incinta Edith morì di influenza spagnola. Morì all'età di 28 anni appena tre giorni dopo Edith, essendo riuscito a disegnare lei, se stesso e il loro bambino non ancora nato.

Frida Kahlo "Le due Frida"

Storia di vita dura Artista messicano Frida Kahlo è diventata famosa dopo l'uscita del film "Frida" con Salma Hayek ruolo di primo piano. Kahlo ha dipinto per lo più autoritratti e lo ha spiegato semplicemente: "Dipingo me stesso perché trascorro molto tempo da solo e perché sono il soggetto che conosco meglio".
Frida Kahlo non sorride in nessun autoritratto: un viso serio, persino triste, sopracciglia folte fuse, baffi leggermente evidenti su labbra serrate. Le idee dei suoi quadri sono criptate nei dettagli, nello sfondo, nelle figure che compaiono accanto a Frida. Il simbolismo di Kahlo si basa sulle tradizioni nazionali ed è strettamente connesso con la mitologia indiana del periodo preispanico.
In uno di le migliori immagini- "Two Fridas" - ha espresso il maschile e femminile, collegato in esso da un unico sistema circolatorio, a dimostrazione della sua integrità.

Il ponte di Waterloo di Claude Monet. Effetto nebbia»

1899, olio su tela

Eremo di Stato, San Pietroburgo

Quando si guarda l'immagine da una distanza ravvicinata, lo spettatore non vede altro che la tela, su cui vengono applicati frequenti spessi tratti di olio. Tutta la magia dell'opera si rivela quando gradualmente iniziamo ad allontanarci dalla tela a una distanza maggiore. Dapprima cominciano ad apparire davanti a noi semicerchi incomprensibili, passando per il centro del quadro, poi, vediamo i contorni netti delle barche e, dopo aver spostato una distanza di circa due metri, tutte le opere di collegamento sono nettamente disegnate e allineate in un catena logica di fronte a noi.

Jackson Pollock "Numero 5, 1948"

1948, fibra di legno, olio. 240×120 cm

La stranezza di questa immagine è che la tela del leader americano dell'espressionismo astratto, che ha dipinto, versando vernice su un pezzo di fibra steso sul pavimento, è la più immagine costosa nel mondo. Nel 2006, all'asta di Sotheby's, l'hanno pagata 140 milioni di dollari. David Giffen, produttore cinematografico e collezionista, lo ha venduto al finanziere messicano David Martinez.
“Continuo ad allontanarmi dai soliti strumenti dell'artista, come il cavalletto, la tavolozza e i pennelli. Preferisco bastoni, pale, coltelli e versare vernice o una miscela di vernice con sabbia o vetri rotti o altro. Quando sono dentro un dipinto, non sono consapevole di quello che sto facendo. La comprensione viene dopo. Non ho paura di cambiare o distruggere l'immagine, poiché il dipinto ha una vita propria. La sto solo aiutando a uscire. Ma se perdo il contatto con il dipinto, è sporco e disordinato. In caso contrario, questa è pura armonia, la facilità di come prendi e dai.

Joan Mirò "Uomo e donna davanti a un mucchio di escrementi"

1935, rame, olio, 23×32 cm

Fondazione Joan Mirò, Spagna

Buon titolo. E chi avrebbe mai pensato che questa immagine ci parlasse degli orrori delle guerre civili.
Il dipinto è stato realizzato su lastra di rame nella settimana tra il 15 e il 22 ottobre 1935. Secondo Miro, questo è il risultato di un tentativo di ritrarre la tragedia guerra civile in Spagna. Miro ha detto che questa è una foto su un periodo di disordini. Il dipinto raffigura un uomo e una donna che si protendono l'uno per le braccia dell'altro, ma non si muovono. I genitali allargati e i colori minacciosi sono stati descritti come "pieni di repulsione e sessualità ripugnante".

Jacek Jerka "Erosione"

Il neo-surrealista polacco è conosciuto in tutto il mondo per il suo immagini fantastiche in cui le realtà si uniscono, creandone di nuove. È difficile considerare uno per uno i suoi lavori estremamente dettagliati e in una certa misura toccanti, ma tale è il formato del nostro materiale, e abbiamo dovuto sceglierne uno - per illustrare la sua immaginazione e abilità. Si consiglia di leggere.

Bill Stoneham "Le mani gli resistono"

Quest'opera, ovviamente, non può essere classificata tra i capolavori dell'arte mondiale, ma il fatto che sia strano è un dato di fatto.
Intorno all'immagine con un ragazzo, una bambola e i palmi premuti contro il vetro, ci sono leggende. Da "a causa di questa foto muoiono" a "i bambini in essa sono vivi". L'immagine sembra davvero inquietante, il che fa sorgere molte paure e congetture nelle persone con una psiche debole.
L'artista, invece, assicurò che il dipinto raffigurava se stesso all'età di cinque anni, che la porta era una rappresentazione della linea di demarcazione tra Il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è una guida che può guidare il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.
Il dipinto ha acquisito notorietà nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato". "Hands Resist Him" è stato acquistato per $ 1.025 da Kim Smith, che è stato poi sommerso da lettere di storie raccapriccianti e chiede di bruciare il dipinto.

Il mondo è pieno persone creative e ogni giorno ci sono centinaia di nuovi dipinti, vengono scritte nuove canzoni. Certo, nel mondo dell'arte ci sono alcuni passi falsi, ma ci sono capolavori di veri maestri che lasciano semplicemente senza fiato! Vi mostreremo il loro lavoro oggi.

realtà aumentata a matita

Il fotografo Ben Heine ha continuato a lavorare al suo progetto, che è un misto di disegni a matita e fotografia. Per prima cosa, fa uno schizzo a mano libera con una matita su carta. Quindi fotografa il disegno sullo sfondo di un oggetto reale e perfeziona l'immagine risultante in Photoshop, aggiungendo contrasto e saturazione. Il risultato è magico!

Illustrazioni di Alisa Makarova

Alisa Makarova - artista di talento da San Pietroburgo. In un'epoca in cui la maggior parte delle immagini viene creata utilizzando un computer, l'interesse del nostro connazionale per le forme tradizionali di pittura è rispettato. Uno dei suoi ultimi progetti è il trittico "Vulpes Vulpes", che mostra affascinanti volpi rosso fuoco. Bellezza e altro!

Incisione raffinata

Gli artisti del legno Paul Rodin e Valerie Lou hanno annunciato la creazione di una nuova incisione intitolata "Falena". Lavoro scrupoloso e la graziosa maestria degli autori non lasciano indifferenti nemmeno gli scettici più ostinati. L'incisione sarà esposta in una prossima mostra a Brooklyn il 7 novembre.

Disegni a penna a sfera

Probabilmente, almeno una volta a lezione, invece di annotare le parole dell'insegnante, tutti hanno disegnato varie figure su un quaderno. L'artista Sarah Esteje (Sarah Esteje) tra questi studenti è sconosciuta. Ma il fatto che i suoi disegni con una penna a sfera siano impressionanti è un fatto indiscutibile! Sarah ha appena dimostrato che non è necessario disporre di alcun materiale speciale per creare qualcosa di veramente interessante.

Mondi surreali di Artem Chebokha

L'artista russo Artem Chebokha crea mondi incredibili dove c'è solo mare, cielo e infinita armonia. Per le sue nuove opere, l'artista ha scelto immagini molto poetiche - un vagabondo che viaggia attraverso luoghi sconosciuti e balene che volteggiano tra onde di nuvole - il volo della fantasia di questo maestro è semplicemente illimitato.

Spot ritratti

Qualcuno pensa alla tecnica del tratto, qualcuno pensa al contrasto di luci e ombre, ma l'artista Pablo Jurado Ruiz disegna con i punti! L'artista ha sviluppato le idee del genere del puntinismo, che era ancora inerente agli autori dell'era del neoimpressionismo, e ha creato il suo proprio stile dove i dettagli sono assolutamente tutto. Migliaia di tocchi su carta come risultato creano ritratti realistici che vuoi guardare.

Immagini da dischetti

In un'epoca in cui molte cose e tecnologie diventano obsolete alla velocità di un espresso che passa, molto spesso devi liberarti della spazzatura inutile. Tuttavia, come si è scoperto, non tutto è così triste e i vecchi oggetti possono essere resi molto uniformi opera contemporanea arte. Artista inglese Nick Gentry ha raccolto floppy disk quadrati da amici, ha preso un barattolo di vernice e ci ha dipinto ritratti sorprendenti. Si è rivelato molto bello!

Sull'orlo del realismo e del surrealismo

L'artista berlinese Harding Meyer ama dipingere ritratti, ma per non diventare un altro iperrealista, ha deciso di sperimentare e ha creato una serie di ritratti sull'orlo della realtà e del surrealismo. Questi lavori forniscono informazioni su volto umano come qualcosa di più di un semplice "ritratto secco", evidenziandone la base: l'immagine. A seguito di tali ricerche, il lavoro di Harding è stato notato dalla Galleria d'Arte Moderna di Monaco, che esporrà il lavoro dell'artista il 7 novembre.

Dipingere con le dita su iPad

Molti artisti contemporanei sperimentando i materiali per creare quadri, ma il giapponese Seikou Yamaoka (Seikou Yamaoka) li ha superati tutti, prendendo il suo Ipad come tela. Ha semplicemente installato l'applicazione ArtStudio e ha iniziato non solo a disegnare, ma a riprodurre di più capolavori famosi arte. Inoltre, lo fa non con pennelli speciali, ma con il dito, ammirato anche da persone lontane dal mondo dell'arte.

Pittura "di legno".

Usando di tutto, dall'inchiostro al tè, l'artista della lavorazione del legno Mandy Tsung ha creato dipinti davvero affascinanti pieni di passione ed energia. Come tema principale, ha scelto l'immagine misteriosa di una donna e la sua posizione nel mondo moderno.

iperrealista

Ogni volta che trovi il lavoro di artisti iperrealisti, ti poni involontariamente la domanda: "Perché stanno facendo tutto questo?" Ognuno di loro ha la propria risposta a questo e talvolta una filosofia piuttosto contraddittoria. Ma l'artista Dino Tomik dice senza mezzi termini: "Amo moltissimo la mia famiglia". Dipingeva giorno e notte e cercava di non perdere un solo dettaglio del ritratto dei suoi parenti. Uno di questi disegni gli ha richiesto almeno 70 ore di lavoro. Dire che i genitori erano felicissimi significa non dire nulla.

Ritratti di soldati

Il 18 ottobre alla galleria londinese Opera Gallery ha lanciato una mostra di opere di Joe Black (Joe Black) chiamata "Ways of Seeing". Per creare i suoi dipinti, l'artista ha utilizzato non solo vernici, ma anche i materiali più insoliti: bulloni, distintivi e molto altro. Tuttavia, il materiale principale era ... soldatini! al massimo mostre interessanti le esposizioni includono ritratti di Barack Obama, Margaret Thatcher e Mao Zedong.

Sensuali ritratti ad olio

L'artista coreana Lee Rim (Lee Rim) non era così famosa un paio di giorni fa, ma i suoi nuovi dipinti "Girls in Paint" hanno suscitato un'ampia risposta e risonanza nel mondo dell'arte. Lee dice: tema principale il mio lavoro sono le emozioni umane e lo stato psicologico. Anche se viviamo in ambienti diversi, a un certo punto nel tempo ci sentiamo allo stesso modo quando guardiamo un oggetto". Forse è per questo che, guardando il suo lavoro, voglio capire questa ragazza e sentire i suoi pensieri.

La pittura, se non si tiene conto dei realisti, è sempre stata, è e sarà strana. Metaforico, alla ricerca di nuove forme e mezzi espressivi. Ma diversi immagini strane più strano degli altri.

È chiaro che la "stranezza" è un concetto piuttosto soggettivo, e per tutti ci sono dipinti sorprendenti che si distinguono da una serie di altre opere d'arte. Ad esempio, le opere di Salvador Dalì sono deliberatamente escluse da questa selezione, che rientrano completamente nel formato di questo materiale e sono le prime a venire in mente.

Salvador Dalì

"Una giovane vergine che commette sodomia con le corna della propria castità"

1954

Edvard Munch "L'urlo"
1893, cartone, olio, tempera, pastello. 91x73,5 cm
Galleria Nazionale, Oslo

L'urlo è considerato un evento espressionista di riferimento e uno dei dipinti più famosi al mondo.

"Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo si è tinto di rosso sangue, mi sono fermato, esausto, e mi sono appoggiato allo steccato - ho guardato il sangue e le fiamme sopra il fiordo nero-bluastro e il città - i miei amici sono andati avanti e io mi sono alzato, tremando per l'eccitazione, sentendo il pianto infinito che trafiggeva la natura", ha detto Edvard Munch sulla storia del dipinto.

Ci sono due interpretazioni di ciò che è raffigurato: è l'eroe stesso che è preso dall'orrore e urla silenziosamente, premendosi le mani sulle orecchie; oppure l'eroe chiude le orecchie al grido del mondo e della natura che risuona intorno a lui. Munch ha scritto 4 versioni di "The Scream", e c'è una versione secondo cui questa immagine è il frutto di una psicosi maniaco-depressiva di cui soffriva l'artista. Dopo un ciclo di cure in clinica, Munch non è tornato a lavorare sulla tela.

Paul Gauguin "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove stiamo andando?"
1897-1898, olio su tela. 139,1x374,6 cm
Museo delle Belle Arti, Boston

Sotto la direzione dello stesso Gauguin, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra: i tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nell'ultimo gruppo, secondo l'artista, "una vecchia, prossima alla morte, sembra riconciliata e abbandonata ai suoi pensieri", ai suoi piedi "uno strano uccello bianco... rappresenta la futilità delle parole".

Pablo Picasso "Guérnica"
1937, olio su tela. 349x776 cm
Museo Reina Sofía, Madrid

"Guernica" presenta scene di morte, violenza, brutalità, sofferenza e impotenza, senza specificarne le cause immediate, ma sono evidenti. Si dice che nel 1940 Pablo Picasso fu convocato alla Gestapo di Parigi. La conversazione si è subito spostata sul dipinto. "Sei stato tu?" - "No, l'hai fatto."

Jan van Eyck "Ritratto degli Arnolfini"
1434, olio su tavola. 81,8x59,7 cm
Galleria Nazionale di Londra, Londra

Il ritratto, presumibilmente di Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie, è una delle opere più complesse della scuola pittorica occidentale del Rinascimento settentrionale.

Il famoso dipinto è completamente pieno di simboli, allegorie e riferimenti vari - fino alla firma "Jan van Eyck era qui", che lo ha trasformato non solo in un'opera d'arte, ma in un documento storico che conferma un evento reale, a cui ha partecipato dall'artista.

In Russia negli ultimi anni, l'immagine ha guadagnato grande popolarità grazie alla somiglianza del ritratto di Arnolfini con Vladimir Putin.

Mikhail Vrubel "Demone seduto"
1890, olio su tela. 114x211 cm
Galleria Tretyakov, Mosca

Il dipinto di Mikhail Vrubel sorprende con l'immagine di un demone. Il triste ragazzo dai capelli lunghi non assomiglia affatto alle idee universali su come dovrebbe essere uno spirito malvagio. L'artista stesso ha parlato del suo dipinto più famoso: "Il demone non è tanto uno spirito malvagio quanto uno spirito sofferente e dolente, con tutto questo uno spirito prepotente e maestoso".

Questa è un'immagine della forza dello spirito umano, della lotta interna, dei dubbi. Con le mani giunte tragicamente, il Demone siede con occhi grandi e tristi rivolti in lontananza, circondato da fiori. La composizione sottolinea il vincolo della figura del demone, come se fosse inserita tra le traverse superiore e inferiore del telaio.

Vasily Vereshchagin "L'apoteosi della guerra"
1871, olio su tela. 127x197 cm
Galleria Statale Tretyakov, Mosca

L'immagine è scritta in modo così profondo ed emotivo che dietro ogni teschio che giace in questa pila, inizi a vedere le persone, i loro destini e i destini di coloro che non vedranno più queste persone. Lo stesso Vereshchagin, con triste sarcasmo, chiamò la tela "natura morta" - raffigura "natura morta".

Tutti i dettagli dell'immagine, compreso il colore giallo, simboleggiano morte e devastazione. Il cielo azzurro e limpido sottolinea la morte dell'immagine. L'idea dell '"Apoteosi della guerra" è espressa anche dalle cicatrici delle sciabole e dai fori dei proiettili sui teschi.

Grant Wood "Gotico americano"
1930, olio. 74x62 cm
Istituto d'arte di Chicago, Chicago

"American Gothic" è una delle immagini più riconoscibili nell'arte americana del XX secolo, il meme artistico più famoso del XX e XXI secolo.

L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate. Facce arrabbiate, un forcone proprio al centro della foto, vestiti antiquati anche per gli standard del 1930, un gomito scoperto, cuciture sugli abiti del contadino che ripetono la forma di un forcone, e quindi una minaccia che si rivolge a chiunque chi invade. Tutti questi dettagli possono essere guardati all'infinito e rabbrividire per il disagio.

È interessante notare che i giudici del concorso dell'Art Institute of Chicago hanno percepito "Gothic" come un "San Valentino umoristico", e il popolo dell'Iowa è stato terribilmente offeso da Wood per averli ritratti in una luce così sgradevole.

René Magritte "Amanti"
1928, olio su tela

Quasi tutti i dipinti di Magritte sono enigmi che non possono essere completamente risolti, poiché sollevano interrogativi sull'essenza stessa dell'essere. Magritte parla continuamente dell'inganno del visibile, del suo mistero nascosto, che di solito non notiamo.

Marc Chagall "Passeggiata"
1917, olio su tela
Galleria Statale Tretyakov

Di solito estremamente serio nella sua pittura, Marc Chagall ha scritto un delizioso manifesto della propria felicità, pieno di allegorie e amore.

"Walk" è un autoritratto con sua moglie Bella. La sua amata si libra nel cielo e sembra essere trascinata nel volo e Chagall, che è in piedi a terra precariamente, come se la toccasse solo con la punta delle scarpe. Chagall ha una tetta nell'altra mano: è felice, ha una tetta tra le mani (probabilmente il suo dipinto) e una gru nel cielo.

Hieronymus Bosch "Il giardino delle delizie"
1500-1510, olio su legno. 389x220 cm
Prato, Spagna

Il fascino duraturo e allo stesso tempo la stranezza del trittico risiede nel modo in cui l'artista esprime l'idea principale attraverso molti dettagli. Il quadro è pieno di figure trasparenti, strutture fantastiche, mostri divenuti allucinazioni, caricature infernali della realtà, che egli guarda con sguardo penetrante, estremamente acuto.

Alcuni scienziati volevano vedere nel trittico un'immagine della vita umana attraverso il prisma della sua vanità e le immagini dell'amore terreno, altri - il trionfo della voluttà. Tuttavia, l'innocenza e un certo distacco con cui vengono interpretate le singole figure, nonché l'atteggiamento favorevole nei confronti di quest'opera da parte delle autorità ecclesiastiche, fanno dubitare che la glorificazione dei piaceri corporali possa esserne il contenuto.

Gustav Klimt "Le tre età della donna"
1905, olio su tela. 180x180 cm
Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma

"Three Ages of Woman" è sia gioiosa che triste. In esso, la storia della vita di una donna è scritta in tre figure: incuria, pace e disperazione. La giovane donna è organicamente intessuta nell'ornamento della vita, la vecchia si distingue da lei. Il contrasto tra l'immagine stilizzata di una giovane donna e l'immagine naturalistica di una donna anziana assume un significato simbolico: la prima fase della vita porta con sé infinite possibilità e metamorfosi, l'ultima è costanza immutabile e conflitto con la realtà.

La tela non si lascia andare, entra nell'anima e fa pensare alla profondità del messaggio dell'artista, oltre che alla profondità e all'inevitabilità della vita.

Egon Schiele "Famiglia"
1918, olio su tela. 152,5x162,5 cm
Galleria del Belvedere, Vienna

"Family" è il suo ultimo lavoro, in cui la disperazione è portata all'assoluto, nonostante questa sia la sua immagine meno strana. Lo dipinse poco prima di morire, dopo che la moglie incinta Edith morì di influenza spagnola. Morì all'età di 28 anni appena tre giorni dopo Edith, essendo riuscito a disegnare lei, se stesso e il loro bambino non ancora nato.

Frida Kahlo "Le due Frida"
1939

La storia della difficile vita dell'artista messicana Frida Kahlo è diventata ampiamente nota dopo l'uscita del film "Frida" con Salma Hayek nel ruolo del protagonista. Kahlo ha dipinto per lo più autoritratti e lo ha spiegato semplicemente: "Dipingo me stesso perché trascorro molto tempo da solo e perché sono il soggetto che conosco meglio".

Frida Kahlo non sorride in nessun autoritratto: un viso serio, persino triste, sopracciglia folte fuse, baffi leggermente evidenti su labbra serrate. Le idee dei suoi quadri sono criptate nei dettagli, nello sfondo, nelle figure che compaiono accanto a Frida. Il simbolismo di Kahlo si basa sulle tradizioni nazionali ed è strettamente connesso con la mitologia indiana del periodo preispanico.

In uno dei migliori dipinti - "Two Fridas" - ha espresso i principi maschile e femminile, collegati in lei da un unico sistema circolatorio, dimostrando la sua integrità. Per maggiori informazioni su Frida, guarda QUI un bellissimo post interessante

Claude Monet "Ponte di Waterloo. Effetto nebbia"
1899, olio su tela
Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

Quando si guarda l'immagine da una distanza ravvicinata, lo spettatore non vede altro che una tela su cui vengono applicati frequenti tratti di olio spessi. Tutta la magia dell'opera si rivela quando gradualmente iniziamo ad allontanarci dalla tela a una distanza maggiore.

Dapprima cominciano ad apparire davanti a noi semicerchi incomprensibili, passando per il centro del quadro, poi, vediamo i contorni netti delle barche e, dopo aver spostato una distanza di circa due metri, tutte le opere di collegamento sono nettamente disegnate e allineate in un catena logica di fronte a noi.

Jackson Pollock "Numero 5, 1948"
1948, fibra di legno, olio. 240x120 cm

La stranezza di questa immagine è che la tela del leader americano dell'espressionismo astratto, che ha dipinto versando la vernice su un pezzo di fibra steso sul pavimento, è il dipinto più costoso del mondo. Nel 2006, all'asta di Sotheby's, l'hanno pagata 140 milioni di dollari. David Giffen, produttore cinematografico e collezionista, lo ha venduto al finanziere messicano David Martinez.

"Continuo ad allontanarmi dai soliti strumenti di un artista, come cavalletto, tavolozza e pennelli. Preferisco bastoncini, palette, coltelli e vernice che scorre, o una miscela di vernice con sabbia, vetri rotti o qualsiasi altra cosa. Quando Sono dentro un quadro, non mi rendo conto di quello che faccio. La comprensione viene dopo. Non ho paura di cambiare o distruggere l'immagine, perché l'immagine ha una vita propria. Io la aiuto solo a venir fuori. Ma se Perdo il contatto con l'immagine, diventa sporca e disordinata.In caso contrario, questa è pura armonia, la facilità di come prendi e dai.

Joan Mirò "Uomo e donna davanti a un mucchio di escrementi"
1935, rame, olio, 23x32 cm
Fondazione Joan Mirò, Spagna

Secondo Miro, questo è il risultato di un tentativo di ritrarre la tragedia della guerra civile spagnola. Miro ha detto che questa è una foto su un periodo di disordini.

Il dipinto raffigura un uomo e una donna che si protendono l'uno per le braccia dell'altro, ma non si muovono. Genitali ingranditi e colori minacciosi sono stati descritti come "pieni di disgusto e sessualità disgustosa".

Jacek Jerka "Erosione"

Il neo-surrealista polacco è conosciuto in tutto il mondo per i suoi straordinari dipinti, in cui le realtà si uniscono per crearne di nuove.

Bill Stoneham "Le mani gli resistono"
1972

Quest'opera, ovviamente, difficilmente può essere considerata un capolavoro dell'arte mondiale, ma il fatto che sia strano è un dato di fatto.

Intorno all'immagine con un ragazzo, una bambola e i palmi premuti contro il vetro, ci sono leggende. Da "a causa di questa foto muoiono" a "i bambini in essa sono vivi". L'immagine sembra davvero inquietante, il che fa sorgere molte paure e congetture nelle persone con una psiche debole.

L'artista ha assicurato che l'immagine raffigura se stesso all'età di cinque anni, che la porta è una rappresentazione della linea di demarcazione tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è una guida che può guidare il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o possibilità alternative.

Il dipinto ha acquisito notorietà nel febbraio 2000 quando è stato messo in vendita su eBay con un retroscena che diceva che il dipinto era "infestato".

"Hands Resist Him" è stato acquistato per $ 1.025 da Kim Smith, che è stato poi inondato di lettere con storie raccapriccianti su come sono apparse le allucinazioni, la gente è davvero impazzita guardando il lavoro e chiede di bruciare il dipinto