Il valore della creatività di Musorgskij nella cultura musicale russa. Creatività vocale da camera di Musorgskij

Chereneva Yulia Nikolaevna

"Il tema della nazionalità nelle opere di M.P. Mussorgsky"

(sull'esempio dell'opera "Boris Godunov")

Istituto scolastico di bilancio comunale

istruzione aggiuntiva per i bambini

"Scuola d'arte per bambini del distretto di Chaikovskaya"

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[e-mail protetta]

Pugina Svetlana Nikolaevna,

docente di discipline teoriche

introduzione

La seconda metà del XIX secolo è il periodo della grande alba di tutta l'arte russa. Il forte aggravamento delle contraddizioni sociali porta nei primi anni '60 a una grande impennata sociale. Le idee rivoluzionarie degli anni '60 si riflettevano nella letteratura, nella pittura e nella musica. Le figure di spicco della cultura russa hanno combattuto per la semplicità e l'accessibilità dell'arte e nelle loro opere hanno cercato di mostrare realisticamente la vita del semplice popolo russo.

Sotto tutti gli aspetti, la cultura musicale della Russia era in fase di rinnovamento. In questo momento si forma un circolo musicale chiamato "The Mighty Handful". Si definivano gli eredi di M. I. Glinka. La cosa principale per loro era l'incarnazione nella musica delle persone, l'incarnazione è veritiera, luminosa, senza abbellimenti e comprensibile a un vasto pubblico.

Uno dei compositori più originali, Modest Petrovich Mussorgsky, era particolarmente intriso dell'idea di nazionalità. Come artista realista, gravitava verso un argomento socialmente rilevante, rivelando costantemente e consapevolmente l'idea di nazionalità nel suo lavoro.

Lo scopo di questo lavoro: il ruolo della nazionalità nell'opera di M. Mussorgsky sull'esempio dell'opera "Boris Godunov".

Considera le fasi del percorso di vita di M. Mussorgsky legate al tema popolare

Analizza le scene popolari nell'opera "Boris Godunov"

"Mighty Handful" e canzone popolare

Nella creatività musicale degli anni '60, il circolo musicale "The Mighty Handful" occupava il posto di primo piano. Per questo gli è stato dato il diritto a un enorme talento, coraggio creativo, forza interiore. Alle riunioni possente manciata» studiavano giovani musicisti i migliori lavori patrimonio classico e modernità. Qui si sono formate le opinioni etniche dei compositori.

Nella cerchia di Balakirev c'era uno studio attento e amorevole della canzone popolare. Non c'è identità nazionale senza vera arte, e un vero artista non potrà mai creare isolandosi dalla ricchezza delle persone. MI Glinka è stato il primo a tradurre in modo sottile e altamente artistico le melodie del popolo russo nelle sue opere, ha rivelato le caratteristiche e gli schemi della creatività musicale popolare russa. “Non facciamo musica; crea un popolo; registriamo e arrangiamo solo”, ha detto M. Glinka. Furono i principi di Glinka che seguirono i compositori di The Mighty Handful, ma il loro atteggiamento nei confronti del folklore segnò un nuovo periodo rispetto a quello di Glinka. Se Glinka ascoltava canzoni popolari, a volte le registrava e le ricreava nelle sue opere, allora i Kuchkisti studiavano in modo sistematico e ponderato la scrittura di canzoni popolari da varie raccolte, registravano appositamente canzoni e ne facevano l'elaborazione. Naturalmente ci sono state anche riflessioni sul significato della canzone popolare in arte musicale.

Nel 1866 fu pubblicata una raccolta di canzoni popolari compilata da M. Balakirev, che fu il risultato di diversi anni di lavoro. N. Rimsky-Korsakov raccolse e studiò attentamente canzoni popolari, che furono successivamente incluse nella raccolta "Cento canzoni popolari russe" (1878).

I membri del "Mighty Handful" sapevano molto di canzoni popolari. Tutti loro sono nati lontano da San Pietroburgo

(solo A. Borodin è un'eccezione) e quindi sono stati ascoltati fin dall'infanzia canzone folk e l'amava teneramente. M. Mussorgsky, che visse per i primi dieci anni nella provincia di Pskov, scrisse che "la familiarizzazione con lo spirito della vita popolare russa era l'impulso principale per le improvvisazioni musicali prima dell'inizio della conoscenza delle regole più elementari del suonare il pianoforte". N. Rimsky-Korsakov è riuscito nella sua infanzia ad osservare l'antico rito di addio a Shrovetide, conservato dai tempi pagani, accompagnato da canti e balli; sua madre e suo zio cantavano bene canzoni popolari. C. Cui, nato a Vilna, fin dall'infanzia conosceva molto bene le canzoni polacche, lituane e bielorusse.

Era la canzone popolare, fare affidamento su di essa - questo è ciò che prima di tutto ha aiutato i compositori a determinare i loro percorsi nell'arte.

^ Atteggiamento di M. P. Mussorgsky nei confronti della canzone popolare

M. Mussorgsky amava appassionatamente la canzone popolare. Lo ha studiato da varie raccolte e ha preso appunti di melodie che lo interessavano per le sue composizioni. È vero, Mussorgsky non ha combinato le canzoni che ha registrato in una raccolta, non le ha elaborate, non le ha preparate per la pubblicazione, come M. Balakirev e N. Rimsky-Korsakov. Di tanto in tanto prendeva queste note, su fogli di carta da musica separati, ma quasi sempre annotava quando e da chi aveva registrato la canzone.

Le origini dell'amore del compositore per le persone risalgono all'infanzia. Nel villaggio di Karevo, dove trascorse la sua infanzia, fu circondato da ogni parte dal canto. Una delle immagini preferite della sua infanzia era la tata, una donna devota e gentile. Conosceva molte canzoni e fiabe. Fondamentalmente, le sue fiabe parlavano del semplice popolo russo, della loro vita e del loro destino. Per il resto della sua vita, Modest ha ricordato le sue fiabe, a volte spaventose, a volte divertenti, ma sempre affascinanti ed eccitanti. Questo è stato il suo primo contatto con il mondo del folk fantasy. Dopo aver ascoltato questi racconti, a lui, allora ancora molto piccolo, piaceva avvicinarsi di soppiatto al pianoforte e, alzandosi in punta di piedi, raccogliere bizzarre armonie in cui immaginava l'incarnazione di immagini magiche.

Lungo sere d'inverno ascoltava il canto delle ragazze che giravano. Durante le vacanze, lui stesso ha partecipato a balli rotondi, giochi, balli, ha assistito a spettacoli di farsa. Ricorda bene le melodie popolari apprese durante l'infanzia. In quei giorni trascorreva le sue giornate in compagnia di bambini contadini; nella loro famiglia non era proibito. E li trattava facilmente, da pari a pari, dimenticando di essere un "maestro". Con loro ha condiviso divertimenti e scherzi e ha preso parte a discussioni serie, oltre i suoi anni, sui disagi. Vita di ogni giorno.

Forse questo derivava dal fatto che nelle sue vene scorre sangue misto: sua nonna paterna, Arina Yegorovna, era una semplice serva. Il nonno l'ha sposata dopo che hanno avuto figli, e poi hanno dovuto essere adottati. Modest è lieto di pensare che tra i suoi antenati ci sia una donna del popolo (a proposito, Arina Yegorovna è la sua madrina). In generale, l'infanzia nel villaggio appare a Modest nei ricordi di una felicità a volte luminosa e serena.

Quando Mussorgsky aveva 34 anni, rinunciò alla sua quota di proprietà in favore di suo fratello. Era disgustato dalla posizione di proprietario terriero che viveva a spese dei contadini. Mussorgsky ricorda le conversazioni con i contadini fin dall'infanzia, ricorda il loro duro destino, visto con i suoi occhi. Ricorda le grida e i lamenti dei contadini. Successivamente, in molte delle sue opere a tema popolare, c'erano temi di lamenti o lamenti che ricordava fin dall'infanzia.

Modest Petrovich ricorda le conversazioni con i contadini fin dall'infanzia, il loro duro destino, visto con i suoi occhi. Ricorda le grida e i lamenti dei contadini. Successivamente, in molte delle sue opere, si possono trovare temi di lamenti o lamenti che ricordava fin dall'infanzia.

Il deputato Mussorgsky apprezzava la gente comune. Pertanto, il tema della nazionalità è il tema principale del suo lavoro. In una delle sue lettere scrisse: “… Come sono stato attratto e attratto da questi campi nativi…. - non per niente durante l'infanzia gli piaceva ascoltare i contadini e si degnava di lasciarsi tentare dalle loro canzoni ... ”(lettera a V. Nikolsky)

Negli anni '80 Mussorgsky incontrò e strinse amicizia con Ivan Fyodorovich Gorbunov, che divenne famoso per le sue raffigurazioni di scene di vita popolare, mercantile e burocratica. Modest Petrovich ha molto apprezzato il suo talento. Gorbunov ha cantato a Mussorgsky la canzone "The Baby Came Out", che è stata inclusa nella "Khovanshchina" come canzone di Marfa.

Per lavorare a The Sorochinskaya Fair, Mussorgsky aveva bisogno di una canzone popolare ucraina. 27 canzoni popolari ucraine sono state conservate nei suoi dischi. Ha registrato molte canzoni da diversi volti familiari. Uno di loro era lo scrittore Vsevolod Vladimirovich Krestovsky, che aveva un gusto per arte popolare e ha scritto una serie di canzoni, leggende e racconti nello spirito popolare.

Nel 1871 Mussorgsky partecipò a una riunione della Società Geografica. Il famoso narratore T. G. Ryabinin ha eseguito epiche lì. Mussorgsky ha fatto alcune note molto interessanti. Ha introdotto il canto dell'epico "About the Volga and Mikula" nella scena vicino a Kromy.

Il tema della nazionalità è vividamente incarnato dal compositore nell'opera Boris Godunov.

^ Opera "Boris Godunov"

Per natura, Mussorgsky era un eccezionale drammaturgo musicale. È stato a teatro che è stato in grado di mostrare i fenomeni della realtà in modo così completo e vivido. Era un grande maestro nel creare personaggi umani viventi nella musica e trasmetteva non solo i sentimenti di una persona, ma anche i suoi aspetto, abitudini, movimenti. Ma la cosa principale che ha attratto il compositore a teatro è stata l'opportunità di mostrare nell'opera non solo un individuo, ma anche la vita di un intero popolo, pagine della sua storia che riecheggiavano di drammatica modernità.

L'opera "Boris Godunov" aveva un significato speciale per il compositore: era il risultato di quasi dieci anni del suo lavoro. E allo stesso tempo, l'inizio dell'alta fioritura del suo talento potente e originale, che ha regalato alla cultura russa molte brillanti creazioni.

Il libretto dell'opera era basato sul lavoro di A.S. Pushkin. La tragedia di Pushkin riflette i lontani eventi storici del tempo dei guai. Nell'opera di Mussorgsky, hanno ricevuto un suono nuovo e moderno. L'idea dell'incompatibilità del popolo e del regime zarista è stata particolarmente sottolineata dal compositore. Dopotutto, un monarca, anche dotato di mente e anima, come dimostra Boris - poeta e compositore - non può e non vuole concedere la libertà al popolo. Questa idea suonava acuta e moderna e occupava le menti russe progressiste nella seconda metà del XIX secolo. "Il passato nel presente": così il compositore ha definito il suo compito.

Il personaggio centrale dell'opera è il popolo. Il genere dell'opera è definito come un dramma musicale popolare.

Compilando il libretto, Mussorgsky ha apportato modifiche alla tragedia di Pushkin. Ha sottolineato in particolare l'idea del ruolo decisivo del popolo. Quindi ho cambiato il finale. Il poeta alla fine della tragedia "la gente tace". E con Musorgskij il popolo protesta, si ribella. Questa immagine della rivolta popolare, che conclude l'opera, è forse la più importante (atto IV).

L'opera "Boris Godunov" inizia con una piccola introduzione orchestrale, in cui i fagotti guidano la lunga melodia monofonica dello stile folk. L'inizio dell'introduzione suona come una triste riflessione, come una storia dell'autore. Mussorgsky non ha citato o, come si diceva ai vecchi tempi, "non ha preso in prestito" la melodia originale, ma questa melodia si è formata in lui, come una meravigliosa corona di intonazioni di canzoni contadine liriche e prolungate. I fiati sono in sintonia con il flauto del pastore, ed è difficile credere che il compositore abbia scritto questa musica. “L'impulso spirituale - il pensiero della patria - ha suggerito a Mussorgsky il gambo della melodia, da cui la musica ha cominciato a crescere ulteriormente, più, più in profondità, strato dopo strato ... L'orecchio abbraccia naturalmente, facilmente la melodia, e il la memoria lo ricorderà per tutta l'opera, lo terrà saldamente come uno scheletro senza nemmeno accorgersi » di ulteriori opzioni. Nel frattempo, la forza dell'impressione dalla germinazione della melodia e dai suoi cambiamenti organici è tale che sembra indubbio che sia stata proprio questa modesta radice di canzone, che il pensiero di Mussorgsky ha colto fin dall'inizio, l'ha portata a meravigliose scoperte, in lontananza , nelle distese della musica. .V.Asafiev.

Introduzione - Melodia russa, inizia una voce, a volte sembra che l'inizio dell'introduzione sia cantato all'unisono voci maschili e solo allora altre voci, quelle del popolo, si uniscono a loro. Il motivo dell'ingresso è profondamente sofferente. Non c'è da stupirsi che l'opera sia stata definita dal compositore come un dramma musicale popolare: le persone sono tutto e il dramma è tutto. In forma di distico ritorna ripetutamente il tema principale dell'introduzione, unendosi ad altre voci dell'orchestra. E si trasforma da un lamento lugubre in un formidabile rombo della forza di persone potenti: questo è nel basso di violoncelli, contrabbassi e fagotti.

Già dalla prima foto, Mussorgsky fa sentire la profonda discordia all'interno dello stato moscovita tra il popolo e le élite al potere e crea una vera immagine di un popolo forzato e oppresso che non ha ancora realizzato la propria forza.

Il compositore rivela la tragedia dello stato delle persone in vari modi. In una serie di episodi quotidiani che caratterizzano l'indifferenza della folla per l'elezione in corso dello zar, Mussorgsky usa il suo metodo preferito per mostrare il contenuto tragico attraverso una forma esteriormente comica. Non senza umorismo, trasmette lo smarrimento del pubblico ("Mityukh e Mityukh, perché stiamo urlando?"), Disegna le controversie delle donne e la rissa che si è svolta ("Colomba, vicina", ecc.). Nei recitativi eseguiti dai gruppi corali e dalle singole voci del coro, vengono fedelmente riprodotte le caratteristiche intonazioni del dialetto popolare. Recitativo corale- una tecnica innovativa, introdotta per la prima volta da Mussorgsky. Un popolo oppresso, oppresso e completamente indifferente a colui che siede sul trono reale: tale è l'eroe del prologo.

I punti di riferimento nell'azione musicale del film sono anche due esecuzioni del coro "A chi ci lasci". Sebbene, secondo la scenografia, il pianto qui non sia reale, ma solo messo in scena, questo coro, come il tema dell'introduzione, è percepito come espressione di genuini sentimenti popolari. Tale è il potere delle sue intonazioni di canzoni popolari, in cui si esprimeva tutto il dolore accumulato nell'anima contadina. La gente, lamentandosi tristemente, si rivolge a Godunov: "Per chi ci lasci, nostro padre?" C'è un dolore così secolare in questo coro che diventa chiaro che le persone non possono rimanere a lungo in un tale stato di schiavitù.

Qui, elementi di lamento e canto lirico persistente si sono fusi insieme. L'influenza dello stile della canzone contadina si riflette nella libertà del respiro melodico, nella variabilità dei tempi in chiave e nella graduale cattura di una gamma sempre più ampia da parte della melodia. Caratteristico è anche il tipo di polifonia, in cui ciascuna delle voci mantiene la propria indipendenza, eseguendo varianti della melodia principale per fondersi di volta in volta con altre voci in un suono all'unisono.

Nella seconda immagine del prologo, Boris viene incoronato re. Piazza del Cremlino di Mosca. Il potente suono delle campane accompagna il matrimonio di Boris. Il popolo è in ginocchio in attesa che emerga il nuovo re. Il coro suona "Oh, che gloria al sole rosso nel cielo". È lo stesso tema luminoso persone. Il tema del coro è una canzone elogiativa popolare, usata ripetutamente dai compositori russi. Quando appare Boris Godunov, la gente - per ordine del boiardo Shuisky - lo loda:

Cinque anni separano gli eventi del Prologo e dell'Atto I. Le contraddizioni tra il popolo e il re riuscirono ad approfondirsi. Nella prima foto, Pimen passa a nome del popolo la sua condanna al re criminale. Nella seconda immagine, l'atteggiamento ostile della gente nei confronti del governo di Borisov si rivela sull'esempio dei vagabondi Varlaam e Misail e dell'amante della taverna.

Le immagini dei personaggi nei due quadri del primo atto sono diverse. Nella scena nella cella, il maestoso Pimen, che ha visto e vissuto molto, saggio per molti anni di esperienza di vita, personifica saggezza popolare e coscienza. Questa immagine è un'espressione generalizzata delle elevate qualità morali del popolo russo. Varlaam è una figura di genere quotidiano, le cui caratteristiche riflettono caratteristiche sia positive che negative inerenti a un certo tipo sociale. Varlaam appartiene agli strati inferiori e recitati dello stato Borisov e, naturalmente, risulta essere portatore di uno spirito recalcitrante e ribelle. Dietro l'aspetto comico di Varlaam si può intuire una forza potente ed eroica, sprecata senza meta nel vagabondaggio e nell'ubriachezza. Le immagini di Pimen e Varlaam giocano un ruolo importante nell'opera. Non per niente Mussorgsky ha costretto Pimen a riapparire sulla scena della duma boiardo con una storia sulla miracolosa guarigione del pastore ed esprimere così il verdetto del popolo di fronte a Boris; Varlaam, insieme a Misail, agisce per la seconda volta vicino a Kromy come uno dei leader della rivolta popolare.

Nella seconda scena 1 dell'azione, i numeri delle canzoni giocano un ruolo importante. L'episodio centrale dell'intero film è la canzone di Varlaam "Com'era a Kazan in città". Il compositore aveva bisogno di un colore diverso qui: aveva bisogno di mostrare il tema della battaglia dai tempi dell'eroico passato della Russia. Dalla canzone da ballo, Mussorgsky prende solo la prima strofa e vi aggiunge una canzone storica nota al popolo. Musicalmente, lo risolve in una melodia da ballo, usando l'autentico tema popolare. Nella voce di Varlaam non si sente solo baldoria da ubriachi. In quest'uomo si avverte una forza enorme e irrefrenabile. È lui che solleverà una rivolta popolare contro il re - "l'apostata".

Le impressioni infantili dei lamenti, i lamenti dei contadini hanno ispirato un'altra immagine dell'opera - il Santo stolto - a Mussorgsky. Il santo sciocco è un'immagine molto vivida del popolo russo. La sua immagine, l'incarnazione del dolore del popolo eterno, simboleggia la posizione diseredata del popolo. Ma non importa quanto sia grande l'umiliazione, un sentimento elevato vive tra la gente dignità umana e la fede nella giusta punizione non svanisce. Queste caratteristiche hanno anche trovato la loro espressione nell'immagine del Santo Matto.

La caratterizzazione iniziale dell'eroe è data in una canzone lugubre, che viene cantata in questa scena (come in Pushkin) su un testo privo di significato. La canzone è preceduta da una breve introduzione di tre battute contenente il tema musicale principale del Santo Matto. Nel motivo di fondo (che ripete monotonamente il secondo canto) ci sono intonazioni di lamento. A loro si sovrappone un secondo motivo, di tipo simile al primo e basato sull'intonazione della preghiera, del lamento, spesso usata da Mussorgsky.

Sulle intonazioni del Santo Matto inizia a risuonare la melodia del coro, con la quale il popolo in piazza si rivolge al re. Il popolo stava aspettando che lo zar uscisse dal tempio e desse al popolo la sua grazia regale. Nella musica, dapprima, come nel coro del Prologo (“A chi ci lasci”), si sente un lamento, una richiesta, ma a poco a poco la preghiera si trasforma in un'esclamazione e in un grido.

Dopo un grido penetrante, le persone abbassano la testa (la melodia si abbassa), la dinamica del coro svanisce, la folla lascia il posto a Godunov. Questa è la paura del re - l'unto di Dio. Il ritornello di "Kleb" termina con il suono con cui è iniziato. Le preghiere del popolo continuano ad essere ascoltate nella festa del Santo Matto.

Il momento culminante dell'opera - la rivolta del popolo, è il coro del popolo ribelle "Il potere disperso, la forza chiarita, il coraggio dei coraggiosi". Questo è il vero apice di tutte le scene folk. testo, e in parte carattere musicale di questo coro si ispira ai campioni dei cosiddetti rapinatori, valorosi canti popolari. Il coro "Disperso, ripulito" si distingue da tutti gli altri per il suo carattere volitivo e potente, nonché per l'imponenza e lo sviluppo della forma. È scritto in una forma dinamica in tre parti con un grande codice esteso. IN argomento principale la forza indomabile e l'impulso violento sono incarnati. Combina mobilità, rapidità con pesantezza e potenza. La ripetizione ripetuta (come se "perforasse") del tonico crea una sensazione di fermezza e forza; il salto melodico alla sesta suona come un'espressione di abilità e portata. Il tema va sullo sfondo dell'accompagnamento mobile, come se sollecitasse, sferzando la melodia.

La successiva introduzione di voci nella sequenza ascendente dà l'impressione di grida violente e discordanti (questa impressione è ulteriormente accentuata dalle acute esclamazioni dei corni che sostengono il tema). Allo stesso tempo, l'introduzione imitativa delle voci crea un continuo aumento che porta al secondo suono ancora più potente del tema. Questa volta il tessuto orchestrale è più complicato (in particolare compaiono motivi di fiati penetranti e sibilanti, costruiti su echi del tema). Le voci del coro si intrecciano in un suono simultaneo, formando una complessa trama polifonica nello spirito della polifonia popolare e solo nei punti cardine si fondono all'unisono. La parte centrale si distingue per uno speciale ardore, ardore. Qui regna la gioia, causata da un insolito senso di libertà. Questo coro è espressione di una nuova qualità che l'immagine del popolo ha raggiunto nel suo sviluppo. Intonazionalmente, è collegato ad episodi di altre scene popolari (canzone di Varlaam, coro del prologo "A chi ci lasci").

"Boris Godunov" è un nuovo tipo di opera che ha segnato una nuova tappa nello sviluppo del mondo arte operistica. In quest'opera, che rifletteva le idee di liberazione progressiva degli anni '60 e '70, la vita di un intero popolo si mostra veramente in tutta la sua complessità, si rivelano profondamente le tragiche contraddizioni del sistema statale basato sull'oppressione delle masse. Mostrare la vita di un intero paese è combinato con una rappresentazione vivida e convincente del mondo interiore degli individui e dei loro caratteri complessi e diversi.

Conclusione

La musica popolare non solo ha nutrito il lavoro dei compositori che sono membri della comunità chiamata "The Mighty Handful" con bellissimi temi, ma li ha aiutati a rendere le loro opere affidabili in relazione a nazionali o caratteristiche storiche.

L'opera di Mussorgsky è alimentata dal respiro della rivoluzione contadina. Secondo Stasov, Mussorgsky ha mostrato nella sua musica "un oceano di russi, vita, personaggi, relazioni, disgrazie, fardelli insopportabili, umiliazioni, bocche serrate".

Mussorgsky per la prima volta nella storia dell'opera, non solo russa, ma anche mondiale, ha rotto l'abitudine di presentare il popolo come qualcosa di unito. Mussorgsky combina questa immagine generalizzata da una moltitudine di tipi individuali. Non c'è da stupirsi che il genere dell'opera "Boris Godunov" sia stato definito un dramma musicale popolare.

Boris Godunov è un nuovo tipo di opera che ha segnato una nuova tappa nello sviluppo dell'arte operistica mondiale.

Mussorgsky ha reso le persone il personaggio principale

Il primo piano mostra il coro popolare, il suo dinamismo. All'inizio dell'opera, le persone sono inattive e alla fine dell'opera (a differenza di A. Pushkin) si ribellano e si alzano

Diviso i cori e individuato singole repliche delle persone

Introdotta una tecnica innovativa: il recitativo corale

Il compositore introduce nuove immagini: vagabondi, mendicanti, orfani

Nell'opera, Mussorgsky faceva affidamento su una canzone popolare contadina: lamenti, lamenti, strascichi, comici, corali, balli.

Le origini folcloristiche danno una brillante originalità alla musica. Il compositore parla correntemente i generi di canzoni popolari. L'immagine di un popolo soppresso e sottomesso è accompagnata da intonazioni di lamento e da un canto prolungato; la baldoria spontanea delle forze in fuga verso la libertà è trasmessa dai ritmi violenti del tipo danza e gioco. Ci sono esempi dell'uso diretto di autentiche melodie popolari. Elementi della canzone da ballo penetrano nella musica di Varlaam, intonazioni di lamenti e versi spirituali - nella parte del Santo Matto.

Mussorgsky era un eccezionale drammaturgo musicale. Ha trasmesso magistralmente non solo i sentimenti e il carattere di una persona, ma anche l'aspetto, le abitudini, i movimenti. Si è sforzato di mostrare nell'opera non solo un individuo, ma anche la vita di un'intera nazione, pagine della sua storia, che riecheggiavano con la drammatica modernità.

M. Mussorgsky è un vero compositore folk, che ha dedicato tutto il suo lavoro alla storia della vita, dei dolori e delle speranze del popolo russo. La sua musica rifletteva nitida problemi sociali La vita russa negli anni '60 -'70. Il lavoro di Mussorgsky era così originale e innovativo che ha ancora una forte influenza sui compositori di diversi paesi.

Bibliografia

Abyzova E.N. Modesto Petrovich Musorgskij. M. "Musica", 1986.

Compositori del "Mighty Handful". M. "Musica", 1968.

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Letteratura musicale. Classici musicali russi. Terzo anno di studio / M. Shornikova. Rostov nd: Fenice, 2005.

Letteratura musicale russa: per 6 - 7 celle. Scuola di musica per bambini. M. "Musica", 2000.

APPLICAZIONE

Allegato 1

Modesto Petrovich Musorgskij

Appendice 2

Il lavoro di Mussorgsky è associato alle migliori tradizioni classiche, principalmente alle opere di Glinka e Dargomyzhsky. Tuttavia, essendo un seguace della scuola del realismo critico, Mussorgsky ha percorso per tutta la vita il sentiero spinoso di uno scopritore. Il suo motto creativo erano le parole: "A nuove sponde! Senza paura, attraverso la tempesta, le secche e le insidie!" Hanno servito da stella polare per il compositore, sostenendolo nei momenti di avversità e delusione, ispirandolo negli anni di intensa ricerca creativa. Mussorgsky vedeva i compiti dell'arte nel rivelare la verità della vita, di cui sognava di raccontare alla gente, comprendendo l'arte non solo come mezzo di comunicazione tra le persone, ma anche come mezzo per educare le persone. L'apice dell'eredità di Mussorgsky sono i suoi drammi musicali popolari Boris Godunov e Khovanshchina. Queste brillanti opere di uno dei più grandi compositori russi sono una vera rivelazione nella storia dello sviluppo del dramma operistico mondiale. Il destino del popolo preoccupava soprattutto Mussorgsky. Era particolarmente affascinato dagli eventi storici delle epoche critiche; durante questi periodi, nella lotta per la giustizia sociale, iniziarono a muoversi grandi masse umane. Nelle opere "Boris Godunov" e "Khovanshchina" Mussorgsky ha mostrato varie epoche storiche e vari gruppi sociali, rivelando in modo veritiero non solo gli eventi esterni della trama, ma anche il mondo interiore dei personaggi, le esperienze dei personaggi. Sottile psicologo e drammaturgo, Mussorgsky, attraverso l'arte, è riuscito a trasmettere alla sua società contemporanea una nuova, avanzata comprensione della storia, ha dato una risposta alle domande più attuali e urgenti della vita. Nelle opere di Mussorgsky, le persone diventano il personaggio principale, vengono mostrate nel processo di sviluppo storico; per la prima volta sul palcoscenico dell'opera, le immagini di disordini popolari e rivolte popolari sono incarnate con forza realistica. "Boris Godunov" e "Khovanshchina" sono opere davvero innovative. L'innovazione di Mussorgsky è determinata principalmente dalle sue visioni estetiche, nasce da un costante desiderio di un vero riflesso della realtà. Nelle opere di Mussorgsky, l'innovazione si è manifestata in un'ampia varietà di aree. L'immagine delle persone nell'opera e nei generi dell'oratorio in ogni momento è stata realizzata attraverso il coro. IN cori d'opera Mussorgsky, appare anche un vero psicologismo: scene corali di massa rivelano la vita spirituale delle persone, i loro pensieri e le loro aspirazioni. Il significato dei cori sia in "Khovanshchina" che in "Boris Godunov" è infinitamente grande; i cori di queste opere stupiscono per la loro diversità, veridicità e profondità realistiche. Secondo il metodo di costruzione musicale, i cori di Mussorgsky possono essere divisi in due gruppi. La prima comprende quelle in cui le voci degli esecutori suonano tutte insieme, contemporaneamente (cori "compatti") con o senza orchestra. Ai secondi - cori, che si potrebbero definire "dialogici". Nell'opera "Boris Godunov" nel prologo c'è una grande scena popolare costruita sul principio del dialogo libero, dove il coro è diviso in più gruppi; spiccano i singoli gruppi caratteri; si scambiano osservazioni (un tipo speciale di recitativo corale), discutono, discutono di eventi. Qui la composizione dei partecipanti cambia continuamente: o si sente la voce del solista, poi l'intera folla (coro) canta, poi diversi voci femminili, poi di nuovo solista. È su questo principio che Mussorgsky costruisce grandi scene di massa nelle sue opere. Questa forma di presentazione corale contribuisce alla rivelazione più realistica del carattere e degli stati d'animo di una folla eterogenea e diversificata. Sia nei cori che in altre forme operistiche, Mussorgsky, da un lato, segue ciò che è stabilito tradizioni operistiche , d'altra parte, li modifica liberamente, subordinando il nuovo contenuto delle sue opere. Si dedicò per la prima volta a grandi opere operistiche e drammatiche già nel primo periodo del suo lavoro (1858-1868). Era attratto da tre soggetti completamente diversi; "Edipo re" (1858) tratto dalla tragedia di Sofocle, "Salambo" (1863) tratto dal romanzo di Flaubert e "Le nozze" (1865) tratto dalla commedia di Gogol; tuttavia, tutte e tre le composizioni sono rimaste incompiute. Nella trama di "Oedipus Rex" Mussorgsky era interessato a situazioni di conflitto acuto, uno scontro di personaggi forti e il dramma delle scene di massa. Il compositore diciannovenne era affascinato dalla trama, ma non è riuscito a sviluppare e completare i suoi piani. Di tutta la musica dell'opera si sono conservate solo l'introduzione e il palcoscenico nel tempio per il coro e l'orchestra. L'idea dell'opera "Salambo" è nata sotto l'influenza dell'opera "Judith" di Serov; entrambe le opere sono caratterizzate da antico sapore orientale, monumentalità della trama eroica e drammaticità dei sentimenti patriottici. Il compositore stesso ha scritto il libretto dell'opera, modificando in modo significativo il contenuto del romanzo di Flaubert. Le scene e i frammenti superstiti della musica per "Salambo" sono molto espressivi (la preghiera di Salambo, la scena del sacrificio, la scena di Mato in prigione, ecc.). Successivamente furono usati in altre opere operistiche di Mussorgsky (in particolare nell'opera "Boris Godunov"). Mussorgsky non finì l'opera "Salambo" e non vi tornò più; nel corso del lavoro, ha scoperto che la sua trama storica gli era estranea e lontana, che davvero non conosceva la musica d'Oriente, che il suo lavoro stava cominciando a deviare dalla verità dell'immagine, avvicinandosi ai cliché dell'opera. "Dalla metà degli anni '60, nella letteratura russa, nella pittura e nella musica c'è una grande attrazione per la riproduzione realistica della vita popolare, le sue vere immagini e trame della vita.Mussorgsky inizia a lavorare su un'opera basata sulla commedia di Gogol "Il matrimonio", sforzandosi per la trasmissione più fedele delle intonazioni del discorso, con l'intenzione di mettere in musica la prosa di Gogol senza alcuna modifica, seguendo esattamente ogni parola del testo, rivelandone ogni sottile sfumatura.L'idea di "opera conversazionale" è stata presa in prestito da Mussorgsky da Dargomyzhsky , che ha scritto la sua opera di Pushkin "L'ospite di pietra" sullo stesso principio.Ma dopo aver completato il primo atto de "Il matrimonio", Mussorgsky si rese conto dei limiti del metodo scelto per illustrare tutti i dettagli di un testo verbale senza caratteristiche generalizzate, e sentiva chiaramente che questo lavoro sarebbe servito solo come esperimento per lui. Con quest'opera termina il periodo delle ricerche e dei dubbi, il periodo della formazione dell'individualità creativa di Mussorgsky. Per la sua nuova composizione, l'opera "Boris Godunov", il compositore si impegnò con tale entusiasmo ed entusiasmo che in due anni fu scritta la musica e fu realizzata la partitura dell'opera (autunno 1868 - dicembre 1870). La flessibilità del pensiero musicale di Mussorgsky ha permesso al compositore di introdurre nell'opera le più diverse forme di presentazione: monologhi, arie e ariosi, vari ensemble, duetti, terzini e cori. Quest'ultima si è rivelata la più caratteristica dell'opera, dove ci sono tante scene di massa e dove le intonazioni vocali musicalizzate nella loro infinita varietà diventano la base della presentazione vocale. Dopo aver creato il dramma popolare sociale e realistico Boris Godunov, Mussorgsky si è allontanato per qualche tempo dalle grandi trame (anni '70, il periodo delle "riforme"), così che in seguito si sarebbe nuovamente dedicato alla creatività operistica con entusiasmo e passione. I suoi piani sono grandiosi: inizia a lavorare contemporaneamente al dramma musicale storico "Khovanshchina" e all'opera comica basata sulla storia di Gogol "Sorochinsky Fair"; allo stesso tempo, stava maturando la decisione di scrivere un'opera basata su una trama dell'era della rivolta di Pugachev - "Pugachevshchina" basata sulla storia di Pushkin "La figlia del capitano". Quest'opera avrebbe dovuto essere inclusa nella trilogia di opere storiche che coprivano le insurrezioni popolari spontanee della Russia nei secoli XVII-XVIII. Tuttavia, l'opera rivoluzionaria "Pugachevshchina" non è mai stata scritta. Mussorgsky ha lavorato a "Khovanshchina" e "Sorochinsky Fair" quasi fino alla fine dei suoi giorni, non terminando completamente entrambe le opere, che successivamente hanno avuto molte edizioni; qui, parlando delle forme di presentazione vocale e strumentale nel processo della loro formazione, vorrei ricordare ancora una volta che in "Matrimonio" alla ricerca della "verità nei suoni" (Dargomyzhsky), Mussorgsky abbandonò completamente i numeri e gli ensemble finiti. Nelle opere "Boris Godunov" e "Khovanshchina" troviamo tutti i tipi di numeri d'opera. La loro struttura è diversa: da tre parti (l'aria di Shaklovity) a enormi scene recitative libere (il monologo di Boris nella scena con i rintocchi). In ciascun nuova opera Mussorgsky usa sempre più spesso ensemble e cori. In "Khovanshchina", scritto dopo "Boris Godunov", ci sono quattordici cori, che hanno dato motivo al comitato teatrale di chiamarlo "opera corale". È vero, nelle opere di Mussorgsky ci sono relativamente poche arie complete e incomparabilmente più ariose, cioè caratteristiche musicali piccole e profondamente emotive dei personaggi. Grande importanza acquistano l'aria-storia e le forme vocali quotidiane, organicamente connesse con la drammaturgia dell'insieme, così come i monologhi, dove il testo verbale determina e dirige la struttura musicale. L'apice e il risultato della ricerca in quest'area è stata la parte di Martha dell'opera "Khovanshchina". Fu in questa festa che il compositore raggiunse la "massima sintesi" dell'espressività del discorso con una melodia genuina. Nelle opere di Mussorgsky, il ruolo dell'orchestra è molto importante. Nelle introduzioni strumentali e nelle scene indipendenti, l'orchestra spesso non solo "finisce", ma rivela anche lo stato d'animo e il contenuto principali dell'azione, e talvolta l'idea dell'intera opera. L'orchestra suona caratteristiche musicali costanti o cosiddetti leitmotiv, che svolgono un ruolo cruciale nelle opere di Mussorgsky. Leitmotiv e leittem sono interpretati dal compositore in modi diversi: a volte materiale musicale completamente identico appare in situazioni diverse corrispondenti agli eventi della trama; in altri casi tema musicale, cambiando gradualmente il suo aspetto, rivela gli aspetti interiori e spirituali di una particolare immagine. Trasformandosi, però, il tema conserva sempre i suoi contorni di fondo. Nel tentativo di ottenere la massima vitalità e veridicità nei ritratti di singoli personaggi, così come nelle scene di folla di genere, Mussorgsky fa anche ampio uso di autentiche melodie popolari nei suoi drammi musicali. In "Boris Godunov" il coro della seconda foto del prologo "Già come la gloria del sole rosso nel cielo", la canzone di Varlaam "How yong rides" dal primo atto, cori nella scena vicino a Kromy - "Not a il falco vola", "Il sole, la luna sbiadita"; il testo popolare divenne la base della canzone di Shynkarka e del coro "Dispersed, cleared up", e nella sua parte centrale fu usata la canzone popolare "Suona, le mie cornamuse". In "Khovanshchina", oltre a diversi inni della chiesa, che costituivano la base dei cori scismatici (il secondo e il terzo atto, i cori "Vittoria, vergogna"), è stato scritto un coro di persone aliene (dietro le quinte) melodie popolari "C'era una volta un padrino" dal primo atto, la canzone "A Baby Came Out" di Martha, ritornelli ("Near the River", "Sat Late in the Evening", "Floats, Swims a Swan") da il quarto atto. Il folklore ucraino è ampiamente rappresentato nella "Fiera Sorochinsky": nel secondo atto - la canzone di Kuma "Lungo le steppe, lungo quelle libere", il tema del duetto "Doo-doo, ru-doo-doo", la canzone di Khivri " Trampled the Stitch" e la sua canzone su Brudeus; nella seconda scena del terzo atto - una vera canzone da ballo popolare di Parasi "Green Periwinkle" e la canzone del matrimonio "On the Bank at the Headquarters", che divenne il materiale musicale principale dell'intera scena finale dell'opera. L'orchestra di Mussorgsky è basata su gruppo di stringhe. L'uso di strumenti solisti nell'opera "Boris Godunov"* è limitato. Gli ottoni sono introdotti dal compositore con grande cura. L'uso di qualsiasi tecnica coloristica nelle partiture di Mussorgsky è raro, di regola, in casi speciali. Così, ad esempio, solo una volta nella scena del suono della campana il compositore colora la partitura introducendo il pianoforte (a quattro mani). Anche l'apparizione di un'arpa e di un corno inglese nella scena d'amore alla fontana ("Boris Godunov") dovrebbe essere attribuita a uno speciale dispositivo coloristico. Lo studio dell'opera operistica di Mussorgsky - la sua maestria nel trasferire scene popolari di massa, discorsi musicali e linguaggio armonico - permette di sentire la vicinanza della drammaturgia del compositore alla nostra epoca. L'opera di Mussorgsky non è solo un passato storico; i temi di oggi vivono nei suoi scritti. Le visioni estetiche di Mussorgsky sono indissolubilmente legate al fiorire dell'identità nazionale nell'era degli anni '60. XIX secolo e negli anni '70. - con correnti del pensiero russo come il populismo, ecc. Al centro del suo lavoro c'è il popolo come "una persona animata da un'unica idea", gli eventi più importanti della storia nazionale, in cui la volontà e il giudizio del popolo sono manifestato con grande forza. Nelle storie del passato domestico, cercava risposte alle domande contemporanee. Allo stesso tempo, Mussorgsky si è prefissato l'obiettivo di incarnare "le migliori caratteristiche della natura umana", la creazione di ritratti psicologici e musicali. Ha cercato uno stile originale, veramente nazionale, caratterizzato dalla dipendenza dall'arte contadina russa, dalla creazione di forme originali di dramma, melodia, guida vocale, armonia, ecc., corrispondenti allo spirito di quest'arte. Il linguaggio di Mussorgsky, il successore delle tradizioni di M.I.A.S. Dargomyzhsky, è segnato da una novità così radicale che molte delle sue scoperte furono accettate e sviluppate solo nel XX secolo. Tali, in particolare, sono la drammaturgia multidimensionale "polifonica" delle sue opere, le sue forme liberamente varianti, lontane dalle norme dei classici dell'Europa occidentale (comprese le sonate), così come la sua melodia - naturale, "creata parlando", cioè - crescendo dalle caratteristiche intonazioni del discorso russo, delle canzoni e assumendo una forma corrispondente alla struttura dei sentimenti di questo personaggio. Altrettanto individuale è il linguaggio armonico di Mussorgsky, dove elementi di funzionalità classica si combinano con i principi dell'armonia del canto popolare, con tecniche impressionistiche, con le conseguenze di sonorità espressionistiche.

Elenco delle principali opere

Opera "Boris Godunov" (1869, 2a edizione 1872)

Opera "Khovanshchina" (c.1873-1880, non completata). Sottotitolo: dramma musicale popolare. Tutta la musica è stata conservata nel clavicembalo, ad eccezione della fine del 2 ° atto (dopo l'osservazione di Shaklovity "E ordinato di essere trovato") e alcune parti del 5 ° atto (la scena di Martha e Andrey Khovansky non è armonizzata ", " Martha's Love Funeral" è perduto e, probabilmente, la scena finale dell'autoimmolazione degli scismatici). Nella partitura sono stati conservati due frammenti del 3° atto (il coro degli arcieri e il canto di Marta). Editori: N. A. Rimsky-Korsakov (1883), B.V. Asafiev (1931), D. D. Shostakovich (1958). Edizione critica del clavicembalo: P.A. Lam (1932).

Opera “Matrimonio. Un evento assolutamente incredibile in tre atti ”(1868, non finito). Sottotitolo: Esperienza di musica drammatica in prosa. Basato sul testo dell'omonima commedia di N.V. Gogol. Dedicato a V. V. Stasov. L'atto I nel clavicembalo è stato conservato. Curatori: M. M. Ippolitova-Ivanov (1931), G. N. Rozhdestvensky (1985). Edizioni: 1908 (partitura per pianoforte, a cura di N. A. Rimsky-Korsakov), 1933 (edizione dell'autore).

Opera "Sorochinsky Fair" (1874-1880, non completata). Basato sull'omonima storia di N.V. Gogol. Dediche: "Dumka Parasi" - E. A. Miloradovich, "Song of Khivri" - A. N. Molas. Nel 1886, nell'edizione dell'autore, furono pubblicati "Song of Khivri", "Dumka Parasi" e "Hopak of allegre coppie". Editori: Ts. A. Cui (1917), V. Ya. Shebalin (1931).

Opera "Salambo" (1863-1866, non completata). Sottotitolo: Basato sul romanzo di G. Flaubert "Salambo", con l'introduzione di poesie di V. A. Zhukovsky, A. N. Maikov, A. I. Polezhaev. L'opera doveva avere quattro atti (sette scene). Nel clavicembalo sono scritti: “Il Canto delle Baleari” (1° atto, 1° scena). Scena nel tempio di Tanita a Cartagine (2° atto, 2° quadro), Scena davanti al tempio di Moloch (3° atto, 1° quadro), Scena nelle segrete dell'Acropoli. Sotterraneo nella roccia. Mato in catene (4° atto, 1° scena), Coro femminile(Le sacerdotesse consolano Salammbô e la vestono con abiti nuziali) (4° atto, 2° scena), ed.: 1884 (partitura e clavicembalo del Coro femminile dalla 2° scena del 4° atto, a cura e arrangiata di N. A. Rimsky- Korsakov), 1939 (a cura di). A cura di Zoltan Peszko (1979)

Per voce e pianoforte: Giovani anni. Raccolta di romanzi e canzoni (1857-1866). Bambini. Episodi della vita di un bambino. Ciclo vocale alle parole del compositore (1870) Con la tata (1868; dedicato al "grande maestro della verità musicale A.S. Dargomyzhsky"; titolo variante: Bambino). "Senza sole" Ciclo vocale su versi di A. A. Golenishchev-Kutuzov (1874). Canti e danze di morte. Ciclo vocale su versi di A. A. Golenishchev-Kutuzov (1877). Arrangiamenti di numeri vocali dalle opere Marriage, Boris Godunov, Sorochinskaya Fair, Khovanshchina per voce e pianoforte

Canzoni e romanzi incompiuti: Montagna di ortiche. Inedita (parole di Mussorgsky; titolo variante: Tra cielo e terra) Grave letter (parole di Mussorgsky; titolo variante: "Evil Fate", "Evil Death"; sulla morte di N.P. Opochinina). Ora eseguito in ed. VG Karatigina

Per pianoforte: Pictures at an Exhibition, un ciclo di opere teatrali (1874); orchestrato da vari compositori, tra cui Maurice Ravel, Sergei Gorchakov (1955), Lawrence Leonard, Keith Emerson e altri Polka "Ensign" (1852). Intermezzo. Dedicato A. Borodin (1861). "Ricordi di Beltov e Lyuba" estemporanei (1865). La tata ed io. Dai ricordi dell'infanzia (1865). Scherzo "Sarte" (1871), ecc.

Per orchestra e coro: Marcia di Shamil, per quattro parti coro maschile e solisti (tenore e basso) con orchestra (1859). Dedicato A. Arseniev. Notte sul Monte Calvo ("La notte di Ivan sul Monte Calvo") (1867), quadro sinfonico; ed .: 1886 (a cura di N. A. Rimsky-Korsakov). Intermezzo in modo classico (per orchestra, 1867). Dedicato Alexander Porfiryevich Borodin; ed. 1883 (a cura di N. A. Rimsky-Korsakov). Cattura di Kars. Marcia solenne per grande orchestra (1880); ed .: 1883 (curato e arrangiato da N. A. Rimsky-Korsakov). Scherzo B-dur per orchestra; cit.: 1858; dedicato a: A. S. Gussakovsky; ed.: 1860. Joshua Nun, per solisti, coro e pianoforte (1866; 1877, seconda edizione a Nadezhda Nikolaevna Rimskaya-Korsakova; 1883, edizione curata e arrangiata da N. A. Rimsky-Korsakov). La sconfitta di Sennacherib, per coro e orchestra alle parole di J. G. Byron da "Jewish Melodies" (1867; 1874 - seconda edizione, con poscritto di Mussorgsky "Seconda presentazione, migliorata secondo i commenti di Vladimir Vasilyevich Stasov"; 1871 - edizione, per coro con pianoforte). Alla marcia notturna. Piccola marcia per orchestra (nella natura della processione notturna) (1861).

Composizioni non sopravvissute e/o perdute: Tempesta sul Mar Nero. Grande quadro musicale per pianoforte. Vocali per tre voci femminili: Andante cantabile, Largo, Andante giusto (1880). Sonata in do maggiore per pianoforte. a 4 mani (1861).

Creatività vocale da camera di M.P. Mussorgsky

La miniatura vocale prende luogo significativo nell'opera del compositore. Mussorgsky sviluppa le tradizioni dei suoi predecessori, di cui Dargomyzhsky è il più vicino a lui.

I. Le fonti primarie letterarie di romanzi e canzoni sono associate ai nomi di Nekrasov e Golenishchev-Kutuzov (i cicli "Senza il sole" e "Canti e danze della morte" sono stati creati sui suoi testi), che Mussorgsky scopre per la musica russa . Inoltre, Mussorgsky creava spesso i propri testi (il ciclo "Bambini"). Era un bravo stilista e sapeva ricreare il tipo di discorso della persona di cui aveva bisogno.

II. Il linguaggio musicale è associato a diverse impostazioni:

1. Il principio di generalizzazione attraverso il genere. Questo principio si basa sul fatto che ogni genere in sé porta un certo carico semantico. Il compositore ricorre a un certo genere per rivelare attraverso di esso il significato della composizione.

2. Lettura paradossale del genere (“Songs and Dances of Death”).

3. Recitativo caratteristico. Mussorgsky sviluppa l'approccio di Dargomyzhsky, cercando la massima fusione di musica e parole. Il caratteristico recitativo incarna l'immagine di una persona appartenente a una certa classe sociale in una specifica situazione di vita e stato emotivo. Interessante a questo proposito il ciclo "Children's", dove vengono riprodotti il ​​​​comportamento e il linguaggio del bambino in varie situazioni. Mussorgsky riesce a cogliere la differenza tra il discorso dei bambini e quello degli adulti nella musica.

4. Molto significativo è il ruolo della parte del pianoforte, che va oltre l'ambito dell'accompagnamento, poiché porta un grave carico semantico.

III. Temi di romanzi e canzoni.

1. Il tema lirico è apparso nel primo periodo della creatività. È rivelato più chiaramente nel ciclo "Young Years";

2. Il richiamo al tema sociale caratterizza il periodo maturo dell'opera di Musorgskij. Questo tema è rivelato in vari ritratti caratteristici:

a) le immagini dei contadini sono incarnate con profondo psicologismo, simpatia e compassione. Questo gruppo di canzoni include "Lullaby to Eremushka", "Kalistrat", "Trepak" dal ciclo "Songs and Dances of Death";

b) le immagini dei santi sciocchi compaiono per la prima volta nella musica russa con Mussorgsky (controparti occidentali - Rigoletto, Quasimodo). Un esempio di tale immagine nella miniatura vocale di Mussorgsky è Svetik Savishna;

c) immagini del clero - "Seminarista";

d) immagini dell'infanzia. Il mondo dell'infanzia si rivela su due piani: come un mondo luminoso di spontaneità, sincerità ("birichino" dal ciclo "Children's"). Un altro "piano" è l'infanzia, oscurata da fatiche e preoccupazioni: "The Orphan", "Lullaby" da "Songs and Dances of Death";

e) immagini satiriche - "Rayok", "Capra".

3. Il tema della guerra in Mussorgsky è segnato da un insolito pathos tragico, sebbene non ci siano così tante opere che lo rivelano. Esempi sono la ballata "Forgotten", "Commander" da "Songs and Dances of Death".

4. Il tema della morte in Mussorgsky è risolto con particolare tragedia. A lei è dedicato un ciclo vocale separato: "Songs and Dances of Death". Il piano iniziale del ciclo comprendeva 12 opere, ma ne furono create 3: il compositore diede loro il titolo "Lei". Quindi il "Comandante" è stato acceso.

Il genere della "Danza della morte" si è sviluppato nella pittura medievale. Gli affreschi di questo genere raffiguravano una danza circolare della morte con persone di vari ceti e classi, o la morte che sorpassava le persone in vari momenti, spesso luminosi e gioiosi della loro vita: a caccia, a una festa. Momenti particolarmente significativi nel contenuto di queste opere sono il contrasto tra vita e morte, la presenza costante della morte (una persona può morire in qualsiasi momento), l'uguaglianza delle persone di fronte alla morte (potere, ricchezza, fortuna non possono salvare da Esso). In una certa misura, Mussorgsky segue questa tradizione, poiché ogni opera del ciclo corrisponde a un certo genere e rivela una specifica situazione di vita. Generi del ciclo - "Lullaby", "Serenade", "Trepak", marcia - "Commander".

Allo stesso tempo, nel ciclo compaiono caratteristiche di teatralizzazione. Ogni opera si apre con un'introduzione che introduce l'azione nell'ambientazione.

"Ninna nanna"- un dialogo tra la madre di un bambino morente e la morte. Le osservazioni della madre diventano sempre più intense man mano che si sviluppano, il tema della morte è invariato (l'analogo è il "Re della foresta" di Schubert).

"Serenata"- cavalleresco, non lirico: la morte appare a una ragazza morente sotto forma di cavaliere.

"Trepak"- congelamento contadino ubriaco. Utilizza la tecnica della rappresentazione del suono: l'immagine di una bufera di neve. La canzone è composta da due sezioni contrastanti: un monologo di morte nello spirito di un trepak "Ah, un vecchio, un miserabile ometto" e l'immagine di un sogno di morte paradossalmente felice. La morte si rivela qui come liberatrice dalle difficoltà della vita.

"Comandante"è il culmine dell'intero ciclo. Quest'opera è la più grande e complessa nel design di tutte e 4, si compone di diverse sezioni: I - introduttiva, che disegna un'immagine della battaglia; II - l'apparizione della morte "allora, illuminata dalla luna"; III - monologo della morte "La battaglia è finita"; IV - danza della morte "Danza della terra pesante e umida" - questo ultima sezioneè il risultato semantico dell'intero ciclo.

Quasi nessuno dei classici russi può essere paragonato a M.P. Mussorgsky, brillante compositore autodidatta, per originalità, audacia e originalità dei modi di incarnare idee che per molti aspetti hanno anticipato l'arte musicale del XX secolo.

Anche tra persone che la pensano allo stesso modo, si è distinto per il suo coraggio, l'aspirazione e la coerenza nel sostenere gli ideali.

Il lavoro vocale di Mussorgsky

La musica vocale occupa un posto decisivo nel patrimonio creativo del compositore. Nella raccolta "Young Years" (anni '50-'60) continua a sviluppare la linea di A. Dargomyzhsky con tendenza ad intensificarsi. La raccolta segnò l'inizio della maturità creativa del compositore e determinò la gamma di immagini e stati d'animo (ad eccezione di quelli satirici, che appariranno in seguito); le immagini giocano un ruolo importante vita contadina, l'incarnazione dei personaggi dei personaggi-rappresentanti del popolo. Non è un caso che i romanzi sulle parole di N. Nekrasov ("Calistrat", "Lullaby to Eremushka") siano considerati il ​​\u200b\u200bculmine della raccolta.

MP Musorgskij

Entro la fine degli anni '60. le opere del compositore sono piene immagini satiriche(un'intera galleria di satire è incarnata in "Raik"). Sull'orlo dei periodi maturo e tardo, il ciclo "Children's" appare su un proprio testo, che è una serie di schizzi psicologici (il mondo attraverso gli occhi di un bambino).

Successivamente, il lavoro di Mussorgsky è segnato dai cicli "Songs and Dances of Death", "Without the Sun", la ballata "Forgotten".

Le opere vocali di Modest Petrovich nel loro insieme coprono la seguente gamma di stati d'animo:

• Testi, presente nelle prime composizioni e successivamente dipinto con toni sempre più tragici. Il culmine lirico-tragico di questa linea è il ciclo vocale Senza il sole (1874);

• una linea di "quadri popolari", schizzi, scene di vita contadina("Kalistrat", "Lullaby to Eremushka", "Orphan", "Flower Savishna"), portando a vette come la ballata "Forgotten" e "Trepak" dal ciclo "Songs and Dances of Death";
• linea di satira sociale(romanzi degli anni 60-70: "Seminarian", "Classic", "Goat" ("Secular Fairy Tale"), culminati in "Rayok").

Un gruppo separato di opere che non appartengono a nessuna delle precedenti sono il ciclo vocale "Children's" (1872) e "Songs and Dances of Death" (ad eccezione di "Trepak").

Sviluppandosi dai testi attraverso inizi quotidiani, schizzi satirici o sociali, la musica vocale del compositore Mussorgsky è sempre più piena di stati d'animo tragici, che diventano quasi determinanti nel suo lavoro successivo, incarnati per intero nella ballata "Forgotten" e "Songs and Dances of Morte". A volte di più, a volte meno distintamente, ma il tema tragico suonava prima - già in "Calistrat" ​​​​e "Lullaby Yeryomushka" si avverte un'angoscia acutamente drammatica.

Ripensa l'essenza semantica della ninna nanna, conservando solo le caratteristiche esteriori del genere. Quindi, sia "Kalistrat" ​​​​che "Lullaby to Eremushka"

(che Pisarev chiamava "una vile ninna nanna")

- non solo cullare; è un sogno di felicità per un bambino. Tuttavia, acuto tema sonoro l'incompatibilità tra realtà e sogno trasforma la ninna nanna in lamento (il culmine di questo tema sarà presentato dal ciclo “Canti e danze della morte”).

Si osserva una peculiare continuazione del tema tragico

• v « Orphan" (un bambino piccolo che chiede l'elemosina),
• « Svetik Savishna" (il dolore e il dolore del santo stolto respinto dalla moglie del mercante - l'immagine più pienamente incarnata nel santo stolto dell'opera "Boris Godunov").

Uno dei picchi tragici della musica di Mussorgsky è la ballata "Forgotten" - un'opera che ha unito i talenti di Vereshchagin (nella serie contro la guerra che ha scritto, coronata da "The Apotheosis of War", c'è un dipinto "Forgotten", che ha costituito la base per l'idea della ballata), Golenishchev-Kutuzov (testo) . L'Autore introduce nella musica anche l'immagine della famiglia di un soldato, utilizzando l'accostamento contrastante delle immagini: il massimo grado di tragicità si ottiene giustapponendo, sullo sfondo di una ninna nanna, le promesse di una madre che culla il figlio e parla del imminente ritorno del padre, e la frase finale:

"E quello è dimenticato - uno mente."

Il ciclo vocale "Songs and Dances of Death" (1875) - climax creatività vocale Musorgskij.

Storicamente nell'arte della musica immagine della morte, in agguato e prendendo vita spesso nei momenti più impensati, si esprimeva in due principali ipotesi:

• staticità morta, rigidità (durante il Medioevo, la sequenza Dies irae divenne un tale simbolo);

• l'immagine della morte nella Danza macabra (danza della morte) - tradizione proveniente dalle sarabande spagnole, dove il funerale si svolgeva in movimento, solenne danza funebre; si riflette nel lavoro di Berlioz, Liszt, Saint-Saens, ecc.

L'innovazione di Mussorgsky in relazione all'incarnazione di questo tema sta nel fatto che la Morte ora non solo "balla", ma canta anche.

Il ciclo vocale su larga scala è composto da 4 romanzi, in ognuno dei quali la morte attende la vittima:

• 1 ora "Ninna Nanna". La morte canta una ninna nanna sul letto del bambino;

• 2 ore "Serenata". Assumendo la forma di un cavaliere errante, la Morte canta una serenata sotto la finestra di una ragazza morente;
• 3 ore "Trepak". Il contadino si congela nella bufera di neve, gelida steppa, e la Morte gli canta la sua canzone, promettendo luce, gioia e ricchezza;
• 4 ore "Comandante". Un gran finale in cui la Morte appare sul campo di battaglia come generale, rivolgendosi ai caduti.

L'essenza ideologica del ciclo è una protesta e una lotta contro l'onnipotenza della morte per smascherare le sue bugie, che è enfatizzata dalla "falsità", insincerità nell'uso di ciascuno dei generi quotidiani che sono alla base delle sue parti.

Linguaggio musicale di M.P. Mussorgsky

Base di intonazione recitativa e parte pianistica magistralmente disegnata opere vocali il compositore si realizza attraverso forme, spesso contrassegnate da segni dello stile di un singolo autore.

Creatività operistica

Proprio come la musica vocale, genere operistico Mussorgsky rivela vividamente l'originalità e il potere del talento del compositore, così come le sue visioni avanzate, le sue aspirazioni ideologiche ed estetiche.

3 opere sono completate nel patrimonio creativo

"Boris Godunov", "Khovanshchina", "Fiera Sorochinsky";

rimasto irrealizzato

"Salambo" (trama storica),

"Matrimonio" (c'è 1 azione),

una serie di piani che non sono stati realizzati affatto.

Il momento unificante per le opere (ad eccezione di The Marriage) è la presenza immagini popolari come fondamentale, e vengono utilizzati:

• v piano generale come immagine collettiva del popolo, il popolo come unico eroe;

• rappresentazione individualizzata di singoli eroi-rappresentanti del popolo.

Era importante per il compositore rivolgersi a storie popolari. Se l'idea di "Salambo" era la storia dello scontro tra Cartagine e Roma, allora in altre opere non è preoccupato storia antica, ma - Rus' nei momenti dei più alti sconvolgimenti, nel periodo più travagliato della sua storia ("Boris Godunov", "Khovanshchina").

L'opera pianistica di Musorgskij

L'opera pianistica di questo compositore è rappresentata dall'unico ciclo "Pictures at an Exhibition" (1874), che, tuttavia, è entrato nella storia della musica come un'opera brillante ed eccezionale del pianismo russo. L'idea si basa sulle opere di V. Hartmann, alla sua memoria è dedicato un ciclo composto da 10 opere teatrali ( « Nano", " vecchia serratura”,“ Parco delle Tuileries ”,“ Bestiame ”,“ Balletto dei pulcini non schiusi ”,“ Due ebrei ”,“ Mercato di Limoges ”,“ Catacombe ”,“ Baba Yaga ”,“ Golden Gate ”o“ Heroic Gate ”), periodicamente alternati con un tema speciale: "Walk". Da un lato, raffigura lo stesso compositore mentre percorre la galleria delle opere di Hartmann; dall'altro incarna il principio nazionale russo.

L'originalità di genere del ciclo, da un lato, rimanda a una tipica suite di programma, dall'altro alla forma rondale, dove la “Passeggiata” funge da ritornello. E tenendo conto del fatto che il tema di "Walks" non viene mai ripetuto esattamente, compaiono le caratteristiche della variazione.

Oltretutto, « Pictures at an Exhibition" incorporano le possibilità espressive del pianoforte:

• coloristico, grazie al quale si ottiene il suono "orchestrale";
• virtuosismo;
• nella musica del ciclo è palpabile l'influenza dello stile vocale del compositore (sia cantabilità che recitatività e declamazione).

Tutte queste caratteristiche fanno di Quadri di una mostra un'opera unica nella storia della musica.

Musica sinfonica di M.P. Mussorgsky

Un'opera indicativa nel campo della creatività sinfonica è Ivan's Night on Bald Mountain (1867), un sabba delle streghe che continua la tradizione di Berlioz. Il significato storico dell'opera risiede nel fatto che è uno dei primi esempi di fantasia malvagia nella musica russa.

Orchestrazione

L'innovazione di MP Mussorgsky come compositore nel suo approccio alla parte orchestrale non è stata immediatamente compresa: la scoperta di nuovi orizzonti è stata percepita da un certo numero di contemporanei come impotenza.

Il principio principale per lui era raggiungere la massima espressione nell'espressione con un uso minimo di mezzi orchestrali, ad es. la sua orchestrazione assume la natura di una voce.

L'essenza dell'approccio innovativo all'uso di mezzi musicali ed espressivi, il musicista ha formulato qualcosa del genere:

"... creare forme espressive di discorso e, sulla base di esse, nuove forme musicali".

Se confrontiamo Mussorgsky e i grandi classici russi, nel cui lavoro l'immagine del popolo è una delle principali, allora:

• a differenza di Glinka, che è caratterizzato da un metodo di visualizzazione del ritratto, per Modest Petrovich la cosa principale è l'esposizione di immagini popolari in fase di sviluppo, in formazione;
• Mussorgsky, a differenza di Glinka, distingue i singoli personaggi che rappresentano le persone dalle masse. Inoltre, ognuno di loro funge da portatore di un certo simbolo (ad esempio, Pimen di Boris Godunov non è solo un saggio, ma la personificazione della storia stessa).

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Modesto Petrovich Musorgskij(1839-1981) - Compositore russo di importanza mondiale, in anticipo sui tempi. Un innovatore la cui eredità è diventata una fonte di idee nell'arte del XX secolo, un riformatore dell'arte europea (insieme a Goya, Schumann, Gogol, Berlioz, Flaubert, Dostoevskij). Un vero artista russo per la grandezza della sua anima, per il quale la musica non era una professione, ma uno scopo di vita. Aveva un talento artistico e un'intuizione unici. Esclusivamente uomo destino difficile e carattere, spiritualmente ricco e versatile negli interessi (storia, filosofia, letteratura), Mussorgsky fu un eccellente scrittore, autore delle sue canzoni e dei suoi libretti, cantante e pianista. Le opinioni estetiche del compositore sono caratterizzate da indipendenza e originalità dei giudizi, convinzione nelle loro opinioni sull'arte. I suoi idoli musicali erano Palestrina, Bach, Beethoven, Liszt, Berlioz. Mussorgsky è un romantico russo, un uomo dell'“era Schumann”: seguendo Glinka, Gogol, Dargomyzhsky, Dostoevskij, Repin, ha vissuto la frontiera classico-romantica come prova della spiritualità russa e come ascetismo personale. D'altra parte, Mussorgsky è un russo pittore realista, uomo del tempo della riscoperta pubblica. Le sue opinioni si sono formate sotto l'influenza di idee socialmente accusatorie del populismo. Mussorgsky vedeva nella musica una conversazione vivace e diretta con le persone: le frasi musicali sono costruite secondo le leggi dell'espressività dell'intonazione del discorso. Si considerava fuori dai circoli e dalle scuole, dentro l'anno scorso si è dissociato dal "Mighty Handful", ha dichiarato l'isolamento della sua musica e delle sue opinioni sull'arte. Primo fra i musicisti ad attirare l'attenzione sull'incomprensibile complessità della natura umana e della psiche, fu maestro della tragedia e del grottesco e psicologo-drammaturgo d'opera.

Nato nel villaggio di Karevo, provincia di Pskov, nella famiglia di un proprietario terriero, rappresentante della famiglia Rurik. Ha studiato pianoforte con la madre, all'età di 9 anni ha eseguito il concerto di Field. Nel 1849 entrò alla Scuola Pietro e Paolo a San Pietroburgo e nel 1852 alla Scuola delle guardie alfieri. Presto fu pubblicata la prima opera di Mussorgsky, la polka per pianoforte Ensign. Per diversi anni ha preso lezioni di pianoforte da A. Gerke. Nel 1856 iniziò a scrivere un'opera basata sulla storia di Hugo. Nello stesso anno entrò nel reggimento delle guardie Preobrazenskij. Nel 1857 incontrò A. Dargomyzhsky e Ts. Cui, e attraverso di loro con M. Balakirev e

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V. Stasov, divenne un membro del "Mighty Handful". Dopo nervoso e crisi spirituale ritiratosi dall'esercito, iniziò a dedicare il suo tempo alla composizione musicale. La musica di Mussorgsky iniziò ad apparire nei programmi di concerti pubblici. Nel 1863-1865. ha lavorato al libretto e alla musica dell'opera "Salambo" tratta dall'omonima novella di G. Flaubert. A quel tempo prestava servizio come funzionario in uno dei ministeri, ma nel 1867 fu espulso dal servizio. Nell'estate del 1867, Mussorgsky scrisse la sua prima opera significativa per orchestra, Una notte sul Monte Calvo. La successiva idea operistica di Mussorgsky fu "Matrimonio" basata sul testo della commedia di Gogol (rimasto incompiuto).

All'inizio del 1869, tornò al servizio pubblico, poté completare la versione iniziale dell'opera Boris Godunov sul proprio libretto basato su Pushkin e N. Karamzin, e poi iniziò a preparare la sua nuova versione. Nel 1872 l'opera fu nuovamente respinta, ma alcuni estratti iniziarono ad essere eseguiti pubblicamente e il clavicembalo fu pubblicato dalla casa editrice V. Bessel. Alla fine, il Teatro Mariinsky ha accettato l'opera per la produzione. La prima di Boris Godunov fu un grande successo (1874).

Nel 1870, Mussorgsky completò il ciclo vocale "Children's" con le sue stesse parole, e due anni dopo iniziò a lavorare alla sua seconda opera storica "Khovanshchina" (dramma musicale popolare). Durante gli anni '70 dell'Ottocento Mussorgsky ha composto i cicli vocali "Without the Sun" e "Songs and Dances of Death" (su poesie del poeta A. Golenishchev-Kutuzov) e il ciclo per pianoforte "Pictures at an Exhibition", ispirato ai disegni di V. Hartmann. Allo stesso tempo, si interessò all'idea di creare l'opera comica "Sorochinsky Fair" basata su Gogol. Nel 1878 fece un viaggio nel sud della Russia come accompagnatore della cantante Daria Leonova, compose "Mephistopheles' Song about a Flea". Nel 1881 fu ricoverato in ospedale, dove morì.

Arte vocale da camera. La fine del 1865, l'intero 1866, il 1867 e parte del 1868 sono considerati il ​​\u200b\u200bperiodo di creazione di un'intera serie di romanzi, che sono tra le opere più perfette di Mussorgsky. I suoi romanzi erano per lo più monologhi, che lo stesso compositore ha sottolineato (ad esempio, il romanzo "Le foglie frusciavano tristemente" ha il sottotitolo " racconto musicale"). Il genere preferito di Mussorgsky era la ninna nanna. Lo usava molto spesso: dalla “Lullaby to the Doll” del ciclo “Children's” alla tragica ninna nanna in “Songs and Dances of Death”. In queste canzoni c'erano affetto e tenerezza, umorismo e tragedia, tristi presentimenti e disperazione.

Nel maggio 1864, i compositori crearono un'opera vocale dalla vita popolare - "Calistrat" ​​​​alle parole di Nekrasov. Nel tono dell'intera narrazione di "Calistratus" si può rintracciare un sorriso, un aspro umorismo popolare, ma in misura maggiore il significato dell'opera è tragico, perché questa è una parabola-canzone sulla sorte triste e senza speranza dei poveri .

Nel 1866-1868, Modest Petrovich creò diverse immagini popolari vocali: "The Orphan", "Seminarian", "Pick Mushrooms" e "Mischievous". Sono un'immagine speculare delle poesie di Nekrasov e

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dipinti dei Viandanti. Allo stesso tempo, il compositore si è cimentato nel genere satirico. Ha creato due canzoni: "Goat" e "Classic", che vanno oltre il solito tema delle opere musicali. Mussorgsky ha descritto la prima canzone come una "fiaba secolare", in cui viene toccato il tema del matrimonio ineguale. Nel "classico" la satira è diretta contro critico musicale Famintsyn, che era un ardente oppositore della nuova scuola russa.

Nella sua famosa storia d'amore "Rayok" Mussorgsky ha cercato di sviluppare gli stessi principi del "Classico", affilandoli ancora di più. Questa storia d'amore è un'imitazione di un teatro di marionette popolare con un imbonitore. Questo brano musicale mostra un intero gruppo di oppositori dell'associazione Mighty Handful.

La scena vocale "Seminarist" mostra un ragazzo di campagna sano e semplice che sta stipando parole latine noiose e completamente inutili, mentre gli vengono in mente i ricordi dell'avventura che ha appena vissuto. Durante il servizio in chiesa, ha fissato la figlia del prete, per la quale è stato picchiato dal padre. La commedia della composizione vocale sta nell'alternanza di un mormorio inespressivo su una nota con un picchiettio di parole latine prive di significato con un canto ampio, rude, ma non privo di audacia e forza, del seminarista sulla bellezza del prete Stesha e su il suo delinquente: il prete. In The Seminarist, Mussorgsky ha creato una parodia del canto della chiesa in accordo con la posizione sociale del suo eroe. Il canto lamentoso prolungato, combinato con un testo del tutto inappropriato, produce un'impressione comica. Il manoscritto de Il seminarista è stato stampato all'estero, ma la censura russa lo ha vietato, riferendosi al fatto che questa scena mostra oggetti sacri e relazioni sacre in modo divertente. Questo divieto fece infuriare terribilmente Musorgskij. In una lettera a Stasov, ha scritto: “Fino ad ora, i musicisti sono stati censurati; il divieto del "Seminarista" serve da argomento che dagli usignoli delle "cabine della foresta e ammiratori lunari" i musicisti diventano membri società umane, e se tutto di me fosse bandito, non smetterei di scalpellare una pietra finché non fossi esausto.

D'altra parte, il talento di Modest Petrovich si rivela nel ciclo "Children's". Le canzoni di questa raccolta sono canzoni sui bambini. In essi, il compositore si è dimostrato uno psicologo in grado di rivelare tutte le caratteristiche della percezione del mondo da parte di un bambino. Il musicologo Asafiev ha definito il contenuto e il significato di questo ciclo come "la formazione di una personalità riflessiva in un bambino". C'è anche un bambino che parla alla tata di un faggio fiaba, e il bambino che è stato messo in un angolo, e lui cerca di scaricare la colpa sul gattino, e il ragazzo che parla della sua capanna di ramoscelli in giardino, dell'insetto che gli è volato addosso, e la ragazza che mette la bambola a letto. Franz Liszt fu così felice di queste canzoni che desiderò immediatamente trascriverle per il pianoforte.

Nel ciclo vocale "Songs and Dances of Death", il compositore ricrea la realtà russa, che si rivela disastrosa per molti

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delle persone. In termini socialmente accusatori, il tema della morte è ben lungi dall'essere all'ordine del giorno. ultimo posto nell'arte russa dell'epoca: nei dipinti di Perov, Vereshchagin, Kramskoy, nelle poesie di Nekrasov "Frost, Red Nose", "Arina, the Soldier's Mother", ecc. Il ciclo vocale di Mussorgsky è in questa riga. In questo lavoro, Modest Petrovich ha utilizzato i generi di marcia, danza, ninna nanna e serenata, causati dal desiderio di sottolineare l'imprevista e l'assurdità dell'invasione dell'odiata morte. Mussorgsky, avendo riunito concetti infinitamente distanti, ha raggiunto un'estrema acutezza nella divulgazione dell'argomento

Il ciclo è composto da quattro canzoni, che sono arrangiate: secondo il principio della crescente dinamica della trama: "Lullaby", "Serenade", "Trepak", "Commander". L'azione cresce gradualmente, dall'accogliente e appartata ambientazione della stanza in "Lullaby" l'ascoltatore viene trasferito alla strada notturna di "Serenade", poi ai campi deserti di "Trepak" e, infine, al campo di battaglia in "The Commander" . L'opposizione della vita e della morte, la loro eterna lotta tra di loro: questa è la base drammatica dell'intero ciclo.

Lullaby raffigura una scena di profondo dolore e disperazione di una madre seduta accanto alla culla di un bambino morente. Con tutti i mezzi musicali, il compositore cerca di sottolineare l'ansia vivente della madre: e la calma morta della morte. Le frasi di morte suonano insinuanti, minacciosamente gentili. Alla fine della canzone, le frasi della madre iniziano a suonare sempre più disperate, e la morte ripete semplicemente il suo monotono "Ciao, ciao, ciao".

Nella seconda canzone, "Serenade", l'amore si oppone alla morte. L'introduzione non solo mostra il paesaggio, ma trasmette anche l'atmosfera emotivamente accesa della giovinezza e dell'amore. Si presumeva che il compositore mostrasse nella canzone la morte di una ragazza rivoluzionaria in prigione. Tuttavia, Mussorgsky ha colto il destino di molte donne e ragazze russe che sono morte inutilmente e inutilmente, non trovando applicazione per le loro forze nella vita quotidiana di quel tempo, che ha soffocato molte giovani vite.

"Trepak" non è più una canzone, ma una danza della morte, che balla insieme a un contadino ubriaco. Il tema della danza si sviluppa gradualmente in un quadro ampio e piuttosto diversificato. Il tema della danza suona o ingenuo o minaccioso e cupo. Il contrasto si basa sull'opposizione di danza e ninna nanna.

La canzone "The Commander" è stata scritta dal compositore molto più tardi delle altre, intorno al 1877. Il tema principale di questa canzone è la tragedia delle persone costrette a mandare i propri figli sui campi di guerra. Durante la composizione della canzone, nei Balcani si sono sviluppati tragici eventi militari che hanno attirato l'attenzione di tutti. L'introduzione alla canzone è scritta come una parte indipendente. All'inizio suona la triste melodia "Dio riposa con i santi", quindi la musica conduce l'ascoltatore al culmine della canzone e dell'intero ciclo vocale: la vittoriosa marcia della morte. Mussorgsky ha preso la melodia solennemente tragica per questa parte dall'inno rivoluzionario polacco "Con il fumo dei fuochi", che è stato eseguito durante la rivolta del 1863.

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Il ciclo vocale "Songs and Dances of Death" è l'apice delle aspirazioni realistiche del compositore. Nel XX secolo, il lavoro è stato orchestrato da D.D. Shostakovich.

Opera d'arte. Nel 1868 Modest Petrovich decise di scrivere un'opera sul tema del "Matrimonio" di Gogol. Il brillante lavoro di Gogol era molto vicino nello spirito al compositore. Mussorgsky concepì l'idea di mettere in musica l'intera opera, non poesia, ma prosa, e nessuno lo aveva fatto prima di lui.

Nel luglio 1868, il compositore completò l'Atto I dell'opera e iniziò a comporre l'Atto II. Ma non ha svolto questo lavoro a lungo, poiché è stato portato via dal tema di "Boris Godunov" di Pushkin, che uno dei suoi amici gli ha suggerito durante serata musicale presso L.I. Shestakova. Dopo aver letto il lavoro di Pushkin, Mussorgsky è rimasto affascinato dalla trama.

Iniziò a lavorare all'opera Boris Godunov nel settembre 1868 e il 14 novembre l'Atto I era già stato scritto per intero. Alla fine di novembre 1869 l'opera fu completata nella sua interezza. La velocità è incredibile, dato che il compositore ha composto non solo musica, ma anche testo. Nell'estate del 1870 Mussorgsky consegnò l'opera finita alla direzione dei teatri imperiali. La commissione ha considerato nella sua riunione questo lavoro e non l'ha accettato. La novità e l'insolita della musica hanno lasciato perplessi i venerabili rappresentanti del comitato musicale e artistico. Inoltre, hanno rimproverato all'autore l'assenza di ruolo femminile. La persistente persuasione di amici e un appassionato desiderio di vedere l'opera a Siena lo costrinsero ad assumersi la revisione della partitura dell'opera. Ha ampliato in modo abbastanza significativo la composizione complessiva aggiungendo scene separate. Ad esempio, ha composto la "scena sotto Kromy" e l'intero atto polacco.

Dopo lunghe prove, il 24 gennaio 1874 fu data l'intera opera "Boris Godunov". Questa performance è stata un vero trionfo per Mussorgsky. Nessuno è rimasto indifferente all'opera. La generazione più giovane si rallegrò e accettò l'opera con il botto. I critici iniziarono ad avvelenare il compositore, definendo la sua musica scortese e insapore, frettolosa e immatura. Tuttavia, molti hanno capito che era apparsa una grande opera, il cui eguale non era ancora stato.

Negli ultimi 5-6 anni della sua vita, Mussorgsky è stato affascinato dalla composizione di due opere contemporaneamente: "Khovanshchina" e " Fiera Sorochinskaya". La trama del primo di loro gli è stata suggerita da Stasov nel momento in cui l'opera "Boris Godunov" è stata messa in scena a teatro.

L'azione dell'opera "Khovanshchina" si svolge nell'era dell'intensa lotta delle forze sociali in Rus' in tardo XVII secolo, che fu l'era dei disordini popolari, delle rivolte violente, dei conflitti di palazzo e dei conflitti religiosi poco prima dell'inizio dell'attività di Pietro I. stato russo. Il materiale storico era così vasto da non rientrare nel quadro di una composizione operistica. Ripensando e selezionando la cosa principale, il compositore ha rielaborato più volte lo scenario e la musica dell'opera. Da molte cose, concepite in precedenza, doveva farlo Modest Petrovich

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rifiutare. Khovanshina è stata concepita come un'opera basata sulla storia russa. Mussorgsky ha studiato attentamente tutti i materiali che hanno contribuito a creare un'idea del personaggio personaggi storici. Poiché il compositore ha sempre avuto un desiderio speciale di caratterizzazione, ha spesso trasferito nel testo dell'opera frammenti di documenti storici autentici sotto forma di citazioni: da una lettera anonima con una denuncia dei Khovansky, da un'iscrizione su un pilastro eretto da arcieri in onore della loro vittoria, da uno statuto reale che concede misericordia agli arcieri pentiti.

In "Khovanshina" il compositore ha anticipato i temi di due eccezionali dipinti del pittore russo V. I. Surikov: "Morning of the Streltsy Execution" e "Boyar Morozova". Mussorgsky e Surikov hanno lavorato indipendentemente l'uno dall'altro, tanto più sorprendente è la coincidenza dell'interpretazione dell'argomento.

Gli arcieri sono mostrati in modo più completo nell'opera. L'originalità della loro immagine inizia chiaramente se confrontiamo due tipi di marcia (il secondo tipo è il Petrovtsy). Sagittario - questa è una canzone, audace, Petrovtsy - sonorità puramente strumentali di una banda di ottoni. Con tutta l'ampiezza dell'esposizione della vita popolare e della psicologia popolare, il popolo petrino è delineato nell'opera solo dall'esterno. L'ascoltatore li vede attraverso gli occhi delle persone, per le quali l'esercito di Peter rappresenta tutto ciò che è crudele, senza volto, che si intromette spietatamente nelle loro vite.

Un altro gruppo folk dell'opera è il popolo alieno di Mosca. L'apparizione di questa immagine collettiva è spiegata dal desiderio del compositore di mostrare gli eventi che si svolgono non solo dalla posizione di coloro che hanno svolto il ruolo principale nel soprannome, ma anche attraverso gli occhi di quella parte delle persone che giudicano questa lotta dal all'esterno, sebbene ne siano influenzati.

Un ruolo importante è svolto nell'opera da un altro gruppo sociale: gli scismatici. Agiscono come una forza spirituale speciale, che, essendo in un insolito ambientazione storica condannato alla morte fisica (autoimmolazione).

Nell'estate del 1873, Modest Petrovich suonò ai suoi amici brani del quinto atto dell'opera, senza fretta di metterli su carta da musica. Solo nel 1878 Mussorgsky compose la scena di Martha con Andrei Khovansky prima dell'autoimmolazione. Iniziò finalmente a formare l'opera nel 1880.

Il 22 agosto 1880, in una lettera a Stasov, Mussorgsky scrisse: "La nostra Khovanshchina è finita, ad eccezione di un piccolo pezzo nella scena finale dell'autoimmolazione".Ma questo piccolo pezzo è rimasto incompiuto.Dopo la morte del compositore, Rimsky-Korsakov, e successivamente Shostakovich, incarnarono a modo loro la partitura è un'idea di Mussorgsky.