Hva er kunstnerisk fotografi?
I dag er ingen av oss i tvil om at kunstnerisk fotografi er en kunst som gjenspeiler den kreative visjonen til fotografen som kunstner. Men selv i begynnelsen av fotografiets utvikling var det akutte spørsmålet i flere tiår om fotografi kunne klassifiseres som kunst eller om det rett og slett ikke var noe mer enn et middel til å registrere og overføre informasjon om verden rundt oss.
Det tok fotografiet mange år å finne sin egen plass i kunstverdenen, sammen med skulptur, kino, maleri og teater. Men nå kan enhver fotograf uttrykke sin holdning til omverdenen og fenomenene gjennom slike fotograferingsmidler som vinkel, farge eller valg av opptaksøyeblikk.
Da de første fotografiske utskriftene dukket opp, var det ingen som tok fotografiet seriøst. Det ble ansett som bare enkel velvære og barnelek for en begrenset krets av mennesker. I de første årene etter fremveksten kunne fotografiet, på grunn av tekniske begrensninger, ikke gjøre krav på verken dokumentarisk eller kunstnerisk verdi, eller frihet til lysløsninger og fotografens kreative visjon.
På 1800-tallet var det en utbredt oppfatning at bare et menneskeskapt verk kunne betraktes som kunst. Følgelig kunne fotografiske utskrifter, som ble oppnådd ved hjelp av forskjellige fysiske og kjemiske metoder, ganske enkelt ikke kreve kunstens status. Selv om den første generasjonen fotografer forsøkte å livne opp komposisjonen til fotografiene sine med noen interessante teknikker og tilnærminger, fortsatte fotografiet å være en morsom pynt i opinionens øyne.
Fotografi ble av kritikere av den tiden bare betraktet som en mekanisk kopi av virkeligheten, i stand til å være bare et skinn av kunstnerisk maleri. Fram til 20- og 30-tallet av 1900-tallet vurderte artikler og publikasjoner seriøst spørsmålet om fotografering er en kunst eller er det bare en anvendt, praktisk ferdighet, hvor nøkkelrollen spilles av teknikken, og ikke fotografen selv.
Det er flere perioder i utviklingen av fotografiet som kunst. Selv i begynnelsen av fotografiets utvikling var det ikke mye forskjellig fra maleri, det vil si at fotografer prøvde å bruke kjente maleteknikker innen fotografering. De fotograferte hovedsakelig monumentale, ubevegelige gjenstander. Disse første fotografiske utskriftene tilhørte sjangeren portrett eller landskap. I tillegg, på grunn av fremveksten av avisindustrien på 1800-tallet, okkuperte fotografiet nisjen med enkle dokumentariske bevis for visse hendelser. Vi kan si at det på den tiden ikke var snakk om fotografiets uttrykksevne og kunstnerskap. Når ble fotografering egentlig kunst?
Sannsynligvis er det umulig å nevne noen eksakt dato. Men fotografhistorikere noterer seg en betydelig begivenhet som skjedde i 1856. Da laget svenske Oscar G. Reilander et unikt kompositttrykk av tretti forskjellige retusjerte negativer. Fotografiet hans, med tittelen «Two Roads of Life», så ut til å beskrive en eldgammel saga om to unge menneskers inntreden i livet. En av hovedpersonene på fotografiet henvender seg til ulike dyder, veldedighet, religion og håndverk, mens den andre tvert imot blir revet med av slike syndige gleder i livet som gambling, vin og umoral. Dette allegoriske fotografiet ble umiddelbart viden kjent. Og etter utstillingen i Manchester ble Reilanders fotografi kjøpt av dronning Victoria selv til Prins Alberts samling.
Dette kombinerte fotografiet kan med rette betraktes som et av de første uavhengige verkene relatert til fotografi. Oscar G. Rejlanders kreative tilnærming var selvsagt basert på den klassiske kunsthistoriske utdanningen han fikk ved Romerakademiet. I fremtiden blir navnet hans assosiert med forskjellige eksperimenter med fotomontasje, og med utviklingen av dobbelteksponering, og med imponerende multi-eksponeringsfotografering.
Reilanders arbeid fortsatte talentfull artist og fotografen Henry Peach Robinson, som ble berømt for sitt sammensatte fotografi "Leaving", laget av fem negativer. Dette kunstneriske fotografiet viste en jente som døde i en stol, med søsteren og moren hennes triste over henne, og faren så inn i åpent vindu. Bildet "Leaving" ble kritisert for å forvrenge sannheten, men fikk likevel stor popularitet. Det ble umiddelbart anskaffet av det engelske kongehuset, og kronprinsen ga til og med Robinson en stående ordre på ett trykk av et slikt fotografi.
"Forlater." G.P. Robinson Robinson ble selv en ledende eksponent for såkalt billedfotografi i England og Europa. Denne retningen innen fotokunst inntok en dominerende posisjon innen fotografiet frem til det første tiåret av 1900-tallet. Mange billedeffekter og teknikker ble brukt i billedfotografering.
Det må sies at fotografering i lang tid ikke kunne unnslippe "skyggen" av maleri. Utviklingen av fotografiet som en selvstendig kunst på begynnelsen av forrige århundre ble imidlertid lettet i stor grad av vanlige utstillinger, hvor seerne sammen med enkle vakre rammer kunne se interessante fotografier som fortjente tittelen "kunstverk." En av de første slike internasjonale utstillinger Det var et fotogalleri med det beskjedne navnet 291, som ble åpnet av Alfred Stieglitz i 1905 i New York. Dette var en ekte utstilling av samtidskunst, i hvilke navn kjente artister sto på samme rekke som fotografene.
Med begynnelsen av 20- og 30-tallet begynte en ny periode innen fotografering, direkte knyttet til masseproduksjon av aviser og magasiner. Fotografiet endrer stil til fordel for dokumentar- og reportasjefotografi. Dokumentarisk og kunstnerisk realisering ble gradvis flettet sammen i fotografiet til en helhet. En ny generasjon fotografer vokste frem som gjennom reportasje- og dokumentarfotografering daglig skapte historien til landet sitt og hele verden. I løpet av denne perioden kombinerte fotokunsten kunstnerisk uttrykksevne nært med en ideologisk og sosial komponent.
Fotografiet blir en bærer av en viss historisk sannhet, en refleksjon av hendelser som faktisk fant sted. Det er ikke for ingenting at på 20-30-tallet var ulike plakater, fotoalbum og blader av særlig verdi. Det var i løpet av disse årene at det begynte å dukke opp samvelder og samfunn av fotografiske kunstnere, som forsøkte å gjøre fotografiet til en selvforsynt kunstform.
I vårt land var imidlertid disse positive prosessene så å si frosset på slutten av 1930-tallet. Jernteppe isolert russisk fotografi fra trender i internasjonalt kunstnerliv i lang tid. Talentfulle sovjetiske fotografer ble tvunget til kun å engasjere seg i sosialistisk realistisk fotoreportasje. Under andre verdenskrig besøkte mange av dem kampfrontene og var i stand til å fange minneverdige øyeblikk av den store seieren på film.
På 60-70-tallet begynte fotografier igjen å bli betraktet som selvstendige kunstverk. Dette er epoken for fotorealisme og dristige eksperimenter med ulike fotografiske teknologier og kunstneriske teknikker. Fra denne perioden fikk alle fotografier som var i periferien av offentlig oppmerksomhet, endelig rett til å bli presentert som en selvstendig kunstnerisk verdi i kunsten. Nye sjangere innen fotografering dukker opp, der nøkkelpunktet er forfatterens intensjon og kreative visjon om fotografen. Berømte fotografer på den tiden begynte i sine kunstneriske verk å berøre så betydelige sosiale problemer som sosial ulikhet, fattigdom, barnearbeid og mange andre.
Den neste revolusjonen innen fotografering skylder vi overgangen fra film til digitale kameraer. Det digitale bildeformatet har gjort det mulig for fotografer å bevege seg noe vekk fra et enkelt speilbilde av virkeligheten rundt dem. Med bruken av digitale kameraer, datamaskiner og grafiske redaktører fotografen fikk muligheten til å transformere fotografiene sine på en slik måte at betrakteren fikk muligheten til å bli kjent med den kreative visjonen til bildeskaperen og fordype seg i hans surrealistiske verden. Selv om fotografering har blitt et massefenomen i disse dager, er selektivitet og en spesiell personlig "visjon" fortsatt viktig for fotografering som kunst, noe som lar en person lage et ekte kunstverk ved hjelp av fotografiske midler.
Til tross for at du med et digitalkamera kan ta flere hundre bilder i løpet av minutter, kan selvfølgelig ikke alle bilder klassifiseres som kunstneriske. En moderne fotograf uttrykker sin visjon av verden eller forfatterens intensjon gjennom perspektiv, dyktig spill av lys og skygge, subtile valg av opptaksøyeblikket og andre teknikker. Dermed forblir fotografen, ikke teknikeren, i selve sentrum av fotokunsten. Bare en person er i stand til å sette et stykke av sin indre verden inn i et bilde, slik at bildet blir "overgrodd" med nye følelser og avslører talentet til fotografen selv.
Kurichev Andrey
Det pedagogiske forskningsarbeidet ble skrevet som en del av tilleggsstudiet av samtidskunst. Emnet er veldig interessant for denne alderen. Studenten forsøkte å utforske på sitt eget nivå historien om fremveksten av en slik form for kunst som "fotografi". Tenåringen svarer på spørsmål som «Reflekterer fotografiet virkeligheten objektivt? Er fotografi kunst? Og hvorfor sluttet ikke kunst å eksistere etter fotografiets fremvekst?» Studenten presenterte prosjektet sitt, samt interessante resultater fra en studie av ungdom om dette emnet, og en analyse ble gjort.
Arbeidet er lettlest og interessant, stoffet er strukturert og presentert logisk. Studenten la vekt på relevansen til temaet og satte tydelige mål og mål for studiet.
De viktigste positive sidene ved arbeidet er:
- Et blikk på fotografi som en form for kunst fra en tenårings synspunkt.
- Studentene tilegner seg nødvendig kunnskap om problemstillinger som interesserer dem, utvikler sin egen tenkning og videreutvikler seg selv.
Nedlasting:
Forhåndsvisning:
Kommunal budsjettutdanningsinstitusjon
gjennomsnitt omfattende skole nr. 10 Pavlovo
Institutt - Humaniora
Seksjon - kunsthistorie
Arbeidet ble fullført av:
Kurichev Andrey, 15 år gammel
elev av klasse 9 "B"
Vitenskapelig veileder: Shitova Olga Konstantinovna,
Verdenslærer kunstnerisk kultur
Pavlovo
februar 2015
- Vedlikehold………………………………………………………………………………………..3
- Hoveddel……………………………………………………………….4-12
"Er fotografi kunst?"
- Fødselen og betydningen av fotografering………………………………. ….4-6
- Gjenspeiler fotografi virkeligheten objektivt?………………………………………………….. …………7-8
- Er fotografi kunst? Og hvorfor sluttet ikke kunsten å eksistere etter fotografiets fremvekst?................................... .....................................................8-9
- Forskning………………………………………………………10-12
- Konklusjon. Konklusjoner………………………………………………………………..12
- Litteratur………………………………………………………………………………………...13
- Introduksjon
Nå for tiden eksisterer alt for
for å avslutte med et fotografi.
Fotografering mumifiserer tid.
Henri Bazin
Jeg tror det i motsetning til tradisjonell kunst bilde har praktisk anvendelse. Det er nyttig på mange områder av menneskelivet: innen vitenskap, i utdanningsprosessen, i rettsmedisin (fotografering av åsteder, bevis etterlatt, etc.), i reklamebransjen, i ID-kort, i design, etc. Og hvis det er slik, daEr fotografi kunst?
Mål:
Finn ut om fotografering er en kunstform?
Oppgaver:
- Finn ut fødselshistorien og betydningen av fotografiet.
- Finn ut om fotografiet gjenspeiler virkeligheten objektivt?
- Finn ut hvorfor, etter fremveksten av fotografiet, sluttet ikke kunst å eksistere?
Min hypotese:
Fotografi er et bredere begrep enn fotokunst: ikke alt som er tatt med et kamera (som et filmkamera) vil være kunst.
Forskningsmetoder
2. Hoveddel
2.1. Fotograferingens fødsel og betydning
Ordet "fotografi" er oversatt fra gresk som "lysmaleri". Lys er hovedelementet for å skape et bilde i fotografering. Opprinnelsen til fotograferingsteknikken ligger i et optisk fenomen kjent siden antikken: hvis en lysstråle kommer inn i det lille hullet i et pinhole-kamera (latin for "mørkt rom"), vil et omvendt bilde av opplyste objekter under kameraet vises på den motsatte veggen.
Den første personen som tok et ekte bilde var Nicéphore Niepce. Dette skjedde på 20-tallet av 1800-tallet. Flere år etter forsøkene. Dette skjedde på 20-tallet av 1800-tallet. Noen år etter Niepces eksperimenter fikk Louis Jacques Daguerre et fotografisk bilde ved å bruke en tynn kobberplate belagt med et lag sølv i en kassett. Disse platene kalles daguerreotypier. I 1839 anerkjente det franske vitenskapsakademiet Daguerres fortjenester og gjorde oppdagelsen av den franske vitenskapsmannen til menneskehetens eiendom.
1839 er fotografiets offisielle fødselsår.
Daguerreotypier var enkeltkopier, det vil si at kopier ikke kunne lages fra dem, og fotografering er som kjent delt inn i to operasjoner - å få en negativ og å lage en positiv. Metoden for å få et negativ ble oppdaget av Fox Tabol i 1840.
Mye har endret seg siden den gang: fotografisk film dukket opp, teknologier for å produsere fargefotografering ble utviklet, og for ikke så lenge siden dukket digitaltrykk opp, basert på elektronisk teknologi som konverterer et optisk bilde til et elektrisk signal.
Fotografiets fødsel kan ikke bare forklares med utviklingen av teknologi.
30-40-tallet av 1800-tallet markerer fødselen til en slik bevegelse innen kunst som kritisk realisme. Et av realismens postulat kan formuleres som følger: ethvert menneskelig prinsipp er absolutt. Tilstedeværelsen av hver person med sitt eget fotografi (selv om det bare er i passet) beviser at hver av oss er lik hverandre i livet. Fotografering bekrefter vårt engasjement i livet og evigheten.
I verk av realisme menneskelig liv diskutert i historisk sammenheng(helten er alltid gitt i forhold til epoken).
Oppmerksomhet på hverdagen, detaljer - alt dette kjennetegner både realistisk arbeid og fotografering.
Fotografering er en vokter av fortiden: vi studerer historiske epoker, familieliv, etc. fra fotografier. R. Arnheim formulerte fotografiets generiske egenskaper som følger: «Uløselig knyttet til landskapets fysiske natur og menneskelige bosetninger, med dyr og mennesker, med våre bedrifter, lidelser og gleder, har fotografiet det privilegium å hjelpe mennesker med å studere seg selv. Utvid og bevar din erfaring, utveksle viktige budskap..." (Arnheim R. Nye essays om kunstens psykologi. - M., 1994, s. 132).
2.2. Gjenspeiler fotografi virkeligheten objektivt?
Studerer ulike kilder, lærte jeg at forskere har forskjellige syn på det realistiske potensialet til fotografering. For eksempel hevdet den franske vitenskapsmannen A. Bazin at et fotografisk bilde av et objekt «er selve objektet». Fotografering, ifølge forskeren, er objektiv, siden «mellom et objekt og dets bilde er det ingenting som står unntatt et annet objekt... All kunst er basert på tilstedeværelsen til en person, og bare i fotografering kan vi nyte hans fravær. Fotografi påvirker oss som et «naturlig» fenomen, som en blomst eller en snøkrystall...» (Bazin A. Hva er kino? - M., 1972. - s. 44). Fotografiets estetiske muligheter ligger i avsløringen av det virkelige, som fremstår direkte uten verbale eller andre kunstige mellomledd. Kameralinsen "frigjør motivet fra vanlige ideer og fordommer," og kino "fremstår foran oss som fullføringen av fotografisk objektivitet i den tidsmessige dimensjonen... For første gang blir bildet av ting også et bilde på deres eksistens i tid...» (Bazin A., s.45).
Det er også det motsatte synspunktet. "Vi vet alle," skriver Yu.M. Lotman, hvor forskjellige og forvrengende fotografier kan være. Jo nærmere vi kjenner en person, jo flere ulikheter finner vi i fotografier. For hver person hvis ansikt vi virkelig kjenner, foretrekker vi et portrett god artist lik hans ferdigheter innen fotografering. I den vil vi finne flere likheter. Men hvis vi blir presentert for et portrett og fotografi av en for oss ukjent person og bedt om å velge de mer pålitelige, vil vi ikke nøle med å stoppe ved fotografiet, slik er sjarmen til den "dokumentariske" naturen til denne typen tekst ” (Yu.M. Lotman. Om kunst. - St. Petersburg, 2000. - s. 297).
Konklusjoner: Denne undersøkelsen får oss til å forstå at flertallet (66,7%) mener at fotografering gjenspeiler virkeligheten objektivt, og resten
(33,3 %) tror ikke det.
2.3. Er fotografi kunst? Og hvorfor sluttet ikke kunsten å eksistere etter fotografiets fremkomst?
Mange fotografier er tilfeldige, hverdagslige, eller mer presist, uuttrykkelige, ikke-kunstneriske, det vil si at de er en enkel "kopiering av virkeligheten." Selvfølgelig, i våre hjemlige (ganske hverdagslige) fotografier, vil gjenstanden for bildet være mest interessant for oss: oss selv, våre kjære, kjære, venner, etc. Vil slike fotografier være kunst? For oss – uten tvil: hvor mange følelser og minner de vekker. Og for andre mennesker, fremmede for oss, vil objektet som er avbildet på bildet vårt være av interesse? Det er vanskeligere her.
Hvilke forutsetninger er nødvendige for at en «kopi hentet fra virkeligheten» skal bli kunst? Tilsynelatende det samme som for all annen kunst. "Kunst ... er den eneste aktiviteten som oppfyller oppgaven med å oppdage, uttrykke og formidle den personlige betydningen av aktivitet, virkelighet" (Leontyev A.N. Utvalgte psykologiske verk. - M., 1983. - s. 237).
Slike fremragende mestere fra det 20. århundre som A. Rengener-Patch, A. Cartier-Bresson, A. Rodchenko, L. Maholy-Nagy, Mann Ray og andre gjorde fotografering til en kunst.
Jeg gjorde et eksperiment med vennen min:Jeg la to bilder foran ham.
Når jeg så på dem, identifiserte min venn, basert på sin intuitive følelse, den ene som "kunstnerisk" og den andre som "ikke-kunstnerisk". På spørsmålet mitt: "Hvorfor konkluderte han med det?" - fulgte et litt vagt svar: «Vel, det er åpenbart, her er bare utsikten som var foran kamera, men her ble det lagt til noe, en slags stemning, fotografen ville uttrykke noe, si det på egen hånd, formidle det, du skjønner, en slags følelse..."
Jeg prøvde å uttrykke disse tankene på en mer spesifikk måte.
I produksjonen av ikke-kunstfotografi ble to deltakere identifisert som en venn: landskapet og kameraet; I produksjonen av kunstfotografi nevnte han tre deltakere: landskap, kamera, fotograf.
I det første tilfellet registrerte fotografiet automatisk det som falt inn i synsfeltet til linsen, i det andre ble noe lagt til det virkelige landskapet.
Faktisk, her er de tegnene som vanligvis kalles fremheving særegne trekk kunst: tilstedeværelsen av forfatterens subjektivitet, ... introduksjonen av tanken i det avbildede objektet, gjenoppbyggingen av objektet i forbindelse med kunstnerens generelle forståelse av verden.» Det vil si, "etter å ha blitt et kunstens faktum, blir den materielle verden humanisert og åndeliggjort, den får mening" (Yu. Lotman, Yu. Tsivyan, Dialogue with the Screen, - Talin, 1994. - s. 19-20.)
Ved å fotografere griper vi inn i miljøet rundt oss, vi "klipper ut" fra det en "bit" av virkeligheten som vi likte av en eller annen grunn, eller rett og slett trengte, eller falt sammen med noen av våre erfaringer, uttrykte en slags tanke.
Selvfølgelig har fotografi som kunst sine egne uttrykksmidler. Når vi ser på et fotografi, tar vi ikke bare hensyn til motivet, men også til planen, vinkelen, komposisjonen til rammen, lyset og fargen. Ved å kreativt bruke dem, bruke en eller annen optikk, svart-hvitt eller fargefilm, og nå også datamaskinens enorme evner, kan vi tolke verdens gjenstander på vår egen måte og lage komplekse kunstneriske bilder. Kunnskap om et arsenal av uttrykksfulle virkemidler garanterer imidlertid ikke et kunstnerisk fotografi av høy kvalitet. Som i enhver kunst trenger du en spesiell teft, inspirasjon og smak.
Første undersøkelse: Hvorfor sluttet ikke kunst å eksistere etter fotografiets bruk?
Konklusjoner: Basert på denne undersøkelsen kan jeg konkludere med at 84 % av de spurte mener at fotografi har blitt et av områdene innen kunst, og 16 prosent mener at fotografi er mye yngre enn kunst og kan erstatte det i fremtiden.
Konklusjoner: 32 prosent av de spurte mener at for å bli en god fotograf må du ha det mest moderne og høykvalitets utstyret, og 64 prosent mener fortsatt at hovedsaken ikke er utstyret, men hvem som bruker det.
Konklusjoner: Dette problemet er fortsatt kontroversielt for meg. Antallet tilhengere og motstandere av bruken av Photoshop i fotografering er delt inn i to identiske leire, og dette spørsmålet vil forbli ubesvart for oss.
Konklusjoner: Basert på denne undersøkelsen kan vi vurdere at 80 % av respondentene mener at fotografering er en kunst, 4 % svarte negativt, og 16 % vet ikke svaret på dette spørsmålet. Hva tror du?
Konklusjon
Min hypotese ble bekreftet – fotografering er ikke alltid kunst.
Alle som elsker fotografering, beundrer mesterverkene til profesjonelle, skaper høykvalitets selv, unike verk og samtidig ikke setter seg som mål å selge sin kreasjon - for dette er svaret åpenbart: fotografi er kunst!!! Og for de som bare tar bilder for seg selv, for hukommelsen, er fotografering rett og slett en fordel for livet, en nødvendig betingelse.
Vel, jeg tror at spørsmålet om fotografi er kunst eller ikke er kanskje like vanskelig å finne svar på som spørsmålet om meningen med vår eksistens. Noen tror at hvis du liker et bilde og skulle ønske du hadde tatt det, så er det kunst. Men etter min mening er ikke alt du liker kunst, og tvert imot, du trenger ikke alltid like kunst. Tross alt, skjønnhet og stygghet, godt og ondt - disse tingene er uatskillelige, derfor bør de like fylle kunst. Hvis vi bare ser skjønnhet, vil vi ikke oppfatte det. Ondskap og stygghet er like nødvendig som oksygen til lungene våre. Mennesker som drømmer om absolutt lykke tar mest sannsynlig feil; de forstår ikke at hvis det ikke var krig, ville det ikke vært fred, at de ikke ville kjenne en unse av lykke hvis de ikke hadde opplevd sorg. Livet i seg selv ville være kjedelig og ville miste all mening. Det er mye mer interessant å leve i en verden fylt med motsetninger som gjør en persons liv til det mest rike og varierte.
Litteratur
- Arnheim R. Nye essays om kunstens psykologi. – M., 1994, s.132
- Bazin A. Hva er kino? – M., 1972. – s.44
- Leontyev A.N. Utvalgte psykologiske arbeider. – M., 1983. – s. 237
- Lotman Yu., Tsivyan Yu., Dialog med skjermen, - Talin, 1994. - s. 19-20.
- http://www.adme.ru/tvorchestvo-fotografy/reshayuschij-moment-546455/
- http://pics2.pokazuha.ru/p442/s/w/7897210hws.jpg
Hva pleier du å gjøre når du våkner om morgenen? Mest sannsynlig er det mange som strekker seg etter smarttelefonen og begynner å bla gjennom nyhetsstrømmen på VKontakte, Facebook eller Twitter, men en av de mest populære sosiale nettverk har blitt Instagram de siste årene. Noen mennesker kan ikke lenger forestille seg livet uten det. Å stille ut bildene dine har blitt et helt ritual. Takket være dem ble det lettere å formidle følelser og selve handlingsøyeblikket.
Oppfinnelsen av fotografiet går tilbake til begynnelsen av 1800-tallet. Flere personer jobbet nesten samtidig med opprettelsen: Thomas Wedgwood Med William Henry Fox i England og Joseph Niepce Med Louis Daguerre i Frankrike. Imidlertid ble et forsøk på å fikse et hvilket som helst bilde gjort mye tidligere. Dette bevises av camera obscura ("mørkt rom"), brukt siden middelalderen. I dette øyeblikket vi snakker om om en boks med et lite hull hvor linsen senere ble satt inn. Det første kameraet var ganske vanskelig å bruke, siden på motsatt vegg av kameraet ga lyset som kom inn gjennom hullet et omvendt bilde.
Fotografering var en ekte sensasjon på 1800-tallet. For det første ble det snart kommersiell karakter, og for det andre ga det en direkte drivkraft til teknologisk fremgang, så forbedringen av fotografier gikk med stormskritt. Nedenfor er to bilder som ble tatt med 13 års mellomrom. Skaperen deres er Joseph Niepce.
Pinhole kamera
Bildet ble tatt i 1826, det første fotografiet fra livet
Dette bildet ble tatt i 1839
Faktisk skulle bildet over være et mannskap, men det kjørte for fort, så kameraet hadde ikke tid til å ta det; dette bildet ble tatt med en "eksponering" på 8 timer. Det var i år fotografering faktisk dukket opp.
På 1860-tallet var det mulig å redusere lukkerhastigheten fra 8 timer til 30 sekunder, noe som forårsaket enestående popularitet innen fotografering.
Utviklingen av fotografiet gikk ubønnhørlig fremover. Etter hvert ble de virkelige kunstverk, det var gjennom dem folk kunne se verden slik den var og forestille seg nye horisonter i et mer realistisk format.
Fremveksten av fotografiet som en uavhengig kunst begynte å dukke opp på slutten av 1800- og begynnelsen av 1900-tallet. Teknologien har nådd det punktet hvor hvert bilde som en fotograf tar, fanger de minste funksjonene i en modell eller et landskap. I dette øyeblikket var det en syntese av to retninger i kunsten, som tidligere bare hadde kunstnerisk sans: Slik ble modernisme og impresjonisme ett. Denne kombinasjonen viser Fred Holland-dagen, som stilte ut serien "Seven" på Philadelphia Salon i 1898 siste ord" Fotografiene skildrer de siste øyeblikkene av Kristi liv.
"Seven Last Words" av Fred Holland Day. Bildene viser forfatteren selv.
Men hvis Fred Day holdt seg til den klassiske presentasjonen av fotografi, endret avantgarde-tilnærmingen alt Alfred Stieglitz som gjorde fotografiet til det det er for oss i moderne verden. Hans spesiell tilnærming gjort en reell revolusjon i bransjen. Han begynte å fange stilleben og brakte nye trender til fotografiske portretter. Stieglitz eide flere kunstgallerier i New York, som viste ikke bare arbeidet hans, men også arbeidet til kunstnere fra Europa.
Det er hans verk som er et klassisk eksempel på fotografi på 1900-tallet.
Noen år senere grunnla han og Fred Day Photo-Secession, som ble den første fotokunstbevegelsen. Stieglitz promoterte også fotografiene sine gjennom blader som "MEDamera Notater» Og « Kamera arbeid» , hvor et nytt ord i kunst ble gitt til hver person som kjøpte bladet. Fotografen reiste mye, så samlingen hans inkluderte fotografier ikke bare av det amerikanske bybildet, men også fra Europa. Stieglitz måtte gjennom hele sin karriere forholde seg til forakt fra den kunstneriske eliten, som mente at fotografiet ikke fortjente samme hedersplass som maleriet. Som nevnt ovenfor var Alfred Stieglitz i stand til å bryte disse stereotypiene og tiltrekke offentlig oppmerksomhet til verkene hans. Det er verdt å merke seg at Stieglitz aldri forfulgte et kommersielt mål innen fotografering; han var, i motsetning til populær tro, en ekte kunstner, fordi hvert skudd krevde innsats - det være seg et fotografi av snødekte New York eller et forsøk på å stille lyset riktig for en modell.
Listen over fotografer som dukket opp etter Alfred Stieglitz er tallrik. Noen imiterte ham, mens andre konsentrerte aktivitetene sine i den kommersielle industrien, som utviklet seg raskt i Amerika gjennom det 20. århundre. Vi kan komme til den konklusjon at fotografiet i løpet av sin korte eksistens var i stand til å endre publikums holdning til seg selv flere ganger. Det gikk fra kommersiell virksomhet til høykunst, og ble deretter igjen til industri, men mesterverkene som fotografer fra det tidlige 20. århundre ga oss vil forbli for alltid. De eksisterer som en påminnelse om at folk pleide å sette litt mer pris på fotografering enn vi gjør nå.
Under fotografiets fødsel ble estetikken dominert av oppfatningen om at bare et menneskeskapt verk kan være kunst. Bildet av virkeligheten oppnådd ved hjelp av tekniske fysiske og kjemiske metoder kunne ikke engang kreve en slik status. Og selv om allerede de første fotografene, som graviterte mot kunstneriske bilder, viste betydelig komposisjonsoppfinnsomhet for å vise virkeligheten (noen ganger endret den til det ugjenkjennelige), offentlige verdier og prioriteringer i rollen som en av musene passet ikke fotografering inn på lenge.Imidlertid har alle moderne typer "teknisk kunst" - fotografi, kino, TV - opplevd en lignende utvikling: i begynnelsen av deres eksistens var de en slags morsomme attraksjoner, deretter tekniske midler for å overføre informasjon, og bare i ferd med å skape en ny kunst, et språk innenfor rammen av disse informasjons- og kommunikasjonssystemene, skjedde det en overgang til kommunikative og kunstneriske funksjoner. Dette betyr imidlertid ikke at problemet med forholdet mellom fotografi og kunst ikke ble diskutert. Den franske maleren Delaroche (1797–1856), som understreket mulighetene fotografiet åpner for, skrev: «Maleriet døde fra den dagen.» I motsetning til dette argumenterte et tysk magasin det motsatte: "...Oppdagelsen av fotografiet har Høy verdi for vitenskap og svært begrenset for kunst." I 1913 publiserte Riga-magasinet om praktisk og kunstnerisk fotografi "Rays" ("Stari") en spesiell artikkel "Photography and Art", som diskuterte spørsmålet om fotografi er kunst eller bare praktisk, anvendt ferdighet, hvor hovedrollen spilles av mestring av teknologi.Forfatteren av denne artikkelen kom til at spørsmålet om fotografi er kunst vil være gyldig så lenge fotografiet eksisterer. teknisk side er ikke nytt for kunsten, bare i fotografiet manifesterte det seg fra en historisk ny side. Å mestre fotografisk utstyr og mestre ferdigheten her ser ut som en enklere oppgave enn for eksempel å mestre teknikken med å spille musikk Instrument. Denne lettheten er det som villeder kritikere av fotografi som kunst. Kunstneren Delaroche så ham i det nye fenomenet kunstneriske trekk og dets sterke kunstneriske potensial.
I de første årene etter fremveksten (perioden med daguerreotypi), ble fotografering klassifisert av opinionen og spesialister fra ulike kulturfelt som morsomme pyntegjenstander. Fotografi fra denne perioden hadde ennå ikke verken dokumentarisk eller informasjonsinnhold, eller frihet til lysløsninger og funn, dvs. ingen av de trekkene som i dag teori anser som definerende for fotografering. Utviklingen av fotografiet ble i stor grad bestemt av sosiale behov. Fremveksten av avisbransjen ledet fotografiet inn i reportasjeretningen. På den tiden da de første "bevegelige bildene" (kino) dukket opp på grunnlag av fotografi, var selve fotografiet et beskjedent dokumentarisk bevis, underlegent i uttrykksevne og raffinement enn maleri og grafikk. Det oppsto stadig teoretiske debatter rundt fotografi: er det mulig å sammenligne fotografi med maleri når det gjelder kunstnerisk verdi? Er ikke fotografering et degenerert maleri hvor teknikk erstatter kunstnerens dyktighet? Omvendt er det ikke et fotografi moderne variasjon male, ta i bruk og utdype dets funksjoner, modifisere maleri i teknisk sivilisasjon, endre den kulturelle og estetiske betydningen tradisjonelt maleri? Men dette er ikke noe annet enn en motsetning mellom to fenomener i kunstnerlivet, to typer kunst, som tydelig trekker mot hverandre og interagerer med hverandre. Fotografiet frigjorde maleriet fra sin utilitaristiske funksjon - billedlig registrering av faktum, som var en av maleriets viktigste oppgaver selv i renessansen. Vi kan si at ved å gjøre dette hjalp fotograferingen utviklingen av maleriet og bidro til full identifisering av dets unike spesifisitet. Men fotografiet har også absorbert mye av den flere hundre år gamle erfaringen med utviklingen av kunst. Selve visjonen om verden "i rammen" er arven fra maleriet. Bilderammen er det første storyboardet til virkeligheten i kulturhistorien. Forkorting og konstruksjon av perspektiv, betrakterens evne til å "lese" et fotografi som et flatt bilde av et tredimensjonalt rom - alt dette utgjør en stor kulturarv, arvet fra fotografering ved å male. Maleriets innflytelse på fotografiet er enorm. Samtidig er fotografiets oppgave to-verdi, todimensjonal: på den ene siden å skille så fullstendig som mulig fra maleriet og bestemme egne grenser og muligheter, sin egen spesifisitet, på den andre siden til de fleste. behersker fullt ut den kunstneriske opplevelsen av å male på eget grunnlag.
En av sentrale problemer identifikasjon av enhver type kunst er et problem med språket. Ved å analysere historien til fotografiets visuelle språk skilles flere perioder med utviklingen ut. Til å begynne med, på grunn av den uunngåelige eksponeringslengden i fortiden, foretrakk fotografer å fotografere monumentale, ubevegelige ting (fjell, hus). For portretter måtte modellene fryse lenge. De som er portrettert på datidens fotografier er anspente og konsentrerte. Denne første perioden begynte i 1839 og fortsatte som hovedperioden i litt mer enn et tiår. Den andre perioden er knyttet til fremveksten av ny fotografisk teknologi, som gjorde det mulig å redusere lukkerhastigheten fra titalls minutter til sekunder og samtidig utvidet refleksjonsmulighetene mer og mer. bred rekkevidde objekter av virkeligheten. Fotografene søkte å lage hele verden. Reisende fotografer reiste rundt i mange land og begynte å utforske ikke bare rom, men også dybder offentlig liv, tilstede innsiktsfull psykologiske portretter deres samtid fra ulike sosiale lag i generaliserte bilder. Naturligheten og enkelheten til fotografiet skapte en friskhet av persepsjon og fortryllet med sin enkelhet.
På slutten av 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet. I fotografering utvikles en metode knyttet til bevisst inngripen av hånden i skapelsen av et verk - piktorialisme. Det er integrert i teknisk innovasjon - tørr teknologi. Ulempen med denne teknologien (mangel på tonalitetsrikdom) ble kompensert ved å påføre maling under utskrift. Når du lager et verk, var fotografen og kunstneren oftest forent i en person. Det fotografiske materialet ble betraktet som en "lineær referanse" for oversettelse, som krever kunstnerisk behandling. Manuell intonasjon sløret spontaniteten til det fotografiske bildet. Et forsøk på å overvinne piktorialismens motsetninger ble gjort av kunstnere som kontrasterte disharmoni og representasjon med rikdommen av tonaliteter og indre musikalitet, som er organisk iboende i selve virkeligheten, og ikke kunstig pålagt den. Dyp menneskelig følelse ble introdusert i forholdet mellom former uten montering.
 |
Tekniske midler for fotografering har redusert kostnadene ved menneskelig innsats for å oppnå et pålitelig bilde til et minimum: hvem som helst kan ta opp det valgte objektet. Den teknologiske siden av filming er fotografisk utstyrs ansvar. Den har sine egne tradisjoner og spesifikke parametere for håndverk. Men formålet med teknikken er annerledes: ikke å sikre den fulle effekten av "imitasjon", men tvert imot, en invasjon, en målrettet deformasjon av skjermen for å fremheve naturen og betydningen av det menneskelige forholdet til det som er vises.
Å resonnere om fotografiets kunstneriske natur er hovedsakelig mulig når det gjelder å søke og bekrefte grunnleggende likheter med tradisjonelle kunstformer (fotografi er en syntetisk nyvinning av kunstnerisk kultur på 1900-tallet) og når det gjelder å anerkjenne fotografiets grunnleggende trekk, dets grunnleggende forskjell fra tradisjonelle kunstformer (fotografi er en spesifikk innovasjonskultur på 1900-tallet). Hvert av disse aspektene ved studiet har sin egen interne logikk, og bare deres harmoniske kombinasjon, og ikke absolutiseringen av den ene ved å ignorere den andre, gjør det mulig å mer eller mindre objektivt bestemme fotografiets kunstneriske muligheter og natur. Kunsten til et verk indikeres av opplevelsen av skjønnhet, harmoni, en følelse av nytelse, effekten av personlig og pedagogisk påvirkning (sistnevnte er imidlertid ganske vanskelig å isolere og registrere øyeblikkelig og spesifikt). Det spesifikke ved fotografi som kunstform er dokumentar, autentisiteten til bildet og evnen til å forevige et øyeblikk. Med fokus på det fotografiske arbeidet kan vi fremheve en rekke betydelige egenskaper, som avslører funksjonene til fotografering. Hvert av de identifiserte trekkene til fotografiet kan ledsages av en detaljert kommentar. Oppgaven med å bestemme essensen av fotografi som kunstform er for det første å identifisere hvor mye det er mulig å abstrahere fra materialets natur og styre "frontal" persepsjon for å skape et kunstnerisk bilde, og for det andre hva sosial og kulturell funksjon denne eller den kunstneriske formen utfører, kombinert med et bestemt materiale, det vil si hvor rent og adekvat det kunstneriske arbeidet er registrert av kunstnerens selvbevissthet, samt av opinionen og teoretiske former for å forstå kunstnerlivet. Spesifisiteten til det kunstneriske bildet i fotografi er at det figurativt bilde dokumentarisk verdi. Fotografering gir et bilde som kombinerer kunstnerisk uttrykksevne legemliggjør med autentisitet og i et frossent bilde et vesentlig øyeblikk av virkeligheten. De berømte fotografiene, som skildrer bataljonssjefen som reiser soldater til angrep, møtet mellom heltene fra forsvaret av Brest-festningen, kombinerer kunstnerisk kraft og betydningen av et historisk dokument.
Et fotografisk bilde er som regel et iso-essay. Livets fakta i fotografiet, nesten uten ytterligere bearbeiding og endringer, ble de overført fra aktivitetssfæren til den kunstneriske sfæren. Imidlertid kan fotografering ta livsviktig materiale og så å si endre virkeligheten, og tvinge oss til å se og oppfatte den på en ny måte. Det bemerkede mønsteret opererer i krysset mellom dets informative-kommunikative og kommunikativ-kunstneriske betydning: et nakent faktum kan klassifiseres som et informativt, men dets kunstneriske tolkning vil være et fenomen av en annen orden. Og det er fotografens estetiske holdning til det som blir fotografert som bestemmer det endelige resultatet og effekten av fotografiet.
Når man vurderer fotografi fra den kunstneriske siden, er det nødvendig å dvele ved dens dokumentariske natur. Bildet inkluderer og kunstnerisk portrett samtids- og øyeblikkspressebilder (dokumenter) og fotoreportasjer. Selvfølgelig kan du ikke kreve fra alle offisielle informasjonsbilder høy kunst, men det er også umulig å se kun videoinformasjon og fotografisk dokumentasjon i alle svært kunstneriske verk. Dokumentar, autentisitet, virkelighet - dette er hovedtingene innen fotografering. I denne grunnleggende egenskapen ligger årsaken til fotografiets globale innflytelse på moderne kultur. Andre kvaliteter ved fotografi, dets egenskaper og deres betydning for kulturen som helhet krystalliserer seg når man sammenligner fotografi og individuelle typer kunst. Dokumentar er en kvalitet som først trengte inn i kunst og kultur med fotografiets fremkomst. Etter å ha vært brukt i forskjellige typer kunst, denne kvaliteten, hver gang brutt gjennom deres spesifisitet, dannet et nytt derivat. Fra andre kunstformer vendte disse derivatene, berikende dokumentarkunsten, tilbake til fotografiet, og utvidet og beriket ikke bare den kunstneriske kulturens fond, men også mulighetene for den estetiske praksisen til fotografiet som kunstform. Ikke-kunstnerisk fotografi, det vil si dokumentar når det gjelder teknikkene som brukes og journalistisk når det gjelder funksjonalitet, har i tillegg til informasjonsbelastningen også en estetisk. Fotojournalistikk, som du vet, appellerer direkte til dokumentar, som er iboende i fotografi og alle dens varianter fra fødselen. Denne egenskapen brukes imidlertid forskjellig avhengig av oppgaven. I tilfeller der vi snakker om fotokrøniker - samvittighetsfull, omfattende, protokollnøyaktig informasjon om en hendelse - avslører ikke individualiteten til forfatteren av bildet seg selv. Det er fullstendig underordnet registreringen av faktum, den ytterste påliteligheten av representasjonen. Det er en annen sak i fotojournalistikk. Her tar fotografen også for seg fakta om virkeligheten, men presentasjonen deres utføres grunnleggende i forfatterens visjon, de er farget av forfatterens personlige vurdering. Dokumentarisk og kunstnerisk innen fotografi smelter sammen og overlapper hverandre. Generelt eksisterer moderne fotografi i enhet av alle dens sider - ideologisk og kunstnerisk, semantisk og ekspressiv, sosial og estetisk.
Visse aspekter ved fotografi som kunstform manifesteres i valg av farge, kunstnerisk stil, sjanger, visuelt språk, spesifikke teknikker for bearbeiding av fotomateriale, fotografens personlige holdning til verket som lages osv. Farge er en av de viktigste komponentene i moderne fotokunst. Det oppsto i fotografiet under påvirkning av ønsket om å bringe det fotografiske bildet nærmere de virkelige formene for objekter. Farge gjør det fotografiske bildet mer autentisk i utseende. Denne faktoren forårsaket først behovet for fargelegging av rammer, og ga senere fart til utviklingen av fargefotografering. Påvirkningen fra malertradisjoner, hvor den meningsdannende fargebruken historisk sett har økt, er også her betydelig. I sine høyeste prestasjoner avviste kunstnerisk fotografering mer enn en gang tesen om bildenes statiske natur. Og farge spiller en viktig rolle i denne fornektelsen av immobilitet. Basert på erfaring med fargefotografier kan man formulere reglene for bruk av farge i fotografering. Den første av dem er å skyte i farger bare når det er av grunnleggende betydning, når uten farge er det umulig å formidle det som er ment. Den andre regelen: symbolikken til farger, lys, spill av toner og nyanser, akkumulert og akkumulert av tidligere kulturelle trender, opplevelsen av eldre former for kunst - maleri, teater og senere relaterte tekniske - kino og TV, kan effektivt brukes innen fotografering. Tredje regel: bruk fargekontrast for å skape semantisk kontrast. Fotografering har ennå ikke helt mestret farger. Hun må absorbere alt mer fullstendig farge palett fred. Farger må beherskes estetisk ved fotografering, og bli et middel ikke bare for skildring, men også for konseptuell forståelse av virkeligheten.
Kunstnerisk stil er et spesielt problem i fotografiets teori og praksis. Det er ikke løst innenfor rammen av spørsmålet om sjangere. I det empiriske aspektet inkluderer stilen pastell- og akvarellrammer, og grafisk strenge fotografier, og generelt "olje"-bilder, opp til en fullstendig imitasjon av maleri på lerret ved bruk av fotografiske midler. Teoretisk er stilproblemet i estetikk åpenbart ikke tilstrekkelig utviklet, og likevel kan det identifiseres i forhold til fotografi. I fotografi er både tilstedeværelsen og fraværet av kunstnerisk stil veldig tydelig. Det naturalistiske og dokumentariske bildet vil nøye demonstrere alle de små tingene og detaljene som er inkludert i objektivets plass. Men det blir et uorganisert kaos av visjon. Hvis et slikt fotografi er tatt fra vinkelen til forfatterens visjon, kunstnerisk og stilistisk utformet, vil resultatet bli et helt annet verk. Retningen, karakteren og styrken til forfatterens avvik fra "speil", naturalistisk, rent reflekterende fotografi bestemmer stilen i det fotografiske arbeidet. Det kan være rent individuelt eller tilsvare en bestemt skole, tradisjon, kunstprogram. Egenskapene til en fotografisk stil kan være assosiative og kunstneriske.
Nært knyttet til stilproblemet er spørsmålet om fotografiets nasjonale identitet. Ulike retninger innen fotografi, i ulik grad, viser avhengighet av nasjonalt kulturell tradisjon. For eksempel er reportasje- eller etnografisk-reportasjefotografi direkte relatert til kulturliv mennesker, med rytme Hverdagen, med sjelen til folket i dens hverdagslige manifestasjoner. Andre retninger, for eksempel kunstnerisk-konstruktive eller dekorative, gjengir nasjonalt innhold i kunstnerisk og estetisk abstrakte former. Alle stiler og sjangere innen fotografering, alt sammen nasjonale skoler er basert på mesterens spesifikke mestring av den kunstneriske verden.
Tid i en ramme er ikke entydig, endimensjonal. Her er det 2 hovedlag, som så å si er syntetisk smeltet sammen. Disse lagene er øyeblikkelig og monumentalitet, som til tross for deres polare korrelasjon er gjensidig avhengige av hverandre. Den kunstneriske verden er forent i den harmoniske enheten av alle komponenter, alle detaljene i kunstnerisk fotografi.
Fotografisk kunst forutsetter tilstedeværelsen av en fotograf-kunstner. Han er pålagt å ha forsiktig selektivitet, en spesiell personlig "visjon" som lar ham skille det som er verdig oppmerksomhet fra det som er eksternt, tilfeldig og ufullstendig. Ikke alle bilder blir et kunstverk, og tydeligvis produserer ikke alle filmer et vellykket fotografisk verk. Akkurat som en kunstner konstant lager skisser hver dag, trener en fotokunstner opp øyet sitt, sitt fotografiske syn på verden. Daglig arbeid lar deg polere utførelsesteknikken din og utvikle stabile prinsipper for moralsk, etisk og estetisk holdning til mulige objekter av fotografisk kunst. En fotograf må ha mange kvaliteter. Han må være psykolog, forstå karakteren til personen som blir portrettert, gripe øyeblikket av hans selvavsløring, kunne finne skjulte selvuttrykk i kroppsholdning, ansiktsuttrykk, ansiktsuttrykk, bakgrunn og presentasjonsvinkel for å kunne mer fullt ut avsløre hans indre verden og hans holdning til ham. Fotografen må ha dyp kunnskap om livet, dets ulike aspekter. Det er umulig å fotografere støping av stål i en åpen ildsted på en svært kunstnerisk måte uten å forestille seg, i det minste generelt sett, teknologien til denne prosessen; fotograf må være forsker. Ved å systematisk og konsekvent jobbe med et emne, lage en syklus av verk, registrerer mesteren ikke bare dokumentariske øyeblikk som over tid blir til historisk verdi. Ikke bare skaper en informativ bank av visuelle data, som, avhengig av sosiologiske, etnografiske, historisk natur kan brukes på forskjellige måter. Han skaper ikke bare et kunstverk, men fungerer også som forsker på et bestemt emne, ved å bruke en så interessant og rik i sin kognitive og epistemologiske form som fotografi. Samtidig blir det en måte for kunstnerisk erkjennelse og evaluering av fenomenet som fotograferes.
I fotografens person bør en mann med teknologi og estetikk forenes og syntetiseres, en mann som elsker nøyaktighet, klarhet og en mann fanget av et rush av inspirasjon, en mann med følelse og kontemplasjon, som vet hvordan man ser bilder og harmoni, fotokunstneren fungerer som en kroniker av tiden, noe som legger spesiell vekt på ham ansvar. Et ubebygd felt åpner seg foran ham, der han trenger å legge stier og stier, skissere områder avgrenset av div. funksjonalitet bilder. Estetikk gir ikke kunstneren en oppskrift og sikrer ikke garantert suksess. Den gir bare retningslinjer for søket, hvis resultat til syvende og sist avhenger av forfatterens talent og arbeid. På sluttfasen kreativ prosess estetikk er med på å utvikle en kunstnerisk vurdering av fotografiet.
Kritikk spiller en viktig rolle i utviklingen av fotografiet, inkludert den teoretisk-kritiske tenkningen til fotografene selv. Kritikk og teori, forutsatt at de er autoritative og kompetente, kan stoppe amatørlige debatter som forstyrrer og distraherer både fotografer og seere. For fotokritikk er en helhetlig betraktning av fotografiet som sosialt og kunstnerisk fenomen viktig. Noen aspekter ved kritisk analyse inkluderer: fotografiets sosiologi (fotografi som et tidsdokument, fotojournalistikk, en metode for mellommenneskelig kommunikasjon og et middel for massekommunikasjon, et journalistisk prinsipp i fotografi, på dette grunnlaget er det mulig å finne og utvikle kriterier for den sosiale betydningen av et fotografisk verk); fotografiets kulturologi (fotografi som et fenomen av moderne kultur og dens plass i systemet med kulturelle verdier; kriterier bestemmes på dette området kulturell betydning fotografiske verk); fotografiets psykologi (fotografi som et fast visuelt minne og en faktor for "tilstedeværelsen" av det fraværende; dette aspektet bidrar til å utvikle et kriterium for personlig betydning); fotografiets epistemologi (valg av et objekt og spesifikasjonene ved dets refleksjon i fotografi, ubetinget og betinget i fotografi, "tilnærming" og "avstand" fra virkeligheten i fotografi; problemer med livslikhet er forbundet med dette - kriterier for kunst, sannhet ); fotografiets aksiologi (mulighetene for en subjektiv holdning til et objekt i fotografering, problemer med å vurdere det som er avbildet; på dette nivået dannes kriterier for å vurdere kunstnerskap); fotografiets semiotikk (fotografikunstens språk, dets alfabet, morfologi, syntaks, grammatikk; informasjonsinnholdskriterier er definert her); fotografiets estetikk (fotografi som estetisk fenomen, fotografiets figurative og kunstneriske muligheter, verdens estetiske rikdom og dens kunstneriske utforskning i fotografiet, det er her kriteriene om estetisk betydning kommer til uttrykk).
Tar i betraktning ulike forhold kunstnerisk fotografi kan formulere sin essens, prøv å definere fotografisk kunst. Fotografisk kunst er skapelsen, ved hjelp av kjemiske og tekniske midler, av et visuelt bilde av dokumentarisk betydning, kunstnerisk uttrykksfullt og autentisk fanger et vesentlig øyeblikk av virkeligheten i et frossent bilde. Flere ganske klart definerte retninger har utkrystallisert seg i fotografiet: etnografisk-sosiologisk, reportasje, plakatreklame, kunstnerisk-konstruktiv, dekorativ, symbolsk-konseptuell, impresjonistisk. Hvert av disse områdene utfører sin egen spesifikke, klart definerte kulturelle og kommunikative funksjon. Disse retningene utelukker ikke hverandre. Den samme fotografen jobber som regel i flere av dem. Det er svært viktig å huske på halvfunksjonaliteten til kunstnerisk fotografi, slik at for eksempel ikke dens kunstnerisk-konstruktive funksjon setter den etnografisk-sosiologiske til side og omvendt, slik at konseptualiteten til fotografisk visjon går hånd i hånd med den nasjonale tradisjonen. Som enhver type kunst er fotografering underlagt de generelle lovene for utvikling av kunst, bevissthet og kunstnerisk verdensbilde. Det kunstneriske bildet vokser historisk på grunnlag av empirisk oppfattet virkelighet og reflekterer dannelsen og utviklingen av kulturell og semantisk formidling mellom kunstneren og omverdenen.
Utviklingen av enhver form for kunst kan sees på som selvbevissthet om ens egen kulturell funksjon, dvs. som dannelsen av kunstnerisk selvbevissthet innenfor en bestemt type kunst. For fotografiet betyr dette at kunstner-fotografen, når han kommer i kontakt med moderne virkelighet i tråd med etnografisk-sosiologisk, reportasje-, plakatfotografering, nødvendigvis fortsetter å utvikle seg og utdype kunstnerisk bilde innenfor rammen av symbolsk-konseptuell fotografi. Slik sett er konseptuell fotografering som et resultat av den kunstneriske livs-personlige opplevelsen, takket være hvilken fotokunstneren blir en mester og skaper varige verdier. Men noe annet følger av dette: alle retninger og sjangre av kunstnerisk fotografi utgjør den integrerte spesifisiteten til fotografiet som kunstform, og bare gjennom å forstå egenskapene og kunstneriske evnene til hver av dem er det mulig å skape en helhetlig og integrert idé om fotografering som en ny, moderne form kunst, på noen måter typisk for den eksisterende kunstforståelsen, og på noen måter å introdusere sine egne historiske og semantiske tilpasninger til forståelsen av kunstformenes system, relasjoner og funksjoner både innenfor rammen av kunstnerisk kultur og innenfor rammen av moderne. kultur generelt.
