민속 예술은 사람들이 만든 예술입니다. 민속 예술

민속 예술

예술, 민속 예술, 민속, 일하는 사람들의 예술 창작 활동; 시, 음악, 연극, 무용, 건축, 시각 및 장식 예술은 인민에 의해 창조되고 대중 속에 존재합니다. 응용 미술. 집단적 예술적 창의성에서 사람들은 노동 활동, 사회 및 일상 생활 방식, 삶과 자연에 대한 지식, 숭배 및 신념을 반영합니다. 사회적 노동 실천 과정에서 발전한 N.t.는 사람들의 견해, 이상과 열망, 그들의 시적 환상, 가장 부유한 세상생각, 감정, 경험, 착취와 억압에 대한 항의, 정의와 행복의 꿈. 수세기에 걸친 대중의 경험을 흡수 한 N. t.는 현실의 예술적 발전의 깊이, 이미지의 진실성, 창의적 일반화의 힘으로 구별됩니다.

예술적 창의성의 가장 풍부한 이미지, 주제, 모티프 및 형식은 개인(일반적으로 익명이지만) 창의성과 집단적 예술적 의식의 복잡한 변증법적 통합에서 발생합니다. 수세기 동안 민속 집단은 개별 마스터가 찾은 솔루션을 선택, 개선 및 풍부하게 해왔습니다. 연속성, 지속 가능성 예술적 전통(그 안에서 개인의 창의성이 나타남) 가변성과 결합되어 개별 작품에서 이러한 전통의 다양한 구현입니다.

문학 작품의 항구적 토대이자 불멸의 전통을 구성하는 문학 작품의 집합성은 작품이나 그 유형이 형성되는 전 과정에서 나타난다. 즉흥 연주, 전통에 의한 통합, 후속 개선, 풍부화 및 때때로 전통의 갱신을 포함하는 이 과정은 매우 오랜 시간이 걸리는 것으로 밝혀졌습니다. 모든 유형의 N. t.의 특징은 작품의 제작자가 동시에 공연자이며 공연은 전통을 풍요롭게 하는 변종의 창조가 될 수 있다는 것입니다. 또한 중요한 것은 공연자와 예술을 인식하는 사람들 사이의 긴밀한 접촉이며, 이들은 스스로 창작 과정의 참여자 역할을 할 수 있습니다. 그 유형의 오랜 불가분성과 고도의 예술적 통일성은 또한 N. t. 의 주요 특징에 속합니다. 시, 음악, 춤, 연극 및 장식 예술이 민속 의식 행위에 통합되었습니다. 민속 주거에서 건축, 조각, 회화, 도자기, 자수는 분리할 수 없는 전체를 만들었습니다. 민속시는 음악과 그 리듬, 음악성 및 대부분의 작품 연주의 본질과 밀접하게 연결되어 있는 반면, 음악 장르일반적으로 시, 노동 운동, 춤과 관련이 있습니다. N. t.의 작품과 기술은 대대로 이어집니다.

N.t.는 전 세계 예술 문화의 역사적 기반이었습니다. 그것의 원래 원칙, 가장 전통적인 형태, 유형 및 부분적인 이미지는 모든 예술이 사람들의 창조물이자 재산이었던 고대 이전 계급 사회에서 시작되었습니다(원시 예술 참조). 와 함께 사회 발전인류의, 계급 사회의 형성, 분업, 전문화된 "높은", "과학적" 예술이 점차 등장하고 있습니다. N.t.는 또한 세계 예술 문화의 특별한 층을 형성합니다. 그것은 사회의 계급 분화와 관련된 다양한 사회적 내용의 층위를 구분하지만, 자본주의 초기에 현대 미술은 일반적으로 시골 노동 대중의 집단적 전통 예술로 정의되었고 그 다음에는 도시의 전통 예술로 정의되었습니다. 사람들의 세계관의 기본 원칙과의 유기적 연결, 세계에 대한 태도의 시적 무결성, 끊임없는 연마는 민속 예술의 높은 예술적 수준을 결정합니다. 또한 N.t.는 특별한 형태의 전문화, 기술의 연속성 및 교육을 개발했습니다.

N. t. 다양하고 종종 멀리 떨어져 있는 사람들은 많은 일반적인 특징유사한 조건에서 발생했거나 공통 소스에서 물려받은 동기. 동시에 N.t.는 수세기 동안 각 민족의 국민 생활과 문화의 특징을 흡수했습니다. 그것은 생명을주는 노동 기반을 유지했고 민족 문화의 보물 창고로 남아 민족 자의식의 표현이었습니다. 이것은 N. t. Glinka와 M. P. Mussorgsky의 영향력의 강도와 결실을 결정했습니다. 차례로 N. t.는 농민 오두막의 고전적인 페디먼트에서 민요, 위대한 시인의 말에 이르기까지 다양한 표현을 발견 한 "높은"예술에서 많은 것을 가져 왔습니다. N. t. 사람들의 혁명적 분위기, 행복을위한 투쟁에 대한 귀중한 증거를 보존했습니다.

부르주아 사회 경제적 관계의 영역에 빠진 자본주의 하에서 자연 기술은 극도로 고르지 않게 발전합니다. 많은 가지가 퇴화하거나 완전히 사라지고 있거나 쫓겨날 위험에 처해 있습니다. 다른 사람들은 산업화하거나 시장의 요구에 적응함으로써 귀중한 특성을 잃습니다. 19세기 국가 자각의 성장, 민주적 민족 해방 운동, 낭만주의의 발전은 N. t.에 대한 관심을 불러 일으켰습니다. 19 세기 말과 20 세기 말. 민속의 영향력 증가 세계 문화, 잃어버린 자연사의 일부가 복원되고 있으며 보호를 위해 박물관과 사회가 조직되고 있습니다. 동시에 국가 및 민간 자선 활동은 종종 관광을 상업적 목표와 "관광 산업"의 이익에 종속시켜 가장 오래된 특징과 종교-가부장적 잔재를 육성합니다.

사회주의사회에서는 자연과학의 보존과 발전을 위한 조건이 조성되었다. 국가 민속 전통을 계승하고 주장하면서 사회주의 사상, 새롭고 변형 된 현실을 반영하는 파토스로 가득 차 있습니다. N. t.는 국가 및 공공 기관의 체계적인 지원을 받고 있으며 마스터는 상을 수상하고 명예 칭호. 과학 및 기술의 경험을 연구하고 발전에 기여하는 연구소 및 박물관과 같은 과학 연구 기관 네트워크가 구축되었습니다. N.t.의 많은 전통적 장르(예를 들어, 의례적 민속, 주문, 민속극)는 사라지고 있지만 다른 장르는 삶의 새로운 자리를 찾습니다. 대중의 새로운 형태의 예술문화도 탄생한다. 아마추어 예술 활동이 집중적으로 발전하고 있습니다 (합창단, 안무 그룹, 민속극장등), N.t.와는 성격이 다르지만 부분적으로 그 유산을 사용합니다. 수세기에 걸쳐 만들어진 N. t.의 높은 예는 대중의 예술적 경험의 보고인 영원한 문화 유산의 가치를 유지합니다.

민속 시적 창의성 -특정 사람들의 대량 언어 예술적 창의성; 에 표시된 유형 및 형태의 총체 현대 과학이 용어에는 민속 문학, 구전 문학, 민속시, 민속과 같은 다른 이름이 있습니다. 인간의 말을 형성하는 과정에서 언어적 예술적 창의성이 생겨났다. 전 계급 사회에서는 그의 지식의 시작과 종교적, 신화 적 사상을 반영하여 다른 유형의 인간 활동과 밀접하게 연결되어 있습니다. 사회가 사회적으로 분화되는 과정에서 서로 다른 사회집단과 계층의 이해관계를 표현하는 다양한 유형과 형태의 구술창의력이 생겨났다. 그 발전에서 가장 중요한 역할은 노동 대중의 창의성이었습니다. 글쓰기의 출현과 함께 역사적으로 구전 N. t와 관련된 문헌이 생겨났습니다.

구술의 집단성 N. t. (집단의 생각과 감정의 표현뿐만 아니라 무엇보다도 집단적 생성 및 배포 과정을 의미)은 가변성, 즉 텍스트가 존재하는 과정에서 가변성을 결정합니다. 동시에 변경 사항은 사소한 문체 변형에서 아이디어의 상당한 수정에 이르기까지 매우 다를 수 있습니다. 암기 및 다양한 텍스트에서 중요한 역할은 독특한 고정 관념 공식에 의해 수행됩니다. 특정 플롯 상황과 관련된 소위 공통 장소, 텍스트에서 텍스트로 전달 (예 : 서사시-말 안장 공식 등) .).

언어적 비언어적 t.의 장르는 존재 과정에서 그 역사의 "생산적"과 "비생산적" 시기("시대")를 거치며(출현, 확산, 대중 레퍼토리에 진입, 노화, 소멸), 이는 궁극적으로 사회적, 문화적-사회의 가정 변화와 연결됩니다. 민속 생활에서 민속 텍스트의 존재의 안정성은 예술적 가치뿐만 아니라 삶의 방식, 세계관, 주요 제작자 및 수호자 인 농민의 취향 변화가 느림으로도 설명됩니다. 다양한 장르의 민속 작품 텍스트는 변경 가능합니다 (정도는 다르지만). 그러나 전체적으로 전통주의는 전문적인 문학적 창조성보다 N. T.에서 훨씬 더 큰 힘을 발휘합니다.

언어 적 N. t.의 집단적 성격은 그것이 비인격적이라는 것을 의미하지 않습니다. 재능있는 마스터는 창조뿐만 아니라 집단의 요구에 대한 텍스트의 보급, 개선 또는 적응에도 적극적으로 영향을 미쳤습니다. 노동 분업의 조건 하에서 생산 수행자의 독특한 직업이 생겼습니다. N. t. (고대 그리스 Rhapsodes 및 Aeds, 러시아 Skomorokhs, 우크라이나 kobzars(Kobzar 참조), Kazakh 및 Kirghiz Akyns 등). 중동 및 중앙 아시아의 일부 국가와 코카서스에서는 언어 N.t.의 과도기적 형태가 개발되었습니다. 특정 개인이 만든 작품은 구두로 배포되었지만 텍스트는 상대적으로 거의 변경되지 않았으며 일반적으로 알려지고 종종 텍스트에 소개됩니다(예: 키르기스스탄의 Toktogul Satylganov, 아르메니아의 Sayat-Nova).

풍부한 장르, 주제, 이미지, 언어적 N.t. 스토리텔링, 연기, 대화 등의 시학). 역사의 과정에서 일부 장르는 상당한 변화를 겪었고 사라지고 새로운 장르가 나타났습니다. 가장 고대 시대에 대부분의 사람들은 부족 전통, 노동 및 의식 노래, 주문을 가지고 있었습니다. 나중에, 마술적이고 일상적인 동화, 동물에 관한 동화, 서사시 a의 전 상태 (구식) 형태. 국가가 형성되는 동안 고전적인 영웅 서사시가 형성되고 역사적인 노래 (노래 참조), 발라드 (발라드 참조)가 발생했습니다. 더 나중에, 여분의 의식 가사 노래, Romance, Chastushka 및 기타 작은 서정적 장르와 마지막으로 작동하는 민속 (혁명적 노래, 구전 이야기 등).

구두 N. t의 작품의 밝은 국가적 색채에도 불구하고. 다른 사람들, 많은 동기, 이미지, 심지어 줄거리도 비슷합니다. 예를 들어, 유럽 민족 이야기의 줄거리 중 약 2/3는 다른 민족의 이야기와 유사합니다. 이는 한 출처의 발전이나 문화적 상호 작용 또는 유사한 현상의 출현으로 인해 발생합니다. 사회 발달의 일반적인 패턴.

봉건 말기와 자본주의 시대까지 언어적 문해력은 문어문학과 상대적으로 독립적으로 발달하였다. 나중에 문학 작품이전보다 더 적극적으로 사람들의 환경에 침투합니다 (예 : A. S. Pushkin의 "The Prisoner"및 "Black Shawl", N. A. Nekrasov의 "Pedlars"; 기사에서도 이에 대해 참조하십시오. 무료 러시아시, Lubochnaya 문학) . 반면에 민속 이야기꾼의 작업은 문학의 일부 특성 (인물의 개별화, 심리학 등)을 습득합니다. 사회주의 사회에서 교육의 가용성은 가장 재능 있는 사람들의 재능 개발과 창의적인 전문화를 위한 동등한 기회를 제공합니다. 다양한 형태의 대중 언어 및 예술 문화 (작곡가, ditties, 작곡 막간 및 풍자 장면 등)은 전문가와 긴밀한 접촉을 통해 발전합니다. 사회주의 예술; 그 중에서 N.t.의 전통적인 형태는 계속해서 특정 역할을 합니다.취향, 라이프 스타일 이것은 또한 언어 신조어가 문학 발전에 지대한 영향을 미친 이유이기도 합니다. M. Gorky는 "... 단어 예술의 시작은 민속에 있습니다"( "On Literature", 1961, p. 452)라고 말했습니다. N. t.의 기록, 연구 및 연구 방법론에 대해서는 Folkloristics를 참조하십시오.

민속 음악 (음악 민속) - 사람들의 성악 (주로 노래), 기악 및 성악 악기 집단 창의성; 원칙적으로 비 서면 형식으로 존재하며 공연 전통을 통해 전달됩니다. 전 국민의 재산인 뮤지컬뮤지컬티는 주로 재능 있는 너겟들의 공연예술 덕분에 존재한다. 이들은 Kobzar, guslar (Gusli 참조), buffoon (Buffoons 참조), Ashug, Akyn, kuyshi (Kuy 참조), Bakhshi, gusan (Gusans 참조), Hafiz, olonkhosut (Olonkho 참조), aed (Aeds 참조) , Juggler, Minstrel, Shpilman 등 민속 음악의 기원은 다른 예술과 마찬가지로 선사 시대로 거슬러 올라갑니다. 다양한 사회 구성의 음악적 전통은 매우 안정적이고 강인합니다. 각 역사적 시대에는 어느 정도 고대와 변형된 작품이 공존할 뿐만 아니라 이를 바탕으로 새롭게 창조되었습니다. 함께 그들은 소위 전통 음악 민속을 형성합니다. 그것은 오랫동안 상대적 독립의 특징을 유지하고 전체적으로 더 젊은 서면 전통과 관련된 음악과 다른 농민 음악을 기반으로합니다. 뮤지컬 N. t.의 주요 유형은 노래(노래 참조), 서사시(예: 러시아 Bylinas, Yakut olonkho), 댄스 멜로디, 댄스 코러스(예: 러시아 ditties(Chastushka 참조)), 기악곡 및 곡입니다. (신호 , 춤). 모든 조각 뮤지컬 민속공연 과정에서 민속 음악의 변화를 특징 짓는 스타일 및 의미 론적으로 관련된 변형의 전체 시스템으로 표현됩니다.

민속 음악의 풍부한 장르는 그 중요한 기능의 다양성의 결과입니다. 음악은 농민의 전체 작업 및 가족 생활에 수반되었습니다. 연간 농업계의 달력 휴일 (캐롤 (Carol 참조), Vesnyanki, Shrovetide, Kupala 노래), 현장 작업 (예초, 수확 노래), 출생, 결혼식 (자장가 및 결혼식) 노래), 죽음(장례식 애가). 목가적 인 사람들 사이에서 노래는 말 길들이기, 소 몰기 등과 관련이 있습니다. 나중에 모든 민족의 민속에서 가장 큰 발전은 단순하고 짧은 노동, 의식, 춤 및 서사적 노래 또는 기악이 상세하고 때로는 복잡한 음악 즉흥 연주-보컬 (예 : 러시아어 드로우링 송, 루마니아 및 몰다비아 도이나) 및 기악(예: 트란스카르파티아 바이올리니스트, 불가리아 기병 연주자, 카자흐스탄 돔브라 연주자, 키르기스 코무즈 연주자, 투르크멘 두타르 연주자, 우즈벡, 타지크, 인도네시아, 일본 및 기타 기악 앙상블 및 오케스트라의 프로그램 작품) .

다양한 유형의 멜로가 암송(Karelian, Runes, Russian epics, South Slavic epic)에서 풍부한 장식( 가사 노래근동 및 중동 음악 문화), 폴리포니(폴리포니 참조)(아프리카 민족, 독일 합창 화음, 조지아 쿼트-초 및 중부 러시아 서브보컬 폴리포니, 리투아니아 표준 수타르틴 앙상블의 들쥐의 폴리리듬 조합), 리듬(리듬 참조)(에서 특히, 전형적인 노동 및 춤 동작의 리듬을 일반화한 리듬 공식), 프렛 스케일 시스템(원시적인 좁은 볼륨 프렛에서 개발된 온음계 "자유 멜로디 시스템"까지). 연의 형태, 2행(짝, 대칭, 비대칭 등), 작품 전체도 다양하다. 뮤지컬 N. t.는 모노포닉(솔로), 안티포널(안티폰 참조), 앙상블, 합창, 오케스트라 형식으로 존재합니다. 합창 및 기악 폴리포니의 유형은 헤테로포니(헤테로포니 참조) 및 부르동(지속적으로 들리는 베이스 배경)에서 복잡한 폴리포닉 및 코드 형성에 이르기까지 다양합니다. 각 국민 민속 음악음악 민속 방언 시스템을 포함하는 지역 문화는 음악 스타일 전체를 형성하고 동시에 다른 문화와 결합하여 더 큰 민속 민속 공동체 (예 : 유럽-스칸디나비아, 발트해, 카르 파티 아, 발칸, 지중해 등) .

민속 음악 녹음 (20 세기 녹음 장비의 도움으로)은 특수 과학 분야 인 음악 민족 지학과 연구 인 민족 음악학 (음악 민속학)으로 처리됩니다.

민속 음악을 기반으로 거의 모든 국립 전문 학교가 생겨 났으며 각 학교에는 가장 단순한 민속 멜로디 배열부터 개인의 창의성에 이르기까지 민속 유산의 다양한 사용 샘플이 포함되어 있으며 민속을 자유롭게 변형합니다. 음악적 사고, 특정 민속 음악 전통에 특정한 법률. 현대 음악 연습에서 N.t.는 전문 예술과 다양한 형태의 아마추어 예술 모두에 기름진 힘입니다.

러시아에서는 드라마 "차르 막시밀리안과 그의 반항적 인 아들 아돌프", "보트"(옵션 - "보트", "갱 오브 강도", "스테판 라진", "검은 까마귀"가 농민, 군인, 공장 환경); 드라마 "헤롯 왕", "프랑스 인이 모스크바를 점령 한 방법"도 상영되었습니다. 유형에 따라 그들은 많은 사람들에게 알려진 폭군, 영웅 또는 소위 강도 드라마에 속합니다. "Tsar Maximilian"에는 문학적 출처가 있습니다. "St. Demetrius의 삶"을 기반으로 한 학교 드라마 "The Crown of Demetrius"(1704); "보트"(18세기 후반)는 극화이다. 민요"볼가를 따라 어머니 아래로". 이 연극의 최종 구성은 18 세기 후반에서 19 세기 전반기 시인 작품의 일부를 텍스트에 포함시키는 것과 관련이 있습니다. - G. R. Derzhavin, K. N. Batyushkov, A. S. Pushkin, M. Yu. Lermontov, 인기있는 인쇄 소설의 모티프 및 이미지. Rus '에는 풍자극 "Barin", "Naked Master", "Petrushka"도있었습니다.

민속극의 가장 특징적인 특징은 (일반적인 민속 예술뿐만 아니라) 의상과 소도구, 동작 및 몸짓의 개방적인 관례성입니다. 공연 중에 배우들은 관객과 직접 소통하며 관객은 단서를 주고, 행동에 개입하고, 지시하고, 때로는 참여하기도 합니다(연기자 합창단과 함께 노래, 작은 문자군중 장면에서). 일반적으로 민속 극장에는 무대도 무대도 없었습니다. 주요 관심은 등장 인물의 등장 깊이가 아니라 상황과 상황의 비극적이거나 코믹한 성격에 초점을 맞추고 있습니다. 가장 중요한 것은 영웅의 출구 독백, 성능입니다. 배우노래 (민속 또는 공연을 위해 특별히 작곡), 오페라의 아리아. 민속극에는 극적(영웅적 또는 낭만적)과 희극의 두 가지 유형의 캐릭터가 있습니다. 첫 번째는 매우 엄숙한 스타일의 연설, 독백 및 대화로 구별되며 두 번째는 만화, 패러디 기술, 단어 놀이로 구별됩니다. 민속 연극의 전통 공연은 이후 특별한 유형의 출현을 결정했습니다. 연극 공연, 안정적인 형태를 가지고 있습니다. 많은 국가에서 이러한 공연을 전통 연극이라고 합니다. 민속무용 무언극 공연은 고대부터 아시아 국가에서 널리 퍼졌습니다. 이를 바탕으로 아시아 민족의 전통 극장이 형성되었습니다. 인도네시아의 와양-토펭 극장, 약 kolam입니다. 스리랑카(Ceylon), 인도의 Kathakali 등

민속 연극의 원래 예술 및 공연 기술은 전문 연극 노동자 (W. Shakespeare, Molière, C. Goldoni, A. N. Ostrovsky, E. De Philippe 등)에 의해 매료되고 사용되었습니다.

민속춤은 가장 오래된 유형의 N. t. Dance는 휴일과 박람회에서 민속 공연의 일부였습니다. 원형 춤 및 기타 의식 춤의 출현은 민속 의식 (실론 불 춤, 노르웨이 횃불 춤, 자작 나무 컬링, 화환 짜기 및 조명 불 의식과 관련된 슬라브 원형 춤)과 관련이 있습니다. 점차 의식적인 행동에서 벗어나 라운드 댄스는 새로운 콘텐츠로 채워져 삶의 새로운 특징을 표현했습니다. 사냥, 축산에 종사하는 사람들은 동물 세계에 대한 관찰을 춤에 반영했습니다. 동물, 새, 가축의 본성과 습관은 북미 인디언의 들소 춤, 인도네시아 펜착 (호랑이), 야 쿠트 곰 춤, 독수리의 파미르 춤, 중국인, 인도인-공작 등 비 유적으로 표현 적으로 전달되었습니다. , 핀란드어-황소, 러시아 크레인, 갠더, 노르웨이 투계 등 시골 노동을 주제로 한 춤이 있습니다. (포도), 우즈벡 누에, 버터밀크(목화). 수공예품과 공장 노동의 출현으로 새로운 민속 춤이 등장합니다. 우크라이나 쿠퍼, 독일 유리 송풍기 춤, Karelian "천이 짜여진 방법"등입니다. 전투 장면 재현 댄스 N. t. 의 큰 자리는 사랑이라는 주제로 가득 차 있습니다. 원래 이러한 춤은 노골적으로 에로틱했습니다. 나중에 감정의 고귀함, 여성에 대한 존경심을 표현하는 춤이있었습니다 (Georgian Kartuli, Russian Baynian Quadrille, Polish Mazur).

각 국가는 자체 춤 전통, 조형 언어, 움직임의 특별한 조정, 움직임과 음악의 상관 관계를 개발했습니다. 어떤 사람들에게는 댄스 프레이즈의 구성이 음악적 프레이즈와 동기화되고 다른 사람들에게는 (불가리아인들 사이에서) 동기화되지 않습니다. 서유럽 사람들의 춤은 다리의 움직임 (팔과 몸이 동반되는 것 같음)을 기반으로하는 반면 중앙 아시아 사람들과 다른 동양 국가의 춤에서는 주된 관심을 기울입니다. 손과 몸의 움직임. 민속 무용에서는 댄서가 강조하는 리듬 원칙이 항상 지배적입니다 (구르기, 박수, 반지 울림, 종소리). 무용수들이 종종 손에 들고 있는 민속 악기(캐스터네츠, 탬버린, 드럼, 도이라, 하모니카, 발랄라이카)의 반주에 맞춰 많은 춤이 공연됩니다. 일부 춤은 일상적인 액세서리(숄, 모자, 접시, 그릇, 사발)로 공연됩니다. 의상은 공연의 성격에 큰 영향을 미칩니다. 러시아와 헝가리 남성 무용의 특징적인 동작은 단단한 장화 자루를 두드리는 것입니다.

부상과 인기 포크 댄스소련에서 그들은 민속 무용 앙상블이라는 새로운 무대 형식의 출현에 기여했습니다. 1937년에는 무대 민속 무용을 전문 안무로 확립한 소련 민속 무용 앙상블이 창설되었습니다. 포크 댄스의 요소는 클래식 발레에서도 사용됩니다. 전문 민속 무용 앙상블과 노래 및 무용 앙상블이 소비에트 연방의 모든 공화국에 설립되었습니다. 전문 및 아마추어 민속 무대 댄스 그룹은 전 세계 국가에서 일반적입니다(댄스 참조).

민속 건축, 순수 및 장식 예술에는 도구, 건물(목조 건축, 주거 참조), 가정 용품 및 가정용 가구(예술의 목재, 철, 도자기, 예술 광택제, 가구, 구리, 예술 그릇, 유리 참조), 의류 및 직물이 포함됩니다. (자수, 기림, 카페트, 레이스, 날염원단, 의류, 예술직물 참조), 장난감(장난감 참조), 루복 등 도예, 직조, 예술적 조각, 장식 그림, 단조, 예술적 몰딩, 판화, 엠보싱 등은 현대 기술에 널리 퍼진 가장 중요한 예술적 및 기술적 프로세스 중 하나입니다. 민속 건축과 예술 및 공예는 물질적 생산에 속하며 본질적으로 직접적으로 창의적입니다. 따라서 미적 기능과 실용적인 기능, 비유적 사고 및 기술적 독창성이 융합되었습니다.

주제 환경을 만들고 형성하고 노동 과정, 일상 생활, 달력 및 가족 의식에 대한 주제 미적 표현을 제공하는 N.t.는 태곳적부터 천천히 변화하는 시스템의 필수적인 부분이었습니다. 민속 생활. N. t.의 일부 기능에서는 신석기 시대와 청동기 시대로 거슬러 올라가는 일과 삶의 규범, 컬트 및 신념을 추적할 수 있습니다. N. t의 가장 일반적인 요소. 개별 장식 모티프는 원래 신화적 의미("세계수", "위대한 여신", 태양의 상징), 원시 의식의 각인된 특징, 자연과 소통하는 신화적이고 마법적인 방법을 가지고 있었습니다. 이러한 고대 뿌리는 예를 들어 민속 장난감, 원시 컬트 가소성의 특징이 추적됩니다. N. t. 의 작품은 종종 하나 또는 다른 관습과 특정한 연결을 가지고 있으며, 이 관습의 숭배적 성격이나 신화적 조건에 대한 기억이 손실된 경우에도 보존됩니다. 이것은 또한 정기적으로 반복되는 의식에서 주기적으로 재생산하도록 설계된 많은 N.t.

사회 엘리트의 "고급"예술과 달리 N.t.는 예술 스타일의 대조되는 변화를 알지 못합니다. 진화 과정에서 별도의 새로운 모티프가 나타나지만 양식화 정도와 이전 모티프에 대한 이해의 본질은 더 많이 변합니다. 한때 세계에 대한 기본 아이디어와 관련되었던 이미지는 점차적으로 좁은 실용적인 의미(예: 일상적인 물건을 장식하는 다양한 기호 부적 및 기호 주문)를 획득하거나 순전히 장식적인 역할을 하기 시작했습니다. 객체는 종종 구조적 및 기능적 변화가 미미합니다. . N. T. 의 사물에 대한 아이디어는 일반적으로 예비 모델이나 도면에 고정되지 않고 마스터의 마음과 손에 살아 있습니다. 동시에 가장 합리적인 작업 방법의 개발로 이어지는 개인의 독창성의 결과는 인민 집단에 의해 받아들여져야 합니다. 이 때문에 수세기에 걸친 선택에 의해 고정된 전통은 지속적이지만 부분적이고 구체적인 변화를 겪습니다. 가장 오래된 물체(예: 오리 모양의 나무 국자)는 자연과 매우 유사할 수 있습니다. N. t.에서 이러한 형식에 대한 나중에 이해는 원래의 유형과 비 유적 기반을 보존하면서 기술적 수단과 재료를 합리적으로 사용하여 수세기에 걸쳐 개발된 일반화 및 장식 양식화 방법과 결합합니다.

사회의 계급 분화가 심화되면서 사회주의 t. 예술 작품자신과 소박한 공예품을 위해. 특별한 민속 가지의 존재는 이미 고대 예술에서 발견됩니다 (예를 들어 신석기 플라스틱을 연상시키는 Italo-Etruscan 서클의 봉헌 대상 (봉헌 대상 참조)). 궁전의 초기 기념물과 심지어 컬트 건축물은 민속 목조 및 석조 건축물 (Aegean Megaron, German Halle), 이동식 유목민 주거지 등의 가장 단순한 고대 사례와 분명히 관련이 있지만 도시 및 저택 건설의 경로는 급격히 갈라지고 민속 건축주로 서빙 농민 생활(주거용 건물, 타작 마당, 헛간, 헛간, 헛간 등).

중세 유럽에서 봉건 교회 문화는 부족 제도의 문화적 전통, 경제적 및 정치적 고립, 지역 신 숭배를 보존하려는 열망으로 인해 반대되었습니다. 이것의 표현은 일반적으로 동물 스타일의 이미지로 가득 찬 중세 예술의 인기 있는 흐름입니다(동물 스타일 참조). 이교도 보석 부적에서 특히 순수하게 표현되는 대중적인 세계관은 민속 문화가 법정과 교회 문화에 미치는 영향의 예인 기념물에도 나타납니다 (예 : Vladimir-Suzdal 학교의 부조 (Vladimir-Suzdal 학교 참조) ), 로마네스크 양식과 고딕 양식의 교회의 기괴한 가소성, 원고 장식). 그러나 상품-화폐 관계의 저개발, 삶의 형태의 약한 분화, 중세 예술의 근본적인 익명 성 및 주인과 사람들의 환경에 대한 근접성은 N. t의 완전한 고립에 기여하지 않았습니다. 나중에 초기 자본주의 발전 단계에 진입한 국가들, 특히 중세 루시에서 비슷한 상황이 17세기 말에서 18세기 초까지 지속되었습니다. 특히 오랫동안(19세기와 20세기까지) 중세 생활 방식을 보존한 동양 국가에서는 모든 예술과 공예에 민속 공예 기술이 깊이 스며들어 있으며 고도로 발달된 자연이 있습니다. 여러 국가의 시각 예술에서 민속 흐름이 강합니다 (중국, 일본, 인도의 인기 판화). 마지막으로, 식민 후 국가에서 고대 토착 문화는 일반적으로 N.t.의 기초가 되었지만 가져온 문화의 많은 특징을 흡수했습니다.

봉건제와 길드 제도의 붕괴와 함께 시장을 위해 작동하는 민속 예술 공예품이 개발되었습니다. 덕분에 N.t.는 여전히 사람들의 삶과 긴밀한 관계를 유지하면서 새로운 유형의 제품, 새로운 형태 및 테마를 마스터합니다. 다른 한편, 르네상스 시대에 확립된 예술적 개성의 식별과 고대 예술 숭배는 현대 예술이 토착 고대와 결부된 지역적이고 고립된 것으로 점점 더 분명하게 등장한다는 사실로 이어집니다. 민속 예술 문화 - 16-17 세기부터 빠르게 발전하는 종교 예술 작품 (봉헌 그림, 아이콘, 유리에 칠해진 그림, 조각품). (특히 가톨릭 숭배 국가에서) 축제의 디자인, 순진한 형태의 고풍을 지닌 루복은 이미 절묘하고 때로는 혁신적으로 특이한 "고급"예술 작품과는 완전히 다른 비유 체계를 가지고 있습니다. 가정 용품 스타일에서도 비슷한 불일치가 발생합니다. 이러한 간극은 민속적 요소가 특권계층과 교회의 문화에 깊숙이 침투하는 곳에서는 덜 눈에 띈다. 러시아에서는 예를 들어 마을의 궁전 건축에서 나타났습니다. Kolomenskoye (17 세기), 민속 목조 건축 양식이 풍부하고 라틴 아메리카 국가에서 콜럼버스 이전 문명의 예술 특징을 흡수 한 바로크 양식의 교회 장식. 17~18세기. N.t.에서는 표의 문자 원칙이 눈에 띄게 약해집니다. 이제 식물 모티프에서 상징적 기하학적 패턴을 대체하는 모든 곳에서 장식 구조가 더 자유롭고 다양해집니다. 점점 더 신선한 관찰과 일상의 풍경들이 N.t. 그러나 현대적인 스타일에 침투한 새로운 모티프와 형태(르네상스, 바로크, 제국)는 모델과 아주 먼 유사점만 유지하여 리드미컬하게 명확한 장식 패턴으로 단순화하고 응고합니다. 일반적으로 XVII-XIX 세기 초. N. t. 번성하여 매우 다양한 유형과 형태를 제공했습니다. 이것은 N. t.가 이전에 접근할 수 없었던 재료와 도구, 새로운 기술 능력의 출현, 그의 지평을 넓힘으로써 촉진되었습니다. 민속 예술가, 민속 가사와 풍자의 발전.

19세기 집중적으로 발전하는 예술적 수공예품 생산은 점점 더 자본주의 경제 체제로 끌어들여지고 있습니다. 대부분의 국가에서 상품 공예는 마침내 보수적 가정에서 분리됩니다. 러시아에서는 1861년 이후 민속 공예품이 전 러시아 시장을 대상으로 하는 개인 작업장의 성격을 갖게 되었습니다. 공예의 협소한 전문화, 증가하는 노동 분업 및 모티프의 표준화는 기술 실행의 거장 기술(때로는 거의 기계 속도에 도달함)과 극도로 통합된 패턴과 형태를 야기합니다. 동시에 수공예, 기계적으로 완벽한 장인 정신이 점점 더 창의성을 대체하고 있습니다. 종종 무작위적이고 반 예술적 인 도시 대량 생산 샘플을 모방함으로써 장인은 민속의 전형적인 기술 및 미적 원칙의 통일성을 파괴합니다. 이전에 엄격하게 구성되고 의미 론적 연관성으로 가득 찬 구성은 더 자유로워지지만 덜 논리적입니다. 페인팅에서 템페라 페인트는 오일로 대체되고 나중에는 아닐린으로 대체됩니다. 민속 아이콘과 lubok은 oleography mi로 대체됩니다. 플라스틱에서 체적-객관적 형태는 건축성을 잃습니다. 사물과 합쳐졌던 이미지와 장식은 이제 표면에 붙여진 그림이 된다. 값싼 공장 제품과 경쟁할 수 없는 별개의 산업은 쇠퇴하거나 소멸하지만 대부분 기술, 스타일, 심지어 전문 이젤 예술과 상업 예술 산업의 예를 사용하여 다른 산업이 생겨나고 확장됩니다. 이전에 가장 풍부한 자연을 소유했던 여러 국가 (영국, 덴마크, 네덜란드)에서는 거의 완전히 사라지지만 강력한 중세 문화 층을 보존 한 산업적으로 후진 지역 (러시아 북부 지방, 브르타뉴)에서 집중적으로 발전합니다. 프랑스, 오스트리아의 티롤, 슬로바키아, 발칸 국가, 스페인, 이탈리아의 시칠리아).

19세기 중반 이후 구전 민속의 가치가 인정되면서 여러 나라에서 민속장식예술에 관심을 갖게 되었다. 그 이후로 현대 미술의 미학(국가적이거나 이국적인 것 모두), 그 다채로움과 리듬은 전문적인 건축과 순수 및 장식 예술에 점점 더 많은 영향을 미쳤습니다. N.t 컬렉션 수집이 시작되고 공공 기관과 자선 단체는 여러 멸종 공예품을 부활시키고 새로운 공예품을 조직합니다. 이 활동은 19세기와 20세기 초에 특별한 범위를 획득했습니다. "현대"스타일의 확산과 이와 관련된 국가적 낭만적 경향. 그러나 민속 공예가에게 이젤 형식의 솔루션을 부과할 때 "모더니즘"의 예술가와 이론가는 종종 N.t의 세부 사항에 대한 이해 부족을 나타냈습니다. 유사한 실수가 나중에 발생했습니다(1930년대와 50년대 소련의 관행 포함). ; 반대로 많은 자본주의 국가에서는 민속 조각과 장식을 추상 미술에 더 가깝게 만들려는 시도가 있었습니다.

현대 N. t.의 작품은 주로 장식품과 기념품의 성격을 띠며 특정 지역의 민속 문화의 독창성을 비 유적으로 증언합니다. 겉으로 보기에 손으로 만든 듯한 외관을 통해 그들은 주로 표준화된 산업적 수단에 의해 만들어진 환경에 민족적 전통과 직접적인 인류의 특징을 부여합니다. 민속 예술과 공예는 개발도상국의 경제에서 중요한 역할을 합니다. 많은 국가 (주로 소련 및 기타 사회주의 국가)에서 민속 공예 및 예술적 독창성을 보호하기위한 수단을 모색하고 있으며 경쟁 및 전시회를 통해 민속 공예가의 활동을 장려하고 직업 학교 및 대학에서 예술가와 공연자를 교육합니다. 과학 연구 기관과 박물관의 참여로 전통을 신중하게 연구하고 N. t. N. t.는 예술 산업에 끊임없는 영향을 미치며 일상적인 것의 가장 표현적인 형태와 장식을 찾는 데 도움을 줍니다. N. t.의 개별 기능은 아마추어 마스터의 작품뿐만 아니라 전문 예술가민속 예술의 경험을 사용합니다. 소련에서는 실속 된 민속 공예품이 많이 부활했으며 많은 사람들이 새로운 개발을 받았으며 소비에트 생활오리엔테이션 (따라서 이전 아이콘 페인팅 센터는 세계적으로 유명한 옻칠 미니어처 센터가되었습니다). 소비에트 N. t. 의 다양한 유형과 장르에서 민속 전통의 신중한 보존은 광범위한 관심과 소비에트 현실에 대한 적극적인 인식과 결합됩니다.

다양한 민족의 N. t.에 대해서는 문학, 건축 및 미술, 음악, 발레, 드라마 극장, 개별 국가 및 소련 공화국에 관한 기사의 서커스.

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전자 교육 및 방법론 단지규율에 의해

강의 노트

(원고로)

아바칸

장. 민속 예술은 사회 예술 문화의 기초입니다.

민속 예술의 개념과 본질.

민속 예술 (민속 예술, 민속)은 사람들의 삶, 견해, 이상을 반영하는 사람들의 예술적 집단 창작 활동입니다. 시, 음악, 연극, 무용, 건축, 미술, 인민이 창조하고 인민 중에 존재하는 예술과 공예입니다.

집단적 예술적 창의성에서 사람들은 노동 활동, 사회 및 일상 생활 방식, 삶과 자연에 대한 지식을 반영합니다.

다음 유형과 장르의 민속 예술을 구분할 수 있습니다.

1. 구전 민속 예술(민속).

동화, 전승, 전설, 전설, 서사시, 역사가요, 속담, 수수께끼 등의 장르가 서사시 장르에 속한다.

서정가, 제례가, 가족가, 사랑가, 사회적 항의가, 디티 등의 장르가 가사의 속에 속한다.

크리스마스 게임, 의식 공연, Petrushka의 민속 극장, Rayek 등 - 일종의 드라마.

민속의 특징은 뚜렷한 지역 소속과 역사적 특이성입니다. 민속은 가장 가치 있는 것을 흡수하고 새로운 사회 변화와 역사적 사건을 반영하여 사람들과 함께 발전합니다.

2. 포크 음악 - 음악적 전통, 노동의 리드미컬 한 반주 또는 특정 의식의 일부로 발생하여 자체 건전한 이상과 자체 모달 형식. 그것은 사람들의 악기 및 보컬 악기 창의성으로 표현됩니다. 음악 민속의 주요 장르는 노래, 댄스 멜로디, 댄스 코러스, 기악 및 곡입니다. 음악은 농민의 모든 일과 가정 생활에 수반되었습니다.

달력 공휴일(캐롤, 스톤플라이, Shrovetide 노래);

현장 작업 (예초, 곡식 수확);

출생, 결혼식 (자장가, 결혼 노래)

죽음(장례식 애가).

3. 민속 극장 - 구전 민속 예술과 유기적으로 관련된 형태로 사람들 사이에 존재하는 극장으로 고대부터 시작되었습니다. 사냥과 농업 휴가에 수반되는 게임에는 환생의 요소가 포함되어 있습니다. 행동의 연극 화는 달력과 가족 의식 (크리스마스 드레싱, 결혼식)에 나타났습니다. 다음은 Petrushka에 대한 코미디입니다. 민속극장에는 익살스러운 공연과 소위 라이에크(각본이 있는 동영상을 보여주는 것)도 포함됩니다. 특징민속 극장-의상, 움직임 및 제스처의 관습, 즉흥 연주 (대중과 의사 소통하고 복제본을 준 배우가 행동에 개입 함).

민속 무용 - 특정 국적, 민족 또는 지역의 춤은 민속 무용 전통을 기반으로 발전한 민속 예술의 한 형태입니다. 고유의 안무 언어와 조형적 표현력이 특징이다.

포크 댄스의 주요 소스는 노동 과정 및 주변 세계의 감정적 인상과 관련된 인간의 움직임과 몸짓입니다.

춤은 민속 예술의 가장 오래된 유형 중 하나입니다. 사냥, 축산에 종사하는 사람들은 동물의 습관에 대한 춤 관찰 (Yakut 곰 춤)에 반영되었습니다. 농촌 노동을 주제로 한 춤이 있다.(라트비아 사신의 춤 등) 민속 무용 예술의 큰 부분은 사랑을 주제로 하고 있다. 민속 악기 반주.

5. 민속 예술과 공예는 사람들의 정신 문화의 물질적 구체화이며 장식에 반영됩니다. 미술품(가정용품, 접시, 가구, 무기, 의류 등)

러시아에서는 예술적 조각, 회화(Khokhloma, Gzhel), 도자기(Dymkovo 장난감, Kargapol 등), 엠보싱, 레이스 제작, 방적 및 직조, 자수 등으로 대표됩니다.

작품의 창작자가 동시에 공연자라는 것은 모든 장르의 민속 예술에서 일반적이며 공연은 전통을 풍요롭게 하는 변종의 창조가 될 수 있습니다. 다양한 장르의 통일성도 주목해야합니다. 시, 음악, 춤, 연극 및 장식 예술이 민속 의식 행위에 통합되었습니다. 사람들의 집에서-건축, 조각, 회화, 도자기, 자수는 분리 할 수없는 전체를 만들었습니다.

현대 민속 예술은 다음과 같은 형식으로 표현됩니다.

아마추어 창의성(아마추어 협회 및 관심 클럽);

아마추어 예술 - 집합적으로(서클, 스튜디오, 그룹, 민속 극장) 또는 단독으로 행동하는 아마추어에 의한 예술 작품의 창작 및 공연을 포함하는 민속 예술의 한 형태;

민속공예는 특정 지역(Zhostovo, Palekh, Khokhloma 등)의 민속전통의 집합적 발전과 발전을 바탕으로 실용(응용) 또는 장식적 목적의 예술품을 만드는 활동이다.

민속 예술 - 역사적 근거전 세계 예술문화의 발원지, 민족예술전통의 원천, 인민의 자의식의 대변자.

"민속예술"과 "민속예술문화"의 개념을 구분할 필요가 있다. 민속 예술 문화는 민족 집단의 영적, 도덕적 가치와 이상, 민족적 성격, "세계의 국가적 이미지"(G. Gachev 및 기타)의 구체화입니다.

한 사회의 민속예술문화는 그 사회에서 만들어지고 유통되는 예술작품의 집합체이며, 이를 보존, 연구, 방송하는 형태와 방식이다. 그것은 특별한 예술적 수단의 도움으로 예술적 이미지에 현실을 반영하는 형태로 예술을 포함하지만 이에 국한되지는 않습니다. 사회 예술 문화의 구조에는 예술적 가치의 보존, 연구 및 보급의 다양한 수단과 형태도 포함됩니다. 민속 문화는 문화 전체의 기능과 보존을 위한 중요한 메커니즘을 포함하고 있으며, 사회의 정신적 토대를 굳히고 강화합니다.

러시아 민족학자 S.V. 루리는 민속문화를 주어진 사회를 결속시키고 붕괴로부터 보호하는 구조로 간주한다. 따라서 민속문화에 대한 연구는 민족 자체에 대한 지식이라고 할 수 있다.

처럼. Kargin은 민속 예술 문화의 주요 구조적 형성에 대해 다음과 같은 정의를 제공합니다.

1. 민속(구전-시, 음악-극)은 한 민족의 전통적 일상적 정신철학이다. 민족의 정신성을 반영하는 미학적 문화로, 구전을 통한 수세기에 걸친 집단적 창의성의 결과로 발전해 왔다. 개인-개인 옵션의 무한한 다양성.

2. 신민속(Neo-Folklore) - 미적 다양성, 스타일 및 장르 불안정성으로 구별되는 민속, 대중 및 전문 예술, 아마추어 예술의 형태를 동시에 포함하고 두 번째 물결로 작용하는 비정형화된 여가 자연의 일상적인 예술적 창의성 현대 민속 문화에서.

3. Folklorism 또는 Secondary Folklore는 예술적 현상으로서 시청자, 청취자에 대한 시연 패턴을 고려하여 준비되고 이해되는 민속의 무대 형식입니다.

4. 아마추어 예술 - 일부 인구의 예술적 기술과 능력에 대한 특별 훈련을 통해 엘리트, 대중 또는 민속 문화의 기존 샘플(작품, 제품)의 재생산 및 개발에 중점을 둔 사회적으로 조직된 창의성.

5. 예술과 공예, 훌륭한 민속 - 민속과 전문화된 형태를 모두 가지고 있는 민족 집단의 정신, 자의식을 비유적이고 미적인 형태로 반영하는 민속 예술 문화의 구체화되고 구체화된 층.

6. 고대 문화는 고대 농민의 기원을 가지고 있으며 농업 달력의 시대와 관련이 있습니다.

7. 전통문화는 무조건적인 가치를 보여준 민속문화의 질적이며 가장 안정적이고 확립된 매개변수(특성, 특성, 특성)를 결정합니다. 그것은 모두에게 또는 적어도 대부분의 사회 집단에게 보편적으로 유효한 문화입니다.

8. 정통문화 - 어떤 변두리에도 존재하는 가장 전형적인 문화층. 이것은 모든 사회 집단의 가장 가치있는 미적 및 영적 문화 계층의 모델이자 상징 인 민속 문화의 관련성을 유지하는 기본적이고 독창적이며 유지됩니다. 따라서 우리는 농민, 노동자, 지식인 등의 진정한 문화에 대해 이야기할 수 있습니다. '정통'과 '전통'의 개념은 민속문화의 특성과 밀접한 관련이 있다.

이 말 뒤에는 민속시와 연극, 음악과 춤, 건축과 순수 예술이라는 위대하고 중요한 현상이 있습니다. 민속 예술은 세계 예술 문화의 구축이 성장한 기반입니다.

이 기사는 민속 예술과 공예에 대해서만 설명합니다. 그것은 고대에 시작되었으며 다른 유형의 예술적 창의성과 마찬가지로 처음에는 전혀 예술로 인식되지 않았습니다. 사람들이 일상 생활에서 필요한 일을하면서 지금 말하는 것처럼 가정, 의상, 가정 용품, 도구 및 군용 무기의 전통적인 디자인과 같은 주제 환경을 만들었습니다. 노동자 전체가 그들의 사회적, 일상적 삶의 방식, 세계에 대한 독특한 인식, 행복과 아름다움에 대한 생각, 독특한 민족적 성격을 반영하여 이 객관적인 세계를 창조했습니다.

창의성의 집단적 성격은 민속 예술의 특징입니다. 결국, 주인의 작업에서 거의 모든 것은 재료 선택 및 처리 방법, 장식 장식의 특성 및 내용과 같은 수세기 전의 전통에 의해 결정되었습니다.

민속 예술의 위대한 감정가인 V. S. Voronov는 민속 예술의 집단성에 대해 다음과 같이 잘 썼습니다. 강하고 성숙한 형태의 창조에 ... 성공적이고 독창적이며 개인의 손재주와 날카로운 경계로 예술에 도입되어 완성 된 형태로 주입, 개발 및 가져 왔습니다. 무작위적이고 재능이없고 억지스러운 것은 더 이상의 집단적 검증을 견디지 못하고 떨어져서 사라졌습니다.

이것은 스승에서 스승으로, 대대로 전통을 전승하는 것과 밀접한 관련이 있는 역사적 집합체입니다. 그러나 민속 예술의 "합창"원칙이 명확하게 나타나는 동시대 사람들의 집단적 창의성도 있습니다. 옛날부터 영적 기초는 일반적인 세계관, 의식, 관습, 민속이었습니다. 동일한 이미지가 다른 마스터의 작업에서 다양했습니다. 누군가가 발견한 새로운 기술이나 동기는 순식간에 공공재가 되었습니다. 결과적으로 예술은 한 명 또는 여러 명의 마스터가 아니라 전체 공예가 하나의 창조적 유기체로 개발되고 풍부해졌습니다. 그리고 오늘날 Palekh와 Khokhloma, Kubachi 마을과 Polkhovsky Maidan의 예술가들은 고유한 공예 예술에 속한 것을 자랑스럽게 생각하며 함께 직면한 창의적인 문제를 해결합니다(민속 예술 공예 참조).

이것이 자신의 힘에 대한 의식에서 비롯된 민속 예술의 놀라운 쾌활함의 원천이 아닙니까! 결국, 조각 된 물레 나 수 놓은 수건, 페인트 칠한 숟가락 또는 짠 식탁보 등 모든 것 뒤에는 많은 사람들, 이상적으로는 전체 사람들의 재능, 작업 및 만장일치가 있습니다! 그리고 아름다움도 이 근원에서 나옵니다. 물론 주인이 지칠 줄 모르고 배우는 자연에서. 그리고 그녀는 떠 다니는 새의 형태로 러시아 북부 국자에 대해 적어도 전형적인 것을 기억하기 위해 색상, 리듬 및 형태를 취합니다. 자연과 마찬가지로 민속 예술은 최고만을 선택하고 수세기 동안 연마하여 진정으로 완벽한 기술, 형태, 장식, 색상을 만듭니다. 시간이 지남에 따라이 모든 것이 전통의 성격을 얻습니다. 달성 된 아름다움은 보존되어야하므로 이것이 사람들의 요구입니다. 그렇기 때문에 사람들은 민속 예술 작품을 역사와 문화의 기념물로 이야기합니다.

오늘날 우리는 가정에서 필요하기 때문에 "황금"Kokhloma 그릇을 구입합니다. 그것은 형태의 고상함, 그림의 우아함으로 우리를 사로잡습니다. 이 아름다움을 위해 우리는 그대로 직접적인 기능의 수행에서 벗어나 인테리어 장식으로 선반에 올려 놓습니다. 오늘날 민속 예술 작품에서 장식적인 측면이 점점 더 지배하기 시작했습니다.

경제에 필요한 것은 무엇이든 만들면서 주인은 자신이 상상한 세상의 모습을 장식이라는 조건부 언어로 재현했다. 가장 큰 민속 예술 연구원 중 한 명인 V. M. Vasilenko는 최근 Kozmo-Demyansk시 지역에서 나무 국자 국자의 상징주의를 "읽었습니다". 국자를 들여다 보면 백조의 머리를 쉽게 볼 수 있습니다. 위 - 방사형 노치로 장식된 원과 마름모. 이들은 매우 오래된 모티프이며 대부분 태양을 나타냅니다. 그리고 말의 모습이 전체 제품을 장식합니다. 그는 마치 받침대 위에 있는 것처럼 엄숙하게 서 있다. 의심 할 여지없이 이것은 평범한 농민 말이 아니라 진정한 "말"입니다! 사물의 상징성을 이해하기 쉽게 만들기 위해 낮에는 말이 마차를 타고 하늘을 가로질러 빛을 끌어당기고 밤에는 빛을 백조나 오리에 의해 지하 바다를 따라 끌립니다.

지금 우리가 종종 이해할 수없는이 의미는 완전히 평범한 것을 일상 생활뿐만 아니라 그들의 세계관 및 윤리적 이상과 관련된 사람들의 세계관의 필수적인 부분으로 만들었습니다. 민속 예술 작품의 다른 측면도 분리할 수 없습니다. 실용성과 미학입니다. 수세기에 걸쳐 마스터가 항상 따라온 독특한 규칙이 개발되었습니다. 예를 들어, 물체의 모양은 목적에 따라 결정되므로 이상적으로는 단순하고 잘 고안되었습니다. 또한 모든 형태는 재료의 특수한 특성의 결과입니다. 흙 항아리는 하나의 구성을 가지며, 같은 크기의 나무 항아리는 완전히 다른 구성을 가지며, 구리 항아리도 자체 구성을 갖습니다. 마지막으로 물건의 모양과 장식이 서로 일치해야 합니다.

민속 예술은 고대부터 시작되어 오랫동안 사람들의 공동 재산이었습니다. 계급 사회의 발전과 함께 상황이 바뀌었고 분업은 지배 계급의 정신적, 미적 요구를 충족시키는 전문 예술이라는 새로운 유형의 예술 활동을 낳았습니다. 그 중심에는 주변 세계에 대한 독특하고 개인적인 인식을 가진 창의적인 개성이 있었습니다. 자본주의 시대가 시작될 무렵, 선진국의 민속 예술은 도처에서 시골과 도시 노동 대중의 예술로 변모하고 있습니다. 점점 더 "일반적"이고 "구식"으로 평가됩니다. "친애하는 옛날"을 구하려는 후원자의 노력은 공장과 경쟁 할 운명에 처한 민속 공예가의 운명을 바꿀 수 없었고 수백만 개의 얼굴이 없지만 값싼 물건을 시장에 내놓았습니다. XIX 세기 말까지. 대부분의 유럽 국가에서는 실질적으로 해결되었습니다.

나중에 자본주의 발전의 길을 택한 국가에서는 민속 예술과 전문 예술의 격차가 그다지 눈에 띄지 않았습니다. 특히 러시아에서와 같이 민속 요소가 문화에 깊숙이 침투한 곳에서는 상층사회. 현재 병기고에 보관되어 있고 가벼운 허브 장식으로 장식된 황금 국자가 일반 사람들이 사용하는 나무 국자와 매우 유사한 것은 우연이 아닙니다.

Rus의 민속 예술은 주로 농민이었기 때문에 주변 세계에 대한 농부의 관점을 분명히 반영했습니다. 그러한 세계관에서 중심적인 위치를 차지하는 개념은 무엇입니까? 태양, 지구, 물. 그리고 물론 지구상에서 자라는 모든 것. 따라서 민속 예술의 주요 "캐릭터": 십자가, 마름모 또는 장미 형태로 가장 자주 묘사되는 태양; 말과 새; 물의 요소와 강하게 관련된 인어; 지구의 과일의 끝없는 성장을 상징하는 신화적인 생명 나무; 마지막으로 Mother-Cheese-Earth는 이미지 과학자들이 수건에 손을 들고 하늘을 향해 비와 축복받은 햇빛을 요구하는 것처럼 수 놓은 여성과 러시아 여러 지역의 점토 장난감에서 아기를 안고있는 여성을 인식합니다. 그녀의 가슴과 밑단을 따라-밝은 "태양".

그러나 삶이 바뀌었고 민속 예술도 바뀌었습니다. 결국 전통의 강점은 현실의 변화에 ​​민감하게 반응하여 새로운 것을 예술에 각인시키는 데 있다. 그렇지 않으면 민속 예술은 오래 전에 차가운 양식으로 바뀌었을 것입니다. 그러나 그것은 오늘 우리를 행복하게 만듭니다! 점차적으로 고대 상징의 신화 적 의미가 잊혀지고 농업 의식과의 연결이 약화되었습니다. 안에 XIX 후반 V. 주인은 종종 특정 이미지가 무엇을 의미하는지 더 이상 알지 못했지만 거부하지 않았습니다. 그는 산마루로 오두막 지붕을 덮고 셔터에 태양 장미를 새겼습니다. 사실, 점차적으로 고대 상징은 점점 더 눈에 띄는 장식적인 특성을 얻었지만 원래 의미에서 사람들에게 중요한 것은 항상 보존되었습니다.

XVII-XIX 세기에. 많은 새로운 모티프가 사람들의 예술에 들어갔습니다. 소스는 바로크, 고전주의, 제국이었습니다. 그러나 이러한 이미지는 순전히 대중적인 세계관의 표현이 되었으며 종종 새로운 모습을 얻기도 했습니다. 따라서 Nizhny Novgorod 오두막의 창틀에있는 사자는 고귀한 영지의 돌 사자를 분명히 반영합니다. 그러나 그들은 얼마나 좋은 성격입니까? 종종 그러한 동물은 개나 고양이와 비슷합니다. 민속 예술은 복사하지 않고 항상 그 자체로 남아 있습니다. 스타일의 변화가 전혀 없다고 말할 수 있는데, 이는 전문 예술의 특징입니다. 가장 오래된 것부터 시작하여 모든 역사적 층은 사람들의 기억 속에서 분리할 수 없는 것처럼 민속 예술에 공존합니다. 이것은 문화적 가치의 현명한 축적의 분명한 예입니다.

민속 예술은 광범위한 인민 대중의 역사적 무대에 진입하면서 소련과 사회주의 국가에서 부활했습니다. 소비에트 권력의 수년 동안 많은 일이 이루어졌습니다. 예를 들어 Palekh, Mstyora 및 Kholuy의 전 아이콘 화가의 옻칠 미니어처와 같은 사라진 많은 예술 공예품이 부활하고 새로운 민속 예술 공예품이 생겼습니다. 지역 예술가들의 작품은 소비에트 현실의 이미지로 가득 차 있으며 혁명 이전의 민속 예술이 알지 못했던 새로운 콘텐츠를 담고 있습니다 (Palekh, Lacquer 미니어처 참조).

비슷한 과정이 Kholmogory 뼈 조각, Fedoskino 옻칠 미니어처, Tobolsk 뼈 플라스틱, Shemogoda 조각 자작 나무 껍질에서 이루어졌습니다. 놀랍도록 신선한 현상은 이젤 유형의 예술에서 발견되는 우크라이나 벽화입니다. 코소보 도자기, 칠해진 우즈벡 요리, 조지아 및 아르메니아 도자기 그릇, 북부 민족의 예술에 대해서도 마찬가지입니다. 소비에트 민속 예술은 오래된 전통의 단순한 복원을 알지 못했습니다. 이를 바탕으로 진정한 국적이 깃든 새로운 예술과 공예가 탄생했습니다.

오늘날 그것은 두 가지 주요 형태로 존재합니다. 한편으로 마을의 전통 예술은 여전히 ​​살아 있으며 특정 사람들의 독특한 삶의 방식, 주변 자연의 특성과 관련이 있습니다. 한편, 많은 역사를 가진 민속 공예가 발전하고 있습니다. CPSU "민속 예술 공예"(1974) 중앙위원회의 결의안은 사회주의 사회 문화에서 민속 예술의 중요한 역할을 강조합니다.

그리고 오늘날 민속 예술 작품은 사람들이 수세기 동안 축적해온 모든 영적, 미적 가치를 우리에게 제공합니다. 여기 - 국가의 역사, 현재와 미래. 사람들의 풍부하고 다양한 예술은 그 창조력, 도덕적 건전성 및 역사적 장수를 보장하기 때문입니다.

소개 민속 예술

NHT는 인민이 창조하고 대중 속에 존재하는 시, 음악, 연극, 무용, 건축, 미술, 장식예술이다. 집단 예술적 창의성은 노동 활동, 일상 생활, 삶과 자연에 대한 지식, 숭배와 신념, 사람들의 견해, 이상과 열망, 시적 환상, 생각, 감정, 경험, 정의와 행복에 대한 꿈을 반영합니다. 민속 예술은 현실에 대한 예술적 탐구의 깊이, 이미지의 진실성, 창의적 일반화의 힘으로 구별됩니다.

민속 예술의 한 형태. 아마추어 연주자가 개별적으로(가수, 암송가, 음악가, 무용수, 곡예사) 또는 집단적으로(서클, 스튜디오, 민속극장) 예술 작품을 창작하고 공연하는 것을 포함합니다. 혁명 이전 러시아에서 아마추어 공연자들은 클럽과 회의에서 동아리와 사회로 단결했습니다. 당국의 엄격한 통제하에있는 노동자 동아리, 민속 극장도있었습니다.

아마추어 예술- 순수 및 장식 응용, 뮤지컬, 연극, 안무 및 서커스 예술, 영화 예술, 사진 등의 분야에서 대중의 비전문적 예술적 창의성. 아마추어 예술은 집단적으로 행동하는 아마추어에 의한 예술 작품의 창작 및 공연을 포함 홀로.

아마추어 공연 집단- 클럽 또는 기타 문화 기관에서 자발적으로 일하는 예술 유형 중 하나를 사랑하는 창의적인 협회. 공동 이니셔티브에는 여러 가지 기능이 있습니다. 이것은 단일 목표, 지도자, 자치 단체의 존재뿐만 아니라 아마추어 집단 구성원의 공공 및 개인 열망과 이익의 조합입니다.

아마추어 창의성의 필수 기능: 아마추어 그룹 참여의 자발성, 아마추어 활동 참가자의 이니셔티브 및 활동, 아마추어 그룹 참가자의 영적 동기 부여, 자유 시간 분야의 아마추어 활동 기능. 아마추어 창의성의 특정 징후: 조직, 아마추어 활동 참가자 간의 활동에 대한 특별 교육 부족, 프로 팀보다 낮은 수준의 활동, 무상 등

아마추어 창의성- 여가와 예술 문화의 속성을 지닌 복합적, 다기능적 구조를 가진 독특한 사회문화적 현상. 아시다시피 여가는 개인의 발전을 목표로하는 자유 시간의 일부이며 의사 소통, 영적 문화의 가치 소비, 오락, 개인의 휴식과 발전을 제공하는 다양한 유형의 규제되지 않은 활동에 사용됩니다.

아마추어 예술은 미적 교육에서 큰 역할을 합니다. 예술에 합류함으로써 사람은 아름다운 것을 인식하고 감상하는 능력을 개발하고 문화적 수준을 높이며 영적으로 발전합니다. "성격의 미적 형성 과제를 수행하는 안무 아마추어 그룹은 대량 양육 및 교육의 원인에 기여합니다. 이러한 과제는 무용 예술을 통해 해결됩니다.", "활발하고 영적으로 풍부한 성격의 형성이 목표입니다. 아마추어 극장." 공정하게도 위의 내용은 다른 유형의 아마추어 창의성에 기인할 수 있습니다. 노래든 작곡이든 연주든 참여든 서커스 공연, 순수하고 장식적인 예술품의 창조, 이 모든 것이 개인의 지적 및 일반적인 문화적 수준의 발전에 기여합니다.

"아마추어 예술은... 예술적인 기술의 학교일 뿐만 아니라, 아마도 더 중요한 것은 삶의 학교, 시민의 학교입니다. 그는 단순히 예술에서 자신을 주장하는 것이 아니라 무엇보다도 자신의 활동과 재능이 사회적으로 필요하고 유용한 사회 구성원으로서 자신을 주장합니다.

아마추어 예술은 기능 체계를 수행하는 사회 교육학적 가치로 간주될 수 있습니다: 정보 및 인지; 의사 소통; 사회적, 예술적 제품에 윤리적 가치, 규범, 문화 발전의 다양한 역사적 기간의 이상 특성을 포함하여 연속성을 보장하고 세대에서 세대로 전달할 수있는 능력; 미적, 그것은 사회 생활, 일상 생활, 언어, 가소성, 형태의 아름다움에 대한 아이디어를 전달하기 때문입니다. 교육적이며 개인의 영적 가치와 필요의 발전과 변화에 기여합니다.

아마추어 공연, 민속 예술 및 전문 예술의 형식을 통해 공연자, ​​미적 규범, 기술 방법 등이 크게 상호 작용합니다.

민속학- 민속 예술, 대부분 구전입니다. 그들의 삶, 견해, 이상을 반영하는 사람들의 예술적 집단 창작 활동; 인민이 창작하고 인민대중에 존재하는 시(이야기, 노래, 노래, 일화, 동화, 서사시), 민속음악(노래, 기악, 연극), 연극(드라마, 풍자극, 인형극), 춤, 건축, 시각 예술 및 공예.

정의

고대로부터 기원한 민속예술은 전 세계 예술문화의 력사적 기반이요, 민족예술전통의 원천이며, 사람들의 자의식의 대변자이다. 일부 연구자는 또한 모든 유형의 비전문 예술(민속 극장을 포함한 아마추어 예술)을 민속 예술이라고 합니다.

"민속"이라는 용어의 정확한 정의는 어렵습니다. 이러한 형태의 민속 예술은 불변하고 골화되지 않기 때문입니다. Folklore는 지속적으로 개발 및 진화 과정에 있습니다. Chastushki는 현대 악기 반주에 맞춰 연주 할 수 있습니다. 현대 테마, 새로운 동화는 현대 현상에 전념 할 수 있고, 민속 음악은 록 음악의 영향을받을 수 있으며, 현대 음악 자체에는 민속 요소가 포함될 수 있으며, 민속 예술 및 응용 예술은 컴퓨터 그래픽 등의 영향을받을 수 있습니다.

민속의 유형

민속학은 두 그룹으로 나뉩니다.- 의식 및 비 의식. 의례 민속에는 다음이 포함됩니다. 비 의식 민속은 민속 드라마,시, 산문 및 민속 연설 상황의 네 그룹으로 나뉩니다. 민속 드라마에는 Petrushka 극장, 유아용 드라마, 종교 드라마가 포함됩니다.

민속시는키워드: 서사시, 역사가, 영적 운문, 서정가, 발라드, 잔인한 로맨스, 엉뚱함, 동요(시 패러디), 가학적인 운율. 민속 산문은 다시 멋진 것과 그렇지 않은 두 그룹으로 나뉩니다. 동화 산문에는 동화 (동화, 동물 동화, 가정 동화, 누적 동화의 네 가지 유형) 및 일화가 포함됩니다. 비 동화 산문에는 전통, 전설, bylichka, 신화 이야기, 꿈의 이야기가 포함됩니다. 연설 상황의 민속에는 속담, 속담, 좋은 소원, 저주, 별명, 티저, 대화 낙서, 수수께끼, 혀 트위스터 등이 포함됩니다. 행운의 편지, 낙서, 앨범(예: 노래 책)과 같은 서면 형태의 민속도 있습니다.

창작 활동 - 과학, 문학, 예술 분야의 사람의 창의적 활동으로 그 결과 새로운 작품이 만들어집니다.

민속학(영어 민속에서 - "민속 지혜") – 민속 (더 자주 구두) 창의성, 그들의 삶, 이상, 사건을 구체적으로 반영하는 예술 작품에 구현 된 사람들의 창의적인 집단 활동.

수세기에 걸친 예술적 창의성의 발전에서 분명히 볼 수 있는 중요한 경향 중 하나는 개인적 저작 원칙의 계속 증가하는 힘입니다. 개인의 시작은 모든 창의성에 내재되어 있다는 사실에도 불구하고 민속에서는 강하게 숨이 막힙니다. 민속은 민속 예술, 예술 및 집단 창작 활동의 표현이며 사람들의 삶, 견해, 이상을 반영하며 사람들 자신이 만들고 대중 사이에 존재합니다. 시, 음악, 무용, 미술 및 응용 예술이 될 수 있습니다. 일반적으로 민속 작품은 이러한 유형의 예술에 전통이 된 언어, 구두 발표를 통해 퍼졌습니다. 대부분의 경우 민속은 일과 휴식, 슬픔과 기쁨, 개별 사건과 역사적 사건, 의식 등 사람들의 삶의 과정을 반영하는 노래, 서사시, 전설의 형태로 제공됩니다. 물론 민속 작품에는 작가가 있지만 오늘날에는 정립이 어렵습니다. 민속의 뿌리는 역사, 이교도 신앙( 고대 루스'). Rus에 기독교가 채택 된 후 작품의 텍스트가 변경되었지만 고대 선율 형식은 보존되었습니다. 노래는 전통적으로 사람과 사회의 삶의 사건을 반영하고 위업과 뛰어난 성격을 불렀습니다.

노래 외에도 다양한 전설과 동화도 인기를 끌었다. 그들은 마법의 물건 (물체 중에는 날아 다니는 카펫, 식탁보, 수제, 워킹 부츠, 이교도 주술과 삶의 고난을 덜어주는 것을 창조하려는 사람들의 꿈을 증언하는 마법의 물건이 있음)과 풍자적 인 것으로 나뉘 었습니다. 도덕적 성격, 현대 갈등 묘사, 정치적 모순 드러내기 (이러한 유형의 창의성은 나중에 전문 작가들에 의해 널리 사용되었습니다).

고대 문화의 개인 시작은 주로 공연에 반영되었으며 민속 작품의 저자는 일반적으로 알려지지 않았습니다. 연구원에 따르면 이것은 예술을 통한 사람들의 자기 표현에 대한 욕구가 부족하고 주관적인 작가의 비전이 문화에서 우세하지 않았기 때문입니다. 그리고 대중, 집단은 신성한 의미를 얻었고 예술가는 일반적인 아이디어를 표현하여 이상적인 표현을 제공해야했습니다. 신화와 종교적 의식의 지배는 고대 작가로 하여금 작품의 진정한 창조자는 사회적 영적 원리 또는 신이라는 확신을 갖게 했다.

예술은 종합적인 현상이기 때문에 고대부터 인간의 능력과 본성을 뛰어넘는 특정한 영적 기쁨을 인간에게 전달할 수 있는 교육의 수단으로 인식되어 왔다.

작가 개인의 자의식은 집단적 발전의 결과로 점진적으로 형성된다. 노동 활동, 집단 "우리"에서 자신의 "나"를 강조, 철학의 출현과 형성, 도덕의 형성과 사회적 관계, 국가 강화 등

개인적인 시작은 작가의 성격의 빛의 발산이 독특한 독창성을 부여하는 현대 예술의 발전에서 정점에 도달했습니다. 미술품. 이와 관련하여 작가의 성격, 재능의 강점, 사고의 규모, 사회에서 일어나는 과정의 본질에 깊이 침투하는 능력, 사람의 내면 세계에 대한 지식은 점점 중요해지고 있습니다. 오늘날 저자의 가장 중요한 속성은 다른 사람에게 알려지지 않았거나 아직 공식화되지 않은 새로운 것을 말하여 특정 현상의 새로운 본질을 드러내는 능력입니다.

진정한 예술적 창의성의 재능은 인간 사회 발전의 변증법을 이해하는 데 있으며, 사람이 살도록 부름받은 고상한 목표를 인식하고 있습니다. 현재에 대한 지식은 본질을 알고자 하는 영원한 열망과 함께 미래에 대한 전망에 대한 작가의 이해와 관련이 있습니다.

작가의 원칙이 증가하는 경향은 영화와 텔레비전 발전의 초기 단계에서 이미 그림으로 나타났습니다. 당시 가장 밝은 대표자 중 한 명은 배우, 영화 감독, 시나리오 작가, 영화 제작자, 영화 작곡가, 오스카 수상자, United Artists 영화 스튜디오 창립자 인 Charlie Spencer Chaplin이었습니다. 채플린의 작품은 무성영화 시대에 가장 다재다능하고 영향력 있는 인물 중 한 사람인 그의 다방면의 재능을 반영하는 거울과도 같습니다.

우리 시대의 작가 영화의 발전은 점점 더 강렬해지고 있습니다. 창작과 창작은 점점 작가의 의도에 종속되고, 스크린 작품은 작가의 개성을 반영한다.

작가의 영화 촬영에서 작가와 감독의 창의성은 아이디어의 탄생, 대본 작성, 촬영이 하나의 의견 아래 진행되는 하나의 과정이 된다. 이러한 단독 저자는 가능한 한 정확하고 완전하게 시청자에게 전달할 수 있습니다. 창의적인 모습작품의 창작자, 그의 세계관, 현실 현상에 대한 그의 비전.

가장 중요한 기능작가 겸 감독은 자신의 상상 속에서 미래 영화를 창조할 수 있으며, 사운드-시각적 이미지로 자유롭고 쉽게 조작할 수 있습니다. 영화의 작가는 전체 창작 과정에서 상상의 그림을 유지해야 합니다. 감독은 그림의 전체 리듬, 일반적인 고전적이고 리드미컬한 디자인, 감성적인 분위기, 분위기 등을 느껴야 합니다.

이사는 최초이자 가장 널리 퍼진 대표자 중 한 명입니다. 스크린 문화.

스크린 문화.

스크린 문화- 작품이 특별한 기술적 수단으로 재생산되는 일종의 대중 문화 - 화면 외부에서는 인식되지 않습니다. 스크린 문화의 유형: 영화, 텔레비전, 비디오, 컴퓨터 이미지, 인터넷 등

화면- (프랑스어 еcran - screen에서) - 이미지가 투사되는 표면과 이미지를 재현하도록 설계된 장치.

영화- 처음에는 기술 장치의 도움으로 움직이는 이미지를 생성하고 이후에 소리를 동반하는 인간 활동의 영역.

인터넷- 특정 정보 및 기술 공간을 형성하는 컴퓨터 시스템 및 네트워크의 전 세계적인 연합 시스템으로 가장 널리 배포되고 적용됩니다.

멀티미디어- 디지털 표현으로 이미지를 재생산하는 기술, 전자 및 소프트웨어 도구의 직접 사용과 대화형 소프트웨어의 제어 하에 시청각 효과의 상호 작용은 매우 광범위하고 적용 가능합니다.

19세기 말 스크린 문화의 출현은 처음에는 영화와만 관련이 있었으며 특정 수준의 문화 및 기술 문명 발전에서만 발생할 수 있었습니다. 기술 조건 외에도 영화의 가장 중요한 특징은 광범위한 청중, 대중적 영향에 초점을 맞추는 것입니다. 사회적, 기술적, 문화적 조건- 신흥 영화의 주요 품질. 시네마가 왔다 새로운 형태연극 공연이 아닌 현실. 동시에 영화의 현실은 가상의 인공 가상 이미지를 눈에 띄지 않게 도입하여 현실의 현실을 변형시키는 데 기여했습니다.

따라서 영화의 탄생과 그에 따른 스크린 문화는 새로운 유형의 의사 소통 상호 작용, 대중과 개인의 의식에 영향을 미치는 새로운 기회의 출현으로 이어졌습니다.

영화 이후 스크린 문화의 다음 위대한 업적은 더 큰 의사 소통 능력을 가진 텔레비전이었습니다. 그 중 거의 유비쿼터스 배포, 시간적 가용성, 편안한 인식 조건,보고 및 다큐멘터리, 관심사 및 선호도 범위, 차별화 등이 있습니다. 즉, 하나의 현상에서 많은 매체와 문화의 결합을 관찰할 수 있다.

스크린 문화의 발전의 지속은 스크린과 다른 문화의 모든 요소를 ​​결합한 컴퓨터 문화의 출현과 꾸준한 확산으로 인식될 수 있다. 그들의 파괴할 수 없는 상호 영향과 상호 작용은 공간적으로도 시간적으로도 실질적으로 무제한인 사회의 다소 강력한 영향력으로 발생합니다. 이러한 유형의 의사 소통 상호 작용에 참여하는 참가자는 동시에 다른 역할 (관중, 청취자, 중재자, 감독 등, 즉 적극적인 의사 소통 자)을 맡을 수 있으며 이는 확실히 사람에게 다소 강한 감정적 영향을 수반합니다. 가상 세계에 대한 그러한 참여의 이점, 중독의 출현, 성격 장애로 이어질 수 있는 감정적 과부하에 대해 상당히 공정한 우려가 있습니다. 공정하게 말하면 첫 번째 영화도 관객에게 강한 인상을 남겼고 감정적 영역에 영향을 미쳤다는 점에 유의해야합니다. 이 현상은 오늘날까지 약간 변형된 형태로 지속되고 있다. 결국, 많은 측면에서 모든 예술의 목표이자 소명인 감정적 영역에 대한 호소입니다.

스크린 문화의 지속적인 존재는 그 요소들의 불가피한 상호 작용을 수반할 것이라고 가정하는 것이 안전합니다. 본질적으로 시뮬라크르(즉, 원본 없는 사본)인 스크린 문화의 오브제와 작품, 인공물은 현대 디지털 수단의 도움으로 거의 완벽한 해상도를 받아 관객이 거의 무제한으로 믿게 됩니다. 그러나 동시에 이 청중은 자신의 것을 만들 수 있습니다. 가상 세계보편적 커뮤니케이션의 가장 중요한 요소 중 하나로 작용합니다. 그리고 스크린 문화의 연결고리가 모자이크처럼 얽혀 있는 것에는 전통적인 형태의 상호작용에 도입되고 있는 새로운 커뮤니케이션 패러다임의 본질이 있습니다. 그러나 왜곡 된 현실의 요소,이 문화의 대상의 신화화, 실제 차원으로 완전히 침투하여 사람들의 창조를 조작하는 요소를 지속적으로 고려해야합니다. 변형된 현실은 잠재의식을 변형시켜 개인과 사회를 변형시킨다. 이것은 문명이 적절한 답을 찾아야 하는 실제 질문입니다.

이 상황에서 제작자의 역할은 무엇입니까? 목표는 무엇입니까? 상당한 노동 자원과 팀이 창의적이고 생산적인 활동을 수행하는 기업가로서 그는 생성되는 프로젝트의 상업적 이점을 관리해야 합니다. 제품이 최대 효율로 시장에서 판매되는 경우 가능합니다. 그러나 제작자의 활동은 제작 완료로 끝나는 것이 아니라 포스트 프로덕션 단계에서 계속되며, 그 핵심은 무엇보다도 프로젝트를 가장 수익성있게 구현하기 위해 대중과 개인의 의식을 조작하는 것입니다. 제작자는 또한 자신의 활동에서 보편적인 인간의 가치를 고려해야 하며, 도덕적 및 영적 발전을 위해 수백만 명의 시청자에게 문화적 영향을 미칠 책임이 있습니다. 따라서 때때로 제작자는 다루기 힘든 작업, 진정한 세계 문제에 직면합니다. 그리고 제작자가 이러한 어려움을 어떻게, 어떤 수단으로, 어떤 결과로 극복할지, 그의 추가 활동, 팀의 작업, 생산 부문, 경제, 정치 및 문화 전체가 크게 좌우됩니다. 따라서 영화제작, 영화사업 분야에 대한 철저한 지식과 더불어 제작자는 높은 수준의 인문교양을 갖추어야 하며 자신의 작업 결과와 팀 활동에 대한 책임을 져야 한다. 공익의 대변자인 사회와 국가가 먼저 관심을 가져야 할 부분이다.