hjem › Chassis › Igor Stravinsky (II). Igor Stravinsky: biografi og foto Stravinskys liv og karriere i korte trekk

Igor Stravinsky (II). Igor Stravinsky: biografi og foto Stravinskys liv og karriere i korte trekk

Igor Stravinsky er en legendarisk figur i musikken på 1900-tallet. I et langt liv klarte denne komponisten å bruke alle prestasjonene til moderne avantgardemusikk. Den russiske folkesangen, rikdommen i dens rytmisk-melodiske struktur, var for Stravinsky kilden til å lage sin egen folklore-aktige melodi. Stravinsky var aldri bare en epigon av noen stil. Tvert imot ble enhver stilistisk modell forvandlet av ham til en eksklusivt individuell kreasjon. Stravinsky hevdet at musikken hans ser ut til å utvikle seg av seg selv, men likevel inneholder den ideer som er tilgjengelige for alle.

Igor Stravinsky ble født 17. juni 1882 i Oranienbaum ved St. Petersburg. Med det kunstneriske miljøet var han kjent med tidlige år: faren hans er en kjent sanger fra Mariinsky Theatre, hvor det i tillegg til kolleger var Stasov, Mussorgsky og Dostoevsky. Teatrets fantasmagoria, friheten og vilkårligheten i livet bak kulissene, absorberte Stravinsky fra barndommen.

Som ung tilhørte han allerede de høyeste kretsene i St. Petersburgs kunstneriske intelligentsia, ble medlem av "Evenings of Contemporary Music" - de ble ledet av A.P. Nuroki og V.F. Nouvel, og ble gjennom dem nær med figurene fra "Kunstens verden" og med den som satte tonen her - med Sergei Pavlovich Diaghilev, med den avgjørende innflytelsen og beskyttelsen som den strålende komponistens karriere til den unge Stravinsky ble etablert . Senere var det takket være Diaghilev, men kanskje ikke uten deltagelse av en annen sjalu skytshelgen - Debussy - at han raskt trengte inn i sfærene til den aristokratiske eliten i Paris. Hvor, hvordan ble Stravinsky kjent med folkesang? I barndommens dager nær St. Petersburg? I Ustilug i den tidligere Volyn-provinsen, i boet til sin kone, hvor han bodde etter ekteskapet siden 1906? På messer i Yarmolintsy, som ligger i nærheten av Ustilug? Dette er ikke kjent med sikkerhet, men det er den russiske folkesangen som er hovedkilden til hans nyskapning, hans åpenbaring.

Stravinskij ble profesjonell komponist relativt sent – først etter at han ble ferdig utdannet ved universitetet våren 1905 i en alder av 23 år. Før det henvendte han seg bare til Rimsky-Korsakov for å få råd. Men fra høsten 1905 ble undervisningen regelmessig – to ganger i uken. Fem år med nærkontakt med Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ga Stravinsky mye. Han personlig - på eksempel av sin lærer - ble kjent med teknikken til komponistens arbeid.

Den «ungdomlige» modningen var svært kortvarig, og avgangen viste seg å gå så raskt at, i motsetning til biografiene til mange andre komponister, var Stravinskys første kreative periode, som åpner med Ildfuglen, en modningsperiode. Dermed fremstår den "russiske" scenen i all prakten av sine prestasjoner som en periode med moden mestring.

Stravinskys første store verk, Piano Sonata, er fra 1904. Musikken hans ble første gang hørt 27. desember 1907 på en av konsertene til «Kveldene for moderne musikk» i den beskjedne salen til St. Petersburgs musikkskole. Sanger E.F. Petrenko fremførte "Pastoral" og "The Rite of Spring". Disse sangene ble skrevet av ham kort tid før. Andre premierer fulgte snart.

Berømmelse kom uventet til ham i en alder av 28, sammen med visningen av Ildfuglen i Paris i 1910, og ble fikset der tre år senere med den enestående skandaløse premieren på Vårriten. Glory klamret seg til navnet hans og dro ikke mer.

Russisk eventyr om Ivan Tsarevich, som frigjorde vakker prinsesse fra trolldommen til Kashchei, nedfelt i musikken til "Firebird". Den russiske messens verden, med sine rampete danser, båser, gatebane- og munnspillmelodier, fant sin levende refleksjon i "Petrushka"; på bakgrunn av publikums festlige festligheter, presenteres den tragiske uroen til dukkehelten Petrusjka, lurt av den vindfulle ballerinaen. Inntrykket av en øredøvende eksplosjon ble laget av musikken til The Rite of Spring, en ballett som maler bilder hedenske russ. The Rite of Spring markerte begynnelsen på et nytt stadium i verdensmusikkens historie. I et forsøk på å formidle den "barbariske" ånden fra den fjerne antikken, brukte forfatteren uhørte dristige harmonier, spontane rytmer og voldsomme orkesterfarger. En rekke av komposisjonene hans bruker uvanlige rytmer og originale instrumentale effekter.

Etter Paris-premiere Ildfuglene fra 1910 Stravinsky ble nær Debussy. De var vennlige i ni år, frem til franskmannens død. Først så Debussy i Stravinsky en komponist nær stil. Men den plutselige utviklingen til Stravinsky forvirret Debussy: med en blandet følelse av godkjenning og forvirring reagerte han på The Rite of Spring - hans unge venn brøt med impresjonismen i dette epokegjørende verket, overvant den.

Stravinsky er på moten, han besøker høysamfunnet parisiske salonger knyttet til en gang kjente navn. Dette er grevinne Edmoy de Polignac, datteren til den rikeste symaskinprodusenten Singer, hvis salong for første gang verkene som ble bestilt av henne, fremføres ikke bare av Stravinsky, men også av Fauré, Ravel, Satie, de Falla, Poulenc. Dette er Gabrielle Chanel - eieren av et aristokratisk motestudio, en av de mest sjenerøse lånetakerne til Diaghilev; Stravinsky mottar også ordre fra skuespilleren og danseren Ida Rubinstein, fra Elizabeth Sprague Coolidge, en filantrop fra USA, etc.

Han etablerer nære relasjoner med representanter for andre typer kunst, med filosofer, fysikere, teologer. Store statsmenn møter ham også. Og de endeløse intervjuene, der, ifølge Stravinsky, "ord, tanker og til og med selve fakta ble forvrengt til det ugjenkjennelige" og som han likevel villig ga, og slo intervjuerne med oppfinnsomhet, vidd, paradoksale vurderinger - med mindre noen av komponistene av XX århundre fikk slik oppmerksomhet?

Den andre perioden av komponistens verk faller på årene etter første verdenskrig, da han bodde permanent i Paris og i 1934 tok fransk statsborgerskap. Med et nytt miljø ble han forent av både åndelig og kreativt slektskap. Dermed ble han en strålende representant for den internasjonale avantgarden innen musikk. Den nye stilperioden for hans verk, den mest fruktbare når det gjelder antall verk (ca. 45 komposisjoner), kan karakteriseres som en tilbakevending til tidligere tiders stil (fra antikken til klassisismen). Dette er den såkalte "nyklassisismen".

Et nytt vendepunkt i komponistens arbeid er Pulcinella, en ballett med sang (1919-1920). Dette skjedde ikke ved en tilfeldighet, det var ikke et innfall fra skaperen: krigen tok slutt, perioden med drap, umenneskelig ødeleggelse tok slutt, og Stravinsky hadde et behov for å friske opp paletten sin. Gledelig, solfylt lys sendes ut av musikken til "Pulcinella"; Oktett (1922-1923) var preget av en livskraftig, vital karakter; den komiske operaen Mavra (1921-1922) lyste opp med et smil. Og senere verk - "Apollo" (1927-1928) og "Kiss of the Fairy" (1928) vil kaste lys over Stravinskys arbeid det neste tiåret; ekkoet av tendensene som er nedfelt i dem vil også merkes på førtitallet.

Totalt for ballett teater komponisten skrev åtte orkesterpartiturer: "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring", "Apollo Musaget", "Kiss of the Fairy", "Playing Cards", "Orpheus", "Agon". Han skapte også tre ballettverk med sang: "Bayka", "Pulcinella", "Bryllup".

Det er vanskelig å bestride betydningen av Stravinskys nyskapende musikk i utviklingen av 1900-tallets koreografi. Likevel sceneskjebne balettene hans - enten på grunn av teaterpublikummets konservative smak, eller på grunn av regissørenes mangel på oppfinnsomhet - viste seg å ikke være så lykkelige som man knapt kunne forvente, og Stravinskys musikk var noen ganger preget av stor anerkjennelse ikke i teater, men på konsertscenen. Levende eksempler på dette er "The Rite of Spring" og "Bryllup".

En langvarig krise begynte med komponisten fra midten av 1930-tallet. En grusom virvelvind sveiper over menneskeheten og forårsaker utallige ofre; den avtar først i 1945. Med sin nådeløse fløy berørte denne tornadoen også Stravinsky, og tvang ham til å emigrere fra Frankrike til USA. Og før det, i 1938-1939, vil han begrave sin kone, mor, datter, og livsfare henger over ham (et akutt utbrudd av tuberkulose, hans kone og datter døde av samme sykdom). Etter å ha mistet sine slektninger, avskåret fra sine vanlige omgivelser, fra venner og slektninger, på terskelen til sin 60-årsdag, vil han gjenoppbygge sitt liv (sammen med sin nye kone) under kulturelle og sosiale forhold som vil forbli fremmede for ham til kl. slutten av hans dager. Forvirring føles i handlingene hans, i ufrivillige innrømmelser til den "amerikanske smaken".

I 1945, etter krigen som han opplevde på det amerikanske kontinentet, ble Stravinsky amerikansk statsborger. Etter 30 år med nyklassisistisk kreativitet gjør komponisten igjen en vending, denne gangen med fokus på serieteknikken som den nye wienerskolen, hovedsakelig Anton Webern, utvikler i Europa.

Det kan sies uten å overdrive at ikke en eneste utenlandsk komponist på 1900-tallet var så utdannet som Stravinsky. Filosofi og religion, estetikk og psykologi, matematikk og kunsthistorie – alt var i hans synsfelt; Han viste sjelden bevissthet og ønsket å forstå alt som en spesialist som hadde sitt eget syn på problemstillingen, sin egen holdning til emnet som ble behandlet. Stravinskij - en hektisk leser - skilte seg ikke med boken før han var på høy alder. Biblioteket hans i Los Angeles inneholdt rundt 10 000 bind.

Han var veldig aktiv i kommunikasjon, i korrespondanse. Stravinskij var utålmodig rask både til å gå - inntil etter et slag i 1956 ble venstre ben svekket, og som reaksjon på samtalepartnerens bemerkninger.

Men det viktigste er arbeid: han var en stor arbeider, ga seg ikke hvile og om nødvendig kunne han uten å stoppe studere i 18 timer. Robert Kraft vitnet i 1957 at han jobbet da – altså i en alder av 75 år! - 10 timer om dagen: 4-5 timer før lunsj på å komponere musikk og 5-6 timer på ettermiddagen på orkestrering eller arrangement.

Tre verk er de viktigste i Stravinskys verk de siste femten årene. Disse er "Holy Hymn" (1955-1956), "Lament of the Prophet Jeremiah" (1957-1958), "Songs of the Dead" (1965-1966).

Stravinskys høyeste prestasjon er Requiem ("Chants for the Dead"). I en alder av 84 skapte Stravinsky et verk som er preget av ekte kunstnerisk innsikt. Musikalsk tale har blitt tydeligere og samtidig figurativ, følelsesmessig kontrasterende. Requiem - siste essay Stravinsky, og ikke bare fordi det er hans siste store verk, men også fordi det absorberte, syntetiserte, generaliserte mye av komponistens tidligere kunstneriske erfaring.

I 1969 ble helsen hans kraftig dårligere. Imidlertid fortsatte hjertet å slå, og forlenget det falmende livet.

1. spion lidenskaper

I Roma under første verdenskrig møtte Stravinsky Pablo Picasso. Han malte et portrett av sitt nye bekjentskap, selv om det var veldig særegent (Picasso var da en futurist).
Da komponisten forlot Italia og tok med seg portrettet, var de italienske tollerne ved grensen på vakt:
– Hva er det med deg, signor, disse sirklene og linjene?
– Mitt portrett av Picasso.
Tollerne overveide lenge, og konfiskerte deretter portrettet, og bestemte seg tilsynelatende for at det var en plan for en eller annen strategisk struktur...

2. Barcelonas favorittopera

Med glede møtte den berømte maestroen på stasjonen i Barcelona, sa musikkelskere til Stravinsky:
- Barcelona venter på deg med utålmodighet - de elsker din "Prins Igor" veldig mye her! ..
"De var så oppriktig glade i meg og så begeistret for denne operaen," sa Stravinsky til diktene, "at jeg ikke hadde mot til å skuffe dem, jeg innrømmet aldri at det ikke var jeg som komponerte prins Igor, men Borodin ...

3. mystery shopper

På en auksjon i London ble den første utgaven av partituret til en av Stravinskys tidlige balletter solgt under hammeren. Det var mange som ville kjøpe denne sjeldne tingen, men en av de fremmøtte – en gammel gråhåret herremann – fortsatte å øke prisen. Til slutt gikk poengsummen til ham - for tre tusen pund.
Reportere omringet kjøperen.
– Hvem er du og hvorfor bestemte du deg for å kjøpe partituret for enhver pris?
- Igor Stravinsky, - introduserte han seg for journalister og la til med et smil:
-Jeg hadde aldri forestilt meg at jeg for mitt eget partitur skulle måtte betale dobbelt så mye som jeg en gang fikk i min ungdom for hele balletten!

4. hvordan gjør du det?

En gang spurte en journalist Stravinsky:
– Maestro, hvordan komponerer du musikk? Hva tenker du på nå?
- Tilgi meg, frue, men jeg lykkes nok bare fordi når jeg komponerer musikk, tenker jeg bare på det og ingenting annet ...

5. konservativ

På en mottakelse i Stockholm til ære for Stravinsky ble komponisten spurt om hva han syntes om jazz.
"Det samme som for tjue år siden," svarte han.
– Hva følte du om jazz for tjue år siden?
– Det husker jeg ikke.

6. Jeg forstår ikke dette

På vei til New York tok Stravinsky en taxi og ble overrasket over å lese navnet hans på skiltet.
– Du er ikke i slekt med komponisten? spurte han sjåføren.
– Finnes det en komponist med et slikt etternavn? - Sjåføren ble overrasket. – Hør det for første gang. Stravinsky er imidlertid navnet på drosjeeieren. Jeg har ingenting med musikk å gjøre - jeg heter Rossini ...

7. snill kritiker

Når han visste om den overdrevne mykheten i kunstneriske vurderinger av den berømte kritikeren Vladimir Stasov, sa Stravinsky en gang:
– Han snakket ikke dårlig engang om været ...

IGOR STRAVINSKY

ASTROLOGISK TEGN: GEMINI

NASJONALITET: RUSSISK / SENERE AMERIKANSK BORGER

BETYDLIG ARBEID: "HELLIG VÅR"

HVOR DU KUNNE HØRE DENNE MUSIKK: I DEN KLASSISKE DISNEY-ANIMASJONSFANTASIEN. (1940), I EPISODEN NÅR DE BLUKKYE DINOSAURENE GÅR I KAMP.

KLOKKE ORD: "MIN MUSIKK ER BEST FORSTÅTT AV BARN OG DYR."

Mange musikalske forestillinger endte i fiasko. Noen ganger applauderer publikum høflig, men det er tydelig for deg at musikken ikke fanget dem. Noen ganger er det stille i salen. Og noen ganger er det en misbilligende fløyte.

The Rite of Spring av Igor Stravinsky fikk ingen av disse reaksjonene. Stillhet ville bli ønsket velkommen, for fløyten ville de si takk. Men nei, ropte publikum, hylte, knurret og trampet med beina. De banket stolryggene med nevene og banket hverandre. Gråhårede parisere paraderte menn i smoking med paraplyer. Hva kunne ha provosert en slik scene? Bare den mest sjokkerende musikken i moderne tid.

BALLETT - IKKE FOR RENTE DAMER

I sent XIXårhundres bass Fjodor Stravinsky beviste seg på en utmerket måte i den russiske operaen som en praktfull stemmeklang, og evnen til å holde seg på scenen. Sønnen hans Igor (den nest siste eldre av fire sønner) kom seg ikke ut av operahus, hvor han møtte mange kjendiser fra St. Petersburgs musikkscene. Han ble tiltrukket av musikk fra en tidlig alder, men faren insisterte på at sønnen skulle gå på universitetet. Stravinsky studerte rettsvitenskap uten lidenskap, og etterlot seg ikke tanker om musikk; Da han viste seg for komponisten Nikolai Rimsky-Korsakov, ba han om privattimer, så begynte sitt intensive komposisjonsstudium.

I 1905 fridde Stravinsky til sin kusine Ekaterina Gavrilovna Nosenko. I likhet med Rachmaninoffene måtte dette paret overvinne forbudene angående ekteskap mellom søskenbarn; til slutt fant de en landsbyprest, og etter å ha løyet for ham om graden av forholdet mellom dem, giftet de seg i januar 1906. Stravinskyene hadde fire barn: Fedor ble født i 1907, Lyudmila i 1908, deretter Svyatoslav (Sulima) i 1910 og Milena i 1914. I mellomtiden ble Stravinsky kjent med Diaghilev, som nettopp hadde tatt opp ballett for å blåse nytt liv i den. Diaghilev inviterte Stravinsky til å skrive musikk til produksjoner av Ballets Russes, og komponisten var enig, til tross for innvendinger fra gamle venner og lærere. Rimsky-Korsakov døde i 1908, men følget hans så ned på balletten som et skue som bare passet for fordervede gamle menn som kom til forestillinger med kikkert. Stravinsky stod imidlertid på sitt og reiste i 1910 til Paris for premieren på sin første ballett, Ildfuglen. Og så flyttet han fullstendig med familien til Vesten, og slo seg ned i den sveitsiske byen Montreux.

JA DETTE ER et opprør!

Etter den vellykkede Firebird skapte Stravinsky en andre ballett, Petrusjka. Så begynte han å tenke på historien om jenta som danset i hjel. Resultatet av disse refleksjonene endret europeisk musikk.

Dirigent Pierre Monteux husket at han ønsket å løpe ut av rommet da han første gang hørte «The Rite of Spring» spilt på piano av Stravinsky. Tvert imot, Diaghilev var henrykt: han ante umiddelbart hvilke strålende muligheter som lurte i denne musikken, slik at hans elsker og protesjé Vaclav Nijinsky kunne vise seg i full kraft. Koreografen Nijinsky snudde alle regler for klassisk ballett på hodet: danserne i The Rite of Spring gikk med føttene vendt inn og ut og knærne stakk ut til sidene; danserne hoppet uten å strekke tærne og landet med et kraftig dunk og ristet scenen. Prøvene gikk sakte frem, danserne ble ikke umiddelbart vant til den nye koreografien, og orkesteret - med det hittil usette partituret. På en øvelse, da hornspillerne blåste ut en spesielt dissonant frase, brøt orkesteret ut i nervøs, hysterisk latter.

Om kvelden 29. mai 1913 i Parisisk teater Champs Elysees – både bak scenen og i salen – var en spent atmosfære, byen hadde allerede et rykte om at den nye balletten var «vanskelig å oppfatte». Publikum viste seg imidlertid å være absolutt uforberedt på de skarpe, pulserende akkordene som plaget øret. Publikum begynte å hviske, så plystre, så rope, hvine og slåss. Stravinsky løp bak scenen, hvor han fant Nijinsky i en uventet positur: da han klatret opp på en stol, talte koreografen høyt ut rytmen og hjalp danserne. Stravinsky måtte holde Nijinsky i halen for å hindre ham fra å falle ned på scenen. Diaghilev blinket med lysene, teatrets direktør kom i forgrunnen under pausen i et forsøk på å roe publikum - til ingen nytte. Så ble politiet tilkalt.

Det var et skikkelig musikalsk opprør.

Den neste forestillingen gikk bedre - noen ganger kunne man til og med høre musikken - den tredje var enda bedre. Men Stravinsky var ikke lenger i salen. Han ble kjørt til sykehuset med forferdelige smerter i magen; komponisten trodde han hadde forgiftet seg selv ved å spise bedervede østers. Faktisk døde han nesten, han ble diagnostisert med tyfoidfeber.

ELSKER MEG - ELSKER MEG KJÆRLIGHET

Stravinsky påtok seg ikke en ny ballett, og sluttet å jobbe en stund for å gjenopprette styrken etter sykdommen. Kona hans trengte også omsorg og oppmerksomhet: Katya fikk diagnosen tuberkulose, som krevde lang og kostbar behandling. Først Verdenskrig ytterligere isolerte Stravinsky fra sine slektninger som ble igjen i Russland. Han mottok nyheten om styrtet av tsaren med entusiasme, men håpene knyttet til landets fremtid kollapset da bolsjevikene begynte å herske i Russland. Den endeløse volden som fulgte både krigen og revolusjonen påvirket komponisten – han endret stil. Stravinsky beveget seg fra aggressiv modernisme til følelsesmessig behersket nyklassisisme.

Etter krigen flyttet familien Stravinsky til Sør-Frankrike, men komponisten tilbrakte mesteparten av tiden sin i Paris. Han ble forelsket i en russisk immigrant, Vera Sudeikina. Sjarmerende, vittig, omgjengelig, Vera var den fullstendige motsatte av den omtenksomme, selvopptatte Katya; i tillegg var hun gift, men verken hun eller Stravinsky var flau over denne omstendigheten. På 1920- og 1930-tallet tilbrakte Stravinsky et halvt år på landsbygda med kona, barna og moren (faren hans, Fjodor Ignatievich Stravinsky, døde i 1902), og andre halvdel av året i Paris med Vera eller på turné . Stravinsky krevde at hans kone og elskerinne skulle akseptere situasjonen som den er, uten spørsmål eller skandaler. Da Stravinsky dro i lang tid, ble Katya til og med forpliktet til å personlig overføre penger til Vera for utgifter. Troen holdt fast, men Katya, plaget av sykdom, søkte trøst i religion og bønner, og komponistens barn næret nag til sin strålende far, som de en gang idoliserte.

Stravinsky-datteren Lyudmila fikk tuberkulose og tilbrakte sammen med moren mange måneder på sanatorier. På slutten av 1930-tallet, da den fascistiske trusselen dukket opp over Europa, var begge allerede svært svake. Lyudmila døde 30. november 1938, Ekaterina Gavrilovna døde fire måneder senere. Det siste slaget var Stravinskys mors død i juni 1939.

RESEPJONEN ER VARM, KRIGEN ER KALD

Ødelagt av tap og plaget av den politiske situasjonen, kom Stravinskys invitasjon til å forelese ved Harvard godt med. Sammen med Vera dro han til Boston. Den 9. mai 1940, litt over et år etter Katyas død, giftet de seg i Bedford, Massachusetts. De fortalte dommeren at Vera skilte seg fra sin første ektemann i 1920. De løy. Åpenbart skremte anklagen om andre ekteskap dem mye mindre enn amerikanernes misbilligelse av å «leve i synd».

DEN PRIMITIVE RYTMEN TIL STRAVINSKYS HELLIGE VÅR sjokkerer PUBLIKUMET PÅ PREMIEREN SLIK AT DERES FORVIRRING GJORDE TIL FORORDNINGER VED BRUK AV FYSISK VOLD.

Familien Stravinsky slo seg ned i Hollywood, hvor de dannet vennskap med Edward G. Robinson, Marlene Dietrich og Cecil B. deMille. Studioene ba om musikk, men Stravinsky ønsket ikke å avstå rettighetene til verkene hans til filmskapere. Han kunne ikke komme seg på lenge etter hvordan animatørene kastet musikken hans i Disneys Fantasia, makulerte partituret i stykker og omorganiserte passasjer.

Krigen tok slutt, men Stravinskyene forble i USA; i 1945 fikk de amerikansk statsborgerskap. I 1948 ble komponisten venn med den unge dirigenten Robert Kraft, som senere ble Stravinskys hengivne sekretær og til og med «adopterte sønn». Kraft forsto Schoenbergs tolvtonesystem og introduserte Stravinsky for denne teknikken i alle detaljer. Snart var komponisten allerede i ferd med å komponere dodekafonisk musikk. Returen til modernismen falt sammen med en økende interesse for religion, reflektert i verk som Sacred Hymn in the Name of Saint Mark (1956) og Sermon, Parable and Prayer (1961).

Unionen av sovjetiske komponister inviterte på alle mulige måter Stravinsky til å besøke sitt hjemland. Den kalde krigen fortsatte, og det var selvfølgelig en politisk bakgrunn i denne invitasjonen – de sovjetiske myndighetene var ivrige etter å få en adelig emigrant og arrangere et ærefullt møte for ham. Komponistens besøk var enten planlagt eller utsatt, men til slutt, i september 1962, ankom Stravinsky, Vera og Kraft Moskva. Vi møtte dem med enestående entusiasme og hjertelighet. Slått av en slik holdning til seg selv, snakket Stravinsky ved forskjellige anledninger positivt om Sovjetunionen, som han ble sterkt kritisert for i Vesten. Kritikken ble bare sterkere da, ti dager etter at Stravinsky kom tilbake til USA, kunngjorde president Kennedy til den amerikanske offentligheten at sovjetiske atomraketter var blitt oppdaget på Cuba.

PORT ETTER DØDEN

I hans niende tiår begynte Stravinskys helse å svikte. Kraft ble mer og mer uunnværlig i familien, nå korresponderte han med komponisten og studerte til og med finansielle emner. Stravinsky-barna så på ham som en mistenkelig person, og veldig snart ble familien delt i to leire: på den ene siden barna, trygge på at Kraft og Vera planla å gjøre dem arveløse; på den andre, Vera og Kraft, som tror at Stravinskys grådige barn bare bryr seg om farens penger.

På jakt etter den beste medisinske behandlingen flyttet Vera og Kraft komponisten til New York. Der døde han 6. april 1971 i en alder av åttiåtte. Vera bestemte seg for å begrave Stravinsky i Venezia, byen som komponisten ifølge henne elsket mer enn andre. Ikke før hadde jorden lagt seg på graven, og familien var allerede oppslukt av økonomiske stridigheter. Rettssaker regnet ned, saksgangen varte i årevis og stoppet ikke selv med Veras død i 1982.

SEND ELEFANTER OG DANSERE!

I 1942 mottok Stravinsky et uvanlig oppdrag: en ballett for en elefant. Ideen om elefantdansen tilhørte koreografen George Balanchine, som på sin side ble kontaktet av et populært amerikansk sirkus med et forslag om samarbeid. Stravinsky svarte lett med å skrive munter, brennende musikk - "Sirkuspolka for en ung elefant." Plakaten hadde premiere 9. april 1942 på Madison Square Garden Sports Complex i New York, og sto: "Fifty Elephants and Fifty Beautiful Girls in an Original Choreographic Masterpiece!"

Handlingen ble vist i to måneder. På den tiden var Stravinsky den eneste komponisten i verden som komponerte en elefantballett.

HVORDAN GJØRE ET NAVN I AMERIKA

For å få amerikansk statsborgerskap måtte Stravinsky og Vera svare på mange spørsmål ved intervjuer ved de aktuelle institusjonene. Først spurte immigrasjonsoffiseren komponisten hva han het til etternavn.

Stravinsky, - komponisten uttalte bevisst i stavelser for å gjøre det klarere.

Å, svarte kontoristen. – Vil du endre det? Mange mennesker gjør dette.

TORO! TORO!

På begynnelsen av det tjuende århundre var det alltid et eventyr å reise i Russland. En gang da han forlot landsbyen, kom Stravinsky for sent til stasjonen, toget gikk uten ham, og den neste måtte vente nesten en dag. Men et godstog fulgte samme rute, og Stravinsky, etter å ha bestukket konduktøren, fikk adgang til toget.

Han ble satt i en storfevogn, nesten tom, bortsett fra en diger okse, bundet, ifølge komponisten, «med et enkelt og lite oppmuntrende tau». Stravinskij kravlet inn i et hjørne og barrikaderte seg med en koffert, og stolte på skjebnen. «Jeg må ha sett merkelig ut da jeg gikk ut av bilen i Smolensk: Jeg står på perrongen med en dyr koffert (vel, i hvert fall ikke med en ryggsekk av en tramp) og rister høy fra frakken og hatten, men samtidig ser jeg ekstremt fornøyd ut - likevel endte tross alt tyrefektingen vellykket.

Fra boken Refleksjoner av Dietrich Marlene

Stravinsky Igor Stravinsky! I mange år forgudet jeg ham og kunne ikke tro at jeg noen gang skulle møte ham. Imidlertid skjedde det. Han var ved siden av meg på en mottakelse gitt av Basil Rathbone. Så rolig som mulig begynte jeg å forklare at jeg bøyer meg for ham, hans

Fra boken Mitt livs romaner. Bind 2 forfatter Sats Natalya Ilyinichna

Fairy's Kiss (I. F. Stravinsky) Det var fuktig og ubehagelig på loftet i Saratov. Noen ganger ble hun behandlet med "i går", da hun brøt bort fra "i dag". Jeg husket fantastiske dager mitt liv... Berlin i 1931 var snill mot meg. Jeg levde i musikken til Verdi, i Shakespeares rike. Alt på Kroll-operaen, fra

Fra boken Remembrance of Russia forfatter Sabaneev Leonid L

IGOR STRAVINSKY For øyeblikket er Igor Stravinsky den største og, etter all sannsynlighet, den mest kjente russiske komponisten. Dessuten er han i alt den mest grunnleggende og perfekte mester i sin kunst. Jeg kan ikke være stille

Fra boken Gå gjennom gamle notatbøker forfatter Gendlin Leonard

IGOR STRAVINSKY Publisert i henhold til teksten til avispublikasjonen: "Russian Thought", 1962, 17. juni. I den originale undertittelen: «På sin åttiårsdag 17. juni

Fra boken Mot Richter forfatter Borisov Yuri Albertovich

Uforglemmelig (IF Stravinsky) Jeg lever verken i fortiden eller fremtiden. Jeg er i nuet, jeg vet ikke hva som vil skje i morgen. For meg er det bare sannhet i dag. Jeg er kalt til å tjene denne sannheten og tjene den med full bevissthet. I. Stravinsky. På bildet Igor Fedorovich

Fra boken 99 navn fra sølvalderen forfatter Bezelyansky Yuri Nikolaevich

Stravinsky Om operaen The Rake's Progress En av de operaene som får meg til å elske mest...opera. Mer enn et piano. Ja, ja, det stemmer ... Det første sjokket da Tom drømte om London var hans lille arioso. Det blir et håndtrykk mellom Tom og djevelen. Og i musikken dette

Fra boken Passion for Tchaikovsky. Samtaler med George Balanchine forfatter Volkov Solomon Moiseevich

Fra boken The Shining of Unfading Stars forfatteren Razzakov Fedor

Stravinsky Balanchine: Ikke alle vet at Igor Fedorovich Stravinsky elsket Tchaikovskys musikk. Stravinskij snakket med meg om sin ærbødighet for Tsjaikovskij mange ganger. Tsjaikovskij og Stravinskij er to komponister som skrev flott musikk spesielt for oss ballettdansere. Jeg

Fra boken Stjerner og litt nervøs forfatter Zholkovsky Alexander Konstantinovich

KIO Igor KIO Igor (illusjonist, sønn av Emil Kio; døde 30. august 2006 i en alder av 63). I nesten 20 år led Keogh av diabetes. De første symptomene på forestående død dukket opp hos ham tre måneder før tragedien. Her er hvordan avisen "Life" rapporterte om det (nummer fra

Fra boken til Coco Chanel. meg og mine menn av Benoit Sophia

Igor Mine eldre venner-kolleger var selv veldig unge, og i min holdning til dem var det, tror jeg, ingenting ødipal. Jeg ønsket bare å bli akseptert i deres strålende selskap. Hva enn Dostojevskij insinuerte, for å snakke med smart person en av hovedlivet

Fra boken Self-Portrait: The Novel of My Life forfatter Voinovich Vladimir Nikolaevich

Igor Stravinsky. Myten om mystisk kjærlighet I 2009, som en del av filmfestivalen i Cannes, ble filmen «Coco Chanel og Igor Stravinsky» (Fr. Chanel Soso & Igor Stravinsky) demonstrert. Filmen forteller om forholdet mellom Koko og den russiske komponisten, som oppsto mellom

Fra boken Dagbokark. Bind 2 forfatter Roerich Nicholas Konstantinovich

Igor Sats Sats levde interessant liv. I den "nye verdenen" likte de ham ikke og sa til og med noe jeg ikke vil gjenta. Men her er det jeg vet. I sin ungdom var han en lovende pianist, og så skadet han hånden på en eller annen måte (kanskje han ble skadet). Spill ikke mer

Fra boken Videre - støy. Å lytte til det 20. århundre forfatter Ross Alex

Chaliapin og Stravinsky Jeg skriver ned to meninger om russiske kunstnere. Chaliapin, etter sin Harbin- og Shanghai-tur, ropte ut: "... Dessverre for meg, som du allerede vet fra avisene, måtte jeg rett og slett stikke av fra noen av russerne! Den tredje konserten i Shanghai I

Fra boken russisk spor Coco Chanel forfatter Obolensky Igor Viktorovich

Stravinsky and The Rite of Spring Sommeren 1891 ankom franske krigsskip den russiske marinebasen i Kronstadt og ble ikke møtt med fiendtlig ild, men med seremonielle hilsener. Tsar Alexander III, hvis tippoldefar motsto Napoleons invasjon,

Fra bok sølvalder. Portrettgalleri av kulturhelter fra 1800- og 1900-tallet. Bind 3. S-Z forfatter Fokin Pavel Evgenievich

Igor Stravinsky Og igjen skjebnene til morsom tilnærming. Navnet til den store Igor Stravinsky har allerede lydt på disse sidene. Mer presist, navnet på Stor kjærlighet musiker - Vera Stravinskaya Den tredje mannen til Vera Arturovna var kunstneren Sergei Sudeikin. Skipet som ektefellene

Komposisjoner av Igor Fedorovich Stravinsky etter sjanger, med angivelse av tittel, skapelsesår, sjanger/utøvere, med kommentarer.

operaer

Nightingale (lyrisk eventyr; libretto av Stravinsky og S. S. Mitusov basert på eventyret av H. K. Andersen, 1908-14, iscenesatt 1914, Grand Opera, Paris)
Mavra (opera-buffa, libretto av B. Kokhno, basert på Pushkins dikt "The House in Kolomna", 1922, "Grand Opera", Paris)
Oedipus Rex (Oedipus Rex, opera-oratorium, basert på tragedien til Sophocles, libretto av J. Cocteau og Stravinsky, oversatt fra latin til fransk J. Danielou, 1927, Teater Sarah Bernhardt, Paris; 2. utgave 1948)
The Rake's Adventures (Career of the Moth - Rake's progress, libretto av W. Auden og C. Kalman basert på en serie graveringer av J. Hogarth, 1951, Fenice Theatre, Venezia)

balletter

Ildfuglen (L’oiseau de feu, eventyrballett, libretto av M. M. Fokin, 1910, Theatre of the Champs Elysees, Paris; 2. utgave 1945)
Persille (Petrouchka, morsomme scener, libretto av A. Benois og Stravinsky, 1311, teater "Chatelet", Paris; 2. utgave med redusert sammensetning av orkesteret, 1946)
The Rite of Spring, malerier av hedenske Rus' i 2 deler (libretto av N. K. og S. P. Roerichs, 1913, The Theatre of the Champs-Elysées, Paris; 2. utgave av scenen for den store hellige dansen, 1943)
En historie om en rev, en hane, en katt og en sau, en morsom forestilling med sang og musikk (ifølge russiske folkeeventyr, 1917, satt opp i 1922, Grand Opera, Paris)
Historien om en soldat (The Tale of the Runaway Soldier and the Devil, lest, spilt og danset, i 2 deler, for en leser, 2 artister, mimisk rolle, klarinett, fagott, kornett, trombone, perkusjon, fiolin og kontrabass ; basert på russiske folkeeventyr fra samlingen A. N. Afanasyev, og oversatt til fransk av Ch. Ramyuza - "L'histoire de soldat", 1918, Lausanne)
Song of the Nightingale (Chant du rossignol, 1 akt, til musikk fra operaen The Nightingale, Russian Ballet av S. Diaghilev, Paris, 1920)
pulcinella
Bryllup (Les noces, koreografiske scener med sang og musikk på folketekster fra samlingen til P. V. Kireevsky, 1923, Goethe Lyric Theatre, Paris)
Apollo Musagete (i 2 scener, for strykeorkester, 1928, Theatre Sarah Bernhardt, Paris-Washington; 2. utgave 1947)
Fairy's Kiss (Le baiser de la fee, ballett-allegori i 4 scener, libretto av S. basert på Andersens eventyr "Snødronningen", 1928, "Grand Opera", Paris; 2. utgave 1950)
Spillekort (Jeu de cartes; et annet navn er Poker, ballett i 3 "overgivelser", koreografi av Stravinsky sammen med M. Malaev, 1937, New York)
Circus Polka (Basert på et stykke for kammerorkester, Barnum & Bailey Circus, New York, 1942)
Orpheus (3 malerier, libretto av Stravinsky, 1948, New York City Ballet, New York)
Agon (for 12 dansere, i 3 deler, 1957, ibid.)
Cage (Cage, 1 akt, til musikken til Basel Concerto for Strings, New York City Ballet, 1951)

For solister, kor og orkester

Hellig hymne til ære for navnet St. Mark (Canticum Sacrum ad honorem Sancti Marci nominis, på en tekst fra Det gamle testamente, 1956)
Threni (Lament of the Prophet Jeremiah, i latinsk tekst fra Det gamle testamente, 1958)
kantate En preken, en fortelling og en bønn (1961)
Hymns for the dead (Requiem canticles, om den kanoniske teksten til den katolske begravelsesmessen og begravelsestjeneste, 1966)

For kor og orkester

Salmesymfoni (Salmesymfoni, i latinske tekster fra Det gamle testamente, 1930, 2. utgave 1948)
Stjerneformet banner (amerikansk nasjonalsang, 1941)

Kantater

Til 60-årsjubileet for N. A. Rimsky-Korsakov (for kor og piano, 1904; tapt)
Star-faced (Joy of white doves, til ord av K. D. Balmont, 1912, 1. forestilling 1939)
Babylon (basert på 1. Mosebok, kapittel XI, sangene 1-9, 1944), kantate over ordene til engelske diktere fra 1400- og 1500-tallet. (1952)

For kor og kammerinstrumentalensemble

messe for blandet kor og dobbel blåsekvintett over den kanoniske teksten til den katolske liturgien, i 5 deler (1948), Til minne om T. S. Eliot (Introitus T. S. Eliot in memoriam, om den latinske teksten til den katolske bønnen for de døde, 1965)

for orkester

3 symfonier (Es-dur, 1907, 2. utgave 1917; i C, 1940; i 3 satser - Symfoni i tre satser, 1945)
Dumbarton Oaks-konsert, Es-dur (Dumbarton Oaks, 1938)
Basel Concerto, D-dur (for strykeorkester, 1940)
Fantastisk Scherzo (1908)
Fyrverkeri, Fantasy (1908, også "futuristisk ballett uten dansere", 1917, Roma)
Russisk sang (1937)
4 norske stemninger (Fire norske stemninger, 1942)
Ballettscener i 11 satser (1944)
Gratulerer Prelude, or Little Overture (Greetings prelude ..., 1955, for 80-årsjubileet til P. Monte)
Monument til Gesualdo di Venosa for 400-årsjubileet
8 miniatyrer (1962, instrumentering for pianoverk for 5 fingre, 1921)
Variasjoner til minne om Aldous Huxley (1964), kanon over temaet russisk folkemelodi "Not the pine at the gates swayed"

For kammerorkester

3 suiter fra balletten The Firebird (1919)
suiter basert på sykluser av enkle stykker for piano 4 hender (1921, 1925)
Konsertdanser (for 24 instrumenter, 1942, også revidert for ballett)
Begravelsesode (elegisk sang, i 3 deler, eller Triptych til minne om N. Koussevitskaya, 1943)
Circus Polka for a Young Elephant (Circus polka, 1942)
scherzo a la Russe for symfonisk-jazz-orkester (1944)
preludium for jazzorkester (1937, 2. utgave 1953, upublisert)

For instrument med orkester

fiolinkonsert i D-dur (1931)
Bevegelser for piano (1959)
konsert for piano og blåseinstrumenter (1924, 2. utgave 1950)
konsert for 2 pianoer (1935)
Ebony concerto (Ebony concerto, for soloklarinett og instrumentalt ensemble, 1945)
capriccio for piano (1928)

Kammerinstrumentalensembler

Duokonsert for fiolin og piano (1931)
Epitafium til gravsteinen til Max Egon fra Furstenberg (for fløyte, klarinett og harpe, 1959)
3 stykker for strykekvartett (1914; arrangementer inkludert i syklusen på 4 studier for Symfoniorkester, 1914-28)
Concertino for strykekvartett (1920)
symfoniske stykker for blåseinstrumenter Til minne om C. Debussy (også kalt Symfoni for blåseinstrumenter, 1920, 2. utgave 1947)
messingoktett (1923, 2. utgave 1952)
Song of the Volga barge haulers for blåse- og perkusjonsinstrumenter (arrangement av den russiske folkevise"Hei, la oss gå!", 1917)
Ragtime for 11 instrumenter (1918)
5 monometriske stykker for instrumentalt ensemble (1921)

for piano

scherzo (1902)
sonater (1904, 1924)
4 studier (1908)
3 enkle stykker i 4 hender (1915, også i 2 hender, 1915, inkludert i suiten for lite orkester, 1921)
Minner om Boches-marsjen (1915)
5 enkle stykker for 4 hender (1917), den fjerde er inkludert i suiten for lite orkester, 1921; 1. - for piano i 2 hender)
Begravelseskoral til minne om Debussy (1920)
5 fingre (8 enkleste stykker på 5 toner, 1921)
Vals for små lesere "Figaro" (1922)
Serenade (1925)
Tango (1940; arrangement for fiolin og piano, 1940, også for lite orkester, 1953)
Waltz of the Flowers (for 2 pianoer, 1914)

For kor a sarrella

Datterselskap for kvinnestemmer om folketekster (1917)
Fader vår (for blandet kor, kanonisk tekst på russisk Ortodoks bønn, 1926; ny utgave med latinsk tekst Pater noster, 1926)
I Believe (for blandet kor, inn i den russiske kanoniske teksten til den ortodokse bønnen, 1932; ny utgave med den latinske teksten Credo, 1949)
Gled deg, Guds mor Jomfru (for blandet kor, inn i den russiske kanoniske teksten til den ortodokse bønnen, 1934; utgave med den latinske teksten Ave Maria, 1949)
3 spirituelle sanger av Carlo Gesualdo di Venosa, skrevet på 400-årsjubileet for Gesualdos fødsel (Enezem - Anthem, 1959, Descending, the dove cuts the air - The Dove descending breaks the air, til ordene til T. S. Eliot, 1962)

For stemme og orkester

Faun og gjeterinne (suite på ord av Pushkin, 1906)
Abraham og Isaac (hellig ballade på hebraisk, fra Det gamle testamente, 1963)

For stemme og instrumentalt ensemble

3 japanske dikt (for sopran, 2 fløyter, 2 klarinetter, piano og strykekvartett; russisk tekst av A. Brandt, 1913; arrangert for høy stemme og piano, 1913; for høy stemme og kammerorkester, 1947)
Vitser, komiske sanger (for kontralto og 8 instrumenter, til russiske folketekster, 1914)
Cat's lullabies (suite med russiske folketekster for kontralto med 3 klarinetter, 1916; også med fløyte, harpe og gitar, utgitt 1956)
3 sanger (til ord av W. Shakespeare, for mezzosopran, fløyte, klarinett og bratsj, 1953)
4 russiske sanger (for sopran, fløyte, harpe og gitar, basert på 4 russiske sanger for stemme og piano og "3 Stories" for barn, 1954)
Til minne om Dylan Thomas (Funeral Canons and Song, for tenor, strykekvartett og 4 tromboner til engelske vers av D. Thomas, 1954)
Elegy of J.F.K. (dedikert til J.F. Kennedy, til tekster av W.H. Auden, for baryton, 2 klarinetter, altklarinett, 1964)

For stemme og piano

romantikk "Cloud" (til ordene til Pushkin, 1902)
Dirigenten og tarantellen (på teksten til Kozma Prutkovs fabel, 1906; noter tapt)
Pastoral (sang uten ord, 1907)
2 sanger til ord av S. M. Gorodetsky (1908)
2 dikt av P. Verlaine (1910; 2. utgave av 2. - 1919, 1. - 1951)
2 dikt av K. D. Balmont (1911; 2. utgave 1947)
3 historier for barn (om russiske folketekster, 1917)
Lullaby (på egen tekst, 1917)
4 russiske sanger (for folketekster, 1918)
Ugle og pus (The Owl og pussy-cat, til engelske dikt av E. Lear, 1966)
Sopp som går til krig (1904)
Havets luft (?)

Arrangementer og arrangementer av verk av andre komponister

pianostykke "Kobold" av E. Grieg (arrangement, for ballettfesten, 1909)
"Mephistopheles' Song about a Flea" av Beethoven (fra "Faust" av J. W. Goethe; for bass og orkester, russisk tekst av V. A. Kolomiytsov, 1909)
"Song of a Flea" av Mussorgsky (for bass og orkester, russisk tekst av A. Strugovshchikov, 1909)
Marseillaise (for fiolinsolo, 1919)
refreng fra prologen til operaen "Boris Godunov" av Mussorgsky (for piano, 1918)
canzonetta av J. Sibelius (for 9 instrumenter, 1963)
Nocturne and Brilliant Waltz av F. Chopin (for orkester. 1909)

Stravinsky jobbet i nesten alle eksisterende sjangere: dette er opera, ballett, kammerinstrumental og kammervokalmusikk, symfoni, vokal-symfonisk musikk, instrumentalkonsert. I ulike perioder med kreativitet endret bildet av sjangere seg. I den tidlige perioden (før 1908) var valget av sjangere ikke uavhengig, det ble diktert av etterligningen av læreren. Fra 1909 til 1913 inntok ballett en eksepsjonell posisjon. Senere, fra 10-tallet, ble andre sjangre av musikkteater fremmet. I den nyklassisistiske perioden, sammen med ballett og opera, spiller instrumentalkomposisjoner en fremtredende rolle. I årene før andre verdenskrig og under den vendte Stravinsky seg til symfonien, som gjenspeiler den generelle streben etter konseptuell symfonisme, som var karakteristisk for de ledende europeiske komponistene i disse årene - Honegger, Bartok, Hindemith, Shostakovich, Prokofiev. I den sene perioden av arbeidet hans dominerer kantate-oratoriekomposisjoner.

En spesiell plass i arven til forfatteren av "Petrushka" er okkupert av Musikkteater . Generelt kjennetegnes Stravinsky av en levende teatralitet av tenkning, som gjenspeiles i visualiseringen av gester og plastiske "intonasjoner" legemliggjort ved hjelp av musikk, i lydspesifisitet, en følelse av scenetid og endringer i tempo-rytmen til handlingen. Konkrete visuelle bilder ledet ofte komponistens fantasi. Stravinsky likte å se orkesteret spille (det var ikke nok for ham bare å høre), mens han likte et slags "instrumentalt teater".

Hans eget musikkteater kombinerer trender som kommer fra russisk folklore - et eventyr som er spilt ut, en tøff handling, et spill, et ritual, dukketeater, - og reflekterer samtidig teknikkene til commedia dell'arte, opera seria og opera buffa, middelaldermysterier og japansk Kabuki-teater. Den tar hensyn til den teatralske estetikken til The World of Art, Meyerhold, Craig, Reinhardt, Brecht. Stravinskys teater skiller seg i sin natur kraftig fra Tsjekhov-Ibsen «opplevelsesteater». Dens natur er annerledes. Dette er et teater for visning, forestilling, et betinget teater, bare til tider, som en spesiell enhet som tillater åpen opplevelse. Derfor avviser Stravinsky skarpt (til urettferdighet) veristene, så vel som Wagner-teatret.

Stravinsky refererer til plott som er forskjellige i deres opprinnelse og natur: et eventyr ("The Firebird", "The Nightingale", "Bayka", "The Tale of a Soldier"), en rite ("The Rite of Spring", "The Rite of a Soldier"). Wedding"), en gammel gresk myte ("Oedipus Rex", "Orpheus", "Persephone", "Apollo Musaget"), plott som forbinder virkelighet og fiksjon ("Petrushka", "The Adventures of the Rake", "Kiss of feen"). Det er mulig å utpeke temaene som går gjennom hans musikkteater: mennesket i naturkreftenes kretsløp, menneske og skjebne, menneske og fristelser.

Stravinsky jobbet mye i instrumentelle sjangere . Han skrev symfonier, konserter for soloinstrumenter (piano og fiolin) med orkester og konserter for orkester, kammer- og instrumentalmusikk, komposisjoner for soloinstrumenter – nesten utelukkende for pianoet, noe Stravinsky satte stor pris på, ved å bruke det både som soloinstrument og i som del av et orkester, og i ensembler. Nesten alle instrumentalverk komponisten ble skrevet etter 1923, det vil si fra den nyklassisistiske perioden med kreativitet. Og her er det nødvendig å si om egenskapene til hans instrumentelle tenkning, som manifesterte seg i ulike sjangere, ikke bare instrumentell. Vi snakker først og fremst om konsertkvaliteten som en grunnleggende egenskap ved Stravinskys musikalske tenkning. I denne saken dette begrepet (avledet fra concertare, som betyr konkurranse, rivalisering og også enighet) indikerer ikke solistens motstand mot orkesteret, typisk for konserten i romantikkens epoke, men prinsippet om utvikling gjennom instrumentelle dialoger og sidestilling av lydvolumer. Denne forståelsen kommer fra barokktiden (fra Handel, Bach, Vivaldi), og samtidig er det ikke bare en restaurering av barokkens prinsipper. Konsertens introduksjon og utvikling utvidet sonateformens og sonatesyklusens muligheter, og bidro til individualiseringen av instrumentene.

Stravinsky kom først i kontakt med dette prinsippet i The Tale of a Soldier (1918) og Pulcinella (1919). Det han fant der, konsoliderte han i Oktetten (1923). Prinsippet om konsert er manifestert i alle påfølgende verk av komponisten. Det bekreftes fullt ut på konserter, trenger inn i ensemblekomposisjoner, samhandler med symfonisk tenkning i symfonier.

Vokal kreativitet Stravinsky inkluderer kammerkomposisjoner - for stemme og piano, stemme og kammerensemble eller orkester - og vokale og symfoniske komposisjoner. De første er relativt få, de er ujevnt fordelt over hele den kreative veien, selv om deres betydning i enkelte perioder er veldig viktig; utseendet til sistnevnte ser først ut til å være noe mer enn en episode, men i den senere perioden er det nettopp på dem at tyngdepunktet i Stravinskys komponistverk faller.

Igor Fyodorovich Stravinsky(1882 - 1971), russisk komponist, dirigent og pianist.

"Man of a Thousand and One Styles", "Komponist-kameleon", "Treatmaker of Musical Fashions" Igor Fyodorovich Stravinsky er den største komponisten på 1900-tallet.

Hans arv i dag tilhører klassikerne i moderne tid. Det var han som klarte å gjenspeile de viktigste trekkene i epoken, dens konflikt, dynamikk. Variasjonen av temaer, plott, mobiliteten til hans kreative måte er tegn på hans universelle stil, som klarte å omfavne og legemliggjøre modernitetens åndelige prosesser med encyklopedisk bredde.

Igor Fyodorovich Stravinsky ble født 5. juni (17) 1882 i Oranienbaum i familien til den berømte sangeren, solist ved Mariinsky Theatre Fyodor Ignatievich Stravinsky. Komponistens mor Anna Kirillovna Kholodovskaya var en god pianist.

Fra en alder av ni studerte Igor musikk, men, som han selv husker, allerede "fra tre år realisert seg som musiker. Under en sommerferie på landsbygda lyttet han til og imiterte bondepikenes sang, fra barndommen minnet om inntrykket av militær messingmusikk som kom fra brakkene, som ligger nær St. Petersburg-leiligheten til Stravinskys nær Kryukov-kanalen, kommer også frem.

Som komponisten husker i The Chronicle of My Life, var et av de uforglemmelige inntrykkene i 1892, da han ved jubileumsforestillingen til Ruslan og Lyudmila var heldig å se Pjotr Iljitsj Tsjaikovskij, gjenstand for hans spesielle kjærlighet: ung musiker allerede da klarte han å sette pris på i sine forfatterskap "The Power of Instrumental Figurativeness". Senere ble et fotografi av Tsjaikovskij med en dedikasjonssignatur til Fjodor Ignatievich oppbevart i huset til den fremtidige komponisten som et familiearvestykke.

Jeg må si at Igors far ikke ønsket at sønnen hans skulle ha en karriere som profesjonell musiker og tildelte ham til det juridiske fakultetet ved St. Petersburg University. Klasser i rettsvitenskap fascinerte ikke den unge mannen, og parallelt fortsatte musikkundervisningen. Siden 1902 har Stravinsky vært nær familien til N. A. Rimsky-Korsakov, som anerkjente talentet hans som komponist, men rådet ham til å utvikle harmonisk øre, og lot ham også med jevne mellomrom søke råd. I løpet av de neste fem årene ble kommunikasjonen mellom dem tettere og gikk utover musikalske sysler.

Gå inn i sirkelen av de levende musikalsk prosess, besøkte den unge Stravinsky musikalske "miljøer", der de mest fremtredende musikerne samlet seg, inkludert V.V. Stasov. Det var også urfremføringer av verk av Stravinsky selv (fis-moll-sonaten og Pastoral-vokalen, som ble fremført av Nikolai Andreevichs datter, Nadezhda). Under streng veiledning av N. A. Rimsky-Korsakov, skriver Stravinsky sin første symfoni med en dedikasjon til "kjære lærer". Det er verdt å merke seg at å studere med Rimsky-Korsakov ble Stravinskys eneste komponistskole, takket være at han mestret komponistyrket til perfeksjon.

Rundt 1903-1904 var han medlem av Evenings of Modern Music-kretsen, først i hemmelighet fra læreren sin, og først etter en stund fant Rimsky-Korsakov ut at eleven hans "jukset" på skolen hans. "Igor Fedorovich traff modernismen unødvendig," sa Nikolai Andreevich med beklagelse. "Alle disse dekadente tekstene er fulle av mørke og tåke." «Fyrverkeri», «Fantastisk Scherzo» (ifølge Maeterlinck), operaen «Nattergalen» (basert på Andersens eventyr med samme navn) – alt dette er impresjonismens og symbolismens innflytelse.

I 1905 ble Stravinsky uteksaminert fra universitetet, et år senere giftet han seg med sin kusine Ekaterina Nosenko. Etter å ha forlatt en juridisk karriere, bestemmer han seg for å vie seg helt til musikk.

Premieren på Fireworks (1908) ble deltatt av Sergei Diaghilev, på den tiden en kjent filantrop og grunnlegger av magasinet World of Art, som satte tonen for all den "nye" kunsten på den tiden. Denne mannen var bestemt til å spille en spesiell rolle i fremtidig skjebne Stravinsky.

Diaghilev satte stor pris på talentet til den unge komponisten, og inviterte ham til å lage en ballett for iscenesettelse i de russiske årstidene i Paris. Denne bedriften, spesielt i begynnelsen, introduserte den europeiske offentligheten for strålende eksempler på moderne russisk kunst. Det var takket være Diaghilev at Paris hørte hele Mussorgskys operaer, så den russiske balletten. Ideen om en russisk eventyrballett hadde forfulgt Diaghilev i lang tid. Som koreograf M. Fokin husker, «den mest fantastiske skapningen folkeeventyr og samtidig er Ildfuglen den mest egnede for en legemliggjøring av dans!

Noen måneder etter arbeidets begynnelse returnerte komponisten A. Lyadov ham librettoen til balletten som ble sendt til ham, og Diaghilev bestemte seg til slutt for å velge Stravinsky. I 1910 var partituret klart, lyst klangfarget, impresjonistisk i ånden. Denne ballettsensasjonen ble gradvis forberedt av koreografen M. Fokin, de fremtidige utøverne av hovedrollene - T. Karsavina, V. Nizhinsky, kunstneren A. Golovin, samt Diaghilevs konstante konsulenter - A. Benois og L. Bakst . Stravinsky og Fokine satt lenge ved pianoet på jakt etter synkronisering mellom bevegelse og musikk. "Jeg etterlignet scener for ham," husker koreografen. - På min forespørsel brøt han opp sine egne eller folkelige temaer i korte fraser, avhengig av scenens øyeblikk, bevegelser. Stravinsky så på meg og gjentok meg med fragmenter av Tsarevichs melodi mot bakgrunnen av en mystisk skjelving som skildrer hagen til den onde Kashchei.

Noen år senere laget Stravinsky et nytt orkesterstykke av ballettmusikk, og redigerte teksten på nytt og eliminerte alle klangfarger. I den nye versjonen har suiten fra The Firebird fått verdensomspennende popularitet.

I løpet av tre år med samarbeid med Diaghilev-troppen skapte Stravinsky ytterligere to balletter, som brakte ham verdensberømmelse, blant dem "Petrushka" og "The Rite of Spring". Den første av disse er de "morsomme scenene", forfatterne av disse var Stravinsky selv, Benois og Diaghilev (1911). Etter premieren på balletten i Paris, snakker Debussy entusiastisk om musikken til "Petrushka", og kaller forfatteren "et geni av farger og rytme."

Balletten "The Rite of Spring" - "bilder av hedenske Rus" på Roerichs libretto. Etter å ha spilt det nyferdige partituret til "Spring" i fire hender, husker Lalua: "Vi var stumme, slått til kjernen, som etter en orkan som kom fra århundrenes dyp og slo rot i livet vårt" (1913).

Kort tid etter premieren ble Stravinsky, mens han var i Sveits, syk av tyfoidfeber og var på et tidspunkt nesten ved dødens dør. Pasienten fikk besøk av Debussy, M. de Falla, A. Casella, Ravel. Det eneste møtet mellom Stravinsky og Skrjabin fortjener å nevnes. Begge musikerne viste gjensidig interesse på en behersket måte. Stravinsky ba forfatteren av The Poem of Ecstasy sende ham sine siste pianosonater. Her stiftet han bekjentskap med ekspresjonismen, «Moon Pierrot» av A. Schoenberg.

Den "sveitsiske" perioden spilte en spesiell rolle i Stravinskys liv og arbeid. Han følte en interesse for russiske nasjonale bilder, for russisk eksotisme, for eventyr, folklore. Dette er bevist av i det minste listen over verk som ble opprettet i disse årene: "Jests", "Tales about the Fox, the Rooster, the Cat and the Sheep", "The Story of a Soldier".

I juli 1914 begynte Stravinsky arbeidet med The Wedding, opprinnelig planlagt som et ballettdivertissement. Komponisten dro til Kiev i håp om å finne en poetisk samling russiske folkesanger av P. Kireevsky og noe annet materiale. Etter å ha stoppet ved Ustilug, familiens eiendom, hadde han til hensikt å returnere til Kiev samme høst for materialer. Men livet forstyrret planene hans: noen dager etter hjemkomsten til Sveits brøt krigen ut. Stravinsky bestemte seg for ikke å returnere verken til Paris eller til hjemlandet, men å forbli i det nøytrale Sveits. Han bosatte seg i Claran. Og i løpet av de neste syv årene reiste han nesten hele delen av det franske Sveits - Claran, Salvan, Hvalross.

I 1917 besøkte Stravinsky Roma og Napoli. Der møtte han Pablo Picasso, som han utviklet et nært vennskap med. I Sveits debuterte han som dirigent for sin egen musikk, fikk et nært vennskap med poeten C. Ramuse og dirigenten Ernest Ansermet.

I 1919 dro Stravinsky til Paris. En krets av nære venner dannet seg rundt ham, som det ble etablert stadig tettere forhold til, disse var unge modernister: "de mest fasjonable pariserne", Jean Cocteau, Pablo Picasso, Ravel, Benoit, Nijinsky, kunstnerne Matisse, Goncharova, Larionov. I salongen til filantropen E. Polignac, som spesielt favoriserte Stravinsky, ble han nær Manuel de Falla, Gabriel Foret, Eric Satie. Den unge franske «Seks» (J. Auric, F. Poulenc, D. Millau og andre) så også på Stravinsky som sin inspirasjon. Senere snakket Stravinsky mye med forfatteren Andre Gide, Charlie Chaplin.

I de første årene etter hjemkomsten til Frankrike var komponisten fortsatt nært knyttet til Diaghilev. I Europa var ballettene hans vellykkede, spesielt Petrusjka. I 1921 dro han på turné til Spania, Belgia, Holland, Tyskland. 22. mai 1924 debuterte Stravinsky som pianist. Med orkesteret til S. Koussevitzky fremførte han sin klaverkonsert.

I 1925 dro han først på en reise til USA. Påfølgende amerikanske turneer i 1937, 1939 styrket i økende grad hans kreative bånd med dette landet. På midten av 1920-tallet dateres Stravinskys interesse for et mekanisk piano, designet av det franske firmaet Pleyel, tilbake til midten av 1920-tallet. Komponisten var fascinert av muligheten til å lage en dokumentarforfatterinnspilling som kunne fungere som en slags standard. Han studerte spesifikt de akustiske prinsippene for innspillinger og egenskapene til harmoni og stemme som de bestemte, tilpasset orkesterpartitur til pianoet, og skapte til og med en ny orkestrering av Wedding, spesielt designet for bruk av mekaniske pianoer og et elektrisk harmonium.

Stravinsky bodde faktisk i huset til lederen av Pleyel-firmaet. Og forresten, det var der han møtte V. Mayakovsky, som ankom Paris i 1923. Lidenskapen for pianola passerte like raskt som mange andre forbigående lidenskaper. Så, for eksempel, i Sveits var han glad i å sykle, i Frankrike ble han en lidenskapelig bilist. Etter å ha lært seg å kjøre raskt, reiste han over hele Cote d'Azur i sin Renault Hotchkiss.

I 1939 døde kona til komponisten E. Nosenko i Frankrike. Tidligere hadde han mistet sin mor og eldste datter. Komponisten opplevde døden til sine kjære veldig akutt, så for første gang var det et ønske om å flytte til et annet land. Men det var også andre grunner. I 1936 spilte venner med Stravinsky dårlig spøk: de overtalte ham til å fremme sitt kandidatur blant de "udødelige" - til det franske akademiet kunst. I valget ble han imidlertid skandaløst beseiret, og i stedet en ganske gjennomsnittlig fransk komponist Florent Schmidt. Denne hendelsen var ikke en ulykke. Allerede før det begynte mange franskmenn, spesielt den franske musikalske ungdommen, å forråde sitt tidligere idol: flere og flere stemmer ble hørt som krevde å velte den utenlandske "mesteren" fra pidestallen.

Alt dette gikk ikke upåaktet hen av Stravinskys velvære, da allerede fransk statsborger. Samtidig styrket reiser til USA hans bånd med amerikanske firmaer, orkestre og beskyttere. På deres ordre skrev han en rekke komposisjoner. I 1939, på invitasjon fra Harvard University, holdt han et kurs med forelesninger om sin musikalske estetikk.

Utbruddet av andre verdenskrig fungerte som den siste og umiddelbare drivkraften for den endelige avgjørelsen: Mauntbatten-damperen leverte komponisten til kysten av hans "tredje hjemland". Stravinsky bodde i Frankrike fra 1920 til 1940. I Paris var det premiere på operaen hans "Mavra" (1922), "Les Noces" (1923) - det siste verket fra den russiske perioden, samt opera-oratoriet "Oedipus Rex" (1927), som markerte begynnelsen av perioden i komponistens verk, som vanligvis kalles "nyklassisk".

På begynnelsen av førtitallet åpnet en ny periode kreativ biografi Stravinsky, som kan kalles "amerikansk". I desember 1939, på invitasjon, drar han til vestkysten av USA - til San Francisco og Los Angeles. Byene på California-kysten minnet komponisten om Cote d'Azur i Frankrike. Det ble besluttet å bosette seg her, i California, i Hollywood. De årene på kysten Stillehavet mange fremtredende forfattere og musikere som emigrerte fra flammene fra krigen mot fascismen i Europa slo seg ned: Thomas Mann, Lion Feuchtwanger, Arnold Schoenberg og mange andre.

Stravinsky, som bodde i sentrum av den amerikanske filmindustrien, avviste konsekvent ethvert tilbud om å jobbe for film, og hevdet at han ikke var fornøyd med tilfeldighetsprinsippet som bestemmer sammensetningen av filmmusikk. Siden han er selve jazzens episenter, går ikke komponisten utenom denne trenden heller. For Woody Hermans negerorkester skriver han i 1945 "The Black Concerto", med typiske jazzeffekter, virtuose klarinettsoloer og et "fargepartitur" (opptredenene hans ble akkompagnert av lyseffekter ved bruk av flerfargede spotlights).

Gradvis musikalsk språk Stravinsky blir mer asketisk. Dynamikken erstattes av tilbakeholdenhet. Komponisten går over til serieteknikk, og heretter vil den bli dominerende i organiseringen av det musikalske stoffet i komposisjonene hans. Den første seriekomposisjonen er Septet (1953). Threni (Lament of the Prophet Jeremiah; 1958) ble en fullstendig seriell komposisjon der Stravinsky helt forlot tonaliteten som sådan. Et verk der serieprinsippet er absolutt er Movements for piano and orchestra (1959). Endelig musikalsk komposisjon serieperiode - Variasjoner til minne om Aldous Huxley for orkester.

I 1947 møtte Stravinsky Robert Kraft, en ung dirigent. Han ble snart Stravinskys faste musikalske assistent og samarbeidspartner, og tolker av komposisjonene hans. Krafts regelmessige langsiktige kommunikasjon med Stravinsky fungerte som grunnlag for publiseringen av deres dialoger.

En betydelig gruppe er representert av verk som er en hyllest til minnet om avdøde venner og slektninger. Stravinskys omgivelser tynnes ut, og mot slutten av livet kjenner han sin ensomhet mer og mer: «I dag har jeg ingen samtalepartnere som ville se på verden gjennom mine øyne».

Minneopus inkluderer - "Funeral canons and a song in memory of Dylan Thomas" (l954), "Epitaph" (l959), "Elegy to John F. Kennedy" (1964), variasjoner til minne om Aldous Huxley (l964), Introitus til minne om Thomas Eliot, og til slutt, det siste, store verket - Requiem Canticles for contralto og basssolo, kor og orkester (l966). «Chants for the Dead» fullførte hele mitt kreative bilde», «Et Requiem på min alder berører for mye for de levende», «Jeg komponerer et mesterverk av mitt senere år”- I. Stravinsky innrømmer.

Og likevel avtok ikke intensiteten av komponerings- og fremføringsaktiviteter selv i alderdommen, før en alder av 85 år ble en streng arbeidsplan opprettholdt: et halvt år - hverdagslig kreativt arbeid, et halvt år - konsertturer. I 1962 besøkte Stravinsky Moskva og Leningrad. Reisen til hjemlandet, ifølge komponisten selv, inspirerte ham veldig.

Et av hans siste fullførte verk er et arrangement for kammerorkester av to hellige sanger av Hugo Wolf (1968), men han har fortsatt tid til å unnfange og begynne å orkestrere fire preludier og fuger fra J. S. Bachs CTC (1968-1970).

Men på dette kreativ aktivitet mester bryter av. 6. april 1971, 2 måneder før hans 89-årsdag, døde Igor Fedorovich Stravinsky. Han blir gravlagt på kirkegården i San Michele i Venezia (Italia), i den såkalte "russiske" delen av den, sammen med kona Vera, ikke langt fra graven til Sergei Diaghilev.

Stravinskys vei er full av hyppige moduleringer: fra ungdomssymfonien, preget av innflytelsen fra Glazunov og Brahms, til den russiske impresjonismen til Ildfuglen og Nattergalen, videre til nyprimitivismen til Vårriten. Messingoktetten varslet en vending mot nyklassisisme, der flere parallelle strømninger også har oppstått i løpet av tretti år.

Og til slutt åpnet septetten fra 1952 et nytt kapittel i Stravinskys kreative biografi - serialismens periode. Hans kunstneriske sympatier spenner fra Bach til Boulez, fra den russiske bryllupsritualen til fransk moderne, fra de strenge metrene med antikke vers til skarpe jazzrytmer - slik er sirkelen av hans kunstneriske sympatier. Nesten hvert nytt kapittel i Stravinskys biografi er et kapittel i historien til vesteuropeisk musikk på 1900-tallet.

Kreativitet Stravinsky er i hovedsak langt fra virkelighetens hendelser. Komponisten sammenligner den estetiske følelsen til musikklytteren med følelsen man opplever når man betrakter «spillet av arkitektoniske former». Derfor flykter han fra moderniteten, vender seg bort fra dens helter, og bare noen ganger bryter en kraftig vind av livets stormer inn i hans musikalske verden.

I musikk er Stravinsky mest redd for "vilkårligheten" til utøveren, likevel - en pianist, dirigent, skuespiller. Kunsten å presentere - den nøyaktige oppfyllelsen av forfatterens intensjoner - det er hans ideal! Helter bør fratas «romantiske» opplevelser. Derfor slike veldig viktig får ikke-personifisering, depersonalisering av hovedpersonene (Bruden i bryllupet, den utvalgte i The Rite of Spring, i Bike er hovedpersonene mimiske figurer, og andre artister skjult i orkesteret synger for dem, eller en hel kor).

Fenomenet musikk er gitt oss utelukkende for å bringe orden i alt som eksisterer, inkludert først og fremst forholdet mellom «menneske og tid». Egenskapene til komponistens karakter satte sitt preg på arbeidet hans, for eksempel profesjonell kvalitet nøyaktighet, punktlighet, framsyn, kronometrisk intuisjon. Det er ingen tilfeldighet at Stravinsky ble kalt en komponist-kronometer, en komponist-ingeniør, og hans venn J. Cocteau forsikret at arbeidsplassen til denne komponisten minner om «et velorganisert operasjonsbord til en kirurg».

Stravinskys verk er fortsatt ekstremt relevant i dag. Det var han som klarte å gå gjennom nesten hele det tjuende århundre, mens han tok på seg forskjellige masker av stiler, forble tro mot seg selv. Komponisten selv, som avslutter Chronicle, skriver: «Jeg lever verken i fortiden eller i fremtiden. Jeg er i nuet. Jeg vet ikke hva som vil skje i morgen. For meg er det bare sannheten i dag. Jeg er kalt til å tjene denne sannheten og tjene den med full bevissthet.

Populær i kategorien: