De beste teatrene i London. Theatres of England Theatres of England-spill

Teater Det første hoffteateret, som eksisterte i 1672-1676, ble definert av tsar Alexei Mikhailovich selv og hans samtidige som en slags nymotens "moro" og "kulhet" i bildet og likheten til teatre til europeiske monarker. Teateret ved det kongelige hoff dukket ikke opp umiddelbart. russere

Bydepartementet for utdanning ved administrasjonen av Polysaevo

Informasjons- og metodesenter

Kommunal utdanningsinstitusjon

"Gjennomsnitt omfattende skole nr. 35"

Historie om teater i Storbritannia

forskningsprosjekt

Polysaevo 2007

Bydepartementet for utdanning ved administrasjonen av Polysaevo

Informasjons- og metodesenter

Kommunal utdanningsinstitusjon

"Ungdomsskole nr. 35"

Historie om teater i Storbritannia

Daria Putintseva,

Foreslått forskning inneholder en beskrivelse av teaterhistorien i Storbritannia. Forskningsprosjektet preger det engelske teateret fra middelalderen til i dag, dets retninger og tendenser. Verket sporer dannelsen og utviklingen av de viktigste teatralske trendene, originaliteten til den teatralske kampen i ulike stadier historisk utvikling. Spesiell oppmerksomhet rettes mot spørsmålet om de nasjonale detaljene til det engelske teatret.

Historie om teater i Storbritannia: forskning / . - Polysaevo: Informasjons- og metodologisk senter, 2007.

Forklarende merknad

Målet med arbeidet: bli kjent med en fremmed kultur.

Arbeidsoppgaver: utvide kulturell kunnskap om Storbritannia.

Engelsk teater er en integrert del av verdenskulturen. De beste tradisjonene for nasjonal engelsk kunst har beriket verdens teaterprosess. Arbeidet til engelske skuespillere, regissører og dramatikere vant kjærlighet og anerkjennelse langt utenfor Englands grenser.

Arbeidet til skuespillere, regissører, dramatikere i Storbritannia har lenge hatt anerkjennelse og kjærlighet i Russland.

Teatrets historie har lenge vært assosiert med menneskehetens historie. Fra den første siden av historien, mens menneskeheten husker seg selv, husker den også teatret, som har blitt dets evige følgesvenn.

Elsker du teater like mye som jeg elsker det? - spurte vår store landsmann Vissarion Belinsky sine samtidige, dypt overbevist om at en person ikke kan annet enn å elske teatret.

Elsker du teater? Med det samme spørsmålet for mer enn 20 århundrer siden kunne de ha vendt seg til tilskuerne sine, som fylte steinbenkene til enorme amfiteatre under åpen himmel Hellas, de store fedrene til det gamle teateret Aischylos og Sofokles, Euripides og Aristofanes.

Etter dem, allerede i andre århundrer, andre historiske epoker, med en lignende appell til deres samtid, kunne Shakespeare og Ben Jonson i England snu. Og alle sammen spurte menneskene i sin tid: "Liker du teatret?" - ville ha rett til å regne med et bekreftende svar.

Engelsk teater, litteratur, musikk er en integrert del av verdenskulturen. De beste tradisjonene i engelsk kultur har beriket verden kulturell prosess, vant kjærlighet og anerkjennelse langt utenfor Englands grenser.

Arbeidet til engelske dramatikere har lenge hatt anerkjennelse og kjærlighet i Russland. De største skuespillerne i det russiske teateret spilte i Shakespeares tragedier.

I den engelske kulturhistorien skilles følgende hovedperioder ut: middelalderen, renessansen, 1600-tallet, 1700-tallet (opplysningstiden), 1800-tallet (romantikken, kritisk realisme), punktum sent XIXårhundre - begynnelsen av XX-tallet (1871 - 1917) og XX-tallet, der to perioder skilles: 1917 - 1945. og 1945 – i dag.

tidlig middelalder ( V – XI århundrer)

På 600-tallet f.Kr. ble de britiske øyer invadert av kelterne. I det 1. århundre e.Kr. ble Storbritannia erobret av romerne. Romerrikets styre fortsatte til det 5. århundre, da angelsakserne og jutene invaderte Storbritannias territorium. De angelsaksiske stammene brakte sitt språk, sin kultur og sin livsstil til de britiske øyer.

Middelalderteaterets historie er historien om idealistiske, religiøse livssyns kamp med folkets realistiske verdensbilde.

I mange århundrer i livet til folket i det føydale Europa ble tradisjonene for hedenske rituelle festligheter bevart, som inneholdt elementer av teatralisering: sammenstøtet mellom vinter og sommer, mailekene, hvor sketsjer ble fremført med deltakelse av kongen og Dronning av mai osv. osv. Tropper streifet rundt i Europa folkefornøyelser - historier. De visste hvordan de skulle gjøre alt: synge, danse, sjonglere, opptre. De spilte komiske scener og underholdt ofte ikke bare publikum, men latterliggjorde også de som undertrykte og undertrykte vanlige folk. Derfor forbød kirken rituelle spill, forfulgte histrioner, men var maktesløs til å ødelegge folks kjærlighet til teaterforestillinger.

I et forsøk på å gjøre gudstjenesten – liturgien – mer effektiv, begynner presteskapet selv å bruke teaterformer. Den første sjangeren av middelaldersk teater dukker opp - liturgisk drama (IX-XIII århundrer). Under liturgien fremførte prestene historier fra Den hellige skrift. Over tid blir forestillinger av liturgiske dramaer tatt ut av kirken og ut på verandaen og kirkegården.

XI – XV århundre

På 1000-tallet ble de britiske øyer erobret av normannerne. Dette bidro til den franske innflytelsen på kulturlivet i landet.

I XIII-XIV århundrer. en ny sjanger av middelaldersk teaterforestilling dukker opp – mirakl ("mirakel"). Plottene til miraklene er lånt fra legendene om helgenene og jomfru Maria.

Høydepunktet av middelalderteater – mysterium . Den utvikler seg i XIV-XV århundrer, under storhetstiden til middelalderbyer. Mysterier spilles på byens torg. Representasjonen av mysteriet var massiv - og i henhold til antall deltakere var Allegory" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> allegorisk. Moralkarakterer personifiserte vanligvis ulike menneskelige egenskaper, hans laster og dyder .

Moralens helt er en person generelt. "Every man" - det var navnet på den engelske moralen på slutten av 1400-tallet. I dette stykket dukket Døden opp for hver person og kalte ham på en "lang reise", slik at han kunne ta med seg en hvilken som helst følgesvenn. En person henvendte seg til vennskap, slektskap, rikdom, men ble nektet overalt. Styrke, skjønnhet, fornuft, fem sanser gikk med på å følge en person, men ved gravkanten forlot de ham alle. Bare gode gjerninger hoppet i graven med ham. Moralitt forlot bibelske emner, men beholdt religiøs oppbyggelse.

Farse - den første sjangeren av middelalderteater som brøt med religiøs moral. Farsen, en munter og satirisk sjanger, latterliggjorde de sosiale, politiske og moralske konseptene til det føydale samfunnet. Tåpe riddere, grådige kjøpmenn, vellystige munker opptrer i farsen. Men den sanne helten i denne sjangeren, av alle ikke veldig anstendige, men alltid morsomme, farseaktige plott, er en munter skurk fra vanlige folk. I en farse har den som overlistet alle rett.

Opplevelsen av farseaktige forestillinger ble mye brukt av teatret i påfølgende epoker. Shakespeares komedier tok i bruk ikke bare farsemetodene, men også ånden av populær fritenkning som fylte den.

Renessanse

I XV - XVI århundrer i europeiske land finner «den største progressive omveltningen av alt menneskeheten har opplevd frem til den tid» sted - overgangen fra den føydale middelalderen til den nye tid, preget av innledende periode utvikling av kapitalismen. Denne overgangstiden ble kalt renessansen, eller renessansen.

Dette var epoken med ny kultur, bryte med religiøse dogmer, en epoke med rask utvikling av kunst og litteratur, som gjenoppliver antikkens idealer. Store muligheter for aktive kreativ aktivitet. I denne epoken skjer dannelsen av nasjonal kultur.

1500-tallet i England var dramatikkens storhetstid. Det engelske teatret reagerte på populære interesser og var uvanlig populært i en atmosfære av nasjonal oppgang. På slutten av 1500-tallet var det rundt tjue teatre i London; blant dem var James Burbage Theatre og Philip Hensloe Theatre spesielt kjente. Utviklingen av teaterkulturen gikk ikke uten vanskeligheter, hovedhindringen var handlingene til puritanerne, som anså teatret for å være en "demonisk" affære.

Dramatikere på den tiden inkluderte Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe og andre.

Skuespillene til Beaumont (1584-1616) og Fletcher (1579-1625) karakteriserer en annen epoke i historien til det engelske teateret. De forsøkte å aristokratisere teatret, å innføre en viss raffinement og anstendighet i sceneforestillinger. Edle, monarkistiske ideer blir gjenstand for spesiell oppmerksomhet i teateret til Beaumont og Fletcher. Oppfordringer til uselvisk tjeneste for kongen høres stadig fra scenen.

William Shakespeare

Teateret i den engelske renessansen skylder først og fremst William Shakespeare sin storhetstid. Dramaturgien til Shakespeare er resultatet av all den tidligere utviklingen av drama, teatrets høydepunkt.

"Tragedien ble født på torget" - skrev han og refererte til den fjerne opprinnelsen til Shakespeares verk - folketeateret for middelalderske mysterier. Tradisjonene til torgenes teater – en bred dekning av hendelser, vekslingen av komiske og tragiske episoder, handlingens dynamikk – ble bevart av Shakespeares forgjengere – dramatikerne R. Green, K. Marlo og andre. De brakte frihetselskende ideer til scenen, viste nye helter med sterk vilje og hel karakter.

I den første, "optimistiske" perioden av arbeidet hans, skrev Shakespeare komedier med lyse, gledelige stemninger. Men da "katastrofehavet" åpnet seg for poetens gjennomtrengende øye, da historiens ubønnhørlige gang mer og mer skarpt avslørte motsetningene mellom føydalisme og fremvoksende kapitalisme, perfekt helt i sine verk ble han erstattet av en elsker av makt, en egoist og en grådig person, og noen ganger en kriminell.

For første gang ble denne svingen avslørt i tragedien "Hamlet". Men Shakespeares helter bøyde seg ikke for ondskapens verden. Da de gikk inn i kampen og ble offer for sine allmektige motstandere, bekreftet heltene fra Shakespeares tragedier, selv ved selve deres død, troen på mennesket og dets lysende skjebne. Det er i dette at udødeligheten til Shakespeares tragedier og deres moderne lyd.

Shakespeare teater Globen ble plassert blant andre teatre - på sørbredden av Themsen, utenfor London, da myndighetene forbød briller i

William Shakespeare

Globus teater". Utseende.

selve byen. Bygningen ble kronet med et lite tårn, hvor det blafret et flagg under forestillingen.

Handlingen fant sted i friluft - en masse mennesker sto foran scenen, velstående borgere slo seg ned på galleriene, som omkranset teatrets runde vegger i tre nivåer. Scenen var delt inn i 3 deler: fronten - prosceniumet, baksiden, atskilt med to sidesøyler og dekket med en stråtak, og toppen - i form av en balkong. Scenen var pyntet med tepper og matter, og det ble hengt opp et panel ovenfra: svart - i tragedier og blått - i komedier. Scenen for handlingen ble indikert med en detalj (treet indikerte at handlingen fant sted i skogen, og tronen - det i palasset).

Sammensetningen av troppen var liten - bare 8-12 personer. Noen ganger måtte hver skuespiller utføre opptil tre eller flere roller i et teaterstykke. Heltinnene ble spilt av pene, skjøre unge menn. De største tragiske skuespillerne var Edward Alleyn, som spilte med spesiell suksess i skuespillene til K. Marlo og Richard Burbage - beste utøver roller som Hamlet, Lear, Othello og Macbeth. Richard Tarlton og William Kemp spilte hovedrollene i komiske roller.

XVII århundre

Hvis under renessansen i England, dramaturgi og teater var i sin storhetstid, teaterskikkene i London på den tiden var ganske frie, fullstendig letthet hersket både på scenen og i auditoriet, og skuespillere og tilskuere var ikke sjenerte for uttrykk, så i 1600-tallet ble de forfulgt av puritanerne.

I renessansen kunne man se en tryllekunstner med en hund på scenen, som avbildet «og kongen av England, prinsen av Wales, og når han sitter på ryggen, da paven og kongen av Spania». Noen fruer i en komedie kunne fortelle fra scenen at du kan gjette med urin, eller en gentleman - skriv ned hvor han tisset. «Scenen vår har noen ganger samme skitt og stank som Smithfield (en forstad til London hvor det ble holdt messer og noen ganger ble kjettere brent), sier Ben Jonson. "Alt der heter sitt rette navn," skrev Voltaire på 1700-tallet om Engelsk scene.

Teatermoral kan utledes fra den anonyme "Protest eller klage over skuespillere mot undertrykkelsen av deres yrke og deres utvisning fra flere teatre" (1643). «Vi gir et løfte for fremtiden om aldri å ta inn i våre sekspenningslosjer promiskuøse kvinner som kommer dit bare for å bli tatt med dem av lærlinger og advokatfullmektiger, og ingen andre slike kvinner, bortsett fra de som kommer med sine ektemenn eller nære slektninger. Holdningen til tobakk vil også bli endret: den skal ikke selges ... når det gjelder stygt språk og lignende useriøsitet som kan skandalisere anstendige mennesker, men dårlige folk presse dem til utskeielser, så vil vi fullstendig utvise dem sammen med umoralske og frekke forfattere - poeter.

Å lage skuespill og fremføre dem ble erklært som en syndig aktivitet; å besøke teatret ble resolutt fordømt og ansett som en skadelig og skadelig handling. Med puritanernes inntog til makten ble teaterforestillinger i England forbudt. Den 2. september 1642 stengte det engelske parlamentet teatrene og forbød alle forestillinger, og hevdet at skuespillene «ofte uttrykker uhemmet munterhet og lettsindighet», mens man bør rette sine tanker mot «omvendelse, forsoning og vending til Gud». Fem år senere bekreftet parlamentet denne resolusjonen, nå i strengere ordelag og beordret ulydige personer (skuespillere) til å bli sendt i fengsel som kriminelle. Kulturen opplevde en akutt krise. Kirken har lenge og sterkt kjempet mot teatralske skuespill. "Teatrene er fulle, men kirkene er tomme," klager puritanske prester. I teatret hersker «frie gester, løse taler, latter og latterliggjøring, kyss, klemmer og ubeskjedne blikk», er presteskapet indignert. "Guds ord blir krenket der og den guddommelige religionen som er etablert i vår stat er vanhelliget," sier overordføreren.

Teater XVII århundre Det virket for det puritanske borgerskapet i England som et teater for utskeielser og fordervelse, et teater som tjente aristokratenes smak og korrumperte vanlige folk.

Det var også forsvarere. Dramatikeren Thomas Nash skrev i 1592 at handlingene til skuespillene er lånt fra de engelske krønikene, forfedrenes stordåd hentes fra "glemmens grav", og dermed blir fordømmelsen av "degenerert og bortskjemt modernitet" utstedt, at i skuespillene «disseres løgnen som er forgylt med ytre hellighet».

Kjennetegn ved kulturen ble bestemt av hendelsene under den borgerlige revolusjonen. Klassemotsetningene mellom borgerskapet og store grunneiere forverret seg, regjeringen i den borgerlige republikken ble ledet av Oliver Cromwell, deretter ble Stuart-monarkiet gjenopprettet.

Stuartene, som kom tilbake til makten, gjenåpnet teatre i 1660, og den strålende, men umoralske komedien fra restaureringstiden, bekreftet så å si den negative vurderingen som ble gitt til teatret av Cromwells medarbeidere.

Etter statskuppet kom Vilhelm III av Orange til makten. Folkebevegelsen vokste.

Wilhelm III stengte ikke teatrene, men ved dekret av 01.01.01 advarte han skuespillerne strengt om at «hvis de fortsetter å spille skuespill som inneholder uttrykk som er i strid med religion og anstendighet, og tillater blasfemi og umoral på scenen, da for dette må de svare med hodet.

Samme år, 1698, ble det utgitt en avhandling av en viss puritansk teolog ved navn Jeremy Collier under den svært fargerike tittelen "A Brief Survey of the Immorality and Impiety of the English Stage." Teologen fordømte den eksisterende teaterpraksisen på det sterkeste. Han skrev at det var sinne og sinne på scenen. "Blod og barbari er nesten guddommeliggjort", at "æresbegrepet er pervertert, kristne prinsipper er ydmyket", at "djevler og helter er laget av samme metall", og krevde en radikal omstrukturering av teatrene, og gjorde dem til et en slags dydsskole, gode manerer og anstendighet: « Hensikten med skuespill er å oppmuntre til dyd og avsløre laster, å vise skjørheten i menneskelig storhet, skjebnens plutselige omskiftelser og de skadelige konsekvensene av vold og urettferdighet.

Det engelske borgerskapet ønsket ikke lenger nedleggelse av teatre, slik det hadde vært før, men deres tilpasning til klassens behov. Selv om den «herlige revolusjonen» i 1688 førte til en allianse mellom borgerskapet og den nye adelen, vedvarte fiendtligheten fortsatt. Godseiernes posisjoner var fortsatt sterke, selv om aristokratene underkastet seg tingenes tilstand, ble de på ingen måte helt forsonet. Angrep på aristokratiet ble også hørt ved teaterforestillinger.

I 1713 forsøkte Joseph Addison (1672-1719) å etablere den klassiske tragedien på den engelske scenen.

På dette tidspunktet dukket det opp en ny sjanger - drama, men komedie ønsket ikke å gi opp sine posisjoner. Tilskuerne, som felte voldsomme tårer ved forestillingene til The London Merchant og ble fylt av skrekk ved den dystre finalen av stykket, ønsket å le fra tid til annen. Denne muligheten ble gitt dem av Fielding, og senere av Oliver Goldsmith og Richard Brinsley Sheridan.

Goldsmith ønsket å gjenopplive "homokomedien" til Shakespeare og Ben Jonson. I sin avhandling An Experience on the Theatre, or a Comparison of a Merry and Sentimental Comedy (1733) snakket han direkte om dette og skrev flere komediespill uten å moralisere, uten særlig tendensiøsitet, muntert gjøre narr av uerfarenheten til unge mennesker som er lett lurt. Stykkene er fulle av morsomme feil, karakterene skildres ganske naturlig.

Imidlertid satte Richard Brinsley Sheridan (1751-1816) det største preg på historien til engelsk drama i denne perioden. Han skrev en kort stund. Alle hans beste skuespill ble laget i løpet av fem år. Brannen i teateret hans på Drury Lane ga forfatteren det siste slaget.

Klassisismen i sin klassiske form kunne ikke finne fast grunn i England. Det var to grunner til dette: den politiske tilstanden i landet og autoriteten til Shakespeares teater.

Når det gjelder Shakespeare, så overskygget han prestasjonene til antikkens drama at etter ham var det rett og slett utenkelig å stole helt på eksemplet til antikke greske forfattere. Engelske dramatikere som jobbet for teatret kunne ikke følge Aischylos, Sofokles og Euripides så betingelsesløst som deres franske kolleger gjorde. Før dem var eksemplet til Shakespeare, som jobbet etter et helt annet system og oppnådde resultater uten sidestykke.

I 1644 ble Shakespeares Globe Theatre revet, gjenoppbygd etter en brann i 1613, i 1649 - Fortune og Phoenix teatrene, i 1655 - Blackfriars. Skuespillere spredt rundt i landet, gikk inn i soldatene, forsvant sporløst, ifølge en anonym forfatter fra 1600-tallet (Historia histrionica).

I 1643 utarbeidet skuespillerne et rørende anonymt dokument: en klage på undertrykkelsen av yrket deres. "Vi henvender oss til deg, store Phoebus, og til deg, ni søstre - muser, beskyttere av sinnet og beskyttere av oss, stakkars ydmykede skuespillere," skrev de. "Hvis vi ved hjelp av din allmektige inngripen igjen kunne bli installert i våre tidligere teatre og vende tilbake til yrket vårt igjen ... "Skuespillerne skrev at komediene og tragediene de fremførte var" en levende gjengivelse av handlingene til mennesker , "at lasten i dem ble straffet, og dyd ble belønnet, at "engelsk tale ble uttrykt mest korrekt og naturlig." Phoebus og ni søstre - muser, beskyttere av kunsten, svarte ikke. Teateret har fått uopprettelig skade.

John Milton, den største engelske poeten på 1600-tallet, delte ikke puritanernes negative holdning til teaterforestillinger. Milton var spesielt resolutt mot dramatikerne og teateret fra restaureringstiden, som hadde en ettertrykkelig underholdende karakter. Milton anså tragedie, de klassiske eksemplene på gammel gresk kunst, for å være hovedsaken i den dramatiske kunsten. Etter å ha imitert dem, introduserte han et kor som kommenterte hva som skjedde, og etablerte tidens enhet: varigheten av hendelsene i tragedien overstiger ikke 24 timer. Enheten mellom sted og handling opprettholdes strengt.

Restaureringsperiode

Restaureringsperioden begynte i England kort tid etter Cromwells død.

Forbudene puritanerne innførte mot teaterforestillinger og ulike typer underholdning ble opphevet. Teatrene ble gjenåpnet, men de var veldig forskjellige fra det engelske teateret i XVI - tidlig XVIIårhundre og hans utvendig design, og skuespillenes natur. På scenen ble det brukt rik natur og praktfulle kostymer.

Komediene til William Wycherley (1640-1716) og William Congreve (1670-1729) nøt særlig suksess.

Engelske teatre "Drury Lane" og "Covent Garden"

La oss besøke teatrene i London nå. I 1663 ble Drury Lane Theatre bygget i London, som fikk rett til monopol i valg av repertoar. I 1732 dukket en annen opp største teater- Covent Garden. Det var lite orden på teatrene i London. Publikum, som brast inn i auditoriet, skyndte seg rett frem langs benkene i bodene for å gripe seter nærmere scenen. Fra tid til annen var det særegne "teatralske opptøyer" - publikum, misfornøyd med forestillingen, prisøkningen, enhver utøver, overdøvet skuespillernes stemmer, kastet frukt på dem, og noen ganger brast det ut på scenen.

I dette urolige London på 1700-tallet prøvde skuespillerne å opptre dekorert og snakke med avmålte stemmer. Den engelske klassisismen var imidlertid ikke komplett, integrert - den ble stadig "korrigert" av den realistiske tradisjonen som kom fra Shakespeare.

Skuespiller Thomas Betterton (1635 - 1710) spilte rollen som Hamlet som Burbage en gang spilte den, etter å ha mottatt instruksjoner fra Shakespeare selv. Skuespiller James Quinn (1693 - 1766), som for britene virket for klassisistisk, spilte rollen som Falstaff ganske realistisk. I 1741 spilte Charles Maclean (1697-1797) realistisk Shylock i Shakespeares The Merchant of Venice. Samme år spilte David Garrick (1717 - 1779), som ble den viktigste realistiske skuespilleren på 1700-tallet, rollen som Richard III. Garrick spilte komiske og tragiske roller like godt. Som en etterligning kjente Garrick ingen like. Ansiktet hans kunne konsekvent skildre alle nyanser og overganger av følelser. Han visste hvordan han skulle være morsom, patetisk, majestetisk, skummel. Garrick var en meget intelligent skuespiller, med rikt utviklet og presis teknikk, og samtidig en følelsesskuespiller. En gang, mens han spilte Kong Lear i Shakespeares tragedie, ble Garrick så revet med at han rev av seg parykken og kastet den til side.

Garrick regisserte Drury Lane Theatre i mange år, hvor han samlet et bemerkelsesverdig selskap og iscenesatte 25 Shakespeare-skuespill. Før ham jobbet ingen så samvittighetsfullt og hardnakket med oppsetningene av Shakespeares skuespill. Etter Garrick lærte de å sette mye mer pris på Shakespeare enn før. Berømmelsen til denne skuespilleren tordnet over hele Europa.

Kreativitet Garrick oppsummerte utviklingen av teatret på XVIII århundre - fra klassisisme til realisme.

18. århundre

Opplysningstiden

På 1700-tallet begynte en overgangstid som kulminerte med den franske borgerlige revolusjonen. Frigjøringsbevegelsen utviklet seg, det ble nødvendig å ødelegge føydalismen og erstatte den med kapitalisme.

Engelsk litteratur

Den turbulente epoken brakte liv til blomstringen av demokratisk kultur, inkludert teatralsk kreativitet.

DIV_ADBLOCK684">

Det 20. århundre

1945 – i dag

Etter andre verdenskrig, i forbindelse med dannelsen av det sosialistiske verdenssystemet og veksten av den nasjonale frigjøringskrigen for folk, ble sammenbruddet av det britiske imperiet uunngåelig og naturlig. Teatre representerer turbulente, vannskillebegivenheter og sosiale omveltninger.

I de første årene etter andre verdenskrig var den mest populære forfatteren i England John Boynton Priestley. Han skrev over førti skuespill. De mest betydningsfulle av dem er Dangerous Corner (1932) og Time and the Conways (1937).

I Priestleys skuespill er innflytelsen fra Tsjekhovs dramaturgi til å ta og føle på. Priestley streber etter å formidle hverdagslivets drama, å vise livet med alle dets halvtoner, å avsløre karakterene til ikke bare hovedpersonene, men også sekundære karakterer.

Skuespillene til John Osborne (1929) spilte en viktig rolle i engelsk kultur. Skuespillene til John Osborne stimulerte et oppsving i utviklingen av engelsk drama på 60-tallet.

I 1956 ble John Osbornes skuespill Look Back in Anger satt opp på Royal Court Theatre, som var en dundrende suksess. Dramatikeren formidlet veldig nøyaktig stemningen til den engelske ungdommen på den tiden. Jimmy Porter entret scenen - den unge "sinte" helten, som kritikerne kalte ham. Denne unge mannen fra bunnen, som hadde kommet seg inn i et fiendtlig sosialt miljø, hadde liten anelse om hva en verdig tilværelse var. Han grep til våpen, uten å spare noen innsats, mot de eksisterende moralske verdiene, den tradisjonelle livsstilen. offentlig liv, delvis mot sosiale lover. Disse samme egenskapene skiller noen av karakterene, både moderne og historiske, i skuespillene til John Arden, Sheila Delaney og andre.

Ferdighetene til progressive skuespillere og regissører i noen land er perfeksjonert på klassisk dramatisk materiale, på de beste eksemplene på realistisk litteratur. De bruker klassikerne til å skape akutte samtidsproblemer. Engelsk skuespiller Laurence Olivier, i form av Othello, formidlet en sint protest mot den fremvoksende borgerlige sivilisasjonen. Hamlet tjente Paul Scofield for å uttrykke de sørgelige, vanskelige tankene til den unge etterkrigsgenerasjonen av europeiske intellektuelle som følte seg ansvarlige for forbrytelsene som ble begått i verden.

Produksjonene av Shakespeares skuespill av den engelske regissøren Peter Brook nyter en velfortjent suksess hos publikum.

Den nyere tidens teaterkunst er preget av mange små profesjonelle, semi-profesjonelle og ikke-profesjonelle tropper, vandrer fra en lokalitet i en annen; revitalisering av studentteatre; den økende protesten fra skuespillere og regissører mot handel med kunst. Ungdom bruker ofte scenen til skarpe politiske diskusjoner. Teateret går ut i gatene, hvor det spilles semi-improvisasjonsforestillinger.

Nesten ethvert fenomen av teatralsk kreativitet i England er gjennomsyret av grusomme indre motsetninger, fulle av et sammenstøt av motstridende ideologiske og estetiske tendenser.

John Osborne er tilhenger av teatret som kritiserer den sosiale orden i den kapitalistiske verden, som er tidens mest overbevisende våpen.

Skuespillene til John Osborne bestemte utviklingen av engelsk drama på 1960-tallet.

Originaliteten til dramaturgien til Sean O'Casey, en fremragende anglo-irsk dramatiker, bestemmes av forbindelsen med den irske folklore tradisjon. Hans skuespill er preget av en bisarr kombinasjon av tragisk og

Laurence Olivier som Richard III

"Richard III" W. Shakespeare

komisk, ekte og fantastisk, hverdagslig og patetisk. O'Caseys dramaer bruker konvensjonene fra ekspresjonistisk teater.

Bevegelse folketeatre forfølger hovedsakelig utdanningsmål, feide over hele Europa. I England oppsto Workshop Theatre og fikk stor berømmelse under regi av Joan Littlewood.

Det første teateret i London, som ble kalt Theatre, ble åpnet i 1577 av skuespilleren James Burbage i Shoreditch. Noen måneder senere ble et annet teater åpnet i nærheten, kalt Curtain. Snart organiserte Burbage og sønnen Thomas, som ble mer kjent enn faren, Black Brothers Theatre - til ære for den monastiske dominikanerordenen, siden scenen var satt i refektoriet til det gamle klosteret. Imidlertid ble alle teatrene konstant angrepet av myndighetene i London, som forbannet disse etablissementene som en djevel til helvete og en kilde til ulykke, et sted for lediggang og utskeielser, en samling ondskapsfulle mennesker som ble begeistret av synet av gutter i kvinneklær. – med andre ord et sted for dem som heller ved trompetlyden skynder seg for å se et teaterstykke enn å høre en preken til lyden av en bjelle.

I Southwark hadde skuespillerne mer viljestyrke enn i byen, der teatrenes liv var sterkt begrenset av reglene fastsatt av myndighetene. I tillegg kunne Tula lett nås med båt eller bro. På tidspunktet for stengingen av klostrene ble en del av Southwark, som tidligere hadde tilhørt klosteret Bermondsey og klosteret til den hellige jomfru Maria, kongen. I 1550 ble den solgt til byen for rundt tusen pund. Bare to tomter forble usolgte, som forble utenfor jurisdiksjonen til byen. På det ene sto et fengsel, det andre ble kalt ("Paris Garden"); det var på disse to stedene at teatre dukket opp på dronning Elizabeths tid, fri fra Londons forbud og sensur. I Rose Theatre, bygget i 1587, ble Marlowes skuespill satt opp for første gang, og Edward Alleyns talent blomstret på scenen her. Så kom teatrene "Svane" (i 1596), "Globe" (i 1599; en tidel av det tilhørte Shakespeare) og i 1613 - "Håp".

Londonboere ble lokket til disse og andre teatre av høylytte trompeter og vaiende flagg. Penger ble samlet inn fra besøkende rett i teatret og plassert i en spesiell boks, som deretter ble låst inn i et lite rom - billettkontoret (i "kasseskapet"). Tilskuerne satt i lenestoler arrangert i lag rundt scenen, eller på benker rett på scenen, og forestillingen begynte med sine høye utrop. Skuespillere spilte sine roller, og publikum avbrøt dem med indignerte eller bifallende rop, fornærmelser eller ros. Dette fortsatte til slutten av akten, hvoretter scenen fyltes med dansere, gjøglere og akrobater; pedlars med brett og kurver klemt langs gangene mellom setene til tilskuerne, som selger paier, frukt, urtemidler, hefter; menn var hyggelige mot kvinner. Teaterarbeidere røykte ofte, luften var fylt med tobakksrøyk, trestoler tok ofte fyr, og publikum skyndte seg til dørene. brant ned samme år som Nadezhda åpnet; bare én person ble skadet i prosessen - buksene hans tok fyr, men han slukket dem raskt ved å helle øl fra en flaske.

I nærheten av teatrene var det hager med bjørner, arenaer for å lokke en bundet okse med hunder, grunnlag for hanekamper, som tiltrakk seg et mangfoldig publikum - rike og fattige, edle og vanlige mennesker. Etter å ha gledet seg over forestillingen til Othello eller Edward II, gikk publikum dagen etter for å se bjørnen bli agnet av hunder i Paris Garden, kamphanene, som, etter å ha sluppet sporene, dekket sanden på arenaen med blod og fjær, hundene som flyr langt fra slag fra gale okser (hunder ble fanget i kurvfeller for at de ikke skulle bli forkrøplede når de falt og kunne fortsette å kjempe), på folk som hacket med sverd, skar av hverandres ører og fingre under den høylytte godkjenningen av mengden.

West End teatre

Ansiktet til gatene i West End har endret seg dramatisk. Mange bygninger fra XVIII århundre. ble rekonstruert både ute og inne i samsvar med tidens smak. Således, i Grafton Street (nå Salon of Helena Rubinstein), viste fru Arthur James frem rikdommen sin med en imponerende renovering av et hus designet på 1750-tallet. Sir Robert Taylor.

Mange bygninger bygget i georgisk, Regency og Viktorianske stiler, fødte nye teatre som Duke of York Theatre, New Theatre, The Rock, the Palladium, the Gaiety, Her Highness' Theatre, London Pavilion, the Palace, the Apollo, the Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwich , Globe, Queens og Colosseum. Alle ble bygget i løpet av de siste ti årene av dronning Victorias regjeringstid og ni år av Edward selv.

Hundrevis av gamle bygninger ble revet for å gi plass til butikker, storslåtte handlehaller med overdådige plateglassvinduer og mahognidører innlagt med messing. I 1901 begynte terrakottaveggene til Harrods General Store på Brompton Road å reise seg. Det ble raskt fulgt av byggingen av nye gatebutikker i overdreven barokkstil, som Wearing and Gillows (1906), kolossale i størrelse, spesielt den staselige bygningen som kjøpmannen begynte å bygge i 1909 Harry Selfridge fra Wisconsin.

Da Selfridges butikk sto ferdig, hadde Regent Street endret seg fullstendig; Aldwych Loop krysset labyrinten av gater nord for Strand overfor Somerset House, ble omkranset av monumentale bygninger, og Kingsway Street strakte seg nordover til Holborn.

Hvis du noen gang har muligheten til å besøke den engelske byen Stratford, sørg for å besøke Shakespeare Royal Theatre.

Shakespeares Globe Theatre er et av de eldste teatrene i England. The Globe ligger på sørbredden av Themsen. Først av alt brakte de første forestillingene av Shakespeares verk på scenen berømmelse til teatret. Bygningen ble gjenoppbygd av ulike årsaker tre ganger, dvs rik historie Shakespeare teater.

Fremveksten av Shakespearesk teater

Historien til Globe Theatre går tilbake til 1599, da i London, hvor teaterkunst alltid har blitt behandlet med kjærlighet, ble bygningene til offentlige teatre bygget etter hverandre. For byggingen av den nye arenaen ble det brukt byggematerialer - trekonstruksjoner som er igjen fra en annen bygning - den aller første offentlig teater med det logiske navnet "Teater".

Eierne av den tidligere teaterbygningen, Burbage-familien, bygde den i Shoreditch i 1576, hvor de leide land.

Da tomteprisene steg, demonterte de den gamle bygningen og fraktet materialer til Themsen, hvor de reiste et nytt anlegg - Shakespeare's Globe Theatre. Eventuelle teatre ble bygget utenfor London kommunes innflytelse, noe som ble forklart av myndighetenes puritanske synspunkter.

I løpet av Shakespeares tid var det en overgang fra amatørteaterkunst til profesjonell. Skuespillertropper oppsto som først førte en omflakkende tilværelse. De reiste rundt i byene og viste forestillinger på messer. Representanter for aristokratiet begynte å ta skuespillere under deres beskyttelse: de aksepterte dem i rekkene til sine tjenere.

Dette ga skuespillerne en posisjon i samfunnet, selv om den var svært lav. Troupene ble ofte kalt i henhold til dette prinsippet, for eksempel "Servants of the Lord Chamberlain". Senere, da James I kom til makten, begynte bare medlemmer av kongefamilien å nedlatende skuespillerne, og troppene begynte å bli omdøpt til "Servants of His Majesty the King" eller andre medlemmer av kongefamilien.

Troppen til Globe Theatre var et partnerskap av skuespillere på aksjer, d.v.s. aksjonærene mottok inntekter fra honorar fra forestillinger. Burbage-brødrene er, i likhet med William Shakespeare, den ledende dramatikeren i troppen, og tre andre skuespillere var aksjonærer i Globe. Skuespillere og tenåringer var i teatret med lønn og fikk ikke inntekt fra forestillinger.

Shakespeares teater i London hadde form som et oktaeder. Auditorium"Globen" var typisk: en oval plattform uten tak, omsluttet av en stor vegg. Arenaen har fått navnet sitt på grunn av statuen av Atlanta som ligger ved inngangen, som støttet kloden. Denne ballen eller jordkloden var omgitt av et bånd med den berømte inskripsjonen " Hele verden er teater(bokstavelig oversettelse - "Hele verden agerer").

Shakespeares teater hadde plass fra 2 til 3 tusen tilskuere. På innsiden av høymuren var det loger for representanter for aristokratiet. Over dem var et galleri for velstående mennesker. Resten var plassert rundt scenen, som gikk inn i auditoriet.

Publikum skulle stå under forestillingen. Noen spesielt privilegerte personer ble sittende rett på scenen. Billetter til rikfolk som er villige til å betale for plasser i galleriet eller på scenen koster mye mer enn plasser i bodene – rundt scenen.

Scenen var en lav plattform hevet med omtrent en meter. På scenen var det en luke som førte under scenen, hvorfra spøkelser dukket opp mens handlingen skred frem. På selve scenen var det svært sjelden møbler og ingen kulisser i det hele tatt. Det var ingen gardin på scenen.

Over den bakre scenen var det en balkong, hvor karakterene dukket opp, som ifølge stykket befinner seg i slottet. Det var en slags tribune på øverste scene, hvor det også fant sceneaksjoner.

Enda høyere var en hyttelignende struktur hvor scener utenfor vinduet ble spilt. Interessant nok, da en forestilling begynte i Globe, ble det hengt et flagg på taket av denne hytta, som var synlig veldig langt og var et signal om at en forestilling pågikk i teatret.

Fattigdommen og noen innstramminger på arenaen bestemte at det viktigste som skjedde på scenen var skuespillernes spill og dramaturgiens kraft. Det fantes ingen rekvisitter for en mer fullstendig forståelse av handlingen, mye ble overlatt til publikums fantasi.

Det er bemerkelsesverdig at publikum i bodene under forestillingen ofte spiste nøtter eller appelsiner, noe som ble bekreftet av funnene fra arkeologer under utgravninger. Publikum kunne høyt diskutere noen øyeblikk i forestillingen og ikke skjule følelsene sine fra handlingen de så.

Publikum feiret også sine fysiologiske behov rett i salen, så mangelen på tak var en redning for luktesansen til elskere av teaterkunst. Derfor representerer vi grovt sett den tunge andelen dramatikere og skuespillere som gir forestillinger.

Brann

I 1613, i juli, under premieren av Shakespeares Henry VIII, om monarkens liv, brant Globe-bygningen ned, men publikum og troppen ble ikke skadet. Ifølge scenariet skulle en av pistolene avfyre, men noe gikk galt, og det brøt ut brann. trekonstruksjoner og stråtak over scenen.

Slutten på den opprinnelige bygningen av Globe markerte en endring i litterære og teatralske sirkler: Omtrent på samme tid sluttet Shakespeare å skrive skuespill.

Restaurering av teateret etter brannen

I 1614 ble arenabygningen restaurert, og stein ble brukt i konstruksjonen. Taket over scenen er skiftet ut med et flislagt. Teatertroppen fortsatte å spille frem til stengingen av Globe i 1642. Så utstedte den puritanske regjeringen og Cromwell et dekret om at all underholdningsforestilling, inkludert teater, var forbudt. The Globe, som alle kinoer, stengte.

I 1644 ble teaterbygningen revet, og det ble bygget leiegårder i stedet. Globens historie ble avbrutt i nesten 300 år.

Den nøyaktige plasseringen av den første Globe i London var ukjent før 1989, da grunnlaget for dens fundament ble funnet i Park Street under en parkeringsplass. Dens konturer er nå markert på overflaten av parkeringsplassen. Andre rester av Globen kan også være lokalisert der, men nå er denne sonen inkludert i listen over historiske verdier, og derfor kan utgravninger ikke utføres der.

Scene i Globe Theatre

Fremveksten av Shakespeares moderne teater

Den moderne rekonstruksjonen av Globe Theatre-bygningen ble ikke foreslått av britene, noe som er overraskende, men av den amerikanske regissøren, skuespilleren og produsenten Sam Wanamaker. I 1970 organiserte han Globe Trust Fund, som var ment å gjenopprette teatret, åpent utdanningssenter og permanent utstilling.

Wanamaker selv døde i 1993, men åpningen fant likevel sted i 1997 under moderne navn Shakespeares Globe Theatre. Denne bygningen ligger 200-300 meter fra det tidligere stedet for Globus. Bygningen ble rekonstruert i samsvar med datidens tradisjoner, i tillegg var det den første bygningen som fikk lov til å bygges med stråtak etter den store brannen i London i 1666.

Forestillingene er kun om våren og sommeren, pga. bygningen ble bygget uten tak. I 1995 den første kunstnerisk leder ble Mark Rylance, som ble erstattet i 2006 av Dominic Dromgoole.

Utflukter i det moderne teateret går daglig. Senest ble et temapark-museum dedikert helt til Shakespeare åpnet ved siden av Globe. I tillegg til å se den største utstillingen dedikert til den verdenskjente dramatikeren, kan du ta del i underholdningsbegivenheter: se en sverdkamp, ​​skrive en sonett eller ta del i produksjonen av et av Shakespeares skuespill.

Dramatisk kunst i Storbritannia dukket opp for lenge siden. Det stammer fra gateforestillinger som ble holdt på kirkelige høytider og fungerte som en slags moralisering. I renessansen får alle kunstområder en mer sekulær karakter og beveger seg bort fra religiøse temaer. Det var på denne tiden at det revolusjonerende teateret på den tiden dukket opp, hvor W. Shakespeare, nå kjent for hele verden, satte opp skuespill.

Den moderne utviklingen av teatret streber etter den ytterste realisme på alle sine sfærer, og revurderer selv klassiske plott. Nå forbløffer teatrene i England ikke bare med interessante forestillinger, men også med original arkitektur, så vel som uvanlige regissørbeslutninger.

Hvis du planlegger en tur til London, sørg for å besøke Piccadilly Theatre. Den har eksistert i mer enn åtte tiår og gleder kjennere av teaterkunst ikke bare med moderne, men også med tradisjonelle klassiske produksjoner.

Et av de eldste teatrene i London er Aldwych Theatre, som har samlet hele byen rundt seg i over et århundre. Slike eminente skuespillere som Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone og andre opptrådte en gang på scenen.

Fans av lyse musikalske opptredener Verdt å besøke er New London Theatre. Det var musikalene som brakte det ganske unge teateret på 70-80-tallet av forrige århundre ekte berømmelse blant unge mennesker. Til nå gleder han publikum med produksjoner på verdensnivå, med lyse scenehandlinger og god musikk.

Et annet teater i London, kjent for forestillinger i stil med en musikal og komedie, er Shaftesbury Theatre. For ikke så lenge siden feiret han hundreårsdagen - teatrets arbeid stoppet ikke selv under andre verdenskrig. Bygningen av dette teateret fortjener spesiell oppmerksomhet på grunn av dets uvanlige gamle design.

Blant moderne teatre London skiller seg ut Pinkock Theatre. Den tåler tilstrekkelig konkurranse med gamle teatre på grunn av sin innovative tilnærming til klassisk dramaturgi. Scenen bruker ofte elementer av moderne street dans og til og med akrobatiske tall for å forsterke effekten av stykket.

Bygningen til Grand Opera i Belfast imponerer med sin skjønnhet. Bygget på 1800-tallet, er det ikke bare et arkitektonisk landemerke i orientalsk stil, men gleder også teaterfans med et klassisk repertoar og utmerket akustikk.

hovedsenteret dramatisk kunst i Storbritannia kaller de det kongelige teateret Drury Lane. Det ligger i London og spilte en viktig rolle i utviklingen av teatret i landet. I løpet av dens eksistens klarte mange eminente skuespillere å besøke scenen.

Et annet arkitektonisk monument i Storbritannia er Her Majesty's Theatre. Teateret ble opprettet på begynnelsen av 1700-tallet, og på slutten av 1800-tallet flyttet det til et stort nytt bygg, hvor det fortsatt ligger. Det er en stor historisk og kulturell verdi, og det klassiske repertoaret vil appellere til alle elskere av denne kunstformen. Dette teateret ligger i London, vest i Westminster.