스페인의 음악: 짧은 여담. 스페인의 이벤트와 날씨 르네상스 기악

봉건-가톨릭 반동이 만연한 스페인 음악은 오랫동안 교회의 영향을 받았다. 음악에 대한 반종교개혁의 맹공이 아무리 거세어도 교황권은 이전의 입장을 완전히 되돌리는 데 성공하지 못했다. 확립된 부르주아 관계는 새로운 질서를 지시했습니다.

스페인에서는 르네상스의 징후가 16 세기에 아주 분명하게 나타 났으며 이에 대한 전제 조건은 분명히 더 일찍 나타났습니다. 이미 15세기에 스페인과 이탈리아, 스페인 예배당과 그 일부인 작곡가, 로마의 교황 예배당과 다른 유럽인은 말할 것도 없고 부르고뉴 공작과 밀라노의 스포르차 공작 뮤직 센터. 15세기 말부터 스페인은 알려진 바와 같이 조합 덕분에 역사적 조건(재정복의 끝, 미국의 발견, 유럽 내 새로운 왕조의 유대) 서유럽에서 큰 힘을 얻은 동시에 보수적인 가톨릭 국가로 남아 외국 영토를 점령하는 데 상당한 공격성을 보였습니다. ). 이전과 마찬가지로 16 세기의 가장 큰 스페인 음악가들이 교회를 섬기고있었습니다. 당시 그들은 확립된 전통을 가진 네덜란드 다성음악 학교의 영향을 경험하지 않을 수 없었다. 이 학교의 저명한 대표자들이 한 번 이상 스페인을 방문했다고 이미 알려져 있습니다. 반면에 스페인 거장들은 스페인을 떠나 로마에서 작업할 때 거의 예외 없이 이탈리아와 네덜란드 작곡가들을 끊임없이 만났다.

거의 모든 주요 스페인 음악가들은 조만간 교황 예배당에서 자신을 발견하고 그 활동에 참여하여 정통 표현에서 엄격한 다 성음의 뿌리 전통을 더욱 확고하게 마스터했습니다. 그의 나라 밖에서 유명한 가장 큰 스페인 작곡가 인 Cristobal de Morales (1500 또는 1512-1553)는 1535-1545 년 로마의 교황 예배당 회원이었으며 그 후 그는 톨레도의 메트리자를 이끌었고 말라가의 대성당 예배당을 이끌었습니다. .

Morales는 대중, 모테트, 찬송가 및 기타 성악가의 주요 다 성음 연주자였습니다. 합창 작품. 그의 작업 방향은 스페인 토착 전통과 당시 네덜란드와 이탈리아의 다성적 숙달의 종합을 기반으로 형성되었습니다. 수년 동안(1565-1594) 로마 최고의 대표자로 살면서 일했습니다. 다음 세대스페인의 거장 Thomas Luis de Victoria(c. 1548-1611)는 전통적으로 Palestrino 학파에 속하지만 너무 정확하게는 아닙니다. 작곡가, 가수, 오르간 연주자, 밴드 마스터, Victoria는 네덜란드보다 Palestrina에 더 가까운 엄격한 스타일의 아카펠라 폴리포니로 미사, 모테트, 시편 및 기타 영적 작곡을 만들었지 만 여전히 Palestrinosa와 일치하지는 않습니다. 스페인 마스터는 덜 엄격한 구속을 가졌습니다. 그리고 더 많은 표현. 또한 빅토리아의 후기 작품에는 다중 합창단, 콘서트 공연, 음색 대비 및 기타 혁신을 선호하여 "팔레스타인 전통"을 깨고 자하는 욕구도 있으며, 이는 베네치아 학교에서 유래했을 가능성이 더 큽니다.

주로 종교 음악 분야에서 일했던 다른 스페인 작곡가들 역시 우연히 로마에 있는 교황 예배당의 임시 가수였습니다. 1513-1523 년에 A. de Ribera는 1536 년부터 예배당의 회원이었습니다. B. Escobedo는 1507-1539 년에 그곳에서 가수였습니다-X. Escribano, 조금 후에-M. Robledo. 그들 모두는 엄격한 스타일로 다성 성악을 썼습니다. 프란시스코 게레로(1528-1599)만이 항상 스페인에서 살면서 일했습니다. 그럼에도 불구하고 그의 미사, 모테트, 노래는 국외에서도 성공을 거두었고 종종 기악 편곡의 재료로 류트와 비우엘리 연주자들의 관심을 끌었습니다.

당시 스페인에서 가장 흔했던 세속적 성악 장르는 Villancico-genus의 다성 노래였으며, 때로는 더 다성적이며 때로는 더 자주 동음이의에 끌렸습니다. 그러나 이 장르의 본질은 기악과 분리하지 않고 논의되어야 한다. 16세기의 빌란시코는 비우엘라나 류트를 반주하는 노래로, 주요 연주자가 선택한 악기를 위한 작곡가가 만든 곡입니다.

그리고 수많은 빌라시코와 일반적으로 스페인의 일상 음악에서 국가 멜로디는 비정상적으로 풍부하고 독특합니다. 독창적이며 이탈리아, 프랑스 및 훨씬 더 독일 멜로디와의 차이점을 유지합니다. 스페인 멜로디는 수세기 동안 이러한 특성을 지니고 있으며, 우리 시대에 이르기까지 국내뿐만 아니라 외국 작곡가들의 관심을 끌었습니다. 억양 구조가 독특할 뿐만 아니라 리듬이 매우 독창적이고 장식과 즉흥적인 방식이 독창적이며 춤 동작과의 연결이 매우 강합니다. 위에서 언급한 Francisco de Salinas "Seven Books on Music"(1577)의 광범위한 작업에는 주로 리드미컬한 측면에서 박식한 음악가의 관심을 끌었던 많은 카스티야 멜로디가 포함되어 있습니다. 때때로 3분의 1 범위만 포함하는 이 짧은 선율 조각은 리듬 측면에서 놀랍도록 흥미롭습니다. 다양한 맥락에서 빈번한 실신, 리듬의 급격한 단절, 기본 운동의 완전한 부재, 일반적으로 리듬감의 지속적인 활동, 그것! 동일한 특성이 세속적 보컬 장르, 특히 viljancico 및 vihuela가 수반되는 기타 다양한 노래에 의해 민속 전통에서 채택되었습니다.

스페인의 기악 장르는 안토니오 데 카베종(1510-1566)이 이끄는 오르간 작곡가의 작품과 무수히 많은 작품을 가진 뛰어난 비우엘리스트의 전체 은하계로 광범위하고 독립적으로 표현됩니다. 다양한 기원의 보컬 멜로디 (민요와 춤에서 영적 구성에 이르기까지). 우리는 일반적인 발전에서 그들의 위치를 ​​결정하기 위해 르네상스의 기악에 관한 장에서 특별히 그들에게 돌아갈 것입니다.

스페인 뮤지컬 극장 역사의 초기 단계도 16세기에 속하며, 시인이자 작곡가인 후안 델 엔시나(Juan del Encina)의 주도로 이전 세기 말에 시작되어 연극의 극장특별히 의도 된 행동 장소에 음악이 많이 참여합니다.

마지막으로 스페인 음악가들의 과학적 활동에 주목할 필요가 있는데, Ramis di Pareja는 그의 이론적 견해의 진보성으로 이미 높이 평가되었고 Francisco Salinas는 그 당시 독특했던 스페인 민속에 대한 고려로 이미 높이 평가되었습니다. 또한 다양한 악기의 연주 문제에 자신의 작업을 바친 여러 스페인 이론가에 대해서도 언급하겠습니다. 작곡가, 연주자 (첼로-베이스 비올 다 감바), 밴드 마스터 Diego Ortiz는 로마에서 그의 "Treatise on Glosses"1553을 출판했습니다. 가장 상세한 방법으로앙상블(바이올론과 하프시코드)의 즉흥 변주 규칙을 입증했습니다. 오르간 연주자이자 작곡가인 Thomas de Sancta Maria는 바야돌리드에서 "The Art of Playing Fantasy"(1565)라는 논문을 발표했습니다. 오르간에 대한 즉흥 연주 경험을 체계적으로 일반화하려는 시도입니다. Grenada (1555)는 악기 및 연주에 대한 정보 외에도 음악 작문에 대한 몇 가지 질문 (특히 다 성음의 과부하에 반대했습니다)을 다루었습니다.

따라서 스페인 음악 예술 전체(이론과 함께)는 의심할 여지 없이 16세기에 르네상스를 경험했으며, 이 단계에서 다른 국가와의 특정한 예술적 유대와 스페인의 역사적 전통과 사회적 근대성으로 인한 중요한 차이점을 모두 드러냈습니다. 그 자체.

모스크바 주립 음악원. P.I. 차이코프스키

계측학과

원고로

BAYAKHUNOVA 레일라 바키로브나

XIX의 러시아와 프랑스의 음악 문화에서 스페인의 이미지 - XX 세기의 첫 번째 3 분의 1.

스페셜티 17.00.02 - 뮤지컬 아트

1998년 모스크바

이 작업은 P.I.의 이름을 딴 모스크바 국립 음악원 계측부에서 수행되었습니다. 차이코프스키.

감독자 - 공식 상대 -

리드 조직 -

미술사 박사 Barsova I.A.

미술사 박사, Tsareva E.M.

미술사 박사 Shakhnazarova N.G.

M. Glinka의 이름을 딴 Nizhny Novgorod State Conservatory.

방어는 "....."....... 1998에서 ........ 시간에 일어날 것입니다

P.I. Tchaikovsky (103871, Moscow, B. Nikitskaya st., 13)의 이름을 딴 모스크바 국립 음악원에서 학위 수여에 관한 전문 협의회 D. 092. 08. 01 회의.

논문은 모스크바 국립 음악원 도서관에서 찾을 수 있습니다. P.I. 차이코프스키.

전문 위원회의 과학 비서관

모스크바 Yu.V.

작업에 대한 일반적인 설명

주제의 관련성.

인도 주의적 지식에서 가장 중요한 것 중 하나 인 문화 간 상호 작용 문제는 19 세기-20 세기 1/3에 러시아와 프랑스의 음악 예술에서 구현 된 스페인 테마의 예에 대한 논문에서 해결됩니다. 사용 가능한 과학 문헌은 주로 외국 자료로 전환한 특정 작곡가의 음악 스타일과 관련된 요점을 다룹니다. 그러나 우리가 선택한 측면은 현대 음악학에서 점점 더 그 위치를 강화하고 있는 다른 문화학적 관점에서 스페인 테마의 역할을 볼 수 있게 해줍니다.

연구의 목표와 목적은 미적, 예술적 관점과 작곡가 기법을 통한 구체적인 구현 사이의 관계에서 스페인 주제 반영의 본질을 이해하는 것입니다. 스페인 요소와 개별 작곡가의 스타일 간의 관계 관점에서 선택한 샘플을 분석합니다. 이물질에 눈을 돌린 작곡가의 창작 실험실에 침투해 보세요. 따라서 한 곡에서 작곡가와 민속의식의 '만남'에 주목한다.

방법론적 작업. 논문은 비교 연구 방법을 사용합니다. 한편으로는 분석된 각 작품에서 예술적 솔루션의 개별성과 다른 한편으로는 주제의 공통성이 우리를 허용합니다. 전선비교를 위한 측면. 저자는 일부 현상을 다른 현상과 기계적으로 비교하는 것뿐만 아니라 러시아와 프랑스가 스페인 문화와 직접 화해하고 그들 사이의 러시아와 프랑스 문화에서 발견되는 가능한 교차점, 열린 영향을 식별하려고 합니다. 비교 방법은 논문에서 두 가지 측면에서 사용됩니다.

a) 스페인 민속음악과 전문 작곡가의 작품에 반영

b) 러시아와 프랑스에서 스페인어 주제에 대한 다른 해석(미적 인식, 음악 언어의 특징 또는 연속성 특징).

과학적 참신함. 명시된 문제에 대한 총체적 관점을 통해 단일 작업과 관련된 사실 또는 문제에 대한 진술을 넘어 전체적으로 내재된 기능을 식별하고 마지막으로 전체를 통해 여러 가지 교차 아이디어를 수행할 수 있습니다. 예술적 샘플 연구로 촉발 된 연구. 다양한 측면에서 스페인 음악에 대한 관심은 스페인 민속에 대한 생각의 심화를 요구했습니다. 우리가 사용하는 비교 방법을 통해 스페인 민속이 작곡가의 개별 스타일에 침투하는 메커니즘을 발견할 수 있습니다.

허가. 작업의 실질적인 가치. 이 논문은 모스크바 음악원 계측부 회의에서 논의되었으며 방어를 위해 추천되었습니다(1997년 12월 19일). 이 논문은 러시아의 역사 과정에 유용할 수 있습니다. 외국 음악, 민속학, 문화 연구, 비 유럽 국가의 음악, 오케스트라 스타일의 역사 및 추가 과학 연구.

작업의 구조 및 범위. 논문은 서론, 4개의 장 및 결론, 노트, 참고 문헌 목록 및 음악적 예문으로 구성됩니다. 첫 번째 장은 유럽 문화에서 스페인의 이미지에 할애됩니다. 두 번째 제목은 “스페인 민속의 일부 특징입니다. 러시아와 서유럽 음악 문화에 대한 인식. 세 번째와 네 번째는 러시아와 프랑스 음악의 스페인 테마에 전념하며 개별 작곡의 예에서이 문제를 고려하는 여러 섹션으로 구성됩니다.

소개는 논문의 범위, 작업 및 자료를 정의합니다. 연구 주제는 비교 문학의 문제와 관련이 있습니다. 주요 영역 중에서 루마니아 문학 평론가 A. Dima는 로마, 베니스, 이탈리아, 피레네 산맥 등 세계 문학에서 가장 자주 발견되는 지리적 장소와 관련된 주제 범주를 골라냅니다. "죽은 도시"의 이미지, 베니스 , 예를 들어 비극 T. Otuela "Saved Venice or Revealed Conspiracy", G. von Hofmannsthal ( "Saved Venice"), T. Mann의 이야기 "Death in Venice", A. Barres가 번역 및 수정 의 여기에 머무는 것에 대해 이야기 한 "Amori et dolori sacrum"이라는 작품. 괴테, 샤토브리앙, J.G. Byron, A. de Musset, J. Sand, R. Wagner. "우리는 장소의 정체성이 주제의 정체성을 주장하는 근거를 제공한다고 생각하는 것과는 거리가 멀다. (...) 영적 분위기의 영향을 받은 동기만이 공통적으로 남아 있다. 이탈리아의 도시각 영웅 또는 작가에 대해".

유럽 ​​문화에서 스페인의 이미지는 이 범주의 주제에 대해 잘 알려진 비유를 제공합니다. 그러나 여기에도 몇 가지 특징이 있습니다. 유럽인들에게, 특히 음악가들에게는 스페인어가 무엇인지 정의하기가 상당히 어려웠습니다. 많은 음악 방언이 있는 스페인의 민속 예술은 음악 언어의 강력한 독창성을 포함하고 있어 다른 전통에서 태어난 유럽 예술은 종종 그것을 완전히 관통할 수 없으며 완전히 진정성 있게 반복할 수 없습니다. 그 이유는 종종 특정 기호의 진부한 표현으로 대체되는 유럽 의식과 양육을 가진 사람을 허용하지 않는 주제의 깊이 때문입니다.

질문의 본질은 이 각각의 작품에서 "두 마음"의 존재와 만남에 있다. 문학과 관련하여 표현된 M. Bakhtin의 아이디어는 음악을 포함한 일반적으로 창의성에 더 광범위하게 적용될 수 있다고 생각합니다. 만약에 대중 의식전문가를 이해하려는 희망으로 자신을 아첨하지 않았고, 반대로 두 번째 (전문가, 작곡가)는 접근 가능한 장르와 형식의 민속을 적극적으로 마스터하여 많은 솔루션, 개인을 발견합니다.

실제 "해킹"( "두 번째 의식의 무진장성, 즉 이해하고 반응하는 의식; 여기에는 대답, 언어, 코드의 잠재적 무한대가 포함되어 있습니다. 무한대에 대한 무한대"-Bakhtin에 따르면). 그 결과는 객관적으로 존재하는 불용성 모순이며, 해결 방법은 경우에 따라 다릅니다. 유럽인의 청각 경험에서 스페인의 이미지 인 특정 "제 3의"본질이 발생합니다.

1장에서는 음악적 전통을 비롯한 유럽의 문화를 넘어선 유럽의 특별한 민족문화적 지역인 스페인의 이미지를 살펴본다. 유럽 ​​대륙의 최남단에 위치한 이 나라가 매력적인 이유는 여러 가지입니다. 유럽과 많은 스레드로 연결됨(종교, 언어, 상태 구조, 교육), 스페인은 동시에 아랍, 유대인, 집시와 같은 동양 문화의 일부 기능을 흡수했습니다. "모든 유럽 국가는 우리 대륙의 가장자리에 있고 이미 아프리카와 접해있는이 나라보다 덜 다릅니다." -I. Stravinsky가 썼습니다. 스페인은 문명화된 이국주의 국가인 유럽 내에서 수수께끼였습니다. 위치는 유럽이지만 본질과 정신은 상당히 다릅니다.

유럽 ​​문화에서 스페인에 대한 인식은 나름의 특징이 있었다. 유럽 ​​예술가들에게 가장 매력적인 것은 스페인 남부의 문화였습니다. 이국적인 모습을 지닌 안달루시아는 다양한 문화 전통의 영향을 흡수 한 독특한 문화였습니다. 이것은 Merimee와 Gauthier, Dumas와 Musset, Hugo와 Chateaubriand와 같은 프랑스 작가의 작품에서 대부분의 경우 스페인 문화가 나타나는 방식입니다.

스페인의 얼굴, 모양 프랑스 문학러시아에서 그것에 대한 아이디어에 영향을 미쳤습니다. 언뜻보기에 스페인 문화 동화의 분열 : 러시아 -> 스페인 또는 프랑스 -> 스페인 - 끊임없이 덕분에 종종 삼각형으로 판명되었습니다. 기존 연결러시아 -> 프랑스. 시간이 지남에 따라 프랑스 문화는 예를 들어 스페인 이미지의 인식과 동화, 특히 푸쉬킨 스페인의 특징을 결정하는 중개자로 한 번 이상 밝혀졌습니다.

True Spain은 지난 세기의 1840 년대에 프랑스보다 조금 늦게 러시아 사람들의 눈에 열립니다. 러시아 작가 V.P. 의 여행과 같은 해에 수행 된 Glinka의 여행. Botkin 또는 안무가 M. Pstip은 러시아 지식인 사이에서이 나라에 대한 일반적인 열정을 배경으로 자연스럽게 보입니다. 똑같이 특징적인 것은 파리를 통해 스페인으로 가는 길인데, 이 길은 단지 편리한 경로가 아니라 많은 스페인 여행이 구상되고 출발한 곳이 되었습니다.

19세기 후반에 스페인 테마가 프랑스 회화(G. Dore의 판화, E. Manet의 그림) 음악에서 변함이 없습니다.

시간이 지남에 따라 이 나라의 문화에서 영감을 받은 안정적인 테마와 이미지가 유럽 문화에서 발전했습니다. 예를 들어 Carmen의 이미지는 M. Vrubel, K. Korovin의 그림, K. Balmont 및 A. Blok의 시적주기에 등장하는 러시아 문화에서 강력한 반향을 받았습니다. 음악에서 일정하게 된 이미지 중에는 휴일, 카니발 및 신비로운 시원한 밤의 프리즘을 통한 Ispachi가 있습니다.

스페인에서 보낸 시간은 많은 여행자들에게 인생에서 가장 행복한 순간 중 하나, 역경을 잊는 시간, 충만한 삶에 몰입하는 시간, 영원한 휴가가 되었습니다. 이 모든 것이 음악에서 스페인의 가장 안정적인 이미지, 즉 휴일과 카니발의 이미지를 불러 일으켰습니다. 러시아와 서유럽 작곡가들은 특히 음악, 노래, 춤과 분리할 수 없는 스페인 생활의 이런 측면에 매료되었습니다. 휴일(축제)의 문화는 스페인에서 특별한 위치를 차지합니다. 대부분의 공휴일은 중세, 르네상스, 바로크 시대의 종교 축제에 기원을 두고 있습니다. 공휴일의 기본은 교회 예배의 출발입니다. 스페인의 거의 모든 휴일은 행렬, 게임과 함께 술에 취해 쾌활했습니다. 민속 오케스트라그리고 앙상블.

Glinka의 "Spanish Overtures"의 시작은 Rimsky-Korsakov ( "Spanish Capriccio"), 차이코프스키와 Glazunov의 다채롭고 변덕스러운 춤, Stravinsky의 오케스트라 작품 "Madrid"에서 계속되었습니다. Vise의 Carmen, Chabrier의 España, Debussy의 Iberia의 일부 및 Ravel의 Spanish Rhapsody에서 같은 선을 추적할 수 있습니다.

음악에서 인기있는 또 다른 이미지는 휴일의 주제 인 남부와 밀접한 관련이 있습니다. 여름 밤.

두 번째 장“스페인 민속의 일부 기능. 러시아와 서유럽 음악 문화에 대한 인식.

유럽의 음악가들은 카스티야, 바스크 지방, 아라곤, 아스투리아스 등 스페인의 여러 지방의 민속을 받아들였습니다. "스페인"음악 스타일의 기초를 형성 한 안달루시아 민속과는 달리 각각의 발전은 고르지 않았고 때로는 단일 캐릭터를 가졌습니다.

스페인 음악에 대한 음악가 (Glinka에서 Debussy 및 Stravinsky까지)의 진술에서 "아랍어"또는 "무어"의 정의가 종종 발견됩니다. 분명히 그들은 아랍어(안달루시아 전통)가 아니라 단순히 많은 샘플을 어려움 없이 들을 수 있는 남부 스페인 음악으로 이해해야 합니다. 오리엔탈 풍미. 그럼에도 불구하고 "Spanish Overtures"의 에피소드 중 하나를 통해 Glinka가 안달루시아 앙상블 음악 제작의 색상을 재현했다고 가정 할 수 있습니다. 스페인 여행과 북아프리카 A. 글라주노프.

유럽 ​​음악가들이 듣는 또 다른 민속 층은 cante hondo(깊은 노래) 스타일입니다. Kange Hovdo의 비 유적 내용에는 매우 비극적이고 표현적인 이미지가 우세합니다. Kange hondo는 보컬 스타일의 연주와 분리할 수 없는 솔로 예술입니다. 이 기능은 Glinka, Chabrier, Debussy의 진술에서 언급되었습니다.

플라멩코 인 안달루시아의 또 다른 민속 층은 유럽 뮤지컬 스페인 아나에서 더 접근하기 쉽고 개발되었습니다. 플라멩코 스타일은 손의 유연한 움직임, 신체의 유연한 회전 및 복잡한 발 기술을 기반으로 하는 춤과 분리할 수 없습니다. 플라멩코에서는 어떤 방식으로든 참석한 모든 사람이 공연에 참여하기 때문에 공연자와 청취자 사이의 일반적인 구분이 없습니다.

스페인 음악 민속과 그 비 유적 영역은 전체적으로 유럽 음악적 귀에 접근하기 어려운 것으로 판명되었습니다. 변종 변동성과 파악하기 어려운 풍부함

안달루시아 음악의 리드미컬한 변형, 소극성 및 특정 하모니는 종종 전문 작곡가의 창의성에 대한 확립된 규범과 충돌했습니다. 이로 인해 스페인 음악의 개별 요소만이 유럽 예술에 도입되었으며, 시간이 지남에 따라 이 국가와 관련된 청각적 협회로서 유럽 청취자의 마음에 고정되었습니다. 그중에는 개별 댄스의 리듬 공식 사용, 기타 텍스처 모방, "mi"모드에 대한 호소가 있습니다. 이 모드의 특징은 주로 Phrygian과 일치하며 케이던스에 필수 메이저 트라이어드가 있고 멜로디의 두 번째 및 세 번째 단계가 "변동"한다는 것입니다. 때로는 자연스럽고 때로는 고양됩니다.

동시에 스페인에는 음악적 특징이 cante jondo 및 플라멩코 샘플과 같은 유럽 음악적 사고와 날카로운 충돌을 일으키지 않는 다른 민속 샘플이 충분합니다. 온음계 선율과 명료한 리듬, 선율의 대칭적 구조와 화성적 특성이 특징이다. 예를 들어, 음색이 지배적 인 하모니를 기반으로 한 조타입니다.

세 번째 챕터 "러시아 작곡가들의 음악 속의 스페인"은 글린카의 스페인 서곡 섹션으로 시작됩니다. Glinka의 파리 인상에 대한 관심은 미래의 "Spanish Overtures"의 모습을 결정하는 데 중요한 역할로 설명됩니다. Berlioz의 음악과의 접촉, 그것이 Glinka에 남긴 큰 인상, 악보에 대한 주의 깊은 연구와 결합하여 Glinka는 그의 동시대 유럽 창의성의 성취에 대한 이해를 확장했을 뿐만 아니라 색채 오케스트레이션 분야. 서곡의 질감 특성에 대한 세부적인 세부 사항, 다양한 음색의 원래 혼합 검색, "서라운드"에 대한 관심, 틈새와 관련된 공간 사운드 및 색채 효과, 모든 개성에 대한 서곡의 기타 여러 기능 , 프랑스 마스터의 업적을 창의적으로 구현하는 것을 볼 수 있습니다.

Felicien David Glinka의 ode-symphony "Desert"에서 프랑스 오리엔탈리즘의 첫 번째 예 중 하나를들을 수 있습니다. 이다-

아랍 동부 여행 중에 녹음 된 테마 사용, 그림 음악의 특정 억양을 전달하려는 시도도 당시 Glinka의 관심사를 충족했습니다. 콘서트 중 파리 관객을 보면서 작곡가는 전문성과 화려 함 및 접근성을 결합하여 민속 자료를 기반으로 생생한 "그림 같은 환상"을 만들어내는 아이디어를 내놓았습니다.

민속 음악의 직접적인 영향을 받아 스페인에서 작곡된 첫 번째 서곡은 Aragonese jota에게 헌정되었습니다. 점차적으로 스페인의 다른 지역의 민속을 발견하고 다양한 음악적 방언을 들으면서 Glinka는 점차 스페인의 여러 지방의 음악을 하나의 구성으로 결합하여 "음악적 초상화"를 재창조하는 아이디어에 도달했습니다(이 경우 - 아라곤, 카스티야, 안달루시아).

춤의 구조를 엄격히 따르지 않고 작곡가는 Aragonese Jota에서 이 장르의 특징인 보컬 및 기악 원칙의 교대를 유지합니다. Glinka는 하나의 테마가 아니라 여러 테마를 사용하여 이 장르의 일반화된 초상화를 제공할 수 있습니다. Aragonese jota의 첫 번째 공연에서 얻은 음색 효과는 가능한 민속 원형, 즉 bandurrias와 기타의 앙상블 연주를들을 수있게합니다.

작곡가에 따르면 스페인에서의 그의 연구의 주요 목적은 "무어 인의 통치하에있는 지방의 음악"이었습니다. 아마도 Glinka는 두 번째 "Spanish Overture"의 "Moorish episode ( "Risho togipo")에서 이것을 포착하여 아랍 안달루시아 음악 전통의 샘플을 어떻게 든들을 수있었습니다. Glinka의 헤테로포니는 아랍 음악의 단조로운 사고와 앙상블 음악 제작에 대한 관찰, 그가 이번 에피소드에서 재현한 특정한 색채에서 비롯되었을 가능성이 있습니다.

서곡 "마드리드의 여름밤의 추억" 형식의 특징은 고전적인 건축 원리로부터의 외부 독립과 원래의 적응의 조합입니다. 파리 인상의 결과로 발생한 형식에 대한 새로운 요구 사항, 건전한 인상에 대한 관심 및 작곡의 특이한 아이디어는 곡의 변화를 예측할 수 없음, 주제의 출현과 같은 속성으로 이어집니다. 시작하는

중간부터 거울 재현 등 이 서곡의 본질

간결함, 간결함, 섬세한 글, 모든 순간과 세부 사항에 대한 사려 깊음.

"Spanish Overtures"의 오케스트레이션 문제를 언급하면서 저자는 우선 이러한 작품의 혁신적인 특징을 드러내는 순간에 대해 이야기합니다. "스페인 서곡"의 악보는 고전 및 현대 관현악 작문 기술의 숙달을 증명합니다. 그러나 "스페인 서곡"의 놀라운 특성 중 하나는 유럽 오케스트레이션의 전통적인 기법을 극복하려는 열망입니다. 그것들의 조직적 특징은 민속에 대한 작가의 미적 태도와 밀접한 관련이 있습니다.

이 작업의 오케스트레이션에서 주요 텍스처 유형

하모닉 언더톤, 페달 또는 대위법이 있는 테마로 표현되는 1-음성, 옥타브 및 다중 옥타브 ushgeons, 2-음성. 전통적인 유럽 관현악 작문법에서 벗어나 민속악기 연주법에 접근하려는 노력의 일환이다. 그래서 두 번째 "Spanish Overture"의 jota에서 기타 목을 따라 엄지 손가락을 미끄러지는 효과를들을 수 있습니다 (bariolage 기법). 요약에서 바이올린의 맥동하는 페달은 열린 현 소리와 닫힌 현 소리가 번갈아 가며 기타 피킹을 에뮬레이트하고 다운 스트로크에서는 더 밝은 톤이, 업 스트로크에서는 덜 풍부합니다.

불행히도 "스페인 서곡"의 사인, 초안 또는 스케치는 보존되지 않았습니다. 신원이 확인되지 않은 개인이 손으로 쓴 사본이 몇 개만 존재합니다. 그중 3개는 글랭가 펀드에 보관! 상트페테르부르크의 러시아 국립 도서관에서. 이들은 "Jota of Aragon"(f. 190, no. 6)의 악보와 "Memories of Castile"1의 두 부입니다. 그중 하나는 A. Lvov(f. 190, no. 27)에 대한 Glinka의 헌신이 있고, 다른 하나는 저자 V. Stasov 및 V. Engelhardt(f. 190, no. 26)의 메모가 있는 미확인 사람의 원고입니다. ). 두 원고 모두 1852년으로 거슬러 올라갑니다. 공동

1 V. Engelhardt에게 보낸 편지에서 그는 자신의 작품을 "마드리드 여름 노트의 회상"이라고 불렀고, 알려진 모든 원고에서 Glinka는 초판과 일치하는 제목을 자신의 이름으로 내놓았습니다 ( "카스티야의 회상") ).

V. Shebalin이 주립 박물관의 기록 보관소에서 한 번에 발견한 이 서곡 초판의 손으로 쓴 사본(악보 및 오케스트라 음성)도 있었습니다. 음악 문화 Glinka (f.49; No. 4)의 이름을 따서 명명되었으며 작곡가 전집의 두 번째 볼륨으로 출판되었습니다.

이 작품의 저자는 파리 국립 도서관 음악 부서의 "스페인 서곡" 사본도 보유하고 있습니다(M8.2029, Mb.2030). 그것은 관하여글린카가 1855년 상트페테르부르크에서 그의 스페인 친구 두 페드로가 파리로 떠나기 전 손으로 쓴 사본에 대해. 1855년에 작성된 이 원고는 저자의 최종 창작 의도를 드러내는 데 가치가 있습니다.

모든 세부 사항의 원본 텍스트는 들리지 않으며 게시되지 않았습니다. 예외는 Complete Works (vol. 2, M., 1956)에서 V. Shebalin의 의견이 포함 된 서곡의 출판입니다. 현대 음악가들은 주로 M. Balakirev 및 N. Rimsky-Korsakov (Jurgenson 발행, 모스크바, 1879); N. Rimsky-Korsakov 및 A. Glazunov (1901 년 라이프 치히 Belyaev 발행, M. Balakirev 및 S. Lyapunov (1904 년 모스크바 Jurgenson 발행).

모든 편집자는 원본 텍스트를 주의 깊게 다루었으며 변경 사항은 주로 획, 템포 및 강약과 관련하여 언뜻 보기에는 중요하지 않은 것처럼 보일 수 있습니다. 두 번째 서곡의 열린 질문 중 하나는 캐스터네츠 사용 문제입니다. "Memories of a Summer Night in Madrid"에서 악보의 첫 페이지에 코드로 악기 이름을 적었던 Glinka는 실제로 사용하지 않습니다. 그럼에도 불구하고 모든 편집자는 캐스터네츠를 스페인어의 필수 "속성"으로 간주하여 악보에 포함합니다. 그러나 열린 장르주의에서 벗어나이 서곡에서 아이디어를 개선함으로써 Glinka는이 악기를 거부하는 것이 당연합니다. 그 기능은 삼각형이 가벼운 "은색"음향으로 수행합니다.

필사본을 보면 서로 다른 오케스트라 파트 간의 아티큘레이션 특성의 차이가 일제히 드러납니다.

그리고 헤테로포닉 에피소드. 두 번째 "Spanish Overture"의 "Moorish episode"에서 일치하는 목소리는 각각 서로 일치하지 않는 다른 리그로 인해 고유한 조음이 있습니다. 이 조음의 가능한 소스는 스페인 음악 자체입니다. 이것은 민속 음악을 만드는 과정에서 무의식적으로 발생하는 불균일성, 약간의 거칠기를 조화에 부여합니다. 두 번째 세귀디야의 합창도 다른 획을 갖는다. 모든 에디션에서 Glinka의 획이 매끄럽고 균일해졌습니다.

두 "Spanish Overtures"는 스페인 음악에 대한 신중한 연구, 자연, 공간, 색상, 세련된 작곡 기술 및 스페인 주제에 대한 작가의 독창성을 결합했습니다.

Rimsky-Korsakov의 "Spanish Capriccio"(챕터의 두 번째 섹션)는 스페인 작곡가 José Insenga의 컬렉션 "Ecos de España"에서 빌린 멜로디를 기반으로 합니다. Rimsky-Korsakov의 노트가 포함된 컬렉션의 가장 희귀한 사본은 St. Petersburg의 미술사 연구소에 있습니다(f. 28; G-273) 2 .

Glinka와 달리 Rimsky-Korsakov는 스페인 민속의 지역적 차이를 중요시하지 않았습니다. 스페인이 그에게 통일된 것으로 보였을 가능성이 있습니다. Glinka 이후 여러 가지 대조되는 주제를 선택하면서 그는 멜로디 밝기, 이미지, 오케스트라 개발 가능성 등과 같은 다른 고려 사항에 따라 스페인의 여러 지방의 민속을 재현하려고 하지 않았습니다. 따라서 아마도 그는 Asturian 노래 섹션 (Alborada, Dansa prima 및 Fandango asturiano)과 Andalusian (Canto gitano) 섹션의 세 가지 멜로디를 Capriccio에서 쉽게 결합합니다.

민속 주제로 작곡가 작업의 원리를 요약하면 다음과 같은 결론을 내릴 수 있습니다. Rimsky-Korsakov 보존

1 작품의 진정한 사인이 없기 때문에 예를 들어 복사자의 부정확성과 같은 점을 고려하여 Glinka의 혁신에 대해 매우 신중하게 말해야 합니다.

2 컬렉션의 발견과 첫 번째 설명은 E. Gordeeva에 속합니다(sg. "Folklore sources" Antara "and" Spanish capriccio ", SEE, 1958 No. 6).

일부 테마의 비직각성(Alborada)이나 마지막 소리에서 긴 멈춤(canto gitano) 등의 특징을 없애고 Insenga의 처리 기술을 적극 활용합니다. 그러면서도 자신만의 방식으로 민족적 요소를 강화한다. 따라서 "카프리치오"의 음조 계획은 모드 "mi"(소리 "la"에서 유래)의 구조와 표현 가능성에 의해 조절되며, 이는 네 번째 악장의 기초가 되고 전체 작업에 대한 가능성의 붕괴를 투사합니다(귀환 예를 들어 B-dur 키의 "Alborada"(Zch.)는 Capriccio A-dur의 기본 키와 관련하여 이 모드에 대한 I-Ilb의 특징적인 조합 중 하나를 형성합니다.

I. Stravinsky의 처음 두 번의 스페인 여행 (1916, 1921) (챕터의 세 번째 섹션)은 작곡가와 Sergei Diaghilev 극단의 창의적인 협력과 관련이 있습니다. 앞으로 작곡가는 반복적으로 스페인을 방문했습니다.

스페인 테마에 대한 호소는 Stravinsky에게 기존 전통의 연속이되었습니다. , 그의 비교할 수 없는 "Aragonese Jota" 및 "A Night in Madrid"와 함께 - 나는 이 전통을 즐기고 경의를 표했습니다. 그 결과 1915년에 네 손으로 쓰여진 "피아노를 위한 5개의 쉬운 작품"의 "Española"가 나왔습니다(출판됨). 1917년), 나중에 오케스트레이션되어 First Suite(1917-1925), Etude "Madrid"(1917)에 포함되었으며 특히 피아노를 위해 제작되었으며 런던의 Aeolian 회사에서 롤러 형태로 출시되었습니다. 1929년 Stravinsky 교향악단을 위한 4개의 연습곡을 포함하여 편곡했습니다.

저자에 따르면 연극 "마드리드"는 "기계 피아노와 주크 박스에서 연주되고 작은 밤 선술집 인 마드리드 거리에서 들리는 재미 있고 특이한 멜로디 조합"에서 영감을 받았습니다. 원래 아이디어는 연극의 일반적인 정신을 결정했으며 저자는 관찰 대상에 대한 낭만적으로 열정적 인 태도와는 거리가 멀었습니다. 스페인의 이미지는 다소 객관적이고 도시화되었습니다. 동시에 그가 전통을 이어온 전임자들을 회상하는 순간도 있습니다.

첫 번째 주제는 "낮은 가슴 목소리와 끝없는 호흡으로 가수가 부르는 스페인의 스트라빈스키가 듣는 길게 늘어진 아랍 선율의 풍부한 우아함"을 재현합니다. 이 예, 그러나 M. Glinka의 "Spanish Overtures"구성의 개별 에피소드에 미치는 영향에 대해 가정 할 수 있기 때문에 특별한주의를 기울일 가치가 있습니다. Stravinsky가 감탄하면서 말하는 Glinka의 이러한 작품에서 질감의 대담함과 참신함, 특히 주제주의의 이성적 표현을 이해할 수 있었을 가능성이 큽니다. 그러나이 경우 우리는 아랍어 또는 Glinka가 때때로 말했듯이 스페인 음악의 "무어"계층과 같은 작곡가 관심 대상의 우연의 일치에 대해 이야기하고 있습니다. Glinka와 마찬가지로 Stravinsky는 목소리 사이에 대비를 만들어 다른 스트로크를 사용하여 이를 향상시킵니다.

안달루시아 음악에서 Stravinsky는 본질적으로 불규칙한 악센트 리듬에 접근하는 현상을 들었습니다. 이 기능을 사용하는 에피소드는 Stravinsky의 Madrid와 그의 연극 Española에서 찾을 수 있습니다.

"Madrid"에서 "가장 친숙하고 습관적으로 지워진 노래 억양"을 사용하면 동일한 원리가 사용되는 "Petrushka"의 대량 장면을 불러 일으 킵니다. 이러한 회전율의 변종적 커버리지 경향은 아마도 스페인 민속 음악의 주요 원리 중 하나와 스트라빈스키의 근본적인 작곡 방법으로서의 변종의 일치로 설명될 수 있을 것입니다. 스트라빈스키는 그의 희곡에서 취주악단의 연주를 재현하여 그로테스크한 ​​성격을 부여한다. 대비되는 새로운 이미지의 출현은 아무런 준비 없이 발생하며 질감의 기발한 변화입니다.

네 번째 장은 "프랑스 작곡가들의 음악으로 본 스페인"입니다. E. Chabrier의 오케스트라 랩소디 "Spain" 전용 섹션으로 열립니다.

스페인 테마 "스페인"의 작곡 중에서 무엇보다도 구별되는 것은 작품의 바로 "음조"입니다. 재미있는 음악 직전에 강조적으로 가볍고 약간 편심합니다. Chabrier는 자발성, 온혈성, 때로는 고의적인 무례한 이미지와 관련된 민속 문화의 요소를 고의적으로 향상시킵니다.

Chabrier의 스페인 이미지에 대한 이러한 비정상적인 굴절을 통해 작곡가를 둘러싼 예술적 환경에서 설명을 찾을 수 있습니다. E. Manet과 마찬가지로 Chabrier는 스페인에서 낭만적인 것을 찾지 않고 그것을 시화하지 않습니다. 명확한 윤곽, Manet의 그림의 정확성은 Chabrier의 릴리프 인 멜로디 라인의 확대와의 연관성을 불러 일으 킵니다. "cafechantan"의 정신, "Espana" 음악의 재미있는 특성은 프리즘을 통해 파리 보헤미아의 만남의 장소이자 인간의 얼굴과 성격을 관찰하는 무한한 원천 인 카페의 역할을 상기시킵니다. 세계는 Manet과 Cezanne, Degas 및 Toulouse-Lautrec의 그림에 나타났습니다.

이 장의 두 번째 섹션은 Iberia와 Debussy의 다른 작품에 할애됩니다. Debussy는 스페인 민속에서 신선함과 독창성으로 그를 기쁘게 하는 새로운 아이디어의 풍부한 원천을 보았습니다. 유럽 음악의 틀에 얽매이지 않는 모드, 다양한 리듬, 예상치 못한 음색 ​​조합 또는 다른 시간적 구성이 될 수 있습니다. 이러한 기능 중 많은 부분이 이전에는 작곡가 음악인 "학문"에 없었습니다.

Debussy의 스페인은 Andalusia와 동의어입니다. Yu.A. Fortunatov에 따르면 스페인은 문화에 동양적인 요소가 강한 나라로서 Debussy의 관심을 정확히 끌었습니다. 그런 점에서 스페인의 주제 역시 그의 작품에서 동양의 이미지를 형상화한 측면 중 하나로 볼 수 있다.

Debussy는 다른 세계 문화에서 이국적이거나 국가적인 풍미 이상의 것을 들을 수 있었던 예술가입니다. 민속에서 다른 나라자신만의 스타일을 찾아 매력을 느끼는 요소들을 찾아낸다. 아마도 그것이 Debussy에서 민속의 이질적인 전체 분야에 대한 작곡가의 태도 원칙이 유사점을 드러내는 이유 일 것입니다.

Creativity Debussy는 유럽 예술에서 스페인 테마의 독창적 전환입니다. 새로운 스테이지민속에 대한 예술가의 개인적인 견해와 함께 음악 예술의 발전은 다른 품질, 스페인 음악의 더 깊은 층의 발전으로 이어졌습니다. Debussy는 cante jondo의 손길이 닿지 않고 거의 마스터되지 않은 기능을 작곡의 구조에 들어갈 수있는 기회를 제공합니다. 그는 마디의 힘으로부터 안달루시아 선율을 해방시키고, 고유의 진보적인 장식을 재현합니다.

개발. 작곡가는 민속 음악의 다양한 모달 구조에 내재된 표현 가능성을 더 폭넓게 사용하고 심지어 변덕스러운 음계를 넘어서서 미세한 음조의 느낌을 만들어내고자 합니다.

작곡가의 스타일에 대한 민속적 특징의 유기적 침투는 "스페인 의도 없이" 쓰여진 작품에서 일부 "스페인적" 특징이 나타나는 자연스러운 이유가 되었습니다. 이 특징을 처음 언급한 M. De Falla는 Debussy가 스페인 음악과 명확한 관계가 있는 특정 모드, 케이던스, 코드 시퀀스, 리듬 및 선율 전환을 자주 사용했다고 지적했습니다. 이를 통해 이러한 관점에서 "Pour piano" 모음곡, 하프 및 현악 오케스트라를 위한 "Secular dance", 색소폰 및 오케스트라를 위한 두 번째 랩소디, "Moorish" 변형 중 하나와 같은 작곡가의 작품을 고려할 수 있습니다. , 두 번째 부분 현악 사중주, 로맨스 "만돌린", 피아노 곡 "가면" 및 Debussy의 다른 작품 일부.

Debussy의 모달 시스템에서 유럽 전문 음악에 대한 "비 전통적" 모드의 중요성이 크게 증가하여 메이저와 마이너와 얽힌 "보통" 모드가 됩니다. 이것은 이러한 모달 시스템에서 전문 음악이 발견하지 못한 풍부한 가능성의 세계를 본 작곡가 스타일의 밝은 독창적인 특징입니다.

"Iberia"에서 Debussy는 세비야나 리듬의 다양한 변형을 만듭니다. 이것에서 중요한 역할은 스페인 리듬, 표현력 및 에너지를 인식하는 것입니다. Debussy는 표면적으로는 분명하지 않은 스페인 리듬의 다른 특징도 반영했습니다. 예를 들어 - 두 부분과 세 부분 사이의 불확실성. 스페인 음악의 리드미컬한 다양성의 사용은 클래식 대위법과 명확한 음색 선택이 있는 다층 오케스트라 구조, 특별한 폴리포니로 이어졌습니다.

Debussy의 음악 언어의 참신함은 오케스트라의 질감에 대한 다른 이해에서 크게 드러났습니다. 오케스트라 기능을 베이스, 멜로디, 구성으로 나누는 일반적인 분할을 거부하는 Debussy는 다중 요소와 주제별로 풍부한 질감을 제공합니다. 이베리아에서 이것은 특히 하나에서 나타났습니다.

임시 연결 다른 재료, 리드미컬하게 대조되는 프렛, 음색. Myaskovsky는 "보기 만하면됩니다. "그의 (Debussy-L.B.) 작품이 얼마나 풍부하게 짜여져 있는지, 그들의 목소리가 얼마나 자유롭고 독립적이며 흥미로운 지, 마지막으로 다양한 주제 요소가 어떻게 능숙하게 얽혀 있는지, 종종 최대 한 번에 완전히 연결되지 않은 세 가지 주제. 이거 대위법 스킬 아닙니까!

사운드의 공간성은 "Iberia"의 특징 중 하나입니다. 여기서 형상-배경의 역할은 매우 중요합니다. "Iberia"의 두 번째 부분에서 Debussy는 조화로운 소리의 공허함에서 여섯 번째 화음, 그리고 마지막으로 ■ - 화음까지 공간을 점진적으로 채우는 아이디어를 사용합니다.

이 장의 세 번째 섹션에서는 Ravel의 작업에 대한 스페인 음악의 영향을 조사합니다. 스페인어 테마는 Basque와 Andalusian의 두 가지 분기를 통해 작곡가의 작업에 포함되었습니다. 그들 중 첫 번째는 작곡가의 기원에 대한 찬사가되었고 두 번째는 유럽의 안달루시아 문화에 대한 열정에 대한 찬사가되었습니다. Ravel의 "두 번째 음악 고향"인 스페인의 이미지는 "Auditory Landscapes"(1895-96)의 "Habanera"에서 "Three Songs of Don Quixote"(1931)에 이르기까지 그의 창작 작업 전반에 걸쳐 그를 동반했습니다. 1903년에 4중주가 작곡되었는데, 여기에서 우리는 바스크 요소의 첫 차용 중 하나를 볼 수 있습니다. 나중에 이 라인은 Trio a-to11(1914)과 Concerto S-sir(1929-1931)에 의해 계속되었으며, 바스크 테마 "Zarpiag-Bat"(1914)에서 미완성 피아노 판타지의 소재를 부분적으로 흡수했습니다. 안달루시아 음악의 풍미를 사용하는 작곡 중에는 1907년에 작곡된 "Reflections"(1905)(후에 오케스트레이션됨)의 "Alborada", 같은 해에 작곡된 "Spanish Rhapsody", 오페라 "Spanish Hour" 및 "Vocalise in the the habanera의 형태 ", 유명한 "Bolero"(1928), "Three Songs of Don Quixote"(1931), 그러나 Aragonese와 Basque 음악 스타일의 특징이 있습니다.

이베리아 반도의 반대편에 위치한 바스크 지방과 안달루시아는 스페인에서 음악적으로 매우 특별한 지역입니다. Andalusian과 달리 Basque 요소는 스페인과 직접 관련이없는 Ravel의 작품에 들어갔습니다. 유일하게 완전

바스크 소재의 아이디어를 기반으로 미완성 상태로 남아 있습니다. "자랑스럽고 완고한 멜로디를 제압 할 수 없다"는 것을 깨닫고 Ravel은 피아노 판타지 "Zagpyat Bat"에서 작업을 떠났습니다. 작곡가는 트리오와 피아노 협주곡 G-dur에서 판타지를 위한 음악의 일부를 포함했습니다.

라벨의 음악에 포함된 바스크 음악의 표현적 수단 중 우선 바스크 노래의 독특한 리듬은 단순한 2성부 및 3성부 크기와 혼합된 크기(5/8, 7/8, 7/4)가 공존합니다. . 현악 4중주의 두 번째 부분에서 작곡가는 6/8 박자표로 구성된 두 부분과 세 부분으로 구성된 두 부분의 바 단위 교대에서 발생하는 미터의 "중단"을 소개합니다. 3/4 박자로.

Ravel의 현악 4중주의 피날레는 특히 특징적인 Basque sortsico 장르의 특징인 5/8의 박자를 가지고 있습니다. a-moll 트리오의 첫 번째 부분에는 3/8+2/8+3/8로 분해될 수 있는 특이한 미터 8/8이 있습니다. 전통적인 5/8에 또 다른 3/8을 추가함으로써 Ravel은 자신의 sortsico를 만듭니다. Ravel 자신이이 테마를 "바스크"라고 부르는 것은 우연이 아닙니다.

"Andapusian"과 비교할 때 Ravel의 "Basque" 테마는 일반적으로 음절이며 일반적으로 옥타브를 초과하지 않는 작은 범위입니다. 4중주 제2부의 주제는 2마디의 짧은 프레이즈로 구성되며, 제5부의 반복되는 인토네이션을 기반으로 합니다. 동일한 음정은 G-dur 협주곡의 초기 주제에 특정 색상을 부여합니다.

그러나 Ravel의 스페인을 주제로 한 대부분의 글은 안달루시아 민속에서 파생되었습니다. 그중에는 Alborada del Gracioso가 있습니다. 1905년에 작곡되어 1912년 라벨에 의해 편성되었다. 이 극의 날카롭고 그로테스크한 ​​성격, 스페인 정신의 일종의 장면이라는 개념은 부분적으로 드뷔시의 중단된 세레나데와 관련이 있다.

Ravel은 플라멩코 기타의 화성적 특징에서 탄생한 화음을 수직으로 형성하는 특별한 방법을 어느 정도 자유로이 동화시켰습니다. 이 음악의 주목할만한 특징은 스페인 화음의 특성을 자유롭게 굴절시키는 한 단계의 두 가지 변형을 포함하는 장7도와 감소 옥타브가 있는 매우 불협화음의 사용입니다.

"Spanish Rhapsody"는 Glinka와 Debussy와 마찬가지로 스페인 여름 밤 그림의 변형 중 하나입니다. 이 네 부분으로 구성된주기에서 모든 것은 "Malagenya"춤이 "멀리서"터지는 "Prelude of the Night"로 시작됩니다. 세 번째 파트인 "Habanera"는 새로운 것을 소개하지만 부분적으로 준비한 이전 파트의 분위기를 이어갑니다. 세 부분 모두에서 역학의 기본은 rrrr입니다. Forte의 순간은 별도의 폭발이거나 Malaguena (ts.11-12)의 유일한 증가로 갑자기 끊어져 스페인-아랍 멜로의 분위기로 뛰어 들었습니다.

여기서 "Habanera"를 골라 보겠습니다. 그 특이성은 색상의 미묘함과 정교함 (이 장르에 내재 된 감정의 일반적인 개방성이 아님), 억양의 특정 강성에 있습니다. 그 매력이 독특해 보이는 "하바네라"는 다른 작품과 동등합니다. 랩소디") 아시다시피 한때 우선 순위에 대한 분쟁을 일으켰습니다.

Ravel은 민속 하바네라의 멜로디 라인의 전형적인 그림을 맥동하는 오케스트라 페달로 바꾸고 음소거 (하프)와 두 개의 하프가있는 유령 같은 다층 현 코드의 형태로 댄스에 수반되는 리듬을 남겼습니다. 결과적으로 하바네라의 두 가지 주요 특징은 Ravel의 악보에서 거의 감지할 수 없습니다.

민속에 대한 자유로운 작가의 비전, 개별 계획의 프리즘을 통한 재검토는 건설적인 논리가 우세하고 오케스트라 크레센도의 원칙에 따라 모든 것을 구성하는 "Bolero"에도 내재되어 있습니다. 동시에 정품 볼레로의 징후는 매우 조건부입니다.

논문의 결론은 비교 방법의 역할을 다시 한 번 강조합니다. 특히 문화의 관계와 서로 다른 형태의 상호 작용을 시각화할 수 있습니다. 직접 접촉, 영향, 차용, 유사성 추적 및 특정 프로세스국가 음악 전통의 발전.

뮤지컬 히스파니아나의 기원과 발전은 우리로 하여금 한 전통의 항상 존재하는 매개 역할을 볼 수 있게 해준다.

언급했듯이 러시아와 프랑스 문화와 스페인 문화의 직접적인 화해뿐만 아니라 러시아와 프랑스도 서로 화해하는 다른 사람에 대한 사전.

뮤지컬 Hispaniana의 진화에서 이미 알려진 샘플에 대한 작곡가의 지인이 중요한 역할을 수행하여 새로운 방법을 찾고자하는 욕구를 불러 일으켰습니다. Glinka는 한때 파리에 머물면서 인상과 새로운 창의적인 아이디어로 그를 풍요롭게했습니다. 나중에 세계 전시회의 콘서트를 통해 Debussy와 젊은 Ravel은 작가가 직접 연주 한 여러 작품을들을 수있었습니다 (Rimsky-Korsakov는 Glinka의 스페인 서곡 등을 지휘합니다). 물론 프랑스 음악가들의 작품에 대한 러시아 음악의 영향은 실제 스페인 작곡보다 훨씬 넓다. 동시에 이미 스페인 테마의 예에서 러시아와 프랑스 음악가 간의 의사 소통이 서로 다른 시간에 얼마나 유익한 지 알 수 있습니다. Debussy와 Ravel에 대한 Rimsky-Korsakov의 작업, 특히 그의 오케스트라 스타일의 중요성을 상기하면 다음과 같이 가정할 수 있습니다. 밝은 에세이, "Spanish Capriccio"처럼 프랑스 음악가들은 눈에 띄지 않았습니다.

남부 스페인(안달루시아) 스타일에 대한 주된 매력은 많은 작품에 공통된 또 다른 특징이었습니다. 작곡가의 의식 활동, 작가가 스페인 요소를 입력하는 가장 수용 가능한 방법을 찾는 것 일반적인 맥락작품은 원본의 특징을 문자 그대로 재현하려는 시도에서 암시, 암시의 언어에 이르기까지 다양한 방법을 보여줍니다. 1차 출처와의 친분도 달랐다.

일반적으로 분석된 작품의 예에서 스페인 민속 작업에서 세 가지 다른 방법을 구분할 수 있습니다. 이것은 a) 라이브 사운드에서 스페인 음악에 대한 적극적인 연구입니다. b) 컬렉션 작업; c) 본질적인 리듬 및 화음 특징을 자유롭게 사용하여 스페인 민속의 청각적 인상을 재현합니다. 민속 자료에 대한 친밀도와 작품의 예술적 설득력에 대한 질문은 작곡가 M. de Falla와 I. Stravinsky의 개별 진술로 다룹니다. 두 음악가 모두 좁은 민족지학이 현대에 용납될 수 없다고 생각합니다.

예술, 스페인 음악의 필수 요소의 무료 재생산을 선호합니다. Ravel과 Debussy는 서로 다른 스페인 스타일의 특징을 자유롭게 결합합니다. 스페인어에 대한 이해의 새로운 측면은 스페인 음악에서 차용한 요소를 스페인과 관련이 없는 작품에 침투시키는 것으로 나타났습니다.

유럽 ​​"스페인" 음악의 진부한 장치를 포함하는 리드미컬한 음조 어휘의 등장으로 Stravinsky는 이를 일종의 관습적 언어로 언급할 수 있었습니다. 스페인 테마 개발의 새로운 단계는 C. Debussy의 작업이었습니다. 국가적 기원, 스페인 음악의 특정 색상 (요소 재생의 모든 미묘함을 위해)은 Debussy의 전경에 있지 않으며 때로는 단순히 매끄럽고 가려져 있습니다. "두 마음"의 공존에 대한 Bakhtin의 아이디어로 돌아가서 Debussy가 두 마음을 전혀 반대하지 않는다는 가정을 할 수 있습니다. 오히려 그는 함께 모여 하나 또는 다른 민속 요소를 자신의 스타일의 일부로 만듭니다. 반대로 Debussy는 "학술적"고전의 교리와 스페인 민속의 불협화음 모순에 주목하면서 스페인어의 주요 요소의 본질을 면밀히 재현 할 수있는 다른 방법을 찾고 있습니다. 음악적 창의성. 작가에게 국가색은 그 자체로 목적이 아니다. 어떤 식으로든 그가 획득한 청각적 아이디어를 바탕으로 그의 상상력을 자극하는 나라의 이미지를 창조(보완)하려는 시도다.

작곡 기술의 발전으로 스페인 음악의 보다 복잡한 요소가 시간이 지남에 따라 유럽 예술에 도입되었습니다. 안달루시아 노래의 모드와 작곡 개발 사이의 모순으로 인해 Glinka는 민속 주제에 대한 스케치를 미완성 상태로 남겨 두었습니다. Debussy는 이미 스페인 음악의 특정 모드를 자유롭게 사용합니다. Glinka에서 헤테로포닉 텍스처의 모양은 단일 특성입니다. Stravinsky에서 이것은 스타일의 필수 기능입니다.

따라서 우리는 전문적으로 의식적인 음악적 요소와 "고전적" 예술의 규칙에 의존하는 작곡가의 작업이 민속적 기원을 통해 생생하게 표현되는 근본적으로 새로운 음악적 의식을 창조했다고 가정할 수 있습니다. 그것의 "ethnographic"은 가치 (axiological) 수준에 종속됩니다. 즉, 민속적 요소는

새로운 시대 의식의 내용을 전달하는 형식으로 사용됩니다. 특정 국가 문화에 속하는 이해는 항상 더 많은 문화적 통합과 발전을 위한 기반을 제공합니다. 이것은 유사하거나 반대되는 수단으로 다른 음악 문화에서 표현되는 "자신의 것과 다른 사람의 것"을 동일시함으로써 풍요로워집니다.

유럽 ​​대륙의 극단에 위치한 러시아와 스페인 문화 간의 관계는 다른 문화(특히 러시아)에서 "자신의 것"을 인식하고 비밀 유사성을 설명하려는 시도로 유명합니다. , 그러한 다른 나라의 근접성. 따라서 아마도 역사, 경제 발전의 특징, 정신력 (특히 캐릭터의 유사성, 세계관) 및 기타 기능을 참조하여 러시아와 스페인 간의 설명 할 수없는 친족 관계를 이해하려는 욕구 일 것입니다. 이런 생각이 계속됩니다. K. Korovin, L. Tolstoy, M. Glinka, P. Dubrovsky 등 스페인을 방문하고 외부에서이 문화와 접촉 한 예술가들 사이에서 음악에서 이러한 유사성은 거의 유형의 윤곽을 얻었습니다. 안달루시아 노래는 우리 러시아 지역의 멜로디를 떠올리게 하고 격세유전적 기억을 일깨웁니다.”라고 Stravinsky는 썼습니다.

둘 사이의 공통점을 찾으려고 노력 다른 문화, 러시아 여운이나 칸테 촌도의 선율의 "무한", 그들의 슬프고 다소 히스테리적인 음색, 리듬의 풍부함, 멜로디의 끊임없는 변주와 반복 사이의 관련 특징을 실제로들을 수 있습니다. 하나의 소리에 집착할 정도로" 마이크로잉거발의 사용. 러시아 음악에서는 스페인어와 마찬가지로 성가, 히스테리, 자유분방한 유쾌함이 대조를 이룹니다. 이에 대한 가능한 설명은 극의 상호 인력입니다. 이 친밀함에 대한 하나의 이해는 화해, 상호 매력에 기여합니다.

러시아와 프랑스의 스페인 문화에 대한 매력에는 고유한 특징이 있습니다. 프랑스와 스페인의 인접 지역은 이들 국가 간의 화해 과정에 또 다른 색채를 더했습니다. 그들 사이에는 오랫동안 민족적 유대가 존재했습니다. 당시 스페인은 적극적으로 관심을 가진 이국적인 국가에 포함되었습니다. 프랑스 예술가. 예를 들어, 이것은 남부 문화에 대한 주된 매력을 설명합니다.

독특한 지방. 동부 국가들과 달리 스페인은 달랐고, 매우 이국적이었지만 동부 세계의 일부로 인식될 만큼 독특했습니다.

따라서 유사성뿐만 아니라 차이점도 이 점에서 유익한 것으로 판명되었습니다. 역사적 운명과 문화의 유사성을 기반으로 한 매력과 혐오감은 가치 위치 (진실, 선함, 아름다움)를 흡수하여 자신뿐만 아니라 외국어로도 확인되었습니다.

결과적으로 유럽인들은 스페인 민속 음악 문화에서 그들의 국가 문화에서 추적할 수 있는 경향을 지원하는 생명을 주는 힘을 찾고 발견했으며, 이는 그들에게 절실히 필요했습니다. 스페인을 통해 다른 감정적 본질(자유에 대한 사랑, 영적 해방, 인류애 등), 다른 리듬, 억양, 음색 특징에 침투하여 궁극적으로 민족적 성격의 내부 구조를 표현했습니다.

스페인 음악은 독특한 리듬, 기악의 색채, 질감의 특징으로 음악적 언어를 풍부하게 함으로써 유럽 작곡가들에게 새로운 가치를 열어주었다.

음악의 스페인 주제는 그의 시대의 맥락에 새겨진 작곡가 작품의 일부일뿐입니다. 따라서 스페인 주제에 대한 많은 작곡의 창작은 다른 국가 자료에 대한 실험 없이는 상상하기 어렵습니다. 또한 이러한 작품의 영향은 스페인 테마에 국한되지 않습니다.

수많은 음악 예술 걸작의 등장으로 특징지어지는 러시아와 프랑스와 스페인 사이의 문화적 유대는 문화의 개방성, 상호 작용 및 교류의 긍정적인 역할의 증거가 되어 글로벌 문화 과정의 궤도에 진입합니다. 엘

논문의 조항과 결론은 저자의 작품에 반영됩니다.

1. Glinka의 "Spanish Overtures"( "작곡가와 민속"문제에 대한) // 음악원의 젊은 과학자들의 기사 모음. Alma-Ata 1993. (0.5pp)

2. 시간의 경계를 넘어(러시아-스페인의 창조적 유대) 그리고 국경을 넘어선 러시아 문화. M, 1996, "Informkultura", no. 4. (0.8p.l.).

3. "스페인의 소리와 색상"// 스페인의 러시아 이미지. 러시아에 있는 스페인의 이미지(인쇄물). 상트페테르부르크(1p.l.).

스페인 미술. 음악 문화. 뛰어난 음악가. I. Albéniz, E. Granados, F. Pedrell의 작곡가 작품,

마누엘 데 파야(1876-1946) - 인상주의를 대표하는 뛰어난 스페인 작곡가. 창의적인 방법. 보컬 사이클 "Seven Spanish Folk Songs". 민요와 춤 억양 구현. 피아노와 오페라. 뮤지컬 비평 활동.

창의성의 가치 M. de Falla.

헝가리의 음악 문화와 예술. 연주. 새로운 오페라 학교. Franz Lehar(1870-1948)와 Imre Kalman(1882-1953)의 작품.

벨라 바르톡(1881-1945) - 뛰어난 작곡가, 피아니스트, 교사. 그의 작품에는 다양한 장르가 있다. 민요 처리, 민속 이론 작업. 오페라 예술. 인상파와 표현주의 경향. 피아노 작곡. 민속을 기반으로 한 작품의 순환. "소우주".

체코와 슬로바키아 문학. 공연문화. 음악 과학.

창의적인 방법 레오 야나체크(1854-1928) .

창조 보후슬라프 마르티누(1890-1959) .

§ 15. XIX 후반 - XX 세기 전반의 미국 음악 문화

문학. 음악. 연주자-작곡가의 독창성, 최초의 클래식 재즈 작품 창작자. 루이 암스트롱, 베니 굿맨, 듀크 엘링턴. 뮤지컬 장르의 기원. Jerome Kern, Richard Rogers, Col Porter의 작품.

프레데릭 로우 그리고 그의 뮤지컬 마이 페어 레이디.

조지 거슈윈(1898-1937) . 음악 유산. "블루스 스타일의 랩소디", 미국 음악(재즈 심포니제이션)의 새로운 트렌드 개발에 매우 ​​중요한 역할을 합니다. 다양한 장르의 주제(블루스, 스윙, 래그타임). 파리의 미국인은 훌륭한 오케스트라 모음곡입니다. 오페라 포기와 베스. 오페라 드라마투르기의 특징. 캐릭터의 보컬 교향곡 특성.

레너드 번스타인(1918-1990) 작곡가, 지휘자, 피아니스트, 음악 홍보 담당자. 뮤지컬 웨스트 사이드 스토리. 장르의 새로운 해석.

Samuel Barber(1910-1981), Aaron Copland(1900-1990), John Cage(1912-1992)의 작품.

§ 16. XIX 후반 - XX 세기 초반 영국, 프랑스, ​​이탈리아, 폴란드의 음악 문화와 예술

국립 영어 작곡가. E. 엘가, R.W. 윌리엄스, S. 스콧, G. 홀스트.

벤자민 브리튼(1913-1976)의 작품. 오페라 예술. 장르 다양성. "전쟁 레퀴엠". 저자 의도의 독창성. 장대한 구성. Leitmotifs, leitrhythms, leitintervalik "레퀴엠". 전통과 혁신.

프랑스 예술, 문학, 음악. 연주자, 작곡가. 프랑스어 "Six"와 그 대표 인물: Louis Duray(1888-1979), Arthur Honegger(1892-1955), Germain Taifer(1892-1983), Darius Millau(1892-1974), Francis Poulenc(1899-1963), Jean Cocteau(1899-1963).

창조 F. 풀랑크 . 오페라 예술. 모노 드라마 "인간의 목소리". 뮤지컬 드라마투르기. 기타 저서.

그룹 "젊은 프랑스"와 그 대표 인물: André Jolivet(1905-1974), Olivier Messiaen(1908-1992).

이탈리아의 예술, 문학, 음악 과학의 발전. 노래와 춤 민속 연구. Ottorino Respighi(1879-1936), Ildebrando Pizzetti(1880-1968), Gian Francesco Malipiero(1882-1973), Alfredo Casella(1883-1974)의 작품.

음악 예술. 작곡가 "젊은 폴란드"의 창작 협회. 창의력, K. Shimanovsky, V. Lutovsky, M. Karlovich.

크시슈토프 펜데레츠키(b. 1933) -폴란드 뮤지컬 아방가르드의 밝은 대표자. 장르의 다양성.

"루크에 대한 열정" - 기념비적인 오라토리오. 뮤지컬 드라마투르기. 음악 이미지 개발의 연속적 논리, 대조되는 레이어의 몽타주 원리.

스페인 역사에서 19세기는 피비린내 나는 어려운 시기였지만 그럼에도 불구하고 국가 문화와 예술의 부상에 기여했습니다. 나폴레옹 군대의 침공(1808), 1812년 카디스 자유주의 헌법과 1814년 절대주의로의 복귀, 왕정의 권력을 제한한 1869~1873년 부르주아 혁명, 그리고 결국 미국과의 패전 of the Century (1898)는 국가에 끊임없는 긴장된 분위기를 조성했습니다. 문화와 예술의 부상의 시작은 나폴레옹에 대한 민족 해방 투쟁의 시작과 일치합니다. 문학은 음악 생활에서 사람들의 영웅주의를 노래합니까? 열린 음악원, 오페라 하우스, 콘서트 조직. 1940년대에 zarzuella를 포함한 오래된 국가 장르의 부흥을 지지하는 운동인 castisismo가 음악적으로 퍼졌습니다. 오페레타에 가깝지만 스페인 스타일의 극적인 작품, ? 노래와 함께 춤을 춥니다. 이 운동의 저명한 대표자는 15-16세기의 귀중한 민요 모음집을 편찬한 프란시스코 바르비에리(1823-1894)와 마드리드 음악원장 토마스 브르통(1850-1923)이었다. 스페인, 둘 다 많은 zarzuela의 저자였습니다. "castisismo"에서 국가의 혁명적 사건에 대한 반응으로 70 년대에 발생한 후속 운동에서 성장과 발전을 얻은 이데올로기 적 곡물의 시작을 볼 수 있습니다. 90년대 후반, 이 운동은 미국과의 전쟁 패배 및 많은 스페인 식민지의 상실과 관련하여 갈등의 심각성, 민족적 감정의 성장과 같은 특별한 드라마를 연출합니다.

그래서 70년대에 Renacimiento(스페인 르네상스)라고 불리는 새로운 문화의 고조가 일어났는데, 여기에는 가장 저명한 작가, 시인, 예술가들이 참여했습니다. 운동의 이름은 스페인 문화의 "황금 (XVI-XVII) 세기"이후 (문학에서? Cervantes, Lope de Vega, 그림에서? Velazquez) 문화의 독창성에 대한 스페인 사람들의 열망을 반영합니다. , Zurbaran 및 El Greco, 그리고 음악에서 Thomas Louis Vittoria ( "Spanish Palestrina"), Cristobal Morales 및 Antonio Cabezon), 이탈리아와 프랑스가 스페인 문화에 영향을 미치고 국가 문화의 전반적인 위기가 올 때가 다가오고 있습니다. 그러나 이것은 아웃백에 사는 민속 음악에 영향을 미치지 않았습니다. of Foreign Music., 4호; 스페인의 음악 문화; M., 음악 1967, S.502 ..

Karel Capek은 스페인에 대해 다음과 같이 썼습니다.

“...이 나라에서는 내가 착각하지 않았다면 민족주의라고 불리는 것을 향해 갈 길이 멀지 않습니다. 이 사람들은 영국인을 제외하고는 세계 어느 누구와도 달리 그들 자신의 특별한 삶의 방식을 유지했습니다. 여성복에서 Albéniz의 음악에 이르기까지, 일상적인 습관에서 거리 표지판에 이르기까지, 카바예로스에서 당나귀에 이르기까지 그는 국제 문명의 획일적인 광택보다 원래 스페인인인 자신의 것을 선호합니다. 아마도 여기서 요점은 기후나 거의 배타적인 위치일 것입니다. 그러나 가장 중요한 것은 사람들의 성격입니다. 여기서 모든 caballero는 지역적 허풍으로 코를 올립니다. Gaditano는 Madrileno의 Cadiz 출신임을 자랑합니다. 마드리드에서 Asturian은 Asturias에서 온 것을 자랑스럽게 생각하고 Castilian은 자신을 자랑스럽게 생각합니다. 이러한 각 이름은 문장처럼 영광으로 덮여 있기 때문입니다.

그렇기 때문에 세비야인은 훌륭한 국제적 유럽인이 되기 위해 결코 자신을 낮추지 않을 것 같습니다. 그는 마드리드가 될 수도 없었기 때문입니다. 스페인에서 가장 풀리지 않는 미스터리 중 하나는? 지방 정신, 유럽의 나머지 지역에서 점차 사라지고 있는 특별한 미덕; 지방 기질? 자연, 역사, 사람의 총생산물. 스페인은 아직 자연을 그치지 않았으며 아직 역사에서 감각을 얻지 못했습니다. 그런 다음 그녀는이 품질을 어느 정도 유지했습니다. 글쎄, 그리고 우리, 다른 사람들은 그것이 얼마나 멋진지 조금 놀랄 수 밖에 없습니까? 국가가 되기 위해” Karel Capek “폭도들에게. 여행노트"..

Felipe Pedrel은 뮤지컬 Renacimiento의 영감을 받았습니까? 음악 학자, 민속 학자, 작곡가, 오페라 및 교향곡, 합창 작곡. 19세기 스페인에서는 프랑스 낭만주의의 영향이 강했다. 70 년대에 Pedrel은 프랑스 작가의 음모를 바탕으로 오페라를 썼지 만 이미 80 년대에 그는 스페인 민속 및 전문 음악에 대한 심층 연구로 전환했으며 무어 인에 대한 카탈로니아 인의 애국 투쟁에 대한 피레네 오페라 3 부작을 썼습니다. 13세기에.

"For Our Music" 선언문에서 그가 표현한 Pedrel의 미적 이상은 민속적 부와 스페인 작곡가의 높은 전문 기술의 조화로운 조합이었습니다. 그는 민요를 기반으로 개별 국가 스타일을 개발하는 러시아 마이티 핸드풀의 대표자들을 예로 들었습니다. 그러나 그의 작품에서는 이 생각을 실천에 옮기지 못했다. Albéniz는 이것을 완전히 수행했으며 Enrique Granados, J. Turin, J. Nin 및 Manuel de Falla가 계속 발전했습니다.

“... 부흥의 진정한 파토스와 의미는 스페인 음악의 이전 영광의 귀환, 다양한 형식과 장르의 마스터링, 고급 검색과의 접촉 설정이었습니다. 현대 미술? 질적으로 다른 수준의 창의성에 도달하여 국가 원칙이 전체적으로 나타나 동시에 보편적이 될 것입니다 ...”Martynov I. 스페인 음악. 논문. M., Sov. 작곡가, 1977.p.121.

스페인 민속의 "귀중한 장소"의 또 다른 수집가는 가수로부터 수집 한 Federico Olmeda였습니다. "Folklore of Castile" 컬렉션을 위한 300개 이상의 민속 음악

지역 문화의 독창성, 스페인 개별 지방의 음악 곡의 억양 차이 (심지어 언어 차이)는 지리적 (산맥으로 지역 분리), 기후 (가혹한 북쪽과 더운 남쪽) 및 경제적 요인에 의해 촉진되었습니다. 및 정치적 조건 (유럽과 지역의 의사 소통에 따라 다름). 그러나 국가의 다른 지역에서 곡과 언어의 완벽한 차이로 인해 일반적인 특징표현의 국가 스타일 및 선호도. 이것은 춤, 노래 및 반주의 유기적 통합이며 스페인 사람들은 "발의 도움으로 노래를 표현"하고 기타에 대한 보편적 인 사랑이라고 말합니다. 스페인의 기타는 두 가지 종류가 있는데 소리를 추출하는 방법과 기원이 다른가요? 무어식("punteado" 방식으로 연주 - 핀치로 각 음표를 뚜렷하게 취함) 및 고전 라틴어("rasgueado" 방식 - 코드를 취하고 트레몰로 연주). 캐스터네츠 없이는 스페인 음악을 상상하는 것도 불가능합니다. 러시아 음악 학자 M. Weisbord는 스페인 댄서 Lucera Tena의 콘서트 인상을 설명하면서 이렇게 말합니다. 그녀의 손에 캐스터네츠는 그대로 능력의 경계를 넘어 섰습니다. 가장 미묘한 다이내믹한 뉘앙스를 전달하거나 구절의 레이스를 쉽게 엮을 뿐만 아니라 청취자에게 음악의 본질을 전달할 수도 있습니다.” Weisbord M.A. 아이작 알베니즈. 인생에 대한 에세이. 피아노 창의력. M., Sov. 작곡가, 1977; 다.9.

민속음악은 기타와 캐스터네츠 외에도 현악기(반두리아, 류트), 목관악기(플루트의 변종), 타악기(탬버린 등) 등 다양한 악기를 사용했으며 음악 앙상블도 지역에 따라 다양했다. .

다양한 스페인 노래와 춤 중에서 북부 조타가 눈에 띕니다. "춤의 여왕"(Aragonia)은 전국에 퍼졌습니다 (지역에 따라 다양한 종류의 조타가 있습니다. 발렌시아, 카스티야, 토르토시안 조타 ), 안달루시아의 남부 판당고는 안달루시아인에 따라 다양합니다(그라나다에서는 그라나디나, 론다에서는 론데냐, 말라가에서는 말라게냐). 판당고는 또한 전국으로 이동하여 최북단에 도달했습니다 (예를 들어? 남부 안달루시아 안무가있는 아스투리아스 판당고이지만 북부 아스투리아스 음악). 19세기 후반부터 판당고가 널리 퍼지게 되었고, 외국의 작곡가들은 그들의 작품에 스페인적 성격을 표현하기 위해 주로 안달루시아 선율을 사용하였다.

다른 문화에 대한 영향과 춤의 확산 측면에서 가장 중요한 춤은 바스크 찬송가 "게르니카의 나무"의 기초가 된 5 박자 리듬 복잡한 "sortsico"(바스크 지방)를 포함하며, 카탈로니아어 "sardana"(언어와 음악이 프랑스 프로방스와 가까운 북동부 스페인), "bolero"(아마도 18 세기 말 Cadiz에서 S. Seresa가 발명 한 것으로 추정됨), 전국과 발레 아레스 제도에 널리 퍼져 있습니다 (예를 들어 Castile에서는 bolero-seguidilla가 공연됩니다).

8-13세기 무어인이 스페인을 소유한 무어 문화의 기원인 사랑받고 인기 있는 "플라멩코"(안달루시아)의 음악에서 그들의 문화의 영향은 건축에도 반영되었으며 가장 오래된 층 이 영향과 관련된 스페인 민속 음악의 "고대 노래"라고하며 집시 영향 15 세기에 집시들은 무너져가는 비잔티움에서 도착하여 스페인 남부에 정착했습니다. 그들은 특징적인 프렛 회전 (프렛 증가), 거장 멜리스마 , 크로마티즘, 폴리리듬, 목구멍 노래의 특별한 방식.

당시 스페인 식민지였던 쿠바에서 수입한 '하바네라'는 스페인어로 '하바나에서 온 춤'으로 번역됐다. 더 복잡한 리듬에서 모든 남부 춤과 다르며 복잡한 쿠바-스페인 합성을 보여줍니다. 2/4 박자에서 점선 리듬이 세 쌍둥이와 결합됩니다.

리듬의 유연성과 복잡성? 두드러진 특징스페인 민속이지만“... 북쪽에서? 이들은 복잡한 가변 리듬으로 2 + 3과 3 + 2의 조합이 번갈아 가며 남쪽에서는 리듬이 더 간단하지만 (3 카운트) 강조, 실신의 다양성이 다릅니다 ... "Druskin M. History of 외국 음악. 문제 4; 스페인의 음악 문화; M., 음악 1967, S. 505.

19세기에는 사라지는 장르인 "tonadilla", 스페인어 "tonadilla"도 있었습니다. - 노래, 줄이다. "tonada"에서-노래. 많은 tonadillas는 seguidilla 및 tyrana 장르를 사용하는 intrada, coplas 및 finale의 세 부분 구조로 특징 지어집니다. ? 역동 성과 빠른 행동 전개, 민속과의 연결이 특징 인 스페인 뮤지컬 코미디입니다. 음악 장르, 노래 멜로디, 음악 언어의 단순성 및 접근성. 가수, 기타리스트 및 작곡가 Manuel de Garcia(1775-1832)는 tonadilleros의 마지막으로 간주됩니다. 그는 약 70개의 tonadilli를 썼고 훌륭한 가수였으며 파리에서 경력을 쌓았고 고향인 스페인을 떠나야 했습니다. 그러나 프랑스에서 그는 고국 예술의 전통을 잊지 않고 쇠퇴하고있는 tonadilla 장르로 유럽을 아는 데 기여했으며 스페인 노래 연주로도 유명했습니다. 그는 훌륭한 가수, 딸을 키웠습니까? Maria Malibran과 Pauline Viardot, 유명한 가수이자 노래 예술에 관한 논문의 저자 인 그의 아들 Manuel Garcia. E. Granados는 또한 음성 및 피아노를 위한 "Collection de Tonadillas escritas en estile antiguo"를 보유하고 있습니다.; 아이디어의 친밀함에도 불구하고 그들은 무대 행동의 특징을 유지했습니다.

19세기 전반기에 전문적인 기악은 성공적으로 발전했는가? 공연 예술. 스페인 기타리스트들은 세계적인 명성을 누렸습니다. 그중에서도 기타리스트 Ferdinando Sor (기타 연주 기술의 가능성을 넓힌 거장이자 작곡가)와 스페인을 방문한 M. Glinka가 연주를 들었던 Murciano는 특히 재능의 희소성으로 구별되었습니다.

뛰어난 바이올리니스트 파블로 사라사테(Pablo Sarasate, 1844? 1908)는 유럽과 아메리카를 순회하며 연주 활동으로 스페인까지 세계의 이목을 끌었다.

19세기 후반에 I. Albeniz, E. Granados, M. de Falla, 위대한 첼리스트 Pablo Casals, 뛰어난 피아니스트리카르도 비녜스 등.

스페인 작곡가의 혁신적인 열망은 I. Albeniz가 살았던 프랑스에서 더 자주 이해를 찾았고 M. de Falla의 재능이 인정되었으며 프랑스 뮤지컬 "Spanishism"이 번성 한 다음 고국에서만 나타났습니다. 많은 스페인 작곡가와 음악가들이 어려움에 처한 스페인에서 이주했습니다. 스페인의 또 다른 중심지 마드리드와 바르셀로나 옆 뮤지컬 리바이벌- 대부분의 스페인 음악가들이 고국으로 돌아간 제1차 세계 대전이 발발할 때까지 이러한 의미를 유지한 파리.

다성음과 기악 장르 분야에서 높은 성과를 거둔 이 음악은 일반적인 영적, 예술적 맥락에서 형성되고 발전되었으며 몇 가지 근본적인 태도와 원칙을 반영합니다. "황금 시대" (É 포카 드 오로)-이것은 역사가들이 일반적으로 후기 르네상스와 초기 바로크 시대를 언급하는 방법입니다. 음악이 필수적인 부분 인 스페인 예술 문화 전체의 가장 큰 개화시기가되었습니다.

동시에 Josquin Deprez, Okeghem, N. Gomber, Palestrina 등을 포함한 네덜란드 및 이탈리아 거장의 전통은 스페인 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. 주요 음악가의 많은 전기적 사실, 기타 다큐멘터리 출처는 확인하고 구체화합니다. 이러한 영향.

그들의 본질에 대해 이야기하면 스페인 최대의 폴리포니스트 C. Morales, F. Guerrero, T.L. de Victoria, 악기 연주자 A. de Cabezon, L. Milan « 3골드 세기" 스페인 음악. 스페인 다 성음 연주자들의 세계관의 르네상스 기반은 고대에서 16 세기 음악 이론가들이 본 이상적인 구체화 인 단어와 음악의 새로운 합성 프리즘을 통해 볼 수 있습니다. 따라서 일부 연구자들, 특히 E. Lovinsky가 음악의 르네상스 스타일 혁명의 중심으로 평가하는 작곡가의 단어에 대한 새로운 태도는 고대 유산의 인본주의 적 발전과 밀접하게 관련되어 있습니다. 음악에 관한 "그리스 저술"은 철학자가 플라톤을 연구하고 조각가가 고대 조각을 연구하고 건축가가 고대 건물을 연구하는 것과 같은 열의로 르네상스 음악가에 의해 연구되었습니다. 5

고대 유산에 대한 적극적인 연구는 르네상스 시대에 문학 텍스트의 새로운 역할을 실현하는 데 크게 기여했습니다. "된다기본힘뮤지컬영감". 6 작곡가에게 중요한 것은 텍스트의 의미론적 측면만큼 형식적 구조가 아니라 음악에 대한 표현적이고 상징적인 반영을 요구하며 작가의 음악적 상상력과 독창성에 대한 충동 역할을 합니다. 이러한 맥락에서 음악이 시적 이미지에 대한 일종의 주관적인 표현적 논평인 경우, 연구자는 거장 음악 언어의 문체 및 기술 혁신을 고려합니다. 하이 르네상스. (중세 연속적인 것과는 반대로) 동시 작곡의 방법을 사용하여 작곡가는 불협화음, 리듬 및 질감 대비의 표현력을 새로운 방식으로 해석하여 자신의 재량에 따라 단어를 조작할 수 있는 기회를 얻었습니다.

모테트 중오랄레사- 한편으로는 작곡가가 그의 시대에 보편적인 경향과 규칙을 따르고 다른 한편으로는 개별적인 예술적 형식으로 옷을 입히는 유기적 합성의 예입니다. 예를 들어, 대 사순절 일요일 중 하나에 공연되도록 의도 된 모테트 "Emendemus in melius"( "우리는 더 나은 것을 위해 개선하고 있습니다")가 있습니다. 결과적으로 종교 텍스트 만이 작곡가로부터 그러한 한심하고 표현적인 음악적 해석을 받는다는 결론에 도달 할 수 있습니다. 7 세속적 주제에 관한 몇 안 되는 글은 이러한 종류의 시에 대한 저자의 다소 중립적인 태도를 드러냅니다.

분명히 이러한 추세는 다음 작업에서 가장 일관된 표현을 찾았습니다. 빅토리아,일반적으로 세속적 출처와 세속적 주제가 부족하며 특히 예술의 명시적인 세속화와 뮤지컬 드라마의 탄생시기에 두드러집니다. 패러디 기법을 사용할 때에도 그는 항상 종교적 모델에 기반을 두었고 이러한 경우에는 그의 모테트의 일부를 해석했습니다. 추가 개발빅토리아에서 텍스트, 핵심 표현 및 단어의 의미 론적 뉘앙스에 미묘하게 반응하는 문학 및 음악 합성 및 "표현 스타일"에 대한 르네상스 아이디어를 찾습니다.

따라서 빅토리아는 새로운 경향에 매우 민감한 르네상스 작곡가의 수에 속했습니다. madrigalists와 마찬가지로 그는 작곡의 기본이되는 시적 텍스트의 특정 내용을 구현하기 위해 미리 확립 된 기술을 버릴 수있었습니다. 이러한 경향은 그의 모든 작품을 결정짓지만, 모테트, 즉 원래 언어적 자유와 음악적 구성 모델이 특징인 장르에서 가장 극명하게 드러난다.

종교적 폴리포니는 스페인 자체와 해외, 즉 해외 소유권에서 르네상스 스타일의 발전에 매우 중요한 르네상스 스페인 음악의 한 극입니다. 그다지 중요하지 않은 또 다른 영역은 세속적인 보컬 그리고 기악 안라미, 법원 귀족 환경에서 밀접하게 관련되고 재배되었습니다. 이 계층의 음악적 전통도 이전을 거쳐 최고 식민지 귀족의 집에있는 식민지에 뿌리를 내렸다는 점을 강조해야합니다.

독립적인 기악 제작의 급속한 발전은 의심할 여지 없이 르네상스 시대의 정복, 인본주의적 미학으로 개인 주도권의 식별, 음악가의 창의적 독창성, 악기 마스터링의 높은 개인 기술을 자극했습니다. 16세기 내내 성악곡(로맨스, 빌란시코, 춤)이 기악 레퍼토리의 주요 원천이었습니다. 서유럽 전역에 널리 퍼진 이 관행의 의미는 기악 버전이 대위법 처리, 풍부한 장식 및 멜로디 라인의 채색 덕분에 일종의 음성 해설을 나타낸다는 것입니다. 이러한 변주곡은 스페인에서 불렸다. 글로스 또는 미분 이것들. E. Lovinsky가 독립 기악 스타일의 시작으로 간주하는 형식 그룹이며, 나중에 판타지, 칸조네, 라이서카, 티엔토와 같은 "절대 음악" 장르에서 정의되어 모테트의 대위법 스타일을 채택했습니다. 8

16세기 스페인 기악 학교의 발전 수준은 비우엘라, 오르간 및 건반 악기에 대한 방대한 문헌과 실용적인 가이드, 음표의 특정 측면, 즉 기악 연주를 위한 성악 편곡, 손의 위치, 운지, 조음, 다양한 선율 장식 방법, 멜리스마 사용 조건을 포함한 연주 기법 자체를 철저히 연구한 논문 등이 다수의 예와 함께 주어졌다.

결론적으로 예술적, 음악적 사고가 크게 변모하는 바로크 시대에는 서유럽 음악의 장르 구조가 변하고 그 중심에는 오페라와 협주곡, 모음곡, 소나타, 스페인 음악 등 새로운 기악 장르가 등장한다는 점을 강조한다. 점차 자리를 잃어가고 있습니다. 동시에 Antonio Soler, Sebastian Albero, Vicente Martin y Soler 및 기타 다수를 포함하여 이전에 출판되지 않은 17-18세기 손으로 쓴 음악 기념물의 최근 간행물은 스페인 자체와 스페인 외부에서 수행된 과학적 연구입니다. 이 기간에 전념하여 성숙한 바로크와 고전주의의 스페인 음악의 역사, 18 세기 스페인의 기악 및 오페라 음악의 발전에 대한 확립되고 종종 구식 인 아이디어의 수정 및 수정에 대한 강력한 주장을 제공합니다.

Vicente Martin y Soler와 그의 오페라 "The Rare Thing"

이 에세이의 첫 번째 섹션은 18세기 후반에 살았던 스페인 작곡가의 전기에 대한 상당히 자세한 설명을 다룹니다. 발렌시아 출신인 그는 이탈리아에서 일하면서 세리아 오페라와 발레를 쓰기 시작했고 1782년부터 부파 오페라를 쓰기 시작했습니다. 80년대 후반. 그는 L. Da Ponte의 대본에 "The Benevolent Rough Man", "A Rare Thing", "The Tree of Diana"라는 그의 유명한 걸작이 만들어진 비엔나에 왔습니다. 에세이의 이 부분에서는 작곡가의 삶에서 이 시기의 많은 특정 사건을 반영하는 Da Ponte의 회고록 자료가 널리 사용됩니다. 1789년부터 그는 러시아에서 살면서 일했는데, 그곳에서 캐서린 2세의 텍스트에 대한 2개(“Grief Bogatyr Kosometovich” 및 “Fedul with Children”)를 포함하여 3개의 작품이 러시아 대본에 쓰여졌으며 그의 비엔나 오페라도 상연되었습니다. 그리고 여기에는 다큐멘터리 소스 (제국 극장 보관소 자료, 정기 간행물 등)가 사용되어 성공했지만 비교적 짧습니다. 무대 운명러시아에서 그의 오페라와 발레 유산.

에세이의 주요 섹션은 뮤지컬 기념물 자체에 대한 역사적 문체 및 음악 문체 분석을 제공하며 여기에서는 이전에 알려지지 않은 원고를 기반으로 준비된 최신 버전의 간행물이 사용됩니다. 따라서 스페인 극작가 L. Velez de Guevara의 희곡과 Da Ponte의 실제 텍스트와 같은 기본 소스의 텍스트를 비교 관점에서 고려하는 대본은 세부적으로 특성화됩니다. 결과적으로 Da Ponte는 문학적 출처를 의도적으로 재작업하여 지배적인 것으로 만들었다고 결론을 내릴 수 있습니다. 서정 목회 라인, 디테일하게 나타나며 다양하게 가공되고 차별화됩니다.

따라서 대본의 서정-목회 장르 유형은 오페라 음악 스타일의 특성을 미리 결정했으며 개별 작곡가의 Martin y Soler 기술을 최대한 공개하는 데 기여했습니다. 동시에 작곡가의 스타일은 Paisiello, Cimarosa, Sarti, Mozart의 작품과 충분히 공통점이있는 이탈리아 오페라 부파 개발의 마지막 단계의 일반적인 경향과 경향을 반영합니다. 우리는 다양한 극 및 구성 기술, 음악적 특성의 개별화, 앙상블의 중요성 증가, 특히 다중 섹션 결승전, 서정적 원리의 역할 증가에 대해 이야기하고 있습니다. 음영과 형태의 - 서정적-목가적, 서정적-장르, 서정적-코믹, 서정적-애처 등. 일반적으로 이러한 혁신은 모차르트의 오페라와 관련이 있으며 18 세기 후반 오페라 업데이트에 무조건 우선 순위를 부여한 사람은 바로 그 사람입니다. 동시에 우리는 이 과정에 기여한 Martin y Soler를 포함하여 그의 뛰어난 동시대 사람들에게 경의를 표해야 합니다. 무한한 가능성부파오페라 장르로 밝고 유니크한 색감으로 풍성함을 더했습니다.

이 시대의 다른 많은 코믹 오페라와 마찬가지로 The Rare Thing에는 세 가지 주요 구성 요소를 결합한 여러 스타일 레이어가 있습니다. 이들은 "세리아 스타일", "부파 스타일" 및 "서정적 스타일"로 지정할 수 있으며 각 구성 요소의 비례 참여 및 개별 해석이 크게 다릅니다. 서정적-목가적 원리가 구현되는 서정적 층위의 지배는 이 오페라의 특징이 되었다. 또한 가장 다양하고 동시에 세부적인 가사 영역이 주인공 (Lilla, Lubin, Gita)의 특성을 결정하고 그에 따라 아리아로 제시됩니다. 여러 캐릭터의 개별 특성은 서정적 및 코믹 (buffoon)-Gita, 서정적 및 진지한 ( "세리아 스타일")-Prince, Queen과 같은 다양한 문체 구성 요소의 상호 작용에서 탄생합니다. 일반적으로 캐릭터의 특성화에서 Martin은 타이핑 원칙에서 벗어나 특히 주인공과 관련하여 각 캐릭터의 생생하고 역동적 인 모습을 만드는 미묘한 세부 사항과 뉘앙스로 포화시킵니다.

아리아와 앙상블 모두에서 나타나는 일반적인 추세는 단일 템포의 비 대조 숫자가 우세하고 그 결과 규모가 감소하는 것입니다. 앙상블에 관해서는 The Rare Thing에서 Martin y Soler의 이전 오페라와 비교할 때 그들의 역할을 증가시키는 분명한 경향이 있으며 이는 The Tree of Diana에서 더욱 분명해질 것입니다. 많은 연구자들은 이것을 비엔나 관행의 반영으로 보고 있습니다. The Rare Thing에서 아리아(16개가 있음)는 여전히 선두 자리를 차지하고 있지만 10개의 앙상블(듀엣 3개, 3중주 2개, 6중주, 7중주, 도입부, 2개의 피날레)은 극적인 상황에서 그 중요성이 크게 증가했음을 나타냅니다. 오페라의 발전

결론적으로 이 에세이는 오페라와 발레를 포함한 Martin y Soler의 유산에 대한 추가 연구와 출판이 18세기 말과 19세기 초 스페인 뮤지컬 극장의 전반적인 그림을 크게 풍부하게 할 수 있다고 말합니다.

19세기 스페인 음악 - 새로운 음악 르네상스의 기원.

19세기는 스페인 음악사에서 가장 논란이 많고 어려운 시기 중 하나입니다. 프랑스, 이탈리아, 독일, 오스트리아 등 주변국의 음악과 폴란드, 헝가리, 러시아의 젊은 국립학교들이 낭만주의 시대에 경험하고 있는 가장 큰 성과를 배경으로 스페인의 전문음악은 한 시대를 맞이하고 있다. 길고 긴 위기. 그럼에도 불구하고 정기 언론의 페이지에서 많은 논쟁과 토론을 불러 일으킨 국가 자체 내에서 매우 고통스럽게 인식되는이 지연은 음악 문화의 모든 영역에 영향을 미치지 않았습니다. 우선, 우리는 낭만적 인 음악의 장르 계층 구조에서 매우 무겁고 중요한 대규모 악기 장르 (교향곡 및 실내악)의 영역에 대해 이야기하고 있습니다.

뮤지컬은 상황이 달랐다. 국가 및 장르를 포함하여 모든 표현 및 수정의 오페라는 관심, 반성 및 비판의 주요 대상이되었습니다. 정확히 뮤지컬 극장스페인 사회의 가장 심각하고 사회적, 예술적으로 중요한 문제의 교차점이되었습니다. 그중 하나는 국가 정체성에 대한 아이디어입니다. 동시에, 19세기 전반 거의 전체가 이탈리아 오페라, 주로 로시니와 그의 젊은 동시대인 벨리니와 도니제티의 기호 아래 스페인과 다른 여러 유럽 국가에서 열렸습니다. 그러나 19세기 후반부터 민족적 특징을 축적한 스페인의 사르수엘라는 외국 오페라의 균형추 역할을 했다. 후속 기간에 zarzuela의 두 가지 주요 품종이 개발되었습니다. 소위 "대형"3 막 (Barbieri의 "불장난")과 "작은"품종 (Sainete 및 Chico - Chueca 및 Valverde의 "Gran Via") ), costumbrist (매일 쓰기) 반영 ) 시대의 스페인 문학 경향.

대중의 취향에 초점을 맞춘 그만의 미학과 음악적 스타일을 지닌 사르수엘라는 다수의 작곡가와 평론가들에게 모호한 평가를 불러일으켰다. 70년대 초심자도 합류한 이 장르를 중심으로 심각한 논란이 벌어졌다. XIX 세기 작곡가이자 음악학자인 Felipe Pedrel.

Pedrel은 세기 전환기에 스페인 음악 역사의 핵심 인물이었습니다. 이 시기 스페인 음악의 발전에 대한 그의 창조적 기여는 작곡가, 문학-이론 및 음악학 등 그의 활동의 여러 주요 영역의 조합으로 구성됩니다. 작곡가이자 이론가로서 그는 Wagnerian 뮤지컬 드라마의 지지자였으며 음악과 드라마의 동등한 합성, 라이트 모티프 시스템, 복잡한 민요가 현대 스페인 오페라의 멜로디 테마 소스 역할을 해야 한다고 믿으면서. 그러나 오페라 외에도 기악, 합창 및 성악 작곡을 포함하는 Pedrel 유산의 실제 음악적 부분은 그의 작업에서 가장 문제가 많고 모호한 영역입니다.

Pedrel의 음악이론적 활동에 관해서는 일반적으로 그가 현대 스페인 음악학의 창시자라고 인정되고 있다. 특별한 역사적 재능과 깊은 지식을 소유한 그는 성대다성음악과 오르간 클라비에 악파를 포함하여 황금시대(XVI-XVII 세기)의 고전 음악 유산의 막대한 역할과 가치를 잘 알고 있었습니다. 그래서 그는 음악 연구에서 과거 거장들의 작품을 복원하고 출판하는 데 집중했다.

그의 미적 개념을 명확하고 명확하게 드러내는 Pedrel의 주요 이론 작품 중 하나는 유명한 선언문 "For Our Music"(1891)으로, 그는 현대의 발전에 대한 그의 아이디어를 확장 된 형태로 설명했습니다. 스페인 작곡 학교. 그의 관점에서 볼 때 스페인의 노래 민속학을 바탕으로 현대 독일과 러시아 오페라 학교의 성과를 흡수하고 흡수하고 황금 시대의 음악적 전통을 변형시킨 뮤지컬 드라마는 뮤지컬 드라마의 미래를 결정할 것입니다. 스페인 음악.

결론적으로 Pedrel은 민속전승을 바탕으로 민족음악예술의 개념을 발전시키는데 지대한 공헌을 하였음을 강조한다.

Manuel de Falla - 크리에이티브 개발

(카디스 - 마드리드 - 파리, 1876-1914)

에세이의 시작 부분은 삶과 창의적인 방법초기 및 파리 시대(1914년까지)를 포함한 작곡가, 그의 전기의 가장 중요한 순간이 여기에서 강조됩니다(교사, 음악적 영향, 이벤트, 창의적인 연락처) 작곡가로서의 발전에 영향을 미쳤습니다. 이러한 관점에서 파리 무대는 특히 중요합니다. 특히 Dukas, Ravel, Stravinsky, Debussy와의 친분과 창의적인 의사 소통이 중요합니다. Falla의 오페라 "A Short Life"를 재 작업하는 과정에서 중요한 역할을 한 것은 Debussy였습니다. 여기에서 주요 부분은 작곡가의 음악적 언어 형성 문제와 80-900년대에 생성된 초기 피아노 및 성악 작곡 분석이 차지합니다.

Falla의 젊은 취향과 선호도는 부르주아 뮤지컬 살롱인 지방 Cadiz의 예술적 환경에 의해 형성되었으며, 주로 작은 장르로 이 사회 계층 내에서 대표되는 "높은" 낭만적인 음악 전통의 2차 "낮은" 수신자 역할을 합니다. - 야상곡, 노래, 마주르카, 왈츠, 세레나데 등 그들이 내려온 환경과 그들 자신의 법칙에 따라 낭만적인 피아니즘의 높은 예가 존재했던 환경 - Chopin, Mendelssohn, Schumann, Grieg의 작품과 Bellini, Donizetti의 인기 있는 이탈리아 오페라의 멜로디 아리아가 고유한 미학을 형성했습니다. 규범과 기준. 이 지방 살롱 음악 제작은 "높은"샘플의 해석뿐만 아니라 "외래"를 복사하고 반복하는 것을 기반으로 한 "자신의"구성도 포함했습니다.

스페인의 지방 도시에서 아마추어 살롱 음악 제작의 유비쿼터스 환경과 함께 초기에 영향을 미쳤습니다. 음악 스타일 Falla는 19세기, 특히 이사벨라 2세(1833-1868)의 통치 기간에 스페인에 뿌리내린 경향이 있었고, 낭만주의의 지역적 분파가 되었습니다. 우리는 실제로 러시아어 음악학에 설명되지 않은 "Andalusism"에 대해 이야기하고 있습니다. 한편, 이 문제 없이는 19세기 후반 스페인 음악의 발전에 대한 완전하고 적절한 그림을 형성하는 것이 불가능합니다. 축제 유머, 낙천주의, 삶의 기쁨, 그리고 동시에 열정을 특징으로하는 남부 기질에 대한 아이디어는 낭만적 인 시대에 정확히 스페인 예술에 뿌리를 내리기 시작했으며 심지어 예술적 삶을 넘어서 일종의 종류가되었습니다. 특정한 삶의 방식과 관련된 사회적 현상의 일종. 이러한 맥락에서 Sebastian Iradier, Mariano Soriano Fuertes, José Valero의 노래에서 노래 장르에서 처음으로 나타난 뮤지컬 "Andalusism"도 개발되었습니다.

완전히 다른 법칙에 따라 생활하는 초보 작곡가에게 "높은"전문 전통의 난해한 세계를 열어 준 Pedrell을 만나기 전에 "안달루시아"향신료로 매운 살롱 "축소 된"기준이 Falla의 음악 스타일을 결정했습니다. 1903-04년 이전에 쓰여진 모든 것. - Nocturne(1896), Mazurka(1899), Song(1900), Serenade(1901) - 확실히 이 논문을 확인시켜줍니다. 1903년 마드리드 음악원에서 발표한 콩쿠르를 위해 팔라가 작곡한 이 작품은 새로운 수준의 작곡 기술을 보여줍니다. 이것은 "콘서트 알레그로"(1904)입니다.

Falla가 현대 예술적 경험을 집중적으로 얻었을 때 파리에서 만든 작곡 ( "Four Spain Pieces", "Three Melodies")도 스타일의 새로운 단계를 표시합니다. 우선 인상주의의 발전이 여기에서 이루어지며 소리, 음색, 화음 음, 조화 및 조직적 복합체에 대한 질적으로 새로운 태도와 동시에 낭만주의의 미적 원칙에서 점진적인 제거로 표현되었습니다. 동시에, 이 새로운 미적 경험의 맥락에서 국가 민속에 대한 이해와 관련하여 활발한 내부 작업이 계속되고 있으며 여기에서 음색-음향 영역뿐만 아니라 모달-음향 영역에서도 Debussy의 영향이 있습니다. 음조, 리듬 및 형식이 결정적인 영향을 미쳤습니다.

에세이의 중심 위치는 오페라 "A Short Life"의 분석이 차지합니다. 1905년과 1913년의 두 가지 버전을 비교하여 드뷔시에게 공부하는 과정에서 악보에 나타난 변화의 성격과 방향을 비교하고 다큐멘터리 자료(Falla가 프랑스 작곡가와 만난 후 녹음한 녹음)를 제공 및 분석하여 작업 Falli의 새로운 문체 지침. 그중에는 Mussorgsky와 Debussy의 뮤지컬 드라마의 일부 원칙뿐만 아니라 인상주의 (오케스트레이션)가 있습니다. 하지만, 필수적인 역할이 오페라의 컨셉을 실현하는 과정에서 베리스트 뮤지컬 드라마, 프랑스 서정 오페라그리고 스페인 사르수엘라. 이러한 영향의 동화를 바탕으로 이 작품의 음악 극작술, 구성 및 언어가 구체화되었습니다.

일반적으로 오페라의 음악적 극작술은 서로 대조적으로 서로 무관심하지 않은 두 개의 발전하고 얽힌 라인으로 구성됩니다. 그들의 조합은 다양성과 행동의 내적 깊이를 만들어냅니다. 살루드와 파코라는 두 주인공의 사랑 관계를 연상시키는 서정적-극적 대사로 배경 음영 역할을 하는 서사적, 풍경적, 장르적 대사다. 자연, 장르-국내, 축제와 같은 배경이 메인 이벤트 라인과 밀접하게 연결되어 있음을 강조하는 것이 중요합니다. 완전한 조화무대에서 일어나는 일과 인상적인 대조를 이룹니다.

"A Short Life"의 구성은 조화롭고 상호 균형적이며 통합적인 구조로, 음악적 소재의 철저한 개발은 무대 상황에 따라 그 모습이 엄격하게 결정되는 주요 주제-라이트 모티프의 반복을 동반합니다. Falla는 leitmotif 특성화의 원칙을 적용하지만 매우 제한적으로 3개의 leitmotif만 있습니다.

일반적으로 오페라 "짧은 인생"의 두 가지 버전은 개별 작곡가의 스타일을 확립하는 과정이 완료되었음을 확인합니다. 파리 여행 전에 작곡가 자신이 정한 작업이 성공적으로 구현되었습니다. 창의적 성숙의 시대가 도래했습니다.

러시아의 마누엘 데 파야

(오페라 "A Short Life"제작의 역사에 대해)

러시아 음악은 Manuel de Falla에게 특별한 매력이 있었습니다. 처음으로 이렇게 고조된 관심은 그의 생애 중 파리지앵 시대(1907-1914)에 분명해졌으며 이는 우연이 아닙니다. 결국, 아시다시피 파리에 집중된 서구 세계에 대한 러시아 예술의 예외적 인 영향으로 표시되는 것은 20 세기 10 년대였습니다. 아마도 이것의 주요 역할은 1909 년부터 연례 러시아 시즌을 대표했던 Sergei Diaghilev의 다재다능하고 강렬한 활동에 의해 수행되었습니다. 우리는 무소르그스키에 대한 국제적인 인정이 바로 파리에서 시작된다는 사실을 잊지 말아야 합니다.

러시아 음악에 대한 Falla의 매력은 여러면에서 젊은 스페인 작곡가가 새로운 러시아 예술에 대한 관심이 빠르게 증가하는 것을 목격 한 파리의 열린 예술적 분위기 때문이었습니다. 예를 들어, 1914년 인터뷰에서 그는 이렇게 말했습니다. “내가 선호하는 것은 현대 프랑스 학교와 러시아 음악가들의 훌륭한 작품입니다. 오늘날 러시아인과 드뷔시는 음악 예술의 예언자입니다.” 9 글린카, 무소르그스키, 림스키-코르사코프의 정교한 악보를 볼 수 있는 그의 개인 도서관의 내용에서부터 그의 오케스트레이션의 기초를 포함하여 이에 대한 다양한 진술에 이르기까지, 수많은 다른 증거들이 Falla에 대한 러시아 음악의 영향을 증명합니다. 비평 작업, 인터뷰 및 여러 해의 편지에 흩어져있는 주제.

따라서 Falla가 파리, 마드리드, 그라나다에 거주하는 동안 Stravinsky, Diaghilev, Myasin 등과 같은 러시아 예술가 및 음악가와 많은 대화를 나눴다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 특히 Stanislavsky의 형제 인 Vladimir Alekseev와 함께 러시아 예술가들과 Falla의 창의적인 접촉.

이 에세이는 분명히 오페라 A Short Life의 초연 이후에 파리에서 만난 Falla와 Alekseev 사이의 창의적인 접촉의 맥락을 자세히 설명합니다. 그들의 서신의 주요 주제는 Alekseev가 3 년 동안 (1914에서 1917까지) 적극적으로 참여한 러시아에서 오페라를 상연한다는 아이디어였습니다. Falla에서 Alekseev로의 4통의 편지와 Alekseev에서 Fallier로의 9통의 편지를 포함하는 Falla와 Alekseev 간의 서신은 파리에서 Falla의 삶에 대한 흥미로운 전기적 세부 사항을 많이 보여주고 음악적 및 미적 특성에 대한 주목할만한 진술을 포함하며 또한 충분히 자세하게 특징지어집니다. 모스크바와 상트 페테르부르크에서 새로운 스페인 오페라 홍보와 관련된 V. Alekseev의 행동. 이 서신 덕분에 Falla의 오페라와 Albéniz의 (Pepita Jimenez)가 1916 년 Mariinsky Theatre의 레퍼토리위원회에서 상연을 수락했지만 1917-18 시즌으로 예정된 초연은 실현되지 않았다고 주장 할 수 있습니다.

에세이의 다음 섹션은 1928년 모스크바에서 V.I. 네미로비치-단첸코. 여기에서 살아남은 다큐멘터리 자료 (참가자 설명, Nemirovich-Danchenko 자신의 진술, 정기 간행물의 비평 기사)를 기반으로 1920 년대 Nemirovich의 감독 검색 맥락에서이 공연을 재현하려는 시도가있었습니다. 참가자 중 한 명인 Nemirovich의 설명에 따르면 진실인간의 깊은 감정에 대해 독특하고 흥미로운 기술을 사용하여 공연에서 상호 배타적 인 원칙 인 기념비와 친밀감을 결합했습니다. 이 의외의 조합에서 그는 사랑 경험의 서정성과 미묘함을 드러냈지만, 그 원인이 부자들의 세상의 부도덕함에 있는 그에게 중요했던 이 비극의 사회적 파토스를 강조하기도 했다.

공연에서 Nemirovich-Danchenko는 배우와 긴밀히 협력하여 그가 필요로하는 새로운 유형의 "노래하는 배우"를 만들었습니다. 무대조명과 무대조명 등 공연의 시각적 해석도 혁신적이었다. 풍경과 의상의 저자는 무대 풍경의 개혁가, 소위 "동적 의상"이라는 새로운 유형의 연극 의상의 창시자이자 대가로 알려진 연극 디자이너 Boris Erdman이었습니다.

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