Navnet på ballettgruppene til verdensteatrene. En kort historie om ballett
Publikasjonsseksjonen Teatre
Kjente russiske balletter. Topp 5
Klassisk ballett er en fantastisk kunstform som ble født i Italia under den modne renessansen, "flyttet" til Frankrike, hvor verdien av dens utvikling, inkludert grunnleggelsen av Danseakademiet og kodifiseringen av mange bevegelser, tilhørte kong Ludvig XIV. . Frankrike eksporterte kunsten teaterdans til alle europeiske land, inkludert Russland. På midten av 1800-tallet var ikke lenger hovedstaden i europeisk ballett Paris, som ga verden romantikkens mesterverk La Sylphide og Giselle, men Petersburg. Det var i den nordlige hovedstaden den store koreografen Marius Petipa jobbet i nesten 60 år, skaperen av systemet med klassisk dans og forfatteren av mesterverk som fortsatt ikke forlater scenen. Etter oktoberrevolusjonen ønsket de å kaste balletten av modernitetens skip, men de klarte å forsvare den. sovjetisk tid ble preget av opprettelsen av et betydelig antall mesterverk. Vi presenterer fem innenlandske toppballetter - i kronologisk rekkefølge.
"Don Quixote"
Scene fra balletten Don Quijote. En av de første produksjonene av Marius Petipa
Premiere på balletten av L.F. Minkus "Don Quixote" på Bolshoi Theatre. 1869 Fra albumet til arkitekten Albert Kavos
Scener fra balletten Don Quijote. Kitri - Lyubov Roslavleva (sentrum). Iscenesettelse av A.A. Gorsky. Moskva, Bolshoi Theatre. 1900
Musikk av L. Minkus, libretto av M. Petipa. Første produksjon: Moscow, Bolshoi Theatre, 1869, koreografi av M. Petipa. Påfølgende produksjoner: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1871, koreografi av M. Petipa; Moskva, Bolshoi Theatre, 1900, St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1902, Moskva, Bolshoi Theatre, 1906, alt - koreografi av A. Gorsky.
Balletten «Don Quijote» er en teaterforestilling full av liv og jubel, en evig feiring av dansen, som aldri sliter voksne og som foreldre tar barna med glede til. Selv om han kalles navnet på helten kjent roman Cervantes, men frastøtt fra en av episodene hans, "The Wedding of Quiteria and Basilio", og forteller om eventyrene til unge helter, hvis kjærlighet til slutt vinner, til tross for motstanden fra heltinnens sta far, som ønsket å gifte henne med de rike Gamache.
Så Don Quijote har nesten ingenting med det å gjøre. Gjennom hele forestillingen går en høy, tynn artist, akkompagnert av en kort, mager kollega som portretterer Sancho Panza, rundt på scenen, noen ganger gjør det vanskelig å se de vakre dansene komponert av Petipa og Gorsky. Ballett er i hovedsak en konsert i kostymer, en feiring av klassisk og karakteristisk dans, hvor alle artistene til enhver balletttropp har noe å gjøre.
Den første produksjonen av balletten fant sted i Moskva, hvor Petipa reiste fra tid til annen for å heve nivået til den lokale troppen, som ikke kunne sammenlignes med den strålende troppen til Mariinsky Theatre. Men i Moskva var det lettere å puste, så koreografen iscenesatte i hovedsak en ballettminne om fantastiske år ungdom tilbrakt i et solfylt land.
Balletten ble en suksess, og to år senere flyttet Petipa den til St. Petersburg, noe som nødvendiggjorde omarbeiding. Der var karakteristiske danser mye mindre interessert enn rene klassikere. Petipa utvidet "Don Quixote" til fem akter, komponerte en "hvit handling", den såkalte "Dream of Don Quixote", et ekte paradis for elskere av ballerinaer i tutus, eiere av pene ben. Antallet amoriner i "drømmen" nådde femtito...
Don Quijote kom til oss i en omarbeiding av Moskva-koreografen Alexander Gorsky, som var glad i ideene til Konstantin Stanislavsky og ønsket å gjøre den gamle balletten mer logisk og dramatisk overbevisende. Gorsky ødela Petipas symmetriske komposisjoner, kansellerte tutusen i "Dream"-scenen og insisterte på bruk av mørk sminke for de spanske danserne. Petipa kalte ham en "gris", men allerede i den første endringen av Gorsky ble balletten fremført på scenen til Bolshoi Theatre 225 ganger.
"Svanesjøen"
Kulisser for første forestilling. Stort teater. Moskva. 1877
Scene fra balletten Svanesjøen» P.I. Tsjaikovskij (koreografene Marius Petipa og Lev Ivanov). 1895
Musikk av P. Tsjaikovskij, libretto av V. Begichev og V. Geltser. Første produksjon: Moscow, Bolshoi Theatre, 1877, koreografi av V. Reisinger. Etterfølgende produksjon: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1895, koreografi av M. Petipa, L. Ivanov.
Alles favorittballett, den klassiske versjonen av den ble satt opp i 1895, ble faktisk født atten år tidligere på Bolsjojteatret i Moskva. Partituret til Tsjaikovskij, hvis verdensberømmelse ennå ikke skulle komme, var en slags samling "sanger uten ord" og virket for komplisert for den tiden. Balletten fant sted rundt 40 ganger og sank i glemselen.
Etter Tsjaikovskijs død ble Svanesjøen satt opp på Mariinskijteateret, og alle påfølgende produksjoner av balletten var basert på denne versjonen, som ble en klassiker. Handlingen ble gitt stor klarhet og logikk: Balletten fortalte om skjebnen til den vakre prinsesse Odette, som ble forvandlet til en svane etter det onde geniet Rothbarts vilje, om hvordan Rothbart lurte prins Siegfried, som ble forelsket i henne, ty til sjarmen til datteren Odile, og om heltenes død. Tsjaikovskijs partitur ble redusert med omtrent en tredjedel av dirigenten Ricardo Drigo og reorkestrert. Petipa laget koreografien for første og tredje akt, Lev Ivanov for andre og fjerde. Denne adskillelsen tilsvarte ideelt sett kallet til begge strålende koreografer, hvorav den andre måtte leve og dø i skyggen av den første. Petipa er faren til klassisk ballett, skaperen av upåklagelig harmoniske komposisjoner og sangeren til en kvinne-fe, en kvinne-leke. Ivanov er en innovativ koreograf med en usedvanlig følsom følelse for musikk. Rollen som Odette-Odile ble spilt av Pierina Legnani, "Queen of Milanese ballerinas", hun er også den første Raymonda og oppfinneren av 32 fouetter, den vanskeligste typen rotasjon på spisssko.
Du kan kanskje ikke noe om ballett, men Svanesjøen er kjent for alle. I de siste årene av eksistensen Sovjetunionen, da de gamle lederne avløste hverandre ganske ofte, varslet den inderlige melodien til den "hvite" duetten til hovedpersonene i balletten og utbruddene av vingearmer fra TV-skjermen den triste hendelsen. Japanerne elsker Swan Lake så mye at de er klare til å se den om morgenen og om kvelden, fremført av en hvilken som helst tropp. Ikke en eneste turnerende tropp, som det er mange av i Russland, og spesielt i Moskva, kan klare seg uten Lebedinoy.
"Nøtteknekker"
Scene fra balletten Nøtteknekkeren. Første oppsetning. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Mariinskii operahus. 1892
Scene fra balletten Nøtteknekkeren. Første oppsetning. Mariinskii operahus. 1892
Musikk av P. Tsjaikovskij, libretto av M. Petipa. Første produksjon: St. Petersburg, Mariinsky Theatre, 1892, koreografi av L. Ivanov.
Fra bøker og nettsider streifer det fortsatt feilaktig informasjon om at Nøtteknekkeren ble iscenesatt av faren til klassisk ballett Marius Petipa. Faktisk skrev Petipa bare manuset, og den første produksjonen av balletten ble utført av hans underordnede, Lev Ivanov. En umulig oppgave falt på Ivanovs lodd: manuset, skapt i stil med den da fasjonable ballett-extravaganzaen med uunnværlig deltagelse av en italiensk gjesteartist, var i åpenbar motsetning til Tsjaikovskijs musikk, som, selv om den er skrevet i strengt samsvar med Petipas instruksjoner, ble preget av stor følelse, dramatisk rikdom og kompleks symfonisk utvikling. I tillegg var ballettens heltinne en tenåringsjente, og ballerinastjernen var bare forberedt på den siste pas de deux (en duett med en partner, bestående av en adagio - en langsom del, variasjoner - solodanser og en coda (virtuos finale)). Den første produksjonen av Nøtteknekkeren, der den første, hovedsakelig en pantomime-akt, skilte seg kraftig fra den andre, en divertissement-akt, var ikke særlig vellykket, kritikere bemerket bare Waltz of the Snowflakes (64 dansere deltok i den) og Pas de deux av Dragee Fairy and the Prince of Kikhoste , som var inspirert av Ivanovs Adagio with a Rose fra Tornerose, hvor Aurora danser med fire herrer.
Men på 1900-tallet, som var i stand til å trenge ned i dypet av Tsjaikovskijs musikk, var Nøtteknekkeren bestemt for en virkelig fantastisk fremtid. Det er utallige ballettforestillinger i Sovjetunionen, europeiske land og USA. I Russland er produksjonene til Vasily Vainonen ved Leningrad State Academic Opera and Ballet Theatre (nå Mariinsky Theatre i St. Petersburg) og Yuri Grigorovich ved Bolshoi Theatre i Moskva spesielt populære.
"Romeo og Julie"
Ballett Romeo og Julie. Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939
Fru Patrick Campbeple som Juliet i Shakespeares Romeo og Julie. 1895
Finale av Romeo og Julie. 1940
Musikk av S. Prokofiev, libretto av S. Radlov, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky. Første produksjon: Brno, Opera- og Ballettteater, 1938, koreografi av V. Psota. Påfølgende produksjon: Leningrad, State Academic Opera and Ballet Theatre. S. Kirov, 1940, koreografi av L. Lavrovsky.
Hvis Shakespeares setning i en kjent russisk oversettelse lyder "Det finnes ingen tristere historie i verden enn historien om Romeo og Julie", så sa de om balletten til den store Sergei Prokofiev skrevet på dette plottet: "Det finnes ingen tristere historie i verden enn Prokofievs musikk i ballett". Virkelig fantastisk i skjønnhet, rikdom av farger og uttrykksfullhet, virket partituret til "Romeo og Julie" på det tidspunktet det dukket opp for komplisert og uegnet for ballett. Ballettdansere nektet rett og slett å danse til henne.
Prokofiev skrev partituret i 1934, og opprinnelig var det ikke ment for teatret, men for den berømte Leningrad Academic Choreographic School for å feire sitt 200-årsjubileum. Prosjektet ble ikke implementert på grunn av drapet på Sergei Kirov i Leningrad i 1934, og endringer brøt ut i det ledende musikkteateret i den andre hovedstaden. Heller ikke planen om å sette opp Romeo og Julie på Bolshoi i Moskva ble realisert. I 1938 ble premieren vist av et teater i Brno, og bare to år senere ble Prokofievs ballett endelig satt opp i forfatterens hjemland, på det daværende Kirov-teatret.
Koreograf Leonid Lavrovsky, innenfor rammen av "drambalet"-sjangeren (en form for koreografisk drama som er karakteristisk for balletten på 1930-50-tallet), ønsket velkommen av sovjetiske myndigheter, skapte et imponerende, spennende skue med nøye skulpturerte massescener og fint. definerte psykologiske egenskaper ved karakterene. Til hans disposisjon var Galina Ulanova, den mest raffinerte ballerina-skuespillerinnen, som forble uovertruffen i rollen som Juliet.
Prokofievs partitur ble raskt verdsatt av vestlige koreografer. De første versjonene av balletten dukket opp allerede på 1940-tallet. Skaperne deres var Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944) og Margarita Froman (Zagreb, 1949). Kjente produksjoner av "Romeo og Julie" tilhører Frederick Ashton (København, 1955), John Cranko (Milano, 1958), Kenneth MacMillan (London, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973).I. Moiseev, 1958, koreografi av Y. Grigorovich, 1968.
Uten "Spartacus" er konseptet "sovjetisk ballett" utenkelig. Dette er en skikkelig hit, et symbol på tiden. sovjetisk periode utviklet andre temaer og bilder, dypt forskjellige fra den tradisjonelle klassiske balletten som er arvet fra Marius Petipa og de keiserlige teatrene i Moskva og St. Petersburg. Eventyr med en lykkelig slutt ble arkivert, og de ble erstattet av heroiske historier.
Allerede i 1941 snakket en av de ledende sovjetiske komponistene, Aram Khachaturian, om sin intensjon om å skrive musikk til en monumental, heroisk forestilling som skal settes opp på Bolsjojteatret. Temaet for det var en episode fra gammel romersk historie, et opprør av slaver ledet av Spartacus. Khachaturian skapte et fargerikt partitur med armenske, georgiske, russiske motiver og fulle av vakre melodier og brennende rytmer. Produksjonen skulle iscenesettes av Igor Moiseev.
Det tok mange år før arbeidet hans kom ut til publikum, og det dukket ikke opp på Bolsjojteatret, men på teatret. Kirov. Koreograf Leonid Yakobson skapte en fantastisk og nyskapende forestilling, og forlot de tradisjonelle egenskapene til klassisk ballett, inkludert pointedans, ved å bruke gratis plastikk og ballerinaer iført sandaler.
Men balletten "Spartacus" ble en hit og et symbol på epoken i hendene på koreografen Yuri Grigorovich i 1968. Grigorovich imponerte seeren med en fullstendig bygget dramaturgi, subtil skildring av karakterene til hovedpersonene, dyktig iscenesettelse av folkescener, renhet og skjønnhet i lyriske adagios. Han kalte arbeidet sitt "en forestilling for fire solister med en corps de ballet" (corps de ballet - artister involvert i massedansepisoder). Vladimir Vasiliev spilte rollen som Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Phrygia - Ekaterina Maksimova og Aegina - Nina Timofeeva. Card de ballet var overveiende mannlig, noe som gjør balletten "Spartacus" unik.
I tillegg til de velkjente lesningene av Spartacus av Yakobson og Grigorovich, er det rundt 20 flere oppsetninger av balletten. Blant dem er versjonen av Jiri Blazek for Praha-balletten, Laszlo Serega for Budapest-balletten (1968), Jüri Vamos for Arena di Verona (1999), Renato Zanella for Wien-statsoperaballetten (2002), Natalia Kasatkina og Vladimir Vassilev for Statens akademiske teater regisserer de klassisk ballett i Moskva (2002).
Billetter til verdenskjente teaterforestillinger må bestilles lang tid i forveien. La oss prøve å finne ut hvordan disse attraksjonene tiltrekker seg teatergjengere fra hele verden og hvor mye en billett til beste teater fred.
Selvfølgelig mangler denne listen tydelig Bolshoi- eller Mariinsky-teatrene, men vi bestemte oss for å vie en egen artikkel til de mest kjente teatrene i Russland.
De mest kjente teatrene i verden
Livet er i full gang i Europas hovedsteder. Paris, London, Milano – ikke bare motefolk og turister med kamera strømmer hit. Intellektuelle - kjennere av arkitektur, teater, opera, ballett og musikk vil også glede seg.Covent Garden Theatre
LondonHovedstaden i Storbritannia er rik på teatre med historie. Det var på scenen til London Globe at Shakespeares skuespill ble satt opp for første gang. Men selv om Globen, som overlevde to rekonstruksjoner, fortsatt er i drift i dag, har Royal Opera House i Covent Garden, hjemmescenen til Royal Ballet og Royal Opera, status som det mest kjente teateret i London.
Den moderne bygningen er allerede den tredje. I 1732 åpnet teatret dørene for første gang for tilskuere som kom for å se produksjonen av "Secular Customs" basert på stykket av William Congreve. Etter 76 år ble Covent Garden-bygningen ødelagt av brann. Det tok 9 måneder å komme seg. Det gjenåpnede teateret gledet publikum med Macbeth. I 1856 brant teatret ned igjen, men to år senere ble det gjenfødt fra asken slik vi kan se det nå.
Storstilt rekonstruksjon teater ble holdt i 1990. Nå har den 4-etasjes salen plass til 2268 besøkende. Billettprisene til Covent Garden Theatre varierer fra £15 til £135.
storslått opera
ParisDet mest kjente teatret i Paris er Grand Opera. I 1669 "ga Ludvig XIV klarsignal" for grunnleggelsen av et operahus til poeten Pierre Perrin og komponisten Robert Kamber. Gjennom århundrene endret teatret navn og plassering flere ganger, inntil det i 1862 havnet i IX arrondissement i Paris, i en bygning tegnet av Charles Garnier, bygget i 1875 av arkitekten Charles Garnier.
Fasaden til teatret er luksuriøs - den er dekorert med fire skulpturer (personifikasjoner av drama, musikk, poesi og dans), samt syv buer. Bygningen er kronet med en majestetisk skinnende kuppel.
Scenen til Grand Opera har sett tysk, italiensk og franske komponister. Det var her premieren på Stravinskys opera «Mavra» fant sted. Dets nåværende navn er Palais Garnier, og det er kanskje det mest besøkte teateret i verden.
BlodåreØsterrike er fødestedet til mange klassikere: Haydn, Mozart, Beethoven, hvis musikk dannet grunnlaget for Wiens klassiske musikkskole. Kanskje det er derfor Wien-operaen trygt kan kalles det mest kjente operahuset i verden.
Operahuset ble bygget i 1869. Åpningen ble markert av Mozarts opera Don Giovanni.
Siden teaterbygningen ble bygget i stil med en ekstremt vanlig nyrenessanse, ble den gjentatte ganger utsatt for nådeløs kritikk - fasaden til bygningen virket kjedelig for innbyggerne i Wien, umerkelig.
Sekund verdenskrig teatret ble delvis ødelagt, men i 1955 ble det høytidelig gjenåpnet med operaen Fidelio av Beethoven. Når det gjelder antall forestillinger er det ingen av de andre operahusene som klarer å måle seg med Wieneroperaen. 285 dager i året settes det opp rundt 60 operaer i denne bygningen på Ringstrasse. Hvert år, en uke før den første fastedagen, arrangeres Wienerballet her – en begivenhet oppført på listen over immateriell kulturell rikdom beskyttet av UNESCO.
La Scala
Milan>Det var i renessansens Italia at moderne opera ble født. I 1776 likte den milanesiske arkitekten Giuseppe Piermarini et stykke land på stedet for den ødelagte kirken Santa Lucia della Scala. Det ble besluttet å bygge et operahus på den, som til slutt fikk navnet fra sin "forfader".
Under byggingen av fundamentet under jorden fant de en marmorplate med bildet av den gamle romerske skuespilleren Pylades, som byggherrene tok som et tegn ovenfra.
La Scalas første opera var Recognized Europe av komponisten Antonio Salieri. Det var i disse veggene at orkestrene til Gavazzeni Gianandrea, Arturo Toscanini og Riccardo Muti først lød.
I dag leses La Scala med rette av et av de mest kjente teatrene i verden. Dette er den første etter katedralen i Milano som turistene som ankom Milano inspiserer.
Sist gang teateret ble rekonstruert var på begynnelsen av 2000-tallet. Åpningen fant sted i 2004, og Salieris opera Fornyet Europa ble igjen vist på den renoverte scenen.
Palass for katalansk musikk
BarcelonaEt ganske ungt (sammenlignet med tidligere) teater, Palace of Catalan Music i Barcelona åpnet dørene for musikalske esteter i 1908. Barcelona elsker Gaudis spanske jugendstil, og derfor ble det besluttet å bygge landets hovedkonsertsal i samme stil - bølger og spiraler råder her over rette linjer.
Fasaden på palasset minner oss om at i Spania er europeiske og arabiske kulturer tett sammenvevd som ingen andre steder.
Men hovedfunksjon konsertsal- dens belysning. Lyset er helt naturlig. Kuppelen til Palace of Catalan Music er laget av farget glassmosaikk. Solstrålene, brutt, skaper en ubeskrivelig effekt!
Sydney operahus
SydneyOperahuset i Sydney er kanskje ikke det mest besøkte i verden, men det er definitivt det mest gjenkjennelige og uvanlige teateret. De hvite seillignende veggene har blitt et av verdens moderne underverker.
Den store åpningsseremonien fant sted i oktober 1973 med deltagelse av dronning Elizabeth II.
Alle vet hvordan Sydney Theatre ser ut fra utsiden, sjekk nå hvordan det ser ut inni - for en herlig kombinasjon av futurisme og gotikk!
Det totale arealet av bygningen overstiger to hektar. Inne finner du nesten tusen rom, for bygningen er «hovedkvarter» for Australian Opera, Sydney Symfoniorkester, National Ballet og Sydney Theatre Company.
Belysningen av teatret bruker energi, ganske sammenlignbar med strømforbruket til en liten australsk by.
Kabukiza
TokyoVi vet mye om europeiske teatre, men hva med teatret i øst? Hva er spesielt funksjonene til japanerne teaterkultur?
Klassisk japansk teater kombinerer drama, musikk, dans og poesi på scenen. Kulissene på forestillingene er ukomplisert, noe som ikke kan sies om maskene og kimonoer til skuespillerne. Meningen med forestillingen er en tøff nøtt å knekke for en uforberedt seer som ikke er kjent med japansk kultur og som ikke er i stand til å forstå de mange subtile referansene til mytologi, litteratur og historie.
Likevel er Tokyo Kabuki-za-teateret tilbedt ikke bare av japanerne, men også av turister - ingen av 1964-setene i salen er vanligvis tomme. Billettprisene starter på 15 000 yen (omtrent 8 000 rubler), og for en ekstra avgift kan seerne kjøpe en lydguide som forklarer alle detaljene om hva som skjer.
Radio City Music Hall
NYRadio City Music Hall ble bygget i hjertet av Manhattan i 1932, og har blitt et av New Yorkers favorittunderholdningssteder. Skuespill, musikaler, forestillinger jazzorkestre, ferske filmpremierer - alt dette kunne ses her. Tiden har endret seg, men stilen og glansen til Broadway-musikaler fra 1900-tallet vil fortsatt fengsle både amerikanere og turister.
Den tradisjonelle julemusikalen er spesielt populær.
Radio City har plass til 6000 mennesker samtidig, og det er grunnen til at scenen ofte arrangerer nasjonale begivenheter som Grammy Music Awards.
Radiorådhusets stolthet er et enormt orgel med 4410 piper.
Semper Opera
DresdenHun er Dresden National Opera eller Semperoper til ære for arkitekten Gottfried Semper. Den majestetiske nyrenessansebygningen fikk først besøk 12. april 1841. Det første verket som lød fra denne scenen var Goethes skuespill Iphigenia in Tauris. Deretter fant premierene på mange operaer av Richard Wagner sted her.
Innsendt av copypaster onsdag, 15/08/2007 - 01:11
Ballett er en ganske ung kunst. Den er litt over fire hundre år gammel, selv om dans har dekorert menneskelivet siden antikken.
Ballett ble født i Nord-Italia under renessansen. De italienske prinsene elsket storslåtte palassfestligheter, der dans inntok en viktig plass. Landsdanser var ikke egnet for hoffdamer og herrer. Kjortlene deres, som salene der de danset, tillot ikke uorganisert bevegelse. Spesiallærere – dansemestere – prøvde å få orden på ting i hoffdanser. De øvde på individuelle figurer og bevegelser av dansen med adelen på forhånd og ledet grupper av dansere. Etter hvert ble dansen mer og mer teatralsk.Begrepet "ballett" dukket opp på slutten av 1500-tallet (fra den italienske ballett - til dans). Men da betydde det ikke en forestilling, men kun en dansepisode som formidler en viss stemning. Slike «balletter» besto vanligvis av lite sammenhengende «utganger» av karakterer – oftest helter greske myter. Etter slike "outputs" begynte en felles dans - den "store balletten".
Den første ballettforestillingen var Queen's Comedy Ballet, iscenesatt i Frankrike i 1581 av den italienske koreografen Baltazarini di Belgiojoso. Det var i Frankrike det videre utvikling ballett. Til å begynne med var dette maskeradeballetter, og deretter pompøse melodramatiske balletter på ridderlige og fantastiske handlinger, der dansepisoder ble erstattet av vokalarier og opplesning av dikt. Ikke bli overrasket, på den tiden var balletten ikke bare en danseforestilling.
Under Ludvig XIVs regjering nådde forestillingene til hoffballetten en spesiell prakt. Louis selv elsket å delta i balletter, og fikk sitt kjente kallenavn «The Sun King» etter å ha spilt rollen som Solen i «Ballet of the Night».
I 1661 opprettet han Royal Academy of Music and Dance, som inkluderte 13 ledende dansemestere. Deres plikt var å bevare dansetradisjonene. Direktøren for akademiet, den kongelige danselæreren Pierre Beauchamp, identifiserte de fem grunnleggende posisjonene til klassisk dans.
Snart ble Paris Opera åpnet, koreografen som var den samme Beauchamp. Under hans ledelse ble det dannet en balletttropp. Til å begynne med besto den bare av menn. Kvinner dukket opp på scenen til Paris Opera først i 1681.
Teateret satte opp operaballetter av komponisten Lully og komedier-balletter av dramatikeren Molière. Til å begynne med deltok hoffmenn i dem, og forestillingene skilte seg nesten ikke fra palassforestillinger. De allerede nevnte langsomme menuettene, gavottene og pavanene ble danset. Masker, tunge kjoler og høyhælte sko gjorde det vanskelig for kvinner å utføre komplekse bevegelser. Derfor ble menns danser preget av større nåde og nåde.
Ved midten av 1700-tallet fikk ballett stor popularitet i Europa. Alle de aristokratiske domstolene i Europa forsøkte å etterligne luksusen til det franske kongehoffet. Operahus åpnet i byene. Tallrike dansere og danselærere fant lett arbeid.
Snart påvirket av mote kvinnelige ballett kostyme ble mye lettere og friere, under den ble kroppens linjer gjettet. Dansere forlot sko med hæler, og erstattet dem med lette hælløse sko. Herrekostymet ble også mindre tungvint: tettsittende pantaloons til knærne og strømper gjorde det mulig å se figuren til danseren.
Hver innovasjon gjorde dansene mer meningsfulle, og danseteknikken høyere. Gradvis skilte ballett seg fra opera og ble til en selvstendig kunst.
Selv om den franske ballettskolen var kjent for sin ynde og plastisitet, var den preget av en viss kulde og formalitet i fremføringen. Derfor var koreografer og kunstnere på jakt etter andre uttrykksmåter.
På slutten av 1700-tallet ble en ny trend i kunsten født - romantikken, som hadde sterk innflytelse på ballett. I en romantisk ballett sto danseren på spisse sko. Maria Taglioni var den første som gjorde dette, og endret fullstendig de tidligere ideene om ballett. I balletten «La Sylphide» dukket hun opp som en skjør skapning fra underverden. Suksessen var slående.
På denne tiden dukket det opp mange fantastiske balletter, men dessverre var den romantiske balletten den siste storhetstiden. dansekunst i Vesten. Fra den andre halvparten av XIXårhundres ballett, etter å ha mistet sin tidligere betydning, har blitt et vedlegg til operaen. Først på 1930-tallet, under påvirkning av russisk ballett, begynte gjenopplivingen av denne kunstformen i Europa.
I Russland ble den første ballettforestillingen - "Balletten av Orfeus og Eurydike" - satt opp 8. februar 1673 ved tsar Aleksej Mikhailovichs hoff. Seremonielle og langsomme danser besto av en endring av grasiøse stillinger, buer og bevegelser, alternerende med sang og tale. Nei betydelig rolle han spilte ikke i utviklingen av scenedans. Det var bare nok en kongelig "moro", som tiltrakk seg med sin uvanlighet og nyhet.
Bare et kvart århundre senere, takket være reformene til Peter I, kom musikk og dans inn i det russiske samfunnets liv. Obligatorisk dansetrening ble innført i adelige skoler. Ved hoffet begynte musikere som ble utskrevet fra utlandet å opptre, operakunstnere og ballettkompanier.
I 1738 ble den første ballettskolen i Russland åpnet, og tre år senere ble 12 gutter og 12 jenter fra palasstjenerne de første profesjonelle danserne i Russland. Først opptrådte de i ballettene til utenlandske mestere som figuranter (som corps de ballet dancers ble kalt), og senere i hoveddelene. Den tidens bemerkelsesverdige danser, Timofey Bublikov, strålte ikke bare i St. Petersburg, men også i Wien.
På begynnelsen av 1800-tallet nådde russisk ballettkunst sin kreative modenhet. Russiske dansere brakte uttrykksevne og spiritualitet til dansen. A. S. Pushkin følte dette veldig nøyaktig og kalte dansen til sin samtidige Avdotya Istomina "en flytur fylt med sjel."
Ballett tok på den tiden en privilegert posisjon blant andre typer teaterkunst. Myndighetene ga det stor oppmerksomhet, ga statstilskudd. Balletttropper fra Moskva og St. Petersburg opptrådte i velutstyrte teatre, og nyutdannede fra teaterskoler fylte årlig opp staben med dansere, musikere og dekoratører.
Arthur St. Leon
I ballett-teaterets historie møter man ofte navn på utenlandske mestere som spilte en betydelig rolle i utviklingen av russisk ballett. Først og fremst er disse Charles Didelot, Arthur Saint-Leon og Marius Petipa. De var med på å skape den russiske ballettskolen. Men talentfulle russiske artister gjorde det også mulig å avsløre talentene til lærerne sine. Dette tiltrakk alltid Europas største koreografer til Moskva og St. Petersburg. Ingen steder i verden kunne de møte en så stor, talentfull og veltrent tropp som i Russland.
På midten av 1800-tallet kom realismen til russisk litteratur og kunst. Koreografer prøvde febrilsk, men til ingen nytte, å skape realistiske forestillinger. De tok ikke hensyn til at ballett er en betinget kunst og realisme i ballett skiller seg vesentlig fra realisme i maleri og litteratur. Ballettkunstens krise begynte.
Et nytt stadium i den russiske balletthistorien begynte da den store russiske komponisten P. Tsjaikovskij først komponerte musikk til balletten. Det var Svanesjøen. Før det ble ballettmusikken ikke tatt på alvor. Hun ble vurdert dårligere syn musikalsk kreativitet, bare et akkompagnement til dans.
Takket være Tsjaikovskij ble ballettmusikk en seriøs kunst sammen med opera og symfonisk musikk. Tidligere var musikk helt avhengig av dans, nå måtte dans adlyde musikk. Nye uttrykksmåter og en ny tilnærming til å lage en forestilling var nødvendig.
Den videre utviklingen av russisk ballett er knyttet til navnet på Moskva-koreografen A. Gorsky, som, etter å ha forlatt de utdaterte teknikkene til pantomime, brukte teknikkene til moderne regi i en ballettforestilling. Å gi veldig viktig den pittoreske utformingen av forestillingen, tiltrakk han de beste kunstnerne til å jobbe.
Men den sanne reformatoren av ballettkunsten er Mikhail Fokin, som gjorde opprør mot den tradisjonelle konstruksjonen ballettforestilling. Han hevdet at temaet for forestillingen, musikken, epoken handlingen finner sted i, hver gang krever forskjellige dansebevegelser, et annet dansemønster. Da han iscenesatte balletten "Egyptian Nights" ble Fokine inspirert av poesien til V. Bryusov og gamle egyptiske tegninger, og bildene av balletten "Petrushka" var inspirert av poesien til A. Blok. I balletten Daphnis og Chloe forlot han pointedansen og gjenopplivet antikke fresker i frie, plastiske bevegelser. Hans "Chopiniana" gjenopplivet atmosfæren til romantisk ballett. Fokin skrev at han "drømmer om å skape et ballettdrama fra ballett-moro, fra dans - et forståelig, talende språk." Og han lyktes.
Anna Pavlova
I 1908 begynte de årlige forestillingene til russiske ballettdansere i Paris, organisert av teaterfiguren S. P. Diaghilev. Navnene på dansere fra Russland - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - ble kjent over hele verden. Men den første i denne raden er navnet på den uforlignelige Anna Pavlova.
Pavlova - lyrisk, skjør, med langstrakte kroppslinjer, store øyne - fremkalte graveringer som skildrer romantiske ballerinaer. Heltinnene hennes formidlet en rent russisk drøm om et harmonisk, åndeliggjort liv eller lengsel og sorg etter et uoppfylt. Den døende svanen, skapt av den store ballerinaen Pavlova, er et poetisk symbol på russisk ballett på begynnelsen av 1900-tallet.
Det var da, under påvirkning av russiske kunstneres dyktighet, at vestlig ballett ristet seg og fikk en ny vind.
Etter oktoberrevolusjonen i 1917 forlot mange skikkelser fra ballettteatret Russland, men til tross for dette overlevde skolen for russisk ballett. Bevegelsens patos mot et nytt liv, revolusjonerende temaer og ikke minst muligheten for kreative eksperimenter inspirerte ballettmestrene. Deres oppgave var å bringe koreografisk kunst nærmere folket, for å gjøre den mer vital og tilgjengelig.
Slik oppsto sjangeren dramatisk ballett. Dette var forestillinger, vanligvis basert på kjente handlinger bokstavelig talt virker, som ble bygget i henhold til lovene til en dramatisk forestilling. Innholdet i dem ble presentert ved hjelp av pantomime og billeddans. På midten av 1900-tallet var dramatisk ballett i krise. Koreografene gjorde forsøk på å bevare denne ballettsjangeren, og forbedret forestillingen ved hjelp av sceneeffekter, men dessverre forgjeves.
På slutten av 1950-tallet kom et vendepunkt. Koreografer og dansere av en ny generasjon har gjenopplivet glemte sjangere - enakters ballett, ballettsymfoni, koreografisk miniatyr. Og siden 1970-tallet har det oppstått uavhengige balletttropper, uavhengig av opera og ballettteatre. Antallet deres øker stadig, blant dem er det studioer med fri dans og moderne dans.
på 1500-tallet har den kommet langt og har i vår tid blitt populær over hele verden. Tallrike ballettskoler og teatertroppene, hvis antall øker hvert år, er både klassiske og moderne.
Men hvis det er dusinvis av kjente showballetter, og faktisk bare skiller seg fra andre danseensembler i ferdighetsnivået, kan nasjonale ballett-teatre med en lang historie telles på fingrene.
Russisk ballett: Bolshoi og Mariinsky Theatres
Du og jeg har noe å være stolte av, for russisk ballett er en av de beste i verden. Svanesjøen, Nøtteknekkeren, de berømte plastballettene som dukket opp i vårt land på begynnelsen av 1900-tallet gjorde Russland til det andre hjemmet for denne kunsten og ga teatrene våre en endeløs strøm av takknemlige tilskuere fra hele verden.
I dag konkurrerer troppene til Bolshoi- og Mariinsky-teatrene om tittelen de beste, hvis ferdigheter blir forbedret dag for dag. Danserne til begge troppene er valgt ut blant elevene ved St. Petersburg-akademiet oppkalt etter A. Ya. Vaganova, og fra de første treningsdagene drømmer alle studentene om en dag å spille solo på hovedscenen i landet. .
Fransk ballett: Grand Opera
Verdensballettens vugge, hvis holdning til forestillinger har vært uendret i tre århundrer, og hvor bare klassisk akademisk dans eksisterer, og alt annet blir sett på som en forbrytelse mot kunsten, er den ultimate drømmen for alle dansere i verden.
Hvert år fylles medlemskapet på med bare tre dansere som har gått gjennom så mange valg, konkurranser og tester som selv astronautene aldri drømte om. Billetter til Paris-operaen er ikke billige, og bare de mest velstående kunstkjennerne har råd til dem, men salen er full under hver forestilling, for i tillegg til franskmennene selv, kommer alle europeere hit som drømmer om å beundre klassisk ballett.
USA: American Ballet Theatre
American Ballet Theatre fikk stor popularitet etter utgivelsen av "The Black Swan", og ble grunnlagt av solisten fra det russiske Bolshoi Theatre.
Balletten har sin egen skole og ansetter ikke dansere utenfor og har en særegen russisk-amerikansk stil. Produksjonene sameksisterer med klassiske historier, som den berømte nøtteknekkeren, og nye danseveiledning. Mange ballettkjennere hevder at ABT har glemt kanonene, men populariteten til dette teatret vokser år for år.
Storbritannia: Birmingham Royal Ballet
London Ballet, kuratert av dronningen selv, er liten når det gjelder antall dansere, men utmerker seg ved strengheten i utvalget av deltakere og repertoar. Her møter du ikke moderne trender og sjangeravvik. Kanskje det er derfor, ute av stand til å motstå de harde tradisjonene, mange unge stjerner av denne balletten forlate ham og begynne å lage sine egne tropper.
Det er ikke lett å komme til fremføringen av den kongelige balletten, bare de mest edle og rike menneskene i verden hedres med dette, men en gang hver tredje måned arrangeres veldedighetskvelder med åpen inngang her.
Østerriksk ballett: Wieneroperaen
Historien til Wien-operaen har et og et halvt århundre, og hele denne tiden har russiske dansere vært de første solistene i troppen. Wiens operahus er kjent for sine årlige baller, som ikke fant sted før andre verdenskrig, og er Østerrikes mest besøkte attraksjon. Folk kommer hit for å beundre de talentfulle danserne, og når de ser på sine landsmenn på scenen, snakker de stolt morsmålet sitt.
Det er veldig enkelt å få billetter her: takket være den enorme salen og fraværet av forhandlere, kan du gjøre det på ballettdagen, de eneste unntakene vil være premieredagene og sesongåpningen.
Så hvis du vil se klassisk ballett fremført av de mest talentfulle danserne, gå til en av disse teatrene og nyt den eldgamle kunsten.
Storbritannia. Før turneen til Diaghilev og Anna Pavlova-troppen i London på 1910- og 1920-tallet, ble ballett presentert i England hovedsakelig ved fremførelser av individuelle kjente ballerinaer på scenene i musikkhaller, for eksempel danske Adeline Genet (1878-1970). Engelsk ballett skylder sin fødsel til to kvinner som jobbet for Diaghilev: Marie Rambert (1888-1982), opprinnelig fra Polen, og Ninette de Valois (f. 1898), født i Irland, men utdannet i London. Rambert, en elev av musikeren og skaperen av systemet for rytmisk gymnastikk Emile Jacques-Dalcroze, ble invitert av Diaghilev til å hjelpe Nijinsky da han måtte jobbe med partituret til Stravinskys The Rite of Spring, som var veldig vanskelig med tanke på rytmen . I flere år danset hun i corps de ballet til den russiske balletttroppen, returnerte deretter til England og åpnet i 1920 sin egen skole. Elevene hennes opptrådte, først kalt Marie Rambert Dancers, deretter som en del av Ballet Club, på det lille Mercury Theatre, som ligger i Nottinhill Gate, London. Det var på Rambert at mange kjente engelske artister begynte sin karriere, inkludert koreografene Frederick Ashton og Anthony Tudor. Begge begynte å danse som voksne, men begynte ganske snart å sette opp små balletter på Rambert's. På 1930-tallet vokste en hel generasjon unge engelske dansere opp i sine produksjoner. De Valois, som også danset i Diaghilevs tropp, åpnet etter å ha forlatt ham en skole i London, som snart ble en del av Sadler's Wells Theatre, og i 1931 ble Vic Wells Ballet dannet av hennes elever; i 1948 ble den kalt "Sadler's Wells Balle". Ashton slo seg sammen med Ninette de Valois for å lage balletter som brakte frem talentene til unge artister trent av de Valois, Margot Fontaine (1919-1991), Beryl Gray (f. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer (f. 1926). Med deres deltakelse ble det i løpet av de neste førti årene utviklet en spesifikt engelsk stil for ballettopptreden og fremføring, som er preget av virtuositet, dramatikk og ren klassisk lyrikk. Ashtons produksjoner inkluderer de fulle av humor (Facade, 1931, musikk av William Walton; Vain Precaution, 1960, musikk av Ferdinand Herold, arrangert av John Lunchbury) og tragiske (Ondine, 1958, musikk av H.W. Henze; A Month in the Country, 1976, på musikk av F. Chopin), plotløs (Symphonic Variations, 1946, til musikk av S. Frank; Monotony 1 og Monotony 2, 1965, 1966, til musikk av E. Satie) og narrativ (Askepott, 1948, musikk av Prokofiev; Dream, 1964, på musikk av F. Mendelssohn i behandlingen av Lanchbury). Ashton skapte villig balletter basert på litterære verk: Drømmen hans er for eksempel basert på Shakespeares skuespill A Midsummer Night's Dream, og A Moon in the Country er basert på Turgenevs skuespill med samme navn. Ashtons muse var Margot Fonteyn, hvis talent som ballerina utviklet seg samtidig med hans koreografiske eksperimenter. Han skapte sin siste ballett for henne i 1963: dette er Marguerite og Armand (basert på Damen med kameliaer av Alexander Dumas sønn og til musikken til F. Liszt). På dette tidspunktet opplevde Fonteyn, som allerede var over førti, så å si en ungdom på andre trinn, og fant en ny partner i personen til danseren Rudolf Nureyev, som emigrerte fra Sovjetunionen. Ashton ble inspirert av talentene til de fleste forskjellige utøvere: drama karakteristisk for Lynn Seymour (f. 1939) eller Christopher Gable (1940-1998), strålende teknikk og samtidig emosjonalitet, manifestert i duetten til Anthony Dowell (f. 1943) og Antoniet Sibley (f. 1939). Dessverre, etter Ashtons død (1988), blir ikke oppsetningene hans bevart med samme omhu som Balanchine- eller Tudor-balletter blir bevart i Amerika. På 1930-tallet inviterte Ninette de Valois direktøren for Mariinsky-teateret Nikolai Sergeev (1876-1951), som hadde emigrert fra Russland, til å sette opp klassiske balletter fra 1800-tallet for å berike repertoaret og gi kunstnere muligheten til å mestre tidligere uvante danseformer. I 1956 hadde Sadler's Wells Ballet blitt Royal Ballet og opptrådt i Royal Opera House, Covent Garden. I repertoaret hans på 1960- og 1970-tallet, sammen med tradisjonelle klassiske verk og produksjoner av Frederick Ashton, dramatiske balletter av Kenneth Macmillan dukket opp. Forestillingene hans er bemerkelsesverdige for sitt understrekede drama, de er fulle av akrobatiske trinn og støtter som fungerer som et uttrykk for intense følelser. Macmillans mest suksessrike forestillinger var flerakteren Romeo and Juliet (musikk av Prokofiev, 1965) og Manon (1974, til musikk av J. Massenet, arrangert av Leighton Lucas), som settes opp i mange land. Ashton, som ledet Royal Ballet fra 1963, gikk av med pensjon i 1970 etter at de Valois sluttet. Fram til 1977 jobbet kompaniet under Macmillan, deretter Norman Morris (f. danser og koreograf Martha Graham (1894-1991). I 1986 overtok Dowell, en danser som hadde jobbet med Ashton, som sjef for kompaniet, mens Macmillan forble en av kompaniets koreografer til sin død i 1992. Han ble erstattet av David Bintley (f. 1957), hvis balletter, noen ganger dramatisk, noen ganger uten plott, veldig mangfoldig i stil og sjanger. Dowell introduserte produksjonene til Balanchine og Robbins i repertoaret, samt verkene til W. Forsyth og noen av troppens dansere. Han inviterte dansere fra Russland, Frankrike og USA som gjester, men samtidig ga han oppmerksomhet til sine egne artister: Under ham blomstret talentene til Darcy Bussel (f. 1969) Viviana Durante (f. 1967). Som svar på kritikk som pekte på mangel på oppmerksomhet til Ashtons arv, arrangerte Dowell Royal Ballet Festival for sesongen 1994-1995. Gjennom 1940- og 1940-tallet fortsatte Balle Rambert-troppen å iscenesette nye balletter, og beholdt de originale klassiske ballettene i repertoaret, designet for en liten rollebesetning. I 1966 ble troppen omorganisert, og forlot helt tradisjonelle forestillinger og beholdt kun verk i den moderne dansestilen. I 1987 ble Richard Alston (f. 1948), som hovedsakelig var påvirket av stilen til den amerikanske koreografen Merce Cunningham (f. 1919), dens leder. I 1994 ble dette innlegget tatt av Christopher Bruce (f. 1945), tidligere hoveddanser og koreograf for troppen. Andre engelske kompanier inkluderer English National Ballet, som har sin direkte forgjenger i kompaniet grunnlagt i 1949 av tidligere Diaghilev-dansere Alicia Markova og Anton Dolin (1904-1983), som i mange år bar navnet «London Festival Balle». I 1984 gjenopplivet dansken Peter Schaufus (f. 1949), som ledet troppen, Ashtons ballett Romeo og Julie, som på dette tidspunktet var nesten glemt. I 1990 ble Ivan Nagy leder for troppen. Kongelig ballett alltid opprettholdt en andre, liten mobil tropp. Hun bosatte seg i Birmingham på 1990-tallet og er nå kjent som Birmingham Royal Ballet.
Sovjet-Russland og andre land. I Russland mistet ikke ballett sin betydning i årene etter første verdenskrig og under sovjetisk styre, selv da den politiske og økonomiske situasjonen så ut til å true selve eksistensen til Bolsjoj og Mariinskij (oppkalt etter oktoberrevolusjonen). Statsteater opera og ballett, GOTOB, og siden 1934 - navnet på S.M. Kirov) teatre. 1920-tallet er en periode med intens eksperimentering både i form og innhold i en ballettforestilling. Det er også produksjoner av Proletkult om politiske og sosiale temaer, og i Moskva verkene til Kasyan Goleizovsky (1892-1970), og i Petrograd (i 1924 omdøpt til Leningrad) forskjellige produksjoner av Fjodor Lopukhov (1886-1973), inkludert hans storhet av universet (1922) til musikken til Beethovens fjerde symfoni. The Red Poppy til musikken til R.M. Glier, en ballett iscenesatt i 1927 av Vasily Tikhomirov (1876-1956) og Lev Lashchilin (1888-1955) i Moskva, fungerte som prototypen for mange påfølgende sovjetiske balletter: dette er en flerakter forestilling, hvis tema er edle lidenskaper og heltedåder, og spesialskrevet musikk er symfonisk i naturen. Slike balletter som i 1932 The Flames of Paris av Vasily Vainonen (1901-1964), og i 1934 The Fountain of Bakhchisaray av Rostislav Zakharov (1907-1984) - begge med musikk av Boris Asafiev, som i 1939 Laurencia (musikk av Alexander Crane). ) av Vakhtang Chabukiani (1910-1992) og i 1940 Romeo og Julie av Leonid Lavrovsky (1905-1967) (musikk av Prokofiev), kan tjene som et eksempel på de estetiske prinsippene som ikke bare ble fulgt av hovedtroppene - teatret . S.M. Kirov i Leningrad og Bolsjojteatret i Moskva – men også alle rundt 50 teatre som fungerte i landet. Selv om individuelle funn fra 1920-tallet ble bevart, vant fremførelser orientert mot sovjetisk politisk ideologi, og fremføringsmåten ble preget av utkraging i utførelsen av bevegelser og fleksibilitet (trekk i armer og rygg), samtidig som de utviklet høye hopp, akrobatiske løft (for eksempel høye løft på den ene armen til herren) og rask spinning, som ga sovjetiske balletter et spesielt dramatisk uttrykk. En av lærerne som bidro til utviklingen av denne stilen var Agrippina Vaganova (1879-1951). En tidligere danser ved Mariinsky Theatre, begynte hun å undervise på slutten av sin utøvende karriere. Etter å ha blitt lærer ved Leningrad koreografiske skole utviklet Vaganova et program og en lærebok i klassisk dans og forberedte elevene sine slik at de kunne fremføre både fortidens store romantiske balletter og de nye sovjetiske, med sin virtuose teknikk. I hele Sovjetunionen, så vel som i Øst-Europa, ble Vaganova-systemet lagt til grunn for trening. Tilskuere inn Vest-Europa og USA var praktisk talt ukjent med sovjetisk ballett frem til midten av 1950-tallet, da ballettgruppene til teatret. Kirov og Bolshoi Theatre dro for første gang på turné til Vesten. Interessen for ham vekket den fantastiske dyktigheten til Bolshoi-ballerinaene Galina Ulanova (1910-1998), som formidlet følelsene til Giselle og Julie med gjennomtrengende lyrikk, og Maya Plisetskaya (f. 1925), som slo til med sin strålende teknikk i rollen som Odette-Odile i Swan Lake. Mens Bolshoi-teatret legemliggjorde de mest spektakulære trekkene ved den sovjetiske stilen, kom den klassiske renheten til danserne ved Kirov-teatret til uttrykk i slike kunstnere som Natalya Dudinskaya (f. 1912) og Konstantin Sergeev (1910-1992), som bidro til gjenoppliving av Petipa-tradisjonen. Oppnådde stor suksess neste generasjoner artister: Ekaterina Maksimova (f. 1939), Vladimir Vasiliev (f. 1940), Natalya Bessmertnova (f. 1941) og Vyacheslav Gordeev (f. 1948) ved Bolshoi Theatre, Irina Kolpakova (f. 1933), Alla Sizova (f. 1939) og Yuri Solovyov (1940-1977) ved Kirov-teatret. I 1961 oppholdt Nureyev, en av de ledende danserne ved Kirov-teatret, seg i Vesten under troppens turné i Frankrike. To andre fremtredende kunstnere fra samme teater - Natalia Makarova og Mikhail Baryshnikov - gjorde det samme (Makarova - i London i 1970, Baryshnikov - i Canada i 1974). På 1980-tallet lettet det administrative og politiske presset på kunsten i Sovjetunionen, Oleg Vinogradov (f. 1937), som ledet balletttroppen til Teatret. Kirov siden 1977, begynte å introdusere balletter av Balanchine, Tudor, Maurice Béjart (f. 1927) og Robbins i repertoaret. Mindre utsatt for innovasjon var Yuri Grigorovich (f. 1927), som fra 1964 ledet Bolshoi-balletten. Hans tidlige produksjoner - Stone Flower (musikk av Prokofiev, 1957) og Spartacus (musikk av A.I. Khachaturian, 1968) - er typiske Sovjetiske forestillinger. Grigorovich er avhengig av spektakulære effekter, styrer selvsikkert en stor masse energisk bevegende dansere, bruker mye folkedans foretrekker heltehistorier. I mange år inneholdt Bolshoi Theatre-scenen nesten utelukkende Grigorovichs balletter eller hans tilpasninger av gamle skuespill som Svanesjøen. På slutten av 1980-tallet kom Irek Mukhamedov (f. 1960) og Nina Ananiasjvili (f. 1963) fra Bolsjojteatret, samt Altynai Asylmuratova (f. 1961) og Farukh Ruzimatov (f. 1963) fra Teatret. Kirov fikk tillatelse til å opptre med ledende balletttropper i Vesten, og ble deretter en del av disse gruppene. Til og med Vinogradov og Grigorovich begynte å lete etter muligheter for å vise talentene sine utenfor Russland, hvor statlige midler til teatre ble betydelig redusert etter Sovjetunionens kollaps i 1991. I 1995 ble Grigorovich erstattet som direktør for Bolshoi-balletten av Vladimir Vasiliev. Andre tropper i St. Petersburg er balletten til Maly Theatre of Opera and Ballet. M. P. Mussorgsky (inntil 1991 ble det kalt Maly Theatre of Opera and Ballet), St. Petersburg "Boris Eifman Ballet Theatre", som ledes av koreografen Boris Eifman (f. 1946), Choreographic Miniatures-troppen opprettet av Leonid Yakobson ( 1904-1975), som jobbet ved teatret. Kirov i 1942-1969, hvis arbeid ble berømt i Vesten. Troppen i Moskva musikkteater dem. K.S. Stanislavsky og Vl.I. Nemirovich-Danchenko, Teater for klassisk ballett. Truppen "Experiment", opprettet i Perm av Evgeny Panfilov (f. 1956), fortjener oppmerksomhet. Sovjetunionens sammenbrudd og den påfølgende økonomiske krisen førte til enorme motgang for ballettkompaniene, som inntil da var blitt generøst subsidiert av staten. Mange dansere og lærere forlot landet for å bosette seg i USA, England, Tyskland og andre vestlige land. Under den kalde krigen, mange land av Øst-Europa, som var en del av den sovjetiske blokken, fulgte sovjetiske prinsipper både når det gjaldt å trene dansere og å sette opp forestillinger. Da grensene åpnet, ble mange kunstnere fra disse landene, spesielt fra Ungarn og Polen, med på prestasjonene til koreografien til de vestlige troppene som kom til dem, og begynte å reise utenfor landene deres selv.
Frankrike. Fransk ballett på begynnelsen av 1900-tallet var i en krisetilstand. Russiske artister som ble invitert til Paris-operaen, spesielt fra Diaghilev-troppen, var mye sterkere franske utøvere. Etter Diaghilevs død, ledet den ledende danseren i troppen hans, Sergei Lifar (1905-1986), som en gang hadde ankommet Frankrike fra Ukraina, Paris Opera Ballet og ble værende i denne stillingen i 1929-1945, deretter i 1947-1958 . Under hans ledelse vokste det frem fremragende dansere, spesielt den fantastiske lyriske ballerinaen Yvette Chauvire (f. 1917), som ble berømt for sin utførelse av rollen som Giselle. De mest interessante eksperimentene innen koreografi ble utført utenfor Paris-operaen, spesielt av Roland Petit og Maurice Béjart. Petit (f. 1924) forlot Operaen i 1944 og skapte «Ballet des Champs-Elysées», hvor han blant annet satte opp balletten Youth and Death (1946, til musikk av J.S. Bach) for den unge og dynamiske danseren. Jean Babilé ( f. 1923). Så for troppen "Ballet of Paris" skapte han en av sine mest kjente og langt liv produksjoner - Carmen (1949, til musikk av J. Bizet) med Rene (Zizi) Jeanmer (f. 1924). Petits følelse av teatralitet har tillatt ham å jobbe i en rekke sjangre og å delta i kommersielle arrangementer. I 1972-1998 ledet han troppen " Nasjonalballett Marseilles", hvor han iscenesatte mange stilige og skarpe teaterforestillinger. Etter Lifar ble troppen til Parisoperaen ledet en etter en av slike kjente mestere som Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi og Rosella Hightower (f. 1920). Repertoaret ble beriket med verkene til Petit og Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glenn Tetley, samt representanter for amerikansk moderne dans Paul Taylor (f. 1930) og Merce Cunningham. I 1983 ble Rudolf Nureyev utnevnt til stillingen som leder. Han la spesielt vekt på utviklingen av slike ballerinaer som Sylvie Guillaume (f. 1965) og Isabelle Guerin (f. 1961), og ga kompaniet muligheten til å prøve seg på koreografiske verk av ulike retninger, samtidig som han beholdt klassikerne. Etter Nureyevs avgang (1989), kom Patrick Dupont (f. 1959), den tidligere ledende danseren, som hadde tittelen «stjerne», tilbake til troppen, nå som leder. På 1970- og 1980-tallet begynte franske provinstropper å motta statsstøtte og fikk internasjonal berømmelse. Spesielt bemerkelsesverdig er selskapet "Ballet of the Rhine Departments", som under ledelse av Jean Paul Gravier viste flere rekonstruksjoner av forestillinger fra 1700-tallet, laget på grunnlag av forsiktige historisk forskning utført av den svenske koreografen Ivo Kramer (f. 1921), spesielt ballettene Daubervals Vain Precaution og Medea og Jason Noverre (musikk av Jean Joseph Rodolphe). Ballet de Lyon Opera fremfører stiliserte dramatiske danseforestillinger koreografert av Magy Marin (f. 1947).
Danmark. Ballett i Danmark gikk inn i det 20. århundre i en tilstand av stagnasjon. Her ble, takket være Hans Beck, arven etter August Bournonville bevart, men mangelen på initiativ førte til at utviklingen av Den Kongelige Ballet i København stoppet opp. En viss gjenopplivning av hans virksomhet kom i perioden 1932-1951, da troppen ble ledet av Harald Lander (Lanner), elev av Beck. Lander beholdt Bournonvilles verk, om mulig i originalversjon, men iscenesatte også sine egne balletter: den mest kjente av dem er Etudes (1948, til musikk av K. Czerny, arrangert av Knudoge Risager), der hovedkomponentene i ballettopplæringen klasse ble brakt til scenen og teatralisert. I 1951 utnevnte Lander Vera Volkova (1904-1975), den gang den mest autoritative eksperten i Vesten på Vaganova-systemet, til troppens kunstneriske konsulent. Gjennom hennes innsats har danske dansere mestret ny teknologi, som åpnet nye muligheter for dem i utførelse av verk forskjellige stiler. Troppen kom ut av isolasjon, turnerte Europa, Russland og det amerikanske kontinentet. Den nåde og gledelige animasjonen som ligger i stilen til Bournonville gjorde det mest gunstige inntrykket, og det samme gjorde dansens bravour, som utmerket prestasjonen til danske dansere, spesielt Eric Brun. Opplæringen av mannlige dansere har blitt anerkjent som en av hovedprestasjonene til den danske skolen. På 1960- og 1970-tallet var det en ekstraordinær økning i interessen for ballettens historie, og Bournonville-forestillinger begynte å bli studert som det mest autentiske eksemplet på overlevende romantiske ballettverk, noe som fikk Den Kongelige Danske Ballet til å holde Bournonville Ballet Festivals i 1979 og 1992. Etter Lander arbeidet teamet under veiledning av mange kunstnere, deriblant Flemming Flindt (f. 1936), Henning Kronshtam (f. 1934) og Frank Andersen (f. 1954). I 1994 ble troppen regissert av Peter Schaufus, og i 1996-1999 av engelske Maina Gielgud (f. 1945). Repertoaret til Den Kongelige Danske Ballett utvidet seg gradvis med verk av utenlandske koreografer, samtidig begynte Bournonville-balletter å bli inkludert i repertoaret dansegrupper Verdensomspennende. I 1982 iscenesatte National Ballet of Canada hele balletten Napoli (musikk av Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli og Hans Christian Lumby), og i 1985 Balle West i den amerikanske byen Salt Lake City (Utah) . ), regissert av Bruce Marks og Tony Lander, viste en rekonstruksjon av balletten Abdalla (musikk av Holger Simon Paulli), som ikke hadde blitt fremført før på 125 år.
Tyskland. I løpet av første halvdel av 1900-tallet i Tyskland var det mest betydningsfulle fenomenet utviklingen av fri dans, som fikk navnet "ekspressiv" her - Ausdruckstanz. Etter andre verdenskrig ga regjeringene i BRD og DDR mye oppmerksomhet til å støtte balletttropper. I alle hovedbyene i Vest-Tyskland ble det opprettet uavhengige ballettgrupper ved operahus, som iscenesatte sine forestillinger mens de deltok i operaer. John Cranko fra England (1927-1973), som opptrådte og iscenesatte en rekke forestillinger i den engelske troppen "Sadler's Wells Theatre Balle", ledet Stuttgart Ballet i 1961 og dannet et omfattende repertoar av sine egne flerakters forestillinger, i mange respekter som minner om sovjetiske balletter i stil, rik på dramatiserte danser. Dette er Romeo og Julie (musikk av Prokofiev, 1962). Onegin (1965, til musikk av Tchaikovsky, arrangert av K. Kh. Stolze) og The Taming of the Shrew (1969, til musikk av A. Scarlatti, arrangert av K.-H. Stolze), balletter, hvis suksess i stor grad var avhengig av deltakelsen av den fantastiske danseren Marcia Heide i dem (f. 1939), brasiliansk av fødsel, og hennes partner, amerikanske Richard Craghan (f. 1944). Troppen fikk snart verdensomspennende berømmelse; etter Crankos alt for tidlige død, ble det ledet av Glen Tetley, som iscenesatte balletten Solo på orgelet til minne om Cranko (Voluntaries, 1973, til musikk av F. Poulenc). Blant hovedprestasjonene til Cranko var det kreative verkstedet han opprettet, hvor unge koreografer kunne eksperimentere. Amerikanerne William Forsythe og John Neumeier (f. 1942), samt tsjekkiske Jiri Kilian (f. 1947), begynte å jobbe her. Alle ble ledende koreografer innen ballett teatre Europa i de påfølgende tiårene. Neumeier tok ansvaret for balletten i Hamburg i 1973 og skapte et rikt repertoar der, både fra egne utgaver av klassiske forestillinger og originalproduksjoner om religiøse og filosofiske temaer, hvor han brukte musikken til Mahler, Stravinsky og Bach. Hans ballett Passion for St. Matthew (1981) varte i fire timer. Forsythe begynte i Stuttgart-balletten kort før Crankos død og danset her, mens han iscenesatte forestillinger, frem til 1984, da han ble invitert til å lede Frankfurt-balletten. Påvirket av ideer som er vanlige i moderne litteratur, brukte Forsyth dem på ballett. I koreografien hans er det den samme fragmenteringen som kjennetegner den postmoderne tids litteratur, verbale passasjer er ofte inkludert i dansen, og teknikker knyttet til andre kunstarter brukes. Danseteknikken er basert på ekstrem energi, et brudd på naturlig balanse, og målet er å formidle romantiske forhold i øyeblikket. høyeste spenning. Slik er ballettene Love Songs (1979, folkemusikk) og In the middle, somewhat elevated (musikk av Leslie Stuck og Tom Wilems), som ble satt opp av Forsythe på invitasjon fra Nureyev i Paris Opera i 1988. Forsyth brukte villig i sine produksjoner en skarplydende elektronisk musikk Nederlenderen Tom Willems, som bidro til å skape en atmosfære av fremmedgjøring og vag angst.
Nederland. Før andre verdenskrig var innflytelsen fra tysk fridans den sterkeste i Nederland. Etter krigen økte publikumsinteressen for ballett og troppen «Dutch National Ballet» ble opprettet i Amsterdam. I 1959 grunnla en rekke dansere og koreografer, etter å ha forlatt denne troppen, "Netherlands Dance Theatre", som slo seg ned i Haag og viet seg utelukkende til samtidskoreografi. De to troppene byttet ofte både artister og forestillinger. Hans van Manen (f. 1932) og Rudy van Dantzig (f. 1933), kunstnerisk leder for den nederlandske nasjonalballetten, utgjorde sammen med Glen Tetley repertoaret til nederlenderne danseteater". I hjertet av Tetleys arbeid er ulike påvirkninger: disse er Chania Holm (1898-1992) og Martha Graham, og Jerome Robbins, og American Balle Theatre; det er ikke for ingenting at han bruker både fingerteknikken i sine produksjoner. ballett, og kroppens utskeielser og ettertrykkelig uttrykksfulle hender som er karakteristiske for moderne dans, men bruk ikke hopp og skrens utviklet i klassisk dans. Ballettene til van Dantzig og van Manen ligner på ballettene til Tetley ved at de har en blanding av forskjellige teknikker. 1965, musikk av Jan Berman) har blitt fremført av mange ballettkompanier rundt om i verden.I 1978 ble Jiri Kilian, som ofte sammenlignes med Tudor, leder av Dutch Dance Theatre, fordi begge berører temaer som angår folk og foretrekker å bruke komponisters musikk Sentraleuropa. Kilian tilførte nye kvaliteter til den blandede stilen til sine forgjengere: utstrakt bruk av bevegelser utført liggende på gulvet, dramatiske skulpturelle effekter, høye løft og spinn. Balettene hans The Return to a Foreign Land (1974 og 1975 - to utgaver) og Sinfonietta (1978), skapt til musikk av L. Janacek og fremført i mange land, demonstrerer mulighetene som åpner seg når dansemønsteret bygges på dansere nær hverandre. Interessert i kultur australske aboriginer, koreograf opprettet i 1983 ballettene The Haunted Place (Stamping Ground, musikk av Carlos Chavez) og Sleep Time (Dreamtime, musikk av Takemitsu). På begynnelsen av 1990-tallet ble Kilian med i hovedtroppen med en annen tropp – «Nederlandsteater 3». Scapinoballetten, med base i Rotterdam under ledelse av Niels Kriste (f. 1946), er et annet nederlandsk kompani som har vakt oppsikt med sine moderne produksjoner.
Ballettkunst over hele verden. Som midten av det 20. århundre rollen som ballett økte, tropper begynte å bli opprettet i nesten alle land i Amerika, Europa, Asia, inkludert i noen områder Sentral Asia og Afrika, samt i Australia og New Zealand. Ballett har funnet en plass selv i land med sin egen rike dansetradisjon, som Spania, Kina, Japan og Lilleasia. Maurice Béjart, som vokste opp i etterkrigstidens Frankrike, grunnla Ballet of the 20th Century i Brussel i 1960. Denne troppen, samt en veldig uvanlig skole organisert under den kalt "Mudra", hadde som mål å fremme ballettkunsten, demonstrere dansedramaer basert på psykologi og moderne filosofiske ideer. Mange forestillinger ble holdt på stadioner slik at så mange tilskuere som mulig kunne se dem. Béjart tilbakeviste Balanchines ofte siterte påstand om at "ballett er en kvinne" og fokuserte på mannlige dansere: for eksempel i balletten The Firebird (til musikken til Stravinskys suite, 1970), erstattet han utøveren av hoveddelen med en ung mann som portretterer en partisan. Likevel danset Balanchines ledende ballerina Susan Farrell, som midlertidig forlot New York-troppen etter at hun giftet seg, i troppen hans i fem år. I 1987 foreslo Gerard Mortier, direktør for Théâtre de la Monnaie i Brussel, hvor Ballet of the 20th Century arbeidet, at Bejart skulle kutte kostnader og redusere sammensetningen av troppen. Bejart, som ikke var enig i disse kravene, begynte å lete etter et annet sted hvor han kunne fortsette arbeidet. Tallrike tilbud ble gitt ham fra forskjellige land i Europa, og han valgte Lausanne i Sveits. Nå heter troppen hans «Béjarts ballett». I de siste tiårene av det 20. århundre den italienske ballerinaen Carla Fracci, Alessandra Ferri (f. 1963) og Viviana Durante, den ledende danseren i den engelske kongelige balletten, opptrådte med stor suksess utenfor Italia, men det fantes ikke noe teater i hjemlandet hvor de kunne finne en verdig søknad om deres talenter. I Spania, hvor tradisjonene innen nasjonal dans fortsatt er sterkere enn noen nyvinninger, har likevel en lokal koreograf engasjert i klassisk ballett dukket opp - Nacho Duato (f. 1957), som leder Ballet Lirico Nacional. Duato, en tidligere danser ved Dutch Dance Theatre, koreograferer danser som kombinerer Kilians utholdenhet med voldsom lidenskap. På 1920-tallet grunnla den svenske impresarioen Rolf de Mare (1898-1964) det svenske ballettkompaniet i Paris, koreografert av Jean Berlin (1893-1930). Denne gruppen gjorde dristige eksperimenter og konkurrerte i noen år av sin eksistens, fra 1920 til 1925, med Diaghilevs russiske ballett. Den kongelige svenske balletten, som har vært lokalisert i bygningen til Royal Opera i Stockholm siden 1773, ble regissert i 1950-1953 av Anthony Tudor. I 1950 hadde Birgit Kulberg (f. 1908) Freken Julia (musikk av Thure Rangström) premiere her, som fortsatt fremføres av mange tropper rundt om i verden. I 1963 iscenesatte Tudor, igjen invitert til Royal Ballet, Echo of the Trumpets (til musikk av Bohuslav Martinu). Birgit Kulberg, som studerte med Kurt Jooss og Martha Graham, grunnla sin egen tropp i 1967 og eksperimenterte med å kombinere klassisk koreografi og moderne dans i én forestilling. Hennes sønn Mats Ek (f. 1945), som har ledet Kulberg-ballen siden 1990, fremførte helt nye oppsetninger av ballettene Giselle og Swan Lake, som på ingen måte minner om de tradisjonelle oppsetningene til ballettene Giselle og Swan Lake. På 1900-tallet tre betydelige kanadiske tropper oppsto: Royal Winnipeg Ballet, grunnlagt under navnet Winnipeg Ballet Club i 1938 og i 1949 var blitt en profesjonell tropp; "National Ballet of Canada", opprettet i Toronto i 1951; og Great Canadian Ballet, som startet sin virksomhet i Montreal i 1957. National Ballet of Canada ble grunnlagt av Celia Franca (f. 1921), som opptrådte med de engelske kompaniene Balle Rambert og Sadler's Wells Ballet. Hun trakk på erfaringen fra Sadler's Wells Balle, og begynte med å iscenesette klassiske balletter fra 1800-tallet. Franca ledet troppen til 1974, da hun ble erstattet av Alexander Grant (f. 1925). Reid Anderson (f. 1949) var leder for troppen fra 1994-1996, og i 1996 ble James Kudelka (f. 1955) utnevnt til denne stillingen. Ballett utviklet seg raskt på Cuba. Alicia Alonso, en av de mest kjente amerikanske ballerinaene i USA, vendte tilbake til sitt hjemland etter revolusjonen til Fidel Castro i 1959 og opprettet troppen "National Ballet of Cuba". Scenelivet til Alonso selv var veldig langt, hun sluttet å opptre bare i en alder av mer enn seksti år. Mange flotte dansere og koreografer jobbet i Buenos Aires til forskjellige tider, spesielt Nijinska og Balanchine. Argentinerne Julio Bocca og Paloma Herrera (f. 1975), som ble de ledende danserne i «American balle tietr», begynte å studere dans i Buenos Aires. Mange russiske dansere etter revolusjonen i 1917 forlot landet gjennom den asiatiske grensen. Noen av dem bosatte seg midlertidig eller permanent i Kina. Etter andre verdenskrig jobbet lærere og koreografer fra USSR i Kina. I perioden med kinesisk kulturell revolusjon 1960 sovjetisk innflytelse avtok, og nasjonale verk begynte å bli opprettet, som den røde kvinnebataljonen eller den gråhårede jenta (begge i 1964). Disse forestillingene er eksempler på en retning som benekter lyrikk i ballett som dekadanse, deres bemerkelsesverdige trekk er jerndisiplin og klarhet i massedanser utført av corps de ballet på fingrene. Etter hvert som utenlandsk innflytelse økte på 1970- og 1980-tallet, dukket det opp nye ballettkompanier i mange kinesiske byer. De er også opprettet i hovedbyene i mange andre asiatiske land.
Konklusjon. På slutten av det 20. århundre ballettkunstens problemer ble mer og mer tydelige. På 1980-tallet, da Balanchine, Ashton og Tudor døde (på 1980-tallet) og Robbins flyttet fra kraftig aktivitet, var det et kreativt vakuum. De fleste av de unge koreografene som jobbet på slutten av 1900-tallet var ikke særlig interessert i å utvikle ressursene til klassisk dans. De foretrakk en blanding av forskjellige dansesystemer, med klassisk dans som virket utarmet, og moderne dans som manglet originalitet i å avsløre kroppslige evner. I et forsøk på å formidle hva som utgjør essensen av moderne liv, bruker koreografer fingerteknikken som for å fremheve tanker, men ignorerer de tradisjonelle håndbevegelsene (port de bras). Støttekunsten har blitt redusert til en slags interaksjon mellom partnere, når en kvinne blir dratt over gulvet, kastet, sirklet rundt, men nesten aldri støttet eller danset med henne. De fleste troppene bygger repertoaret sitt for å inkludere klassikerne fra 1800-tallet. (Sylphide, Giselle, Swan Lake, Sleeping Beauty), de mest kjente ballettene til mesterne i det 20. århundre. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor og Ashton), populære produksjoner av Macmillan, Cranko, Tetley og Kilian og arbeidet til en ny generasjon koreografer som Forsyth, Duato, James Koudelka. Samtidig får danserne bedre opplæring, som det er mer kunnskapsrike lærere. Det relativt nye feltet innen dansemedisin har gitt dansere tilgang til teknikker for å forebygge skader. Det er et problem med å introdusere dansere for musikk. Utbredt populærmusikk kjenner ikke mangfoldet av stiler, i mange land er undervisning i musikalsk kompetanse på et lavt nivå, når danser iscenesettes, brukes fonogrammer konstant - alt dette hindrer utviklingen av musikalitet blant dansere. nytt fenomen siste tiår ballettkonkurranser begynte, hvorav den første ble holdt i Varna (Bulgaria) i 1964. De tiltrekker seg ikke bare premier, men også muligheten til å vise seg frem for dommere som representerer de mest prestisjefylte organisasjonene. Etter hvert ble det flere konkurranser, minst ti i forskjellige land; noen tilbyr sammen pengestipend. I forbindelse med behovet for koreografer oppsto det også konkurranser for koreografer.
- – Den første forestillingen i Moskva – «The Ballet of Orpheus and Eurydice» ble satt opp i 1673 av svensken N. Lim. I 1773 ble en avdeling åpnet ved barnehjemmet i Moskva...
Moskva (leksikon)
- - Den klassiske dukket først opp i Japan i 1912, da den italienske koreografen Giovanni Roshi kom dit, som underviste i dans ved Teikoku Gekijo Theatre i tre år ...
Hele Japan
- - ballett, utsikt scenekunst: en musikalsk og koreografisk teaterforestilling der alle hendelsene, karakterene og følelsene til karakterene formidles gjennom dans ...
Art Encyclopedia
- - - utsikt over scenen. rettssak; forestilling, hvis innhold er nedfelt i musikalsk-koreografisk. Bilder. Basert på den generelle dramaturgien. plan B. kombinerer musikk, koreografi og kunst...
- - La oss åpne et bind av Pushkin: Teateret er allerede fullt; hytter skinner; Parterre og stoler - alt er i full gang; Det plasker utålmodig i paradiset, og forhenget, som reiser seg, rasler...
- - en type teaterkunst, hvor de viktigste uttrykksmiddel serverer den såkalte "klassiske" dansen; scenearbeid som tilhører denne kunstformen...
Collier Encyclopedia
