보컬 실력. 노래실력과 능력치
MAUDO "A.S. Pushkin의 이름을 딴 Orenburg Children 's School of Arts"
추상적인
주제:
보컬 및 합창 강사나 자격 범주
사블리나 엘레나 바디모브나
2014년
계획
나 .노래를 부르기 위한 발성기구 준비의 중요성 ...... .. 2부터
1. 초기 단계의 전형적인 어려움.
2. 성악과 합창 연습의 중요성.
II .연주 능력 개발 .................. .. 3부터
1. 개발 노래하는 숨결그리고 소리 공격.
2. 공진기 소유 기술 및 관절 장치.
III . 마지막 부분. 결론 .................................................. 6시부터
IV . 사용 문헌 목록 .................................. 7시부터
"성악 합창단의 형성과 합창단의 연주 실력"
나 .노래를 부르기 위해 발성기구를 준비하는 가치.
아마추어 합창단의 보컬 작업은 가장 중요한 순간 중 하나입니다. 실습에서 알 수 있듯이 합창단에 오는 대부분의 사람들은 노래 실력이 없으며 종종 시끄러운 노래, 꽉 막힌 목 소리, 쉰 목소리, 떨림 등 특정 보컬 결함이 특징 인 사람들이옵니다.
작품 공연을 진행하기 전에 각 가수는 노래를 불러야합니다. 노래 연습은 두 가지 문제를 해결합니다. 작업 조건가수에게 좋은 연주 기술을 심어줍니다. 발성 기술 훈련에 앞서 발성 장치를 "워밍업"합니다. 체계적으로 이 개념을 혼동해서는 안 되지만 실제로는 두 작업을 동시에 수행할 수 있습니다. 아직 올바른 소리에 대한 충분한 지식이 없는 초보 가수에게 "찬송"은 수업의 기술적인 부분입니다. 발성 연습을 학습 목표와 의식적으로 결합하는 것이 중요합니다. 악보. 악보는 이를 달성하는 데 도움이 되며 청각적 표현을 시각적 표현과 연결할 수 있습니다. 아마추어 연주자가 특정 소리 시퀀스를 노래하고 오선지에서 이 시퀀스를 봅니다. 인토네이션 결함이 있는 경우 리더는 해당 사운드 또는 멜로디 간격을 가리킵니다. 따라서 음악적으로 훈련되지 않은 가수는 눈에 띄지 않게 음악 문해력에 합류합니다.
1. 초기 단계의 일반적인 어려움.수업이나 공연 전에 노래를 부를 필요성은 음성 형성 기관을 점차 활성 작업 상태로 만드는 법칙에 의해 결정됩니다. 성가는 휴식과 노래 활동 사이의 연결 고리이며 한 생리적 상태에서 다른 생리적 상태로 연결되는 다리입니다. 아마추어 합창단의 전체 노래 과정은 정신의 생리적 능력과 특성에 따라 조정되어야 합니다. 합창단에 오는 사람들의 전형적인 결점을 생각해보십시오.
보컬 준비가 안 된 남자들은 노래를 부르면서 고르지 못한 호흡을 하고, 어깨를 들썩이며 숨이 막히는 듯하다. 이러한 표면적 쇄골 호흡은 소리와 신체 모두에 악영향을 미칩니다. 이 결함을 제거하려면 다음과 함께 운동을 수행해야 합니다. 닫힌 입, 고르게 호흡을 분배하고 "하프 하품"의 위치를 만듭니다.
강제적이고 긴장된 소리. 과도하게 증가한 역학, 선명도, 무례한 성능으로 구별됩니다. 이 경우 소리의 강도는 가창의 예술성을 평가하는 잘못된 기준이며, 라우드니스는 공명기를 사용하는 것이 아니라 소리를 강하게 밀어서 달성됩니다. 결과적으로 인대에 "압력"이 가해집니다. 우선 합창단원들의 목소리의 아름다움과 본격적인 소리의 아름다움은 호흡기관의 물리적인 긴장과 후두의 작용이 아니라 음성이 필요한 강도와 음색을 얻는 공명기를 사용하는 능력. 이것은 높은 위치에서 닫힌 입으로 노래 연습, 피아노에서 체인 호흡으로 노래, 메조 피아노 스피커, 칸틸레나 운동, 소리 균일성, 차분한 호흡 유지에 도움이 될 것입니다.
- "평평하고 작은 "하얀 소리". 종종 아마추어 합창단의 그러한 소리는 민속 공연 스타일과 동일시됩니다. 그러한 소리로 노래하는 아마추어 합창단은 일반적으로 민속 또는 학문적 노래 방식을 전혀 모르며 그들의 보컬 및 합창 기술은 무력합니다. 우선, 목구멍에서 노래를 제거하고 다이어프램으로 옮기고 가수의 "하품"기술을 개발하여 둥근 소리를 헤드 공진기 지점으로 보내야합니다.
이 모든 것은 소리 형성의 단일 방식으로 수행되어야 합니다. 동시에 "덮인"모음에 대한 연습이 유용합니다. e", "유", "y", 지속되는 소리를 음절로 노래할 뿐만 아니라 미, 나, 엄마, 모든 모음을 반올림합니다.
쓴 소리. 그것은 단일 방식의 모음 형성이 없다는 특징이 있습니다. 즉, "열린"모음 소리가 가볍고 열리고 "덮여"-더 많이 수집되고 어두워집니다. 이것은 가수들이 노래를 부르는 과정에서 구강 뒤쪽에서 "하품"의 고정된 위치를 유지하는 방법을 모르기 때문에 발생합니다. 이를 없애기 위해 가수는 단일 방식으로 노래하는 방법, 즉 모든 모음을 반올림 방식으로 형성하는 방법을 배워야 합니다.
깊고 "으스러지는" 소리. 과도한 소리 중첩으로 인해 "하품"이 후두에 가깝게 매우 깊게 만들어질 때 발생할 수 있습니다. 그러한 노래는 항상 다소 음소거되고 멀게 남아 있으며 종종 목구멍 배음이 있습니다. 우선, "하품"을 완화하고 소리를 더 가깝게 만들고 "가까운"모음으로 음절 노래를 연습해야합니다. 지, 미, 니, 비, 디, 리, 라, 르 기타 결점을 수정하면 가벼운 스타카토를 사용하여 빛, 투명한 소리의 작품 레퍼토리에 포함시키는 데 도움이 될 것입니다.
2. 보컬 및 합창 연습의 중요성.노래 연습은 주로 합창단의 보컬 인식, 즉 소리의 올바른 형성, 음색 색상 및 음색의 순도를 목표로 합니다. 주요 관심사는 조화입니다. 잘 만들어진 유니즌은 앙상블 하모니와 사운드의 선명도를 제공합니다. 그러나 이런 종류의 운동은 더 많은 것을 줄 수 있습니다. 그들은 음악적 예리함을 개발하는 데 좋은 도움이 될 것이며 일부 작곡 작업을 할 때 직면하게 될 억양 어려움을 극복하도록 가수를 준비시킬 것입니다. 챈팅 연습의 기본은 어떤 식 으로든 반음 또는 온음이있는 조합입니다. 음색이나 반음을 올바르게 연주하는 방법을 가르치는 것은 노래의 순수성을 보장하는 것을 의미합니다. 여러 가지 이유로 대부분의 가수에서 대략적인 인토네이션을 쉽게 감지할 수 있습니다. 불행히도 이것은 아마추어 가수뿐만 아니라 많은 전문 가수에게도 적용됩니다. 조잡한 억양은 불충분한 귀 문화의 결과입니다. 듣는 문화는 학습 과정에서 자라나고 발전됩니다. 분명히 이 과정에는 몇 가지 결함이 있습니다. 소리와 억양의 순도는 불가분의 관계로 연결되어 있고 상호 의존적입니다. 성악적으로 올바른 형태의 톤은 항상 선명하게 들리며 그 반대의 경우도 마찬가지입니다. 사운드가 잘못 형성되면 명확한 톤이 없습니다.
II . 공연 기술 개발.
단점을 없애고 특별한 연습을 통해 올바른 노래 실력을 심어주는 것이 가장 좋습니다. 우리는 가수의 공연 기술을 개발하기 위해 이러한 연습을 사용합니다.
노래하는 호흡의 발달과 소리의 공격. 초기 기술은 올바른 호흡을 하는 능력입니다. 코를 통해 조용히 흡입합니다. 첫 번째 체조 연습에서는 호흡이 가득 차고 다음 연습에서는 (소리로 수행됨) 악절의 지속 시간과 역학에 따라 조금씩 그리고 다양한 충만도를 취합니다. 첫 번째 연습에서 날숨은 단단히 꽉 물린 치아를 통해 이루어집니다 (소리 s..s..s..). 이 경우 가슴은 흡입 위치 ( "흡기 기억")로 유지되고 복근의 점진적인 이완으로 인해 횡경막이 부드럽게 기본 위치로 돌아갑니다. 호흡기 근육의 활성 상태와 긴장이 후두, 목, 얼굴 근육에 반사적으로 전달되어서는 안됩니다. 조용한 운동에서는 호흡 지원의 첫 번째 느낌이 있습니다.
- 하나의 소리에 대한 연습.후속 운동에서 호흡이 소리와 결합될 때 이러한 감각을 개발하고 강화해야 합니다. 우선, 하나의 지속된 사운드가 기본, 즉 가장 편리함, 음색, 뉘앙스 mf, 닫힌 입. 이전에 익숙한 근육 감각을 따라
연습, 합창단원들은 소리를 듣고 순도, 균일성, 안정성을 얻습니다. 호흡의 균일성은 소리의 균일성과 결합되어 제공되고 확인됩니다. 이 연습에서는 소리의 공격이 전개됩니다. 후렴구가 호흡을 마스터함에 따라 모든 유형의 어택의 품질과 무엇보다도 부드러움에 대한 요구 사항이 점점 더 엄격해집니다.
- 감마 연습.호흡 및 소리 공격 개발을 위한 다음 연습 주기는 음계와 같은 시퀀스를 기반으로 하며 두 소리에서 점차적으로 시작하여 한 옥타브 내 음계로 끝납니다. 이러한 운동에서 호흡 기술과 지원 느낌이 더욱 어려워집니다. 탄성 호흡에 부드럽게 연결된 소리의 변화에 \u200b\u200b적응합니다. 지속적인 소리를 부를 때와 비늘 같은 시퀀스를 부를 때의 호흡 감각의 차이는 가만히 서 있을 때와 걸을 때 다리의 근육 탄력 감각의 차이와 비슷하다. 두 번째 경우 지지대가 한 다리에서 다른 다리로 움직이고 몸이 충격을 느끼지 않고 부드럽게 움직입니다.
- 연습 논 레가토. 소리를 올바르게 연결하는 기술을 시작하는 것이 좋습니다. 비 레가토,가장 가벼운 스트로크로. 뇌졸중의 소리 사이에 감지할 수 없는 휴지 논 레가토후두와 인대가 다른 높이로 재건할 시간이 있으면 충분합니다. 소리를 합칠 때 논 레가토각 후속 소리가 충격없이 발생하도록 달성해야합니다.
- 레가토 연습. 해치 레가토노래할 때 가장 흔하므로 소지품에 특별한 주의를 기울여야 합니다. “연습에서는 세 가지 유형이 모두 해결됩니다. 레가토: 건조하고 단순하며 레가티시모. 건조를 시작해야 합니다. 레가토,약간의 휴지없이 "연속적으로"소리가 매끄럽게 연결되는 것이 특징입니다. 틈은 있지만 미끄러지지 않습니다. 연습에서 레가토사운드 공격은 부드럽거나 혼합된 경우에만 사용됩니다. 탄탄한 어택은 휴지 없이도 소리를 나눕니다. 간단하게 레가토소리에서 소리로의 전환은 눈에 띄지 않는 슬라이딩으로 이루어집니다. 이 기술의 최상의 성능을 위해서는 "드라이" 기술을 사용해야 합니다. 레가토, 이전 사운드의 눈에 띄지 않는 확장 (이 템포 리듬을 따라)으로 다음 사운드가 나타나기 직전에 전환-슬라이딩이 짧게 이루어 지는지 확인하십시오. 에 관하여 레가티시모 , 그런 다음 노래에서 그것은 단순한 레가토의 가장 완벽한 실행에 불과합니다. 레가토 스트로크를 수행할 때 예술적 작업에 따라 두 가지 호흡 기술을 사용할 수 있습니다. 첫 번째 - 성능과 유사한 지속적이고 고른 호흡 레가토현악기용 활 하나. 두 번째는 현의 활을 변경하는 것과 유사하게 다음 소리로 이동하기 전에 숨을 내쉬는 속도를 줄이는 것입니다(스트록을 수행할 때). 레가토).
- Stacat 연습티 영형.호흡과 단호한 공격을 개발하고 뇌졸중으로 노래하는 데 매우 유용합니다. 단음. 하나의 사운드를 반복하여 시작한 다음 스케일, 아르페지오, 점프 등으로 점차 이동해야 합니다. 단음: 소프트, 하드, 스타카티시모 . 노래할 때 단음, 휴지기(caesura)에서는 소리 사이의 멈춤으로 근육이 이완되지 않고 흡입 위치에 엄격하게 고정됩니다. 숨을 내쉬는 순간(소리)과 잠시 숨을 참는 순간(휴식)의 교대는 매우 리드미컬해야 하며 다음을 동반하지 않아야 합니다. 진전그리고 점차 약음모든 소리에. 이 수신은 실행과 유사합니다. 단음현에서 활을 제거하지 않고 바이올린에. 공연할 때 미숙한 가수를 위해 단음각 소리가 들리기 전에 숨을 들이마시려는 시도가 있습니다. 단음부정확하며 이 연습을 실행해도 소용이 없습니다. 노래를 위한 준비 체조 단음: 호흡은 마이크로도즈에 의해 점진적으로 획득된다; 미세호흡을 할 때마다 호흡이 유지(고정)되고 호흡과 휴지기의 교대가 엄격하게 리드미컬해야 합니다. 호기는 또한 미량 투여로 수행되며 정지 - 제왕 절개와 번갈아 가며 수행됩니다.
- Arpeggiated 운동과 점프.노래하는 아르페지오 연습은 호흡에 새로운 요구 사항을 부여합니다. 소리 사이의 간격이 넓을수록 획으로 노래할 때 연결하기가 더 어렵습니다. 레가토. 동작이 넓은 간격으로 갑자기 변경됩니다.
소리에서 소리로 소리 조건을 등록하고 호흡의 흐름을 증가시킵니다. 이동 전
긴 간격 동안 인공 호흡기의 근육이 활성화되고 흡기 모방이 적용됩니다.
(거짓 호흡) 횡경막을 부드럽고 자유롭고 즉각적으로 아래로 미는 것; 바깥쪽으로 이것은 가슴의 상부와 중간 부분의 완전한 부동성과 자유로운 안정성과 함께 복부 근육의 부드러운 육포 움직임으로 표현됩니다. 어려움 이 기술흡입이 아니라 호기에서 수행된다는 점에서.
- 호흡의 "덤핑" 수신.때때로 호흡을 바꿀 때, 특히 리듬이 무너지고 구조의 교차점에서 일시 중지가 없는 빠른 템포에서 구의 끝이 흐려지는 경우가 있습니다. 이 경우 문구의 끝으로주의를 전환하여 문구의 마지막 소리 끝에 드롭하여 즉각적인 호흡 변화 기술을 제안하는 것이 유용합니다. 다음 소리를 취하는 것에 대해 생각하지 말고 이전 소리를 제거하는 것에 대해 생각하십시오. 이 경우 다이어프램이 즉시 눌러지고 흡입 위치에 고정되며 이러한 방식으로 문구의 마지막 (때로는 매우 짧은) 소리 제거가 즉각적인 호흡과 반사적으로 결합됩니다. 이 연습을 수행할 때 리더는 휴지기가 즉각적이고 그 이전의 소리가 극도로 완료되었는지 확인합니다. 비트마다 호흡이 바뀝니다. 숨을 내쉴 때 소리의 끝을 강조하는 것은 허용되지 않습니다.
2. 공명기 및 조음 장치 사용 기술.공명기와 조음 기관이 기능적으로 연결되어 있기 때문에 이러한 기술은 조합되어 자랍니다. 자연적인 형태에서 공진기는 일반적으로 범위의 자체 섹션에서 각각 독립적으로 작동합니다. 훈련은 자연스럽게 흉부 공진기를 포함하여 범위의 기본 톤으로 시작됩니다. 적절한 음색 튜닝은 전체 범위에 걸쳐 높은 위치에서 가까운 소리로 노래하는 것입니다. 이러한 상황을 고려하여 첫 번째 연습이 제공됩니다. 음절에서 단일 지속 기본 소리를 노래합니다. 시" 그리고 "미", 근접 및 고음에서 헤드 공진기를 켜는 데 도움이 될 뿐만 아니라 음절 조합에서 여러 소리의 하강 및 상승 진행 시퀀스 성능 "시아" 그리고 "나 나". 특정 모음과 자음의 조합은 가깝고 높은 소리를 얻는 데 기여합니다. 콤비네이션 "b", "d", "h", "l", "m", "p", "s", "t", "c" 소리를 더 가깝게 만드십시오. " n", "r", "g", "k" - 제거됩니다. 모음은 높은 소리에 기여합니다. "i", "e", "yu". "머리"와 "가슴"을 연결하는 것이 편리하여 음절 " 루", "리", "두", "디", "무", "미", "주", "지".
대부분의 노래 연습은 모든 가수에게 외롭고 편리한 중립 영역에서 수행됩니다. 그들은 조용한 뉘앙스로 연주되지만 전반적인 활동이 뛰어납니다. 그리고 1-2개의 최종 연습만이 모든 성부의 전체 범위를 커버하고 완전한 자유음으로 노래됩니다.
각 리허설은 보컬 연습으로 시작하여 레퍼토리 작업을 위해 보컬 장치를 준비합니다. 레퍼토리는 작품 모음입니다. 실행 가능한 주제또는 다른 합창단은 모든 활동의 기초를 형성하고 참가자의 창의적 활동 개발에 기여하며 직접 연결됩니다. 다양한 형태리허설이든 창작 콘서트이든 합창단의 작업 단계, 집단 창작 경로의 시작 또는 정점. 레퍼토리는 전체 교육 과정에 영향을 미치며 이를 기반으로 음악 및 이론 지식이 축적되고 보컬 및 합창 기술이 개발되며 합창단의 예술적 및 공연 방향이 형성됩니다. 집단 기술의 성장, 개발 전망, 작업 수행과 관련된 모든 것, 즉 노래하는 방법은 능숙하게 선택된 레퍼토리에 달려 있습니다.
연주자의 세계관 형성, 인생 경험의 확장은 레퍼토리의 이해를 통해 발생하므로 합창 연주를위한 작품의 높은 이데올로기 적 내용은 첫 번째이자 근본적인 것입니다.
레퍼토리 선택에서. 아마추어 그룹의 레퍼토리는 "아마추어 예술"이라는 개념 자체가 다면적이고 이질적이기 때문에 형성, 장르, 스타일, 주제, 예술적 측면에서 다양합니다.
성인과 어린이 모두 학술 합창단, 유능하고 성실한 실행에도 불구하고 콘서트 프로그램, 공연자와 청취자 모두의 주요 목표가되어야하는 특별한 마음 상태를 항상 느끼지는 않습니다. 이 상태는 “영의 삶”으로 정의할 수 있습니다. 이 상태에서 사람은 다른 사람의 영혼을 이해하고 실제 감정으로 다른 사람의 삶을 산다. 그리고 그러한 "영의 삶"이 무대에 나타나면 "신성한 불꽃"은 "예술을 통한 교육"을 전달합니다. 하지만 무대 위 성가대에서 이 진정한 "영혼의 삶"을 어떻게 불러일으킬 수 있을까요? 결국, 그들에게 필요한 것은 환생 직전에 강화 된 다른 심리적 상태로의 전환 인 환생이라고하는 것입니다! - 상상과 환상의 작품! 그러나 모든 사람의 정신이 그렇게 유연하고 비유적인 사고가 너무 밝은 것은 아닙니다. 아마추어 합창 활동에서 진정한 무대 창작에 걸림돌은 이외에도 많다. 일이나 공부 후의 육체적 피로, 신경과민, 콘서트와 전혀 관련이 없는 식습관과 휴식, 충분히 학습하지 못한 작품 등이다. 정신” 무대에서 사람은 아직 만나지 못한 것을 상상하고 느껴야합니다. 자신의 삶. 그리고 항상 작업 결과를 정확하게 평가할 수 있는 것은 아닙니다. 목표로 이끄는 지휘자, 교사만이 자신의 평가를 통해 교육적인 예술적 취향, 지성, 도덕적 태도예술과 삶으로. 교사는 가짜에 만족할 권리가 없습니다! 그리고 모든 합창단이 서로 다른 지성, 기질, 삶의 경험, 기분, 조건 등을 가지게 하라. 비록 그들에게 "무대에서 살도록" 가르치는 것이 매우 어렵지만, 예술에서 영성이 부족하다는 설명이 있지만, 정당성이 있을 수 없습니다.
III . 마지막 부분. 결론.
합창은 올바른 성악과 공연의 기술 문화를 기반으로 합니다. 따라서 교육 및 교육의 다른 모든 요소를 중심으로 하는 핵심은 노래 실력에 대한 작업입니다. 합창 작업. 합창단원들에게 올바른 가창력을 심어준다는 것은 그들의 목소리를 손상으로부터 보호하고 정상적인 발달을 보장하는 것을 의미합니다. 이 문제에 대한 해결책은 합창단의 리더가 현장에서 충분한 훈련을 받았다면 충분히 가능합니다. 보컬 문화그리고 발성 작업에 진지한 관심을 기울입니다. 말한 내용에서 적어도 두 가지 결론을 도출해야 합니다.
1) 지휘자-합창단 지휘자가 지휘자-예술가가 되기 위해서는 교육, 학식, 예술적 취향, 교육적 기술 및 창의적 기질에 대한 특별한 잠재력이 있어야 합니다. 그러한 지도자는 많은 다른 사람들일반적인 공감을 위해 창의적인 업새로운 생각과 느낌으로 성인이나 어린이의 상상력과 환상을 풍요롭게 하는 정신;
2) 합창의 영성은 종종 성악 및 합창 음악 연주의 일반 원칙에 대한 무지 또는 무지로 인해 방해를 받는 경우가 많으며, 그 준수는 예술성을 위한 기술적 지원 역할을 하고 영감의 출현에 기여합니다.
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엘레나 포멘코
보컬(노래)실력
보컬 설정. 미취학 아동에게 노래를 가르 칠 때 앉고, 서고, 몸을 잡고, 머리를 잡고, 입을 여는 방법을 관찰해야합니다. 노래하는 동안 5-6 세 어린이는 의자 등받이에 기대지 않고 똑바로 앉아야합니다 (이 자세에서는 주요 호흡근 인 횡격막이 더 잘 작동합니다). 음악을 들을 때 의자 등받이에 기댈 수 있습니다. 3-4 세 어린이는 의자 등받이에 기대어 앉아 발을 바닥에 대고 손을 엉덩이에 대고 몸에 더 가깝게 할 수 있습니다. 목을 펴지 않고 긴장없이 머리를 똑바로 잡습니다. 입은 크게 벌리지 않고 세로로 벌려야 시끄럽지 않고, "하얀색"소리. 아래턱은 자유롭게 아래로 움직이며 입술은 움직이고 탄력적이며 (느리지 않음).아이들이 앉아서 노래를 배우고 있습니다. 서서 배운 노래를 부르는 것이 좋습니다. 이 경우 3 세 어린이의 경우에도 호흡기 근육이 더 잘 작동하고 노래의 음량이 눈에 띄게 향상되기 때문입니다.
노래를 부를 때 아이들은 머리를 곧게 펴고 팔을 옆구리에 대고 서 있습니다. 아이가 인공 자세를 취하는 것은 권장되지 않습니다. 손을 등 뒤로 두는 것입니다.
사운드 제작. 아이들은 자연스럽고 높고 밝은 톤으로 노래해야 합니다. 비명과 긴장없이. 적절한 사운드 생성을 위해서는 발성 장치의 정확한 작동이 매우 중요합니다. (하악골, 입술, 부드러운 혀가 있는 연구개). 노래하면서 입을 벌리면 아래턱을 내려야합니다. 매우 움직이고 올라갈 수있는 작은 혀가있는 부드러운 입천장은 모음 y, o, 자음 k, g, x의 발음으로 촉진되는 소리를 올바르게 추출하는 데 도움이됩니다. 덕분에 소리는 후두에서 입으로 자유롭게 전달됩니다.
콤비네이션 모음 o, a와 함께 자음 b, p, c, f또는 앞 언어 d, t, l, z는 소리를 치아에 더 가깝게 만듭니다. 어린이의 음성 범위가 불안정합니다. 종종 자연스럽게 높은 음조를 가진 정상적인 음역을 가진 아이들이 예전에 할 수 있었던 높은 음표를 부르지 않고 갑자기 낮은 음표로 노래하기 시작합니다. 이러한 경우는 질병으로 인해 오랫동안 유치원에 다니지 않은 어린이에게서 가장 자주 관찰됩니다. 1회, 2회 수업 후(개인 및 소그룹, 음역 및 노래 실력그들은 회복하고 있습니다.
어른들이 높은 소리로 노래하는 것이 바람직하며, 그들의 연주를 들으면서 아이들은 더 많이 흉내내고 노래하기 시작합니다. 높은 목소리. 선율과 같은 음질은 소리 형성과 밀접한 관련이 있습니다. 아이들에게 드로우 링을 부르도록 가르치려면 가장 어린 그룹 인 첫 번째 그룹부터 개별 소리, 악구의 끝을 끌어 내도록 가르치는 것이 필요합니다. 예를 들어 러시아어로 민요 "수평아리"당신은 단어의 마지막 음절을 노래해야 "수평아리". 노래의 길이는 올바른 호흡과 모음의 우세에 따라 달라지며, 이는 민요의 특징입니다(예: "들판에 자작나무가 있었다").
작사된 노래를 보통 또는 느린 속도로 부르거나, 처음에는 슬로우 모션으로 노래를 배우면 길이를 키우는 데 도움이 됩니다.
어법. 노래를 부를 때 아이들은 종종 강세가 없는 모음을 대체합니다. 전자, 나는 모음그리고 i, e 사이에 있는 무언가로 다소 모호하게 발음하는 것이 좋습니다. 그리고. 자음은 가능한 한 모음의 음성을 방해하지 않도록 가능한 한 빠르고 명확하게 발음됩니다. 음절 끝에 있는 자음은 다음 음절이 시작될 때 발음됩니다. 예를 들어, "빛이 번쩍인다" 수행: "Oh-go-ny sve-rka-yut".
아이들에게 올바른 발음을 가르치는 다양한 방법이 있습니다. 명음:
1. - 노래를 배우는 과정에서 성인이 노래 가사를 표현적으로 읽습니다. 이 기술은 모든 그룹에 적용됩니다.
2. -노래를 배울 때 어린 그룹부터 시작하여 노래하는 목소리로 조용히, 높은 소리로, 적당한 속도로 텍스트를 집합적으로 발음하는 기술을 사용하여 모든 단어가 명확하고 표현력 있게 들릴 수 있습니다. .
3. - 모든 그룹에서 개별 어린이가 높은 소리로 한 구절의 텍스트를 표현적으로 읽는 기술이 사용됩니다. 이 기술은 학습 과정과 배운 노래를 반복할 때 모두 사용됩니다.
가사의 표현력 있는 발음은 노래의 표현력에 기여합니다.
호흡. 노래하는 과정에서 호흡이 강화됩니다. 음악 감독은 아이들이 노래를 부르기 전과 악절 사이가 아니라 단어 중간에 숨을 쉬도록 합니다. 어떤 아이들은 호흡이 짧아서가 아니라 호흡을 조절하는 방법을 모르기 때문에 불규칙하게 호흡합니다. 아이들이 노래를 부르면서 적절하게 호흡하는 방법을 배우도록 돕기 위해, 처음에는 짧은 악구가 있는 노래를 선택해야 합니다. 나이가 많은 그룹에서는 기술 중 하나가 구로 노래를 부르는 것일 수 있습니다. (체인).
억양 주파수. 종종 아이들은 가청 소리를 올바르게 재생하는 방법을 모르고 성대, 입 근육 및 호흡 근육에 적절한 위치를 부여합니다. 억양의 순도는 음악적 귀의 발달 정도에 따라 달라지며 이는 성악 장치의 상태에도 영향을 미칩니다. 억양의 순도는 수줍음이나 지속적인 주의력 부족과 같은 특성의 영향을 받습니다. 일부 어린이는 조음이 좋지 않아 특정 소리, 음절, 단어를 잘못 발음하고 결국에는 음조를 벗어난 노래를 부르게 됩니다. 환경이 아동의 음악적 발달에 유리하지 않은 경우, 그의 음악적 보컬데이터는 개발이 지연되고 체계적인 음악 및 교육 작업의 결과로만 나타날 수 있습니다. 억양의 순도를 키우기 위해서는 이 그룹의 아이들의 음역에 해당하는 테시투라와 호흡이 편안한 노래를 선택하는 것이 필요하다. 인토네이션의 순도는 다양한 방법으로 달성됩니다. 아이가 노래를 듣는 데 유용합니다. 좋은 성능성인과 순전히 노래하는 아이들, 노래하지 않고 악기로 표현하는 연주. 배운 노래를 아이들과 함께 체계적으로 반복하면서 동시에 무반주로 부르는 것이 필요하다. (아카펠라)
불결하게 노래하는 어린이는 특별한 주의를 기울여야 합니다. 그런 아이들은 노래를 잘 부르는 아이들과 악기에 더 가까이 앉아야 합니다. 각 그룹에는 멜로디를 잘 듣고 소리의 높이를 구분하지만 목소리로 재현하지 못하는 아이들이 있습니다. 그들은 4도 또는 5도 낮은 멜로디를 부릅니다. 나머지보다. 목소리의 양이 적고 청각 및 발성 장치 작업의 조정도 부족하기 때문입니다. 그러한 소리가 어린이에 의해 지속적으로 유지되면 추가 개별 세션. 가장 중요한 것은 이 아이들이 자신의 말을 듣고 자신이 멜로디를 올바르게 부르고 있는지 깨닫도록 가르치는 것입니다. 범위를 확장하기 위해 노래는 점차 높은 키로 조옮김됩니다.
개별 레슨을 진행하면서 음악 감독은 각 어린이의 특성을 고려해야 합니다. 그는 소리를 늘리는 방법을 보여줍니다. "희석제", "더 높은"; 또 다른 - 입에 어떤 위치를 줄지. 입술 세 번째는 더 크게, 더 대담하게, 또는 반대로 더 부드럽고, 더 조용하게 노래하도록 제안됩니다. 등.
소프트웨어 요구 사항
목표 프로그램의 주요 요구 사항은 자녀를 가르치는 것입니다.
이해하기 쉽고 흥미롭고 단순한 노래를 표현력 있고 성실하게 노래하는 법을 배웁니다.
노래의 예술적이고 교육적인 의미는 아이들이 음악적 이미지의 내용을 올바르게 이해하고 필요한 기술을 습득하며 자유롭고 자연스러운 노래로 자신의 감정을 표현하도록 돕는 것입니다. 예를 들어 자장가를 연주하는 동안 배려, 애정, 부드러움, 쇼를 강조합니다.
노래가 진정되고 잠들 수 있도록 도와줍니다. 이와 관련하여 조용하고 겸손하게 느린 속도로 균일 한 리듬으로 연주해야하며 점차 사라져야합니다. 행진에는 쾌활함, 포부, 활력이 필요합니다. 큰 소리로 불러야 하고 단어를 명확하게 발음해야 하며 적당한 리듬으로 리듬을 강조해야 합니다. 빠른 속도. 아이는 이러한 요구 사항의 의미와 목적을 이해합니다.
교육 과정의 주요 작업은 다음과 같습니다.
아이들의 형태 노래 실력, 표현력에 기여하는 기술;
교실 안팎에서 악기를 동반하거나 동반하지 않고 교사의 도움을 받아 스스로 노래를 부르는 방법을 아이들에게 가르치는 것;
음악에 대한 귀를 개발하고, 올바른 노래와 잘못된 노래, 소리의 높이, 지속 시간, 멜로디 이동 방향을 구별하도록 가르치고, 노래하는 동안 자신의 말을 듣고, 실수를 알아차리고 수정합니다(청각적 자기 통제).
발현을 돕다 창의성, 독립적인 사용게임의 친숙한 노래, 라운드 댄스, 어린이 악기 연주.
아동의 모든 후속 노래 활동은 일상 생활, 휴일, 엔터테인먼트에서 교실에서 노래를 가르치는 올바른 조직에 크게 좌우되며, 이는 그의 주도로 또는 성인의 제안에 따라 발생했습니다. 유치원그리고 가족.
성공적으로 문제를 해결하기 위해서는 훈련이 매우 중요합니다.
다음을 포함하는 아동의 기술 및 능력
노래하는 태도, 보컬 및 합창 기술.
노래하는 자세가 바른 자세입니다. 노래하는 동안 아이들은 어깨를 올리지 않고 몸을 구부리지 않고 똑바로 앉아야하며 의자 뒤쪽에 약간 기대어 아이의 키와 일치해야합니다. 무릎에 손을 얹으십시오.
발성 기술은 소리 생성, 호흡 및 어법의 상호 작용입니다. 들숨은 빠르고 깊고 조용해야 하며, 날숨은 느려야 합니다. 단어는 명확하고 명확하게 발음됩니다. 혀, 입술, 아래턱의 자유로운 움직임의 정확한 위치를 모니터링하는 것이 중요합니다.
합창 기술은 앙상블과 튜닝의 상호 작용입니다. 프랑스어 번역의 앙상블은 ʼʼunityʼʼ를 의미합니다. 합창 소리의 강도와 높이의 정확한 비율, 조화와 음색의 발전. 이 시스템은 정확하고 순수한 노래 인토네이션입니다.
아이들에게 성악과 합창 기술 가르치기 ~ 전에 취학 연령여러 가지 기능을 가지고 있습니다.
올바른 음성 설정으로 소리 형성은 경쾌하고 가벼워 야합니다. 불완전함을 고려하는 것이 필요하다 아이들의 목소리, 그의 빠른 피로. 아이들은 길고 큰 소리로 노래를 부를 수 없습니다. 아이들은 ʼʼtalkʼʼ에서 노래하며 선율이 없습니다. 큰 아이들은 노래하는 목소리로 노래를 부를 수 있지만 때때로 큰 소리와 긴장을 보입니다. 미취학 아동의 호흡은 피상적이고 짧습니다. 이와 관련하여 단어 나 악구 중간에 숨을 쉬는 경우가 많아 노래의 멜로디가 깨집니다.
Diction (단어의 명확한 발음)은 점차적으로 형성됩니다. 많은 어린이들이 언어 결함을 가지고 있습니다. 버, 리스프, 제거하는 데 오랜 시간이 걸립니다. 명확하고 뚜렷한 어법의 부족은 노래를 나른하고 약하게 만듭니다.
아이들이 앙상블에서 노래하는 것은 어렵습니다. 종종 그들은 전체 사운드보다 앞서거나 뒤에서 다른 사람을 외치려고 합니다. 예를 들어 아기들은 노래만 부른다. 마지막 말실없는 말.
아이들이 조화로운 노래 기술, 즉 순수한 억양을 습득하는 것은 훨씬 더 어렵습니다. 특히 주목할만한 것은 개인차입니다. 쉽고 정확한 인토네이션은 소수에 불과하고 대다수는 부정확하게 노래하며 임의로 인토네이션을 선택합니다. 이 기술을 개발하기 위해 노력해야 합니다.
기본 노래 실력
아이들에게 올바르게 노래하는 법을 가르치기 위해서는 노래하는 자세를 관찰해야 합니다.
노래 설치- 소리와 호흡의 질이 크게 좌우되는 노래를 부를 때 신체의 올바른 위치입니다. 아이들에게 노래를 가르 칠 때 아이들이 어떻게 앉고, 서고, 머리와 몸을 잡고, 입을 어떻게 벌리는 지 지켜봐야합니다.
의자는 아이들의 키에 맞춰야 합니다.
노래하는 동안 5-6 세 어린이는 의자 등받이에 기대지 않고 똑바로 앉아야합니다. 이 자세에서는 호흡기 근육이 더 잘 작동하기 때문입니다. 발은 바닥과 직각을 이룹니다. 손은 배와 무릎 사이에 자유롭게 눕습니다. (어린이가 의자 등받이에 기대어 음악을 들을 수 있습니다.)
2-4 세 어린이는 의자 등받이에 기대어 발을 90 ° 각도로 바닥에 놓고 앉을 수 있습니다. 팔도 자유다.
머리를 똑바로 유지하고 목을 펴지 말고 긴장하지 마십시오.
입을 수직으로 벌리고 시끄러운 "하얀" 소리를 피하기 위해 넓게 펴지 마십시오. 아래턱은 자유롭고 입술은 움직이고 탄력적이어야합니다.
아이들과 함께 노래를 배우려면 앉아야합니다. 그리고 이미 배운 노래는 서있는 동안 부를 수 있습니다. 이 위치에서는 3 살짜리 어린이의 경우에도 호흡 근육이 더 활발하게 작동하고 노래의 소리가 눈에 띄게 향상되기 때문입니다.
서서 노래할 때는 머리를 곧게 펴고 팔을 내린다.
교실에서 아이들의 조직은 자료의 더 나은 동화와 음악적 능력 개발을 위한 필수 조건 중 하나입니다.
어린 그룹에서는 음악 감독과 교육자를 더 잘보고 듣기 위해 가장 어린 아이들과 불안정한 주의력, 불안한 성격을 가진 아이들이 앞줄에 앉습니다.
두 번째 주니어, 중급 및 시니어 그룹에서는 청력이 덜 발달하고 음량이 적고 징계가 불충분 한 어린이와 새로 입학 한 어린이가 첫 번째 줄에 앉습니다.
아이들이 멜로디를 더 잘 들으려면 높은 음역이 아이들에게 더 가깝게 악기를 설정해야 합니다. 교사는 올바른 자세로 큰 의자에 아이들 앞에 앉습니다. 그는 수업을 받을 준비가 되어 있어야 합니다. 노래를 알고 지휘할 수 있어야 합니다.
유치원에서 아이들은 가장 간단한 노래 기술을 배웁니다.
♦ 올바른 소리 형성;
♦ 올바른 호흡;
♦ 좋은 어법;
♦ 억양의 순도;
♦ 앙상블 - 조화롭고 조율된 노래. 각각의 노래 실력에 대해 자세히 살펴보겠습니다.
사운드 프로덕션
소리를 추출하는 방법입니다. 아이들은 비명을 지르거나 긴장하지 않고 자연스러운 밝은 톤으로 노래해야 합니다. 예는 매우 중요합니다. 아이들이 그를 모방하고 더 높은 음역에서 노래하기 시작하기 때문에 교사도 높이 노래해야합니다.
소리 형성은 유추되고 선율적이며 때로는 갑작스러울 수 있습니다. 미취학 아동은 갑작스러운 소리 형성이 특징이므로 가장 어린 그룹부터 시작하여 아이들은 소리를 그리고 음악 문구의 끝을 늘리는 방법을 가르쳐야합니다. 교사는 민요와 같이 모음이 우세한 특징이 있고 소리의 길이를 늘리는 데 기여하는 적절한 노래를 선택합니다. 온건하고 느린 속도로 작곡된 노래를 부르면 소리 형성이 길어지는 데 도움이 됩니다.
미취학 아동, 특히 어린 아동은 혀로 단어를 발음하는 경향이 있습니다. 따라서 모음의 긴 노래와 자음의 명확한 발음에 대해 그들과 함께 연습하는 것이 특히 중요합니다.
호흡
호흡은 노래에서 매우 중요합니다. 특별한 호흡 운동미취학 아동의 음악 수업은 진행되지 않습니다. 그들은 매일 아침 운동에서 일어난다.
음악 수업에서 노래를 부르면 어린이의 호흡이 강화되고 깊어집니다. 음악 감독은 아이들이 노래를 부르기 전과 악절 사이가 아니라 단어 중간에 숨을 쉬도록 합니다. 어떤 아이들은 호흡이 짧아서가 아니라 숨을 조절하는 방법을 모르기 때문에 불규칙하게 숨을 쉰다. 뮤지컬 감독, 교육자는 호흡을 멈추지 않고 노래하는 방법, 어디로 가야하는지 보여주는 것으로 충분하며 아이는 이에 쉽게 대처할 수 있습니다.
아이들이 숨쉬는 법을 배우도록 돕기 위해 처음에는 짧은 악구로 된 노래를 부릅니다. 시니어 및 학교 준비 그룹에서는 (체인으로) 구로 노래를 부르면 도움이됩니다.
올바른 호흡은 억양의 순도, 정확한 표현, 연주의 표현력, 소리의 통일성에 달려 있습니다. 아이들에게 노래를 가르칠 때 교사는 호흡의 복잡성을 설명하지 않고 공연 과정에서 호흡하는 방법을 명확하게 보여줍니다. 아이들이 흡입 할 때 어깨를 들어 올리지 않도록하여 조용하고 차분하게하십시오. 노래 구, 문장의 구조에 따라 천천히 숨을 내쉬고 숨을 쉴 수있는 능력으로 이끈다.
어법
노래 연주의 표현력은 멜로디의 억양적으로 정확한 노래뿐만 아니라 단어 발음의 정확성과 명확성(어법)에도 달려 있습니다. 멜로디의 음질은 종종 가수의 어법에 따라 다릅니다. 불충분 한 명확성과 단어 발음의 명확성으로 인해 노래는 느리고 무색 해집니다. 소리의 길이와 표현력이 부족합니다. 그러나 텍스트의 과도한 밑줄에서 과도한 긴장과 소리가 나타납니다.
교사는 어린이들에게 사전을 노래하도록 가르치고, 청취자가 노래 내용을 이해할 수 있도록 노래를 부르는 것이 필요하다고 설명하고, 개별 단어와 구를 발음하는 방법을 보여 주어야 합니다.
사전 작업은 언어 및 유치원 개발에 관한 모든 작업과 관련이 있습니다. 단어는 모음과 자음의 조합으로 구성됩니다. 노래에서 단어를 발음할 때 모음 소리가 특히 중요합니다. (a, o, u, uh, i, s)- 노래를 부르는 길이가 노래의 기본이다. 그러나 어법의 명확성을 위해 자음의 명확한 발음도 따라야 합니다.
노래할 때 자음이 느리게 발음되고 명확하지 않으면 노래가 표현력이 떨어지고 이해할 수 없게 됩니다. 텍스트의 실행은 명확하고 의미 있고 표현력이 있어야 합니다. 목소리로 논리적 강세를 강조할 수 있어야 합니다. 그래서 러시아 민요 "들판에 자작 나무가 있었다"에서 단어가 강조되어야합니다 자작나무, 곱슬기타 연설에서와 마찬가지로 노래에서도 강세 모음은 논리적 강세를 유지한다는 점을 기억해야 합니다. "a"처럼 들리는 모음 "o"를 제외하고 노래에서 강조되지 않은 모음도 변경되지 않습니다. 소가 아닌 "karova"를 노래해야합니다. "10월"이 아닌 "Aktyabr"; 내 것이 아니라 5월. "and"와 같이 노래에서 강세가 없는 모음 "e"를 발음하는 것은 불가능합니다. 예를 들면 다음과 같습니다. "하지만 늑대는 우리를 다리 위로 보내지 않습니다. // 그는 다리에서 회색으로 쉬고 있습니다."(A. Filippenko의 음악 "On the Bridge"노래).
강세가없는 모음 "I"는 "I"처럼 가볍고 밝게 발음 될 수 있고 "e"처럼 덜 밝게 발음 될 수 있지만 어떤 경우에도 "and"처럼 발음되지는 않습니다. 따라서 "oily" 또는 "masleny"는 부를 수 있지만 "olive"는 부를 수 없습니다. "10월" 또는 "10월"에 있지만 "10월"에는 없습니다.
자음은 가능한 한 모음의 음성을 방해하지 않도록 가능한 한 빠르고 명확하게 발음됩니다. 따라서 음절 끝에 있는 자음은 다음 음절의 시작 부분에서 발음됩니다. 예: "조명이 반짝입니다." 수행: hoo-nki sve-rka-yut.자음이 단어 끝에 있으면 끌 수 없습니다. 예를 들면 : "오, 정말 좋은 산타 클로스입니다." 단어 끝에 있는 자음은 "삼킬" 수 없으며 발음해야 합니다. 단어 끝에 있는 일부 자음은 소리를 바꿉니다. 예를 들어, 다음과 같이 작성됩니다. 낙엽,그리고 노래 - 시트 팻(M. Krasev "Leaves are falling"의 노래). 음성 발음에 적용되는 다른 규칙은 일반적으로 노래 어법에 사용됩니다. 예를 들어, 그들은 노래 무엇,하지만 원하는 것하지만 원하다, 간식,하지만 눈, 왜하지만 왜, 시장,하지만 물고기.
좋은 사전, 표현력있는 노래의 조건은 노래의 음악적 이미지 인 단어의 의미에 대한 어린이의 이해입니다. 노래의 프레이즈는 언어 및 멜로디 표현의 내용에 따라 결정됩니다.
단어의 정확한 발음은 다음을 통해 촉진됩니다.
♦ 표현 읽기그것을 배우는 과정에서 노래 텍스트의 교사; 모든 그룹에 적용됩니다.
♦ 모든 단어가 명확하고 표현력 있게 들리도록 노래하는 목소리로 조용히, 높은 소리로, 적당한 속도로 텍스트를 집단적으로 노래합니다.
시니어 및 학교 준비 그룹에서는 노래의 리듬에 따라 높은 소리로 속삭이는 텍스트를 일괄 발음하는 것이 좋습니다. 이 기술은 M. Rauchverger의 "Blue Sled"와 같이 빠른 속도로 연주되는 노래를 배울 때 특히 유용합니다.
나이가 어리거나 나이가 많은 아이들은 종종 단어의 어미, 접두사를 잘못 발음합니다. 이러한 경우 개별 어린이와 전체 그룹 모두 음절로 단어를 발음하도록 초대하는 것이 적절합니다.
위의 기술은 텍스트의 설명과 동화가 노래의 정서적 인식을 향상시키고 음악적 이미지를 심화시키고 건조한 형식적인 훈련으로 변하지 않도록 매우 신중하게 사용해야 합니다.
어린 학생들과 작품을 배울 때 보컬과 연주 기술의 사용
소개
음악은 사람의 감정에 영향을 미치고 공감을 불러일으키며 환경을 변화시키려는 욕구를 형성할 수 있는 예술입니다. 노래는 가장 활동적이고 접근하기 쉬운 음악 제작 형식 중 하나이며 어린이에게 큰 관심을 불러 일으키고 미적 즐거움을 줄 수 있습니다. 존재 효과적인 도구개발 음악적 능력아이, 합창단에서 노래하는 것은 엄청난 교육적 잠재력을 가지고 있습니다. 에 의사소통 능력을 심어준다. 크리에이티브 팀, 전체 결과에 대한 개인적인 책임감, 통일감 개발에 기여합니다. 또한 노래, 음악, 청각 공연을 통해 어린이의 정서적 감수성 발달에 기여하고 어린이의 건강을 강화하고 보존하는 데 도움을 줍니다. 교실에서 노래 레퍼토리를 배우고 연주하면서 학생들은 다양한 작곡, 음악의 내용, 주변 생활과의 연결에 대한 아이디어를 확장하고 음악 장르, 억양 및 비 유적 특징, 음악과 단어의 관계에 대한 아이디어를 얻습니다. 그들의 음악적 지평을 넓히십시오. 동시에 기억력, 청력, 삶의 다양한 현상에 대한 정서적 반응 능력의 발달과 분석 능력이 향상된다는 점에 유의해야합니다.
교사는 레퍼토리 선택이 어린이의 노래 목소리의 특성과 참가자의 음악 및 노래 발달 수준에 대한 지식을 필요로 하는 복잡한 창의적 과정임을 인식해야 합니다. 성가대. 노래 소재를 공부하는 과정에서 아이들은 더 발전할 수 있는 조건을 만드는 공연 문화의 기초를 형성합니다. 창의적인 성격. 노래의 주제는 어린이의 긍정적이고 이해하기 쉬운 현실 현상을 반영하고 특정 연령의 어린이 인식 수준에 해당하는 감정을 표현해야합니다. 교사는 여가 음악 활동에서 아이들의 쾌락주의적 욕구를 충족시키는 문제를 나름의 방식으로 해결하기 때문이다. 기쁨의 필요성 긍정적인 감정우리 시대에는 다소 강렬한 리듬과 커리큘럼의 복잡성을 감안할 때 학생의 비율이 특히 높습니다.
보컬 작업
레퍼토리의 보컬 작업은 작품을 배울 때 연주 기술을 의식적으로 사용하는 것입니다. 차례로, 보컬 성능 기술은 음성 레지스터의 의식적인 사용, 노래 호흡 훈련, 조음, 딕셔너리, 음조 및 성대 발달을위한 연습을 의미합니다. 레퍼토리 작업에서 지식, 기술 및 보컬 및 기술 기술의 총체는 공연 문화의 기초를 형성합니다.
보컬 교육을 기반으로 아이들의 노래 능력에 대한 지식.어린이 노래하는 목소리머리 소리, 부드러움, "은빛" 음색 및 제한된 음력에서 성인의 목소리와 다릅니다. 아이들의 소리의 아름다움과 매력은 목소리의 힘이 아니라 울림, 비행, 감성에 있습니다. 시끄럽고 강제적인 소리는 목소리에 해를 끼칩니다. 이것은 어린이 발성 장치의 특성 때문입니다. 이 연령대의 어린이들과 함께 보호 및 적절한 개발노래하는 기구.
첫 번째 노래 실력이 연결됩니다. 노래 설정으로.앉거나 서서 노래할 때 몸, 머리, 어깨, 팔, 다리의 정확한 위치. 노래하는 태도 개발을 위한 대부분의 초기 연습은 신체와 발성 장치의 올바른 위치를 구성하는 데 목적이 있습니다. 이것은 리허설 작업에서 중요합니다. 노동 분위기와 규율로 젊은 가수를 설정합니다. 호흡은 노래를 부르는 데 중요한 역할을 합니다.
호흡 작업코를 통해 고요하고 부드러우며 긴장되지 않은 호흡의 기술 향상을 통해 간접적으로 발생합니다. 최고의 학교노래 호흡의 발달 - 음악 자체, 노래. 따라서 노래와 챈트를 배우는 과정에서 호흡에 대한 노력이 필요하다. 각 사운드, 특히 마지막 사운드가 명확하게 노래되는 노래에서 이러한 프레이즈 연주를 달성하는 것이 중요합니다. 노래하는 호흡의 발달은 하나 또는 다른 유형의 소리 공격의 사용과 관련이 있습니다. 부드러운 소리 공격은 차분하고 부드러운 소리에 기여하고 긴장되고 큰 소리를 제거합니다. 어떤 경우에는 견고한 공격을 사용할 가치가 있으며 보컬 장치의 집중적 인 작업을 제공하고 억양의 정확성을 돕습니다 (관성에 취약한 남성에게 적합).
사운드 형성과 관련된 음성 개발의 주요 방법:
- 소리의 공격 중 억양을 명확히하고 강제 소리를 제거하기 위해 노래 자료를 모음 "u"로 발성합니다.
-음절 "lu"로 노래를 발성하여 음색을 균등화하고 칸틸레나를 달성하며 완벽한 프레이징을 수행합니다.
- 오름차순으로 노래할 때는 위음이 아래의 위치에서, 내림차순으로 노래할 때는 - 반대로 아래음은 위의 위치에서 연주해야 합니다.
아름답고 표현력이 풍부한 노래의 기술 교육에서 특별한 역할은 조음과 딕션.초등학생 아동의 조음 장치는 종종 제대로 작동하지 않고 제한되고 고정됩니다. 노래를 부를 때나 특별히 선택한 운동을 할 때 안면 근육에 무리를 주지 않고 아래턱을 부드럽고 자유롭게 낮추는 작업이 필요합니다. 밝은 음색은 어린이에게 특히 중요하기 때문에 강조된 모음 "a", "e", "and"는 "미소에"형성되어야합니다. 이 기술은 간단한 기술을 사용하여 첫 번째 수업에서 개발되었습니다. 먼저 손가락의 도움을 받아 얼굴 근육만으로 뺨을 "사과"로 모으고 그렇게 노래합니다. 반대 위치는 "팬케이크"로, 아래턱이 잘 내려가고 뺨이 확장됩니다- "o", "y".
노래 소리는 모음에서 형성됩니다. 노래에서 모음 발음의 특이성은 균일하고 둥근 형성 방식에 있습니다. 이것은 합창단 소리의 음색 균일성을 보장하고 조화를 이루기 위해 필요합니다. 소리를 둥글게 만드는 것은 연구개를 돔형으로 만드는 것입니다. 초등학교 저학년 아이들이 설명하기가 더 편리합니다. 비유적 언어- "시원한 느낌, 입안의 박하 맛"은 부드러운 입천장을 일으킵니다. 설명에서 "하품 노래"라는 용어가 자주 사용되지만 젊은 가수들이 이것을 문자 그대로 받아들이지 않도록 하는 것이 중요합니다. 그렇지 않으면 소리가 깊고 둔해집니다. 노래 할 때 이러한 실수를 피하기 위해 노래하는 순간 "올바른 하품 배우기"운동을 사용하여 만화 캐릭터를 제공 할 수 있습니다. 모음이 가창의 기초가 되어 뽑아야 한다면 자음은 명료하고 또박또박 힘차게 발음되며, 특히 어미의 자음이 뚜렷하게 발음되는 것에 주의를 기울여야 한다. 후속 모음의 높이에서 음파 자음 [l], [m], [n], [p] 소리가 나는 것이 중요합니다. 종종 많은 아이들이 소리 [v]를 발음할 때 영어 소리 [w]를 대체합니다. 이러한 실수를 바로잡을 때는 정확한 발음을 보여주는 것뿐만 아니라 자음 [v]를 발음할 때 입술과 혀의 조음에도 주의를 기울이는 것이 중요합니다. 단어 어미의 자음과 모음의 조합도 주의가 필요합니다. 제외해야 함 문법 오류러시아어 규칙에 따라 텍스트를 암기하고 노래를 연주하는 과정에서. 조음 장치의 이동성과 발음의 명확성을 훈련하기 위해 혀 트위스터가 좋습니다. 읽기 버전에서 공부하는 과정에서 게임 순간으로 사용할 수 있습니다 (먼저 천천히 읽은 다음 표현 적으로 주요 단어를 강조 표시 한 다음 명확한 조음으로 소리없이 한 입술로 다음 활성 조음으로 속삭임으로 시끄럽고, 숨소리와 공격음에 주의를 기울이고, 일정한 템포리듬 패턴을 느끼며) 노래를 좋아한다.
인토네이션 작업- 성악기술과의 연계 없이는 모달 청력의 발달 없이는 앙상블 창창이 불가능하기 때문에 별도로 고려하지 않는 합창 연주에서 중요한 과제이다. 좋은 주문. 제창 가창력의 발달은 공연문화의 기반을 형성하기 위한 조건 중 하나이다. 단결을 이루기 위해 지도자는 무엇보다도 아이들에게 당인 합창단 내에서 목소리에 대한 청각 적 인식과 통제를 가르쳐야합니다. 다음은 청력 발달을 위한 몇 가지 방법입니다. 청각 지각및 음성-청각 공연:
- 들은 것에 대한 차후 분석을 목적으로 교사의 디스플레이에 귀를 기울이고 듣는 것;
- 피아노 소리, 교사 또는 청력이 가장 발달한 어린이 그룹의 목소리에 맞게 목소리의 피치를 조정합니다.
- "체인에서"노래;
- 손의 움직임으로 소리의 피치를 모델링합니다.
- 합창단의 소리를 지휘자의 손을 따라 개별 소리로 지연시켜 학생들이 청각적 주의를 집중하도록 하는 통일성을 구축합니다.
- 단어나 발성이 다른 키로 수행되는 특수 연습에서 특히 어려운 억양 회전을 노래합니다.
인토네이션 작업은 학습 과정에서 사용되는 방법에 따라 크게 달라집니다. 시각 자료, 예: "사다리", "불가리아 열", "Notny staff" 등
듣는 사람이 텍스트를 이해할 수 있으려면 논리적으로 정확하고 유능하게 노래해야 합니다. 수행되는 작업에서 텍스트의 논리적 강세는 러시아어 규칙에 따라 올바르게 배치되어야 합니다(간단한 문장에서는 강세가 있는 단어가 하나뿐입니다. 주격; 두 명사가 만나면 속격 등의 명사에 강세가 가해집니다.)
표현 성능의 주요 기술:
-텍스트의 표현적인 읽기는 작업 내용에서 발생하는 어린이의 상상 속에서 밝고 생생한 이미지를 만드는 방법 중 하나입니다. 개발 방법 구상적 사고, 성능의 표현력의 기초가됩니다.
-구문에서 단어의 주요 의미 찾기
- 내용의 주요 의미를 반영하여 노래의 각 새 구절에 대한 이름을 발명합니다.
- 소리 과학, 발성 음절, 역학, 음색, 음조, 감정 표현 등의 방법으로 인해 연습을 반복하고 노래 자료를 암기 할 때 작업의 가변성
- 한 레슨과 콘서트 프로그램 구성에서 순서를 결정하는 성격이 다른 노래 비교.
조각 학습을 위한 권장 사항
작품을 배우는 첫 번째 단계는 노래를 보여주고 그 내용에 대해 이야기하는 것입니다. 합창 음악에서 가장 중요한 것은 작품의 텍스트 인 단어입니다. 아이들이 이해할 수없는 단어를 즉시 해결해야합니다. 아이들은 종종 자신에게 익숙하지 않은 단어를 부르거나 완전히 다른 의미를 부여하거나 단순히 생각없이 부릅니다. 이것이 일종의 격언을 얻는 방법입니다. "털이 많은 말"은 다리를 흔드는 말입니다. “추! 숲의 눈은 종종 ..”-척과 헉에 관한 노래 또는 괴물에 관한 노래; 장작은 작은 장작입니다. 텍스트에 대한 별도의 작업에는 의식적이고 생생한 감정을 불러 일으키는 것이 포함됩니다. 그리고 이미 학습 중에 직접 다양한 방법과 기술이 권장됩니다.
게임 "Echo"의 원리에 따라 여러 번 반복하여 노래를 구로 학습하고 소리의 특성을 수정하는 새로운 작업을 통해 변화와 반복, 비정상적인 억양과 리듬, 각 구성의 일시 중지 및 논리적 절정에주의를 기울입니다. 그래서 어린 학생들은 단어와 멜로디가 더 빨리 기억됩니다. 대부분의 경우 구절에서 배우기 시작하는 것이 좋습니다. 여기에 노래의 의미 론적 줄거리가 있습니다. 첫 번째 절정은 이미 첫 번째 구절의 텍스트에 관심이있는 아이들이 "들어가는"합창단에서 제공됩니다. 노래의 속도가 빠른 경우에만 음악없이 속삭이면서 텍스트를 배우는 기술을 사용하는 것이 좋습니다. 곡을 마스터하는 기술적인 단계에서 "바퀴"로 손 동작을 추가할 수 있습니다. "휠"을 지휘하면 배우는 곡의 템포를 더 빨리 느낄 수 있고, 손으로 피치를 모델링하면 노래 멜로디의 다양한 억양 동작을 더 잘 인식하고 연주할 수 있습니다.
다음 단계는 반주에주의를 기울여 아이들이 작품을 다시 듣는 것입니다. 아이들이 한 곡을 다시 들으면 마음의 노래가 가능합니다. 아이들이 한 입으로 노래를 부를 때 잘 표현되지만 소리는 없습니다. 이 기술은 조음 장치 작업뿐만 아니라 음악 및 청각 지각에 매우 유용합니다. 그런 다음 표현적인 노래의 기초 인 역학을 의무적으로 포함하여 "바퀴"를 지휘하여 첫 번째 구절을 반복합니다. 나머지 구절도 작업 중입니다.
라이브 구현에서 노래를 배우는 경로는 아이들이 감정적으로 조정되고 작업이 빠르게 변경되며 동작이 성능을 다양화하기 때문에 매우 짧고 피곤하지 않은 것으로 밝혀졌습니다.
결론
노래하는 목소리는 병적인 경우를 제외하고는 거의 모든 사람에게서 길러질 수 있습니다. 연령과 관련된 특성과 발성 패턴을 고려한 적절한 노래 발달은 건강한 발성 발달에 기여합니다.
일반 뮤지컬 및 공연 문화 형성 문제를 해결하는 교사 작업의 성공은 그가 합창의 교육적 가치를 얼마나 깊이 깨닫고 초등학생의 노래 발달 방법과 기술을 소유하고 있는지에 달려 있습니다. 아이의 목소리의 특성, 마스터링 작업을 구성하는 방법을 알고 있습니다. 노래 레퍼토리. 문학적 텍스트와 음악 및 노래 수단의 의미에 따라이 학생들이 사용할 수있는 노래 레퍼토리의 복잡한 선택도 중요한 역할을합니다. 연령 카테고리학생들 주변의 세계에 대한 긍정적인 태도를 개발하는 것을 목표로 하며 이 연령대의 어린이의 생리적 특성도 고려합니다.
노래를 만드는 것은 창의적인 요소가 있는 흥미로운 과정입니다. 교사는 가장 단순한 노래라도 많은 작업이 필요하다는 것을 학생들의 의식에 가져와야합니다. 표현력 있는 연주는 표현 수단으로서 보컬 및 합창 기술과 능력의 숙달이 필요합니다. 이러한 기량의 형성은 그 자체로 끝이 아니라 음악의 내용을 드러내는 역할을 한다.
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