집 › 테스트 드라이브 › 하프시코드는 어때? 하프시코드: 역사, 비디오, 흥미로운 사실, 듣기

하프시코드는 어때? 하프시코드: 역사, 비디오, 흥미로운 사실, 듣기

하프시코드[프랑스어] 늦은 위도에서 clavecin. clavicymbalum, 위도에서. clavis - 키(따라서 키) 및 심벌럼 - 심벌즈] - 뽑은 건반 악기. 16세기부터 알려져 있습니다. (14세기 초에 제작되기 시작) 하프시코드에 대한 최초의 정보는 1511년으로 거슬러 올라갑니다. 가장 오래 살아남은 악기 이탈리아 작품 1521년으로 거슬러 올라갑니다.

하프시코드는 psalterium에서 유래했습니다(재구성 및 건반 메커니즘 추가의 결과).

처음에 하프시코드는 모양이 사각형이었고 모습길이가 다른 현(각 키는 특정 톤으로 조정된 특수 현에 해당)과 보다 복잡한 키보드 메커니즘을 가진 "자유" 클라비코드. 하프시 코드의 현은 푸셔 인 막대에 장착 된 새 깃털의 도움으로 핀치로 진동했습니다. 키를 누르면 뒤쪽 끝에 있는 푸셔가 올라가고 깃털이 현에 걸렸습니다(나중에는 새의 깃털 대신 가죽 플렉트럼이 사용되었습니다).

푸셔의 윗부분 장치 : 1 - 현, 2 - 해제 메커니즘의 축, 3 - languette (프랑스어 languette에서), 4 - plectrum (혀), 5 - 댐퍼.

하프시코드의 사운드는 훌륭하지만 선율적이지 않습니다(저키함). 키 타격의 특성에 따라 달라집니다. 하프시 코드의 음향을 향상시키기 위해 2 배, 3 배, 심지어 4 배의 현 (각 음색에 대해)이 사용되었으며, 이는 단일, 옥타브 및 때로는 다른 간격으로 조율되었습니다.

진화

17세기 초부터 정맥 대신에 금속 현, 길이 증가(고음에서 저음으로). 이 악기는 길이 방향(키와 평행)의 현 배열을 가진 삼각형 익돌체 모양을 획득했습니다.

17~18세기. 하프시코드에 다이내믹한 더 다양한 사운드를 제공하기 위해 악기는 2개(때로는 3개)의 수동 건반(매뉴얼)으로 만들어졌으며, 이 건반은 계단식으로 배열되어 있습니다(보통 상단 매뉴얼은 한 옥타브 높게 조정됨). 고음 확장, 베이스의 옥타브 더블링 및 음색 색상 변경(류트 음역, 바순 음역 등).

레지스터는 건반 측면에 있는 레버나 건반 아래에 있는 버튼 또는 페달로 작동되었습니다. 일부 하프시코드에서는 음색의 다양성을 높이기 위해 류트를 연상시키는 특징적인 음색 색상으로 세 번째 건반을 배치했습니다(소위 류트 건반).

모습

겉으로보기에 하프시 코드는 일반적으로 매우 우아하게 마감되었습니다 (본체는 그림, 인레이, 조각으로 장식되었습니다). 악기의 마감은 루이 15세 시대의 세련된 가구와 잘 어울렸습니다. 16-17세기. 앤트워프의 거장 Ruckers의 하프시코드는 음질과 예술적인 디자인이 돋보였습니다.

다른 나라의 하프시코드

"harpsichord"(프랑스에서는 archichord-영국에서는 kilflugel-독일에서는 clavichembalo 또는 약칭 cembalo-이탈리아에서는)라는 이름은 최대 5 옥타브 범위의 대형 날개 모양 악기에 대해 보존되었습니다. 또한 일반적으로 모양이 직사각형이고 단일 현과 최대 4 옥타브 범위의 작은 악기가 있습니다. epinet (프랑스), spinet (이탈리아), virginel (영국).

바디가 수직인 하프시코드 - . 하프시코드는 솔로, 실내악 앙상블, 관현악 악기로 사용되었습니다.

virtuoso harpsichord 스타일의 창시자는 이탈리아 작곡가이자 harpsichordist D. Scarlatti였습니다 (그는 harpsichord에 대한 수많은 작품을 소유하고 있습니다). 프랑스 하프시코드 연주자 학교의 창시자는 J. Chambonnière입니다(그의 하프시코드 작품, 2권, 1670년이 인기를 끌었습니다).

17~18세기 후반 프랑스 하프시코드 연주자. -, J.F. Rameau, L. Daken, F. Daidriyo. 프랑스 하프시코드 음악은 세련된 취향의 예술입니다. 세련된 매너, 합리적으로 명확하고 귀족 에티켓에 종속됩니다. 하프시코드의 섬세하고 서늘한 소리는 선택된 사회의 '좋은 음색'과 조화를 이뤘다.

용감한 스타일(로코코)은 프랑스 하프시코드 연주자들 사이에서 생생한 구현을 발견했습니다. 하프시 코드 미니어처 (미니어처는 로코코 예술의 특징적인 형태)의 가장 좋아하는 주제는 여성 이미지 ( "Capturing", "Flirty", "Gloomy", "Shy", "Sister Monica", Couperin의 "Florentine"), 용감한 춤 (미뉴에트, 가보트 등), 목가적 인 그림이 장소를 차지했습니다. 농민 생활("The Reapers", "The Grape Pickers" by Couperin), 의성어 미니어처("The Hen", "The Clock", "The Chirping" by Couperin, "The Cuckoo" by Daken 등). 전형적인 특징 하프시코드 음악- 풍부한 멜로디 장식.

18세기 말까지 프랑스 하프시 코드 연주자의 작품은 연주자의 레퍼토리에서 사라지기 시작했습니다. 그 결과 이렇게 오랜 역사를 가진 악기는 예술적 유산, 음악 연습에서 강제로 피아노로 대체되었습니다. 그리고 쫓겨날 뿐만 아니라 19세기에 완전히 잊혀졌습니다.

이것은 미적 선호도의 급격한 변화의 결과로 발생했습니다. 하프시 코드가 이상적인 표현 수단이었던 영향 이론 (간단히 본질 : 하나의 분위기, 영향-하나의 소리 색상)에 대한 명확하게 공식화되거나 명확하게 느껴지는 개념을 기반으로하는 바로크 미학은 먼저 양보했습니다. 감상주의의 세계관으로, 그 다음에는 고전주의와 마지막으로 낭만주의라는 더 강한 방향으로. 반대로 이러한 모든 스타일에서 감정, 이미지, 분위기와 같은 변경 가능성에 대한 아이디어가 가장 매력적이고 발전되었습니다. 그리고 피아노는 그것을 표현할 수 있었습니다. 하프시 코드는 디자인의 특성으로 인해 원칙적으로이 모든 것을 수행 할 수 없습니다.

하프시코드

확실히 콘서트에서 피아노처럼 보이지만 크기가 훨씬 작고 여러 건반과 완전히 다른 울리는 금속 소리가 나는 악기를 발견 했습니까? 이 악기의 이름은 하프시코드(프랑스어에서 유래)입니다. 프랑스와 러시아에서는 하프시코드, 이탈리아에서는 쳄발로(때로는 클라비쳄발로), 영국에서는 하프시코드로 불립니다. 하프시코드는 건반으로 소리를 내는 현악기입니다.

소리, 음색:

하프시코드의 소리는 다른 악기와 혼동하기 어렵고, 특별하고 화려하며 갑작스럽습니다. 이 소리를 듣자마자 고대의 춤과 무도회, 상상을 초월하는 헤어스타일의 화려한 드레스를 입은 귀족 궁녀들이 등장한다. 하프시코드의 가장 큰 차이점은 다른 악기처럼 소리가 다이내믹하게 부드럽게 변할 수 없다는 것입니다. 이 문제를 해결하기 위해 마스터는 수동 스위치와 레버를 사용하여 켜는 다른 레지스터를 추가하는 아이디어를 내놓았습니다. 키보드 측면에 있습니다. 조금 후에 풋스위치가 등장하여 연주하기가 더 쉬워졌습니다.
흥미로운 사실:

하프시코드는 항상 미용실과 홀을 장식하는 귀족적인 악기로 여겨져 왔습니다. 가장 부유한 사람들유럽. 그렇기 때문에 예전에는 값 비싼 나무로 만들어졌고 열쇠는 거북이 껍질, 진주 모판으로 덮여 있었고 때로는 보석으로 상감되었습니다.
일부 하프시코드에는 검은색 하단 건반과 흰색 상단 건반이 있다는 사실을 알고 계셨습니까? 모든 것이 그랜드 피아노나 피아노와 정반대입니다. 이 주요 색상을 사용한 하프시코드는 17세기 프랑스에서 일반적이었습니다. 역사가들이 설명하듯이, 그러한 건반 마감은 당시 예술에서 널리 퍼진 용감한 스타일과 관련이 있었습니다.
처음에는 하프시 코드가 테이블 위에 놓였고 조금 후에 장인이 아름다운 다리를 추가했습니다.
한때 지휘자는 하프시 코드에 앉아야했고 왼손으로 연주하고 오른손으로 음악가를 이끌었습니다.
일부 마스터는 하프시코드의 소리를 재현하려고 시도했습니다. 그래서 피아노 Red October에서 소비에트 시간, 세 번째 페달은 금속 갈대가 부착된 현에 특수 직물을 내립니다. 망치로 두드리면 특유의 소리가 난다. 소비에트 피아노 "Accord"는 같은 디자인을 가지고 있습니다.
하프시코드의 풋스위치는 1750년까지 나타나지 않았습니다.
처음에는 현을 두 배로 늘리고 세 배로 사운드 역학을 변경했지만 17-18 세기에만 다른 레지스터를 사용하여 2 개 또는 3 개의 매뉴얼이있는 악기를 만들기 시작했습니다. 이 경우 상단 매뉴얼은 한 옥타브 높게 튜닝되었습니다.
오랫동안 1521년 이탈리아 거장 히에로니무스의 악기가 오늘날까지 남아 있는 가장 오래된 하프시코드로 간주되었지만 나중에 리비지메노의 빈센티우스가 1515년 9월 18일에 만든 더 오래된 하프시코드를 발견했습니다.
16세기의 하프시코드는 주로 이탈리아(베니스)에서 유래했으며 사이프러스로 만들어졌습니다. 두 개의 건반(매뉴얼)이 있는 프랑스 악기는 호두나무였습니다.
대부분의 하프시코드에는 류트 음역이 있으며 비음 음색이 특징입니다. 이 소리를 내기 위해 펠트나 가죽으로 만든 천 조각으로 현을 막았습니다.
중세 시대 스페인 왕 Philip II의 궁정에는 소위 "고양이 하프시 코드"가있었습니다. 그것은 키보드와 고양이가 놓여 있는 여러 구획이 있는 직사각형 상자로 구성된 장치였습니다. 그 전에는 동물을 두드리고 꼬리를 밟고 목소리에 따라 배열했습니다. 그런 다음 불행한 고양이의 꼬리를 열쇠 아래에 고정하고 눌렀을 때 바늘이 꽂혔습니다. 동물은 큰 소리로 비명을 질렀고 연주자는 그의 멜로디를 계속 연주했습니다. Perth I는 또한 그의 호기심의 캐비닛을 위해 "고양이 하프시코드"를 의뢰한 것으로 알려져 있습니다.
유명한 프랑스 하프시 코드 연주자 F. Couperin은 우리 시대의 음악가들이 사용하는 "The Art of Playing the Harpsichord"라는 논문을 가지고 있습니다.
하프시 코드를 연주 할 때 엄지 손가락 (첫 번째 손가락)을 적극적으로 사용하기 시작한 것은 Couperin이었습니다. 그 전에는 음악가가 4 개만 연주했고 다섯 번째는 관여하지 않았습니다. 이 아이디어는 곧 다른 공연자들에 의해 채택되었습니다.
유명한 연주자 Handel은 어렸을 때 그의 아버지가 음악가의 경력에 반대하고 법학 학위를 받기를 꿈꿨 기 때문에 다락방에서 하프시 코드 연주를 연습해야했습니다.
흥미롭게도 점퍼의 행동은 W. 셰익스피어가 그의 128번째 소네트에서 묘사했습니다.
하프시코드를 연주하는 음악가들은 오르간과 클라비코드도 성공적으로 소유했기 때문에 클라비에리스트라고 불렸습니다.
콘서트 하프시코드의 음역이 ser라는 점은 주목할 만하다. XVIII 세기는 피아노보다 조금 더 넓었습니다.

악기: 하프시코드

확실히 콘서트에서 피아노처럼 보이지만 크기가 훨씬 작고 여러 건반과 완전히 다른 울리는 금속 소리가 나는 악기를 발견 했습니까? 이 악기의 이름은 하프시코드입니다. 프랑스와 러시아에서는 하프시코드, 이탈리아에서는 쳄발로(때로는 클라비쳄발로), 영국에서는 하프시코드로 불립니다. 하프시코드는 건반으로 소리를 내는 현악기입니다.

소리

사진:

흥미로운 사실

하프시코드는 항상 유럽에서 가장 부유한 사람들의 살롱과 홀을 장식하는 귀족적인 악기로 여겨져 왔습니다. 그렇기 때문에 예전에는 값 비싼 나무로 만들어졌고 열쇠는 거북이 껍질, 진주 모판으로 덮여 있었고 때로는 보석으로 상감되었습니다.
일부 하프시코드에는 검은색 하단 건반과 흰색 상단 건반이 있다는 사실을 알고 계셨습니까? 모든 것이 그랜드 피아노나 피아노와 정반대입니다. 이 주요 색상을 사용한 하프시코드는 17세기 프랑스에서 일반적이었습니다. 역사가들이 설명하듯이, 그러한 건반 마감은 당시 예술에서 널리 퍼진 용감한 스타일과 관련이 있었습니다.
처음에는 하프시 코드가 테이블 위에 놓였고 조금 후에 장인이 아름다운 다리를 추가했습니다.

한때 지휘자는 하프시 코드에 앉아야했고 왼손으로 연주하고 오른손으로 음악가를 이끌었습니다.
일부 마스터는 하프시코드의 소리를 재현하려고 시도했습니다. 따라서 소비에트 시대에 만들어진 붉은 10월 피아노에서 세 번째 페달은 금속 갈대가 부착된 현에 특수 직물을 내립니다. 망치로 두드리면 특유의 소리가 난다. 소비에트 피아노 "Accord"는 같은 디자인을 가지고 있습니다.
하프시코드의 풋스위치는 1750년까지 나타나지 않았습니다.
처음에는 현을 두 배로 늘리고 세 배로 사운드 역학을 변경했지만 17-18 세기에만 다른 레지스터를 사용하여 2 개 또는 3 개의 매뉴얼이있는 악기를 만들기 시작했습니다. 이 경우 상단 매뉴얼은 한 옥타브 높게 튜닝되었습니다.
오랫동안 1521년 이탈리아 거장 히에로니무스의 악기가 오늘날까지 남아 있는 가장 오래된 하프시코드로 간주되었지만 나중에 리비지메노의 빈센티우스가 1515년 9월 18일에 만든 더 오래된 하프시코드를 발견했습니다.
16세기의 하프시코드는 주로 이탈리아(베니스)에서 유래했으며 사이프러스로 만들어졌습니다. 두 개의 건반(매뉴얼)이 있는 프랑스 악기는 호두나무였습니다.
대부분의 하프시코드는 류트비음 음색이 특징입니다. 이러한 소리를 내기 위해 현은 펠트 또는 가죽으로 만든 천 조각으로 머플러되었습니다.
중세 시대 스페인 왕 Philip II의 궁정에는 소위 "고양이 하프시 코드"가있었습니다. 그것은 키보드와 고양이가 놓여 있는 여러 구획이 있는 직사각형 상자로 구성된 장치였습니다. 그 전에는 동물을 두드리고 꼬리를 밟고 목소리에 따라 배열했습니다. 그런 다음 불행한 고양이의 꼬리를 열쇠 아래에 고정하고 눌렀을 때 바늘이 꽂혔습니다. 동물은 큰 소리로 비명을 질렀고 연주자는 그의 멜로디를 계속 연주했습니다. Perth I는 또한 그의 호기심의 캐비닛을 위해 "고양이 하프시코드"를 의뢰한 것으로 알려져 있습니다.
유명한 프랑스 하프시 코드 연주자 F. Couperin은 우리 시대의 음악가들이 사용하는 "The Art of Playing the Harpsichord"라는 논문을 가지고 있습니다.
하프시 코드를 연주 할 때 엄지 손가락 (첫 번째 손가락)을 적극적으로 사용하기 시작한 것은 Couperin이었습니다. 그 전에는 음악가가 4 개만 연주했고 다섯 번째는 관여하지 않았습니다. 이 아이디어는 곧 다른 공연자들에 의해 채택되었습니다.
유명한 연기자 헨델, 어렸을 때 그는 다락방에서 하프시 코드 연주를 연습해야했습니다. 그의 아버지는 음악가로서의 경력에 반대했고 그의 아들이 법학 학위를 받기를 꿈꿨습니다.
흥미롭게도 점퍼의 행동은 W. 셰익스피어가 그의 128번째 소네트에서 묘사했습니다.
하프시코드를 연주하는 음악가들은 클라비에리스트라고 불렸는데, 그들이 더 많은 것을 성공적으로 소유했기 때문입니다. 몸그리고 클라비코드.
18세기 중반의 연주회용 하프시코드의 음역이 조금 후에 이를 대체한 피아노의 음역보다 더 넓었다는 점은 주목할 만하다.

삽화

이다. 바흐 - 하프시코드, 현악기 및 콘티누오 바소를 위한 협주곡 D장조(듣기)

M. Corette - 하프시코드와 관현악을 위한 협주곡 d단조 (듣기)

G. F. 헨델 - 하프시코드 4번 사라방드를 위한 모음곡 (듣기)

설계

겉보기에 하프시 코드는 피아노처럼 보입니다. 길쭉한 삼각형 모양은 아름다운 다리로 보완되며 그 안의 끈은 건반과 평행하게 수평으로 배열됩니다. 각 키에는 푸셔가 장착되어 있으며 때로는 점퍼라고도하며 혀는 상단에 고정되어 있습니다. 핀치로 하프시코드의 사운드를 추출합니다. 키를 누르면 새 깃털로 만든 탄성 혀가 움직이며 플라스틱 혀는 이미 더 현대적인 모델에 사용되었습니다. 그들은 팽팽한 줄을 잡고 이로 인해 특징적인 뽑는 소리가 발생합니다.

기원 이야기

이 악기에 대한 첫 번째 정보는 일반적으로 1511년에 기인하므로 16세기에 발생했다고 믿어집니다. 그러나, 조금 후에 새로운 정보 1397년의 이탈리아 출처(G. Boccacho의 "Decameron")에도 악기에 대한 정보가 있습니다. 최대 고대 이미지 1425년 - Minden의 제단에서.

하프시코드는 psalterium에 기원을 두고 있습니다. 이 고대 전임자의 디자인이 변경되고 키보드 메커니즘이 추가되었습니다. 최초의 하프시코드는 현대 버전과 그다지 유사하지 않았습니다. 그들은 모양이 직사각형이었고 겉으로는 "자유로운"클라비코드와 비슷했으며 현만 길이가 다릅니다.

한때 하프시코드는 매우 인기가 있었고 앙상블과 오케스트라에서 성공적으로 사용되었습니다. 17-18세기에 이 악기는 정확히 독주 악기로 널리 보급되었습니다. 하프시코드 특유의 음색이 이 흥겨운 시간과 완벽하게 어울렸다. 에게 초기 XIX 19세기에서 20세기로 접어들면서 연주 문화가 되살아날 때까지 악기는 거의 사용되지 않았습니다.

품종

"하프시코드"라는 이름은 최대 5옥타브 범위의 날개 모양을 가진 건반 악기에 속합니다. 한 세트의 현과 함께 제공되는 더 작은 종류의 악기도 있으며 범위는 4옥타브에 불과합니다. 따라서 그들 중 눈에 띄는 것은 문자열이 대각선으로 위치한 척추, muselar 모양이 직사각형이며 문자열이 키보드에 수직으로 위치하는 것입니다. 또한 버지널도 품종에 속한다.

비디오: 하프시코드 듣기

나는 하프시코드에 대해 매우 개인적인 주제로 이야기하고 있음을 고백해야 합니다. 지금까지 거의 40년 동안 이 악기로 연주하면서 특정 작가들에게 깊은 애착을 갖게 되었고 그들이 이 악기를 위해 작곡한 모든 것을 콘서트에서 연주했습니다. 우선 이것은 Francois Couperin과 Johann Sebastian Bach에 관한 것입니다. 나는 이것이 내가 피할 수 없는 중독에 대한 변명거리가 되기를 바랍니다.

장치

많은 종류의 키보드 문자열이 알려져 있습니다. 뽑아 낸 악기. 크기, 모양 및 소리(화려한) 자원이 다릅니다. 옛날에 그런 악기를 만든 거의 모든 장인들은 자신의 것을 디자인에 추가하려고 했습니다.

그들이 무엇이라고 불렸는지에 대해 많은 혼란이 있습니다. 가장 일반적으로악기는 모양에 따라 세로 (작은 피아노를 연상시키지만 각진 모양-피아노는 둥근 모양)와 직사각형으로 나뉩니다. 물론 이 차이는 결코 장식적인 것이 아닙니다. 건반에 비해 현의 배열이 다르기 때문에 이 모든 악기의 특징인 뽑는 부분이 현의 음색에 매우 중요한 영향을 미칩니다. 소리.

I. 델프트의 베르메르. 하프시코드에 앉아 있는 여자
좋아요. 1673년–1675년 국립 미술관, 런던

하프시코드는 이 계열의 악기 중 가장 크고 복잡한 악기입니다.

18세기 이후 러시아에서. 가장 널리 퍼진 프랑스어 이름악기 - 하프시코드( 클라브생), 그러나 주로 음악 및 학술 연습에서 발견되며 이탈리아어 - cembalo ( 쳄발로; 이탈리아 이름도 알려져 있습니다. 클라비쳄발로, 그라비쳄발로). 음악학 문헌에서, 특히 영국 바로크 음악에 관해서는 번역 없이 접하게 됩니다. 영어 제목이 도구 하프시코드.

하프시코드에서 소리 추출의 주요 특징은 소위 점퍼(즉, 푸셔)가 키의 후단에 설치되고 그 상부에는 페더가 고정되어 있다는 점입니다. 음악가가 건반을 누르면 건반의 뒷부분이 올라가고(건반이 레버이기 때문에) 점퍼가 올라가고 깃털이 현을 뽑습니다. 키에서 손을 떼면 깃털이 약간 벗어날 수 있는 스프링 덕분에 소리 없이 미끄러집니다.

다른 유형키보드 현악기

W. Shakespeare가 그의 128 번째 소네트에서 점퍼의 행동에 대한 설명과 비정상적으로 정확하다는 점은 주목할 만합니다. 많은 번역 옵션 중에서 하프시 코드 연주의 본질은 예술적이고 시적인 측면 외에도 Modest Tchaikovsky의 번역입니다.

너, 내 음악, 연주할 때,
이 키를 움직이게 설정
그리고 손가락으로 부드럽게 쓰다듬으면
현악기의 조화는 감탄을 불러일으키고,
그런 다음 질투심으로 나는 열쇠를 봅니다.
그들이 당신의 손바닥에 어떻게 달라 붙는가;
입을 불타오르게 하고 키스를 갈망한다
그들은 그들의 대담함을 부러워합니다.
아, 갑자기 운명이 바뀌면
이 드라이 댄서의 행에 나!
당신의 손이 그들 위로 미끄러 져 기쁩니다.
그들의 영혼 없는 것이 살아 있는 입술보다 더 복되다.
하지만 그들이 행복하다면
그들이 그들의 손가락에 키스하게 하시고, 내가 그들의 입술에 키스하게 하소서.

건반 현악기의 모든 유형 중에서 하프시코드는 가장 크고 복잡합니다. 솔로 악기와 반주로 모두 사용됩니다. 앙상블로 바로크 음악에서 빼놓을 수 없는 존재이다. 하지만 이 악기의 방대한 레퍼토리에 대해 이야기하기 전에 디자인에서 다른 것을 설명해야 합니다.

하프시코드에서 모든 색상(음색)과 역학(즉, 소리의 힘)은 원래 각 개별 하프시코드의 제작자가 악기 자체에 설정했습니다. 이것에서 그것은 어느 정도 기관과 유사합니다. 하프시코드에서는 키의 강도를 변경하여 소리를 변경할 수 없습니다. 비교를 위해: 피아노에서 전체 해석 기술은 터치의 풍부함, 즉 건반을 누르거나 두드리는 다양한 방법에 있습니다.

하프시코드 메커니즘의 다이어그램

쌀. ㅏ: 1. 줄기 2. 댐퍼; 3. 점퍼(푸셔); 4. 등록 바; 5. 수사슴;
6. 프레임 점퍼(푸셔); 7. 키

쌀. B. 점퍼(푸셔): 1. 댐퍼; 2. 문자열; 3. 깃털; 4. 혀; 5. 폴스터; 6. 봄

물론 악기가 음악적으로 들리는지 아니면 "냄비처럼" 들리는지는 하프시코드 연주자의 연주 감도에 따라 다릅니다(Voltaire가 대략적으로 표현함). 그러나 소리의 강도와 음색은 하프시 코드 연주자에 의존하지 않습니다. 하프시 코드 연주자의 손가락과 현 사이에는 점퍼와 깃털 형태의 복잡한 전달 메커니즘이 있기 때문입니다. 다시 한 번 비교하자면, 피아노에서는 건반을 치는 것이 해머가 현을 치는 동작에 직접적인 영향을 미치는 반면, 하프시코드에서는 깃털에 미치는 영향이 간접적입니다.

이야기

초기 역사하프시 코드는 수세기의 깊이까지 들어갑니다. John de Muris의 논문 The Mirror of Music(1323)에서 처음 언급되었습니다. 하프시코드에 대한 최초의 묘사 중 하나는 Weimar Book of Wonders(1440)에 있습니다.

오랫동안 현존하는 가장 오래된 악기는 1521년 볼로냐의 히에로니무스가 만든 것으로 여겨졌습니다. 이 악기는 런던의 빅토리아 앨버트 박물관에 보관되어 있습니다. 그러나 안으로 최근에몇 년 더 오래된 도구가 있음을 발견했습니다. 이탈리안 마스터- Livigimeno의 Vincentius. 그것은 교황 레오 10세에게 헌정되었습니다. 케이스의 비문에 따르면 1515년 9월 18일에 생산이 시작되었습니다.

하프시코드. 바이마르 불가사의의 책. 1440

소리의 단조 로움을 피하기 위해 이미 악기 개발 초기 단계에있는 하프시 코드 마스터는 각 키에 하나의 현이 아니라 물론 다른 음색의 두 개를 제공하기 시작했습니다. 그러나 곧 그것은 분명해졌다. 기술적인 이유하나의 키보드에 대해 두 세트 이상의 문자열을 사용할 수 없습니다. 그런 다음 키보드 수를 늘리는 아이디어가 생겼습니다. 17세기까지 가장 음악적으로 풍부한 하프시코드는 두 개의 건반이 있는 악기입니다(즉, 위도에서 온 매뉴얼입니다. 마누스- "손").

음악적 관점에서 이러한 악기는 다양한 바로크 레퍼토리를 연주하기 위한 최고의 수단입니다. 하프시코드 클래식의 많은 작품은 예를 들어 Domenico Scarlatti의 여러 소나타와 같이 두 개의 키보드로 연주하는 효과를 위해 특별히 작성되었습니다. F. Couperin은 자신이 부르는 세 번째 하프시코드 모음집의 서문에 구체적으로 명시했습니다. "피스 크루아즈"([손]을 교차하여 재생). “그런 이름을 가진 곡은 두 개의 건반으로 연주해야 하며, 그 중 하나는 음역 변경으로 인해 소리가 나지 않아야 합니다.” 2개의 수동 하프시코드가 없는 사람들을 위해 Couperin은 하나의 건반으로 악기를 연주하는 방법에 대한 권장 사항을 제공합니다. 그러나 많은 경우에 2개의 수동 하프시코드의 요구 사항은 작곡의 본격적인 예술적 연주를 위해 없어서는 안 될 조건입니다. 따라서 유명한 "프랑스 서곡"과 "이탈리아 협주곡"이 포함된 컬렉션의 제목 페이지에서 Bach는 "두 개의 매뉴얼이 있는 클라비쳄발로용"이라고 표시했습니다.

하프시코드 진화의 관점에서 볼 때 두 개의 매뉴얼이 한계가 아닌 것으로 판명되었습니다. 우리는 연주를 위해 그러한 악기가 절대적으로 필요한 작품은 모르지만 세 개의 건반이 있는 하프시코드의 예를 알고 있습니다. 오히려 이것은 개별 하프시코드 제작자의 기술적인 트릭입니다.

찬란한 전성기(XVII-XVIII 세기)의 하프시코드는 당시 존재했던 모든 건반 악기, 즉 오르간과 클라비코드를 소유한 음악가들이 연주했습니다(따라서 그들은 클라비에 연주자라고 불렸습니다).

하프시코드는 하프시코드 제작자뿐만 아니라 오르간 제작자도 만들었습니다. 그리고 오르간 디자인에 이미 널리 사용된 기본 아이디어를 하프시코드 구성에 적용하는 것은 자연스러운 일이었습니다. 즉, 하프시코드 제작자는 오르간 제작자의 길을 따라 악기의 음역 자원을 확장했습니다. 오르간에서 매뉴얼에 점점 더 많은 파이프 세트가 배포되면 하프시 코드에서 그들은 매뉴얼에 배포되는 더 많은 수의 현 세트를 사용하기 시작했습니다. 볼륨면에서이 하프시 코드 레지스터는 크게 다르지 않았지만 음색면에서 상당히 중요했습니다.

첫 번째 음악 컬렉션의 제목 페이지
처녀 "파르테니아"를 위해.런던. 1611년

따라서 일제히 소리가 나고 음표에 녹음된 소리와 높이가 일치하는 두 세트의 현(건반당 하나씩) 외에도 4피트 및 16피트 음역이 있을 수 있습니다. (심지어 레지스터의 지정도 하프시코드 제작자가 오르간 제작자에게서 차용한 것입니다. 파이프오르간은 피트로 표시되며 악보에 해당하는 주요 음역은 소위 8피트이며 기보된 것보다 한 옥타브 더 높은 소리를 내는 파이프는 4피트, 한 옥타브 아래(각각 16피트)라고 합니다. 하프시코드에서 동일한 소절에서 세트로 구성된 레지스터 문자열.)

따라서 XVIII 세기 중반의 대형 콘서트 하프시 코드의 사운드 범위. 피아노포르테보다 좁을 뿐만 아니라 더 넓습니다. 그리고 이것은 하프시코드 음악의 악보가 피아노 음악보다 범위가 좁아 보인다는 사실에도 불구하고 그렇습니다.

음악

18세기까지 하프시코드는 비정상적으로 풍부한 레퍼토리를 축적했습니다. 극도로 귀족적인 도구로서 유럽 전역에 퍼졌고 모든 곳에서 가장 뛰어난 변호인을 보유했습니다. 그러나 16 세기에서 17 세기 초의 가장 강력한 학교에 대해 이야기한다면 먼저 영국 처녀주의 자의 이름을 지정해야합니다.

우리는 여기에서 버지널의 역사를 말하지 않을 것입니다. 현악기, 소리가 하프시코드와 비슷합니다. 하프시코드의 역사에 대한 마지막 철저한 연구 중 하나( 코틱 E.하프시코드의 역사. 블루밍턴. 2003) 버지날과 스피넷(또 다른 변종)은 하프시코드 고유의 진화와 일치하는 것으로 간주됩니다.

Virginal의 이름과 관련하여 제안된 어원 중 하나가 그것을 영어로 올린다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 숫처녀그리고 라틴어로 처녀 자리, 즉 "처녀"는 처녀 여왕 엘리자베스 1 세가 처녀 역할을 좋아했기 때문입니다. 사실 처녀는 엘리자베스보다 먼저 나타났습니다. "virginel"이라는 용어의 어원은 다른 라틴어 단어에서 유래하는 것이 더 정확합니다. 비르가("지팡이"), 동일한 점퍼를 나타냅니다.

첫 번째를 장식하는 조각에서 흥미 롭습니다. 인쇄판 Virginal ( "Parthenia")을위한 음악, 음악가는 기독교인 처녀의 모습으로 묘사됩니다-St. 세실리아. 그건 그렇고, 컬렉션의 이름은 그리스어에서 유래했습니다. 파테노스"처녀"를 의미합니다.

이 에디션을 장식하기 위해 네덜란드 예술가 Hendrik Goltzius “St. 세실리아". 그러나 조각사는 그러지 않았다. 정반사보드의 이미지로 인해 판화 자체와 연기자 모두 거꾸로 된 것으로 판명되었습니다. 그녀의 왼손은 그녀의 오른손보다 훨씬 더 발달했으며 물론 그 당시 처녀 주의자가 될 수 없었습니다. 조각에는 그러한 실수가 수천 개 있습니다. 음악가가 아닌 사람의 눈은 이것을 알아채지 못하지만, 음악가는 조각가의 실수를 즉시 본다.

20세기 하프시코드 부흥의 창시자는 영국 버지널리스트들의 음악에 열광적인 감정으로 가득 찬 멋진 몇 페이지를 할애했습니다. 멋진 폴란드 하프시 코드 연주자 Wanda Landowska :“그녀는 우리보다 합당한 마음에서 쏟아져 나왔고 민요, 오래된 영어 음악-열렬하거나 고요하고 순진하거나 한심한-자연과 사랑을 노래합니다. 그녀는 삶을 고양합니다. 그녀가 신비주의로 향하면 하나님을 영화 롭게합니다. 틀림없이 훌륭하며 동시에 즉흥적이고 대담합니다. 그것은 종종 최신의 가장 위대한 것보다 더 현대적으로 보입니다. 본질적으로 알려지지 않은 이 음악의 매력에 마음을 열어보세요. 그녀가 늙었다는 사실을 잊고, 이것 때문에 그녀가 인간적인 감정을 박탈당했다고 생각하지 마십시오.

이 대사는 20세기 초에 쓰여졌습니다. 지난 세기 동안 버지널리스트들의 귀중한 음악적 유산을 전체적으로 드러내고 감상하기 위해 많은 일이 있었습니다. 그리고이 이름은 무엇입니까! 작곡가 William Bird와 John Bull, Martin Pearson과 Gil Farnaby, John Munday와 Thomas Morley...

영국과 네덜란드 사이에는 긴밀한 접촉이있었습니다 (이미 "파르테니아"라는 조각이 이에 대해 증언합니다). 네덜란드 거장, 특히 Ruckers 왕조의 하프시코드와 처녀곡은 영국에서 잘 알려져 있었습니다. 동시에 이상하게도 네덜란드 자체는 그렇게 밝은 작곡 학교를 자랑 할 수 없습니다.

대륙에서 최초의 하프시코드 학교는 이탈리아어, 프랑스어 및 독일어였습니다. Francois Couperin, Domenico Scarlatti 및 Johann Sebastian Bach의 주요 대표자 중 세 명만 언급하겠습니다.

뛰어난 작곡가의 재능(모든 시대의 모든 작곡가에게 해당됨)의 명확하고 명백한 징후 중 하나는 순전히 개인적인 독특한 스타일표현. 그리고 무수한 작가의 총량에서 진정한 창작자는 그리 많지 않을 것입니다. 이 세 이름은 확실히 제작자의 것입니다. 그들 각각은 고유한 스타일을 가지고 있습니다.

프랑수아 쿠페랭

프랑수아 쿠페랭(1668–1733) - 진정한 하프시코드 시인. 그는 아마 자신을 생각할 수 있습니다 행복한 사람: 그의 모든(또는 거의 모든) 하프시코드 작품, 즉 그의 영광과 글로벌 중요성, 그에 의해 출판되었으며 4 권으로 구성됩니다. 따라서 우리는 그의 하프시코드 유산에 대한 철저한 아이디어를 가지고 있습니다. 이 라인의 저자는 운이 좋았습니다. 전체 주기쿠프랭의 하프시코드 작품 8 콘서트 프로그램러시아 주재 프랑스 대사 피에르 모렐 씨의 후원으로 모스크바에서 열린 그의 음악 축제에서 발표되었습니다.

독자의 손을 잡고 그를 하프시코드로 인도하여 예를 들어 Couperin의 French Masquerade 또는 Domino Masks를 연주할 수 없다는 것이 유감입니다. 그 안에 얼마나 많은 매력과 아름다움이 있습니까! 그러나 심리적 깊이도 얼마나 되는지. 여기에서 각 마스크는 특정 색상과 매우 중요한 문자입니다. 저자의 말은 이미지와 색상을 설명합니다. 총 12개의 마스크(및 색상)가 있으며 특정 순서로 나타납니다.

나는 이미 K. Malevich의 "Black Square"(Art, No. 18/2007 참조)에 대한 이야기와 관련하여 Couperin의이 연극을 기억할 이유가있었습니다. 사실 Couperin의 색 구성표는 흰색(Virginity를 상징하는 첫 번째 변형)으로 시작하여 검은색 마스크(Fury 또는 Despair)로 끝납니다. 그래서 두 크리에이터는 다른 시대그리고 다양한 예술깊은 상징적 의미를 지닌 창작 작품: Couperin에게 이 주기는 기간을 상징합니다. 인간의 삶-사람의 나이 (12 개월, 각각 6 년 - 이것은 바로크 시대에 알려진 우화입니다). 결과적으로 Couperin에는 검은 마스크가 있고 Malevich에는 검은 사각형이 있습니다. 둘 다에서 검은색의 출현은 많은 힘의 작용의 결과입니다. Malevich는 "나는 색과 색 구성표에서 파생 된 흰색과 검정색을 고려합니다. "라고 솔직하게 말했습니다. Couperin은 우리에게 이 다채로운 범위를 소개했습니다.

Couperin이 마음대로 사용할 수 있는 놀라운 하프시코드를 가지고 있었음이 분명합니다. 이것은 놀라운 일이 아닙니다. 결국 그는 루이 14세의 궁정 하프시코드 연주자였습니다. 소리와 함께 악기는 작곡가의 아이디어의 깊이를 충분히 전달할 수 있었습니다.

도메니코 스카를라티(1685-1757). 이 작곡가는 완전히 다른 스타일을 가지고 있지만 Couperin과 마찬가지로 틀림없는 손글씨는 천재의 첫 번째이자 명백한 표시입니다. 이 이름은 하프시코드와 불가분의 관계가 있습니다. 어린 시절에 Domenico는 다음과 같이 썼습니다. 다른 음악, 나중에 그는 수많은 (555) 하프시 코드 소나타의 저자로 정확하게 유명해졌습니다. Scarlatti는 하프시코드의 연주 가능성을 비정상적으로 확장했으며 전례 없는 거장의 범위를 연주 기술에 도입했습니다.

후기 피아노 음악의 역사에서 스카를라티와 유사점은 아시다시피 도메니코 스카를라티의 연주 기법을 구체적으로 연구한 프란츠 리스트의 작품입니다. (그런데 피아노 예술과의 유사점에 대해 이야기하고 있기 때문에 Couperin은 어떤 의미에서 영적 상속인도 가졌습니다. 물론 이것은 F. Chopin이었습니다.)

Domenico Scarlatti의 생애 후반부(그의 아버지인 유명한 이탈리아인과 혼동하지 말 것) 오페라 작곡가 Alessandro Scarlatti)는 스페인 여왕 Maria Barbara의 궁정 하프시코드 연주자였으며 그의 소나타 대부분은 그녀를 위해 특별히 작곡되었습니다. 그녀가 때때로 극도로 기술적인 소나타를 연주한다면 우리는 그녀가 훌륭한 하프시코드 연주자라고 안전하게 결론을 내릴 수 있습니다.

I. 델프트의 베르메르. 척추에 소녀입니다.좋아요. 1670. 개인 소장품

이와 관련하여 저는 뛰어난 체코 하프시코드 연주자 Zuzanna Ruzickova로부터 받은 한 편지(1977)를 기억합니다. “친애하는 Mr. Maikapar! 한 가지 부탁이 있습니다. 아시다시피 현재 정통 하프시코드에 대한 관심이 많고 이에 대해 많은 논의가 있습니다. D. Scarlatti와 관련하여 이러한 악기에 대한 토론의 핵심 문서 중 하나는 Philip V의 아내인 포르투갈의 Maria Barbara를 묘사한 Vanloo의 그림입니다. (Z. Ruzickova는 착각했습니다. Maria Barbara는 Ferdinand VI의 아내였습니다. , Philip V.의 아들 - 오전.). Rafael Pouyana(당대 주요 프랑스 하프시코드 연주자 - 오전.)는 그림이 Maria Barbara의 죽음 이후에 그려졌으므로 역사적 출처가 될 수 없다고 믿습니다. 그림은 Hermitage에 있습니다. 이 그림에 대한 문서를 나에게 보낼 수 있다면 매우 중요할 것입니다.”

파편. 1768. 에르미타주, 상트페테르부르크

에 대한 사진 문제의편지에서- "Sextet"L.M. 반루(1768).

그것은 Hermitage, 프랑스 부서의 창고에 있습니다. 그림 XVIII세기. 부서장 I.S. 내 방문 목적을 알게 된 Nemilova는 메인 전시회에 포함되지 않은 그림이있는 큰 방 또는 오히려 홀로 나를 안내했습니다. 음악 도상학의 관점에서 볼 때 얼마나 많은 관심을 끄는 작품이 여기에 저장되어 있습니다! 차례로 우리는 10-15 개의 그림이 설치된 큰 프레임을 제시하고 관심 대상을 고려했습니다. 그리고 마지막으로 "Sextet"L.M. 반루.

일부 보도에 따르면 이 그림은 스페인 여왕 마리아 바바라를 묘사하고 있습니다. 이 가설이 입증된다면 Scarlatti가 직접 하프시코드를 연주할 수 있습니다! Vanloo의 그림에 묘사된 하프시코드 연주자 Maria Barbara에서 인식해야 하는 이유는 무엇입니까? 첫째, 정말 존재하는 것 같습니다. 유사여기에 묘사된 여인과 유명한 초상화메리 바바라. 둘째, Vanloo는 비교적 오랫동안 스페인 법원에서 살았으므로 여왕의 삶을 주제로 그림을 잘 그릴 수있었습니다. 셋째, 그림의 또 다른 이름 인 "Spanish Concerto"도 알려져 있으며 넷째, 일부 외국 음악 학자 (예 : K. Zaks)는 Maria Barbara가 그림에 있다고 확신합니다.

그러나 Rafael Puyana와 마찬가지로 Nemilova는이 가설을 의심했습니다. 이 그림은 화가가 스페인을 떠난 지 12년 후, 마리아 바바라가 죽은 지 10년 후인 1768년에 그렸습니다. 그녀의 명령의 역사는 알려져 있습니다. Catherine II는 Golitsyn 왕자를 통해 Vanloo에게 자신의 그림을 갖고 싶다는 소망을 전달했습니다. 이 작품은 즉시 상트 페테르부르크로 왔고 항상 여기에 보관되었습니다. Golitsyn은 그것을 "콘서트"로 Catherine에게주었습니다. "Spanish Concerto"라는 이름은 등장 인물이 묘사 된 스페인 의상이 그 외모에 중요한 역할을했으며 Nemilova가 설명했듯이 이것은 당시 유행했던 의상이 아니라 연극 의상입니다.

W. 란도프스카

물론 사진에서 하프시 코드는 18 세기 전반의 특징을 지닌 2 개의 수동 악기로 주목을 받고 있습니다. 건반의 색상, 현대 건반의 반대(피아노에서 검은색은 이 하프시코드에서 흰색이고 그 반대도 마찬가지임). 또한 당시에 이미 알려졌음에도 불구하고 레지스터 이동을 위한 페달이 여전히 부족합니다. 이러한 개선은 대부분의 현대 이중 수동 콘서트 하프시코드에서 볼 수 있습니다. 수동으로 레지스터를 전환해야 하는 필요성은 하프시코드 등록 선택에 대한 특정 접근 방식을 지시했습니다.

현재 공연 연습에는 두 가지 방향이 명확하게 정의되어 있습니다. 첫 번째 지지자들은 악기의 모든 현대적 가능성을 사용해야한다고 믿습니다 (예를 들어 V. Landowska와 Zuzanna Ruzickova가 그러한 의견을 가졌습니다) , 다른 사람들은 수행한다고 믿습니다. 초기 음악현대 하프시 코드에서 옛 거장들이 쓴 것을 기반으로 한 연주 수단을 넘어서는 안됩니다 (Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, 동일한 Rafael Puyana 및 다른 사람들이 생각하는 것처럼).

우리는 Vanloo 그림에 많은 관심을 기울였기 때문에 아티스트 자신이 뮤지컬 초상화의 캐릭터로 밝혀졌습니다. 하프시 코드 조각이 알려져 있습니다. 프랑스 작곡가 Vanloo라고 불리는 Jacques Dufly.

요한 제바스티안 바흐

요한 제바스티안 바흐(1685-1750). 그의 하프시코드 유산은 매우 가치가 있습니다. 이 악기를 위해 Bach가 작곡한 모든 것을 콘서트에서 연주한 경험은 그의 유산이 15개(!) 콘서트 프로그램에 적합하다는 것을 증명합니다. 동시에 하프시코드와 현악기를 위한 협주곡은 별도로 계산해야 하며, 하프시코드 없이는 상상할 수 없는 앙상블 작품의 양을 따로 계산해야 합니다.

Couperin과 Scarlatti의 모든 독창성에도 불구하고 그들 각각은 하나의 개별적인 스타일을 발전시켰다는 점을 인식해야 합니다. 바흐는 보편적이었습니다. 이미 언급한 "이탈리아 협주곡"과 "프랑스 서곡"은 이러한 국립 학교의 음악에 대한 바흐의 연구의 예입니다. 그리고 이것들은 이름에서 바흐의 인식을 반영하는 두 가지 예일 뿐입니다. 여기에서 그의 "French Suites" 사이클을 추가할 수 있습니다. 그의 영어 모음곡에서 영국의 영향에 대해 추측할 수 있습니다. 그리고 얼마나 많은 음악 샘플 다른 스타일제목에 이것을 반영하지 않고 음악 자체에서 결론을 내리는 그의 작품에서! 말할 필요도 없이 그의 고유한 독일 클라비어 전통이 그의 작품에 얼마나 광범위하게 통합되어 있는지는 말할 필요도 없습니다.

우리는 바흐가 어떤 하프시코드를 연주했는지 정확히 알지 못하지만 그가 모든 기술 혁신(오르간 포함)에 관심을 가졌다는 것은 압니다. 하프시코드와 기타 건반의 연주 가능성을 확장하려는 그의 관심은 모든 건반의 전주곡과 푸가의 유명한 주기인 "The Well-Tempered Clavier"에서 가장 분명하게 입증됩니다.

바흐는 하프시코드의 진정한 대가였습니다. I. Bach의 첫 번째 전기 작가인 Forkel은 다음과 같이 보고합니다. 그는 항상 자신의 하프시코드를 직접 조율했고, 이 점에서 매우 능숙하여 조율하는 데 15분 이상 걸리지 않았습니다. 그의 튜닝 방법으로 24개의 키를 모두 마음대로 사용할 수 있었고 즉석에서 원하는 대로 키를 연주했습니다.

하프시코드 음악의 뛰어난 제작자가 일생 동안 이미 하프시코드는 입지를 잃기 시작했습니다. 1747년 바흐가 포츠담에 있는 프로이센의 프리드리히 대왕을 방문했을 때 즉흥 연주할 주제를 주었고 바흐는 이미 "피아노포르테"(당시 새 악기의 이름)로 즉흥 연주를 하고 있었던 것 같습니다. 시간)-유명한 오르간 마스터 Gottfried Zilberman 인 Bach의 친구가 왕을 위해 만든 14 개 또는 15 개 중 하나입니다. Bach는 피아노를 좋아하지 않았지만 그 소리를 승인했습니다.

모차르트는 어린 시절에도 여전히 하프시코드를 위해 작곡했지만, 전체적으로 그의 클라비어 작품은 물론 피아노포르테를 향하고 있습니다. 베토벤의 초기 작곡 출판사들은 다음과 같이 지적했습니다. 제목 페이지그의 소나타(1799년에 출판된 Pathetique도 상상해 보십시오)는 "하프시코드나 피아노를 위한" 것입니다. 출판사는 속임수를 썼습니다. 집에 오래된 하프시 코드가있는 고객을 잃고 싶지 않았습니다. 그러나 점점 더 자주 하프시 코드에서 몸만 남았습니다. 하프시 코드 "채우기"는 불필요하게 제거되고 새로운 해머 유형, 즉 피아노, 기계로 대체되었습니다.

문제는 이렇게 오랜 역사와 풍부한 예술적 유산을 지닌 이 악기가 왜 18세기 말까지 존재하게 되었는지입니다. 음악 연습에서 축출되고 피아노로 대체되었습니까? 그리고 쫓겨난 것이 아니라 19세기에 완전히 잊혀졌습니까? 그리고 결국 하프시 코드를 대체하는이 과정이 시작되었을 때 피아노가 그 품질에 있었다고 말할 수 없습니다. 최고의 도구. 정반대! 요한 제바스티안의 장남 중 한 명인 칼 필립 에마누엘 바흐는 오케스트라와 함께 하프시코드와 피아노포르테를 위한 이중 협주곡을 작곡했는데, 이는 피아노에 비해 하프시코드의 장점을 직접 보여주기 위함이었습니다.

대답은 하나뿐입니다. 하프시 코드에 대한 피아노의 승리는 미적 선호도의 급격한 변화 조건에서 가능해졌습니다. 정동 이론의 명확하게 공식화되거나 명확하게 느껴지는 개념에 기반한 바로크 미학(간단히 본질: 하나의 분위기, 영향을 미치다,-하나의 사운드 페인트), 하프시 코드가 이상적인 표현 수단이었던 것은 먼저 감상주의의 세계관에 양보 한 다음 더 강한 방향 인 고전주의와 마지막으로 낭만주의에 양보했습니다. 이 모든 스타일에서 가장 매력적이고 교양있는 것은 반대로 아이디어였습니다. 변하기 쉬운 성질- 감정, 이미지, 기분. 그리고 피아노는 그것을 표현할 수 있었습니다.

이 악기는 환상적인 기능을 갖춘 페달을 얻었고 놀라운 음향 상승 및 하강을 생성할 수 있게 되었습니다. 진전그리고 점차 약음). 하프시 코드는 디자인의 특성으로 인해 원칙적으로이 모든 것을 수행 할 수 없습니다.

이 순간을 멈추고 기억해 다음 대화를 시작할 수 있도록 합시다. 피아노에 대해, 특히 큰 콘서트에 대해요. 그랜드 피아노즉, 모든 낭만적인 음악의 진정한 주인인 "왕실 악기"입니다.

우리 이야기에서 역사와 현대성이 혼합되어 있습니다. 오늘날이 가족의 하프시 코드와 기타 악기는 르네상스와 바로크 음악에 대한 큰 관심, 즉 그들이 일어나 황금기를 살아 남았습니다.

연주하는 음악가 뮤지컬 작품하프시 코드와 그 품종 모두에서 하프시코드 연주자.

기원

하프시코드 형식의 악기에 대한 가장 초기의 언급은 1397년 파도바(이탈리아)의 자료에 나타나며 가장 초기에 알려진 이미지는 민덴(1425)의 제단에 있습니다. 솔로 악기로서 하프시코드는 18세기 말까지 계속 사용되었습니다. 조금 더 오래 동안 디지털 베이스를 연주하고 오페라에서 레치타티보를 반주하는 데 사용되었습니다. 1810년경에는 거의 사용하지 않게 되었습니다. 하프시코드 연주 문화의 부흥은 19-20세기 초에 시작되었습니다.

15세기의 하프시코드는 살아남지 못했습니다. 이미지로 판단하면 몸체가 무거운 짧은 악기였습니다. 살아남은 16세기 하프시코드의 대부분은 이탈리아에서 만들어졌는데, 그곳에서 베니스는 하프시코드 생산의 중심지였습니다.

그들은 8` 레지스터를 가지고 있었고 (덜 자주 두 개의 레지스터 8`과 4`) 우아함으로 구별되었습니다. 그들의 몸은 대부분 사이프러스로 만들어졌습니다. 이 하프시코드에 대한 어택은 후기 플랑드르 악기보다 더 뚜렷하고 소리가 더 갑작스럽습니다.

하프시코드의 가장 중요한 산지 북유럽 Ruckers 가족의 대표가 1579년부터 일했던 앤트워프였습니다. 그들의 하프시코드는 이탈리아 악기보다 현이 길고 몸체가 무겁습니다. 1590년대부터 앤트워프에서는 설명서가 두 개인 하프시코드가 생산되었습니다. 17세기의 프랑스어, 영어, 독일어 하프시코드는 플랑드르와 네덜란드 모델의 특징을 결합합니다.

호두나무 몸통을 가진 일부 프랑스 2수동 하프시코드가 남아 있습니다. 1690년대부터 루커스의 악기와 같은 유형의 하프시코드가 프랑스에서 생산되었습니다. 프랑스 하프시코드 거장들 사이에서 블랑쉐 왕조가 두드러졌다. 1766년에 Taskin은 Blanche의 작업장을 물려받았습니다.

18세기 영국에서 가장 중요한 하프시코드 제작자는 Schudy와 Kirkman 가족이었습니다. 그들의 악기는 합판으로 안을 댄 참나무 몸체를 가지고 있었고 풍부한 음색의 강한 소리로 구별되었습니다. 18세기 독일에서 하프시코드 생산의 주요 중심지는 함부르크였습니다. 이 도시에서 2' 및 16' 레지스터와 3개의 매뉴얼로 만들어진 악기 중. 유난히 긴 하프시코드 모델은 18세기 네덜란드의 뛰어난 장인인 J. D. Dülcken이 디자인했습니다.

18세기 후반에 하프시코드는 쫓겨나기 시작했습니다. 1809년경 Kirkman 회사는 마지막 하프시코드를 생산했습니다. 악기 부흥의 창시자는 A. Dolmech였습니다. 그는 1896년 런던에서 첫 번째 하프시코드를 만들었고 곧 보스턴, 파리, Heislemere에 작업장을 열었습니다.

하프시 코드의 출시는 파리 회사 인 Pleyel과 Erard에 의해 설립되었습니다. Pleyel은 두껍고 팽팽한 현이 달린 금속 프레임으로 모델 하프시코드를 생산하기 시작했습니다. Wanda Landowska는 이러한 유형의 악기에 대해 전 세대의 하프시코드 연주자를 교육했습니다. 보스턴의 장인 Frank Hubbard와 William Dyde는 골동품 하프시코드를 처음으로 복사했습니다.

장치

그것은 직사각형 삼각형의 모양을 가지고 있습니다. 문자열은 키와 평행하게 수평으로 배열됩니다.

각 키 끝에는 푸셔(또는 점퍼)가 있습니다. 푸셔의 상단에는 펜의 플렉트럼(혀)이 고정되어 있는 랑게타가 있습니다(많은 현대 악기- 플라스틱으로 제작), 플렉트럼 바로 위 - 펠트 또는 부드러운 가죽으로 만든 댐퍼. 키를 누르면 푸셔가 올라가고 플렉트럼이 현을 뽑습니다. 키를 놓으면 해제 메커니즘을 통해 플렉트럼이 현을 다시 뽑지 않고도 현 아래 제자리로 돌아갈 수 있습니다. 현의 진동은 댐퍼에 의해 감쇠됩니다.

등록을 위해, 즉 소리의 강도와 음색의 변화, 핸드 및 풋 스위치가 사용됩니다. 하프시코드의 음량을 부드럽게 늘리거나 줄이는 것은 불가능합니다. 15세기에 하프시코드의 범위는 3옥타브였습니다(일부 반음계 음표는 낮은 옥타브에서 누락됨). 16세기에는 4옥타브(C - c"`), 18세기에는 5옥타브(F` - f"`)로 확장되었습니다.

전형적인 18세기 독일 또는 네덜란드 하프시코드에는 2개의 매뉴얼(키보드), 8' 현 2세트 및 4' 현 1세트(한 옥타브 높은 소리)가 있으며, 개별적으로 또는 함께 사용할 수 있으며 수동 결합 메커니즘도 있습니다. . 발 및 무릎 시프터는 1750년대 후반에 등장했습니다. 대부분의 악기에는 소위가 있습니다. 특징적인 비음 음색의 류트 음역 (이를 얻기 위해 현은 가죽 융기로 약간 머플러되거나 특수 메커니즘을 사용하여 느껴집니다).

하프시코드 음악을 작곡한 작곡가

프랑수아 쿠프랭 대왕
루이 쿠페랭
루이 마샹
장 필립 라모
요한 제바스티안 바흐
요한 파헬벨
디트리히 북스테후데
지롤라모 프레스코발디
요한 야콥 프로베르거
게오르그 프리드리히 헨델
윌리엄 버드
헨리 퍼셀
요한 아담 라이네케
도메니코 스카를라티
알레산드로 스카를라티
마티아스 웨크만
도메니코 지폴리

비디오: 비디오 + 사운드의 하프시코드

이 비디오 덕분에 도구에 익숙해질 수 있습니다. 실제 게임그것에 소리를 듣고 기술의 세부 사항을 느껴보십시오.

도구 판매: 구입/주문할 곳은 어디입니까?

백과사전에는 아직 이 악기를 구입하거나 주문할 수 있는 정보가 없습니다. 당신은 그것을 변경할 수 있습니다!