집 › 테스트 드라이브 › 르네상스 예술. 르네상스의 문화와 예술 - 요약 르네상스 예술 작품 에세이

르네상스 예술. 르네상스의 문화와 예술 - 요약 르네상스 예술 작품 에세이

르네상스 시대는 일부 출처에 따르면 XIV-XVII 세기를 의미합니다. 다른 사람들에 따르면-XV-XVIII 세기까지. 부흥을 시대로 단정짓지 않고 중세 후기로 보는 시각도 있다. 이것은 봉건주의의 위기와 경제와 이데올로기에서 부르주아 관계의 발전의시기입니다. 르네상스(Renaissance)라는 용어는 야만인(건축, 조각, 회화, 철학, 문학)에 의해 파괴된 고대의 최고의 가치와 이상이 이 시대에 되살아났다는 것을 보여주기 위해 도입되었는데, 이 용어는 매우 조건부로, 왜냐하면. 과거 전체를 복원할 수는 없습니다. 이것은 순수한 형태의 과거의 부흥이 아닙니다. 고대의 영적, 물질적 가치를 많이 사용하여 새로운 것을 창조하는 것입니다. 또한 중세 9세기의 가치, 특히 기독교와 관련된 영적 가치를 무시하는 것은 불가능했습니다. 르네상스는 고대와 중세 전통의 종합이지만 더 높은 수준입니다. 이 시대의 각 단계에는 특정한 방향이 지배적이었습니다. 처음에 그것이 "Prometheism"이라면, 즉. 사익과 개인주의의 인정뿐만 아니라 본질적으로 모든 사람의 평등을 가정하는 이데올로기. 나아가 시대정신을 반영한 새로운 사회이론이 등장하고 인본주의 이론이 주도적 역할을 한다. 르네상스 시대의 휴머니즘은 자유로운 사고에 초점을 맞추고 있으며, 그에 따라 사회적, 공공 생활, 이는 공화제 체제의 틀 내에서 민주적 기반에서 달성되는 것으로 가장 자주 가정됩니다. 종교에 대한 시각도 변화하고 있다. 자연철학이 다시 대중화되고 "범테미즘"(하나님을 인격체로 부정하고 그를 자연에 더 가깝게 만드는 교리)이 널리 퍼지고 있습니다. 르네상스의 마지막 시기는 종교개혁의 시대로, 유럽 문화의 발전에서 이 가장 진보적인 격변을 완성했습니다. 일반적으로 르네상스의 역사적 중요성은 중세 기독교 금욕주의와 달리 인간의 위대함과 존엄성을 선포 한 인본주의의 사상과 예술적 성취와 관련이 있습니다. 합리적인 활동, 지상 생활의 즐거움과 행복에 대한 그의 권리. 인본주의자들은 인간에게서 가장 아름답고 완전한 신의 창조물을 보았다. 그들은 하나님의 고유한 창조물, 창조 능력을 인간에게 확장시켰고, 과학과 공예의 발전에서 그의 노동으로 장식된 세상의 지식과 변화에서 그의 운명을 보았다. 독일에서 시작된 종교 개혁은 많은 유럽 국가를 휩쓸었고 영국, 스코틀랜드, 덴마크, 스웨덴, 노르웨이, 네덜란드, 핀란드, 스위스, 체코, 헝가리 및 부분적으로 독일의 가톨릭 교회에서 떨어져 나갔습니다. 이것은 독일에서 16세기 초에 시작되어 기독교 종교를 변혁하는 것을 목표로 한 광범위한 종교적, 사회 정치적 운동입니다.

르네상스 시대는 일부 출처에 따르면 XIV-XVII 세기를 의미합니다. 다른 사람들에 따르면-XV-XVIII 세기까지. 부흥을 시대로 단정짓지 않고 중세 후기로 보는 시각도 있다. 이것은 봉건주의의 위기와 경제와 이데올로기에서 부르주아 관계의 발전의시기입니다. 르네상스(Renaissance)라는 용어는 야만인(건축, 조각, 회화, 철학, 문학)에 의해 파괴된 고대의 최고의 가치와 이상이 이 시대에 되살아났다는 것을 보여주기 위해 도입되었는데, 이 용어는 매우 조건부로, 왜냐하면. 과거 전체를 복원할 수는 없습니다. 이것은 순수한 형태의 과거의 부흥이 아닙니다. 고대의 영적, 물질적 가치를 많이 사용하여 새로운 것을 창조하는 것입니다. 또한 중세 9세기의 가치, 특히 기독교와 관련된 영적 가치를 지울 수 없었고, 르네상스는 고대와 중세 전통의 종합이지만 더 높은 수준입니다. 이 시대의 각 단계에는 특정한 방향이 지배적이었습니다. 처음에 그것이 "Prometheism"이라면, 즉. 사익과 개인주의의 인정뿐만 아니라 본질적으로 모든 사람의 평등을 가정하는 이데올로기. 나아가 시대정신을 반영한 새로운 사회이론이 등장하고 인본주의 이론이 주도적 역할을 한다. 르네상스 휴머니즘은 자유 사상에 초점을 맞추고 있으며, 따라서 공화정 체제의 틀 내에서 민주적 기반에서 달성되어야 하는 공적 생활과 국가 생활의 공정한 배치에 초점을 맞추고 있으며, 종교에 대한 견해도 변화하고 있습니다. 자연철학이 다시 대중화되고 "범테미즘"(인간으로서의 신을 부정하고 그를 자연에 더 가깝게 만드는 교리)이 널리 퍼지고 있습니다. 문화. 일반적으로 르네상스의 역사적 중요성은 중세 기독교 금욕주의와 달리 인간의 위대함과 존엄성을 선포 한 인본주의의 사상과 예술적 성취와 관련이 있습니다. 합리적인 활동, 지상 생활의 즐거움과 행복에 대한 그의 권리. 인본주의자들은 인간에게서 가장 아름답고 완전한 신의 창조물을 보았다. 그들은 하나님의 고유한 창조물, 창조 능력을 인간에게 확장시켰고, 과학과 공예의 발전에서 그의 노동으로 장식된 세상의 지식과 변화에서 그의 운명을 보았다. 독일에서 시작된 종교 개혁은 많은 유럽 국가를 휩쓸었고 영국, 스코틀랜드, 덴마크, 스웨덴, 노르웨이, 네덜란드, 핀란드, 스위스, 체코, 헝가리 및 부분적으로 독일의 가톨릭 교회에서 떨어져 나갔습니다. 이것은 독일에서 16세기 초에 시작되어 기독교 종교를 변혁하는 것을 목표로 한 광범위한 종교적, 사회 정치적 운동입니다.

분야의 통제 작업: "문화학"

주제 : "르네상스 문화 (르네상스)"

완전한:

학생

상트페테르부르크 2008

소개

1. 르네상스 문화

2. 르네상스 예술

3. 르네상스의 시

4. 르네상스 극장

결론

소개

르네상스는 유럽 문화 발전에서 매우 중요한 단계입니다. 에 연대순으로 포함 중세 역사 유럽 국가봉건 문화의 깊이에서 발생한 르네상스는 근본적으로 새로운 문화시대, 사회 지배를위한 부르주아지 투쟁의 시작을 표시합니다.

이 초기 발전 단계에서 부르주아 이데올로기는 진보적 이데올로기였으며 부르주아지 자체뿐만 아니라 구식이 되어가는 봉건적 관계 구조에 종속된 다른 모든 계급과 신분의 이익을 반영했습니다.

르네상스는 부르주아 개인주의 형성을 배경으로 발생한 만연한 종교 재판, 가톨릭 교회의 분열, 잔인한 전쟁 및 대중 봉기의 시대입니다.

르네상스 문화는 14세기 후반에 시작되었습니다. 그리고 15세기와 16세기에 걸쳐 계속 발전하여 점차 유럽의 모든 국가를 차례로 덮었습니다. 르네상스 문화의 출현은 여러 범 유럽 및 지역 역사적 조건에 의해 준비되었습니다.

XIV-XV 세기에. 초기 자본주의 상품-화폐 관계가 탄생했습니다. 이탈리아는 높은 수준의 도시화, 도시에 대한 시골의 종속, 광범위한 수공예품 생산, 재정 문제, 국내뿐만 아니라 뿐만 아니라 해외 시장에도.

새로운 문화의 형성은 초기 부르주아지의 다양한 사회 계층의 정서 변화와 대중 의식에 의해 준비되었습니다. 활발한 상업, 산업 및 금융 기업가 정신 시대에 교회 도덕의 금욕주의는 세속적 재화에 대한 욕망, 사재기, 부에 대한 갈망으로 이러한 사회 계층의 실제 생활 관행과 심각하게 충돌했습니다. 상인의 심리학에서 공예 엘리트, 합리주의, 신중함, 사업 노력의 용기, 개인 능력에 대한 인식 및 넓은 기회의 특징이 분명히 나타났습니다. "정직한 풍요 로움", 세속적 인 삶의 기쁨, 성공의 면류관은 가족의 명성, 동료 시민에 대한 존중, 후손의 기억의 영광으로 간주되는 도덕성이있었습니다.

"르네상스"(르네상스)라는 용어는 16세기에 등장했습니다. "르네상스"라는 용어는 원래 전체 시대의 이름이 아니라 일반적으로 16 세기 초와 일치하는 새로운 예술의 출현 순간을 의미했습니다. 나중에야 이 개념이 더 넓은 의미를 갖게 되었고 이탈리아에서 그리고 다른 나라에서 봉건제에 반대하는 문화가 형성되고 번성한 시대를 지정하기 시작했습니다. Engels는 르네상스를 "인류가 그때까지 경험한 모든 것 중 가장 진보적인 격변"이라고 설명했습니다.

1. 르네상스 문화

XIII - XVI 세기는 유럽 국가의 경제, 정치 및 문화 생활에서 큰 변화의 시간이었습니다. 도시의 급속한 성장과 공예의 발전, 이후 제조 공장의 출현, 궤도에 점점 더 먼 지역을 포함하는 세계 무역의 부상, 지중해에서 북쪽으로의 주요 무역로의 점진적인 배치, 비잔티움 제국의 몰락과 15세기 말과 16세기 초의 위대한 지리적 발견으로 중세 유럽의 모습이 바뀌었습니다. 거의 모든 곳에서 도시가 대두되고 있습니다. 한때 중세 세계의 가장 강력한 세력인 제국과 교황권은 심각한 위기에 처했습니다. 16세기에 독일 국가의 쇠퇴하는 신성 로마 제국은 최초의 두 반봉건 혁명, 즉 독일 대농민 전쟁과 네덜란드 봉기의 현장이 되었습니다. 시대의 과도기적 성격, 삶의 모든 영역에서 일어나는 중세적 족쇄로부터의 해방 과정, 그리고 동시에 여전히 신흥 자본주의 관계의 저개발은 당시의 예술 문화와 미적 사상의 특성에 영향을 미칠 수밖에 없었다. .

사회 생활의 모든 변화는 자연 과학과 정밀 과학의 번성, 자국어로 된 문학, 특히 미술과 같은 광범위한 문화 갱신을 동반했습니다. 이탈리아 도시에서 시작된 이 갱신은 다른 유럽 국가를 점령했습니다. 인쇄술의 출현은 문학과 문학의 보급을 위한 전례 없는 기회를 열었습니다. 과학 작품, 국가 간의보다 정기적이고 긴밀한 의사 소통은 새로운 예술 운동의 광범위한 보급에 기여했습니다.

이것은 중세가 새로운 경향 이전에 후퇴했음을 의미하지 않습니다. 전통적인 아이디어는 대중 의식에서 보존되었습니다. 교회는 종교 재판이라는 중세의 수단을 사용하여 새로운 사상에 저항했습니다. 자유에 대한 생각 인간의 성격계급으로 나누어진 사회에서 계속 존재했다. 봉건적 형태의 농민 의존은 완전히 사라지지 않았으며 일부 국가 (독일, 중부 유럽)에서는 농노로 돌아 왔습니다. 봉건제도는 상당히 활력을 보였다. 각 유럽 국가는 고유한 방식과 고유한 연대기적 틀 내에서 그것을 살았습니다. 자본주의 오랫동안도시와 시골 모두에서 생산의 일부만 다루는 삶의 방식으로 존재했습니다. 그러나 가부장적 중세의 느림은 과거 속으로 물러나기 시작했다.

위대한 지리적 발견은 이 돌파구에서 큰 역할을 했습니다. 1456년 포르투갈 선박이 카보베르데에 도착했고 1486년 B. 디아즈 원정대가 남쪽에서 아프리카 대륙을 돌며 희망봉을 통과했습니다. 아프리카 해안을 마스터 한 포르투갈 인은 동시에 서쪽과 남서쪽의 열린 바다로 배를 보냈습니다. 그 결과 이전에 알려지지 않았던 Azores와 Madeira Islands가 지도에 나타났습니다. 1492년에 스페인으로 이주한 이탈리아인 H. 콜럼버스는 인도로 가는 길을 찾기 위해 대서양을 건너 바하마 근처에 상륙하여 새로운 대륙인 아메리카를 발견했습니다. 1498년 아프리카를 여행하던 스페인 여행자 바스코 다 가마는 배를 성공적으로 인도 해안으로 가져왔습니다. 16세기부터 유럽인들은 이전에 가장 막연한 생각만 가지고 있던 중국과 일본에 침투하고 있습니다. 1510년부터 아메리카 정복이 시작된다. 17세기 호주가 발견되었습니다. 지구의 모양에 대한 생각이 바뀌었습니다. 포르투갈 F. 마젤란(1519-1522)의 세계 일주 여행은 지구가 공 모양이라는 추측을 확인시켜 주었습니다.

2. 르네상스 예술

고대 예술은 르네상스 예술 문화의 기초 중 하나입니다. 르네상스의 대표자들은 고대 문화에서 현실에 대한 헌신, 쾌활함, 아름다움에 대한 감탄과 같은 자신의 열망과 일치하는 것을 찾습니다. 지상 세계영웅적 위업의 위대함 앞에서. 동시에 로마네스크 양식과 고딕 양식의 전통을 흡수하여 다양한 역사적 조건에서 형성되어 르네상스 예술은 그 시대의 특징을 지니고 있습니다. 고전 고대의 예술과 비교할 때 인간의 영적 세계는 더욱 복잡하고 다면적으로 변하고 있습니다.

이때 이탈리아 사회는 고대 그리스와 로마의 문화에 적극적인 관심을 갖기 시작했고, 고대 작가들의 필사본을 찾게 되면서 키케로와 티투스 리비우스의 저서들이 발견되었다.

인간 성격의 이상을 그리는 르네상스 인물은 친절, 힘, 영웅주의, 주변에 새로운 세계를 만들고 창조하는 능력을 강조했습니다. 사람에 대한 높은 생각은 자유 의지에 대한 생각과 불가분의 관계가 있습니다. 사람은 자신의 삶의 길을 선택하고 자신의 운명에 책임이 있습니다. 사람의 가치는 사회에서의 지위가 아니라 개인의 장점에 의해 결정되기 시작했습니다. (15세기 이탈리아 인문주의자 Poggio Bracciolini의 The Book of Nobility에서 발췌).

르네상스는 위대한 발견, 거장, 그리고 그들의 뛰어난 작품의 시대입니다. 그것은 Leonardo da Vinci가 첫 번째 장소에 속하는 예술가 과학자의 전체 은하계의 모습으로 표시됩니다. 예술과 삶 모두에서 나타난 타이타니즘의 시대였습니다. 미켈란젤로와 그 창조자(시인, 예술가, 조각가)가 만든 영웅적인 이미지를 회상하는 것으로 충분합니다. 미켈란젤로나 레오나르도 다빈치 같은 사람들이 실제 사례였습니다. 무한한 가능성사람.

르네상스의 미술은 전례 없는 개화기에 이릅니다. 이것은 세상의 삶과 아름다움을 숭배하는 사람들의 마음에 엄청난 변화가 일어난 경제적 급증 때문입니다. 르네상스 시대에는 세상의 객관적인 이미지가 사람의 눈을 통해 보여졌기 때문에 예술가들이 직면한 중요한 문제 중 하나는 공간의 문제였습니다.

예술가들은 세상을 다르게 보기 시작했습니다. 마치 중세 예술의 실체가 없는 이미지가 3차원의 구호, 볼록한 공간에 자리를 내준 것처럼 평평합니다. 라파엘 산티(1483-1520), 레오나르도 다빈치(1452-1519), 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564)는 고대 미학의 요구 사항에 따라 육체적, 정신적 아름다움이 합쳐지는 완벽한 성격을 독창성으로 노래했습니다. 르네상스 예술가들은 자연 모방의 원칙에 의존하고 원근법을 사용하며 건축에서 "황금 부분"의 규칙을 사용합니다. 인간의 몸. 레오나르도 다빈치는 회화를 "가장 위대한 과학"이라고 표현했습니다. "자연에 대한 순응"의 원칙, 묘사 된 대상을 가능한 한 정확하게 재현하려는 욕구, 이 시대 고유의 개성에 대한 관심은 르네상스 거장의 작품에 미묘한 심리학을 부여합니다.

예술가의 작품은 서명이 됩니다. 저자 밑줄. 점점 더 많은 자화상이 나타납니다. 의심 할 여지없는 새로운 자기 인식의 신호는 예술가들이 점점 더 직접적인 명령을 피하고 내면의 충동에 따라 작업을 수행한다는 사실입니다. 14세기 말에는 사회에서 예술가의 외적 위치도 크게 바뀌었다. 예술가들은 모든 종류의 대중적 인정, 직위, 명예 및 금전적 죄를 받기 시작했습니다. 예를 들어, 미켈란젤로는 왕관을 쓴 사람들을 화나게 할까 두려워하지 않고 그에게 제공되는 높은 영예를 거부 할 정도로 높이 올라갔습니다. 그에게는 "신성"이라는 제목이면 충분합니다. 그는 자신에게 보내는 편지에서 모든 칭호를 생략하고 "미켈란젤로 부오나로티"라고만 쓴다고 주장합니다. 천재에게는 이름이 있다. 그 제목은 피할 수 없는 상황과 관련이 있고 따라서 적어도 그의 창의성을 방해하는 모든 것으로부터 바로 그 자유를 부분적으로 상실하기 때문에 그에게 부담이 됩니다. 그러나 르네상스 예술가가 끌어당긴 논리적 한계는 물론 주로 창조적 자유를 가정하면서 완전한 개인적 독립을 획득하는 것이었다.

미켈란젤로가 가장 뛰어난 르네상스 예술가라고 할 수 있다면 레오나르도는 르네상스 예술가의 가장 위대한 아이디어입니다. 미켈란젤로는 정신을 물질화했고, 레오나르도는 자연을 정신화했습니다. 레오나르도와 미켈란젤로가 르네상스의 두 극으로 상상될 수 있다면 라파엘은 그 중간이라고 할 수 있습니다. 르네상스의 모든 원칙을 가장 완벽하게 표현한 것은 그의 작품이었고 르네상스에 적합했습니다. 항상 Raphael의 예술은 조화의 상징이되어 그 자체로 구현되었습니다.

르네상스 예술에서 인간은 실제적이고 독립적인 가치가 되었습니다. 건축에서 이것은 건물 비율의 인간화뿐만 아니라 바닥 아이디어 생성에서도 나타납니다. 건축에서는 고전적 전통에 대한 호소가 특히 중요한 역할을 했습니다. 그것은 고딕 양식의 거부와 고대 질서 체계의 부흥뿐만 아니라 쉽게 볼 수 있는 내부 공간을 가진 사원 건축의 중심 유형 건물의 개발에서 비율의 고전적 비례성에서도 나타납니다. 특히 토목 건축 분야에서 새로운 것들이 많이 만들어졌습니다. 르네상스 시대에는 다층 도시 건물 (시청, 상인 길드 주택, 대학, 창고, 시장 등)이 더 우아하게 보이고 일종의 도시 궁전 (궁전)이 나타납니다-부유 한 burgher의 거주지, 뿐만 아니라 일종의 컨트리 빌라입니다. 도시 계획과 관련된 문제가 새로운 방식으로 해결되고 도심이 재건되고 있습니다. 개인의 기술의 표현으로서 건축에 대한 태도가 형성되고 있습니다.

음악에서는 보컬 및 기악 폴리포니의 개발이 계속됩니다. 특히 눈에 띄는 것은 15세기에 발전한 네덜란드 다성음악파로, 오페라(작곡가 J. Despres, O. Lasso)가 등장하기 전까지 2세기 동안 유럽의 전문 음악에서 중요한 역할을 했다. 새로운 장르가 세속 음악에 등장합니다. frottole-이탈리아 민속 노래; Villanisco - 서정적이고 목가적 인 것부터 역사적이고 도덕적 인 것에 이르기까지 모든 주제에 대한 노래 - 스페인; madrigal - 모국어로 연주되는 노래 가사의 한 유형. 동시에 일부 음악적 인물은 다 성음에 대한 열정과는 반대로 모나드 음악의 장점을 정당화합니다. 독창, 칸타타, 오라토리오와 같은 동음이의(모노포니) 확립에 기여하는 장르가 나타납니다. 음악 이론도 발전하고 있습니다.

3. 르네상스의 시

F. Engels는 The Dialectic of Nature의 서문에서 위대한 역사적 격변으로 르네상스에 대해 말하면서이 격변 동안 유럽에서 국가가 형성되고 민족 문학이 탄생하고 단조되었다고 강조했습니다. 새로운 유형사람. 이 시대는 "거인이 필요"했고 "생각, 열정 및 성격의 힘이 있지만 다재다능 함과 배움에서 거인을 낳았습니다."

시를 쓰지 않는 르네상스의 주요 문화 인물을 찾기는 어렵습니다. 재능있는 시인은 라파엘, 미켈란젤로, 레오나르도 다빈치였습니다. 시는 Giordano Bruno, Thomas More, Ulrich von Hutten, Erasmus of Rotterdam이 썼습니다. 시를 쓰는 기술은 Ronsard가 프랑스 왕자들에게 가르쳤습니다. 시는 교황과 이탈리아 왕자들이 작곡했습니다. 사치스러운 모험가 메리 스튜어트도 유쾌한 청춘이 흘렀던 프랑스와 작별을 고하며 유려한 시적 대사를 떨어뜨렸다. 서정 시인은 저명한 산문 작가이자 극작가였습니다. 분명히 대격변에는 고유한 리듬이 있었고 재능 있는 사람들이 명확하게 포착했으며 그들의 맥박이 뛰었습니다. 명백한 혼돈 속에서 역사적 사건전쟁, 봉기, 먼 땅에 대한 위대한 캠페인, 새롭고 새로운 발견에서 유럽에 떨어진 "구체의 음악"이 들렸고 혁명적 시대에 그것을들을 수있는 사람들에게 항상 이해할 수있는 역사의 목소리 . 이 새로운 삶의 리듬은 새로운 삶에서 태어난 시에서 큰 힘으로 들렸습니다. 유럽 언어, 많은 경우 시인의 활동과 관련하여 정확하게 스왑 법을 획득했습니다.

중요하고 일반적인 순간르네상스의 모든 유럽시는 그것이 노래 예술에서 벗어 났고 곧 음악 반주에서 분리 되었기 때문에 중세의 민속 가사와 기사 시인의 예술인 트루 바 두르와 미네 징거는 상상할 수 없었습니다. 대담한 개혁가들의 노력으로 시는 르네상스의 폭풍 속에서 태어난 새로운 성격이 다른 사람, 사회, 자연과의 관계를 드러내는 순전히 개인적인 창의성의 영역이 되었습니다. XIV-XV 세기의 이탈리아 시인 컬렉션은 여전히 \u200b\u200b"노래 책"- "Canzoniere"와 같이 예전 방식으로 불려지지만, 증가하는 시 부족을 위해 이미 큰 소리로 말하거나 스스로 읽을 수 있도록 시가 인쇄되고 있습니다. 시집 한 권에 온 세상을 잊은 연인들, 젊은 영웅들처럼" 신곡» 파올로와 프란체스카.

그러나 현대의 시는 노래, 특히 민요와의 연결을 완전히 끊는 데 도움을 주었다. 더욱이, 주로 노래시 인 민속시의 강력한 물결이 유럽의 모든 국가를 휩쓸었던 것은 바로 초기 르네상스 시대였습니다. 그 당시 서정시의 개화는 유럽 전역에서 자신의 힘이 어떻게 성장하고 사회 생활에 미치는 영향을 느꼈던 농민과 도시인 대중의 시에서 정확하게 시작되었다고 말할 수 있습니다. 르네상스는 중세의 토대를 허물고 새로운 시대의 도래를 알리는 위대한 민중운동의 시대였다.

민중의 반란과 봉건 이데올로기에 대한 비판 사이의 깊은 연관성은 1470년대 무명의 패배자 윌리엄 랭랜드(William Langland)가 지은 시로 민간 전승의 메아리로 가득 찬 〈쟁기질하는 피터의 환상 The Vision of Peter the Plowman〉에서 드러납니다. 여기서 도덕적 진리의 전달자는 노동자, 농부입니다. XIV 세기에는 분명히 반란군과 인민 수호자 로빈 후드에 대한 발라드의 주요 백본 플롯이 형성되어 영국에서 인쇄기가 작동하기 시작하자마자 가장 좋아하는 민속 독서가되었습니다.

살아있는 시적 장르로 여전히 존재하는 발라드의 원래 보호 구역은 주로 덴마크 출신의 혼합 인구로 북대서양의 수많은 군도가되었습니다. 이 책에 샘플이 포함된 덴마크 르네상스 발라드는 북유럽 민요의 고전 장르가 되었습니다.

15 세기 중반부터 인쇄기는 다양한 독자를 위해 고안된 많은 출판물, 노래, 로맨스, 수수께끼, "민속 서적"(그 중 Til에 관한 책)과 같은 민속시 샘플을 버렸습니다. Ulenspiegel 및 파우스트 박사에 관한 책). 인본주의 작가, 심지어 대중의 움직임과는 거리가 멀지 만 대중적인 출처에 대한 갈망을 느끼는 사람들도 처리하고 사용합니다. 셰익스피어, 그의 동시대인과 전임자들의 희곡을 살펴보자. 그들의 디자인의 중심에서 얼마나 많은 포크 발라드를 찾을 수 있을까요? 버드 나무에 관한 Desdemona의 노래, 발렌타인 데이에 관한 Ophelia의 노래, Jacques가 방황하는 Ardennes 숲 ( "Much Ado About Nothing")의 분위기에서 다른 숲을 연상시키는 Sherwood, 범인 로빈 후드의 소굴 그리고 그의 밝은 녹색형제 여러분. 그러나 작가의 잉크 병에 들어가기 전에 이러한 모티프는 영국 도시의 광장, 시골 박람회 및 길가 선술집을 돌아 다니며 떠돌아 다니는 가수들이 연주했으며 독실한 청교도들을 두려워했습니다.

그 시대의 시인에게는 또 다른 영감의 원천이 있었습니다. 지식에 대한 열정적 인 사랑은 시인을 해부학 극장, 대장간 및 실험실뿐만 아니라 도서관으로의 긴 여행으로 이끌었습니다. 15세기까지 교육받은 유럽인들은 고대 로마, 차례로 고대 그리스 문화에서 많은 것을 배웠습니다. 그러나 그리스 문화 자체는 나중에 널리 알려지게 되었는데, 특히 중동 중세 그리스 문명의 마지막 기둥인 비잔티움이 투르크와의 투쟁에서 무너진 15세기 이후에 그러했습니다. 투르크족이 정복한 땅에서 유럽의 기독교 국가로 쏟아져 나온 수천 명의 그리스 난민들은 그들의 모국어와 예술에 대한 지식을 가지고 왔고, 많은 사람들이 유럽 법원에서 번역가가 되었고, 교사가 되었습니다. 그리스 어유럽 대학에서 고대 고전을 원본과 번역본으로 출판하는 대형 인쇄소의 고문으로 일했습니다.

말하자면 고대는 르네상스 시대의 시인들이 살았던 두 번째 세계가 되었습니다. 그들은 고대의 문화가 노예의 땀과 피 위에 세워졌다는 것을 거의 짐작하지 못했습니다. 그들은 고대의 사람들을 그 시대의 사람들에 대한 비유로 상상했고, 그래서 그들은 그들을 묘사했습니다. 이에 대한 예는 셰익스피어 비극의 반항적 인 폭도, 르네상스 예술가의 캔버스에있는 "골동품"농민과 장인,시와시의 양치기와 양치기입니다.

점차적으로 그 시대의 문학 발전의 흐름에서 두 가지 경향이 나타났습니다. 하나는 새로운 민족 문학 형성을위한 투쟁에서 고대 샘플에 의해 인도되었고 민속 전통 경험을 선호했으며 젊은이들에게 " Horace” 또는 “아리스토텔레스에 따르면”. 때로는 골동품 모델에 더 가까워지기를 원하는이 "배운"시인들은 유럽 중세시의 확실한 정복이었던 운율을 버렸습니다. 셰익스피어와 론 데 베가 중 다른 방향의 대표자들은 고대 문학을 높이 평가하고 종종 그들의 작품을 위해 재무부에서 음모와 이미지를 추출했지만 그럼에도 불구하고 작가를 위해 권리뿐만 아니라 의무도 옹호했습니다. 시 생활 생활에서 공부하고 재생산하십시오. Hamlet은 무대 기술과 관련하여 배우들과 이에 대해 이야기합니다. Lone de Vega는 그의 논문 "On the New Art of Writing Comedies"에서 같은 내용을 반복합니다. 예술에서 민속 전통을 고려할 필요성에 대한 아이디어를 직접 표현한 것은 Lipe입니다. 그러나 셰익스피어는 소네트에서 자신의 시적 명성에 도전한 동료 작가에 대해 이야기하면서 자신의 "단순"하고 "겸손한" 스타일로 "배운", "장식된" 방식에 반대합니다. 두 가지 흐름은 전체적으로 인본주의시의 단일 흐름을 구성했으며 내부 모순이 있었지만 다른 국가의 다른 사회적 원인으로 인해 인본주의 시인은 구 봉건 세계를 방어하려는 시대의 작가들에 반대했습니다. 미적 규범과 오래된 시적 기법.

15세기는 이탈리아 시에 많은 새로운 것을 가져왔습니다. 이때까지 귀족 가문은 상인 국가 공동체에서 공국과 공국으로 변모 한 도시에서 점차 권력을 장악하기 시작했습니다. 예를 들어 유명한 메디치 가문과 같은 피렌체 부자의 아들들은 인본주의 교육을 과시하고 예술을 후원했으며 그들 자신도 그들에게 낯선 사람이 아니었습니다. 인본주의 시인들은 교육받은 독자들을 염두에 두고 라틴어 시를 썼습니다. Angelo Poliziano와 같은 재능의 펜 아래 용감한 기사와 아름다운 숙녀 숭배가 도시 귀족의 필요에 따라 부활했습니다. 메디치 가문의 강력한 지배력으로부터 자신의 권리를 지키는 도시 공동체는 민속 풍자 및 일상 노래의 급속한 발전과 함께 새로운 귀족 문화의 출현에 대응했습니다. Pulci는 영웅시 "Big Morgant"에서 봉건적 과거에 대한 낭만적 인 열정을 비웃었습니다. 그러나 피렌체, 특히 Dukes d "Este의 수도 요새 인 Ferrara에서 사랑 모험 기사 시가 업데이트 된 버전으로 부활했습니다. Count Matteo Boiardo, 그리고 나중에 이미 16 세기에 페라라 시인 Ludovico Ariosto는 중세 서사시의 엄격한 영웅에서 질투에 휩싸인 열렬한 연인으로 변한 기사 Roland (Orlando)의 전례없는 착취와 모험에 대해 우아한 옥타브로 이야기합니다. 사람들, Ariosto는 Don Quixote가 많은 것을 묘사하는 작품을 만들었습니다.

르네상스 유럽 시에 대한 가장 최근의 공헌은 이베리아 반도의 시인들에게 속합니다. 새로운 세계관을 향한 결정적 전환과 새로운 문화 15세기와 16세기 초에 이곳에서 일어난 일인데 그럴만한 이유가 있었습니다. 우선, 한반도에 거주하는 분열되고 종종 적대적인 형제 민족의 모든 세력의 노력을 요구하는 장기간의 레콘키스타. 스페인의 역사적 발전은 특이한 방식으로 진행되었습니다. 왕권은 스페인 도시에 강력한 발판을 마련하지 못했고, 왕권은 반항적인 귀족과 도시 공동체를 무너뜨렸지만 실질적인 국가 및 국가 통합은 없었습니다. 스페인 왕은 군대와 교회의 힘에만 의존하여 통치했습니다. 조사. 15세기 말 미국의 발견과 짧은 기간 동안 금은 광산이 있는 광활한 지역을 점령함으로써 스페인은 전례 없는 풍요를 얻었고 금 가격은 하락했고 손쉬운 돈의 추구가 공예와 경작의 발전에 대한 관심을 대체한 나라. 스페인 국가는 정치 권력을 잃기 시작했고 16 세기 말 네덜란드가 그에게서 멀어졌고 1588 년 영국을 정복하기 위해 파견 된 스페인 함대 인 Invincible Armada가 패배했습니다. 반응이 있었다. 모험가와 약탈자의 왕국이 된이 나라는 대체로 봉건 국가로 남아있는 햇볕에 그을린 들판과 길을 따라 거지와 방랑자 무리가 늘어서있었습니다.

그럼에도 불구하고 화려한 르네상스 문화는 스페인에서 번성했습니다. 이미 중세 후기의 문학은 이곳에서 풍부하고 다양했습니다. Aragonese, Castilian, Andalusian 전통은 새로운 것으로 합쳐져 Troubadours 학교, Catalonia, 특히 포르투갈과 함께 갈리시아의 영향을 흡수하여 이미 15 세기에 새로운 해로를 위해 싸우기 시작했으며 일반적으로 분야에서 스페인을 추월했습니다. 문화 발전. 스페인과의 긴밀한 문화적 유대는 반세기 동안(1580-1640) 포르투갈이 스페인 왕에게 예속되면서 강화되었습니다. 이베리아 반도의 문학에서 매우 중요한 것은 아랍 세계의 문학에 대한 수세기 동안의 근접성이었습니다. 이 동네를 통해 스페인 시인들은 특히 15~16세기 로망스에서 두드러지는 많은 모티브와 이미지를 받았다. 한편, 당시 스페인은 시칠리아 왕국과 밀접하게 연결되어 있었고, 베니스와 함께 이탈리아의 많은 도시와 항구에 수비대와 함대를 주둔시켰습니다. 형성되는 동안 스페인 르네상스 시는 이탈리아 시의 가장 강력하고 지속적인 영향을 경험했습니다. (포르투갈 문학도 마찬가지)

서유럽의 모든 문학에서 낭만주의자들은 르네상스 거장의 후계자이자 제자였습니다. 그녀의 순수하고 인간적인 예술은 20세기 수많은 진보적 시인들에게 모델이 되었다. 사회주의 리얼리즘의 예술가인 요하네스 R. 베허는 현대 문학에 대한 연구에 소네트의 여섯 가지 언어적 측면(프랑스어, 독일어, 영어, 이탈리아어, 포르투갈어 및 스페인어.

Dante, Shakespeare, Lope de Vega, Cervantes는 소련 국민의 여러 언어로 출판되었으며 동시대 사람뿐만 아니라 전우가되었습니다. 르네상스 예술가들의 그림처럼 르네상스 시인들의 드라마투르기, 노래, 시가 소비에트 국민의 문화생활에 들어왔다.

르네상스의 거물 중 한 명인 Giordano Bruno는 그의 책을 "영웅적인 열정에 관한 대화"라고 불렀습니다. 이 이름은 XIV-XVI 세기의시에 포착 된 르네상스의 영적 분위기를 매우 정확하게 정의합니다. 이 시는 인간의 아름다움, 내면의 풍요로움, 무수한 감각의 다양성을 드러냈고, 지상 세계의 장엄함을 보여 주었으며, 지상 행복에 대한 인간의 권리를 선포했습니다. 르네상스 문학은 인류에게 봉사하는 고귀한 사명에 대한 시인의 소명을 높였습니다.

4. 르네상스 극장

연극은 무대에서 극적인 작품을 제시하는 예술입니다.이 개념의 이러한 정의는 다음을 제공합니다. 사전 Ozhegov.

르네상스 극장은 전 세계 문화사에서 가장 밝고 중요한 현상 중 하나입니다. 그것은 항상 유럽 연극 예술의 강력한 원천입니다. 새로운 극장은 젊은 에너지를 행동으로 쏟아부을 필요성에서 탄생했습니다. 그리고이 행동이 어떤 예술 영역에서 쏟아져 나왔어야하는지 스스로에게 질문하면 이것은 재미의 바다입니다. 그러면 대답은 분명합니다. 물론 극장 영역에서. 카니발 게임은 더 이상 자발적인 아마추어 공연 단계에 머물지 않고 예술의 해안으로 진입하여 고대 문학과 새로운 문학의 경험으로 풍부한 창의성이되었습니다.

유럽에서 처음으로 이탈리아에서는 전문 배우들이 무대에 올라 관객 앞에서 밝고 강렬한 게임으로 세상을 놀라게했으며 자유, 흥분, 광채, 재치에 매료되었습니다.

그래서 이탈리아에서는 새로운 시대의 연극 예술이 시작되었습니다. 그것은 XVI 세기 중반에 일어났습니다.

르네상스 극장은 영국에서 절정에 이르렀습니다. 이제 그는 진정으로 삶의 모든 영역을 흡수하고 존재의 깊이에 침투했습니다. 강력한 재능의 무리가 마치 땅에서 나온 것처럼 일어났습니다. 그리고 세기의 주요 기적은 글로브 극장을 위해 연극을 쓰기 위해 런던에 온 Stratford 출신의 남자였습니다. 극장의 시끄러운 이름이 정당화되었습니다. 셰익스피어의 작품에서 세계가 실제로 열렸습니다. 과거의 역사적 거리가 보였고 현재 세기의 주요 진실이 밝혀졌으며 기적적으로 시간의 베일을 통해 미래가 보였다.

르네상스의 장엄한 시대, 단테, 레오나르도, 미켈란젤로의 시대에 지구본 위로 휘날리는 작은 깃발은 위대한 업적을 예고했습니다. 셰익스피어의 천재성은 이전에 드라마와 무대에서 이룬 모든 것을 하나로 모았습니다. 이제 2~3시간이면 6~8제곱미터에서 세계와 시대를 볼 수 있습니다.

정말 대단한 극장. 새로운 극장은 이탈리아에서 탄생했습니다. 이 출생은 엄격하게 정의된 날짜, 이름 또는 작업에 기인할 수 없습니다. 사회의 "상단"과 "하단" 모두에서 긴 다자간 과정이 있었습니다. 필요한 경우에만 역사적으로 완전한 결과를 제공했습니다. 드라마, 무대, 대규모 관객의 삼위일체.

르네상스 극작술의 첫 번째 실험에 관해서는 그들이 펜의 창조물이었지만 결코 무대가 아니었다고 말할 수 있습니다. 문학의 모태에서 나온 휴머니즘 드라마는 책장을 떠나면 가끔 그리고 무대 성공의 희망도별로 없다. 그리고 복잡하지 않은 일반적인 민속 희극과 카니발 마스크의 즉흥 연주는 서면 연극의 문학적 장점의 10 분의 1도 소유하지 않았지만 많은 관중을 매료 시켰습니다. 새로운 유럽 극장의 진정한 선구자 인 commedia dell'arte의 출처가 득점 한 것은 카니발에서였습니다. 그것은 말해야합니다 새로운 극장 개발의 초기 단계에서 무대와 드라마의 상호 소외는 양쪽 모두에게 갔다.. 드라마는 희극적 무대의 원초적인 것에서 자유로웠고, 연극이 없고 홀로 남겨진 무대, 즉 공연예술은 자신만의 창작 자원을 집중적으로 개발할 수 있는 기회를 얻었다.

Pomponio의 배운 스튜디오는 Plautus의 코미디를 연주하는 아마추어의 첫 번째 모임이되었습니다. 수세기 동안 한 위치에 있었던 캐릭터 문학 영웅, 다시 무대를 가로 질러 걸었습니다 (아마도 아직 자신있게는 아니지만).

로마 과학자의 발견 소식은 곧 이탈리아 전역에 퍼졌습니다. 궁정의 다른 구경거리 중에서 Plautus의 희극을 보여주는 것이 유행이 되었습니다. 유행이 너무 커서 Plautus는 바티칸에서 라틴어로 연주되었습니다. 그러나 모든 사람이 라틴어를 이해하는 것은 아니었기 때문에 70년대 후반 인본주의자인 Batista Guarini는 Plautus와 Terentius의 작품을 이탈리아어로 번역했습니다.

성공적인 개발코미디는 전통적인 고대 계획-엄격한 부모가 보호하는 사랑하는 사람을 소유하기위한 청년의 투쟁, 회피적이고 활기찬 하인의 속임수-가 현대 생활의 생생한 스케치에 편리하다는 사실에 의해 결정되었습니다. .

1508년 페라라 궁전에서 열린 카니발 기간 동안 시인 Ludovico Ariosto는 그의 Comedy of the Chest를 선보였습니다.

그리고 마치 수문이 뚫린 것 같았고, 생명을 주는 물줄기를 오랫동안 막고 있었습니다. 이듬해 Ariosto의 두 번째 희극 The Changelings가 등장하고 1513년 Bibbiena 추기경은 Urbino에서 그의 Calandria를 시연합니다. 1514년, 피렌체 공화국의 전 장관이었던 가장 기민한 니콜로 마키아벨리는 당대 최고의 연극인 맨드레이크를 썼습니다.

이탈리아 코미디 16 세기는 역동적 인 플롯에 대한 특정 표준을 개발했습니다. 대체 어린이, 변장 한 소녀, 하인의 속임수, 사랑에 빠진 노인의 코믹한 실패와 동일한 상황이 여기에서 지속적으로 반복되었습니다.

이탈리아 인문주의자들은 세네카의 유산을 집중적으로 연구하고 있었다. 그런 다음 그리스 비극인 Sophocles와 Euripides가 그들의 관심 궤도에 떨어졌습니다. 이 고대 작가들의 영향으로 르네상스의 이탈리아 비극이 탄생했으며, 그 첫 번째 예는 Giangiorgio Trissino의 Sofonisba(1515)입니다.

Trissino는 고대 그리스 극장의 깊은 감정가였습니다. 자신의 비극을 작곡하면서 그는 Sophocles와 Euripides의 작품에 이끌 렸습니다. "Sofonisba"에서는 고대 비극의 모든 구성 요소가 사용되었습니다. 합창단, 동료, 메신저, 행위로의 분할이 없었으며 3 단결 및 3 배우의 법칙이 관찰되었습니다. 그러나 비극에는 중요한 사회적 주제, 열정의 역학, 전체적인 행동이라는 중요한 것이 없었습니다.

현대 청중은 순전히 학문적 측면에서 또는 여기에서 "충격"에 대한 음식을 찾을 것이라는 기대로 비극적 장르에 관심을 가졌습니다.

그런 음식, 이탈리아의 비극은 풍성하게 주었다.

새로운 비극은 청중의 "정신을 포착"하려고했습니다. 아버지는 비밀 결혼으로 태어난 딸의 아이들을 죽이고 머리와 손을 쟁반에 올려 놓았습니다. 충격을받은 딸은 아버지를 죽이고 자살했습니다 (G. Cinthio의 "Orbecca", 1541). 남편에게 버림받은 아내는 라이벌에게 그가 입양 한 아이들을 죽 이도록 강요 한 후 그녀를 죽이고 죽은 머리를 남편에게 보냈습니다. 남편은 아내의 애인을 참수했습니다. 결국, 완고한 배우자들은 서로를 독살했습니다 (L. Groto의 "Dalida", 1572).

"공포의 비극"은 삶의 의미와 사람의 의무에 대한 질문을 제기하지 않고 생각을 깨우지 않고 피비린내 나는 장면으로 기절했습니다.

희극이 쇠퇴하고 비극이 예술의 대도로 진입하지 못한 시대에 승자는 목회자가 극적인 무대에 등장했습니다.

처음에 목가적 인 방향은 Boccaccio ( "Ameto", "Fiesolan Nymphs")의 작품과 Petrarchists의 가사에서 가장 생생한 표현을 받았습니다. 그러나 곧 새로운 것이 태어났습니다. 드라마 장르.

치명적인 열정이 비극을 지배하고 관능적 인 매력이 코미디를 지배했다면 목가적 인 것에서 "순수한 사랑"이 지배하여 일종의 시적 이상으로 특정 삶의 연결을 벗어났습니다.

영국 르네상스의 극장은 셰익스피어와 그의 훌륭한 측근인 Marlowe, Greene, Beaumont, Fletcher, Chapman, Nash, Ben Jonson입니다. 그러나이 모든 성은 그들의 나이와 국가에 속합니다. 그 시대의 정신과 민족의 삶을 가장 심오하게 표현한 셰익스피어는 모든 시대와 모든 민족에 속합니다.

셰익스피어 극장 - 그것은 르네상스 문화의 일종의 종합입니다.이 문화의 가장 성숙한 단계를 확인한 셰익스피어는 마치 "가장 큰 진보적 격변"의 전체 시대를 대표하는 것처럼 그의 나이와 다가오는 세기에 대해 이야기했습니다.

셰익스피어의 독창성 국립 영어 극장의 발전의 결과였습니다. 동시에 고대와 현대의 모든 시적, 극적, 무대 문화의 성과를 어느 정도 요약했습니다. 따라서 셰익스피어의 드라마에서는 호메로스 플롯의 서사적 범위, 고대 그리스의 단일 비극에 대한 거대한 모델링, 로마 코미디 플롯의 회오리 바람 놀이를 느낄 수 있습니다. 셰익스피어의 극장은 Petrarchist 시인의 높은 서정성이 풍부합니다. 셰익스피어의 작품에서 로테르담의 에라스무스에서 시작하여 몽테뉴로 끝나는 현대 인본주의 자의 목소리가 분명하게 들립니다.

계승의 심도 있는 전개-그것은 새롭고 가장 완벽한 유형의 르네상스 희극, 셰익스피어 희곡의 탄생을 위한 가장 중요한 전제 조건이었다.

결론

휴머니즘 사상은 르네상스 예술의 번영을 위한 정신적 기반입니다. 르네상스 예술은 인본주의의 이상으로 가득 차 있으며 아름답고 조화롭게 발전한 사람의 이미지를 만들어 냈습니다. 이탈리아의 인본주의자들은 인간의 자유를 요구했습니다. "그러나 자유는 이탈리아 르네상스를 이해하는 것입니다. "라고 A.K. Dzhivelegov, - 별도의 사람을 의미합니다. 인본주의는 자신의 감정, 생각, 신념에서 사람이 후견인의 대상이 아니며 의지력이 없어야 자신이 원하는대로 느끼고 생각하는 것을 방지한다는 것을 증명했습니다. 현대 과학에서는 르네상스 휴머니즘의 본질, 구조 및 연대기적 틀에 대한 명확한 이해가 없습니다. 그러나 물론 인본주의는 봉건 해체와 자본주의 관계의 출현이 시작된 시대에 이탈리아의 역사적 발전의 전체 과정과 분리 할 수없는 르네상스 문화의 주요 이데올로기 적 내용으로 간주되어야합니다. 휴머니즘은 주로 고대 유산에 의존하여 문화 수단을 확립하는 데 기여한 진보적 이데올로기 운동이었습니다. 이탈리아 인본주의는 일련의 단계를 거쳤습니다. 14세기의 형성, 다음 세기의 밝은 전성기, 16세기의 내부 구조 조정 및 점진적인 쇠퇴. 이탈리아 르네상스의 진화는 철학, 정치 이데올로기, 과학 및 기타 형태의 사회 의식의 발전과 밀접하게 연결되어 있으며, 차례로 르네상스 예술 문화에 강력한 영향을 미쳤습니다.

윤리, 수사학, 문헌학, 역사를 포함한 고대 기반으로 부활 한 인도 주의적 지식은 인본주의의 형성과 발전의 주요 영역으로 밝혀졌으며 이데올로기 적 핵심은 인간의 교리, 자연에서의 그의 위치 및 역할이었습니다. 그리고 사회. 이 교리는 주로 윤리에서 발전했으며 르네상스 문화의 다양한 영역에서 풍성해졌습니다. 인본주의 윤리는 인간의 지상 운명의 문제, 자신의 노력으로 행복을 얻는 문제를 전면에 내세웠습니다. 인본주의 자들은 사회 윤리 문제에 새로운 방식으로 접근하여 인간의 창조적 능력과 의지의 힘, 지구상에서 행복을 구축 할 수있는 광범위한 가능성에 대한 아이디어에 의존했습니다. 그들은 개인과 사회의 이익의 조화를 성공의 중요한 전제 조건으로 간주하고 개인의 자유로운 발전과 불가분의 관계가 있는 사회 유기체 및 정치 질서의 개선이라는 이상을 제시했습니다. 이것은 이탈리아 인문주의자들의 많은 윤리적 사상과 가르침에 분명한 특징을 부여했습니다.

인본주의 윤리에서 발전된 많은 문제들은 인간 활동의 도덕적 자극이 점점 더 중요한 사회적 기능을 수행하는 우리 시대에 새로운 의미와 특별한 관련성을 획득합니다.

인본주의적 세계관은 유럽 문화의 전체 발전에 강한 영향을 미쳤던 르네상스의 가장 큰 진보적 정복 중 하나가 되었습니다.

종교개혁은 세계문명의 형성에 중요한 역할을 하였다. 특정 사회 정치적 이상을 선포하지 않고 사회를 한 방향으로 재편하지 않고 예술 및 미학 분야에서 과학적 발견이나 성취를 이루지 않고 종교 개혁은 인간의 의식을 변화시키고 새로운 영적 지평을 열었습니다. . 사람은 독립적으로 생각할 자유를 얻었고 교회의 후견인에서 해방되었으며 그에 대한 최고의 제재를 받았습니다. 이는 자신의 마음과 양심만이 그에게 사는 방법을 지시하는 종교적 제재입니다. 종교개혁은 부르주아 사회의 인간, 즉 도덕적 선택의 자유를 갖고 독립적이고 책임 있는 판단과 행동을 하는 독립적이고 자율적인 개인의 출현에 기여했습니다.

사용 문헌 목록

1. L.M. Bragina "이탈리아 인문주의자들의 사회적 윤리적 견해"(15세기 후반) MGU Publishing House, 1983

2. 중세와 르네상스의 문화사에서. 출판사 "과학", M 1976

3. 5 0 서유럽 미술 거장들의 전기. 출판사 "소비에트 예술가", 레닌그라드 1965

4. Garay E. 이탈리아 르네상스의 문제. - M., 1996.

5. 외국 예술의 역사. - M., 1998.

6. 문화학. 세계문화사: 고등학교 교과서 / Ed. 교수 A.N. 마르코바. - 엠, 1995.

7. 문화학. 문화의 이론과 역사: 교과서. - M.: 러시아의 사회 "지식", CINO, 1996.

8. Losev L.F. 르네상스의 미학. - M., 1993.

9. Polikarpov V.S. 문화 연구에 대한 강의. -M .: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997.

르네상스 예술

대학원 작업

학생 4 "E"반

미술학교 2호

갈라디 유리

소개 ................................................. . .................. 삼

1. 이탈리아 르네상스...........................................................3

2. 북부 르네상스........................................................... .5

3. 네덜란드........................................................... .........9

결론................................................. ................ 13

아티스트에 대한 세부 정보:

1. 레오나르도 다빈치 .................................. 14

2. 라파엘 산티

3. 미켈란젤로 부오나로티...........24

소개.

유럽의 중세 시대에는 경제적, 사회적, 종교적 삶의 영역에서 급격한 변화가 일어났고 이는 예술의 변화로 이어질 수밖에 없었습니다. F. Nietzsche의 유명한 표현을 사용하여 "모든 가치의 재평가"라는 고통스러운 과정이 있습니다.

무엇보다도 가장 표현력있는 이러한 퀘스트는 가장 얇은 소리굽쇠처럼 불안정한 주변 세계와 공명하고 감정의 교향곡을 작품에 짜는 예술인의 작품에서 가장 표현력이 뛰어납니다.

그래서 중세에는 이탈리아, 독일, 네덜란드, 프랑스가 그러한 변화의 중심이 되었다. 우리에게서 먼 시간에 이 나라들에서 실제로 무슨 일이 일어났는지, 과거 사상가들의 마음이 어떤 생각을 차지했는지, 예술 작품을 통해 그 시대에 일어나는 현상의 본질을 파헤쳐 보자, "르네상스"라고 불렀습니다.

1. 이탈리아 르네상스.

르네상스의 과도기적 특성으로 인해 이 역사적 시기의 연대기적 틀을 확립하기는 다소 어렵습니다. 나중에 표시 될 징후 (인본주의, 인류 중심주의, 기독교 전통의 수정, 고대의 부흥)를 기반으로 연대기는 다음과 같습니다. Protorenaissance (ducento 및 trecento-XII-XIII-XIII-XIV 세기), 초기 르네상스(quattrocento XIV-XV 세기), 전성기 르네상스(cinquecento XV-XVI 세기).

이탈리아 르네상스는 하나의 범이탈리아 운동이 아니라 이탈리아의 서로 다른 중심에서 동시 또는 번갈아 일어나는 일련의 운동입니다. 이탈리아의 파편화는 여기서 마지막 이유가 아니었습니다. 르네상스의 가장 완벽한 특징은 로마의 피렌체에서 나타났습니다. 밀라노, 나폴리, 베네치아도 이 시대를 경험했지만 피렌체만큼 강렬하지는 않았다.

"Renissance"(르네상스)라는 용어는 그 시대의 사상가이자 예술가인 Giorgio Vasari("유명한 화가, 조각가 및 건축가의 전기")에 의해 도입되었습니다. 그래서 그는 시간을 1250년에서 1550년으로 불렀다. 그의 관점에서 그것은 시간이었다 고대의 부흥. Vasari에게는 고대가 이상적으로 나타납니다.

앞으로는 용어의 내용이 발전했습니다. 부흥은 신학에서 과학과 예술의 해방, 기독교 윤리에 대한 냉각, 국가 문학의 탄생, 가톨릭 교회의 제한으로부터 자유를 원하는 인간의 열망을 의미하기 시작했습니다. 즉, 르네상스는 본질적으로 인본주의를 의미하기 시작했습니다.

르네상스의 문화와 미학에서 인간에게 그토록 분명한 초점이 있었던 이유는 무엇입니까? 사회학적 관점에서 볼 때 도시문화는 인간의 자주성, 자기확신의 원인이 되었다. 그 어느 곳보다 도시에서 사람은 평범하고 평범한 삶의 미덕을 발견했습니다.

이것은 마을 사람들이 농민보다 더 독립적인 사람들이었기 때문에 일어났습니다. 처음에 도시에는 진정한 장인, 장인이 거주했습니다. 농민 경제를 떠나 수공예 기술로만 살 것으로 예상했기 때문입니다. 도시 거주자와 진취적인 사람들의 수를 보충했습니다. 실제 상황으로 인해 그들은 자신에게만 의존하고 삶에 대한 새로운 태도를 형성했습니다.

단순한 상품 생산도 특별한 정신 형성에 중요한 역할을 했다. 소득을 직접 생산하고 처분하는 주인의 느낌은 도시 최초 거주자의 특별한 독립 정신 형성에도 확실히 기여했습니다.

이탈리아 도시는 표시된 이유뿐만 아니라 운송 무역에 적극적으로 참여했기 때문에 번성했습니다. (해외 시장에서 경쟁하는 도시들의 경쟁은 심지어 이탈리아 분열의 원인 중 하나였습니다). VIII-IX 세기에 지중해는 다시 무역로가 집중된 곳이되었습니다. 프랑스 역사가 F. Braudel에 따르면 모든 해안 주민들이 이로 인해 혜택을 받았습니다. 이것은 주로 충분하지 않은 도시를 설명합니다. 천연 자원, 번성했습니다. 그들은 해안 국가를 서로 연결했습니다. 십자군은 도시를 풍요롭게 하는 데 특별한 역할을 했습니다.

그래서 도시 문화는 새로운 사람을 만들고, 삶에 대한 새로운 태도를 형성하고, 훌륭한 아이디어와 훌륭한 작품이 탄생하는 분위기를 조성했습니다. 그러나 이념적으로는 이 모든 것이 엘리트 수준에서 공식화되었습니다. 평범한 주민들은 세계관의 이념적 공식화와는 거리가 멀었습니다.

사람에 대한 새롭게 떠오르는 세계관에는 이데올로기 적 지원이 필요했습니다. 고대는 그러한 지원을 제공했습니다. 물론 이탈리아 주민들이 그녀에게로 향한 것은 우연이 아닙니다. 왜냐하면 지중해에서 눈에 띄는이 반도에는 천년 이상 전에 지나간 고대 (로마) 문명의 대표자들이 거주했기 때문입니다. " 클래식에 대한 가장 큰 매력 고대는 마음의 새로운 요구와 새로운 삶의 열망에 대한 지원을 찾아야 할 필요성으로만 설명됩니다.-세기 초에 러시아 역사가 N. Kareev를 썼습니다.

따라서 르네상스는 고대에 대한 호소입니다. 그러나이 기간의 전체 문화는 순수한 형태의 르네상스, 르네상스 자체가 존재하지 않는다는 것을 다시 한 번 증명합니다. 르네상스 사상가들은 고대에 그들이 원하는 것을 보았습니다. 따라서 신플라톤주의가 이 시대에 특별한 지적 발전을 이룬 것은 우연이 아니다. A. F. Losev는 그의 저서 "르네상스의 미학"에서 이탈리아 르네상스 시대에 이 철학적 개념이 특별히 널리 퍼진 이유를 훌륭하게 보여줍니다. 고대(실제로는 우주론적) 신플라톤주의는 신적 의미의 발산(기원) 사상, 신적 의미로 세계(우주)가 포화된다는 사상, 마지막으로 삶과 존재의 가장 구체적인 디자인으로서의 하나.

신은 인간에게 점점 더 가까워지고 있다. 그것은 범신론적으로 생각됩니다(신은 세상과 합쳐지고 세상을 영화롭게 합니다). 그래서 세상은 사람을 매료시킵니다. 신성한 아름다움으로 가득 찬 세계에 대한 인간의 이해는 르네상스의 주요 이데올로기 과제 중 하나가 됩니다.

성격 소설르네상스.

세상에 녹아있는 신성한 아름다움을 이해하는 가장 좋은 방법은 인간의 감정의 작품으로 올바르게 인식됩니다. 따라서 시각적 인식에 대한 관심이 높아지고 있으며, 따라서 공간 예술(회화, 조각, 건축)이 꽃을 피우고 있습니다. 결국, 르네상스의 지도자들에 따르면 신성한 아름다움을 더 정확하게 포착할 수 있게 해주는 것은 바로 이러한 예술입니다. 따라서 르네상스 문화는 뚜렷한 예술적 성격을 가지고 있습니다.

고대에 대한 관심은 부흥 운동가들 사이에서 기독교(가톨릭) 전통의 수정과 관련이 있습니다. 신플라톤주의의 영향으로 범신론적 경향이 강해진다. 이것은 XIV-XVI 세기의 이탈리아 문화에 독창성과 독창성을 부여합니다. 부흥사들은 자신을 새롭게 돌아보았지만 동시에 하나님에 대한 믿음을 잃지 않았습니다. 그들은 자신의 운명에 대한 책임이 중요하다는 것을 깨닫기 시작했지만 동시에 중세 사람들이되는 것을 멈추지 않았습니다.

르네상스 문화의 모순적인 성격 : 자기 확인의 기쁨과 세계관의 비극. 이 두 가지 교차하는 경향(가톨릭의 고대와 수정)의 존재는 르네상스 문화와 미학의 불일치를 결정했습니다. 한편으로 르네상스인은 자기 확인의 기쁨을 알았고, 다른 한편으로는 자신의 존재의 모든 비극을 이해했습니다. 둘 다 르네상스 인간의 태도와 신과 연결되어 있습니다.

르네상스 예술가들의 작품에서 비극의 기원은 러시아 철학자 N. Berdyaev에 의해 설득력있게 보여집니다. 그는 고대와 기독교 원칙의 충돌이 인간의 깊은 분열의 원인이라고 강조했다. 르네상스의 위대한 예술가들은 또 다른 초월적 세계로의 돌파구에 집착했습니다. 그의 꿈은 이미 그리스도에 의해 인간에게 주어졌습니다. 예술가들은 다른 존재를 창조하는 데 집중했고, 창조주의 힘과 비슷한 힘을 스스로 느꼈습니다. 본질적으로 존재론적 문제를 설정합니다. 그러나 이러한 작업은 지상 생활, 문화 세계에서는 분명히 불가능했습니다. 예술적 창의성존재론적이 아니라 심리학적 성격에 의해 구별되는 은 그러한 문제를 해결하지도, 해결할 수도 없다. 고대 시대의 업적에 대한 예술가의 의존과 그리스도 께서 발견하신 더 높은 세계에 대한 열망은 일치하지 않습니다. 이것은 비극적 세계관, 부활의 갈망으로 이어집니다. Berdyaev는 다음과 같이 썼습니다. “르네상스의 비밀은 실패했다는 것입니다. 지금까지 이런 창조력이 세상에 파견된 적이 없었고, 사회의 비극이 이렇게 드러난 적도 없었다.

이탈리아 르네상스의 문화는 세계 문화의 보물을 헤아릴 수 없을 정도로 풍부하게 만든 뛰어난 인물들의 은하계 전체를 세계에 제공했습니다. 그 중에서 Dante Alighieri(1265-1321), 화가 Giotto di Bondone(1266-1337), 인본주의 시인 Francesco Petrarca(1304-1374), 시인, 인본주의 작가 Giovanni Boccaccio(1313)의 이름을 언급할 필요가 있습니다. -1375), 건축가 Filippo Brunelleschi, 조각가 Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi(1386-1466), 화가 Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi(1401-1428), 인본주의 작가 Lorenzo Vallu(1407-1457), 인문주의 작가 Pico della Mirandola(1463-1494), 인본주의 철학자 Marsilio Ficino(1433-1499), 화가 Sandro Botticelli(1445-1510), 화가, 과학자 Leonardo da Vinci(1452-1519), 화가, 조각가, 건축가 Michelangelo Buonaroti(1475- 1564), 화가 Giorgione(1477-1510), 화가 Tiziano Vecellio li Cadore(1477-1566), 화가 Rafael Santi(1484-1520), 화가 Jacopo Tintoretto(1518-1594) 등이 있습니다.

2. 북부 르네상스.

"북부 르네상스"에서는 이탈리아 북쪽에 위치한 유럽 국가에서 XV-XVI 세기의 문화를 의미하는 것이 일반적입니다.

이 용어는 다소 임의적입니다. 그것은 이탈리아 르네상스와 유추하여 사용되지만 이탈리아에서는 직접적인 원래 의미, 즉 전통의 부흥이 있었다면 고대 문화, 다른 나라에서는 본질적으로 아무것도 "다시 태어나지 않았습니다. 고대 시대의 기념물과 기억이 거의 없었습니다. 15 세기 네덜란드, 독일, 프랑스 (북부 르네상스의 주요 중심지)의 예술은 다음과 같이 발전했습니다. 15세기 말과 16세기 말은 유럽 국가들에게 큰 격변의 시기였으며, 역사상 가장 역동적이고 격동의 시대였습니다. 카톨릭 교회의 우세 - 독일의 대농민 전쟁, 네덜란드의 혁명, 프랑스와 영국 사이의 백년 전쟁이 끝날 때 극적인 강렬함, 프랑스의 카톨릭과 위그노 사이의 피비린내 나는 불화로 성장한 종교 개혁. 그 시대의 분위기는 예술에서 전성기 르네상스의 명확하고 장엄한 형태를 형성하는 데 도움이 되지 않은 것처럼 보입니다. 실제로 북부 르네상스의 고딕 긴장과 열광은 사라지지 않습니다. , 인본주의 교육이 확산되고 심화되고 있습니다. 나는 이탈리아 예술의 매력입니다. 이탈리아의 영향과 독창적인 고딕 전통의 융합은 북부 르네상스 스타일의 독창성입니다.

"르네상스"라는 용어가 이 기간의 전체 유럽 문화에 적용되는 주된 이유는 문화 과정의 내부 경향의 공통성에 있습니다. 즉, 부르주아 인본주의의 광범위한 성장과 발전, 봉건적 세계관의 완화, 개인의 자각이 커짐에 있습니다.

광업, 인쇄 및 섬유 산업의 발전과 같은 경제적 요인은 독일 르네상스 형성에 중요한 역할을했습니다. 상품-화폐 관계 경제에 점점 더 깊이 침투하고 범 유럽 시장 프로세스에 참여하면 많은 사람들에게 영향을 미치고 의식이 바뀌 었습니다.

유럽 남부의 로마네스크 국가에서 르네상스 세계관을 형성하기 위해서는 고대 유산의 영향이 매우 중요했습니다. 그것은 밝고 삶을 긍정하는 성격의 이상과 모델을 설정합니다. 북부 르네상스에 대한 고대 문화의 영향은 미미하며 간접적으로 인식되었습니다. 따라서 대부분의 대표자에서 골동품 모티프를 찾는 것보다 완전히 구식이 아닌 흔적을 감지하는 것이 더 쉽습니다. 수백 개의 작은 봉건 국가로 분열된 독일에는 통합 원칙이 있었습니다. 국가의 영적 생활에 부담금과 부담스러운 규제를 부과하는 가톨릭 교회에 대한 증오였습니다. 그러므로 "지상의 하나님의 왕국"을 위한 투쟁의 주요 방향 중 하나는 교회 개혁을 위한 교황권과의 투쟁입니다. 유럽 남부는 훨씬 적은 정도로 개혁 과정의 영향을 받을 것입니다.

마틴 루터의 독일어 성경 번역은 북부 르네상스의 진정한 시작으로 간주될 수 있습니다. 이 작업은 20년 동안 계속되었지만 개별 조각은 더 일찍 알려졌습니다. 루터파 성경은 먼저 독일어로 한 시대를 이룹니다. 그것은 통일된 독일어의 기초가 됩니다. 둘째, 성경을 현대 문학 언어로 번역하는 선례를 세웠으며 곧 영어, 프랑스어 및 기타 언어로의 번역이 뒤따를 것입니다.

Lutheranism의 아이디어는 독일에서 가장 진보적 인 집단을 통합합니다. Philipp Melanchthon, 예술가 Dürer 및 Holbein, 대중 운동 Thomas Münter의 사제이자 지도자와 같은 인본주의 사상가도 참여합니다.

독일의 르네상스 문학은 Meistersingers의 작업에 의존했습니다. 그 당시 시의 가장 완벽한 예는 이러한 민속 전통의 계승자인 Hans Sachs가 제시했습니다. 로테르담의 에라스무스는 북부 르네상스의 뛰어난 산문 작가가 되었습니다. 그의 최고의 책어리석음에 대한 찬미는 1509년에 출판되었습니다.

예술 활동의 유형 중 이탈리아 르네상스에서와 같이 그림이 주도적이었습니다. 이 시대의 위대한 거장들 중 첫 번째는 히에로니무스 보스라고 불려야 합니다. 그의 작품은 중세 회화의 업적을 요약하고 르네상스의 프롤로그 역할을 합니다. 주로 종교적 주제에 대해 쓰여진 Bosch의 그림에서 어두운 중세 환상과 상징과 민속 요소 및 정확한 사실적인 세부 사항의 조합이 인상적입니다. 그리고 가장 끔찍한 우화조차도 놀랍도록 민속적인 풍미로 쓰여져 삶을 긍정하는 인상을 남깁니다. 전 세계의 후속 회화 거장 중 누구도 광기에 접한 환상적인 이미지를 그리지 않을 것이지만 20 세기 H. Bosch의 영향은 초현실주의 자의 작품에서 느껴질 것입니다.

북부 르네상스 최대의 거장 미술알브레히트 뒤러였습니다. 그는 그림, 그래픽 작품, 기사, 서신 등 엄청난 유산을 남겼습니다.

Dürer의 작업은 이탈리아 거장의 영향을 받았습니다. 그는 이탈리아, 특히 베니스를 방문하는 것을 좋아했습니다. 그러나 Albrecht Dürer의 세계 비전의 특이성은 세계의 가장 객관적인 반영을 찾는 데 있으며 이탈리아의 이상화 사실주의는 그에게 외계인이었고 그림과 그림에서 완전한 진정성을 얻으려고 노력했습니다. 이 파토스는 그의 자화상, 특히 그의 형제에게 연필로 쓴 편지로 가득 차 있으며, 그녀가 죽기 전 어머니의 초상화도 여기에 기인 할 수 있습니다.

그가 실제로 가지고 있는 중세 상징의 해독을 통해 뒤러의 그래픽의 깊이를 이해할 수 있습니다. 그러나 종교개혁 시대에 이러한 요염한 이미지에 대한 단서를 찾을 필요가 있다. 아마도 그의 판화 시트는 당시 사람들의 정신력, 유혹을 거부하려는 의지, 전쟁의 비참한 결과에 대한 비참한 조작을 가장 분명하게 반영했을 것입니다. 이것은 종말의 기수 멜랑콜리아를 볼 때 생각하는 것입니다.

Dürer의 작업에는 서정적인 시작이 있습니다. 여기에는 가장 섬세한 컬러 페인팅 "The Feast of Pink Wreaths", 19 세기 Rilke의 시 순환에 영감을 준 "The Life of Mary"조각의 순환이 포함됩니다. 20세기에 작곡가 힌데미트(Hindemith)는 이 구절을 바탕으로 일련의 로맨스를 만들었습니다.

Albrecht Dürer 작품의 정점은 르네상스 인본주의의 가장 놀라운 표현 중 하나 인 인간에 대한 진정한 찬송가 인 네 사도의 웅장한 이미지였습니다.

이 시대의 고유한 작품이자 루카스 크라나흐 장로의 작품입니다. 그의 마돈나와 다른 성서의 여주인공들은 예술가의 명백한 마을 사람들이자 동시대 사람들입니다. 그의 최고의 작품 중 하나는 혁신적으로 쓰여진 "Crucifixion"입니다. 급격한 비대칭 구성, 전통적인 인물의 특이한 각도, 풍부한 색상은 혼란의 인상을 주며 사회적 격변의 예감입니다. Grunewald(1470-75 - 1528)로도 알려진 Mathis Niethard는 종교적 환상, 엑스터시, 독창적인 구성의 풍부함과 밝음에 놀라움을 금치 못합니다. Grunewald의 주요 작업은 Isenheim Altar입니다. 아기와 함께하는 마리아의 이미지는 천사들이 그들을 위해 악기를 연주하는 여러 그림의 축제 구성으로 새겨 져 있습니다. 이 밝은 장면과 달리 십자가 처형은 어둡고 자연주의적으로 쓰여졌습니다. 맨발로 많이 걸었고 쇠약하고 고통에 가까운 평민 그리스도의 이미지는 농민 전쟁 참가자들과 관련이 있습니다.

Gais Holbein the Younger(1497-1543)는 이 시기 최고의 초상화 화가 중 한 명으로 간주될 수 있습니다. 그는 Rotterdam의 Erasmus와 천문학 자 Nicholas Kratzer, Thomas More 및 Jane Seymour의 초상화를 소유하고 있으며 동시대의 이미지를 존엄성, 지혜, 절제된 영적 힘으로 가득 찬 사람들로 해석합니다. 그는 또한 "Dance of Death"라는 판화 시리즈 인 "어리석음의 찬양"과 성경에 대한 멋진 삽화를 만들었습니다.

다뉴브 회화 학교의 책임자 인 Albrecht Altdorfer (1480-1538)의 작업에서도 독특한 개성이 나타났습니다. 그는 풍경 장르 형성의 우선 순위에 속합니다. 그러나 그의 가장 흥미로운 그림은 알렉산더와 다리우스의 전투(1529)로 남아 있습니다. 지구의 전투 장면은 하늘에서 경쟁하는 태양, 달, 구름에 의해 메아리칩니다. 그림은 많은 장식적인 세부 사항, 절묘한 색상, 유쾌한 그림 기술로 가득 차 있습니다. 또한 이것은 유화로 그린 최초의 전투 장면 중 하나이기 때문에 Altdorfer는 또 다른 회화 장르의 창시자라고 할 수 있습니다.

북부 르네상스 시대는 오래 가지 못했습니다. 30년 전쟁은 이 과정에 개입하여 독일 문화의 발전을 지연시켰다. 그러나 역사상 그것은 서로 의사소통하고, 공통의 투쟁에 참여하고, 여행하고, 서로의 놀라운 초상화를 그리고, 상호 영감을 받는 천재들의 클럽, 말과 그림의 대가로서 놀랍도록 통합된 시대로 남아 있습니다. 아이디어로. 범 유럽 문화 과정에 북부 국가 사람들의 참여는 북부 르네상스 시대에 시작되었습니다.

3. 네덜란드.

오늘날 벨기에와 네덜란드의 영토를 포함하는 작은 나라는 15세기 이탈리아에서 유럽 예술의 가장 밝은 중심지가 될 운명이었습니다. 네덜란드 도시들은 비록 정치적으로 독립적이지는 않았지만 오랫동안 부유해지고 강해졌으며 광범위한 무역을 수행한 다음 직물, 카펫 및 유리의 제조 생산을 개발했습니다. 주요 센터국제 무역은 시적인 운하의 도시인 고대 브뤼헤였습니다. 15세기 말에 활기 넘치는 앤트워프(Antwerp)에 자리를 내주면서 사라졌습니다.

네덜란드의 고딕 건축은 사원뿐 아니라 더 많은 시청, 성벽 및 탑, 상인의 집입니다.

그리고 공예 길드, 쇼핑 아케이드, 창고, 그리고 마지막으로 특징적이고 오래된 유형의 주거용 건물: 좁은 정면과 높은 삼각형 또는 계단식 박공이 있습니다.

교회는 돌보다 벽돌로 더 많이 지어졌기 때문에 교회 조각품은 그다지 발전하지 못했다. Klaus Sluter와 그의 학생들은 네덜란드 문화에서 눈부신 예외로 남아 있습니다. 중세 시대의 주요 예술적 힘은 미니어처 그림에서 다른 것으로 나타났습니다. 15세기에 미니어처는 Limburg 형제가 그린 유명한 베리 공작의 시간의 책에서 볼 수 있듯이 높은 수준의 완성도에 도달했습니다.

세상을 바라보는 사랑스럽고 부지런하며 시적인 시선은 얀 반 에이크가 시작한 15세기의 위대한 그림이 미니어처에서 물려받은 것입니다. 원고를 장식하는 작은 그림은 제단의 문을 장식하는 큰 그림으로 성장했습니다. 동시에 새로운 예술적 자질이 생겼습니다. 미니어처에 있을 수 없는 무언가가 나타났습니다. 같은 의도, 사람, 얼굴, 눈 깊이에 집중된 시선.

Hermitage에는 저명한 네덜란드 거장 Rogier van der Weyden “St. 루크는 마돈나를 그린다"(전도자 루크는 예술가이자 화가 작업장의 후원자로 여겨졌다). 그것은 네덜란드가 가장 좋아하는 전형적인 많은 구성을 포함합니다. 도시와 운하의 파노라마, 다리에 두 명의 생각에 잠긴 인물과 함께 너무 작고 부드럽고 조심스럽게 칠해졌습니다. 그러나 가장 주목할만한 것은 "자연에서"마돈나를 그리는 루크의 얼굴과 손입니다. 그는 특별한 표정을 가지고 있습니다. 완전히 사색에 빠진 남자의 조심스럽고 떨리는 경청 표정입니다. 이것이 네덜란드의 옛 거장들이 자연을 바라 본 방식입니다.

얀 반 에이크로 돌아가 봅시다. 그는 형 Hubert와 함께 일하면서 미니어처로 시작했습니다. van Eyck 형제는 전통적으로 기술 발명에 기여했습니다. 오일 페인팅; 이것은 정확하지 않습니다. 식물성 기름을 바인더로 사용하는 방법은 이전에 알려졌지만 van Eycks는이를 개선하고 배포에 자극을주었습니다. 기름은 곧 온도를 대체했습니다.

유성 페인트는 나이가 들면서 어두워집니다. 우리가 박물관에서 보는 오래된 그림들은 그들이 나타났을 때 다르게 보였고, 훨씬 더 가볍고 밝았습니다. 그러나 van Eycks의 그림에는 정말 특이한 기술적 특성이 있습니다. 페인트는 마르지 않고 수세기 동안 신선함을 유지합니다. 스테인드 글라스 창의 광채를 연상시키는 거의 빛납니다.

위대한 겐트 제단화인 반 에이크스의 가장 유명한 작품은 위베르트에 의해 시작되었고, 그의 죽음 이후에 계속되었고 1432년 1월에 완성되었습니다. 웅장한 제단의 날개는 내부와 외부 모두 2단으로 칠해져 있습니다. 바깥쪽에는 기부자 (고객)의 성모 영보와 무릎을 꿇은 모습이 있습니다. 평일에는 제단이 닫혀있는 모습입니다. 휴일에는 문이 열렸고 열리면 제단이 6 배 더 커졌고 교구민 앞에서 Van Eyck 색상의 모든 광채로 광경이 생겼습니다. 인간의 죄의 구속과 다가오는 깨달음에 대한 생각. 중앙 상단에는 deesis가 있습니다. 왕좌에 계신 아버지 하나님과 마리아와 세례 요한이 측면에 있습니다. 이 수치는 인간의 성장보다 큽니다. 그런 다음 인간 성장과 음악 및 노래 천사 그룹의 벌거 벗은 아담과 이브. 낮은 층에는 넓은 꽃이 만발한 풍경 사이에서 훨씬 작은 규모로 매우 공간적으로 해결되는 어린 양 숭배의 붐비는 장면이 있으며 측면 날개에는 순례자의 행렬이 있습니다. 어린양 경배의 줄거리는 죄 많은 세상이 끝난 후 하나님의 도성이 땅에 내려와 밤이 없고 영원한 빛이 있을 것이라고 말하는 요한계시록에서 따온 것입니다. 수정같이 빛나는 생명의 강과 달마다 열매를 맺는 생명나무와 그 성은 "투명한 유리 같은 정금"입니다. 어린 양은 의인을 기다리는 신격화의 신비로운 상징입니다. 그리고 분명히 예술가들은 영원과 썩지 않는 황금빛 꿈을 구현하기 위해 지구의 매력, 인간의 얼굴, 허브, 나무, 물에 대한 모든 사랑을 겐트 제단의 그림에 담으려고했습니다.

얀 반 에이크는 뛰어난 초상화가이기도 했습니다. 그에게 속한 Arnolfini 배우자의 한 쌍의 초상화에서 이미지 보통 사람들, 샹들리에, 캐노피, 거울, 무릎 개가있는 평범한 방에서 당시 다소 허세 한 패션을 입은 것은 일종의 멋진 성사 인 것 같습니다. 마치 촛불의 불꽃, 사과의 홍당무, 볼록 거울을 숭배하는 것과 같습니다. 은밀한 의식을 치르듯 온유한 아내의 손을 꼭 잡고 있는 아르놀피니의 길고 창백한 얼굴의 모든 이목구비에 반한다. 사람과 물건 모두-모든 것이 엄숙한 기대와 경건한 진지함으로 얼어 붙었습니다. 모든 것에는 결혼 서약과 난로의 신성함을 암시하는 숨겨진 의미가 있습니다.

그리하여 burghers의 일상적인 그림이 시작되었습니다. 이 미묘한 꼼꼼함, 편안함에 대한 사랑, 사물의 세계에 대한 거의 종교적인 애착. 그러나 멀어 질수록 더 많은 산문이 나오고 시가 멀어졌습니다. 시민의 삶은 신성함과 위엄의 시적인 어조로 묘사된 적이 없었습니다.

북유럽 국가의 초기 시민도 그들의 후손만큼 "제한된 부르주아"가 아니었습니다. 사실, 이탈리아 인의 범위와 다양성은 그의 특징이 아니지만 더 좁은 세계관에서도 버거는 특별한 종류의 겸손한 웅장함에 이질적이지 않습니다. 결국 그는 도시를 만든 시민이었고 봉건 영주로부터 도시의 자유를 수호했으며 여전히 외국 군주와 탐욕스러운 가톨릭 교회로부터 도시를 지켜야 했습니다. burghers의 어깨에는 물질적 가치에 대한 존경심 증가 외에도 탄력성, 기업 결속력, 의무 및 단어에 대한 충성도, 자존감을 개발 한 뛰어난 인물을 형성 한 위대한 역사적 행위가 놓여 있습니다. Thomas Mann이 말했듯이 burgher는 "최고의 의미에서 평균적인 사람"이었습니다.

이 정의는 르네상스 시대의 이탈리아인에게는 맞지 않습니다. 그들은 높은 의미에서도 평범한 사람처럼 느껴지지 않았습니다. Jan van Eyck이 연기한 Arnolfini는 네덜란드에 거주하는 이탈리아인이었습니다. 동포가 그렸다면 초상화는 아마도 정신이 달랐을 것입니다. 그녀의 외모와 성격에 대한 개인에 대한 깊은 관심은 이탈리아와 북부 르네상스의 예술가들을 하나로 모았습니다. 그러나 그들은 다른 방식으로 그것에 관심을 갖고 거기에서 다른 것을 봅니다. 네덜란드인은 거물주의와 인간의 전능함에 대한 감각이 없습니다. 그들은 인간의 성실성, 자질에서 그 가치를 봅니다. 그 중 겸손과 경건, 우주 앞에서 자신의 작음에 대한 의식은 마지막이 아닙니다. 이 겸손함 속에서도 개인의 존엄성은 사라지지 않고 밑줄이 그어져 있는 듯하다.

15세기 중후반에 많은 훌륭한 화가들이 네덜란드에서 일했습니다. 이미 언급한 Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. 그들의 예술적 개성은 이탈리아 Quattrocentists와 같은 수준의 개별 스타일은 아니지만 상당히 뚜렷하게 구별됩니다. 그들은 주로 제단과 초상화를 그렸고 부유한 시민들이 의뢰한 이젤 그림을 그렸습니다. 온유하고 사색적인 분위기가 물씬 풍기는 그들의 작곡은 특별한 매력을 지닌다. 그들은 크리스마스의 음모와 아기 숭배를 좋아했으며 이러한 음모는 미묘하고 독창적으로 해결되었습니다. Hugo van der Goes의 "The Adoration of the Shepherds"에서 아기는 여느 신생아처럼 날씬하고 비참합니다. 주변 사람들은 그를 바라보고 무력하고 뒤틀려 깊은 영적 부드러움으로 마돈나는 수녀처럼 조용합니다. , 눈을 들지 않지만 겸손한 어머니의 자부심으로 가득 차 있음을 느낍니다. 보육원 밖에서는 구불 구불 한 도로, 희귀 한 나무, 탑, 다리가있는 넓고 언덕이 많은 네덜란드의 풍경을 볼 수 있습니다.

여기에는 많은 감동이 있지만 단맛은 없습니다. 형태의 고딕 양식의 각이 눈에 띄고 일부 강성이 있습니다. van der Goes의 양치기 얼굴은 고딕 작품에서 흔히 볼 수 있듯이 특징적이고 추합니다. 천사도 못생겼습니다.

네덜란드 예술가들은 아름답고 규칙적인 얼굴과 모습을 가진 사람들을 거의 묘사하지 않으며, 이 또한 이탈리아 예술가들과 다릅니다. 로마인의 직계 후손인 이탈리아인이 일반적으로 북쪽의 창백하고 연약한 아들보다 더 아름다웠다는 단순한 고려는 물론 고려할 수 있지만 주된 이유는 여전히 이것이 아니라 일반적인 예술적 개념. 이탈리아 인본주의는 인간의 위대함과 고전적 형태에 대한 열정으로 가득 차 있습니다. 네덜란드 인은 "보통 남자"를 시화하며 고전적인 아름다움과 조화로운 비율과는 거의 관련이 없습니다.

네덜란드인은 디테일에 대한 열정이 있습니다. 그들은 그들에게 비밀스러운 의미를 지닌 운반자입니다. 꽃병에 든 백합, 수건, 찻주전자, 책 등 직접적인 세부 사항을 제외한 모든 세부 사항에도 숨겨진 의미가 있습니다. 사물은 사랑으로 묘사되고 영감을 받은 것 같습니다.

자신에 대한 존중, 일상생활에 대한 존중, 사물의 세계에 대한 존중은 종교적 세계관을 통해 굴절되었다. 이것이 바로 네덜란드 르네상스가 일어나고 있는 개신교 개혁의 정신이었습니다.

이탈리아 인에 비해 덜 의인화 된 인식, 범신론 적 원칙의 우세 및 고딕 양식의 직접적인 연속성은 네덜란드 회화 스타일의 모든 구성 요소에 영향을 미칩니다. 이탈리아 Quattrocentists 사이에서 모든 구성은 아무리 세부 사항이 많더라도 다소 엄격한 구조론에 끌립니다. 그룹은 옅은 부조처럼 만들어집니다. 즉, 아티스트는 일반적으로 명확하게 정의된 밀폐된 공간의 상대적으로 좁은 전면 영역에 주요 인물을 배치하려고 합니다. 그는 그것들을 건축적으로 균형을 잡았고, 그것들은 확고하게 서 있습니다. 우리는 이미 Giotto에서 이러한 모든 기능을 찾을 수 있습니다. 네덜란드의 구성은 덜 폐쇄적이고 덜 구조적입니다. 그들은 깊이와 거리에 매력을 느끼고 공간감은 이탈리아 회화보다 더 생생하고 경쾌합니다. 수치는 더 기발하고 불안정하며, 그들의 구조는 아래쪽으로 갈라지는 부채꼴 모양의 로브 주름으로 인해 방해받습니다. 네덜란드인은 선의 유희를 좋아하지만, 선은 볼륨을 구성하는 조각 작업이 아니라 오히려 장식적인 역할을 합니다.

네덜란드 인은 구성 중심의 뚜렷한 강조가 없으며 주요 인물에 대한 강조가 증가했습니다. 작가의 관심은 다양한 동기로 흩어지고 모든 것이 그에게 유혹적으로 보이며 세상은 다양하고 흥미 롭습니다. 배경의 일부 장면은 별도의 플롯 구성이라고 주장합니다.

마지막으로, 중심이 전혀 없고 공간이 많은 동등한 그룹과 장면으로 채워지는 구성 유형도 있습니다. 이와 동시에 주요 문자때때로 그들은 모퉁이 어딘가에서 끝납니다.

15세기 말에 Hieronymus Bosch와 비슷한 구성이 발견되었습니다. Bosch는 매우 특이한 예술가입니다. 순전히 네덜란드인의 의도와 관찰력이 비정상적으로 생산적인 환상과 매우 어두운 유머와 결합됩니다. 그가 가장 좋아하는 이야기 중 하나는 은둔자가 악마에게 포위되는 성 안토니오의 유혹입니다. 보쉬는 자신의 그림을 작은 기어다니는 무시무시한 생물 군단으로 채웠습니다. 이 괴물에서 인체 부위를 발견하면 정말 오싹합니다. 기이한 악마의 전체 Kunstkamera는 중세 키메라와 크게 다릅니다. 그들은 더 장엄하고 사악하지 않았습니다. Bosch의 악마학의 신격화는 고문 정원과 유사한 그의 "뮤지컬 지옥"입니다. 벌거 벗은 사람들, 사방에서 기어 오르는 괴물과 섞여 고통스러운 정욕에 몸부림 치고 일부 거대한 악기의 현에 십자가에 못 박히고 압착되고 신비한 장치에 톱질 , 구덩이에 밀어 넣고 삼켰습니다.

보쉬의 기이한 판타스마고리아는 마음의 철학적 노력에서 탄생합니다. 그는 16세기의 문턱에 섰고, 지금은 뼈아프게 생각하게 만드는 시대였다. 분명히 Bosch는 거머리처럼 모든 생물에 달라 붙는 세계 악의 활력과 편재, 삶과 죽음의 영원한 순환, 유충과 세균을 뿌리는 이해할 수없는 자연의 사치에 대한 생각에 압도되었습니다. 지구와 지하, 썩은 정체 된 늪에서 모든 곳에서 생명의. 보쉬는 아마도 다른 것보다 더 예리하고 경계심 있게 자연을 관찰했지만 그 안에서 조화나 완벽함을 찾지 못했습니다. 자연의 면류관인 인간은 왜 죽음과 부패의 운명에 처해 있으며, 왜 그는 약하고 비참하며, 왜 자신과 다른 사람들을 괴롭히고 끊임없이 고통을 당합니까?

보쉬가 그런 질문을 던진다는 사실 자체가 각성된 호기심, 즉 휴머니즘에 수반되는 현상을 말해줍니다. 인본주의는 인간의 모든 것을 찬양하는 것만을 의미하지 않습니다. 그것은 또한 우주의 신비를 풀기 위해 사물의 본질에 침투하려는 욕망을 의미합니다. Bosch에서이 욕망은 우울한 색조로 칠해졌지만 Leonardo da Vinci가 아름답고 추한 모든 것을 탐구하게 만든 것은 정신적 갈증의 증상이었습니다. Leonardo의 강력한 지성은 세상을 전체적으로 인식하고 통일성을 느꼈습니다. 보쉬의 마음 속에는 세상이 파편화되어 수천 개의 파편으로 쪼개져 이해할 수 없는 조합을 이루고 있었다.

그러나 낭만적 인 흐름, 즉 이탈리아 Cinquecento의 영향을 받아 16 세기에 네덜란드에 퍼지기 시작했다는 점을 언급 할 가치가 있습니다. 그들의 독창성 부족은 매우 눈에 띕니다. 이탈리아인들 사이에서 아름답던 '클래식 누드'의 이미지는 확실히 네덜란드에는 주어지지 않았으며 Jan Gossaert의 'Neptune and Amphitrite'처럼 웅장하게 부어오른 몸으로 다소 코믹해 보이기까지 했습니다. 네덜란드 인은 또한 그들 자신의 지방 "매너리즘"을 가졌습니다.

16세기 네덜란드 예술가들이 만든 국내 및 풍경 이젤 그림 장르의 발전에 주목합시다. 그들의 발전은 교황권과 가톨릭 성직자를 싫어하는 가장 넓은 범위가 점점 더 가톨릭에서 멀어지고 교회 개혁을 요구하고 있다는 사실에 의해 촉진되었습니다. 그리고 루터와 칼빈의 개혁에는 성상 파괴의 요소가 포함되었습니다. 개신교 교회의 내부는 완전히 단순하고 꾸밈이 없어야 했습니다. 가톨릭 교회의 화려하고 화려한 장식과는 전혀 다릅니다. 종교 예술볼륨이 크게 감소하고 컬트가 중단되었습니다.

깨끗해 보이기 시작함 풍속화상점의 상인, 사무실의 환전상, 시장의 농민, 카드 플레이어의 이미지로. 가정용 장르네덜란드 거장들이 좋아했던 풍경 배경에서 초상화와 풍경에서 자랐습니다. 배경이 커졌고 순수한 풍경으로 한 걸음 밖에 남지 않았습니다.

그러나 모든 것이 Pieter Brueghel의 엄청난 재능을 구속하고 그 자체에 집중합니다. 그는 가장 높은 학위그의 예술의 모든 놀라운 특징은 원래의 네덜란드 전통으로 거슬러 올라갑니다. 누구와도 달리 Brueghel은 그의 시대 정신과 민속적 풍미를 표현했습니다. 그는 모든면에서 인기가 있습니다. 의심 할 여지없이 예술가 사상가이기 때문에 격언과 은유 적으로 생각합니다. 그의 우화 속에 담긴 삶의 철학은 씁쓸하고 아이러니하지만 동시에 용기가 있다. Bregel이 가장 좋아하는 구성 유형은 위에서 본 것처럼 넓은 공간이므로 사람들이 작아 보이고 계곡에서 헤매지만 모든 것이 자세하고 명확하게 작성됩니다. 내러티브는 일반적으로 민속과 관련이 있으며 Brueghel은 비유 그림을 그렸습니다.

Bruegel은 삶의 전체 철학이 드러나는 방식으로 주요 인물과 사건을 강조하지 않고 네덜란드에서 일반적으로 사용되는 공간-경관 구성 유형을 사용합니다. 이카루스의 추락은 여기에서 특히 흥미 롭습니다. Brueghel의 그림은 해변의 평화로운 풍경을 묘사합니다. 농부는 쟁기를 따라가고, 목자는 양을 돌보고, 어부는 낚싯대를 들고 앉아 있고, 배는 바다를 항해하고 있습니다. Icarus는 어디에 있으며 그의 타락은 그것과 어떤 관련이 있습니까? 오른쪽 구석에서 물 밖으로 튀어 나온 불쌍한 맨발을 보려면 자세히 살펴 봐야합니다. 이카루스는 하늘에서 떨어졌지만 아무도 눈치채지 못했다. 평범한 삶은 언제나처럼 흐릅니다. 농부, 그의 경작지, 목자에게 그의 양떼는 누군가의 기복보다 훨씬 더 중요합니다. 특별한 사건의 의미는 곧 드러나지 않고 동시대 사람들은 그것을 눈치 채지 못하고 일상적인 걱정에 몰두합니다.

Pieter Bregeil의 창작 활동은 오래 가지 않았고 1569 년 40 대에 사망했으며 네덜란드 혁명의 사건을보기 위해 살지 않았습니다. 죽기 직전에 그는 "The Blind"라는 그림을 그렸습니다. 하나의 주제가 스며든 교향곡을 상상할 수 있는 브레게유 예술의 가장 강렬하고 마지막 화음이다. 오래 고통받는 고향을 사랑하는 예술가는 수동성, 청각 장애, 실명, 허영심에 몰입하는 동포를 용서할 수 없었습니다. 오늘전체, 하나, 공통에 대한 통찰력을 제공하는 산봉우리를 오를 수 없음.

결론.

르네상스의 주제는 풍부하고 무궁무진합니다. 이러한 강력한 운동은 전체의 발전을 결정했습니다. 유럽 문명몇 년 동안. 우리는 진행 중인 프로세스의 본질에 침투하려는 시도만 했습니다. 추가 연구를 위해 르네상스 남자의 심리적 분위기를 더 자세히 복원하고 당시의 책을 읽고 미술관에 가야합니다.

이제 20 세기 말에이 모든 것이 과거의 문제인 것처럼 보일 수 있습니다. 두꺼운 먼지 층으로 덮인 고대, 격동의 시대에 대한 연구 관심이 아니라 뿌리를 연구하지 않고 어떻게 우리가 트렁크에 영양을 공급하는 것이 무엇인지, 변화의 바람에 왕관을 유지하는 것이 무엇인지 이해합니까?

레오나르도 다빈치

Leonardo da Vinci (1452 년 4 월 15 일, Vinci Florence 근처-1519 년 5 월 2 일, Cloux Castle, Amboise, Touraine, France 근처), 이탈리아 화가, 조각가, 건축가, 과학자, 엔지니어.

새로운 예술적 언어 수단의 개발과 이론적 일반화를 결합하여 Leonardo da Vinci는 전성기 르네상스의 인본주의 적 이상을 충족시키는 사람의 이미지를 만들었습니다. 그림 "The Last Supper"(1495-1497, 밀라노의 Santa Maria delle Grazie 수도원 식당)에서 엄격한 구성 패턴, 명확한 제스처 시스템 및 캐릭터의 표정으로 높은 윤리적 내용이 표현됩니다. . 여성의 아름다움에 대한 인본주의적 이상은 모나리자(1503년경 La Gioconda)의 초상화에 구현되어 있습니다. 수학, 자연 과학, 역학 분야의 수많은 발견, 프로젝트, 실험적 연구. 자연에 대한 지식에서 경험의 결정적인 중요성을 옹호했습니다. 노트북및 원고, 약 7,000장).

Leonardo는 부유한 공증인의 가정에서 태어났습니다. 그는 1467-1472년에 Andrea del Verrocchio와 함께 공부하면서 마스터로 발전했습니다. 예술가의 작업이 기술 실험과 밀접한 관련이 있었던 당시 피렌체 작업장에서의 작업 방법과 천문학 자 P. Toscanelli와의 친분은 젊은 Leonardo의 과학적 관심의 출현에 기여했습니다. 그의 초기 작품(1470년 이후 베로키오의 세례에서 천사의 머리, 1474년경 우피치, 베누아 마돈나, 1478년경, 에르미타주)에서 콰트로첸토 회화의 전통을 풍부하게 하여 부드러운 볼륨을 강조합니다. 부드러운 키아로스쿠로 형태, 생기 있는 얼굴, 가늘고 거의 알아볼 수 없는 미소. The Adoration of the Magi(1481-82, 미완성, Uffizi의 밑그림)에서 그는 종교적 이미지를 다양한 인간 감정의 거울로 바꾸어 혁신적인 드로잉 방법을 개발했습니다. 스케치, 스케치 및 현장 연구 (이탈리아 연필, 은색 연필, 다혈질, 펜 및 기타 기술)에서 수많은 관찰 결과를 기록하여 Leonardo는 얼굴 표정 전송에서 드물게 선명도를 달성합니다 (때로는 그로테스크하고 캐리커처에 의존함). 그리고 인체의 움직임은 구성의 드라마투르기와 완벽한 조화를 이룬다.

밀라노의 통치자인 로도비코 모로(1481년 이후)를 섬기면서 레오나르도는 군사 기술자, 수력 기술자, 궁정 축제 조직자로 활동했습니다. 10년 넘게 그는 Lodovico Moro의 아버지인 Francesco Sforza의 기념비 작업을 해왔습니다. 플라스틱 힘으로 가득 찬 실물 크기의 점토 모형은 보존되지 않았으며 (1500 년 프랑스가 밀라노를 점령했을 때 파괴됨) 예비 스케치에서만 알려져 있습니다.

이 기간은 화가 레오나르도의 창조적 전성기를 설명합니다. Madonna in the Rocks(1483-94, 루브르 박물관, 두 번째 버전 - 1487-1511, 런던 내셔널 갤러리)에서 마스터가 사랑한 최고의 키아로스쿠로("스푸마토")는 중세 후광을 대체하는 새로운 후광으로 나타납니다. Leonardo의 지질 학적 관찰을 반영하는 바위 동굴이 전경에있는 성도들의 인물보다 덜 극적인 역할을하는 신성한 인간이자 자연의 신비입니다.

"마지막 식사"

Santa Maria delle Grazie 수도원 식당에서 Leonardo는 그림 "최후의 만찬"(1495-97; 프레스코 화를 위해 온도와 혼합 된 기름을 사용하여 마스터가 갔던 위험한 실험으로 인해 작업이 이루어졌습니다. 매우 손상된 형태로 우리에게). 다가오는 배신에 대한 그의 말에 대한 그리스도의 제자들의 격렬하고 모순적인 반응을 나타내는 이미지의 높은 종교적, 윤리적 내용은 구성의 명확한 수학적 패턴으로 표현되어 그림뿐만 아니라 실제 건축도 지배합니다. 공간. 표정과 몸짓의 명료한 무대 논리는 물론, 늘 레오나르도가 그랬던 것처럼 흥미진진하게 역설적으로 엄격한 합리성과 설명할 수 없는 미스터리의 조합이 만들어냈다. 최후의 만찬"세계 예술사에서 가장 중요한 작품 중 하나.

건축에도 종사하면서 Leonardo는 "이상적인 도시"와 중앙 돔형 사원의 다양한 버전을 개발합니다. 다음 해 주인은 끊임없는 여행에 소비합니다 (Florence - 1500-02, 1503-06, 1507; Mantua and Venice - 1500; Milan - 1506, 1507-13; Rome - 1513-16). 1517년부터 그는 프란시스 1세의 초청을 받아 프랑스에 살았다.

"앙갸리 전투". 조콘다(모나리자의 초상)

피렌체에서 Leonardo는 Palazzo Vecchio ( "Battle of Anghiari", 1503-1506)에서 그림 작업을하고 있습니다. 미완성 및 보존되지 않음, 골판지 사본과 최근에 발견 된 스케치 - 개인 소장품, 일본 ), 현대 예술에서 전투 장르의 기원에 서 있습니다. 치명적인 전쟁의 분노는 광란의 기병 전투에서 구체화됩니다.

레오나르도의 가장 유명한 그림인 모나리자의 초상화(소위 "La Gioconda", 루브르 박물관, 1503년경)에서 부유한 마을 여성의 이미지는 자연의 신비한 의인화로 나타납니다. 여성스러운 교활함; 구성의 내부 의미는 우주적으로 장엄하고 동시에 차가운 안개에 녹아 내리는 불안하게 소외된 풍경에 의해 제공됩니다.

후기 그림

Leonardo의 후기 작품에는 Trivulzio 원수 (1508-1512) 기념비 프로젝트, "마리아와 그리스도의 아기와 함께한 성 안나"(약 1500-1507, 루브르 박물관) 그림이 포함됩니다. 후자는 가벼운 공기 관점, 색조 색상 (차가운 녹색 색조가 우세함) 및 조화로운 피라미드 구성 분야에서 그의 검색을 요약합니다. 동시에 이것은 심연의 가장자리에 가족의 친밀함으로 납땜 된 거룩한 인물 그룹이 표현되기 때문에 심연의 조화입니다. Leonardo의 마지막 그림 "Saint John the Baptist"(1515-1517, ibid.)는 에로틱 한 모호함으로 가득 차 있습니다. 여기에서 젊은 선구자는 거룩한 금욕주의자처럼 보이지 않고 관능적 인 매력으로 가득 찬 유혹자처럼 보입니다. 보편적인 재앙을 묘사한 일련의 그림("홍수"가 있는 주기, 이탈리아 연필, 펜, 1514-1516년경, 윈저 왕립 도서관)에서 요소의 힘 앞에서 인간의 연약함과 무의미함에 대한 반성 R. Descartes의 자연 과정의 순환적 특성에 대한 아이디어의 "소용돌이" 우주론을 예상하는 합리주의적인 것들과 결합됩니다.

"회화에 관한 논문"

Leonardo da Vinci의 견해를 연구하는 가장 중요한 출처는 구어체 이탈리아어로 작성된 그의 노트와 원고(약 7,000장)입니다. 주인 자신은 자신의 생각을 체계적으로 표현하지 않았습니다. 그의 제자 F. Melzi가 Leonardo의 죽음 이후에 준비하고 예술 이론에 큰 영향을 미쳤던 "회화에 관한 논문"은 대부분 그의 노트의 맥락에서 임의로 추출한 구절로 구성됩니다. 레오나르도 자신에게 예술과 과학은 뗄래야 뗄 수 없는 관계였습니다. 그의 의견으로는 "예술 분쟁"에서 가장 지적이며 창의성의 유형으로 손바닥을 그림에 부여한 마스터는 그것을 전체 다양성을 구현하는 보편적 언어 (과학 분야의 수학과 유사)로 이해했습니다. 비율, 원근법 및 chiaroscuro를 통해 우주의. Leonardo는 "회화는 과학이며 자연의 합법적 인 딸입니다 ..., 신의 친척입니다. "라고 썼습니다. 자연을 연구함으로써 완벽한 자연주의자는 자연 아래 숨겨진 "신성한 마음"을 알게 됩니다. 모습자연. 이 신성하고 지능적인 원칙과 창의적 경쟁에 참여함으로써 예술가는 최고의 창조주와 자신의 유사성을 확인합니다. 그는 "처음에는 그의 영혼에 있고 그 다음에는 그의 손에" "우주에 존재하는 모든 것"을 가지고 있기 때문에 그 역시 "일종의 신"입니다.

레오나르도는 과학자입니다. 기술 프로젝트

과학자이자 엔지니어인 Leonardo da Vinci는 통찰력 있는 관찰과 추측을 통해 그 당시의 거의 모든 지식 영역을 풍부하게 했습니다. 그는 ~였다 저명한 대표새로운, 자연 과학의 실험을 기반으로. Leonardo는 역학에 특별한 관심을 기울여 "수리 과학의 낙원"이라고 부르며 우주 비밀의 열쇠를 보았습니다. 그는 미끄럼 마찰 계수를 결정하려고 노력하고 재료의 저항을 연구했으며 열정적으로 유압에 종사했습니다. 수많은 수력 공학 실험이 운하와 관개 시스템을 위한 혁신적인 설계로 표현되었습니다. 모델링에 대한 열정은 레오나르도를 시대를 훨씬 앞서가는 놀라운 기술적 선견지명으로 이끌었습니다. 야금 용광로 및 압연기, 직기, 인쇄, 목공 및 기타 기계, 잠수함 및 탱크를 위한 프로젝트의 스케치는 물론 설계도입니다. 새의 비행에 대한 철저한 연구 끝에 개발 된 항공기 및 항공기 낙하산.

광학

그의 그림에 반영된 물체의 색상에 대한 투명체와 반투명체의 영향에 대해 레오나르도가 수집한 관찰은 예술에서 공중 원근법의 원칙을 확립하도록 이끌었습니다. 광학 법칙의 보편성은 그에게 우주의 균일성에 대한 아이디어와 관련이 있습니다. 그는 지구를 "우주의 한 지점"으로 간주하여 태양 중심 시스템을 거의 만들었습니다. 그는 양안 시력의 본질에 대해 추측하면서 인간 눈의 구조를 연구했습니다.

해부학, 식물학, 고생물학

해부학 연구에서 시체 부검 결과를 요약하면 상세한 도면으로 현대 과학 일러스트레이션의 토대를 마련했습니다. 장기의 기능을 연구하면서 그는 신체를 "자연 역학"의 모델로 간주했습니다. 처음으로 그는 여러 뼈와 신경을 설명하고 발생학 및 비교 해부학의 문제에 특별한 관심을 기울여 실험 방법을 생물학에 도입하려고 시도했습니다. 식물학을 독립적인 학문으로 인정한 그는 고전적인 설명잎 배열, 헬리오 및 지오트로피즘, 뿌리 압력 및 식물 수액의 움직임. 그는 고생물학의 창시자 중 한 사람으로 산꼭대기에서 발견된 화석이 "지구적 홍수"라는 개념을 반박한다고 믿었습니다.

르네상스 "보편적 인간"의 이상을 드러내는 Leonardo da Vinci는 그 시대의 창조적 탐구 범위를 가장 명확하게 설명한 사람으로 후속 전통에서 이해되었습니다. 러시아 문학에서 Leonardo의 초상화는 D. S. Merezhkovsky가 소설 "The Resurrected Gods"(1899-1900)에서 만들었습니다.

레오나르도 다빈치의 그림:

세례 요한과 성 베드로의 1503년 “아기 요한을 안고 있는 성모와 아이” “모나리자” 안나 “

“ 젊은 여자의 머리 "마돈나와 차일드"

“ 마지막 식사 ” 1495-1497

라파엘 산티

Raffaello Santi(1483-1520), 이탈리아의 화가이자 건축가. 전성기 르네상스 대표. 고전적 명료함과 숭고한 영성으로 그는 삶을 긍정하는 르네상스의 이상을 구현했습니다. 초기 작품 ( "Madonna Conestabile", ca. 1502-03)은 우아하고 부드러운 서정으로 가득 차 있습니다. 그는 바티칸(1509-17)의 스탠자(방) 그림에서 인간의 지상 존재, 영적 및 육체적 힘의 조화를 찬양하여 완벽한 비율 감각, 리듬, 비율, 색상의 조화, 인물과 장엄한 건축 배경. 신의 어머니 ( "Sistine Madonna", c. 1513)의 수많은 이미지, Villa Farnesina (1514-18) 및 바티칸의 로지아 (1519, 학생들과 함께) 벽화의 예술적 앙상블. 초상화는 르네상스 시대 남성의 이상적인 이미지를 만들어 냈습니다(B. Castiglione, 1514-15). 성 베드로 대성당을 설계했습니다. Peter는 로마에 Santa Maria del Popolo 교회의 Chigi 예배당(1512-20)을 세웠습니다.

RAFAEL (실명 Raffaello Santi) (Raffaello Santi) (1483년 3월 26일 또는 28일, 우르비노 - 1520년 4월 6일, 로마), 이탈리아 예술가이자 건축가. 화가 조반니 산티의 아들. Vasari에 따르면 그는 Perugino와 함께 공부했습니다. 1500년에 독립 마스터로 처음 언급되었습니다. 1504-08년에 그는 플로렌스에서 일했습니다. 1508년 말 교황 율리우스 2세의 초청으로 로마로 건너가 그곳에서 미켈란젤로와 함께 율리우스 2세와 그의 후계자 레오 10세의 궁정에서 일했던 예술가들 사이에서 주도적인 위치를 차지했다.

이미 피렌체로 이사하기 전에 작성된 초기 그림에서 Raphael 고유의 조화로운 재능 창고, 형태, 리듬, 색상, 움직임, 제스처의 완벽한 합의를 찾는 능력이 영향을 받았으며 이러한 작은 형식의 작업에서 Conestabile Madonna(c. 1502-03, Hermitage), The Dream of a Knight(c. 1504, National Gallery, London), The Three Graces(Condé Museum, Chantilly), Saint George(c. 1504, 내셔널 갤러리, 워싱턴) , 더 큰 형식의 "마리아의 약혼"(1504, 브레라, 밀라노).

피렌체 시대(1504-08)

움직임은 Raphael의 창의적인 개발에 큰 역할을했습니다. 그에게 가장 중요한 것은 Leonardo da Vinci의 방법에 대한 친숙함이었습니다. Leonardo를 따라 그는 해부학, 움직임의 역학, 복잡한 자세 및 각도를 연구하고 간결하고 리드미컬하게 균형 잡힌 구성 공식을 찾고 자연에서 많은 작업을 시작했습니다. 라파엘로의 마지막 피렌체 작품(The Entombment, 1507, Borghese Gallery, Rome; St. Catherine of Alexandria, c. 1507-08, National Gallery, London)에는 미켈란젤로.

피렌체 시대 그림의 주요 주제는 최소 10개의 작품에 헌정된 마돈나와 어린이입니다. 그 중 "Goldfinch가있는 Madonna"(c. 1506-07, Uffizi), "Madonna in Greens"(1506, Kunsthistorisches Museum, Vienna), "아름다운 정원사"(1507, Louvre)의 구성 솔루션에 가까운 세 가지 그림이 눈에 띕니다. ). 목가적 인 풍경을 배경으로 한 젊은 어머니와 그녀의 발에서 노는 어린 아이들 인 그리스도와 세례 요한을 묘사하면서 같은 주제를 다양하게 사용하여 그는 인물을 안정되고 조화롭게 균형 잡힌 복합 피라미드의 리듬으로 결합합니다. 르네상스의 거장들.

로마 시대(1509-20)

로마로 이주한 26세의 스승은 1514년부터 "사도좌의 예술가"의 지위와 바티칸 궁전의 앞방을 칠하는 위임장을 받았으며, 1514년부터 성 베드로 대성당 건설을 감독했습니다. 교회 및 궁전 건축 분야에서 일하는 Peter는 1515 년에 고대 기념물, 고고학 발굴의 연구 및 보호를 담당하는 고대 유물 국장으로 임명되었습니다.

바티칸 궁전의 프레스코화

이 기간 작업의 중심 장소는 바티칸 궁전 의식 실의 그림이 차지합니다. Stanza della Senyatura(1509-11)의 벽화는 라파엘로의 가장 완벽한 작품 중 하나입니다. "Disputation"( "Dispute about the sacrament"), "Athenian school", "Parnassus", "Foundation of the canonical and 민법"와 그에 해당하는 네 가지 우화 여성 인물금고에서 신학, 철학,시 및 법학을 의인화합니다.

하나의 움직임이 아닌 하나의 형상과 포즈를 반복하지 않고, 라파엘은 형상에서 형상으로, 그룹에서 그룹으로 흐르는 유연하고 자유롭고 자연스러운 리듬으로 그것들을 엮습니다.

인근 엘리도르 역(1512-14), 벽화(“성전에서 엘리도르 추방”, “던전에서 사도 베드로의 기적적인 추방”, “볼세나의 미사”, “교황과의 만남”) Leo I with Attila”)와 금고의 성경적 장면 줄거리 내러티브와 극적인 시작이 우세하고 움직임, 제스처, 복잡한 대위법의 한심한 흥분이 커지고 빛과 그림자의 대비가 강화됩니다. 라파엘 던전에서 온 사도 베드로의 기적적인 박람회에서 중부 이탈리아의 예술가에게는 특이한 회화적 미묘함이 야간 조명의 복잡한 효과를 전달합니다. 천사를 둘러싼 눈부신 광채, 달의 차가운 빛, 붉은 경비원의 갑옷에 횃불의 불꽃과 반사.

Raphael의 최고의 작품 중 벽화가는 은행가이자 박애주 의자 Agostino Chigi, Chigi 예배당 금고의 벽화 (c. 1513-14, Santa Maria della Pace, Rome) 및 프레스코 "The Triumph of Galatea"의 의뢰를 받았습니다. ” 이교도의 쾌활함으로 가득 차 있습니다 (c. 1514-15 , Villa Farnesina, Rome).

1515-16년에 제작된 사도 베드로와 바울의 역사에 관한 에피소드가 담긴 골판지 태피스트리(빅토리아와 앨버트 박물관, 런던)는 양식적으로 스탠츠의 벽화와 비슷하지만 이미 라파엘로의 고전적 양식이 소진되었다는 첫 징후를 보여줍니다. -차가운 완벽의 특징, 화려한 시작에 대한 열정, 포즈의 화려 함, 과도한 몸짓. 훨씬 더 큰 범위에서 이것은 그의 조수 Giulio Romano와 J. F. Penny가 Raphael의 그림에 따라 만든 Vatican Stanza del Incendio (1514-17)의 프레스코 화의 특징입니다. 편안함, 우아함, 상상력의 풍부함은 Villa Farnesina의 Psyche Hall (c. 1515-16)과 소위에서 그의 그림에 따라 Raphael의 조수가 만든 순전히 장식적인 그림으로 구별됩니다. 바티칸 궁전의 라파엘의 로지아(1518-19).

로마 마돈나

로마 시대에 Raphael은 마돈나의 이미지를 훨씬 덜 자주 사용하여 새롭고 더 깊은 해결책을 찾았습니다. Madonna della Sedia (c. 1513, Pitti, Florence)에서 로마 평민 복장을 한 젊은 어머니, 어린 세례 요한과 그리스도는 원형 프레임 (tondo)으로 묶여 있습니다. 마돈나는 유치하지 않게 진지한 표정의 작은 타이탄 인 아들을 팔에 숨기려고하는 것 같습니다. 마돈나의 이미지에 대한 새롭고 다성적으로 복잡한 해석은 Raphael의 가장 완벽한 작품 중 하나 인 제단 "Sistine Madonna"(c. 1513, Art Gallery, Dresden)에서 가장 완벽한 표현을 찾았습니다.

초상화

첫 번째 초상화는 피렌체 시대에 속합니다(Agnolo Doni, c. 1505, Pitti, Florence; Maddalena Strozzi, c. 1505, ibid; Donna Gravida, c. 1505, ibid.). 그러나 로마에서만 라파엘은 초기 초상화의 건조함과 약간의 딱딱함을 극복했습니다. 로마 작품 중에는 인본주의 자 Baldassare Castiglione (c. 1514-15, Louvre)의 초상화와 소위. "Donna Velata", 아마도 "Sistine Madonna"(c. 1516, Pitti, Florence)의 모델로 고상하고 조화로운 이미지 구조, 구성 균형, 미묘함 및 풍부한 색 구성표가 있습니다.

건축 작품

라파엘은 이탈리아 건축에 눈에 띄는 흔적을 남겼습니다. 그의 건물 중에는 소박한 인테리어를 갖춘 San Eligio degli Orefici의 작은 교회(1509경에 건축), 내부가 화합의 한 예인 Santa Maria del Popolo 교회의 Chigi 예배당(1512경에 건축)이 있습니다. 라파엘로가 디자인한 벽화, 모자이크, 조각, 미완성인 빌라 마다마 등 건축 디자인과 장식은 르네상스 시대에도 드물었습니다.

라파엘은 이탈리아와 유럽 회화의 후속 발전에 큰 영향을 미쳤으며 고대의 거장들과 함께 예술적 우수성의 가장 높은 예가 되었습니다.

라파엘 산티의 그림:

"님프 갈라테이아"

"마돈나와 차일드"

"세인트 조지가 용과 싸운다"

“예언자 에제르키엘의 환상” “아담과 이브”

미켈란젤로 부오나로티

Michelangelo Buonarroti(1475-1564), 이탈리아의 조각가, 화가, 건축가, 시인. 그는 르네상스 후기의 인본주의적 세계관의 위기에 대한 비극적 감각은 물론, 영웅적 파토스로 가득 찬 전성기 르네상스의 심오한 인간적 이상을 가장 큰 힘으로 표현했다. 이미지의 기념비성, 가소성 및 드라마, 감탄 인간의 아름다움초기 작품에 이미 등장했습니다 ( "Lamentation of Christ", c. 1497-98; "David", 1501-04; 골판지 "Battle of Kashin", 1504-06). 바티칸(1508-12)에 있는 시스티나 예배당 금고의 그림, "모세"(1515-16)의 동상은 인간의 육체적, 영적 아름다움, 무한한 창조적 가능성을 확인시켜줍니다. 르네상스 이상의 위기로 인한 비극적 인 메모는 피렌체 산 로렌조 교회의 새 성구 앙상블 (1520-34), 제단 벽의 프레스코 "최후의 심판"(1536-41)에서 들립니다. 시스 티나 예배당, "그리스도의 애도"( c. 1550-55) 등의 후기 버전에서 미켈란젤로의 건축물 (플로렌스의 Laurentian 도서관, 1523- 34). 1546년부터 그는 성 베드로 대성당 건설을 감독했다. 로마의 국회 의사당 앙상블을 만든 Peter. 미켈란젤로의시는 생각의 깊이와 높은 비극으로 구별됩니다.

Michelangelo Buonarroti (1475, Caprese - 1564, Rome), 이탈리아 조각가, 화가, 건축가, 시인, 전성기 르네상스의 주요 거장 중 한 명.

청년. 수년간의 연구

그는 피렌체의 라틴 학교에서 조기 교육을 받았습니다. 그는 Medici Gardens에 Lorenzo Medici가 설립한 예술 학교에서 Bertoldo di Giovanni와 조각, Ghirlandaio와 함께 그림을 공부했습니다. 그는 Giotto와 Masaccio의 프레스코화를 복사하고 Donatello의 조각품을 연구했으며 1494년 볼로냐에서 Jacopo della Quercia의 작품을 알게 되었습니다. 미켈란젤로가 2년 동안 살았던 로렌초의 집에서 그는 나중에 그의 세계관과 창의성에 강한 영향을 미친 신플라톤주의 철학에 대해 알게 되었습니다. 기념비적 인 형태 확대에 대한 매력은 그의 첫 작품 인 "계단의 마돈나"(c. 1491, 피렌체의 Casa Buonarroti)와 "켄타우로스의 전투"(c. 1492, ibid.) 부조에서 이미 분명했습니다.

첫 번째 로마 시대(1496-1501)

로마에서 미켈란젤로는 메디치 정원에 대한 연구를 계속했습니다. 골동품 조각, 그의 풍부한 가소성의 원천 중 하나가되었습니다. 주인의 창조적 성숙의 시작을 증언하는 Bacchus의 골동품 동상 (c. 1496, 피렌체 국립 박물관)과 조각 그룹 "Pieta"(c. 1498-99)는 첫 번째 로마 시대에 속합니다.

피렌체 시대(1501-06). 다윗의 동상

1501년 피렌체로 돌아온 미켈란젤로는 공화국 정부로부터 5.5미터 높이의 다비드상(1501-04, 아카데미, 피렌체)을 만들라는 명령을 받았습니다. Palazzo Vecchio (지금은 사본으로 대체됨) 시청 옆 피렌체 중앙 광장에 설치되어 공화국 자유의 상징이되었습니다. 미켈란젤로는 다윗을 15세기의 거장들처럼 잘린 골리앗의 머리를 짓밟고 있는 연약한 십대로 묘사한 것이 아니라, 전투 전 순간에 자신감과 강력한 힘으로 가득 찬 아름답고 운동 능력이 뛰어난 거인으로 묘사했습니다. terribilita-굉장하다).

동시에 1501-05 년에 Michelangelo는 Leonardo da Vinci의 그림 "The Battle of Anghiari"와 함께 장식해야했던 프레스코 "Battle of Cascine"용 골판지라는 정부의 또 다른 명령을 수행했습니다. 베키오 궁전의 홀. 벽화는 제작되지 않았지만 미켈란젤로의 골판지 스케치가 보존되어 시스티나 천장 그림의 포즈와 몸짓의 역동성을 예고합니다.

두 번째 로마 시대(1505-16)

1505년 교황 율리우스 2세는 미켈란젤로를 로마로 불러 그의 묘비에 대한 작업을 그에게 맡겼다. 미켈란젤로의 프로젝트는 그 당시 이탈리아의 전통적인 벽 묘비와 대조적으로 인간보다 큰 조각상 40개로 장식된 장엄하고 독립된 영묘를 창조하기 위해 제공되었습니다. 이 아이디어에 대한 Julius II의 급속한 냉각과 작업에 대한 자금 지원 중단은 스승과 교황 사이에 다툼을 일으켰고 Michelangelo는 1506 년 3 월에 피렌체로 도전적으로 떠났습니다. 그는 Julius로부터 명령을 받고 1508 년에야 로마로 돌아 왔습니다. II는 시스티나 예배당을 그렸습니다.

시스티나 예배당의 프레스코화

시스티나 천장화(1508-12)의 프레스코화는 미켈란젤로가 실현한 계획 중 가장 장대합니다. 미켈란젤로는 금고의 측면 부분에 12 사도의 형상과 주요 부분의 장식 채우기로 그에게 제안된 프로젝트를 거부하면서 여전히 다양한 해석을 일으키는 자신의 벽화 프로그램을 개발했습니다. 광대한(40.93 x 13.41m) 교황 예배당을 덮고 있는 거대한 금고의 그림에는 창세기의 주제에 대한 금고의 거울에 9개의 큰 구성이 포함되어 있습니다. 금고 측면 밴드의 시빌과 선지자, 거푸집 공사와 루넷의 "그리스도의 조상"주기, 모퉁이의 4 개 작곡은 유대 민족의 기적적인 구원을 주제로합니다. 이 장엄한 우주에 거주하는 수십 명의 장엄한 캐릭터는 거대한 외모와 거대한 영적 에너지를 가지고 있으며 가장 복잡한 제스처, 포즈, 카운터 포스트 및 강력한 움직임이 담긴 각도의 놀라운 풍부함을 보여줍니다.

교황 율리우스 2세의 묘비

Julius II (1513)가 사망 한 후 Michelangelo는 다시 묘비 작업을 시작하고 1513-16 년에 "The Dying Slave", "The Risen Slave"(둘 다 루브르 박물관에 있음) 및 "Moses"라는 세 개의 조각상을 만듭니다. Julius II의 상속인이 반복적으로 수정 한 원래 프로젝트는 구현되지 않았습니다. 그들과 체결한 여섯 번째 계약에 따르면, 1545년 빈콜리의 산 피에트로 로마 교회에 1540년대 초에 만들어진 "모세"와 6개의 조각상이 포함된 2층 벽 묘비가 설치되었습니다. 미켈란젤로의 스튜디오에서.

원래 묘비를 위해 만들어진 "노예"(c. 1520-36, Accademia, Florence)의 미완성 조각상 4개는 미켈란젤로의 창작 방법에 대한 아이디어를 제공합니다. 현대 조각가들과 달리 그는 돌의 두께에서 인물을 추출하는 것처럼 모든면이 아닌 한쪽면에서만 대리석 블록을 가공했습니다. 그의 시에서 그는 조각가는 원래 돌에 숨겨져 있던 이미지만을 풀어놓을 뿐이라고 반복해서 말한다. 긴장된 극적 포즈를 취한 '노예'들은 자신들을 묶고 있는 돌덩어리에서 탈출하려는 듯 보인다.

메디치 예배당

1516년, 메디치가의 교황 레오 10세는 미켈란젤로에게 15세기에 지어진 피렌체의 산 로렌초 교회의 정면을 위한 프로젝트를 개발하도록 의뢰했습니다. 브루넬레스키. 미켈란젤로는 이 메디치 교구 교회의 외관을 "모든 이탈리아의 거울"로 만들고 싶었지만 자금 부족으로 작업이 중단되었습니다. 1520년, 미래의 교황 클레멘스 7세인 줄리오 메디치 추기경은 미켈란젤로에게 산 로렌초 교회의 새 성구실을 메디치 가문의 웅장한 무덤으로 바꾸도록 의뢰했습니다. 이 프로젝트에 대한 작업은 1527-30년 메디치에 대한 봉기로 중단되었고(미켈란젤로는 포위된 피렌체를 3년 동안 방어한 지도자 중 한 명이었습니다) 미켈란젤로가 1534년 로마로 떠날 때까지 완료되지 않았습니다. 그가 만든 조각상은 1546년에야 설치되었습니다.

Medici Chapel은 복잡한 건축 및 조각 앙상블이며 그 비 유적 내용이 다양한 해석을 불러 일으켰습니다. 고대 건축 장식을 배경으로 얕은 틈새에 앉아 로마 황제의 갑옷을 입은 로렌조 공작과 줄리아노 메디치 공작의 동상은 초상화와 닮지 않았으며 아마도 활동적인 삶과 명상적인 삶을 상징합니다. 석관의 그래픽으로 밝은 윤곽은 마치 미끄러질 준비가 된 것처럼 고통스럽고 불편한 자세로 석관의 경 사진 덮개에 누워있는 낮과 밤, 아침과 저녁의 거대한 동상의 플라스틱 힘과 대조됩니다. 미켈란젤로는 마치 밤을 대표하는 것처럼 자신이 쓴 4행시에서 이러한 이미지의 극적인 파토스를 표현했습니다.

내가 잠드는 것은 달콤하고 더 많은 것-돌이되는 것,

수치심과 범죄가 도처에 있을 때:

느끼지 않고 보지 않고-안도.

닥쳐, 친구, 왜 깨워? (A. Efros 번역).

로렌지안 도서관

1520-34 년 피렌체에서 일하는 동안 가소성 증가와 그림 같은 풍부함으로 구별되는 미켈란젤로 건축가의 스타일이 형성되었습니다. Laurentian 도서관의 계단은 대담하고 예기치 않게 해결되었습니다 (프로젝트 c. 1523-34, 미켈란젤로가 로마로 떠난 후 수행됨). 거대한 현관을 거의 완전히 채우고 있는 기념비적인 대리석 계단은 2층에 위치한 독서실의 문지방에서 바로 시작하여 가파른 계단의 좁은 비행으로 출입구 밖으로 흐르고 빠르게 확장되어 세 개의 팔을 형성하고 그냥 내려옵니다. 가파르게; 홀로 올라가는 사람들을 향한 커다란 대리석 계단의 역동적인 리듬은 극복해야 할 일종의 힘으로 인식됩니다.

로마 제3기. "최후의 심판"

1534년 미켈란젤로의 로마 이주로 피렌체-로마 르네상스의 전반적인 위기와 일치하는 그의 작품의 마지막 극적인 시기가 열렸습니다. 미켈란젤로는 시인 Vittoria Colonna의 서클에 더 가까워지고, 이 서클의 구성원을 동요시킨 종교적 쇄신의 아이디어는 그의 세계관에 깊은 각인을 남겼습니다. 시스티나 예배당의 제단 벽에 있는 거대한(17 x 13.3m) 프레스코화 최후의 심판(1536-41)에서 미켈란젤로는 전통적인 도상학에서 벗어나 의인이 이미 죄인과 분리된 심판의 순간을 묘사하지 않습니다. , 그러나 그 시작 : 손을 들어 벌하시는 그리스도는 우리 눈앞에서 멸망하는 우주를 무너 뜨립니다. 시스 티나 천장에서 거대한 인간 형상이 움직임의 원천이라면 이제 그들은 회오리 바람처럼 그들을 능가하는 외부 힘에 의해 휩쓸려갑니다. 캐릭터는 아름다움을 잃고 거대한 몸은 선의 조화를 깨뜨리는 근육 결절로 부풀어 오른 것처럼 보입니다. 절망으로 가득 찬 움직임과 몸짓은 날카롭고 부조화적이다. 일반적인 운동에 이끌려 의인은 죄인과 구별되지 않습니다.

바사리에 따르면 1550년대 교황 바오로 4세. 프레스코화를 무너뜨릴 예정이었지만, 대신 예술가 다니엘레 다 볼테라(Daniele da Volterra)는 성도들에게 "옷을 입히거나" 들보로 벌거벗은 모습을 가리라는 임무를 받았습니다(이 항목은 1993년에 끝난 복원 중에 부분적으로 제거되었습니다).

비극적 인 파토스는 또한 미켈란젤로의 마지막 그림 인 "사도 베드로의 십자가 처형"과 "사울의 몰락"(1542-50, 바티칸 파올리나 채플) 프레스코 화로 가득 차 있습니다. 일반적으로 미켈란젤로의 후기 회화는 매너리즘의 형성에 결정적인 영향을 미쳤다.

후기 조각품. 시

비 유적 솔루션과 조형 언어의 극적인 복잡성은 미켈란젤로의 후기 조각 작품 인 "Pieta with Nicodemus"(c. 1547-55, Florence Cathedral)와 "Pieta Rondanini"(미완성 그룹, c. 1555-64, Castello Sforzesco)를 구별합니다. .

마지막 로마 시대에 우리에게 전해진 미켈란젤로의 거의 200편의 시 대부분은 서로 다른 철학적 깊이언어의 생각과 긴장된 표현력.

성 베드로 대성당 페트라

1546년 미켈란젤로는 성 베드로 대성당의 수석 건축가로 임명되었습니다. 그의 죽음 (1514)까지 4 개의 거대한 기둥과 가운데 십자가의 아치, 부분적으로 본당 중 하나를 지을 수 있었던 Bramante에 의해 건설이 시작된 Peter. Bramante의 계획에서 부분적으로 벗어난 그의 후계자 인 Peruzzi, Rafael, Sangallo 아래에서 건설은 거의 진행되지 않았습니다. 미켈란젤로는 브라만테의 중심 계획으로 돌아가 동시에 모든 형태와 분절을 확대하여 조형력을 부여했습니다. 미켈란젤로는 평생 동안 완성했습니다. 동부 Giacomo della Porta가 사망한 후 세워진 거대한(직경 42m) 돔의 대성당과 현관.

캐피톨 앙상블

미켈란젤로의 두 번째 웅장한 건축 프로젝트는 17세기에야 완성되었습니다. 국회의사당 앙상블. 여기에는 미켈란젤로의 프로젝트에 따라 재건 된 중세 상원 의원 궁전 (시청)과 포탑으로 장식 된 두 개의 장엄한 보수당 궁전이 포함되어 있습니다. 광장 중앙에 설치된 고대 마르쿠스 아우렐리우스의 기마상과 도시의 주거 지역으로 내려가는 넓은 계단이 이 앙상블을 완성했으며, 새로운 로마와 고대 로마 포룸의 웅장한 유적을 연결했습니다. Capitoline 언덕의 다른 쪽입니다.

피렌체의 장례식

미켈란젤로는 듀크 코시모 데 메디치의 거듭된 초청에도 불구하고 피렌체로 돌아가는 것을 거부했습니다. 그의 죽음 이후 그의 시신은 비밀리에 로마에서 꺼내 유명한 피렌체의 무덤 인 산타 크로체 교회에 엄숙하게 묻혔습니다.

공장 미켈란젤로 부오나로티:

“ 다윗 ”

“ 빛과 어둠의 분리 ”

"태양과 달의 창조"

르네상스는 세계 예술사에서 가장 인상적인 페이지 중 하나입니다. 그것은 약 3 세기 (XIV-XVI 세기)를 다룹니다. 고대 세계의 시대(약 500만년), 중세 시대(약 1000년)에 비하면 르네상스는 매우 짧은 기간인 것 같다. 그러나 뛰어난 예술 작품의 수에 따라 그 시대의 거장을 찾는 참신함과 용기 예술적 유산르네상스는 세계 예술 발전의 이전 단계보다 열등하지 않습니다.

이탈리아는 르네상스의 발상지였습니다. 이미 XIV 세기에 위대한 이탈리아 인본주의 시인 Francesco Petrarca (1304-1374)의 작품에서 Rinascimento-르네상스 (프랑스어 "르네상스")의 개념이 나타났습니다.

이 기간 동안 현대 과학의 기초가 마련되었습니다. 높은 레벨독일의 요하네스 구텐베르크가 인쇄술을 발명하면서 이전에는 전례 없는 배포 기회를 얻게 된 문학에 도달합니다. 이때 Christopher Columbus, Copernicus는 발견을하고 위대한 이탈리아 인 Dante, Petrarch, 프랑스 Francois Rabelais, 소설 "Gargantua and Pantagruel"의 저자, Michel Montaigne, 유명한 "Experiments"의 창시자는 그들의 불멸의 작품을 씁니다. . 셰익스피어의 비극, 세르반테스의 "돈키호테"는 인간의 심리학에 대한 깊이있는 침투, 그의 열정과 열망에 대한 지식으로 눈에 띄는 르네상스 시대에 기록되었습니다.

인본주의의 철학적 방향 (라틴어 "humanus"-사람에서 유래)은 르네상스 문화의 이데올로기 적 기반이됩니다. 인간은 다시 "만물의 척도"가 됩니다. 르네상스 미술의 모토는 15세기 이탈리아의 인문주의자가 내포한 말에서 따왔다. 피코 델라 미란돌라(Pico della Mirandola) 백작은 창조주 하나님의 입에서 인간에게 이렇게 말했습니다. "나는 너를 세상의 중심에 두었다..."

로마네스크 및 고딕 문화와 달리 르네상스의 중세 문화는 본질적으로 세속적이었습니다. 주제의 주요 범위는 신화 및 성서 주제와 관련이 있습니다. 르네상스 시대는 인간의 가치를 긍정하는 인본주의의 세계관과 교회 교리에 반대했습니다.

르네상스 예술의 기초 중 하나는 고대 유산에 대한 새로운 이해입니다.

인본주의의 이상은 건축에도 반영됩니다. 건물은 명확하고 조화로운 외관을 얻고 그 비율과 규모는 사람과 관련이 있습니다.

전성기 르네상스 미술의 진정한 창시자는 뛰어난 피렌체인 레오나르도 다빈치(1452-1519)였습니다.

레오나르도의 원고는 그가 위대한 화가이자 조각가였을 뿐만 아니라 건축가, 기계공, 공학자, 식물학자, 해부학자였음을 증언합니다.

다재다능한 사람인 Leonardo da Vinci는 자신을 둘러싼 모든 것에 관심이 있었고 항상 가지고 다니는 공책에 자신의 인상을 적었습니다. "지식에 대한 끊임없는 갈증에 굴복하여 수많은 자연 생물의 기원을 이해하는 꿈을 꿉니다. "라고 그는 자신에 대해 말했습니다. 작가는 평생 동안 다양한 형태의 세상을 자신의 "마음"을 가진 자연의 창조물로 여기고 자연과 예술 사이의 중재자가 될 화가를 요구합니다.