hjem › Lys og glass › Fransk renessansekunsthistorie. Fransk renessanse

Fransk renessansekunsthistorie. Fransk renessanse

Begynnelsen av den franske renessansen går tilbake til midten av 1400-tallet. Det ble innledet av prosessen med dannelsen av den franske nasjonen og utdanning nasjonalstat. På den kongelige tronen, representanten for det nye dynastiet - Valois. Under Louis XI ble den politiske foreningen av landet fullført. Kampanjene til de franske kongene i Italia introduserte kunstnerne for prestasjonene til italiensk kunst. Gotiske tradisjoner og nederlandske tendenser i kunsten fortrenges italiensk renessanse. Den franske renessansen hadde karakter av en hoffkultur, hvis grunnlag ble lagt av konger-beskyttere som startet med Charles V.

Jean Fouquet (1420-1481), hoffmaleren til Charles VII og Louis XI, regnes som den største skaperen av den tidlige renessansen. Han kalles også den franske renessansens store mester.

Han var den første i Frankrike som konsekvent legemliggjorde de estetiske prinsippene til den italienske Quattrocento, som først og fremst forutsatte en klar, rasjonell visjon om den virkelige Zh-verden og forståelse av tingenes natur gjennom kunnskapen om dens interne lover. I 1475 blir det

"Kongens maler". I denne egenskapen lager han mange seremonielle portretter, inkludert Charles VII. Mest kreativ arv Fouquet setter sammen miniatyrer fra timebøker, som verkstedet hans noen ganger deltok i. Fouquet malte landskap, portretter, malerier om historiske emner. Fouquet var den eneste kunstneren i sin tid som hadde en episk visjon om historien, hvis storhet står i forhold til Bibelen og antikken. Hans miniatyrer og bokillustrasjoner ble laget på en realistisk måte, spesielt for utgaven av Decameron av G. Boccaccio.

På begynnelsen av XVI århundre blir Frankrike til den største absolutistiske staten Vest-Europa. Kongehoffet blir sentrum for kulturlivet, og de første skjønnhetskjennerne og skjønnhetskjennerne er hoffmennene og det kongelige følget. Under Francis I, en beundrer av den store Leonardo da Vinci, blir italiensk kunst den offisielle moten. De italienske manieristene Rosso og Primaticcio, invitert av Margherita av Navarre, søsteren til Frans I, grunnla Fontainebleau-skolen i 1530. Dette begrepet brukes for å referere til retningen fransk maleri, som oppsto i det XVI århundre i slottet Fontainebleau. I tillegg brukes den i forhold til verk om mytologiske emner, noen ganger vellystig, og til intrikate allegorier skapt av ukjente kunstnere og også dateres tilbake til manierisme. Fontainebleau-skolen ble berømt for å lage majestetiske dekorative malerier av slottets ensemble. Kunsten til Fontainebleau-skolen, sammen med den parisiske kunsten på begynnelsen av 1600-tallet, spilte en overgangsrolle i historien til fransk maleri: i den kan man finne de første symptomene på både klassisisme og barokk.

På 1500-tallet ble grunnlaget for det franske litterære språket og høystilen lagt. Den franske poeten Joashen du Bellay (ca. 1522-1560) publiserte i 1549 et programmanifest «Beskyttelse og glorifisering av det franske språket». Han og poeten Pierre de Ronsard (1524-1585) var de mest fremtredende representantene for den franske poetiske skolen i renessansen - "Pleiadene", som så sitt mål med å heve fransk på samme nivå med de klassiske språkene - gresk og latin. Poetene fra Pleiadene fokuserte på gammel litteratur. De er fra

syntes å være fra tradisjonene i middelalderlitteraturen og forsøkte å berike det franske språket. Dannelsen av det franske litterære språket var nært forbundet med sentraliseringen av landet og ønsket om å bruke ett nasjonalt språk til dette.

Lignende trender i utviklingen av nasjonale språk og litteratur ble også manifestert i andre europeiske land.

Blant de fremtredende representantene for den franske renessansen var også den franske humanistiske forfatteren Francois Rabelais (1494-1553). Hans satiriske roman "Gargantua og Pantagruel" er et encyklopedisk monument over fransk renessansekultur. Verket var basert på folkebøker om kjemper som var vanlige på 1500-tallet (kjempene Gargantua, Pantagruel, den sannhetssøkende Panurge). Rabelais avviser middelalderens askese, begrensning av åndelig frihet, hykleri og fordommer, og avslører de humanistiske idealene i sin tid i de groteske bildene av heltene hans.

pek inn kulturell utvikling Frankrike på 1500-tallet ble satt av den store humanistiske filosofen Michel de Montaigne (1533-1592). Montaigne, som kom fra en velstående handelsfamilie, fikk en utmerket humanistisk utdannelse, og etter insistering fra faren begynte han på juss. Berømmelsen til Montaigne ble brakt av "Eksperimentene" (1580-1588) skrevet i ensomheten til familieslottet i Montaigne nær Bordeaux, som ga navnet til en hel trend innen europeisk litteratur - essays (fransk essai - erfaring). Essaysboken, preget av fritenkning og en slags skeptisk humanisme, representerer et sett av dommer om hverdagslige skikker og prinsipper for menneskelig atferd under ulike omstendigheter. Montaigne deler ideen om nytelse som målet for menneskelig eksistens, og tolker den i den epikuriske ånden - og aksepterer alt som frigjøres til mennesket av naturen.

Fransk kunst fra XVI-XVII århundrer. basert på tradisjonene fra den franske og italienske renessansen. Fouquets malerier og tegninger, Goujons skulpturer, slott fra Frans 1.s tid, Fontainebleau-palasset og Louvre, Ronsards poesi og Rabelais prosa, Montaignes filosofiske eksperimenter – alt bærer preg av en klassisk formforståelse, streng logikk, en rasjonalisme utviklet følelse av nåde.

Renessanse (renessanse). Italia. XV-XVI århundrer. tidlig kapitalisme. Landet styres av velstående bankfolk. De er interessert i kunst og vitenskap.

De rike og mektige samler de talentfulle og kloke rundt seg. Poeter, filosofer, malere og skulptører har daglige samtaler med sine lånetakere. På et tidspunkt så det ut til at folket ble styrt av vismenn, slik Platon ønsket.

Husk de gamle romerne og grekerne. De bygde også et samfunn av frie borgere, der hovedverdien er en person (ikke medregnet slaver, selvfølgelig).

Renessansen er ikke bare å kopiere kunsten til gamle sivilisasjoner. Dette er en blanding. Mytologi og kristendom. Naturrealisme og bilders oppriktighet. Skjønnhet fysisk og åndelig.

Det var bare et glimt. Perioden for høyrenessansen er omtrent 30 år! Fra 1490-tallet til 1527 Fra begynnelsen av blomstringen av Leonardos kreativitet. Før plyndringen av Roma.

luftspeiling ideell verden bleknet raskt. Italia var for skjørt. Hun ble snart slaveret av en annen diktator.

Disse 30 årene bestemte imidlertid hovedtrekkene i europeisk maleri for 500 år fremover! Opp til .

Bilderealisme. Antroposentrisme (når verdens sentrum er mennesket). Lineært perspektiv. Oljemaling. Portrett. Natur…

Utrolig nok, i løpet av disse 30 årene jobbet flere strålende mestere på en gang. Andre ganger blir de født en om 1000 år.

Leonardo, Michelangelo, Raphael og Titian er renessansens titaner. Men det er umulig å ikke nevne deres to forgjengere: Giotto og Masaccio. Uten den ville det ikke vært noen renessanse.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment av maleriet "Fem mestere fra den florentinske renessansen". Begynnelsen av 1500-tallet. .

XIV århundre. Proto-renessanse. Hovedpersonen er Giotto. Dette er en mester som på egenhånd revolusjonerte kunsten. 200 år før høyrenessansen. Hvis ikke for ham, ville epoken som menneskeheten er så stolt av neppe ha kommet.

Før Giotto var det ikoner og fresker. De ble skapt i henhold til de bysantinske kanonene. Ansikter i stedet for ansikter. flate figurer. Proporsjonal misforhold. I stedet for et landskap - en gylden bakgrunn. Som for eksempel på dette ikonet.

Guido da Siena. Tilbedelse av magiene. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-museet, Tyskland.

Og plutselig dukker Giottos fresker opp. På dem tredimensjonale figurer. ansikter edle mennesker. Gammel og ung. Lei seg. Sørgelig. Overrasket. Annerledes.

Fresker av Giotto i Scrovegni-kirken i Padua (1302-1305). Til venstre: Kristi klagesang. Midten: Kiss of Judas (detalj). Høyre: Bebudelse av St. Anne (Marias mor), fragment.

Hovedskapningen til Giotto er en syklus av freskene hans i Scrovegni-kapellet i Padua. Da denne kirken åpnet for menighetsmedlemmer, strømmet folkemengder inn i den. De har aldri sett dette.

Tross alt gjorde Giotto noe uten sidestykke. Han oversatte de bibelske historiene til et enkelt, forståelig språk. Og de er blitt mye mer tilgjengelige. vanlige folk.

Giotto. Tilbedelse av magiene. 1303-1305 Fresco i Scrovegni-kapellet i Padua, Italia.

Dette er det som vil være karakteristisk for mange mestere i renessansen. Lakonisme av bilder. Levende følelser av karakterene. Realisme.

Les mer om freskene til mesteren i artikkelen.

Giotto ble beundret. Men hans innovasjon ble ikke videreutviklet. Moten for internasjonal gotikk kom til Italia.

Først etter 100 år vil en verdig etterfølger til Giotto dukke opp.

2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selvportrett (fragment av fresken "Sankt Peter på prekestolen"). 1425-1427 Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Begynnelsen av 1400-tallet. Den såkalte tidligrenessansen. En annen innovatør kommer inn på scenen.

Masaccio var den første artisten som brukte lineært perspektiv. Den ble designet av vennen hans, arkitekten Brunelleschi. Nå har den avbildede verden blitt lik den virkelige. Leketøysarkitektur hører fortiden til.

Masaccio. Sankt Peter helbreder med sin skygge. 1425-1427 Brancacci-kapellet i Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Han adopterte realismen til Giotto. Imidlertid, i motsetning til forgjengeren, kunne han allerede godt anatomi.

I stedet for blokkerte karakterer er Giotto vakkert bygde mennesker. Akkurat som de gamle grekerne.

Masaccio. Dåp av neofytter. 1426-1427 Brancacci kapell, kirken Santa Maria del Carmine i Firenze, Italia.

Masaccio. Eksil fra paradis. 1426-1427 Fresco i Brancacci-kapellet, Santa Maria del Carmine, Firenze, Italia.

Masaccio levde Ikke langt liv. Han døde, som sin far, uventet. 27 år gammel.

Imidlertid hadde han mange tilhengere. mestere neste generasjoner dro til Brancacci-kapellet for å lære av freskene hans.

Så innovasjonen til Masaccio ble plukket opp av alle de store artistene fra høyrenessansen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selvportrett. 1512 Det kongelige bibliotek i Torino, Italia.

Leonardo da Vinci er en av renessansens titaner. Han påvirket i stor grad utviklingen av maleriet.

Det var da Vinci som hevet statusen til artisten selv. Takket være ham er representanter for dette yrket ikke lenger bare håndverkere. Dette er åndens skapere og aristokrater.

Leonardo fikk et gjennombrudd i første omgang i portrett maleri.

Han mente at ingenting skulle distrahere fra hovedbildet. Øyet skal ikke vandre fra en detalj til en annen. Så det dukket opp kjente portretter. Konsis. Harmonisk.

Leonardo da Vinci. Dame med hermelin. 1489-1490 Chertoryski-museet, Krakow.

Den viktigste nyvinningen til Leonardo er at han fant en måte å lage bilder ... levende.

Før ham så karakterene i portrettene ut som mannekenger. Linjene var klare. Alle detaljer er nøye tegnet. En malt tegning kunne umulig være i live.

Leonardo oppfant sfumato-metoden. Han gjorde linjene uskarpe. Gjorde overgangen fra lys til skygge veldig myk. Karakterene hans ser ut til å være dekket av en knapt merkbar dis. Karakterene ble levende.

. 1503-1519 Louvre, Paris.

Sfumato vil gå inn i det aktive vokabularet til alle fremtidens store artister.

Ofte er det en oppfatning at Leonardo, selvfølgelig, et geni, men ikke visste hvordan han skulle bringe noe til slutten. Og han ble ofte ikke ferdig med å male. Og mange av prosjektene hans forble på papiret (forresten, i 24 bind). Generelt ble han kastet inn i medisin, deretter inn i musikk. Selv kunsten å servere på en gang var glad i.

Men tenk selv. 19 malerier - og han - største artist alle tider og folk. Og noen er ikke engang i nærheten av storhet, mens de skriver 6000 lerreter i løpet av livet. Åpenbart, hvem har en høyere effektivitet.

Les om det mest kjente maleriet av mesteren i artikkelen.

4. Michelangelo (1475–1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (detalj). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betraktet seg selv som en skulptør. Men var universell mester. Som hans andre renessansekolleger. Derfor er hans billedarv ikke mindre grandiose.

Han er først og fremst gjenkjennelig av fysisk utviklede karakterer. Han skildret en perfekt mann i hvem fysisk skjønnhet betyr åndelig skjønnhet.

Derfor er alle karakterene hans så muskuløse, hardføre. Til og med kvinner og gamle mennesker.

Michelangelo. Fragmenter av fresken av den siste dommen i Det sixtinske kapell, Vatikanet.

Ofte malte Michelangelo karakteren naken. Og så la jeg klær på toppen. For å gjøre kroppen så preget som mulig.

Han malte taket i Det sixtinske kapell alene. Selv om dette er noen hundre tall! Han lot ikke engang noen gni malingen. Ja, han var usosial. Han hadde en tøff og kranglevorne personlighet. Men mest av alt var han misfornøyd med ... seg selv.

Michelangelo. Fragment av fresken "Adams skapelse". 1511 Det sixtinske kapell, Vatikanet.

Michelangelo levde et langt liv. Overlevde renessansens tilbakegang. For ham var det en personlig tragedie. Hans senere verk er fulle av tristhet og sorg.

Bare gjør kreativ måte Michelangelo er unik. Hans tidlige verk er ros til den menneskelige helten. Fri og modig. I de beste tradisjonene i antikkens Hellas. Som hans David.

I i fjor livet er tragiske bilder. En bevisst grovhugget stein. Som om foran oss er monumenter over ofrene for fascismen på 1900-tallet. Se på hans "Pieta".

Skulpturer av Michelangelo ved Akademiet kunst i Firenze. Til venstre: David. 1504 Høyre: Pieta av Palestrina. 1555

Hvordan er dette mulig? Én kunstner gikk gjennom alle kunstens stadier fra renessansen til 1900-tallet i løpet av en levetid. Hva vil de neste generasjonene gjøre? Gå din egen vei. Vel vitende om at listen er satt veldig høyt.

5. Raphael (1483–1520)

. 1506 Uffizi Gallery, Firenze, Italia.

Raphael har aldri blitt glemt. Hans geni ble alltid anerkjent: både under livet og etter døden.

Karakterene hans er utstyrt med sensuell, lyrisk skjønnhet. Det er han som med rette anses som den vakreste kvinnelige bilder noen gang opprettet. Ytre skjønnhet reflekterer den åndelige skjønnheten til heltinnene. Deres saktmodighet. Deres offer.

Raphael. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Tyskland.

De berømte ordene "Skjønnhet vil redde verden" sa Fjodor Dostojevskij nøyaktig om. Det var favorittbildet hans.

Sansebilder er imidlertid ikke de eneste forte Raphael. Han tenkte veldig nøye over komposisjonen til maleriene sine. Han var en uovertruffen arkitekt innen maleri. Dessuten fant han alltid den enkleste og mest harmoniske løsningen i organiseringen av rommet. Det ser ut til at det ikke kan være annerledes.

Raphael. Athen skole. 1509-1511 Freskomaleri på rommene til det apostoliske palasset, Vatikanet.

Rafael levde bare 37 år. Han døde plutselig. Fra en forkjølet og medisinsk feil. Men arven hans kan ikke overvurderes. Mange artister idoliserte denne mesteren. Og de multipliserte hans sensuelle bilder i tusenvis av lerretene deres..

Titian var en uovertruffen kolorist. Han eksperimenterte også mye med komposisjon. Generelt var han en vågal innovatør.

For en slik glans av talent elsket alle ham. Kalt «malernes konge og kongenes maler».

Når vi snakker om Titian, vil jeg sette etter hver setning Utropstegn. Tross alt var det han som brakte dynamikk til maleriet. Patos. Entusiasme. Lys farge. Glans av farger.

Titian. Maria himmelfart. 1515-1518 Santa Maria Gloriosi dei Frari-kirken, Venezia.

Mot slutten av livet utviklet han en uvanlig skriveteknikk. Strøkene er raske og tykke. Malingen ble påført enten med pensel eller med fingrene. Fra dette - bildene er enda mer levende, pustende. Og handlingene er enda mer dynamiske og dramatiske.

Titian. Tarquinius og Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Minner ikke dette deg om noe? Selvfølgelig er det en teknikk. Og teknikk artister av det 19århundre: Barbizon og. Titian vil, i likhet med Michelangelo, gå gjennom 500 år med maleri i løpet av en levetid. Det er derfor han er et geni.

Les om mesterens berømte mesterverk i artikkelen.

Renessansekunstnere er eiere av stor kunnskap. For å etterlate seg en slik arv, var det nødvendig å studere mye. Innen historie, astrologi, fysikk og så videre.

Derfor får hvert av bildene deres oss til å tenke. Hvorfor vises det? Hva er den krypterte meldingen her?

De tar nesten aldri feil. Fordi de tenkte grundig ut sitt fremtidige arbeid. De brukte all bagasjen til kunnskapen deres.

De var mer enn kunstnere. De var filosofer. De forklarte verden for oss gjennom å male.

Derfor vil de alltid være dypt interessante for oss.

Begynnelsen av den franske renessansen går tilbake til midten av 1400-tallet. Det ble innledet av prosessen med dannelsen av den franske nasjonen og dannelsen av en nasjonalstat. På den kongelige tronen, representanten for det nye dynastiet - Valois. Kampanjene til de franske kongene i Italia introduserte kunstnerne for prestasjonene til italiensk kunst. Gotiske tradisjoner og nederlandske kunsttendenser er erstattet av den italienske renessansen. Fransk renessanse hadde karakter av en hoffkultur, hvis grunnlag ble lagt av kongene-beskyttere som startet med Charles V.

Jean Fouquet (1420-1481), hoffmaleren til Charles VII og Louis XI, regnes som den største skaperen av den tidlige renessansen. Han kalles også den franske renessansens store mester. Han var den første i Frankrike som konsekvent legemliggjorde de estetiske prinsippene til italienske Quattrocento, som først og fremst forutsatte en klar, rasjonell visjon. virkelige verden og forståelse av tingenes natur gjennom kunnskapen om dens interne lover. Det meste av Fouquets kreative arv består av miniatyrer fra timebøkene. I tillegg malte han landskap, portretter, malerier om historiske emner. Fouquet var den eneste kunstneren i sin tid som hadde en episk visjon om historien, hvis storhet står i forhold til Bibelen og antikken.

På begynnelsen av 1500-tallet ble Frankrike til den største absolutistiske staten i Vest-Europa. Senter kulturliv det kongelige hoff blir, og de første kjennere og kjennere av skjønnhet er de nære og det kongelige følget. Under Francis I, en beundrer av den store Leonardo da Vinci, blir italiensk kunst den offisielle moten. De italienske manieristene Rosso og Primaticcio, invitert av Margherita av Navarre, søsteren til Frans I, grunnla Fontainebleau-skolen i 1530. Dette begrepet kalles vanligvis retningen i fransk maleri, som oppsto på 1500-tallet i slottet Fontainebleau. I tillegg brukes den i forhold til verk om mytologiske emner, noen ganger vellystig, og til intrikate allegorier skapt av ukjente kunstnere og også dateres tilbake til manierisme. Fontainebleau-skolen ble berømt for å lage majestetiske dekorative malerier av slottets ensemble.

På 1500-tallet ble grunnlaget for det franske litterære språket og høystilen lagt. Den franske poeten Joashen du Bellay (ca. 1522-1560) publiserte i 1549 et programmanifest «Beskyttelse og glorifisering av det franske språket». Han og poeten Pierre de Ronsard (1524-1585) var de fleste fremtredende representanter Fransk poetisk skole i renessansen - "Pleiades", som så sitt mål i å heve det franske språket til samme nivå med de klassiske språkene - gresk og latin. Poetene fra Pleiadene fokuserte på gammel litteratur.

Blant de fremtredende representantene for den franske renessansen var også den franske humanistiske forfatteren Francois Rabelais (1494-1553). Hans satiriske roman "Gargantua og Pantagruel" er et encyklopedisk monument over fransk renessansekultur. Verket tok utgangspunkt i allmenningen på 1500-tallet folkebøker om kjemper (kjempene Gargantua, Pantagruel, den sannhetssøkende Panurge). Rabelais avviser middelalderens askese, begrensning av åndelig frihet, hykleri og fordommer, og avslører de humanistiske idealene i sin tid i de groteske bildene av heltene hans.

Den store humanistiske filosofen Michel de Montaigne (1533-1592) satte en stopper for den kulturelle utviklingen i Frankrike på 1500-tallet. Essaysboken, preget av fritenkning og en slags skeptisk humanisme, representerer et sett av dommer om hverdagslige skikker og prinsipper for menneskelig atferd under ulike omstendigheter. Montaigne deler ideen om nytelse som målet for menneskelig eksistens, og tolker den i den epikuriske ånden - og aksepterer alt som frigjøres til mennesket av naturen.

Seksjon "Art of France". Generell kunsthistorie. Bind III. Renessansekunst. Forfattere: A.I. Venediktov (arkitektur), M.T. Kuzmina (kunst); under generell redaksjon av Yu.D. Kolpinsky og E.I. Rotenberg (Moskva, Art State Publishing House, 1962)

Renessansen er et strålende stadium i utviklingen av fransk kultur og kunst. Det tilsvarer den historiske perioden for dannelsen av borgerlige forhold, dannelsen og styrkingen av den absolutistiske staten i Frankrike. På denne tiden triumferte et nytt, humanistisk verdensbilde over middelalderens religiøse ideologi, sekulær kultur og kunst, forankret i dypet, var vidt spredt. folkekunst. Kommunikasjon med vitenskap, appell til gamle bilder, realisme og livsbekreftende patos bringer ham nærmere kunsten fra den italienske renessansen. Samtidig var renessansens kunst i Frankrike dypt særegen. Livsbekreftende humanisme er kombinert i den med tragedies trekk, generert av den motstridende kompleksiteten til fremveksten av en ny historisk scene, karakteristisk for Frankrike.

Sammenlignet med den italienske renessansen er den franske renessansen nesten et og et halvt århundre forsinket (begynnelsen av den franske renessansen faller på midten av 1400-tallet). Enda viktigere er det faktum at gotikken og dens tradisjoner i Italia ikke spilte noen avgjørende rolle i fremveksten av renessansekunst, tvert imot ble den tidlige renessansen i Frankrike i stor grad dannet i prosessen med å tenke nytt om realistiske tendenser og resolutt overvinne det mystiske. grunnlaget for gotisk kunst.

Samtidig, sammen med bearbeiding og utvikling av de realistiske elementene i den gotiske arven i forhold til datidens nye sosiale og estetiske krav, en appell til opplevelsen av italiensk kunst, som allerede hadde nådd en høy grad av modenhet , spilte også en viktig rolle i Frankrike fra slutten av 1400-tallet.

Naturligvis eksistensen av italiensk kunst, kunstnerisk perfekt og med ekstraordinær prestisje i hele Europa, forhåndsbestemt gjennom første halvdel av 1500-tallet. bred appell av kulturen i renessansens Frankrike til hans erfaring og prestasjoner. Imidlertid tenkte den unge, livlige kulturen i Frankrike på prestasjonene italiensk kultur i samsvar med de nasjonale oppgavene som stod overfor kulturen og kunsten til det nasjonale franske monarkiet.

En ytre drivkraft til denne brede appellen til den italienske erfaringen, som inkluderte invitasjonen til Frankrike av en rekke store mestere i det høye og sen renessanse, tjente som de militære kampanjene i Italia som begynte i 1494. De virkelige årsakene lå mye dypere. Kampanjer i Italia av de franske kongene Charles VIII, og senere Frans I, ble mulig på grunn av veksten av den økonomiske og politiske makten i landet, suksessene som ble oppnådd på veien mot å skape et sentralisert monarki.

Overgang fra tidlig til Høyrenessanse, som fant sted i løpet av den første tredjedelen av 1500-tallet, var assosiert med opprettelsen av en kultur av et stort sentralisert adelig monarki, opprettelsen av en enkelt nasjonalstat.

Naturligvis, under disse forholdene, måtte kunst, nært knyttet til tradisjonene i individuelle regioner i landet, vike for kunst ikke bare riktig sekulær, men relativt fri for innflytelse. lokale tradisjoner. Slik kunst, som i prinsippet hadde nasjonal karakter og samtidig bærer preg av hoffkultur, ble til i disse årene. Denne høviske konnotasjonen var uunngåelig i en tid da monarkens makt hadde en tendens til å bli et symbol på landets nasjonale enhet.

Etableringen av et nytt historisk stadium i utviklingen av det franske samfunnet og dets kultur foregikk i en spent og grusom kamp. De antiføydale og anti-katolske handlingene til massene, brukt og deretter undertrykt av kongemakten og adelen bak den, fikk sin indirekte refleksjon i den franske humanismens mest progressive og demokratiske strømninger.

Kraftig folks pust, uuttømmelig gallisk livsglede, tro på mennesket og dets evner, nådeløst hat mot alle manifestasjoner av middelalderskolastikk gjennomsyrer arbeidet til en av de største mesterne innen realisme fra senrenessansen - Francois Rabelais.

Ved midten av 1500-tallet. aktiviteten til poetene fra Pleiadene, ledet av Ronsard, som spilte en enorm rolle i utviklingen av nasjonal poesi, utfolder seg. Det mest slående monumentet til tidens avanserte sosiale tanker var "Eksperimentene" til Montaigne, en av grunnleggerne av den rasjonalistiske og anti-klerikale tradisjonen i vesteuropeisk kultur.

I kunst og arkitektur, ble tidens progressive innhold bekreftet hovedsakelig innenfor rammen av den edle og edle-borgerlige kulturen i det nye monarkiet. Og likevel, den historiske og kunstneriske betydningen av slike prestasjoner som slottsarkitekturen i Loire, aktivitetene til de bemerkelsesverdige malerne Jean Fouquet, Clouet-familien, skulptørene Jean Goujon, Germain Pilon, arkitektene og arkitekturteoretikere Pierre Lescaut og Philibert Delorme, vokser betydelig fra dette rammeverket, og danner grunnlaget videre utvikling progressive trender i fransk kunst.

Renessansen er et fenomenalt fenomen i menneskehetens historie. Aldri igjen har det vært et så strålende glimt innen kunstfeltet. Skulptører, arkitekter og kunstnere fra renessansen (listen er lang, men vi vil berøre de mest kjente), hvis navn er kjent for alle, ga verden uvurderlig. Unike og eksepsjonelle mennesker viste seg ikke på ett felt, men på flere med en gang.

Tidlig renessansemaleri

Renessansen har en relativ tidsramme. Det begynte først i Italia - 1420-1500. På denne tiden er maleri og all kunst generelt ikke mye forskjellig fra den nære fortiden. Imidlertid begynner elementer lånt fra den klassiske antikken å dukke opp for første gang. Og først i de påfølgende årene ble skulptører, arkitekter og kunstnere fra renessansen (listen over disse er veldig lang) påvirket av moderne forhold livet og progressive trender forlater endelig middelalderske grunnlag. De adopterer frimodig de beste eksemplene eldgammel kunst for deres arbeider, både generelt og i individuelle detaljer. Navnene deres er kjent for mange, la oss fokusere på de lyseste personlighetene.

Masaccio - geniet av europeisk maleri

Det var han som ga et stort bidrag til utviklingen av maleriet, og ble en stor reformator. Den florentinske mesteren ble født i 1401 i en familie av kunstneriske håndverkere, så smakssansen og ønsket om å skape var i blodet hans. I en alder av 16-17 flyttet han til Firenze, hvor han jobbet i verksteder. Donatello og Brunelleschi, de store skulptørene og arkitektene, regnes for å være hans lærere. Kommunikasjon med dem og de tilegnete ferdighetene kunne ikke annet enn å påvirke ung maler. Fra første stund lånte Masaccio en ny forståelse menneskelig personlighet karakteristisk for skulptur. Ved den andre mesteren - grunnlaget Forskerne anser Triptych of San Giovenale (på det første bildet) for å være det første pålitelige verket, som ble oppdaget i en liten kirke nær byen der Masaccio ble født. Hovedverket er freskene dedikert til historien om St. Peters liv. Kunstneren deltok i opprettelsen av seks av dem, nemlig: "Miraklet med stateren", "Utdrivelsen fra paradiset", "Neofyttenes dåp", "Fordelingen av eiendom og Ananias' død", "Oppstandelsen" av Theophilus' Son", "St. Peter helbreder de syke med sin skygge" og "Sankt Peter i Preikestolen".

Italienske kunstnere fra renessansen er mennesker som viet seg helt til kunst, uten å ta hensyn til vanlige hverdagsproblemer, noe som noen ganger førte dem til en dårlig tilværelse. Masaccio er intet unntak: den strålende mesteren døde veldig tidlig, i en alder av 27-28, og etterlot seg store verk og et stort antall gjeld.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Dette er en representant for Padua malerskole. Han fikk det grunnleggende om ferdigheter fra sin adoptivfar. Stilen ble dannet under påvirkning av verkene til Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello og Venetiansk maleri. Dette bestemte den noe tøffe og tøffe måten Andrea Mantegna hadde sammenlignet med florentinerne. Han var en samler og kjenner av kulturverk fra antikken. Takket være stilen hans, i motsetning til alle andre, ble han berømt som en innovatør. Hans mest kjente verk er: "Dead Christ", "Caesar's Triumph", "Judith", "Battle of the Sea Gods", "Parnassus" (bildet), etc. Fra 1460 til sin død jobbet han som hoffmaler i familien til hertugene av Gonzaga.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli er et pseudonym, det virkelige navnet er Filipepi. Han valgte ikke umiddelbart veien til en kunstner, men studerte først smykkeproduksjon. Først selvstendig arbeid(flere "Madonnas") innflytelsen fra Masaccio og Lippi merkes. I fremtiden glorifiserte han seg også som portrettmaler, hoveddelen av bestillingene kom fra Firenze. Den raffinerte og raffinerte naturen til hans arbeid med elementer av stilisering (generalisering av bilder ved bruk av konvensjonelle teknikker - enkelhet i form, farge, volum) skiller ham fra andre mestere på den tiden. En samtidig av Leonardo da Vinci og den unge Michelangelo satte et sterkt preg på verdenskunsten ("The Birth of Venus" (foto), "Spring", "Adoration of the Magi", "Venus and Mars", "Christmas", etc. .). Maleriet hans er oppriktig og følsomt, og livsvei kompleks og tragisk. Den romantiske oppfatningen av verden i ung alder ble erstattet av mystikk og religiøs opphøyelse i modenhet. De siste årene av sitt liv levde Sandro Botticelli i fattigdom og glemsel.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

En italiensk maler og en annen representant for den tidlige renessansen, opprinnelig fra Toscana. Forfatterens stil ble dannet under påvirkning av den florentinske malerskolen. I tillegg til talentet til kunstneren, hadde Piero della Francesca enestående evner innen matematikk, og viet de siste årene av sitt liv til henne, og prøvde å forbinde henne med høy kunst. Resultatet ble to vitenskapelige avhandlinger: «On Perspective in Painting» og «The Book of Five Correct Solids». Stilen hans utmerker seg ved høytidelighet, harmoni og edel bilder, komposisjonsbalanse, presise linjer og konstruksjon, myke farger. Piero della Francesca hadde utrolig kunnskap for den tiden teknisk side maleri og perspektivtrekk, noe som ga ham høy prestisje blant hans samtidige. De mest kjente verkene: "The History of the Queen of Sheba", "The Flagellation of Christ" (bildet), "Alteret til Montefeltro", etc.

Høyrenessansemaleri

Hvis proto-renessanse og tidlig æra varte i nesten et og et halvt århundre og et århundre, så dekker denne perioden bare noen få tiår (i Italia fra 1500 til 1527). Det var et lysende, blendende glimt som ga verden en hel galakse av flotte, allsidige og strålende mennesker. Alle grener av kunst gikk hånd i hånd, så mange mestere er også vitenskapsmenn, skulptører, oppfinnere, og ikke bare renessansekunstnere. Listen er lang, men toppen av renessansen ble preget av arbeidet til L. da Vinci, M. Buanarotti og R. Santi.

Da Vincis ekstraordinære geni

Kanskje dette er den mest ekstraordinære og enestående personlighet i verdenshistorien kunstnerisk kultur. Han var en universell person i ordets fulle forstand og hadde de mest allsidige kunnskaper og talenter. Kunstner, skulptør, kunstteoretiker, matematiker, arkitekt, anatom, astronom, fysiker og ingeniør - alt dette handler om ham. Dessuten, i hvert av områdene viste Leonardo da Vinci (1452-1519) seg som en innovatør. Så langt har bare 15 av maleriene hans, samt mange skisser, overlevd. Med fantastisk livsenergi og tørst etter kunnskap, han var utålmodig, han var fascinert av selve kunnskapsprosessen. I en veldig ung alder (20 år) kvalifiserte han seg som mester i St. Lukas-lauget. Hans viktigste verk var fresken " Det siste måltid", malerier "Mona Lisa", "Madonna Benois" (bildet over), "Lady with an Hermeline", etc.

Portretter av renessansekunstnere er sjeldne. De foretrakk å legge igjen bildene sine i malerier med mange ansikter. Så rundt selvportrettet av da Vinci (bildet) avtar ikke tvister den dag i dag. Det fremsettes versjoner som han laget den i en alder av 60 år. I følge biografen, kunstneren og forfatteren Vasari holdt den store mesteren på å dø i armene på ham nær venn Kong Frans I i hans slott Clos Luce.

Raphael Santi (1483–1520)

Kunstner og arkitekt opprinnelig fra Urbino. Hans navn i kunst er alltid forbundet med ideen om sublim skjønnhet og naturlig harmoni. For nok kort liv(37 år gammel) skapte han mange verdenskjente malerier, fresker og portretter. Handlingene han skildret er veldig forskjellige, men han ble alltid tiltrukket av bildet av Guds mor. Absolutt med rette kalles Raphael "Madonnaenes mester", de som han malte i Roma er spesielt kjente. I Vatikanet arbeidet han fra 1508 til slutten av livet som offisiell kunstner ved pavehoffet.

Omfattende begavet, som mange andre store kunstnere fra renessansen, var Raphael også en arkitekt, og også engasjert i arkeologiske utgravninger. I følge en versjon er den siste hobbyen i direkte sammenheng med for tidlig død. Antagelig fikk han romerfeber under utgravningene. Den store mesteren er gravlagt i Pantheon. Bildet er av selvportrettet hans.

Michelangelo Buoanarroti (1475–1564)

Den lange 70-åringen til denne mannen var lys, han overlot til sine etterkommere uforgjengelige kreasjoner ikke bare av maleri, men også av skulptur. Som andre store renessansekunstnere levde Michelangelo i en tid full av historiske hendelser og sjokk. Kunsten hans er en vakker sluttnote av hele renessansen.

Mesteren satte skulptur over all annen kunst, men etter skjebnens vilje ble han en fremragende maler og arkitekt. Hans mest ambisiøse og uvanlige verk er maleriet (bildet) i palasset i Vatikanet. Freskens areal overstiger 600 kvadratmeter og inneholder 300 menneskefigurer. Den mest imponerende og kjente er scenen for den siste dommen.

Italienske renessansekunstnere var mangefasetterte talenter. Så få mennesker vet at Michelangelo også var en stor poet. Denne fasetten av hans geni ble fullstendig manifestert på slutten av livet hans. Rundt 300 dikt har overlevd til i dag.

Senrenessansemaleri

Den siste perioden dekker tidsperioden fra 1530 til 1590-1620. I følge Encyclopædia Britannica endte renessansen som historisk periode med Romas fall i 1527. Omtrent samtidig i Sør Europa Motreformasjonen vant. Den katolske bevegelsen så med bekymring på enhver fritenking, inkludert glorifiseringen av skjønnhet. Menneskekroppen og gjenoppstandelsen av kunsten fra den antikke perioden - det vil si alt som var grunnpilarene i renessansen. Dette resulterte i en spesiell trend - manerisme, preget av tap av harmoni mellom det åndelige og det fysiske, mennesket og naturen. Men selv i denne vanskelige perioden, noen kjente artister Renessansen skapte mesterverkene deres. Blant dem er Antonio da Correggio, (betraktet som grunnleggeren av klassisismen og palladianismen) og Titian.

Titian Vecellio (1488–1490–1676)

Han regnes med rette som en titan fra renessansen, sammen med Michelangelo, Raphael og da Vinci. Allerede før han var 30 år gammel, var Titian kjent som «malernes konge og kongenes maler». I utgangspunktet malte kunstneren bilder på mytologiske og bibelske temaer, dessuten ble han berømt som en storslått portrettmaler. Samtidige mente at det å bli innprentet med penselen til en stor mester betyr å få udødelighet. Og det er det faktisk. Ordrer til Titian kom fra de mest ærverdige og edle personer: paver, konger, kardinaler og hertuger. Her er bare noen få, de mest kjente, av verkene hans: "Venus of Urbino", "The Abduction of Europe" (bildet), "Carrying the Cross", "Coronation with Thorns", "Pesaro Madonna", "Woman with et speil", etc.

Ingenting gjentas to ganger. Renessansens tid ga menneskeheten strålende, ekstraordinære personligheter. Navnene deres er skrevet inn verdenshistorien kunstgullbokstaver. Arkitekter og skulptører, forfattere og kunstnere fra renessansen - listen deres er veldig lang. Vi berørte bare titanene som skapte historie, brakte ideene om opplysning og humanisme til verden.

Populær i kategorien: