일본 미술 - 역사 - 소개 - 일본을 즐겁게 - LiveJournal. 일본 미술의 주요 작품의 위대함의 비밀 일본 미술
일본 문화의 가장 큰 현상 중 하나인 다도(차노유)의 형성은 봉건 씨족 간의 피비린내 나는 전쟁과 불화가 사람들의 삶을 참을 수 없게 만들었던 나라에 매우 어렵고 어려운 시기에 일어났습니다. 다도는 선(禪)불교의 미학과 철학의 영향을 받아 생겨났고, 미(美)숭배로 절망의 분위기를 타파하고자 했다.
그 당시 군계급의 지배자들과 부유한 상인들은 정치적, 상업적 논의를 위해 모였으며 종종 차를 대접할 기회를 가졌습니다. 삶의 근심 걱정에서 벗어나 조용한 찻집에 앉아 화로에서 물 끓는 소리를 듣는 것은 세련된 즐거움으로 여겨졌습니다. 위대한 스승 센노리큐는 차를 마시는 것을 예술로 만들었습니다. 그가 그랬던 것처럼 다도의 예술을 발전시킬 수 있었던 것은 부분적으로 앞서 언급한 사회적 배경이 존재했기 때문입니다.
센노리큐가 지은 다실은 언뜻 보기에 매우 소박하고 심지어 너무 작아 보였다. 그러나 가장 세세한 부분까지 가독성이 좋아 가장 신중하게 계획되었습니다. 순백의 반투명 일본 종이로 덮인 미닫이 문으로 장식되었습니다. 천장은 대나무나 짚으로 마감했고, 벽의 개방감이 높게 평가됐다. 지지대는 대부분 목재로 천연 껍질을 유지했습니다. 다실의 디자인에 암자 같은 느낌을 주기 위해 쓸데없는 장식과 과도한 장식은 모두 버렸다.
오늘은 다도가 가장 특색있고, 독특한 예술. 그것은 수세기 동안 일본인의 정신적, 사회적 삶에서 중요한 역할을 해왔습니다. 시간이 지남에 따라 다도 의식이 정식화되었고 일련의 행동과 행동이 주어졌습니다. 이미 단순한 나무 문에 들어간 손님은 특별한 세계로 뛰어 들었고 모든 것을 평범하게 남겨두고 행동 법칙에만 순종하는 조용한 집중 상태였습니다.
고전적인 차노유는 엄격하게 짜여진 의례로서 다도인(차를 끓이고 따르는 사람)과 의식에 참여하는 다른 참가자들이 참여합니다. 본질적으로 다도인은 다도를 행하는 승려이고 나머지는 그와 함께하는 자들이다. 모든 사람은 앉을 때의 자세와 모든 움직임, 표정과 말투를 포함하여 고유한 행동 스타일을 가지고 있습니다.
차를 마시는 동안 현명한 연설을 하고, 시를 읽고, 예술 작품을 감상합니다. 꽃 부케와 음료를 양조하기 위한 특수 도구는 각 경우에 대해 특별한 주의를 기울여 선택됩니다.
분위기 자체는 구리 찻 주전자, 컵, 대나무 교반기, 차 보관함 등 놀랍도록 단순하고 겸손한 적절한 분위기를 조성합니다. D. Tanizaki는 이에 대해 다음과 같이 썼습니다. 우리는 은 제품도 사용하지만... 광택을 내기 위해 광택을 내지는 않습니다. 반대로, 우리는 이 광택이 물체의 표면에서 벗겨질 때, 처방의 손길을 얻을 때, 시간이 지남에 따라 어두워질 때 기뻐합니다. 다도에 사용되는 모든 물품은 세월의 흔적이 남아있지만 흠잡을 데 없이 깨끗합니다. 황혼, 침묵, 가장 단순한 주전자, 차를 붓는 나무 숟가락, 거친 세라믹 컵-이 모든 것이 존재하는 사람들을 매료시킵니다.
찻집 내부에서 가장 중요한 요소는 틈새 시장인 토코노마입니다. 그것은 일반적으로 그림이나 붓글씨 비문이 있는 두루마리와 꽃다발, 향이 있는 향로를 포함합니다. 도코노마는 입구 맞은편에 위치하여 즉시 손님들의 시선을 끈다. 도코나마 두루마리는 매우 신중하게 선택되며 의식 중에 없어서는 안 될 주제입니다. 그것은 선불교 스타일과 고풍스러운 서예로 쓰여졌기 때문에 쓰여진 것의 의미를 이해하고 이해할 수 있는 사람은 거의 없습니다. 예를 들어 "대나무는 녹색이고 꽃은 빨간색입니다." 또는 "물은 물이다." 참석 한 사람들은 겉으로는 단순하지만 동시에 철학적으로 매우 깊은 이러한 말의 의미를 설명합니다. 때때로 이러한 생각은 하이쿠의 시적 형태로 표현되고 때로는 "와비"의 원칙에 따라 일반적으로 옛 주인의 그림에 반영됩니다.
일본에는 다양한 형태의 다도가 있지만 나이트 티, 선라이즈 티, 모닝 티, 애프터눈 티, 이브닝 티, 스페셜 티 등 일부만 엄격하게 확립되어 있습니다.
나이트 티는 달과 함께 시작됩니다. 손님은 11시 30분경에 도착하여 새벽 4시경에 출발합니다. 일반적으로 손님 앞에서 준비되는 가루 차를 양조합니다. 잎은 정맥에서 제거되고 박격포에서 가루로 분쇄됩니다. 이 차는 매우 강하고 공복에는 제공되지 않습니다. 따라서 처음에는 손님에게 조금 다른 음식을 대접합니다. 차는 아침 3~4시경 해가 뜨면 마신다. 손님은 6시까지 같은 시간에 머문다. 더운 날씨에 모닝 티를 연습하고 손님은 아침 6시에 모입니다. 애프터눈 티는 보통 오후 1시경에 케이크와 함께 제공됩니다. 이브닝 티는 오후 6시경에 시작됩니다. 친구와의 만남, 명절, 계절의 변화 등 특별한 날에는 특별한 티 파티(rinjitya-noyu)가 마련됩니다.
일본인에 따르면 다도는 소박함, 자연스러움, 깔끔함을 불러일으킨다. 물론 이것은 사실이지만 다도에는 더 많은 것이 있습니다. 사람들에게 잘 정립 된 의식을 소개하고 엄격한 질서와 무조건적인 사회 규칙 이행에 익숙해집니다. 다도는 민족 정서 함양의 가장 중요한 토대 중 하나이다.
일본은 섬에 위치한 놀라운 동부 국가입니다. 일본의 또 다른 이름은 떠오르는 해의 나라입니다. 온화하고 따뜻하고 습한 기후, 화산 산맥 및 바닷물은 젊은 일본인이 자라는 웅장한 풍경을 만들어 주며 의심 할 여지없이이 작은 국가의 예술에 흔적을 남깁니다. 여기에서 사람들은 어릴 때부터 아름다움에 익숙해지고 신선한 꽃, 관상용 식물 및 호수가있는 작은 정원이 집의 속성입니다. 모두가 스스로 야생 동물을 조직하려고 노력하고 있습니다. 모든 동부 국적과 마찬가지로 일본인은 문명이 존재하는 수세기 동안 존경 받고 존경받는 자연과의 연결을 유지해 왔습니다.
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일본 건축
오랫동안일본은 폐쇄된 국가로 간주되어 중국과 한국과만 접촉할 수 있었습니다. 따라서 개발은 고유한 경로를 따라 진행되었습니다. 나중에 다양한 혁신이 섬의 영토에 침투하기 시작했을 때 일본인은 빠르게 적응하고 자신의 방식으로 다시 만들었습니다. 일본 건축 양식은 끊임없는 폭우로부터 자신을 보호할 수 있는 거대한 곡선 지붕이 있는 주택입니다. 진정한 예술 작품은 황궁정원과 파빌리온이 있습니다.
일본에서 발견되는 예배 장소 중 불교가 본토에서 일본으로 들어와 국교로 선포된 후기 역사에 나타난 오늘날까지 살아남은 목조 신토 사원, 불탑 및 불교 사원 단지를 구별할 수 있습니다. 아시다시피 목조 건물은 내구성이 약하고 취약하지만 일본에서는 건물을 원래 형태로 재건하는 것이 일반적이므로 화재 후에도 한 번에 지어진 형태로 재건됩니다.
일본의 조각
불교는 일본 예술의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 많은 작품들이 부처의 모습을 표현하고 있어 사찰에는 수많은 불상과 조각상이 만들어졌습니다. 그들은 금속, 나무 및 돌로 만들어졌습니다. 얼마 후 세속적 인 초상화 조각을 만들기 시작한 장인이 나타 났지만 시간이 지남에 따라 그 필요성이 사라져 건물 장식에 깊은 조각이있는 조각 부조가 점점 더 자주 사용되기 시작했습니다.
미니어처 netsuke 조각은 일본의 국가 예술 형식으로 간주됩니다. 처음에는 이러한 수치가 벨트에 부착된 키체인 역할을 했습니다. 당시 옷에는 주머니가 없었기 때문에 조각상마다 필요한 물건을 걸 수 있는 끈 구멍이 있었습니다. 세속적 인물, 신, 악마 또는 다양한 아이템특별한 옷을 입고 비밀의 의미, 예를 들어 가족의 행복을 기원합니다. Netsuke는 나무, 상아, 도자기 또는 금속으로 만들어집니다.
일본의 예술과 공예
예리한 무기 제조는 일본의 예술 수준으로 승격되어 사무라이 검 제조가 완성되었습니다. 검, 단검, 검 테두리, 전투 탄약의 요소는 일종의 남성 장신구 역할을하여 클래스에 속함을 나타내므로 만들어졌습니다. 숙련된 장인, 보석과 조각으로 장식되어 있습니다. 또한 일본의 민속 공예품 중에는 도자기, 칠기, 직조 및 목판 공예의 제조가 있습니다. 일본 도예가들은 전통 도자기에 다양한 문양과 유약을 칠합니다.
일본 회화
처음에 일본화는 서예 예술과 밀접하게 얽힌 흑백 유형의 그림이 지배했습니다. 둘 다 동일한 원칙에 따라 만들어졌습니다. 페인트, 잉크 및 종이를 만드는 기술은 본토에서 일본으로 왔습니다. 그 결과 시작된 새로운 라운드회화 예술의 발전. 당시 일본화의 한 종류는 부처의 삶의 장면을 묘사한 에마키노모의 긴 가로 두루마리였습니다. 일본의 풍경화는 훨씬 나중에 발전하기 시작했고 그 후부터 장면을 전문으로하는 예술가들이 등장했습니다. 세속적 삶, 초상화 및 군사 장면 쓰기.
일본에서는 주로 병풍, 미닫이, 집의 담장, 옷 등에 그림을 그렸습니다. 일본인에게 스크린은 가정의 기능적 요소일 뿐만 아니라 방의 전반적인 분위기를 결정하는 사색을 위한 예술 작품이기도 합니다. 국가 기모노 의상도 일본 예술품에 속하며 특별한 동양적 풍미를 지니고 있습니다. 밝은 색상을 사용하여 금박에 장식한 패널도 일본화 작품에 기인할 수 있습니다. 일본인은 소위 목판화라고 불리는 우키요에를 만드는 데 뛰어난 기술을 발휘했습니다. 그러한 그림의 줄거리는 일반 시민, 예술가 및 게이샤의 삶의 에피소드뿐만 아니라 일본 회화 예술 발전의 결과가 된 웅장한 풍경이었습니다.
전통적으로 극동이라고 불리는 광대한 지역에는 중국, 일본, 한국, 몽골, 티베트가 포함됩니다. 이 국가들은 많은 유사점을 가지고 있지만 동시에 문화적으로 상당한 차이가 있습니다.
극동의 모든 국가는 중국과 인도의 고대 문명의 영향을 받았는데, 기원전 1000년경에 철학적, 종교적 가르침이 발생하여 포괄적인 우주로서의 자연 개념의 토대를 마련했습니다. 자신의 법칙에 따라 사는 살아 있고 영적인 유기체입니다. 자연은 중세 전체의 철학적, 예술적 탐구의 중심에 있었고 자연의 법칙은 보편적인 것으로 간주되어 사람들의 삶과 관계를 결정했습니다. 자연의 다양한 표현과 비교되었다 내면 세계사람. 이것은 우화적인 시적 언어를 정의하는 시각 예술의 상징적 방법의 발전에 영향을 미쳤습니다. 중국, 일본, 한국에서는 이러한 자연에 대한 태도의 영향으로 예술의 종류와 장르가 형성되고 주변 경관과 밀접한 건축 앙상블이 만들어졌으며, 정원 예술그리고 마침내 풍경화의 새벽이 찾아왔다. 고대 인도 문명의 영향으로 불교가 전파되기 시작했고, 힌두교도 몽골과 티베트에 전파되기 시작했습니다. 이러한 종교 체계는 극동 국가에 새로운 아이디어를 가져왔을 뿐만 아니라 예술 발전에도 직접적인 영향을 미쳤습니다. 이전에 알려지지 않은 조각과 회화의 새로운 예술적 언어가이 지역의 모든 국가에 등장한 불교 덕분에 건축과 미술의 상호 작용이 특징 인 앙상블이 만들어졌습니다.
조각과 회화에서 불교 신 이미지의 특징은 우주, 도덕법 및 인간의 운명에 대한 생각을 표현하는 특별한 상징적 언어로 수세기에 걸쳐 진화했습니다. 따라서 많은 민족의 문화적 경험과 영적 전통이 통합되고 보존되었습니다. 불교 미술의 이미지는 선과 악의 대결, 자비, 사랑과 희망의 아이디어를 구현했습니다. 이러한 모든 특성은 극동 예술 문화의 뛰어난 창조물의 독창성과 보편적 중요성을 결정했습니다.
일본은 섬에 위치하고 있습니다. 태평양아시아 대륙의 동해안을 따라 북쪽에서 남쪽으로 뻗어 있습니다. 일본 열도는 지진과 태풍이 자주 발생하는 지역에 위치하고 있습니다. 섬 주민들은 겸손한 삶에 만족하고 자연 재해 후 집과 가정을 신속하게 복원하면서 끊임없이 경계하는 데 익숙합니다. 끊임없이 사람들의 안녕을 위협하는 자연 요소에도 불구하고 일본 문화에는 외부 세계와의 조화에 대한 열망, 크고 작은 자연의 아름다움을 볼 수 있는 능력이 반영되어 있습니다.
일본 신화에서 신성한 배우자 Izanagi와 Izanami는 세상 모든 것의 조상으로 간주되었습니다. 그들로부터 태양의 여신 아마테라스, 달의 여신 츠키요미, 폭풍과 바람의 신 스사노오 등 위대한 신들의 삼신이 나왔습니다. 고대 일본인의 생각에 따르면 신들은 눈에 보이는 모습이 없었지만 태양과 달뿐만 아니라 산과 바위, 강과 폭포, 나무와 풀에서도 영혼 카미로 존경받는 자연 자체로 구체화되었습니다 (슬로바키아어는 일본어에서 신성한 바람을 의미합니다). 이 자연의 신격화는 중세 시대 전체에 걸쳐 지속되었으며 일본의 국교가 된 신도 (神道)라고 불 렸습니다. 유럽인들은 그것을 신도라고 부릅니다. 일본 문화의 기원은 고대에 뿌리를 두고 있습니다. 최초의 예술 작품은 기원전 4~2천년으로 거슬러 올라갑니다. 일본 미술에서 가장 길고 결실을 맺은 시기는 중세(6~19세기)였다.
17~18세기에 발달한 전통 일본 가옥의 디자인. 3개의 이동식 벽과 1개의 고정식 벽이 있는 나무 프레임입니다. 벽은 지지대 역할을 하지 않기 때문에 떼어내거나 떼어내어 동시에 창 역할을 할 수 있다. 따뜻한 계절에는 벽이 격자 구조로 되어 있었고, 빛이 통과할 수 있도록 반투명 종이를 붙였고, 춥고 우기에는 나무 패널로 덮거나 교체했습니다. 일본 기후의 높은 습도로 인해 집은 아래에서 환기되어야 합니다. 따라서지면 위로 60cm 높이며지지 기둥이 썩지 않도록 보호하기 위해 석조 기초 위에 설치했습니다.
가벼운 나무 프레임은 필요한 유연성을 가지고 있어 국가에서 빈번한 지진이 발생하는 동안 푸시의 파괴력을 줄였습니다. 기와나 갈대로 된 지붕에는 집의 종이 벽을 비와 뜨거운 여름 태양으로부터 보호하는 큰 캐노피가 있었지만 겨울, 초봄, 늦가을에는 낮은 햇빛을 막지 못했습니다. 지붕 캐노피 아래에는 베란다가 있었다.
거실 바닥은 매트로 덮여있었습니다. 다다미 매트는 대부분 서 있지 않고 앉았습니다. 따라서 집의 모든 비율은 앉아있는 사람에게 집중되었습니다. 집에는 영구 가구가 없었기 때문에 낮에는 벽장에 치워진 특별한 두꺼운 매트리스 위에서 바닥에서 잤습니다. 그들은 매트에 앉아 낮은 테이블에 앉아 다양한 활동을 위해 봉사했습니다. 종이나 실크로 덮인 슬라이딩 내부 칸막이는 실내 공간필요에 따라 더욱 다양하게 사용할 수 있었지만, 각 거주자가 집안에서 완전히 은퇴하는 것은 불가능했으며, 이는 일본 가족의 가족 관계, 더 일반적인 의미에서 일본인의 민족적 특성에 영향을 미쳤습니다. 집의 중요한 세부 사항은 움직일 수없는 벽 근처에 위치한 틈새 시장입니다-그림이 걸려 있거나 꽃의 구성이 될 수있는 tokonama-꽃꽂이가 서있을 수 있습니다. 집의 영적 중심이었습니다. 틈새 장식에서 집 주민의 개별 자질, 취향 및 예술적 성향이 나타났습니다.
전통적인 일본 가옥의 연속은 정원이었습니다. 그는 울타리 역할을 하는 동시에 집과 환경을 연결했다. 집의 외벽이 분리되면서 집 내부 공간과 정원의 경계가 사라지고 자연과의 친밀감, 직접 소통이 이루어졌습니다. 이것은 국가적 태도의 중요한 특징이었습니다. 그러나 일본 도시가 성장하고 정원의 크기가 줄어들었고 종종 주거와 자연 세계 사이의 동일한 접촉 역할을하는 꽃과 식물의 작은 상징적 구성으로 대체되었습니다. 일본 신화 집 꽃꽂이 netsuke
꽃병에 꽃을 꽂는 기술인 이케브나(꽃의 생명)는 6세기에 불교와 함께 일본에 퍼진 신의 제단에 꽃을 놓는 고대 풍습으로 거슬러 올라갑니다. 대부분의 경우 그 당시 스타일의 구성 인 rikka (심은 꽃)는 고대 청동 용기에 설치된 소나무 또는 노송 나무 가지와 연꽃, 장미, 수선화로 구성되었습니다.
개발과 함께 세속 문화 10~12세기에 꽃꽂이는 귀족 계급의 궁전과 거주 구역에 설치되었습니다. 황실에서는 부케 배열 특별 대회가 인기를 끌었습니다. 15 세기 후반에 이케 바나 예술의 새로운 방향이 나타 났으며 그 창시자는 Ikenobo Sen'ei의 거장이었습니다. Ikenobo 학교의 작품은 특별한 아름다움과 정교함으로 구별되어 가정 제단에 설치되어 선물로 제공되었습니다. 16세기에 다도가 확산되면서 다도관의 도코노마 틈새를 장식하기 위해 특별한 형태의 이케바나가 형성되었습니다. 차 숭배의 모든 대상에 제시된 단순성, 조화, 절제된 색상의 요구 사항은 꽃 디자인 인 tyabana (다도를위한 꽃꽂이)로 확장되었습니다. 유명한 차 마스터 Senno Rikyu는 새롭고 자유로운 스타일 인 nageire (부주의하게 배치 된 꽃)를 만들었지 만이 스타일 이미지의 특별한 복잡성과 아름다움은 겉보기 무질서에있었습니다. nageire의 유형 중 하나는 식물을 보트 모양의 매달린 용기에 넣었을 때 소위 tsuribana였습니다. 이러한 구성은 "인생의 넓은 바다로 나가는 것"을 상징하기 때문에 취임하거나 학교를 졸업 한 사람에게 제공되었습니다. 17~19세기에는 꽃꽂이 기술이 널리 보급되었고 소녀들에게 부케 만드는 기술을 의무적으로 훈련시키는 관습이 생겼습니다. 그러나 꽃꽂이의 인기로 인해 구성이 단순화되었고 스타일리스트 티카의 엄격한 규칙을 포기하고 다른 하나가 눈에 띄는 nageire를 선호했습니다. 새로운 스타일세이카 또는 쇼카(살아있는 꽃). 19세기 말 오하라 우신(Ohara Usin)은 모리바나 스타일을 만들었는데, 그 주요 혁신은 꽃을 넓은 그릇에 담는 것이었습니다.
꽃꽂이 구성에는 원칙적으로 하늘, 땅, 사람의 세 가지 원칙을 나타내는 세 가지 필수 요소가 있습니다. 그들은 꽃, 가지 및 풀로 구현될 수 있습니다. 서로의 연관성과 추가 요소는 다른 스타일과 내용의 작품을 만듭니다. 예술가의 임무는 아름다운 구성을 만드는 것뿐만 아니라 사람의 삶과 세상에서의 위치에 대한 자신의 생각을 가장 완벽하게 전달하는 것입니다. 뛰어난 꽃꽂이 장인의 작품은 희망과 슬픔, 영적 조화와 슬픔을 표현할 수 있습니다.
꽃꽂이의 전통에 따르면 계절은 반드시 재현되며 식물의 조합은 일본에서 잘 알려진 상징적 좋은 소원을 형성합니다. 소나무와 장미 - 장수; 모란과 대나무 - 번영과 평화; 국화와 난초 - 기쁨; 목련 - 영적 순결 등
미니어처 조각 - netsuke는 18-19 세기에 예술 및 공예 유형 중 하나로 널리 퍼졌습니다. 그 모습은 일본 전국 의상인 기모노에 주머니가 없고 필요한 모든 것이 들어 있기 때문입니다. 작은 물건(튜브, 파우치, 약 상자)는 카운터 웨이트 키 체인을 사용하여 벨트에 부착됩니다. 따라서 Netsuke에는 반드시 원하는 물체가 부착되는 레이스 구멍이 있습니다. 이전에는 막대기와 버튼 형태의 열쇠 고리가 사용되었지만 18 세기 말부터 유명한 거장들이 이미 netsuke 제작에 참여하여 작품에 서명을했습니다.
Netsuke는 도시 계급, 대중 및 민주적 예술입니다. netsuke의 음모에 따르면 마을 사람들의 영적 필요, 일상적인 관심사, 관습 및 관습을 판단 할 수 있습니다. 그들은 미니어처 조각에 종종 묘사되는 영혼과 악마를 믿었습니다. 그들은 "행복의 칠신"의 조각상을 좋아했으며 그중 가장 인기있는 것은 부의 신 Daikoku와 행복의 신 Fukuroku였습니다. netsuke의 끊임없는 플롯은 다음과 같습니다. 내부에 씨앗이 많은 금이 간 가지-큰 수컷 자손에 대한 소원, 두 마리의 오리-가족 행복의 상징. 수많은 netsuke가 일상적인 주제에 전념하고 있으며 일상 생활도시. 이들은 방황하는 배우와 마술사, 노점상, 다양한 활동을하는 여성, 방황하는 승려, 레슬링 선수, 심지어 일본인의 관점에서 볼 때 이국적인 네덜란드 인, 옷-챙이 넓은 모자, 캐미솔 및 바지입니다. 주제별 다양성으로 구별되는 netsuke는 열쇠 고리의 원래 기능을 유지했으며, 이 목적은 장인에게 깨지기 쉬운 돌출 세부 사항이없는 둥글고 촉감이 좋은 컴팩트 한 모양을 지시했습니다. 재료 선택도 이것과 관련이 있습니다. 매우 무겁지 않고 내구성이 있으며 한 조각으로 구성됩니다. 가장 일반적인 재료는 다양한 유형의 목재, 상아, 도자기, 래커 및 금속이었습니다.
일본화는 내용뿐만 아니라 형식도 매우 다양합니다. 벽화, 스크린 페인팅, 실크와 종이, 앨범 시트 및 부채로 실행되는 세로 및 가로 두루마리입니다.
에 대한 고대 그림서면 문서의 참조로만 판단할 수 있습니다. 현존하는 가장 오래된 뛰어난 작품은 헤이안 시대(794-1185)로 거슬러 올라갑니다. 이것은 작가 무라사키 시키부의 유명한 "겐지 왕자 이야기"의 삽화입니다. 삽화는 여러 개의 가로 두루마리로 만들어졌으며 텍스트로 보완되었습니다. 그들은 화가 후지와라 다카요시(12세기 전반)의 붓에 기인합니다.
귀족 계급의 다소 좁은 범위에 의해 만들어진 그 시대 문화의 특징은 아름다움에 대한 숭배, 물질적, 영적 삶의 모든 표현에서 고유 한 매력, 때로는 애매하고 애매한 매력을 찾고자하는 열망이었습니다. 나중에 야마토에(문자 그대로 일본화)라고 불리는 당시의 그림은 행동이 아니라 마음의 상태를 전달했습니다. 가혹하고 용감한 무사계급 대표들이 집권하면서 헤이안 시대의 문화는 쇠퇴하기 시작했습니다. 두루마리의 그림에서 내러티브 원칙이 확립되었습니다. 이것은 극적인 에피소드로 가득 찬 기적에 대한 전설, 불교 신앙 설교자의 전기, 전사 전투 장면입니다. 14-15 세기에 자연에 대한 특별한 관심과 함께 선종의 가르침의 영향으로 풍경화가 발전하기 시작했습니다 (처음에는 중국 모델의 영향으로).
150년 동안 일본 예술가들은 중국 미술 시스템을 마스터하여 단색의 풍경화를 유산으로 만들었습니다. 국가 예술. 그것의 가장 높은 개화는 뛰어난 이름과 관련이 있습니다. 토요 마스터즈오다(1420~1506)는 셋슈라는 가명으로 더 잘 알려져 있습니다. 그의 풍경에서 검은 잉크의 가장 좋은 색조만을 사용하여 그는 자연 세계의 모든 다채로운 자연과 그 무수한 상태를 반영했습니다. 습기로 가득 찬 대기 이른 봄, 보이지 않지만 느껴지는 바람과 차가운 가을비, 움직이지 않는 겨울의 고요함.
16세기는 3세기 반 동안 지속된 소위 중세 후기의 시대를 엽니다. 이때 벽화가 널리 퍼져 국가 통치자와 봉건 영주의 궁전을 장식했습니다. 새로운 회화 방향의 창시자 중 한 명은 16세기 후반에 살았던 유명한 거장 Kano Eitoku였습니다. 18-19세기에 번성했던 목판화(목판화)는 중세의 또 다른 미술 유형이 되었습니다. 판화는 풍속화와 마찬가지로 우키요에(일상 세계의 그림)라고 불렸습니다. 인그레이빙을 제작함에 있어 드로잉을 제작하고 자신의 이름을 적는 아티스트 외에 완성된 시트, 조각가와 프린터가 관련되었습니다. 처음에는 조각이 모노 포닉이었고 작가 자신이나 구매자가 손으로 그렸습니다. 그런 다음 두 가지 색상의 인쇄가 발명되었고 1765년에 화가 스즈키 하루노부(1725-1770)가 처음으로 다색 인쇄를 사용했습니다. 이를 위해 조각가는 특별히 준비된 세로 톱질 판 (배, 체리 또는 일본 회양목)에 패턴이있는 트레이싱 페이퍼를 놓고 판화의 색 구성표에 따라 필요한 수의 인쇄판을 잘라냅니다. 어떨 때는 30개가 넘는 경우도 있었습니다. 그 후 프린터는 올바른 음영을 선택하여 특수 용지에 인쇄했습니다. 그의 기술은 서로 다른 나무판에서 얻은 각 색상의 윤곽선을 정확히 일치시키는 것이었습니다. 모든 판화는 일본 고전 가부키 극장의 배우를 다양한 역할로 묘사한 연극과 그들의 삶의 아름다움과 장면을 묘사하는 데 전념하는 일상적인 글의 두 그룹으로 나뉩니다. 연극 조각의 가장 유명한 대가는 배우의 얼굴을 클로즈업으로 묘사하여 그들이 연기 한 역할의 특징, 연극의 캐릭터로 환생 한 사람의 특징 인 분노, 공포, 잔인 함,기만을 강조한 Toshyushay Syaraku였습니다.
스즈키 하루노부와 키타가와 우타마로와 같은 뛰어난 예술가들은 일상 판화로 유명해졌습니다. 우타마로가 창조자 여성 이미지아름다움의 국가적 이상을 구현합니다. 그의여 주인공들은 잠시 얼어 붙은 것 같고 이제 부드럽고 우아한 움직임을 계속할 것입니다. 하지만 이 멈춤은 머리의 기울임, 손의 몸짓, 인물의 실루엣이 그들이 살고 있는 감정을 전달하는 가장 표현적인 순간입니다.
가장 많이 유명한 거장판화는 뛰어난 예술가카츠시카 호쿠사이(1776-1849). 호쿠사이의 작품은 수백 년 된 일본의 회화 문화를 기반으로 합니다. 호쿠사이는 30,000점이 넘는 그림을 그렸고 약 500권의 책에 삽화를 그렸습니다. 이미 70 세인 Hokusai는 세계 예술의 가장 뛰어난 예술가들과 동등하게 될 수있는 "36 Views of Fuji"시리즈의 가장 중요한 작품 중 하나를 만들었습니다. 호쿠사이는 일본의 국가적 상징인 후지산을 여러 곳에서 보여주며 처음으로 조국의 이미지와 단합된 사람들의 이미지를 드러낸다. 작가는 사람의 단순한 감정, 일상 활동, 요소와 아름다움으로 주변 자연으로 끝나는 모든 표현의 다양성에서 삶을 하나의 과정으로 보았습니다. 그의 민족 예술에 대한 수세기에 걸친 경험을 흡수한 호쿠사이의 작품은 예술 문화중세 일본, 그 놀라운 결과.
안녕하세요, 친애하는 독자들지식과 진리를 찾는 사람들!
일본 예술가들은 여러 세대에 걸쳐 마스터가 연마한 독특한 스타일로 구별됩니다. 오늘 우리는 고대부터 현대에 이르기까지 일본화의 가장 밝은 대표자와 그들의 그림에 대해 이야기할 것입니다.
글쎄, 떠오르는 태양의 땅의 예술에 뛰어 들자.
예술의 탄생
일본의 고대 회화 예술은 주로 서예의 특성과 관련되어 있으므로 서예의 기초를 기반으로 합니다. 첫 번째 예에는 발굴 중에 발견된 청동 방울 조각, 접시 및 가정 용품이 포함됩니다. 그 중 많은 부분이 칠해졌습니다. 천연 페인트, 그리고 연구는 제품이 기원전 300년 이전에 만들어졌다고 믿을만한 이유를 제공합니다.
예술 발전의 새로운 단계는 일본에 도착하면서 시작되었습니다. emakimono-특수 종이 두루마리-불교 판테온의 신들의 이미지, 교사와 그의 추종자들의 삶의 장면이 적용되었습니다.
회화에서 종교적인 주제가 우세했던 시기는 중세 일본, 즉 10세기에서 15세기까지 거슬러 올라갑니다. 아아, 그 시대의 예술가들의 이름은 오늘날까지 보존되지 않았습니다.
15-18세기에는 개별 스타일이 발전된 예술가의 등장이 특징인 새로운 시대가 시작됩니다. 그들은 순수 예술의 발전을 위한 벡터를 표시했습니다.
과거의 밝은 대표자
긴박한 슈분(15세기 초)
뛰어난 거장이 되기 위해 서봉은 중국 송나라 화가들의 작문 기법과 작품을 연구했다. 그 후 그는 일본 회화의 창시자이자 수묵화의 창시자가 되었습니다.
수묵화는 한 가지 색을 의미하는 수묵화를 기본으로 한 미술 양식입니다.
Shubun은 새로운 스타일이 예술계에 뿌리 내리기 위해 많은 노력을 기울였습니다. 그는 미래를 포함한 다른 재능에 예술을 가르쳤습니다. 유명한 화가셋슈처럼.
Shubun의 가장 인기있는 그림은 "대나무 숲에서 읽기"입니다.
Tense Shubun의 "죽림에서 독서"
하세가와 도하쿠(1539-1610)
그는 자신의 이름을 딴 Hasegawa라는 학교의 창시자가되었습니다. 처음에 그는 가노파의 정경을 따르려고 노력했지만 점차 그의 개인적인 "필기"가 그의 작품에서 추적되기 시작했습니다. Tohaku는 Sesshu의 그래픽에 의해 안내되었습니다.
작업의 기본은 간단하고 간결하지만 복잡하지 않은 이름을 가진 사실적인 풍경이었습니다.
- "소나무";
- "단풍";
- 소나무와 꽃 피는 식물.
파인즈, 하세가와 도하쿠
오가타 고린(1658-1716)과 오가타 겐잔(1663-1743) 형제
형제는 18세기의 뛰어난 장인이었습니다. 장남인 오가타 고린은 전적으로 그림에 전념하여 림파 장르를 창시했습니다. 그는 인상파 장르를 선호하면서 정형화된 이미지를 피했다.
Ogata Korin은 일반적으로 자연을 그리고 특히 밝은 추상화의 형태로 꽃을 그렸습니다. 그의 붓은 그림에 속합니다.
- "매화 홍백";
- "마쓰시마의 파도";
- "국화".
오가타 고린의 마츠시마의 파도
남동생인 오가타 켄잔은 가명이 많았다. 적어도 그는 그림에 종사했지만 훌륭한 도예가로 더 유명했습니다.
오가타 겐잔은 많은 도자기 기술을 마스터했습니다. 그는 비표준 접근 방식으로 구별되었습니다. 예를 들어 사각형 형태로 판을 만들었습니다.
자신의 그림은 훌륭함으로 구별되지 않았습니다. 이것은 또한 그 특징이었습니다. 그는 두루마리나 시의 발췌문과 같은 제품에 서예를 쓰는 것을 좋아했습니다. 때때로 그들은 형제와 함께 일했습니다.
카츠시카 호쿠사이(1760-1849)
그는 일종의 목판화, 즉 조각 그림인 우키요에 스타일로 작업했습니다. 창의력의 모든 시간 동안 그는 약 30 개의 이름을 변경했습니다. 가장 유명한 작품은 그가 고국 밖에서 유명해진 덕분에 가나가와의 큰 파도입니다.
가쓰시카 호쿠사이의 "가나가와 앞바다의 큰 파도"
특히 힘든 호쿠사이는 60년 만에 일을 시작해 좋은 결과를 얻었다. Van Gogh, Monet, Renoir는 그의 작품에 익숙했으며 어느 정도 유럽 거장들의 작품에 영향을 미쳤습니다.
안도 히로시게(1791-1858)
중 하나 가장 위대한 예술가 19 세기. 에도에서 태어나고 살며 일했고, 호쿠사이의 일을 계속했으며, 그의 일에서 영감을 받았습니다. 그가 자연을 묘사한 방식은 거의 작품 자체만큼이나 놀랍습니다.
에도는 도쿄의 옛 이름이다.
다음은 일련의 그림으로 표현되는 그의 작품에 대한 몇 가지 그림입니다.
- 5.5,000 - 모든 판화의 수;
- “에도 백경;
- "후지 36경";
- "기소카이도 69역";
- "도카이도 53역".
안도 히로시게의 그림
흥미롭게도 뛰어난 반 고흐는 그의 판화를 몇 권 썼습니다.
현대성
무라카미 다카시
화가, 조각가, 패션 디자이너인 그는 20세기 말에 이미 이름을 얻었습니다. 그의 작품에서 그는 고전적인 요소로 패션 트렌드를 고수하고 애니메이션과 만화 만화에서 영감을 얻습니다.
무라카미 다카시의 그림
무라카미 다카시의 작품은 서브컬처로 분류되지만 동시에 엄청난 인기를 누리고 있다. 예를 들어, 2008년 그의 작품 중 하나는 경매에서 1,500만 달러 이상에 구입되었습니다. 한때 현대 제작자는 패션 하우스 "Marc Jacobs"및 "Louis Vuitton"과 함께 작업했습니다.
티코 아시마
이전 예술가의 동료인 그녀는 현대 초현실적인 그림을 만듭니다. 그들은 유령, 악령, 외계인 소녀와 같은 다른 우주에서 온 것처럼 도시, 거대 도시의 거리 및 생물의 전망을 묘사합니다. 그림의 배경에서 종종 자연 그대로의, 때로는 무서운 자연을 볼 수 있습니다.
그녀의 그림은 큰 크기에 이르며 종이 매체에 거의 제한되지 않습니다. 그들은 가죽, 플라스틱 재료로 옮겨졌습니다.
2006년 영국 수도에서 열린 전시회의 일환으로 한 여성이 밤낮으로 마을과 도시의 자연의 아름다움을 반영한 약 20개의 아치형 구조물을 만들었습니다. 그들 중 하나는 지하철역을 장식했습니다.
헤이 아라카와
청년은 고전적인 의미에서 예술가라고 할 수 없습니다. 그는 21 세기 예술에서 매우 인기있는 설치물을 만듭니다. 그의 전시 주제는 진정으로 일본적이며 우호적인 관계와 팀 전체의 작업을 다루고 있습니다.
Ei Arakawa는 예를 들어 베니스와 같은 다양한 비엔날레에 자주 참여하고 고국의 현대 미술관에 전시되며 당연히 다양한 상을받습니다.
이케나가 야스나리
현대 화가 Ikenaga Yasunari는 겉보기에 양립할 수 없어 보이는 두 가지를 결합했습니다. 초상화 형식의 오늘날 소녀들의 삶과 고대로부터 온 일본의 전통 기법입니다. 그의 작품에서 화가는 특수 브러시, 천연 색소 페인트, 잉크 및 목탄을 사용합니다. 일반적인 린넨 대신 린넨 원단.
이케나가 야스나리 그림
묘사된 시대와 여주인공의 모습을 대비시키는 이러한 기법은 과거로부터 우리에게 돌아온 듯한 인상을 준다.
최근 인터넷 커뮤니티에서 화제가 되고 있는 악어의 복잡한 삶을 그린 일련의 그림도 일본 만화가 케이고의 작품이다.
결론
그래서 일본화는 기원전 3세기경에 시작되었고 그 이후로 많은 변화를 겪었습니다. 첫 번째 이미지는 도자기에 적용되었고 불교 모티프가 예술에서 널리 퍼지기 시작했지만 저자의 이름은 오늘날까지 살아남지 못했습니다.
뉴 에이지 시대에 브러시의 주인은 점점 더 많은 개성을 얻었고 다양한 방향과 학교를 만들었습니다. 오늘날의 시각 예술은 전통적인 회화에 국한되지 않습니다. 설치, 캐리커처, 예술 조각, 특수 구조가 사용됩니다.
독자 여러분의 관심에 감사드립니다! 우리 기사가 유용하고 삶과 일에 대한 이야기를 찾았기를 바랍니다. 가장 밝은 대표예술은 그들을 더 잘 알 수 있게 해주었다.
물론 고대부터 현재까지 모든 예술가에 대해 한 기사에서 말하기는 어렵습니다. 그러므로 이것이 일본화에 대한 지식을 향한 첫걸음이 되게 하십시오.
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예로부터 일본 미술은 활동적인 것이 특징이었습니다. 창의성. 새로운 예술적, 미적 경향이 끊임없이 등장하는 중국에 대한 의존에도 불구하고 일본 예술가들은 항상 새로운 기능을 도입하고 교사의 예술을 변경하여 일본적인 모습을 부여했습니다.
이와 같은 일본의 역사는 5세기 말에 이르러서야 명확한 형태를 갖추기 시작합니다. 이전 세기(고대 시대)로 거슬러 올라가는 항목은 상대적으로 거의 발견되지 않았지만 발굴 중이나 건설 작업 중에 발견된 일부 항목은 놀라운 예술적 재능을 말해줍니다.
고풍 시대.
일본 미술의 가장 오래된 작품은 조몬 유형(코드 인상)의 토기입니다. 이름은 주인이 그릇을 만들 때 사용한 막대기에 끈을 감은 나선형 모양으로 표면을 장식한 데서 유래합니다. 아마도 처음에 주인은 우연히 고리 버들 세공 지문을 발견했지만 의식적으로 사용하기 시작했습니다. 때로는 코드 모양의 점토 컬이 표면에 달라 붙어 더 복잡한 장식 효과, 거의 안도감이 생겼습니다. 최초의 일본 조각은 조몬 문화에서 시작되었습니다. 사람이나 동물의 도구(점토 형상)는 일종의 종교적 의미를 가졌을 것입니다. 주로 여성인 사람의 이미지는 다른 원시 문화의 점토 여신과 매우 유사합니다.
방사성탄소 분석에 따르면 조몬 문화에서 발견된 일부는 기원전 6-5천년까지 거슬러 올라갈 수 있지만 그러한 초기 연대는 일반적으로 인정되지 않습니다. 물론 그러한 요리는 오랫동안 만들어졌으며 정확한 날짜는 아직 정할 수 없지만 세 가지 기간으로 구별됩니다. 가장 오래된 샘플은 바닥이 뾰족하고 도공 도구의 흔적을 제외하고 거의 장식이 없습니다. 중기의 그릇은 더 풍부하게 장식되어 있으며 때로는 양감 있는 느낌을 주는 성형 요소가 있습니다. 제3기 그릇의 형태는 매우 다양하지만 장식은 다시 납작해지고 절제된다.
대략 2 세기. 기원전. Jōmon 도자기는 형태의 우아함, 디자인의 단순함 및 높은 기술적 품질을 특징으로 하는 Yayoi 도자기에 자리를 내주었습니다. 그릇의 파편은 얇아졌고 장식은 덜 변덕스러웠습니다. 이 유형은 3세기까지 널리 퍼졌습니다. 기원 후
예술적인 관점에서 볼 때 아마도 초기 최고의 작품은 3~5세기에 제작된 점토 원통인 카니와(khaniwa)일 것입니다. 기원 후 이 시대의 특징적인 기념물은 거대한 언덕 또는 고분, 황제의 매장 구조 및 강력한 귀족입니다. 종종 매우 크며 황실과 궁중의 권력과 부의 증거입니다. Nintoku-tenno 천황(c. 395-427 AD)을 위해 그러한 구조물을 건설하는 데 40년이 걸렸습니다. 이 손수레의 가장 두드러진 특징은 울타리, khaniva처럼 그들을 둘러싼 점토 실린더였습니다. 일반적으로 이러한 실린더는 매우 단순했지만 때로는 인간의 모습으로 장식되었으며 덜 자주 말, 집 또는 수탉의 모습으로 장식되었습니다. 그들의 목적은 두 가지였습니다. 엄청난 양의 지구의 침식을 방지하고 고인에게 지상 생활에 필요한 모든 것을 공급하는 것입니다. 당연히 실린더는 대량으로 즉시 만들어졌습니다. 그들을 장식하는 인물들의 다양한 주제, 얼굴 표정 및 몸짓은 주로 주인의 즉흥 연주의 결과입니다. 이들은 예술가나 조각가보다는 장인의 작품에 가깝지만 제대로 된 일본인으로서 매우 중요합니다. 예술 형태. 건물, 담요에 싸인 말, 프림 레이디와 전사가 나타냅니다. 재미있는 그림초기 봉건 일본의 군사 생활. 이 원기둥의 원형이 중국에 나타났을 가능성이 있습니다. 중국에서는 다양한 물건이 매장에 직접 배치되었지만 하니와의 실행과 사용은 지역 전통에 속합니다.
고대는 종종 높은 예술적 수준의 작품이 없는 시대, 주로 고고학적, 민족학적 가치를 지닌 것들이 지배하는 시대로 여겨집니다. 그러나 이러한 초기 문화의 작품은 그 형태가 살아남아 특정한 형태로 계속 존재했기 때문에 전체적으로 큰 생명력을 가지고 있었다는 점을 기억해야 한다. 국가 특성후기 일본 미술.
아스카 시대
(서기 552-710년). 6세기 중반에 불교가 소개되었다. 일본인의 생활 방식과 사고 방식에 중대한 변화를 가져왔으며 이 시대와 그 이후의 예술 발전의 원동력이 되었습니다. 중국에서 한국을 통해 불교가 들어온 것은 전통적으로 서기 552년으로 거슬러 올라가지만 아마도 그보다 더 일찍 알려졌을 것입니다. 초기에 불교는 국교인 신도에 대한 정치적 반대에 직면했지만 불과 수십 년 후에 새로운 신앙이 공식 승인을 받고 마침내 확립되었습니다. 일본에 침투한 초기에 불교는 형상을 필요로 하는 소수의 신이 있는 비교적 단순한 종교였지만 약 100년 후에는 힘을 얻어 판테온이 엄청나게 성장했습니다.
이 기간 동안 신앙 증진의 목적뿐만 아니라 예술과 교육의 중심지인 사원이 세워졌습니다. Horyu-ji의 수도원 사원은 초기 불교 예술 연구에 가장 중요한 것 중 하나입니다. 다른 보물 중에는 위대한 삼신상인 Syaka-Nerai(623 AD)의 동상이 있습니다. 우리에게 알려진 최초의 위대한 일본 조각가인 Tori Busshi의 이 작품은 양식화된 청동 이미지로 중국의 거대한 동굴 사원에 있는 유사한 그룹과 유사합니다. 앉아 있는 샤키(역사적인 부처인 "석가모니"라는 단어의 일본어 표기)와 그 옆에 서있는 두 인물의 자세에서 엄격한 정면성이 관찰됩니다. 양식 인간의 모습도식적으로 표현된 옷의 두터운 대칭적 주름에 가려져 있고, 매끄럽고 길쭉한 얼굴에서 몽환적인 자아도취와 사색을 느낄 수 있다. 이 첫 번째 불교 시대의 조각은 50년 전 본토의 양식과 원형을 기반으로 합니다. 한국을 통해 일본에 전해진 중국의 전통을 충실히 따르고 있다.
이 시대의 가장 중요한 조각품 중 일부는 청동으로 만들어졌지만 나무도 사용되었습니다. 가장 유명한 두 개의 목조 조각은 호류지에 있는 여신 관음상인 Yumedono Kannon과 Kudara Kannon입니다. 그들은 고풍스러운 미소와 몽환적인 표정으로 샤키 삼신보다 더 매력적인 숭배의 대상입니다. 관음상의 옷자락 배열도 도식적이고 대칭적이지만 가볍고 움직임이 풍부합니다. 높은 슬림 피규어얼굴의 영성, 모든 세속적 관심사에서 멀리 떨어져 있지만 고통의 탄원에 민감한 추상적 친절을 강조합니다. 조각가는 옷주름에 가려진 쿠다라 관음의 윤곽에 주목했고, 유메도노의 들쭉날쭉한 실루엣과 대비하여 인물과 천의 움직임이 깊이 있게 연출되었습니다. Kudar의 프로필에서 Kannon은 우아한 S 자 모양을 가지고 있습니다.
7세기 초의 양식에 대한 아이디어를 제공하는 유일하게 살아남은 그림의 예는 "날개 달린 신사"인 Tamamushi Zushi입니다. 이 소형 성소는 구멍이 뚫린 금속 프레임에 설치된 무지개 빛깔의 딱정벌레 날개에서 그 이름을 따왔습니다. 나중에 그것은 유색 래커로 만든 종교적 구성과 개별 인물의 인물로 장식되었습니다. 이 시기의 조각처럼 일부 이미지는 디자인의 자유도가 매우 높습니다.
나라 시대
(710-784). 710년 중국의 수도 장안을 모델로 한 새로운 도시인 나라로 수도를 옮겼다. 넓은 거리, 큰 궁전, 수많은 불교 사원이 있었습니다. 모든 측면의 불교뿐만 아니라 중국의 문화 및 정치 생활 전체가 역할 모델로 여겨졌습니다. 아마도 다른 어떤 나라도 자기 문화의 부족함을 이만큼 느끼지 못했고 외부 영향에 그렇게 민감하지 않았을 것입니다. 학자와 순례자들은 일본과 본토 사이를 자유롭게 오가며 행정과 궁궐 생활은 당나라 때 중국을 모델로 삼았습니다. 그러나 당나라의 모델을 모방했음에도 불구하고, 특히 예술 분야에서 당나라의 영향과 스타일을 인지한 일본인은 거의 항상 외국 양식을 자신의 것으로 받아들였다는 사실을 기억해야 합니다.
조각에서는 이전 아스카 시대의 엄격한 정면성과 대칭성이 보다 자유로운 형태에 자리를 내주었다. 신에 대한 아이디어의 발전, 향상된 기술 및 재료 소유권의 자유로 인해 아티스트는 더 가깝고 접근하기 쉬운 상징적 이미지를 만들 수 있었습니다. 새로운 불교 종파의 설립은 판테온을 확장하여 성인과 불교의 창시자까지 포함시켰습니다. 청동 조각 외에도 나무, 점토 및 옻칠로 만든 많은 작품이 알려져 있습니다. 이 돌은 희귀했고 조각에 거의 사용되지 않았습니다. 건식 래커는 특히 인기가 많았는데, 아마도 구성을 준비하는 과정의 복잡성에도 불구하고 그것으로 만든 작품이 나무보다 더 장관을 이루고 제조하기 쉬운 점토 제품보다 강했기 때문일 것입니다. 옻칠 인형은 나무나 흙으로 만든 기초 위에 만든 다음 제거하거나 나무나 철조망 위에 만들었다. 그들은 가볍고 강했습니다. 이 기술은 포즈에 약간의 경직성을 요구했지만 얼굴 묘사에는 많은 자유가 허용되었으며 이는 부분적으로는 초상화 조각이라고 할 수 있는 것의 발전에 부분적으로 기여했습니다. 신의 얼굴 이미지는 불교 경전의 엄격한 처방에 따라 수행되었지만 일부 신앙의 창시자와 설교자의 인기와 신격화까지 초상화 유사성을 전달할 수있는 훌륭한 기회를 제공했습니다. 이러한 유사성은 도쇼다이지 사원에 위치한 일본에서 존경받는 중국 총대주교 겐진의 건칠 조각에서 찾을 수 있습니다. 겐진은 753년 일본에 도착했을 때 눈이 멀었고, 보이지 않는 눈과 깨달은 내면의 사색 상태는 알려지지 않은 조각가에 의해 아름답게 표현되었습니다. 이러한 사실주의 경향은 13~14세기 조각가 고쇼가 만든 설교자 구이의 목각에서 가장 잘 드러난다. 설교자는 지팡이, 징, 망치를 들고 방랑하는 거지 복장을 하고 반쯤 벌린 입에서 작은 부처상이 나온다. 노래하는 스님의 이미지에 만족하지 못한 조각가는 그의 말의 가장 깊은 의미를 표현하려고 시도했습니다.
나라 시대의 불상도 사실주의가 뛰어납니다. 날로 늘어나는 사찰을 위해 만들어진 이 사원은 전임자처럼 냉정하고 소박하지 않으며, 더 우아한 아름다움과 고귀함을 지니고 있으며, 그들을 숭배하는 사람들에게 더 호의를 베풀고 있습니다.
이 시대의 그림은 거의 남아 있지 않습니다. 종이에 그린 다색 그림은 부처님의 과거와 현재 삶을 묘사합니다. 이것은 emakimono 또는 두루마리 그림의 몇 안되는 고대 사례 중 하나입니다. 두루마리는 오른쪽에서 왼쪽으로 천천히 펴졌고 보는 사람은 두루마리를 펴는 손 사이에 있는 그림의 일부만 즐길 수 있었습니다. 삽화는 텍스트의 섹션이 설명 이미지와 번갈아 나타나는 후기 두루마리와 달리 텍스트 바로 위에 있습니다. 이 가장 오래된 두루마리 그림의 예에서 윤곽선이 거의 없는 풍경과 중심 인물을 배경으로 윤곽선이 있는 그림이 설정됩니다. 이 경우 Syaka는 다양한 에피소드에 등장합니다.
초기 헤이안
(784-897). 784년에 수도는 부분적으로는 나라의 불교 승려들의 지배를 피하기 위해 일시적으로 나가오카로 옮겨졌습니다. 794년에 그녀는 더 오랜 기간 동안 헤이안(지금의 교토)으로 이사했습니다. 8~9세기 후반 일본이 자신의 특성에 맞게 많은 외국 혁신을 성공적으로 동화시킨시기였습니다. 불교도 의례와 에티켓이 발달한 새로운 밀교 종파의 출현이라는 변화의 시기를 겪었다. 이 중 가장 영향력이 큰 것은 인도에서 발원하여 중국에 도달한 천태종과 진언종으로, 그곳에서 두 명의 학자가 오랜 도제 기간을 거쳐 고국으로 돌아온 후 일본으로 건너왔습니다. 진언종("진실한 말")은 특히 궁중에서 사랑을 받았고 빠르게 지배적인 위치를 차지했습니다. 주요 수도원은 교토 근처의 고야산에 있었습니다. 다른 중요한 불교 센터와 마찬가지로 그들은 저장소가되었습니다. 거대한 컬렉션예술의 기념물.
조각 9세기 c. 대부분 나무였다. 신의 이미지는 엄숙함과 거대함으로 강조된 엄격함과 접근하기 어려운 웅장 함으로 구별되었습니다. 휘장은 표준 패턴에 따라 능숙하게 자르고 스카프는 파도에 눕습니다. 무로지 사찰의 석기 입상이 이러한 양식의 한 예입니다. 이것과 9 세기의 유사한 이미지를 위해. 더 깊고 선명한 주름 및 기타 세부 사항이 있는 단단한 조각이 특징입니다.
신의 수의 증가는 예술가들에게 큰 어려움을 안겨주었습니다. 복잡하고 지도와 같은 만다라(마법적인 의미를 지닌 기하학적 디자인)에서 신들은 중앙에 배치된 부처를 중심으로 계층적으로 배열되었으며, 부처는 그 자신이 절대자의 한 현시일 뿐이었습니다. 이때 화염에 휩싸인 수호신의 모습이 끔찍하지만 본질적으로 자비로운 모습을 묘사하는 새로운 방식이 등장했습니다. 이 신들은 비대칭적으로 배열되어 움직이는 포즈로 묘사되었으며, 무서운 얼굴 특징으로 인해 발생할 수 있는 위험으로부터 신앙을 맹렬히 보호합니다.
헤이안 중기와 후기 후지와라 시대
(898-1185). 성직자들의 까다로운 요구를 피하기 위해 헤이안으로 수도를 이전하면서 정치 체제. 귀족이 지배적인 세력이었고 후지와라 가문이 가장 특징적인 대표자가 되었습니다. 기간 10-12세기. 종종 이 이름과 관련이 있습니다. 진정한 황제가 시와 그림을 더 즐겁게 추구하기 위해 국가 문제를 제쳐두도록 "강력하게 권고"받은 특별한 권력의 시대가 시작되었습니다. 성인이 될 때까지 황제는 일반적으로 Fujiwara 가족의 엄격한 섭정이 이끌었습니다. 문학, 서예 및 예술 분야에서 사치와 놀라운 업적의 시대였습니다. 모든 것이 나른하고 감정적으로 느껴졌고 깊이에 도달하는 경우는 거의 없었지만 전체적으로 매력적이었습니다. 우아한 세련미와 도피주의가 이 시대의 예술에 반영되었습니다. 불교 신자들도 더 쉬운 방법을 찾고 있었고 특히 천상 부처인 아미다 숭배가 인기를 끌었습니다. 아미다 부처님의 연민과 구원의 은총은 이 시대의 회화와 조각에 깊이 반영되어 있습니다. 9세기 동상의 거대함과 자제력. 10-11세기에. 행복과 매력을 선사했습니다. 신들은 몽환적이고 신중하게 차분한 것으로 묘사되며 조각은 덜 깊어지고 표면은 더 다채롭고 풍부한 질감이 있습니다. 이 시기의 가장 중요한 기념물은 조각가 조초의 작품입니다.
예술가의 작품은 또한 천에 그림을 연상시키는 부드러운 기능과 끔찍한 신까지도 얻었습니다. 신앙의 수호자는 덜 위협적이었습니다. 경전(불교 경전)은 짙은 푸른색 종이에 금색과 은색으로 쓰여졌으며 경전의 섬세한 서예는 종종 작은 삽화가 선행되었습니다. 최대 인기있는 목적지불교와 관련 신들은 초기 불교의 가혹한 이상에서 점차 벗어나는 귀족의 선호도를 반영합니다.
이 시기의 분위기와 그의 작품은 894년 중국과의 국교가 단절된 것과 부분적으로 연결되어 있다. 이러한 단절에 따른 외딴 섬의 존재는 일본인으로 하여금 그들 자신의 문화로 전환하고 새롭고 더 순수한 일본식 스타일을 개발하도록 자극했습니다. 사실, 10-12세기의 세속적인 그림입니다. 기술과 구성 및 플롯 모두에서 거의 전적으로 일본인이었습니다. 야마토에라고 불리는 이 일본 두루마리의 독특한 특징은 엔기 플롯(기원, 역사)이 우세하다는 것입니다. 중국 두루마리는 광대 한 놀라운 자연, 산, 개울, 바위 및 나무의 파노라마를 가장 자주 묘사하고 사람은 상대적으로 중요하지 않은 것처럼 보였지만 그림과 텍스트의 일본인 서술 두루마리에서는 사람이 가장 중요했습니다. 풍경은 주인공이나 인물에 종속된 이야기의 배경 역할만 했다. 두루마리의 대부분은 유명한 불교 설교자 또는 역사적 인물, 그들의 여행 및 군사 작전. 다른 사람들은 귀족과 예절의 삶에서 낭만적인 에피소드에 대해 이야기했습니다.
초기 두루마리의 외관상 독특한 스타일은 불교 공책 페이지의 단순한 잉크 스케치에서 비롯되었습니다. 이것은 동물의 이미지를 통해 인간의 행동을 풍자화하는 능숙한 그림입니다. 부풀린 개구리를 숭배하는 수도원 옷을 입은 원숭이, 산토끼, 원숭이 및 개구리 간의 경쟁. 이들과 다른 헤이안 후기 두루마리는 13세기와 14세기에 발전된 양식의 더 복잡한 이야기 두루마리의 기초를 제공했습니다.
가마쿠라 시대
(1185-1392). 12세기 후반 일본의 정치 및 종교 생활은 물론 예술에도 심각한 변화를 가져왔습니다. 교토 법원의 우아함과 심미주의가 대체되었거나 "특별한"통치의 전통에서 새롭고 가혹하고 용감한 통치 인 가마쿠라 막부의 형태로 "추가"되었습니다. 교토는 명목상 수도로 남아 있었지만 쇼군 미나모토노 요리토모(1147-1199)는 가마쿠라 시에 본부를 세웠고 불과 25년 만에 엄격한 군사 독재와 봉건 체제를 확립했습니다. 일반 재가자들이 이해할 수 없을 정도로 복잡하고 의례화되었던 불교도 예술의 후원을 약속하지 않는 큰 변화를 겪었다. Honen Shonin (1133-1212)의 지도 아래 아미다 부처님을 숭배하는 요도 ( "정토") 종파는 부처와 신의 위계를 개혁하고 단순히 아미다를 믿는 모든 사람에게 구원의 희망을주었습니다. 쉽게 얻을 수 있는 낙원에 대한 이 교리는 후에 신종의 창시자인 신란(1173-1262) 승려에 의해 단순화되었습니다. 그는 아미다의 방종이 너무 커서 종교 행위를 할 필요가 없다는 것을 인식하고 "나무아미다불"(첫 번째 단어는 "복종"을 의미하고 두 번째 단어는 "부처 아미다"를 의미함) 주문을 반복하기만 하면 됩니다. 영혼을 구하는 이 간단한 방법은 매우 매력적이었고 지금은 수백만 명이 그것을 사용합니다. 한 세대 후, 이 종파의 이름을 딴 호전적인 설교자 니치렌(1222-1282)은 이 단순화된 형태의 종교를 버렸습니다. 그의 추종자들은 즉각적이고 무조건적인 구원을 약속하지 않는 법화경을 숭배했습니다. 그의 설교는 종종 정치적인 주제를 다루었고 그의 신념과 교회와 국가의 개혁 제안은 가마쿠라의 새로운 전사 계층에 호소했습니다. 마지막으로 일찍이 8세기에 등장한 선(禪) 철학은 그 시대의 불교 사상에서 점점 더 큰 역할을 하기 시작했습니다. Zen은 신과 연결하려는 인간의 탐구를 방해할 수 있는 모든 이미지에 대한 명상과 경멸의 중요성을 강조했습니다.
그래서 종교사상이 이전에 예배에 필요한 그림과 조각의 수를 제한하던 시기였습니다. 그럼에도 불구하고 가마쿠라 시대에는 최고의 작품일본 미술. 자극은 예술에 대한 일본인의 내재적 사랑 이었지만 퍼즐의 핵심은 교리가 아니라 새로운 신조에 대한 사람들의 태도입니다. 실로 작품 자체가 창작의 이유를 암시하고 있다. 생명력과 에너지가 넘치는 조각과 그림 중 상당수가 초상화이기 때문이다. 선철학은 일반적인 종교적 숭배 대상을 깨달음의 장벽으로 여겼을지 모르지만 스승을 존경하는 전통은 상당히 수용 가능했습니다. 초상화 자체는 숭배의 대상이 될 수 없습니다. 초상화에 대한 이러한 태도는 선불교에만 국한된 것이 아니었습니다. 정토종의 많은 대신들은 거의 불교의 신처럼 숭배되었습니다. 초상화 덕분에 mieido 또는 초상화 예배당이라는 새로운 건축 양식도 나타났습니다. 리얼리즘의 급속한 발전은 전적으로 시대정신에 있었다.
승려의 그림 같은 초상화는 분명히 특정 인물의 이미지였음에도 불구하고 종종 중국 불교의 창시자를 묘사한 그림을 재구성한 것이었습니다. 그들은 설교하고 입을 벌리고 손짓을 하는 모습으로 그려져 있었다. 때때로 탁발 수도승들이 믿음의 영광을 위해 험난한 여정을 하는 것으로 묘사되었습니다.
가장 인기 있는 플롯 중 하나는 라이고(원하는 도착)로, 그의 동료들과 함께 아미다 부처님이 임종한 신자의 영혼을 구해 낙원으로 옮기기 위해 구름을 타고 내려오는 모습을 묘사했습니다. 그러한 이미지의 색상은 종종 적용된 금으로 강화되었으며 물결 모양의 선, 펄럭이는 망토, 소용돌이 치는 구름은 부처의 강림에 운동감을 부여했습니다.
12세기 후반과 13세기 초에 활동한 운케이는 가마쿠라 시대에 조각가들이 가장 좋아하는 재료로 남아 있는 목재 조각을 더 쉽게 만드는 혁신의 저자였습니다. 이전에는 그림이 잘린 데크 또는 통나무의 크기와 모양에 따라 마스터가 제한되었습니다. 팔과 의복 요소는 별도로 중첩되었지만 완성된 조각은 종종 원래의 원통형 모양과 유사했습니다. 새로운 기술에서는 수십 개의 작은 조각을 서로 조심스럽게 끼워 속이 빈 피라미드를 형성한 다음 견습생이 대략적으로 그림을 잘라낼 수 있었습니다. 조각가는 더 가단성 있는 재료와 더 복잡한 형태를 만들 수 있는 능력을 마음대로 사용할 수 있었습니다. 펄럭이는 망토와 예복을 입은 근육질의 신전 경비병과 신들은 수정이나 유리가 그들의 눈구멍에 삽입되기 시작했기 때문에 더욱 살아 있는 것처럼 보였습니다. 조각상은 금박을 입힌 청동으로 장식되기 시작했습니다. 나무가 건조되면서 더 가벼워지고 갈라질 가능성이 줄었습니다. Unkei의 아들 Kosho의 작품인 Kuya Shonin의 언급된 목상은 초상화 조각에서 가마쿠라 시대의 사실주의 최고 성취를 보여줍니다. 실제로 그 당시 조각은 발전의 정점에 도달했으며 이후 더 이상 예술에서 그렇게 두드러진 위치를 차지하지 않았습니다.
세속화도 시대정신을 반영했다. 절제된 색채와 우아한 선으로 표현된 헤이안 시대 말기의 두루마리는 겐지 왕자의 낭만적인 모험이나 은둔한 궁녀들의 오락에 대해 이야기합니다. 이제 가마쿠라 시대의 예술가들은 밝은 색상과 활기찬 획으로 호전적인 씨족의 전투, 화염에 휩싸인 궁전, 공격하는 군대를 피해 겁에 질린 사람들을 묘사했습니다. 두루마리에 종교적 이야기가 전개되었을 때에도 이미지는 아이콘이 아니라 거룩한 사람들의 여행과 그들이 행한 기적에 대한 역사적 증거였습니다. 이 플롯의 디자인에서 자연에 대한 사랑이 커지고 자연 경관에 대한 감탄을 찾을 수 있습니다.
무로마치 또는 아시카가 시대
(1392-1568). 1392년, 아시카가 가문의 3대 쇼군 요시미츠(1358-1408)가 50년 이상의 분쟁 끝에 나라를 재통일했습니다. 정부 소재지는 다시 교토의 명목상의 수도가 되었으며 아시카가 쇼군은 무로마치 지구에 궁궐을 세웠습니다. (이 기간을 때때로 무로마치, 때로는 아시카가라고 합니다.) 전시거기에 있던 보물과 함께 불에 탔던 일본 예술의 저장소 인 많은 사원을 아끼지 않았습니다. 그 나라는 심하게 황폐화되었고 전쟁을 벌이는 씨족들이 그들의 변덕에 따라 호의를 베푸는 것처럼 평화조차도 거의 구호를 얻지 못했습니다. 상황은 예술의 발전에 극도로 불리한 것처럼 보이지만 실제로는 회화가 번성했던 15, 16 세기에 특히 아시카가 쇼군이 후원했습니다.
이 시대의 가장 중요한 예술은 선불교에 의해 장려되고 송과 원 왕조의 중국 디자인에 영향을 받은 흑백 시적 수묵화였습니다. 명나라(1368-1644) 동안 중국과의 접촉이 재개되었고 수집가이자 후원자인 요시미츠는 수집과 연구를 장려했습니다. 중국화. 그녀는 가볍고 유창한 붓놀림으로 풍경, 새, 꽃, 승려와 현자의 이미지를 그리는 재능있는 예술가들의 모델이자 출발점이 되었습니다. 이 시대의 일본화는 선의 절약이 특징이다. 작가는 묘사된 줄거리의 정수를 추출하여 보는 사람의 시선이 세부 사항으로 채울 수 있도록 하는 것 같습니다. 이 그림에서 회색과 반짝이는 검정 잉크의 전환은 물론 저자에게 영감을 준 선의 철학과 매우 가깝습니다. 이 신조는 가마쿠라의 군사력 하에서도 상당한 영향을 미쳤지만 수많은 선종 수도원이 생겨난 15세기와 16세기에도 급속도로 퍼졌습니다. 주로 "자기 구원"의 사상을 설파하면서 구원을 부처와 연관 짓지 않고 오히려 인간의 엄격한 자기 훈련에 의존하여 그를 절대자와 결합시키는 갑작스러운 직관적 "깨달음"을 달성했습니다. 잉크를 아껴 쓰지만 대담하게 사용하고 종이의 도색되지 않은 부분이 이상적인 풍경, 현인 및 과학자를 묘사하는 데 중요한 역할을 하는 비대칭 구성은 이러한 철학과 일치했습니다.
단색 수묵화의 한 양식인 수묵화의 가장 유명한 주창자 중 한 명은 길고 다작의 삶을 통해 계속 숭배를 받았던 선 승려인 셋슈(1420-1506)였습니다. 그의 말년에 그는 하보쿠(빠른 잉크) 스타일을 사용하기 시작했는데, 이는 명확하고 경제적인 획이 필요한 성숙한 스타일과 달리 단색 그림의 전통을 거의 추상화로 가져왔습니다.
Kano 가족 예술가의 활동과 스타일 개발은 같은시기에 해당합니다. 대상의 선택이나 먹의 사용은 중국어에 가까웠으나 표현수단에 있어서는 일본에 머물렀다. 가노는 막부의 지원을 받아 "공식" 학교가 되거나 예술적 스타일그림을 그리고 19세기에도 번성했습니다.
야마토에의 순진한 전통은 일본화의 두 번째 중요한 방향인 토사파의 작품에 계속해서 살아 숨쉬고 있습니다. 사실 그 당시 Kano와 Tosa 두 학교는 밀접하게 연결되어 있었습니다. 현대 생활. 가노 모토노부(1476~1559) 뛰어난 예술가이 시기에 자신의 딸을 유명한 화가 토사와 결혼시켰을 뿐만 아니라 그의 방식으로 그림을 그렸습니다.
15~16세기. 주목할만한 조각 작품이 몇 개 밖에 없었습니다. 그러나 다양한 분위기와 감정을 지닌 누 드라마의 발전은 조각가들에게 새로운 활동 영역을 열었습니다. 그들은 배우를 위해 가면을 조각했습니다. 귀족에 의해 그리고 귀족을 위해 공연되는 일본 고전 드라마에서 배우(한 명 이상)는 가면을 썼습니다. 그들은 두려움, 불안, 혼란에서 절제된 기쁨에 이르기까지 다양한 감정을 전달했습니다. 일부 마스크는 매우 훌륭하게 조각되어 배우가 머리를 조금만 돌리면 미묘한 표정 변화가 발생했습니다. 이 마스크의 놀라운 예는 가족 구성원이 만든 가족에 의해 수년 동안 보관되었습니다.
모모야마 시대
(1568-1615). 1593년, 위대한 군사 독재자 히데요시는 모모야마에 성을 쌓았는데, 이 이름은 아시카가 막부가 멸망한 후부터 1615년 도쿠가와 즉 에도 시대가 성립될 때까지의 47년을 가리키는 관례입니다. 이 시기는 완전히 새로운 무사계급이 우세하여 예술의 번영에 큰 기여를 했습니다. 큰 청중 홀과 긴 복도가 있는 인상적인 성은 16세기 말에 유행했습니다. 그들의 위대함에 걸맞는 장신구를 요구했다. 엄격하고 용감한 사람들의 시대였고, 새로운 후원자들은 이전 귀족들과 달리 지적 추구나 장인 정신의 미묘함에는 특별히 관심이 없었습니다. 다행스럽게도 새로운 세대의 예술가들은 후원자들에게 부응했습니다. 이 기간 동안 밝은 진홍색, 에메랄드, 녹색, 보라색 및 푸른 꽃. 종종 금색이나 은색을 배경으로 한 이러한 화려한 색상과 장식 형태는 100년 동안 큰 인기를 끌었고, 이를 만든 사람들은 당연히 "위대한 장식가"라고 불렸습니다. 미묘한 일본적 취향 덕분에 호화로운 스타일은 저속함으로 변질되지 않았고 절제와 절제가 사치와 장식의 과잉으로 바뀌어도 일본인은 우아함을 유지했습니다.
이 시대의 첫 번째 위대한 예술가 중 한 명인 Eitoku Kano(1543-1590)는 Kano와 Tosa의 스타일로 작업하여 첫 번째 그림의 개념을 확장하고 두 번째 색상의 풍부함과 결합했습니다. 비록 Eitoku가 작가로 안전하게 식별될 수 있는 작품은 몇 개만 남아 있지만 그는 Momoyama 스타일의 창시자 중 한 명으로 간주되며 이 시기의 대부분의 예술가는 그의 제자이거나 그의 영향을 받았습니다.
에도 또는 도쿠가와 시대
(1615-1867). 새로 통일된 일본에 찾아온 긴 평화는 통치자의 이름을 따서 도쿠가와 시대 또는 1603년 이 도시가 새로운 권력의 중심지가 되었기 때문에 에도(현대 도쿄)라고 불립니다. 짧은 모모야마 시대의 두 유명한 장군 오다 노부나가(1534-1582)와 도요토미 히데요시(1536-1598)는 군사 행동과 외교를 통해 마침내 강력한 씨족과 호전적인 성직자를 화해시켰습니다. 1598년 히데요시가 죽자 권력은 도쿠가와 이에야스(1542-1616)에게 넘어가 공동으로 시작된 조치를 완료했습니다. 1600년 세키가하라의 결정적인 전투는 이에야스의 입지를 강화했고, 1615년 오스카 성의 함락은 히데요시 가문의 최종적인 붕괴와 도쿠가와 막부의 완전한 통치를 확립하는 것과 함께 이루어졌습니다.
도쿠가와의 평화로운 통치는 15대에 걸쳐 지속되었으며 19세기에 이르러서야 끝났습니다. 기본적으로 "닫힌 문" 정책의 기간이었습니다. 1640년 칙령에 따라 외국인의 일본 입국이 금지되었고 일본인은 해외 여행을 할 수 없었습니다. 유일한 상업 및 문화 연결은 나가사키 항구를 통한 네덜란드 및 중국과의 연결이었습니다. 다른 고립 기간과 마찬가지로 17세기 말에 민족적 감정이 고조되고 등장했습니다. 소위 장르 회화 및 판화 학교.
빠르게 성장하는 에도의 수도는 섬 제국의 정치 및 비즈니스 생활의 중심지일 뿐만 아니라 예술과 공예의 중심지가 되었습니다. 지방 봉건 영주인 다이묘가 매년 특정 기간 동안 수도에 있어야 한다는 요구 사항으로 인해 궁전 건물을 포함한 새로운 건물이 필요했고 따라서 예술가들이 건물을 장식해야 했습니다. 동시에 등장한 부유하지만 귀족적이지 않은 상인 계급은 예술가들에게 새롭고 종종 비전문적인 후원을 제공했습니다.
에도 시대 초기의 예술은 부분적으로 모모야마 스타일을 계승하고 발전시켜 고급스러움과 화려함에 대한 경향을 강화했습니다. 기괴한 이미지의 풍부함과 이전 시대로부터 물려받은 다색성은 계속해서 발전합니다. 이 장식 양식은 17세기 후반에 절정에 달했습니다. 소위. 도쿠가와 시대(1688-1703)의 겐로쿠 시대. 일본 장식 예술에서는 화려한 라이프 스타일의 속성 인 그림, 직물, 옻칠의 화려 함과 풍부한 색상 및 장식 모티프와 유사하지 않습니다.
상대적인 이야기를 하기 때문에 후기역사, 많은 예술가의 이름과 그들의 작품이 보존된 것은 놀라운 일이 아닙니다. 여기에서 가장 눈에 띄는 몇 가지만 언급할 수 있습니다. 모모야마 시대와 에도 시대에 살았던 장식 학교의 대표자는 혼나미 고에츠(1558-1637)와 노노무라 소타츠(d. 1643)입니다. 그들의 작업은 놀라운 패턴, 구성 및 색상 감각을 보여줍니다. 재능있는 도예가이자 칠기 예술가인 Koetsu는 서예의 아름다움으로 유명했습니다. 그들은 Sotatsu와 함께 당시 유행했던 두루마리 시를 만들었습니다. 문학, 서예, 회화의 이러한 조합에서 이미지는 단순한 일러스트레이션이 아니라 텍스트 인식에 적합한 분위기를 생성하거나 제안했습니다. 오가타 고린(1658-1716)은 장식 양식의 계승자 중 한 명으로 동생 오가타 겐잔(1663-1743)과 함께 장식 기법을 완성했습니다. 예술가보다 도예가로 더 잘 알려진 Kenzan은 그의 유명한 형의 디자인이 새겨진 그릇을 발사했습니다. 19세기 초 이 학교의 부흥. 시인이자 화가인 사카이 호이츠(1761-1828)는 장식 양식의 마지막 물결이었습니다. Horitsu의 아름다운 두루마리와 병풍은 Korin의 그림 감각과 Maruyama 자연주의의 자연에 대한 관심을 결합하여 붓놀림의 화려함과 기교로 누그러진 초기의 풍부한 색상과 장식 모티브를 탄생시켰습니다.
다색 장식 스타일과 함께 전통적인 가노파 수묵화가 계속 인기를 끌었습니다. 1622년 가노 탄유(1602-1674)는 쇼군의 궁정 화가로 임명되어 에도로 부름을 받았습니다. 그가 이 직책에 임명되고 코비키토에 가노 화파의 에도 유파가 설립됨으로써 반세기에 걸친 이 전통의 예술적 리더십이 시작되어 가노 가문의 명성을 회복하고 에도 시대의 작품을 가노 회화에서 가장 중요한 것으로 만들었습니다. "훌륭한 장식가"와 라이벌이 만든 금색과 밝은 색상으로 칠해진 스크린의 인기에도 불구하고 Tangyu는 그의 재능과 공식적인 지위의 힘 덕분에 귀족들 사이에서 부활 한 Kano 학교의 그림을 대중화 할 수있었습니다. Tanyu는 단단한 파선과 넓은 자유 표면에 구성 요소를 잘 배치하여 Kano 학교의 전통적인 특징에 힘과 단순성을 더했습니다.
새로운 방향 주요 특징자연에 대한 관심이 있었고 18세기 말에 유행하기 시작했습니다. 마루야마 오쿄(1733-1795), 머리 새로운 학교, 농민이었고 성직자가되었고 마침내 예술가가되었습니다. 처음 두 수업은 그에게 행복이나 성공을 가져다주지 않았지만 예술가로서 그는 큰 높이에 도달했으며 Maruyama 사실주의 학교의 창시자로 간주됩니다. 그는 Kano 학교의 주인 Ishida Yutei (d. c. 1785)와 함께 공부했습니다. 그는 수입된 네덜란드 판화를 바탕으로 서구의 원근법 기법을 이해했고 때로는 단순히 이 판화를 베끼기도 했다. 그는 또한 Chen Xuan(1235-1290)과 Shen Nanping의 미묘하고 사실적인 스타일을 포함하여 Song과 Yuan 왕조의 중국 스타일을 연구했습니다. 후자는 18세기 초에 나가사키에 살았습니다. 오쿄는 자연에서 많은 작품을 만들었고 그의 과학적 관찰은 마루야마 학파의 기반이 되는 자연 인식의 기초를 형성했습니다.
18세기 자연주의에 대한 관심과 더불어. 중국 예술 전통의 새로운 영향. 이러한 경향의 대표자들은 명나라(1368-1644)와 청나라(1644-1912) 화가-과학자들의 화파에 끌렸지만, 중국의 현재 예술 상태에 대한 그들의 이해는 아마도 제한적이었을 것입니다. 이 일본 학교의 예술은 부진가(교육받은 사람들의 예술)라고 불렸습니다. bujinga 스타일의 가장 영향력 있는 거장 중 한 명은 유명한 화가이자 서예가인 Ikeno Taiga(1723-1776)였습니다. 그의 성숙한 스타일은 밝은 톤과 잉크의 가벼운 깃털 선으로 채워진 두꺼운 윤곽선이 특징입니다. 그는 또한 넓고 자유로운 검정 잉크로 바람과 비에 구부러진 대나무 줄기를 묘사했습니다. 짧은 곡선으로 숲으로 둘러싸인 호수 위로 안개 낀 산의 이미지를 조각한 듯한 효과를 냈다.
17 세기 에도 시대의 또 다른 주목할만한 예술 방향을 낳았습니다. 이것은 소위 우키요에(변화하는 세계의 그림)입니다. 서민에 의해 그리고 서민을 위해 만들어진 장르 장면입니다. 초기 우키요에는 교토의 옛 수도에서 시작되었으며 대부분 그림이 아름다웠습니다. 그러나 생산의 중심은 곧 에도로 옮겨갔고, 대가들의 관심은 목판화에 집중되었다. 우키요에와 목판 인쇄의 밀접한 연관성은 목판 인쇄가 이 시기의 발견이라는 오해를 불러일으켰습니다. 사실 그것은 11세기에 시작되었습니다. 이러한 초기 이미지는 불교의 창시자와 신을 묘사하는 본질적으로 봉헌되었으며 가마쿠라 시대에는 조각된 블록에서 일부 이야기 두루마리가 재현되었습니다. 그러나 조각술은 17세기 중반에서 19세기 사이에 특히 인기를 끌었다.
우키요에 조각의 주제는 게이 구역의 아름다운 기녀, 좋아하는 배우, 드라마 장면이었습니다. 일찍, 소위. 원시적인 판화는 강한 리드미컬한 물결선과 함께 검은색으로 제작되었으며, 간단한 패턴. 그들은 때때로 겨자색 노란색과 녹색 표시가 있는 tan-e(밝은 빨간색 그림)라고 하는 주황색-빨간색으로 손으로 칠했습니다. 일부 "원시적" 예술가들은 우루슈에(옻칠 그림)라는 손 그림을 사용했는데, 이 그림에서는 접착제를 추가하여 어두운 부분을 강조하고 더 밝게 만들었습니다. 1741년 또는 1742년에 등장한 초기 다색 인쇄는 베니주리에(진홍색 인쇄)라고 불리며 일반적으로 장미 빨강, 녹색, 때로는 노란색의 세 가지 색상을 사용했습니다. 전체 팔레트를 사용하고 nishiki-e(브로케이드 이미지)라고 하는 진정한 다색 판화는 1765년에 등장했습니다.
개별 판화를 만드는 것 외에도 많은 조각가들은 책에 그림을 그리고 책과 두루마리에 에로틱한 삽화를 만들어 돈을 벌었습니다. 우키요에 조각은 세 가지 유형의 활동으로 구성되어 있다는 점을 명심해야 합니다. 그것은 이름이 인쇄된 기안가, 조각가 및 프린터의 작업이었습니다.
히시카와 모로노부(c. 1625-1694)는 우키요에 판화 제작 전통의 창시자로 간주됩니다. 이러한 추세의 다른 "원시적" 예술가로는 Kiyomasu(1694-1716)와 Kaigetsudo 그룹(존재가 불분명한 이상한 예술가 커뮤니티), Okumura Masanobu(1686-1764)가 있습니다.
베니주리화를 만든 과도기 예술가는 이시카와 도요노부(1711-1785), 도리이 기요히로(현역 1751-1760), 도리이 기요미츠(1735-1785)였습니다.
스즈키 하루노부(1725-1770)의 작품은 다색 판화의 시대를 열었습니다. 부드럽고 거의 중성적인 색상으로 가득 차 있고 우아한 숙녀와 용감한 연인으로 채워진 Harunobu 지문은 큰 성공을 거두었습니다. 비슷한 시기에 Katsukawa Shunsho(1726-1792), Torii Kienaga(1752-1815), Kitagawa Utamaro(1753-1806)가 그와 함께 일했습니다. 그들 각각은 이 장르의 발전에 기여했습니다. 주인은 우아한 아름다움을 묘사하는 판화를 가져 왔고 유명 배우완벽하게. 1794-1795년의 몇 달 동안 신비한 Tosusai Saraku는 당시 배우들의 놀랍도록 강하고 솔직히 잔인한 초상화를 만들었습니다.
19세기 초반 10년 동안 이 장르는 성숙기에 이르렀고 쇠퇴하기 시작했습니다. 가쓰시카 호쿠사이(1760-1849)와 안도 히로시게(1797-1858)는 19세기 조각 예술의 쇠퇴를 연결시킨 당대 최고의 거장들이다. 그리고 20세기 초 새로운 부흥. 둘 다 주로 풍경화가였으며 판화에 현대 생활의 사건을 고정했습니다. 조각가와 프린터 기술의 뛰어난 숙달 덕분에 판화에서 기발한 선과 석양 또는 새벽에 떠오르는 안개의 가장 작은 음영을 전달할 수있었습니다.
메이지 유신과 근대.
한 사람 또는 다른 사람의 고대 예술이 이름, 날짜 및 살아남은 작품이 좋지 않은 경우가 종종 있으므로 모든 판단은 매우 신중하고 관습적으로만 이루어질 수 있습니다. 그러나 어떤 운동이나 예술가와 그의 작품의 규모를 정확하게 평가하기 위해서는 역사적 관점이 없기 때문에 현대 미술을 판단하는 것은 그다지 어렵지 않습니다. 일본 미술 연구도 예외는 아니며, 할 수 있는 최선은 현대 미술의 파노라마를 제시하고 잠정적인 예비 결론을 도출하는 것입니다.
19세기 후반 일본 항구는 무역을 위해 재개되었고 정치 현장에서 큰 변화가 일어났습니다. 1868년 막부가 폐지되고 메이지 천황이 복고되었다. 공식 수도와 천황의 거처는 에도로 옮겨졌고 도시 자체는 도쿄(동경)로 알려지게 되었습니다.
과거에 일어났던 것처럼 국가적 고립의 종식은 다른 국가의 성과에 많은 관심을 불러일으켰습니다. 이때 일본은 과학과 기술에서 큰 도약을 이루었습니다. 예술적으로 메이지 시대(1868-1912)의 시작은 기술을 포함한 모든 서양의 수용을 보여줍니다. 그러나이 열정은 오래 가지 않았고 동화 기간, 새로운 형태의 출현, 고유 한 전통으로의 복귀와 새로운 서양 경향이 결합되었습니다.
예술가 중에는 Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) 및 Tomioka Tessai (1836-1942)가 명성을 얻었습니다. 처음 세 사람은 분위기와 기법에서 독창성을 보여주려고 노력했지만 전통적인 일본식 스타일과 주제를 고수했습니다. 예를 들어 Seihō는 교토의 조용하고 보수적인 분위기에서 일했습니다. 그의 초기 작업은 마루야마의 자연주의적 방식으로 이루어졌지만 이후 그는 중국을 광범위하게 여행했으며 중국 수묵화의 영향을 많이 받았습니다. 유럽의 박물관과 주요 예술 센터로의 여행도 그의 작품에 흔적을 남겼습니다. 이 시대의 모든 저명한 예술가들 중에서 토미오카 텟사이만이 새로운 스타일을 개발하는 데 근접했습니다. 힘차고 힘찬 그의 작품에는 거칠고 뒤틀리고 들쭉날쭉한 선과 검은 잉크 번짐이 곱게 쓰여진 색의 조각과 어우러진다. 나중에 몇몇 젊은 유화가들은 할아버지가 실패한 곳에서 성공했습니다. 이 특이한 소재로 작업하려는 첫 번째 시도는 파리 캔버스를 연상케했으며 특별한 가치나 특이성으로 구별되지 않았습니다. 일본어 기능. 그러나 지금은 추상적인 주제를 통해 일본 특유의 색감과 균형감각이 빛나는 뛰어난 매력의 작품들이 만들어지고 있습니다. 더 자연스럽고 전통적인 잉크로 작업하고 때로는 서예를 출발점으로 사용하는 다른 예술가들은 회색 음영이 있는 화려한 검은색으로 활기찬 추상 조각을 만듭니다.
에도 시대와 마찬가지로 19세기와 20세기에도 말이죠. 조각품은 인기가 없었습니다. 그러나이 분야에서도 미국과 유럽에서 공부 한 현대 세대의 대표자들은 매우 성공적으로 실험했습니다. 작은 청동 조각품, 형태가 추상적이고 이상한 이름으로 부드러운 녹색 또는 따뜻한 갈색 녹청을 사용하여 나타나는 일본식 선과 색상 감각을 보여줍니다. 목각은 재료의 질감에 대한 일본인의 사랑을 증언합니다.
일본의 "창의적인 판화"인 Sosaku hanga는 20세기 첫 10년 동안에만 등장했지만 특별한 예술 방향으로서 현대 미술의 다른 모든 영역을 능가했습니다. 이 현대 판화는 엄밀히 말하면 오래된 우키요에 목판화의 후계자가 아닙니다. 스타일, 플롯 및 생성 방법이 다릅니다. 서양 회화의 영향을 많이 받은 예술가들은 자신의 예술적 유산의 중요성을 깨닫고 자신의 창조적 이상을 표현하는 데 적합한 재료를 나무에서 찾았습니다. 한가의 명인들은 그림을 그리는 것뿐만 아니라 나무판에 그림을 새기고 직접 인쇄하기도 한다. 목공은 이 예술 형식에서 최고 수준이지만 모든 현대 서양 판화 기술이 사용됩니다. 경우에 따라 나뭇잎, 꼬기 및 "발견된 물체"를 실험하면 독특한 표면 질감 효과를 만들 수 있습니다. 처음에 이러한 추세의 주인은 인정을 받아야했습니다. 결국 우키요에 학교의 최고의 업적조차도 지적 예술가와 문맹 군중과 관련이 있었고 평민 예술로 간주되었습니다. Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi, Maekawa Senpan과 같은 예술가들은 판화에 대한 존경심을 회복하고 이 방향을 가치 있는 지점으로 확립하기 위해 많은 노력을 기울였습니다. 미술. 그들은 많은 젊은 예술가들을 그들의 그룹으로 끌어들였고 조각가들은 이제 수백 명에 달합니다. 일본과 서양에서 인정받은 이 세대의 거장 중에는 Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen 및 Saito Kiyoshi가 있습니다. 이들은 혁신과 부인할 수 없는 재능으로 일본을 대표하는 예술가들 사이에서 가치 있는 위치를 차지할 수 있었던 거장들입니다. 많은 동료들과 다른 젊은 한가 예술가들도 놀라운 판화를 제작했습니다. 여기서 그들의 이름을 언급하지 않는다는 사실이 그들의 작업에 대한 낮은 평가를 의미하지는 않습니다.
예술 및 응용 예술, 건축 및 정원
이전 섹션에서는 주로 대부분의 국가에서 미술의 주요 유형으로 간주되는 회화와 조각에 관한 내용이었습니다. 일본 예술의 중요하고 필수적인 부분인 장식 예술과 민속 공예, 정원 예술과 건축 양식을 기사 끝에 포함시키는 것은 아마도 불공평할 것입니다. 그러나 아마도 건축을 제외하고는 특별한 고려가 필요합니다. 일반적인 주기화일본 예술과 스타일 변화.
도자기와 도자기.
일본에서 가장 중요한 예술과 공예는 도자기와 도자기입니다. 도예는 자연스럽게 두 가지 범주로 나뉩니다. 섬세한 다색 Imari, Nabeshima 및 Kakiemon 도자기는 생산지에서 이름을 따 왔으며 크림색 또는 청백색 표면의 풍부한 그림은 귀족과 궁정을 대상으로 했습니다. 진짜 도자기를 만드는 과정은 16세기 말이나 17세기 초에 일본에서 알려지게 되었습니다. 매끄러운 유약을 바른 접시와 그릇은 비대칭적이거나 비단 같은 패턴으로 가정과 서양 모두에서 가치가 있습니다.
시노, 오리베, 비젠에서 흔히 볼 수 있는 점토나 저질의 돌덩어리로 만든 투박한 도기의 자기와 달리 겉보기에는 소박하지만 장식적인 요소를 세심하게 배치한 소재에 시선이 집중된다. 선불교의 개념에 영향을 받은 이러한 그릇은 지식인 사이에서 매우 인기가 있었고 특히 다도에서 널리 사용되었습니다. 다도 예술의 속성인 많은 컵, 찻주전자 및 캐디에는 강인한 자기 수양과 엄격한 단순성이라는 선불교의 정수가 구현되어 있습니다. 일본 장식 예술의 전성기 재능있는 예술가 Korin과 Kenzan은 도자기 제품 장식에 종사했습니다. Kenzan의 명성은 화가가 아니라 도예가로서의 그의 재능과 더 관련이 있다는 것을 기억해야 합니다. 그릇을 만드는 간단한 유형과 기술 중 일부는 민속 공예 전통에서 나옵니다. 오래된 전통을 이어가는 현대 작업장에서는 우아하고 단순함을 즐길 수 있는 아름다운 제품을 생산합니다.
래커 제품.
이미 7-8 세기에. 바니시는 일본에서 알려졌습니다. 이 때부터 사람들의 이미지와 기하학적 모티브로 장식된 관의 뚜껑이 얇은 금색 선으로 적용되어 보존되었습니다. 우리는 이미 8세기와 9세기 조각에서 건칠 기법의 중요성에 대해 이야기했습니다. 동시에 그리고 나중에 편지함이나 향 상자와 같은 장식용 물건이 만들어졌습니다. 에도 시대에는 이러한 제품이 대량으로 만들어졌으며 가장 화려한 장식으로 만들어졌습니다. 인로(inro)라고 불리는 아침 식사용, 케이크용, 향과 약용으로 화려하게 장식된 상자는 이 시대 고유의 사치에 대한 부와 사랑을 반영했습니다. 물체의 표면은 금은 가루, 금박 조각, 단독 또는 조개 상감, 자개, 주석과 납의 합금 등으로 문양을 장식했습니다. 이러한 패턴은 옻칠한 빨강, 검정 또는 갈색 표면과 대조를 이룹니다. 고린이나 고에츠 등의 작가가 옻칠 도안을 제작한 경우도 있지만, 이 작품에 직접 참여했을 가능성은 희박하다.
검.
이미 말했듯이 일본인은 역사의 상당한 기간 동안 전사의 민족이었습니다. 무기와 갑옷은 대다수의 인구에게 필수 품목으로 간주되었습니다. 검은 인간의 자존심이었다. 칼날 자체와 검의 다른 모든 부분, 특히 손잡이(츠바)는 다양한 기술로 장식되었습니다. 철이나 청동으로 만든 쓰바는 금과 은 상감으로 장식하거나 두 가지로 조각하거나 손질했습니다. 그들은 풍경이나 인물, 꽃 또는 가문의 문장(mon)을 묘사했습니다. 이 모든 것이 검 제작자의 작업을 보완했습니다.
직물.
화려하고 풍요로운 시대에 궁중과 성직자들이 선호하는 무늬가 풍부한 비단과 기타 직물, 민속 예술의 거의 원시적인 디자인 특성을 지닌 평직물도 일본 국민의 재능을 표현한 것입니다. 풍요로운 겐로쿠 시대에 절정에 이르렀던 직물 예술은 현대 일본에서 다시 번성했습니다. 서양의 아이디어와 인조 섬유를 전통적인 색상과 장식 모티브와 결합합니다.
정원.
최근 수십 년 동안 서양 대중이 이러한 예술 형식에 더 많이 노출되면서 일본 정원과 건축에 대한 관심이 높아졌습니다. 일본의 정원에는 특별한 장소가 있습니다. 그들은 높은 종교적, 철학적 진리의 표현이자 상징이며 정원의 명백한 아름다움과 결합된 이러한 모호하고 상징적인 의미는 서구 세계의 관심을 불러일으킨다. 종교적이거나 철학적인 사상이 있었다고 말할 수 없다. 주된 이유정원을 만들지만 기획자는 정원을 계획하고 만들 때 그러한 요소를 고려했으며, 그 생각은 보는 사람으로 하여금 다양한 철학적 진리에 대해 성찰하게 할 것입니다. 여기에서 선불교의 관조적 측면은 잔디와 결합된 특이한 돌, 긁어모은 모래와 자갈의 물결, 또는 그 뒤의 흐름이 사라지고 다시 나타나도록 배열된 식물로 구현되며, 이 모든 것이 시청자가 정원 건설에 제시된 아이디어를 독립적으로 완성하도록 격려합니다. 이해하기 쉬운 설명보다 모호한 힌트를 선호하는 것은 선 철학의 특징입니다. 이제 서양에서 인기 있는 분재 난쟁이 나무와 작은 화분 정원은 이러한 아이디어의 연속이 되었습니다.
건축학.
기본 건축 기념물일본은 사원, 수도원 단지, 봉건 성 및 궁전입니다. 고대부터 오늘날까지 목재는 주요 건축 자재였으며 대부분 디자인 특징을 결정합니다. 가장 오래된 종교 건물은 일본의 국교인 신도의 사당입니다. 글과 그림으로 미루어 보아 고대 민가처럼 초가지붕을 얹은 비교적 단순한 건물이었다. 불교가 전파된 후 세워진 사원 건물은 스타일과 배치에서 중국 원형을 기반으로 했습니다. 사찰 건축은 시간이 지남에 따라 변화했으며 건물의 장식과 배치는 종파에 따라 다양했습니다. 일본식 건물은 높은 지붕이 있는 큰 홀과 복잡한 콘솔 시스템이 특징이며 장식은 당시의 취향을 반영합니다. 7세기 초에 나라 근처에 세워진 호류지 단지의 단순하고 장엄한 건축물은 연꽃 호수에 비친 우지의 "봉황당"인 후도의 아름다움과 우아함이 헤이안 시대의 특징인 것처럼 아스카 시대의 특징입니다. 에도 시대의 보다 정교한 구조물은 해자 성과 봉건 궁전의 내부를 장식한 동일한 "위대한 장식가"가 만든 풍부하게 칠해진 미닫이 문과 병풍의 형태로 추가 장식을 받았습니다.
일본의 건축과 정원은 서로의 일부로 간주될 정도로 밀접하게 관련되어 있습니다. 이것은 다도를 위한 건물과 정원 집에 특히 해당됩니다. 그들의 개방성, 단순성, 풍경과 관점에 대한 세심하게 만들어진 연결은 다음에 큰 영향을 미칩니다. 현대 건축서쪽.
서양에서 일본 예술의 영향
불과 1세기 만에 일본의 미술은 서양에 알려지게 되었고 상당한 영향을 미쳤습니다. 이전에도 접촉이 있었지만(예를 들어, 네덜란드인은 나가사키 항을 통해 일본과 무역을 했습니다), 17세기에 유럽에 도착한 물건은 주로 응용 예술품인 도자기와 칠기였습니다. 호기심으로 열심히 수집하고 다양한 방식으로 복사했지만 이러한 장식 수출품은 일본 미술의 본질과 품질을 반영하지 않았으며 일본인에게 서양의 취향에 대한 무례한 생각조차 제공했습니다.
서양화는 1862년 유럽에서 일본 미술의 직접적인 영향을 처음으로 경험했다. 국제 전시회런던에서. 5년 후 파리 박람회에서 소개된 일본 목판화는 새로운 관심을 불러일으켰습니다. 여러 개인 판화 컬렉션이 즉시 생겨났습니다. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh 등은 일본 컬러 프린트를 계시로 받아들였습니다. 인상파에 대한 일본 판화의 영향은 미미하지만 항상 눈에 띕니다. 미국인 Whistler와 Mary Cassatt는 선의 절제와 우키요에 판화와 그림의 밝은 색상에 매료되었습니다.
1868년 일본이 외국인에게 개방되면서 서양의 모든 것에 매료되었고 일본인은 자신의 풍부한 문화와 예술 유산을 외면하게 되었습니다. 이때 많은 아름다운 그림과 조각품이 팔렸고 결국 서양 박물관과 개인 소장품이 되었습니다. 이러한 항목의 전시회는 서양을 일본에 소개하고 극동 여행에 대한 관심을 자극했습니다. 의심할 여지 없이 제2차 세계대전 말 미군이 일본을 점령하면서 일본 사원과 그 보물에 대해 알고 더 깊이 연구할 수 있는 기회가 이전보다 더 많이 열렸습니다. 이러한 관심은 미국 박물관의 참석에 반영되었습니다. 일반적으로 동양에 대한 관심은 일본의 공공 및 개인 컬렉션에서 선택하여 미국과 유럽으로 가져온 일본 미술 전시회 조직으로 인해 발생했습니다.
최근 수십 년 동안의 과학적 연구는 일본 미술이 중국 미술의 반영일 뿐이라는 견해를 반박하는 데 많은 역할을 했으며, 영어로 된 수많은 일본 출판물은 서양에 동양의 이상을 소개했습니다.
