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큐비즘의 발전 입체파

입체파 (fr. Cubisme) -
모더니스트 트렌드
미술, 특히
20세기 초에 시작된 회화에서
그리고 용도가 특징
강조 기하학적 조건부
형태, 실제를 "분할"하려는 욕구
개체를 입체 프리미티브로 변환합니다.
입체파의 출현은 전통적이다.
1906-1907년 "큐비즘"이라는 용어
이후 1908년 등장
미술 평론가루이 보셀
Georges Braque "큐빅의 새로운 그림
변덕".

큐비즘은 20세기 1/4분기 회화에서 시작된 예술 경향으로, 그 대표자는 객관적인 세계를 형식으로 묘사합니다.

큐비즘은 최초의 예술 운동입니다.
20세기의 4분의 1을 대표하는 회화
규칙적인 기하학적 조합의 형태로 객관적인 세계
볼륨: 큐브, cubosphere, cubocylinder, cubocone, 완료
사물의 아이디어를 표현하기 위해 예술가는 전통적인
관점 착시그리고 그들에게 주기 위해 노력한다
형태의 분해를 통한 종합적인 이미지와
하나의 그림의 틀 내에서 여러 유형을 결합합니다.
형태에 대한 관심 증가는
색상을 사용하여. 난색돌출 요소용
플롯 모티프, 먼 거리의 차가운 색상 또는
그림의 먼 요소.
건축과 조각에서는 용도가 특징입니다.
기하학적으로 강조된 조건부 형식, 욕망
실제 객체를 입체 프리미티브로 분할,
가장 단순한 기하학적 모양을 식별하려는 욕구,
기본 객체.

입체파의 발전에는 Cezanov, Analytical, Synthetic의 세 가지 기간이 있습니다. 1. "Sezanovsky"또는 다른 방법으로 "Negro"레인

큐비즘의 발전에는 세 가지 기간이 있습니다: Cezanov,
분석, 합성.
1. "Cezanovsky", 즉 "Negro" 기간은 다음과 관련이 있습니다.
바울이 시작한 원시 예술의 발견과 재고
세잔. 이 시기의 특징은 다음과 같은 그림들이다.
형태의 날카로운 단절, 많은 양을 묘사합니다.
에 안도감을 만드는 비행기에 배치
영상. 색 구성표는 볼륨을 강조하고 압도했습니다.
작곡은 주로 풍경, 인물,
자연에서 그린 정물.
2. 분석 기간의 특징은 다음과 같습니다.
객체는 구성 요소로 완전히 분해됩니다.
작은 별도의 패싯으로 계층화됩니다. 색상
팔레트는 흑백으로 축소되었습니다. 이 기간 개발
큐비즘은 독립적이라기보다 과도기에 가까웠습니다.
3. 합성 단계는 1912년부터 1914년까지 지속되었습니다. 이 기간 동안
장식성이 우세하고 그림이 더 좋아집니다.
패널.

대표자

그림
파블로 피카소,
조르주 브라크,
아리스타크 렌툴로프
사진
조셉 바달로프
조각품
알렉산더 아르키펜코,
콘스탄틴 브랑쿠시

큐비즘의 가장 저명한 대표자와 그 창시자는 파블로 피카소와 조르주 브라크라는 두 명의 위대한 예술가로 간주됩니다.

그들의 작품에서 예술가들은 기하학을 비교했습니다.
묘사된 것과 최소한의 유사성이 있는 표면
그들은 형태가 사물과 멀리 떨어져 있어야 한다고 믿었습니다.
묘사된 주제. 일은 감정적이지 않았다
포화. 선과 모양이 감정을 대체했습니다. 꽃을 피우다
큐비스트의 작품은 최소한의 가치를 부여받았고,
예술가들은 가능한 한 적게 사용하려고 노력했습니다. 이것
주로 회색, 검은색, 갈색 색상. 의 이미지
입체파의 작품은 삶의 원형이 없었고
추상적이 된, 자신만이 이해할 수 있는 현실
자동 RU. 화가들은 대상을 마치 여러 지점에서 본 것처럼 표현했습니다.
위, 아래, 내부, 측면에서 본 이미지는 위에 배치되었습니다.
하나의 캔버스를 다른 캔버스 위에 겹쳐 놓았습니다. 묘사하고 싶은 욕구
형언할 수 없는 것은 회화 장르의 단순화로 이어졌다.

Cubists는 작품을 장르 (초상화, 풍경, 정물)로 세분화하지 않고 그림이라는 공통된 이름을 부여했습니다. Cubists의 주요 정복, 그리고

입체파 화가들은 작품을 장르(초상화,
풍경, 정물), 공통 이름을 부여했습니다.
그림. Cubists의 주요 정복,
예술 평론가는 무한한 자유를 고려합니다.
당신의 방향의 가능성을 확장하려면
그림에 다양한 기법을 결합한 입체파와
재료: 색종이, 월페이퍼 등 중 하나
새로운 표현 수단콜라주가 되었다 - 몽타주
스티커 사진.
시간이 지남에 따라 새로운 방향이 정지되었습니다. 안에
새로운 표현 수단을 찾는 아티스트
사진에 붙인 신문지, 포장지
그 위에 칠했습니다. 그들은 그것이 그들을 허용한다고 믿었습니다
공간을 만듭니다.

파블로 피카소

파블로 피카소(1861-1973) - 뛰어난
20세기 예술가, 화가, 기안가,
입체파의 창시자 중 한 명인 조각가, 조각가.
파블로 피카소는 미술의 기초를 받았다
그림 선생님인 아버지의 작품.
그 후 14세부터 바르셀로나에서 공부했습니다.
16세에 예술 아카데미에 입학
마드리드의 산 페르나도 왕립 아카데미.
1904년 화가는 파리로 이사했다.

입체파 스타일의 첫 번째 작품 중 하나는 "Avignon Girls"(1907) 그림이었습니다. 이 캔버스에서 플롯은 보이지만 사실성은 이미 사라지고 있습니다. 수치

입체파 스타일의 첫 번째 작품 중 하나는 "Avignon
소녀들"(1907). 안에 이 캔버스줄거리는 보이지만 현실감은 이미
사라집니다. 여성의 형상은 기하학적 형태로 묘사되며,
패턴의 요철 평면. 부분적으로 여전히 느껴진다
명암을 이용한 명암 모델링의 존재감이 있지만,
뇌졸중은 이미 활발히 사용되고 있습니다.

"공에 소녀"(1905)

"세 음악가"

"지식과 자비"

"라운드 테이블"

스페인의 사건은 P. Picasso의 작품에서 반응을 얻었고 그는 그림 "Guernica"(1937)를 그렸습니다. 여기서 몇 가지 요소를 볼 수 있습니다.

스페인의 사건은 P. Picasso의 작업에서 응답을 찾았습니다.
그림 "게르니카"(1937). 여기서 당신은 몇 가지를 볼 수 있습니다
리얼리즘 요소. 그 그림은 인류에 대한 경고가 되었습니다.
다가오는 전쟁, 파시즘의 공포에 대해
사회. 저자는 부서지기 쉬운 선의 도움으로 항의와 불안을 표현했습니다.
그림 속 캐릭터의 얼굴을 억제합니다.

조르주 브라크

조르주 브라크(1882-1963) - 프랑스 화가,
입체파의 창시자 중 한 명인 조각가, 조각사.
J. Braque는 Argenteuil에서 태어났습니다. 미술
먼저 아버지와 함께 공부한 다음 예술가의 스튜디오에서 공부했습니다.
데코레이터. 1902년에 그는 앰버 아카데미에 들어갔다.
파리.
그의 작업 초기에 Braque는 Fauvism과 관련이 있었습니다.
복잡한 색상을 사용하여 주로 풍경을 그렸습니다.
감마. 초기그의 작품은 일치한다
분석적 입체주의 시대. 그는 일하고있다
정물과 풍경, 실제로 사용
단일 색상 범위. 제1차 세계대전 중 결혼
최전선에 투입되어 부상당하고 중상을 입었다.
작업. 회복 후 그는 다시
창의성. 점차 결혼은 큐비즘에서 멀어지고,
평면 그림 생성으로 전환
색깔이 다양했다. 1930년부터 예술가는
작곡에 사용 인물 V
인테리어, 추상화 스타일에 매우 가깝습니다.
나중에 J. Braque의 그림은 간결해집니다.
사막 평원과 바다 해안의 풍경
노르망디는 모티프와 조화롭게 결합됩니다.
가을 들판에 버려진 배와 쟁기. 작곡
조화롭고 고전주의에 매우 가깝습니다.

"앤트워프의 항구"(1906)

1949-1956년. Braque는 그의 가장 중요한 작품 중 하나인 "Workshops" 시리즈를 만들었습니다.

1949-1956년. Braque는 "Workshops" 시리즈를 만들었습니다.
중요한 작품, 여기에는 8개의 대형 캔버스가 포함되어 있습니다.
반짝이는 예술품의 이미지
흰 새의 이미지는 창의적인 비행의 상징입니다. 항목
더 알아보기 쉽고 더 다양한 색상이 됩니다.
감마. 나중에 새의 이미지는 그의 작업에서 독립적으로 발전합니다.
테마("검은 새", 1956-1957)

"바이올린과 투수"
"기타를 가진 여자"

아리스타크 렌툴로프(1882-1943)

1882년 펜자 주 보로나 마을에서 태어났다.
신부의 가족. 초기 Aristarkh Lentulov의 어머니
막내인 4명의 자녀를 둔 과부를 남겼습니다.
미래의 예술가였습니다.
Penza Theological School Lentulov 이후
신학교로 옮겼다. 그러나 Penza에서 그들은 열었습니다
미술 학교와 Aristarkh Lentulov는
첫 번째 세트. 추가 예술 교육
Lentulov는 Kiev Art School에서 받았습니다.
D. Kardovsky의 St. Petersburg 스튜디오에서.
1909년부터 그는 모스크바에서 살았다.

"1812년 애국 전쟁의 우화적 묘사". (1912)

파리에서 돌아온 작가는 모스크바의 건축 기념물을 묘사하는 일련의 패널을 만들었습니다. 이 작품들은 자연을

파리에서 돌아온 화가는 다음을 묘사하는 일련의 패널을 만들었습니다.
건축 기념물모스크바. 이 작품들은 연결
자연스러운 인상 중세 건축, 전통적인
민속적 밝기와 입방체 미래형 형태의 변형. ~ 안에
1910년대의 많은 작품에서 Lentulov는 아플리케를 사용했습니다.
"니즈니 노브고로드"(1915)

"울림 (이반 대 종탑)"(1915)

“탑이 있는 문. 새 예루살렘(1917년)

성 바질 (1913년)

"초상화의 상징적 유사성에 대한 연구"(1912)

알렉산더 아르키펜코(1887-1964)

우크라이나계 미국인 조각가,
키예프에서 태어났다. 1906년 그는
모스크바로, 1908년에는 파리로 옮겼다.
Arkhipenko의 전기에는
발전의 기틀을 마련했다.
조각의 큐빅 기법., 여기서
곧 Cubists에 합류했고 1923년에
미국으로 이주했습니다. 조각품
Archipenko는 날카로운
변형 및 기하학적
플라스틱 형태의 양식화,
먼 관계만 유지
현실. 그의 작품은 구별된다
고의적인 비율 왜곡과
날카로운 선형 리듬.

그의 "Black Torso"(1909)는 최초의 입체파 조각으로 간주됩니다) 그는 일종의 추상 표현주의, 무거운 질량으로 이동합니다.

그의 "검은 몸통"(1909)
최초의 큐비스트로 여겨지는
조각) 그는
추상의 종류
표현주의, 무거운 대중
고전 조각
표현적으로 단순화된 형식으로 대체되었습니다. 이 단계
추상화로 이어집니다.
자연의 모방을 거부하고,
아티스트 디자인
자율적인 플라스틱 언어. 안에
1920-1923년 아르치펜코
베를린에서 가르치고
미국으로 이민을 가서 그가 머무를 때까지
삶의 끝.

"슬픔에 잠긴 여자"
(1914)
"빗질하는 여자
머리카락"(1915)

콘스탄틴 브랑쿠시(b. 1876)

현실에서 전환
입체파
무의미함은
창의성의 특징
유명한 거장
모더니즘 조각,
근무한 루마니아인
프랑스. 그의 조각품
초등학교에 내장
입체적 형태.
그는 주로 일했다
금속, 돌, 나무.

Brancusi의 작품 "Muse"는 작가의 최고의 작품으로 간주되며 그의 모든 재능을 선보이며 성인기를 표현했습니다.

브랑쿠시의 "뮤즈"
카운트 최고의 직업작가,
그가 상상할 수 있었던
당신의 모든 재능, 당신의 표현
숙성 기간. 진실
조각을 위한 뮤즈
남작 부인이되었습니다. "뮤즈"가되었습니다
브랑쿠시의 첫 작품,
1913년 미국에서 전시된
그에게 인기를 주고
신세계에서의 인정
추상 스타일의 창시자
입체파 조각. 동안
지난 25년
작품이 제출되지 않았습니다
일반 대중, 그녀도 아니다
시장에 내놓았습니다.

"잠자는 뮤즈"

조각가 박물관 워크숍

조셉 바달로프

사진작가 Iosif Badalov가 반사를 포착합니다. 깨진 거울그리고
큐비즘을 사진으로 구현하고자 합니다. 형이상학적 사진,
Iosif Badalov가 작업하는 장르에서 경험입니다.
추상적 아이디어의 시각화. 사소하지 않은 창의적인 작업
Badalov가 받아들이지 않는다는 사실로 인해 복잡해집니다. 그래픽 편집기그리고 다
작곡은 라이브로 촬영됩니다.
발레리나들은 그의 스튜디오에서 날아오르고 조수들은 실탄을 쏘며 달려간다.
벽에는 부서진 거울, 반사경, 스포트라이트 및
예상치 못한 소품이 있는 랙.

입체파(정말로. 큐비즘)는 20세기 초에 시작된 시각 예술, 주로 회화의 아방가르드 경향으로, 강조적으로 기하학적인 조건부 형식을 사용하는 것이 특징이며, 실제 물체를 입체적인 기본 요소로 "분할"하려는 욕구입니다.

입체파의 부상

큐비즘의 출현은 전통적으로 1906-1907년으로 거슬러 올라가며 파블로 피카소와 조르주 브라크의 작품과 관련이 있습니다. "Cubism"이라는 용어는 1908년 예술 평론가 Louis Vaucell이 Braque의 새로운 그림을 "cubic quirks"라고 불렀을 때 만들어졌습니다.
1912년부터 미술 평론가들이 "합성 입체파"라고 부르는 입체파의 새로운 지부가 탄생했습니다. 입체파의 주요 목표와 원리를 간단하게 공식화하는 것은 다소 어렵습니다. 회화에서 이러한 경향의 세 단계는 서로 다른 미적 개념을 반영하여 구별될 수 있으며 각각은 개별적으로 고려될 수 있습니다: 세잔(1907-1909), 분석적(1909-1912) 및 합성적(1913-1914) 큐비즘.

20세기 초 가장 유명한 입체파 작품은 피카소의 그림이었다. 아비뇽 소녀들", "Guitar"는 Juan Gris, Fernand Leger, Marcel Duchamp, Alexander Archipenko의 조각품 등의 작품입니다.

« 아비곤 걸스 »

세잔 큐비즘

이것은 일반적으로 개체 형태의 추상화 및 단순화 경향이 특징 인 입체파의 첫 번째 단계의 이름입니다. 19세기 후반의 초월주의에 이어 그들은 다음과 같이 주장했다. 진짜 현실물질 세계에 대한 반영이 아니라 아이디어를 소유합니다.

입체파의 형성에 직접적인 영향을 준 것은 폴 세잔의 그림에서 형태를 실험한 것이었다. 1904년과 1907년 파리에서 그의 작품 전시회가 열렸다. 1906년 피카소가 그린 거트루드 스타인의 초상화에서 이미 세잔의 예술에 대한 열정을 느낄 수 있다. 그런 다음 Picasso는 입체파를 향한 첫 번째 단계로 간주되는 아비뇽의 처녀 그림을 그렸습니다.

거트루드 스타인의 초상

1907년과 1908년 초 동안 피카소는 그의 작품에서 흑인 조각의 형태를 계속 사용했습니다(나중에 이 시기는 그의 작품에서 "흑인" 시대라고 불리기 시작했습니다).
1907년 가을 두 중요한 사건들: 세잔의 회고전과 브라크와 피카소의 지인. 1907년 여름 결혼은 Estaca에서 보냈고 그곳에서 그는 Cezanne 그림에 관심을 갖게 되었습니다. 1907년 말부터 브라크와 피카소는 입체파 스타일로 작업하기 시작했습니다.

"팬을 가진 여자". 1909년 파블로 피카소

"비돈과 그릇". 1908년 파블로 피카소

분석적 입체주의

입체파의 두 번째 단계인 분석적 입체파는 사물의 이미지가 사라지고 형태와 공간의 구분이 점차 흐려지는 것이 특징입니다. 공간의 형태 배열과 큰 구성 덩어리와의 관계는 끊임없이 변화하고 있습니다. 결과는 형태와 공간의 시각적 상호 작용입니다.

"다니엘-헨리 카웨일러의 초상". 1910년 파블로 피카소

"AMBROISE VOLLARD의 초상화". 1915 G. 파블로 피카소

종합 입체파

합성 큐비즘(Synthetic Cubism)은 예술적 인식움직임. 이것은 1911년부터 큐비즘의 적극적인 지지자가 된 Juan Gris의 작품에서 처음으로 나타났습니다. 스타일의 이 단계는 회화에서 3차원의 중요성을 부인하고 회화적 표면을 강조하는 것이 특징입니다. 분석적이고 밀폐된 입체파라면 모든 것이 예술적 수단형태의 이미지를 생성하는 역할을 했다면, 합성 큐비즘 색상, 표면 질감, 패턴 및 선은 새로운 대상을 구성(합성)하는 데 사용됩니다.

카페에 있는 남자, 1914 후안 그리스

"고리버들 의자가 있는 정물"(1911-1912) 파블로 피카소

"바이올린과 기타"(1913). 파블로 피카소

"코끼리 그리기" - 2단계: 다음으로 코끼리의 몸통과 다리를 그립니다. 자, 학습을 시작합시다. 단계별 드로잉. 5단계: 모든 보조 회선과 더 이상 필요하지 않은 회선을 지웁니다. 연필을 집으십시오. 코끼리를 그리는 방법을 모르십니까? 4단계: 그리고 마지막으로 중요한 것은 코끼리의 눈, 송곳니, 꼬리입니다. 3단계: 다음으로 코끼리 머리에 귀를 그립니다.

"색상" - 빨간색. 색상의 조화로운 조합. 노란색. 잘하셨어요! 여름 풍경공장으로. 흰색이 추가되면 변경됩니다. 가을. 백조공주. 주요 색상 특징: Arles에 있는 Vincent의 침실. 엄마. 브루벨. 봄. 색상 그룹. 이전보다 밝은 색상입니다. 따뜻한 색상. 정답입니다. 잘하셨습니다. 다음 버튼을 클릭하세요.

"그래피티" - 항의로서의 GRAFFITI. 승리의 박물관, 앙가르스크. 앙가르스크. 그래피티 페스티벌. 안가르스크에 있는 어린이와 청소년을 위한 창의력 궁전 공원. 그라프 커뮤니티. 예술로서의 그래피티. 예술을 만드십시오 - 전쟁은 없습니다!!! 트렌드는 1970년대에 탄생했습니다. 뉴욕에서. 그래피티 스타 - BANKSY. 1990년대 러시아에서 등장.

"플라스틱으로 그리기" -플라스틱 작업의 이점. 데모 보조, 예시 자료. 부착 스무딩 플라크 적용. 주요 임무는 거의 색상을 혼합하지 않고 플라스틱으로 표면을 채우는 것입니다. 콘텐츠. 마스터 클래스 plasticine (plasticine)으로 그림 그리기. 골판지 형식이 증가하고 있습니다.

"회화의 경향" -신체의 세포 구조, 유전학 분야의 발견. 20세기 초 문학의 주요 경향. 작가는 공정한 연구원입니다. 회화의 타락. 기 드 모파상(1850-1893). 자연주의. 인간의 힘에 대한 절망과 불신의 동기가 우세합니다. “논리와 명료함으로 내려라! 비판적 사실주의

"색상의 의미" - 관련된 기관: . 마음. 우울증. 부정적인 정신 상태에 도움: . 점막 친밀한 관계에 해당합니다. 악과 무례. 감정과 감정의 강성. 신경증. 신장과 부신. 시원하다. 낮은 자존감. 송과선. 심리학과 색채: .

주제에 대한 총 14개의 프레젠테이션이 있습니다.

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야수파가 눈을 즐겁게 하고 감각을 진정시키는 예술을 꿈꾸었다면 입체파는 인간의 영혼". 새로운 방향은 주로 형식 분야에서 실험적인 검색을 계속하려는 욕구에 의해 결정되었습니다. P. Picasso는“많은 사람들은 큐비즘이 특별한 종류의 과도기적 예술이자 실험이며 그 결과는 미래에만 느껴질 것이라고 믿습니다. 그렇게 생각하는 것은 큐비즘을 오해하는 것입니다. 큐비즘은 '씨앗'이나 '태아'가 아니라 형태가 가장 중요한 예술이며, 한 번 만들어진 형태는 사라지지 않고 독립적인 삶을 살아갑니다.

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저널리스트 Louis Vexel은 1908년 11월 파리에서 열렸고 1908년에 큰 행사가 된 Georges Braque(1882-1963)의 그림 전시회에 대한 리뷰에서 유사한 특성화를 선택했습니다. 예술적인 삶유럽. 그리고 예술가들은 자신의 예술과 관련하여 "큐비즘"이라는 용어가 너무 좁다고 생각했지만 그럼에도 불구하고 뿌리를 내리고 회화의 새로운 경향 중 하나를 지정하기 시작했습니다. 더욱이 큐비즘은 조각, 건축, 예술과 공예, 발레, 시노그래피, 심지어 문학까지 다른 예술에 상당한 영향을 미쳤습니다.

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조르주 브라크. 바이올린과 팔레트. 1910 박물관 현대 미술, 큐비즘의 뉴욕 컬러와 플롯 수행 부역, 주요한 것은 그림, 정적 구성 및 구성이었습니다. Pablo Picasso는 다음과 같이 말했습니다. “Cubism은 일반적인 예술 경향과 다르지 않습니다. 동일한 원칙과 요소가 다른 곳과 마찬가지로 여기에도 적용됩니다. 큐비즘이라는 사실 오랫동안이해할 수 없는 상태로 남아 있었고 지금도 그에 대해 아무것도 이해하지 못하는 사람들이 있다는 것이 그가 지지할 수 없다는 것을 의미하지는 않습니다. 내가 독일어를 읽지 않는다는 사실은... 독일어존재하지 않는다".

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사진이 진짜 말썽꾸러기가 되었어요 스페인 예술가파블로 피카소(1881-1973) 아비뇽의 소녀들. 파블로 피카소. 아비뇽 소녀들. 1907 현대 미술관, 뉴욕

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큐비즘 예술의 새로운 방향을 제시한 것은 바로 그녀였습니다. 마티스는 그 안에서 만화를 보았다. 현대 트렌드그림에서 그것은 그의 친구의 나쁜 속임수라고 생각했습니다. 이 작품을 처음 본 사람 중 한 명인 J. Braque는 피카소가 그를 "끌어당기고 등유를 마시게" 하고 싶어한다고 분개하며 선언했습니다. 러시아의 저명한 수집가이자 큰 팬아티스트 S. I. Shchukin의 재능은 스튜디오에서 그녀를보고 눈물을 흘리며 외쳤습니다. 프랑스 회화!" 다행스럽게도 비평가들의 수많은 공격은 피카소의 창의적인 검색에 대한 인센티브에 불과한 것으로 판명되었습니다. 거대한 캔버스는 고전 예술의 규범을 분명히 무시한 예술가의 오랜 반성의 결과였습니다. 여성의 아름다움. Picasso는 다음과 같이 설명했습니다. 나는 다르게 했다.나는 모든 것을 다시 해야할지 스스로에게 물었다. 그런 다음 그는 말했습니다. 아니요, 그들은 내가 말하고 싶은 것을 이해할 것입니다.

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작가가 "말하고 싶었던 것"은 무엇이며 그녀의 청중을 혼란스럽게 한 것은 무엇입니까? 다섯 누드 여성 인물, 다른 각도에서 캡처하여 캔버스의 거의 전체 표면을 채웠습니다. 얼어붙은 우상처럼 단단한 나무나 돌을 부주의하게 깎아 만든 형상이다. 이상한 마스크 얼굴은 심하게 왜곡되고 변형됩니다. 감정과 감정을 박탈당한 그들은 동시에 두렵고 매혹적입니다. 오른쪽 소녀는 갈라진 커튼을 통해 무관심하게 보입니다. 등을 대고 앉아있는 인물은 뒤돌아 시청자를 열심히 응시했다. 모든 모습에서-여성을 거부하고 질병과 죽음에 이르게 한 사회에 대한 음소거 비난과 비난. 따라서 작가에 따르면 그림은 동시대 사람들의 잠든 양심을 깨워야했기 때문에 굴욕적이고 무력한 여성, 분노한 아름다움을 옹호하는 예술가의 열정적 인 목소리로 인식됐다.

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회화의 새로운 방향 개발의 두 번째 단계는 합성 큐비즘으로 간주됩니다. 다양한 아이템 실생활. 파블로 피카소. 밀짚 의자가 있는 정물화. 1912년 파리 피카소 미술관

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파블로 피카소. 밀짚 의자가 있는 정물화. 1912년 파리 피카소 미술관 기타 목, 식탁보 테두리, 원통형 유리 줄기, 병 목, 흡연 파이프 벤드, 데크 카드 놀이-모든 것이 그림을 해독하는 구실이 될 수 있습니다. 문자와 숫자, 단어 조각, 전신이나 신문 줄 조각, 상점과 카페 창문의 비문, 자동차 번호, 항공기 측면의 식별 표시가 특히 자주 도입되었습니다 ... 또한 그림에서 그들은 다음과 같은 재료를 사용했습니다. 외국인이었다 오일 페인팅: 모래, 톱밥, 철, 유리, 석고, 석탄, 보드, 벽지. 이것은 콜라주(색상과 질감이 다른 재료를 베이스에 접착하는 것) 예술의 시작이었습니다.

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어느 날 Picasso는 고리 버들 의자의 그리드를 묘사 한 유포를 가져갔습니다. 필요한 모양의 조각을 잘라내어 캔버스에 붙였습니다. 이것이 "밀짚 의자가있는 정물"이 만들어진 방법입니다. 작은 타원형의 그림은 기존 회화의 규범에 어긋나는 디테일로 가득 차 있었다. 그럼에도 불구하고 서로 다른 요소들은 특정한 방식으로 연결되어 하나의 전체를 만들어 냈습니다. 파블로 피카소. 밀짚 의자가 있는 정물화. 1912년 파리 피카소 미술관 "피카소가 의도적으로 위반한 조화 지각하나의 캔버스에 물체를 결합한 그림, 각각의 현실은 다양한 정도. 그러나 그들은 모순되고 동시에 보완적인 감정의 게임을 만드는 방식으로 통합됩니다.”(R. Penrose).

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정물 외에도 Cubists는 종종 초상화 장르로 전환했습니다. 에 표현된 남자의 모습 기하학적 모양, 실제 모델을 매우 원격으로 재현했습니다. 머리는 공, 팔은 직사각형, 등은 삼각형을 닮았다. 얼굴은 여러 개의 개별 요소로 분리되어 묘사되는 사람의 모습을 복원하기가 어려웠습니다. 그러나 미국 비평가가 파리의 한 카페에서 피카소의 입체파 초상화에서만 그에게 친숙한 남자를 알아 본 사례가 알려져 있습니다. 파블로 피카소. 앙브루아즈 볼라르의 초상, 1909-1910 푸쉬킨 박물관 임. A. S. 푸쉬킨, 모스크바

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유명한 "Ambroise Vollard의 초상화"에서 아티스트가 놀라운 "유사성"을 달성했습니다. 복잡한 크리스털을 배경으로 제작된 이 제품은 유명한 수집가의 다소 납작한 코를 어렴풋이 전달합니다. 높고 곧은 이마는 부드러운 톤의 도움으로 일반적인 회색 범위의 색상에서 두드러집니다. 간신히 식별할 수 있는 얼굴 특징은 입방체 형태에 흡수됩니다. Vollard 자신은 많은 사람들이 캔버스에서 그를 알아볼 수 없었지만 그의 친구 중 한 명의 4 살짜리 아들이 초상화를 처음 보았을 때 즉시 "이것은 Ambroise 삼촌입니다! "라고 외쳤다 고 주장했습니다. 파블로 피카소, 앙브루아즈 볼라르의 초상, 1909-1910, 푸슈킨 미술관, 모스크바

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그의 이름은 그의 생애 동안 이미 전설로 둘러싸여 있었습니다. 그들은 그를 존경하고 논쟁했습니다. 그는 전복되었고 다시 올림푸스 봉우리에 세워졌습니다. 수백 건의 연구가 그에 대해 작성되었습니다. 파블로 피카소에 따르면 그가 눈부신 발견을 한 20세기 예술은 앞으로 오랫동안 평가될 것입니다. 그의 동시대 Andre Breton (1898-1966)의 격언은 여전히 그 의미와 의미를 유지합니다. "피카소가 지나간 곳에서는 할 일이 없습니다."

Georges Braque (1882-1963) - 입체파의 창시자 중 한 명인 프랑스 화가, 조각가, 조각가. J. Braque는 Argenteuil에서 태어났습니다. 그는 처음에는 아버지와 함께 미술을 공부한 다음 미술가 겸 장식가의 스튜디오에서 공부했습니다. 1902년 파리의 호박 아카데미에 입학했다. 그의 작업 초기에 Braque는 Fauvism과 관련이 있었고 복잡한 것을 사용하여 주로 풍경을 그렸습니다. 색 구성표. 그의 작업 초기는 분석적 큐비즘 시대와 일치한다. 그는 거의 단색 범위를 사용하여 정물과 풍경을 작업합니다. 제1차 세계 대전 중에 브라크는 최전선에 배치되어 부상을 입고 심각한 수술을 받았습니다. 회복 후 그는 다시 창의력으로 돌아갑니다. 점차적으로 Braque는 입체파에서 벗어나 더 다양한 색상의 평면 그림을 만드는 것으로 전환합니다. 1930 년부터 작가는 추상화에 매우 가까운 스타일로 자신의 작곡에서 내부의 인물을 사용하기 시작했습니다. 나중에 J. Braque의 그림은 간결해집니다. 사막 평원과 노르망디 해안의 플롯은 버려진 배와 가을 들판의 쟁기 모티브와 조화롭게 결합됩니다. 구성은 조화롭고 고전주의에 매우 가깝습니다.