Kammerkunst av Brahms. Johannes Brahms

De representerte to motpoler. Navnet Wagner var et symbol på radikal innovasjon, mens Brahms ble oppfattet som vokteren av klassiske tradisjoner. Mange samtidige trodde at han fulgte de "bankede stiene", kalte ham en akademiker og en konservativ.

Rundt Wagner og Liszt, den såkalte. Weimar skole, som tok til orde for en radikal fornyelse av det musikalske språket, nye former, programmering, syntese av musikk og drama. Brahms' posisjon var annerledes: å streve etter harmoni av nytt og tradisjonelt, han trodde ikke at klassiske sjangre og former hadde utmattet seg selv og de måtte erstattes med noe nytt. Sirkelen av sjangere han arbeidet i er veiledende: komponisten hyllet de nye romantiske sjangrene (miniatyr, ballade, rapsodier), og grep tydelig mot de klassiske sjangrene symfonien, sonaten og konserten. Dessuten: takket være Brahms, noen prinsipper for enda eldre sjangere og former - barokktiden (dette er passacaglia, concerto grosso, orgelkorpreludium, polyfonisk preludium-fuge-syklus) gjenopplives. Det mest slående eksemplet på bruk av barokkprinsipper er den tragiske finalen i den 4. symfonien.

Selve det faktum at Brahms ikke delte Listo-Wagnerians syn, var grunnen til å inkludere ham i det motsatte - Leipzig skoler e, spesielt siden dets representanter var komponistens nærmeste venner (Robert og Clara Schumann, fiolinisten Josef Joachim). Brahms betraktet seg selv som arving etter R. Schumann, som kort før hans død «velsignet» ham i sin siste artikkel.

Kampen til Weimar- og Leipzig-skolene i tysk musikk var heftig, lang og uforsonlig. Paradokset var at Wagner gjennomførte sine reformistiske prinsipper i den eneste sjangeren som Brahms ikke tok opp – opera.

I denne kampen viste Brahms sin iboende adel: Han bøyde seg aldri til nivået av avispolemikk, og hans svar på de skarpe angrepene fra både Wagner selv og hans støttespillere var taushet.

Så i sitt arbeid fungerte Brahms som en verge evige verdier - klassiske tradisjoner, og dette gjør ham i slekt med romantikere som Schubert, Mendelssohn, Chopin. Den klassiske begynnelsen merkes hos Brahms både i klarheten i tematikken, basert på generaliserte intonasjoner (musikologer nevner ofte hans forkjærlighet for intonasjoner av tredjedeler og sjettedeler), og i harmonien, proporsjonaliteten og balansen mellom former. Det er spesielt indikativt at ved å vende seg til Liszt-sjangeren av rapsodi, gir Brahms den en mer streng, klassisk kontur.

Et eksempel vil være 1. rapsodi, h-moll. I motsetning til Liszts fullstendige improvisasjonsfrihet for rapsodier, er den skrevet i en reprise 3-delt form med ekstreme sonaterseksjoner. Musikken hennes er basert på kontrasten mellom to bilder - lidenskapelig, heftig uttrykksfulle (G.P.), og mer rolige, lyrisk gjennomtenkte (P.P. og det relaterte hovedtemaet i mellomsatsen).

Som pianist og dirigent fremførte Brahms mange verk fra 1600- og 1700-tallet, han kunne spille utenat når som helst noen fra 48 fuger "HTK" Bach.

Imidlertid i ny historiske forhold- i romantikkens tid - objektivt sett kunne harmonien i verdensbildet til wienerklassikerne ikke oppnås. I mange av Brahms verk er det drama og tragedie som dominerer, karakteristisk for romantisk kunst generelt. Et eksempel på dette er konseptet med den 4. symfonien: tankebevegelsen går i den, så å si, i motsatt retning sammenlignet med Beethovens - "fra lys til mørke", til finalens tragiske katastrofe.

I musikken til Brahms er det andre typiske trekk ved romantikken - emosjonell fremdrift, oppmerksomhet til en persons åndelige verden, dominansen til det lyriske prinsippet.

Lyrikk preger hele det kreative bildet av Brahms. Nesten alle temaene hans er lyriske. Samtidig er Brahms' lyriske poesi bemerkelsesverdig for sin fantastiske kapasitet, den inneholder ofte både sjanger og episke, narrative elementer.

Som alle andre romantikere hadde Brahms en enorm interesse for folklore. Som ingen av sine samtidige tyske komponister studerte han dypt og gjennomtenkt folklore. Fra han var 24 til slutten av livet bearbeidet Brahms tyske folkesanger og promoterte dem som leder for korkapelllederen. Ordene til komponisten er ikke tilfeldige: «En folkesang er mitt ideal». Etter å ha tilbrakt halvparten av livet i Wien, dvs. i sentrum av et multinasjonalt land kjente og elsket Brahms folkloren mest forskjellige folkeslag. Han komponerte ofte for oversettelser fra slavisk (tsjekkisk, slovakisk, serbisk, moravisk), italiensk, skotsk, ungarsk folkediktning. Komponisten beundret ungarsk folkemusikk og skapte fantastisk "Ungarske danser" for piano 4 hender (de finnes i forskjellige arrangementer).

Med unntak av teatermusikk, det er ikke noe slikt område av komponistkreativitet som Brahms ikke ville ta opp. Alle musikalske sjangere er representert i musikken hans fra symfoni til musikk for hjemmemusikk som spilles i 4 hender.

De fire symfoniene til Brahms er blant de høyeste prestasjoner av post-Beethovens symfoni, sammen med symfoniene til Schubert. Hans konserter er ikke dårligere enn symfonier i sin betydning - 2 piano, 1 fiolin og 1 dobbel (for fiolin og cello).

Vokalkreativiteten er usedvanlig rik: sanger (ca. 200), vokalensembler, forskjellige korkomposisjoner (med akkompagnement og a capella), vokale og symfoniske verk, blant annet skiller det tyske Requiem seg ut.

Den samme bredden av interesser observeres i det kammerinstrumentale feltet: her er kammerensembler av de mest mangfoldige komposisjoner, og pianomusikk.

Komponistens interesse for piano var konstant, noe som er ganske naturlig, fordi. han var en bemerkelsesverdig pianist, som stadig opptrådte i et ensemble med fiolinister (Eduard Remenyi, Joseph Joachim), sangere og Clara Schumann. Blant Brahms' tidligste pianokomposisjoner er 3 flygelsonater, kalt "skjulte symfonier" av Schumann. Musikken deres bryter faktisk klart ut av den tradisjonelle kammerrammen.

I tillegg til disse sonatene dedikerte Brahms 5 variasjonssykluser til pianoet (inkludert varianter av Händels t., på Paganinis t., på Schumanns t.), 5 ballader, 3 rapsodier, 2 samlinger av pianofortes. etuder, samt capriccio (7) og intermezzo (18) - hans originalversjon av fp. miniatyrer.

Ble en stor sjanger sent. I hans tolkning får intermezzoet uavhengighet (mens tidligere et slikt navn ble gitt til en av medium deler av en sonatesymfoni eller suitesyklus). Her ble hele Brahms' tekstverden generalisert – fra opplyst fred (Es dur intermezzo, op.117) til dyp tragedie (es moll intermezzo, op.118).

Brahms' samtidige, så vel som senere kritikere, betraktet komponisten både som en innovatør og en tradisjonalist. Musikken hans, i sin struktur og komposisjonsteknikker, viste kontinuitet med verkene til Bach og Beethoven. Selv om samtidige fant verkene til den tyske romantikeren for akademiske, var hans dyktighet og bidraget han ga til utviklingen. musikalsk kunst, gledet mange fremragende komponister påfølgende generasjoner. Nøye gjennomtenkt og upåklagelig strukturert ble Brahms' verk utgangspunkt og inspirasjon for en generasjon komponister. Men bak denne ytre samvittigheten og kompromissløse naturen, var den store komponistens og musikerens virkelig romantiske natur skjult.

Kort biografi Johannes Brahms og mange interessante fakta les om komponisten på siden vår.

Kort biografi om Brahms

Utad er biografien til Johannes Brahms umerkelig. Musikkkunstens fremtidige geni ble født 7. mai 1833 i et av de fattigste kvarterene i Hamburg i familien til musikeren Johann Jakob Brahms og husholdersken Christian Nissen.

Familiefaren ble en gang profesjonell musiker i klassen stryke- og blåseinstrumenter mot foreldrenes vilje. Kanskje var det opplevelsen av foreldrenes misforståelse som fikk ham til å følge nøye med musikalsk evne egne sønner - Fritz og Johannes.

Ubeskrivelig glede over talentet for musikk, som tidlig manifesterte seg hos hans yngste sønn, introduserte faren Johannes for sin venn, pianisten Otto Friedrich Kossel, da gutten bare var 7 år gammel. Kossel lærte Johannes teknikken for å spille piano, og innpodet ham ønsket om å lære dens essens i musikk.

Etter tre års studier skal Johannes spille offentlig for første gang i sitt liv, og fremføre en kvintett Beethoven Og Mozart pianokonsert . Kossel er bekymret for helsen og talentet til studenten sin, og motsetter seg turen til Amerika som tilbys gutten. Han representerer unge Johannes den beste læreren musikk i Hamburg til Edward Marksen. Da han hørte det talentfulle skuespillet til den fremtidige komponisten, tilbød Marksen seg å trene ham gratis. Dette tilfredsstilte fullt ut den økonomiske interessen til Johannes foreldre, rettferdiggjorde i deres situasjon, og fikk dem til å forlate ideen med Amerika. Den nye læreren til Johannes studerte med ham i pianoklassen, og la spesielt vekt på musikkstudiet Bach og Beethoven, og var den eneste som umiddelbart støttet hans tilbøyeligheter til å skrive.

Tvunget, i likhet med sin far, til å tjene en brødskorpe ved å leke om kvelden i de røykfylte lokalene til havnebarer og tavernaer, jobbet Brahms med Edward Marksen på dagtid. En slik belastning på den umodne kroppen til Johannes hadde en dårlig effekt på hans allerede dårlige helse.

Kreativ dating

Hans oppførsel skilte Brahms fra sine jevnaldrende. Han var ikke preget av atferdsfriheten som lå i mange kreative naturer, tvert imot virket den unge mannen løsrevet fra alt som skjedde rundt ham og fullstendig absorbert i indre kontemplasjon. Lidenskapen for filosofi og litteratur gjorde ham enda mer ensom i omgangskretsen til Hamburg. Brahms bestemmer seg for å forlate sin fødeby.

I årene som fulgte møtte han mange fremtredende personligheter i datidens musikkverden. Den ungarske fiolinisten Eduard Remenyi, 22 år gammel fiolinist og personlig akkompagnatør for kongen av Hannover Josef Joachim, Franz Liszt og til slutt Robert Schumann - disse menneskene, den ene etter den andre, dukket opp i livet til unge Johannes på bare ett år, og hver av dem spilte en viktig rolle i å bli komponist.

Joachim ble en nær venn av Brahms resten av livet. Det var på hans anbefaling at Johannes i 1853 besøkte Düsseldorf, Schuman . Da han hørte skuespillet til sistnevnte, fremførte den entusiastiske Brahms, uten å vente på en invitasjon, flere av komposisjonene hans foran seg. Johannes ble en velkommen gjest i hjemmet til Robert og Clara Schumann, som ble sjokkert over Brahms både som musiker og som person. To uker med kommunikasjon med det kreative paret ble vendepunkt i livet til en ung komponist. Schumann gjorde sitt beste for å støtte sin venn, og populariserte arbeidet hans i de høyeste musikalske kretsene på den tiden.

Noen måneder senere kom Johannes tilbake fra Düsseldorf til Hamburg, og hjalp foreldrene og utvidet omgangskretsen i Joachims hus. Her møtte han Hans von Bülow, kjent pianist og tidens dirigent. 1. mars 1854 fremførte han Brahms' verk offentlig.

I juli 1856, Schumann, i lang tid led av en psykisk lidelse, døde. Opplevelsen av tapet av en dypt respektert venn fødte et ønske i Brahms sjel om å uttrykke seg i musikk: han begynner arbeidet med det berømte tyske Requiem.

Ingen profet i sitt eget land

Brahms drømte om å få et godt sted i Hamburg å bo og jobbe i hjemby men de tilbød ham ikke noe. Så, i 1862, bestemte han seg for å reise til Wien, i håp om å imponere Hamburg-publikummet og vinne gunst med sine suksesser i verdens musikalske hovedstad. I Wien fikk han raskt generell anerkjennelse og var ganske fornøyd med dette. Men han glemte aldri Hamburg-drømmen.

Senere innså han at han ikke var laget for et langt rutinearbeid i en administrativ stilling, noe som distraherte ham fra kreativiteten. Han ble faktisk ikke noe sted i mer enn tre år, enten det var stillingen som leder av korkapellet eller leder av Society of Music Lovers.

I de fallende årene

I 1865 kom nyheten om morens død til ham i Wien, Brahms var veldig opprørt over tapet. Hvor sant kreativ person han oversatte hvert eneste følelsesmessige sjokk til notespråket. Morens død fikk ham til å fortsette og fullføre det tyske Requiem, som senere ble et spesielt fenomen for europeiske klassikere. Påsken 1868 presenterte han sin kreasjon for første gang i hovedkatedralen i Bremen, suksessen var overveldende.

I 1871 leide Brahms en leilighet i Wien, som ble hans relativt faste bolig for resten av livet. Det må innrømmes at Johannes Brahms, i lys av hans økende egosentrisitet gjennom årene, hadde et sjeldent talent for å frastøte mennesker. I i fjor livet, ødela han forholdet til mange nye bekjentskaper, flyttet bort fra gamle. Til og med nær venn Joachim brøt alle forhold til ham. Brahms sto opp for sin kone, som han mistenkte for forræderi, og dette krenket den sjalu ektefellen sterkt.

Komponisten likte å tilbringe sommeren i feriebyer, og finner der ikke bare helbredende luft, men også inspirasjon til nye verk. Om vinteren holdt han konserter i Wien som utøver eller som dirigent.

De siste årene gikk Brahms dypere inn i seg selv, ble dyster og dyster. Han skrev ikke lenger store verk, men oppsummerte liksom arbeidet sitt. Han dukket sist opp offentlig og fremførte sin fjerde symfoni. Våren 1897 døde Brahms, og etterlot verden udødelige partiturer og Society of Music Lovers. På begravelsesdagen ble det flagget på halv stang på alle skipene i havnen i Hamburg.

"... Svelget av den grenseløse ambisjonen om fatal uselvisk kjærlighet"

"Jeg tenker bare på musikk, og hvis det fortsetter slik,
Jeg vil bli til en akkord og forsvinne inn i himmelen.

Fra et brev fra I. Brahms til Clara Schumann.

I biografien om Brahms er det det faktum at sommeren 1847 dro 14 år gamle Johannes til sørøst for Hamburg for å forbedre helsen. Her underviser han i piano til datteren til Adolf Giezmann. Det er med Lizhen at en serie romantiske hobbyer i komponistens liv vil begynne.

Clara Schumann inntok en spesiell plass i Brahms liv. Etter å ha møtt denne fantastiske kvinnen for første gang i 1853, bar han gjennom hele livet lyse følelser for henne og dyp ærbødighet for mannen hennes. Dagbøkene til Schumann var fulle av referanser til Brahms.

Clara, mor til seks barn, var 14 år eldre enn Johannes, men dette stoppet ham ikke fra å bli forelsket. Johannes beundret ektemannen Robert og forgudet barna hans, så det kunne ikke være snakk om romantikk mellom dem. Storm av følelser og svingninger mellom lidenskap for gift kvinne og respekt for ektemannen resulterte i musikken til den gamle skotske balladen "Edward". Etter å ha gått gjennom mange prøvelser, forble kjærligheten til Johannes og Clara platonisk.

Før sin død led Schumann sterkt av en psykisk lidelse. Måten Brahms tok vare på henne i denne vanskelige perioden for Clara og tok seg av barna hennes som en far, var den høyeste manifestasjonen av kjærlighet, som bare en person med en edel sjel er i stand til. Han skrev til Clara:

"Jeg vil alltid bare fortelle deg om kjærlighet. Hvert ord jeg skriver til dere som ikke taler om kjærlighet, får meg til å angre. Du lærte meg og fortsetter å lære meg hver dag å beundre og lære hva kjærlighet, hengivenhet og hengivenhet er. Jeg vil alltid skrive til deg så rørende som mulig om hvor oppriktig jeg elsker deg. Jeg kan bare be deg om å ta mitt ord for det ..."

For å trøste Clara skrev han i 1854 Variations on a Theme av Schumann for henne.

Roberts død, i motsetning til andres forventninger, førte ikke til et nytt stadium i forholdet mellom Clara og Brahms. Han korresponderte med henne i mange år, hjalp hennes barn og barnebarn på alle mulige måter. Senere ville Claras barn navngi Brahms som en av deres nummer.

Johannes overlevde Clara med nøyaktig ett år, som for å bekrefte at denne kvinnen var kilden til liv for ham. Døden til hans elskede sjokkerte komponisten så at han komponerte den fjerde symfonien, et av hans mest betydningsfulle verk.

Men som den sterkeste, var denne inderlige lidenskapen ikke den siste i Brahms liv. Venner inviterte maestroen til å tilbringe sommeren 1858 i Göttingen. Der møtte han den sjarmerende eieren av en sjelden sopran Agatha von Siebold. Brahms var lidenskapelig forelsket i denne kvinnen, og skrev med glede for henne. Alle var sikre på deres forestående ekteskap, men forlovelsen ble snart avsluttet. Etter det skrev han til Agatha: «Jeg elsker deg! Jeg må se deg igjen, men jeg kan ikke bruke kjeder. Vennligst skriv til meg ... kan jeg ... komme igjen for å ta deg i armene mine, kysse deg og fortelle deg at jeg elsker deg. De så hverandre aldri igjen, og Brahms tilsto senere at Agatha var hans "siste kjærlighet".

Etter 6 år, i 1864 i Wien, skal Brahms undervise i musikk til baronesse Elisabeth von Stockhausen. En vakker og begavet jente vil bli en annen lidenskap for komponisten, og igjen vil dette forholdet ikke spire.

I en alder av 50 møtte Brahms Hermine Spitz. Hun hadde den vakreste sopranen og ble senere hovedutøveren av sangene hans, spesielt rapsodier. Inspirert av en ny lidenskap skapte Brahms mange verk, men affæren med Hermine varte heller ikke lenge.

Allerede i voksen alder erkjenner Brahms at hjertet hans alltid har tilhørt og alltid vil tilhøre hans eneste dame - musikk. Kreativiteten var for ham den organiserende kjernen som livet hans dreide seg om, og alt som distraherte denne personen fra å lage musikalske verk måtte rives ut av tankene og hjertet hans: enten det var en respektabel stilling eller en elsket kvinne.

Interessante fakta

• Brahms overgikk seg selv i sin mestring av kontrapunkt. Dens mest komplekse former ble naturlige midler for å uttrykke komponistens følelser.
• Hans første symfoni var et virkelig episk verk. Han begynte å skrive det i 1854, og fremførte verket for første gang 22 år senere, mens han utførte streng redigering.
• Den såkalte romantikkens krig var i stor grad en musikalsk strid mellom representantene for den radikale bevegelsen innen musikk, Wagner og Liszt, på den ene siden, og de konservative Brahms og Clara Schumann, på den andre. Som et resultat oppfattet samtidige Brahms som håpløst utdatert, men i mellomtiden er han veldig populær i dag.
• Brahms skrev ikke noe annet verk like lenge som det tyske Requiem. Det ble også komponistens lengste verk. Til sin tekst valgte Brahms selv sitater fra den lutherske bibelen. Det skal bemerkes at det kanoniske rekviem bør være sammensatt av fragmenter av den liturgiske messen, men dette er ikke tilfelle. hovedfunksjon tekstlig del av arbeidet til Brahms. Ingen av de utvalgte sitatene inneholder navnet på Jesus Kristus, noe som ble gjort med vilje: som svar på innvendinger sa Brahms at for større universalitet og inkluderende teksten, kan han til og med gi den nytt navn til "The Human Requiem".

• De fleste av Brahms' verk korte essays anvendt natur. Den innflytelsesrike amerikanske kritikeren B. Heggin hevdet at Brahms var spesielt god i små sjangre, som han ville inkludere ungarske danser, Waltz for piano duett og Waltzes of Love for vokalkvartett og piano, samt noen av hans mange sanger, spesielt " Wiegenlied".
• Hovedtemaet i finalen av den første symfonien er en reminisens av hovedtemaet i finalen i Beethovens niende symfoni. Da en av kritikerne, som la merke til dette, skrøt overfor Brahms av hans observasjon, svarte han at hvert esel kunne legge merke til det.
• Biografien om Brahms bemerker at i en alder av 57 år kunngjorde komponisten slutten på sin kreativ karriere. Men etter det, fordi han rett og slett ikke var i stand til å slutte å komponere, ga han verden noe virkelig utrolig vakre skrifter: Klarinettsonate, trio og kvintett.
• I 1889 ble det gjort et lydopptak av Brahms som fremførte en av sine ungarske danser. Det er mye strid om hvem sin stemme som blir hørt på plata, men den dundrende opptredenen tilhører Brahms selv, uten tvil.

• I 1868 skrev Brahms den velkjente, folketekstbaserte "Vuggevise" ("Wiegenlied"). Han komponerte den spesielt til bursdagen til sønnen Bertha Faber, hans gode venn.
• Brahms var musikklæreren til den kjente filmkomponisten Max Steiner i sin tidlige barndom.
• Hjemmet hans i den lille byen Lichtental, Østerrike, hvor Brahms jobbet på kammerverk midtperioden og mange av hans hovedverk, inkludert "det tyske requiem", har blitt bevart til i dag, som et museum.

Tung karakter

Johannes Brahms ble berømt for sin dysterhet, ignorering av alle sekulære normer for oppførsel og konvensjoner. Han var ganske hard selv med nære venner, de sier at en gang, da han forlot et slags samfunn, ba han om unnskyldning for at han ikke hadde fornærmet alle.

Da Brahms og vennen hans, fiolinisten Rémeigny, sikret seg et anbefalingsbrev, ankom Weimar for å Franz Liszt, kongen av den tyske musikkverdenen, forble Brahms likegyldig til både Liszt og hans verk. Maestroen var indignert.

Schumann forsøkte å trekke oppmerksomheten til det musikalske miljøet til Brahms. Han sendte komponisten med et anbefalingsbrev til forlag i Leipzig, hvor han fremførte to sonater. Brahms dedikerte en av dem til Clara Schumann, den andre til Joachim. Han skrev ikke om sin beskytter på tittelsidene ... ikke et ord.

I 1869, Brahms, som ankom Wien etter forslag fra en misunnelig Wagner møtte en byge av aviskritikk. Det er nettopp det dårlige forholdet til Wagner at forskere forklarer fraværet av operaer i arven til Brahms: han ønsket ikke å invadere sin kollegas territorium. I følge mange kilder beundret Brahms selv Wagners musikk, og viste kun ambivalens overfor Wagners teori om dramatiske prinsipper.

Da Brahms var ekstremt krevende av seg selv og sitt arbeid, ødela Brahms mange av hans tidlige arbeider, som inkluderte komposisjoner fremført på en gang før Schumann. Iveren til den store perfeksjonisten nådde det punktet at han etter mange år, i 1880, henvendte seg i et brev til Eliza Giezmann med en forespørsel om å sende manuskripter av musikken hans til koret slik at han kunne brenne dem.

Komponisten Hermann Levi uttrykte en gang den oppfatning at Wagners operaer var bedre enn Glucks. Brahms mistet besinnelsen, og erklærte at det var umulig selv å uttale de to navnene sammen, og forlot umiddelbart møtet uten engang å si farvel til eierne av huset.

Alt skjer for første gang...

• I 1847 opptrådte Brahms første gang som solist, og spilte Sigismund Thalbergs Fantasia på piano.
• Hans første komplette solokonsert i 1848 bestod av en fremføring av Bachs fuga, samt verk av Marxen og hans samtid, virtuosen Jakob Rosenstein. Konserten som fant sted trakk ikke frem den 16 år gamle gutten blant de lokale og utenlandske utøvere. Dette bekreftet Johannes i ideen om at rollen som utøver ikke var hans kall, og fikk ham til målrettet å engasjere seg i å komponere musikkverk.
• Brahms første verk, fis-mollen Sonata (opus 2), ble skrevet i 1852.
• Han publiserte først sine skrifter under eget navn i Leipzig i 1853.
• Likheten mellom verkene til Brahms og avdøde Beethoven ble lagt merke til allerede i 1853 av Albert Dietrich, som han nevnte i et brev til Ernst Naumann.
• Den første høye posisjonen i Brahms liv: i 1857 ble han invitert til kongeriket Detmold for å undervise i pianospill til prinsesse Frederika, lede hoffkoret og, som pianist, gi konserter.
• Uropførelsen av den første klaverkonserten, som ble holdt i Hamburg 22. januar 1859, ble mottatt svært kaldt. Og på den andre konserten ble han buet. Brahms skrev til Joachim at spillet hans var strålende og avgjørende ... en fiasko.
• Høsten 1862 besøkte Brahms først Wien, som senere ble hans andre hjemland.
• Brahms første symfoni ble utgitt i 1876, men han begynte å skrive den på begynnelsen av 1860-tallet. Da dette verket først ble presentert i Wien, ble det umiddelbart kåret til Beethovens tiende symfoni.

inspirasjonskilder

Rémeigny introduserte Brahms for Czardas sigøyner folkemusikk. Hennes motiver dannet senere grunnlaget for hans mest populære verk, gjelder også " Ungarske danser».

Felles arbeid med Joachim i Göttingen, hvor han spilte inn studentsanger, ble vist og ble grunnlaget for hans "Academic Overture". I samme tidsperiode skrev han sin ambisiøse First Piano Sonata.

Da Brahms ble klar over nervøst sammenbrudd Schumann skyndte han seg til Düsseldorf for å forsørge familien. I løpet av denne tiden skulle han skrive sine tidlige mesterverk, inkludert First Piano Trio.

Arbeider ved domstolen i Detmold, stor komponist Hvilte sjelen etter de engstelige årene i Düsseldorf. Det var denne lyse åndelige stemningen som ble overført til orkesterserenadene i B-dur og D-dur skrevet i Detmold.

Denne listen er på ingen måte uttømmende, og inneholder kun det meste kjente filmer, hvilke lydutdrag fra komponistens spesifiserte verk.

Musikalsk verk av I. Brahms	Film	Utstedelsesår
Konsert for fiolin og orkester i D-dur; Kvintett for klarinett; Første klaverkonsert; Første symfoni	Absolutt makt	2016
Fjerde symfoni	Hundre	2016
Ungarsk dans nr. 5; nattasang	Dukke	2016
Tredje symfoni	Odyssey avvikling	2016 2007
nattasang	Hundeliv Skjønner, skjønner boktyv Grusomme meg 2 sølv Linings Playbook Vandrerhjem tankejegere Truman Show	2017 2014 2013 2013 2012 2005 2001 1998
Ungarsk dans nr. 5	I dag skal jeg hjem alene papirmann	2014 2009 2006
Første symfoni	spesielt farlig Hamlet Batman	2012 2000 1992
Ungarsk dans nr. 8	Bunker	2011
Requiem	Kongen taler! Da Nietzsche gråt	2010 2007
Rhapsody for bratsj	gråsone	2001
Trio i C-dur	mat av kjærlighet	2002
Kvartett for piano og stryketrio	Feil	2000
Fiolinkonsert i D-dur	Og det blir blod	2007

Filmer om Brahms og hans arbeid

Blant filmene som forteller om livet og arbeidet til I. Brahms, er de mest betydningsfulle:

• Dokumentarfilm "Hvem er hvem. Kjente komponister: Brahms (2014), USA. Skrevet, produsert og regissert av M. Hossik. Filmen, som varer i 25 minutter, vil fortelle om livet og den kreative veien til den store komponisten, introdusere seerne til stedene hvor han vokste opp, bodde og jobbet.
• Forfatterens programserie av A. Vargaftik "Skårene brenner ikke" (2002-2010), Russland. Dette er en historie om den "skjeggete onkelen", hans verk og lite kjente detaljer om hans personlige liv. Forfatteren av programmene snakker levende og interessant om Brahms, utenom akademiske klisjeer. Filmen inneholder komponistens musikk og viser steder relatert til livet hans.
• Den unike musikalsk-dokumentarfilmen «Schumann. Clara. Brahms" (2006), Tyskland. Forfatterne av filmen ga mer oppmerksomhet til skjebnen og karrieren til Robert og Clara Schumann. Siden livet deres i mange år var nært knyttet til Brahms, forteller filmen om ham. Dette er ikke bare en historie om en fremragende trio, her er det episoder av den storslåtte fremføringen av musikken deres av Helen Grimaud, Albrecht Mayer, Truls Merck og Anna Sophie von Otter, i tillegg deler de presenterte musikerne sin erfaring med å lære Schumanns og Brahms, deres visjon om deres vanskelige skjebner.

Video: se en film om Johannes Brahms

Johannes Brahms (1833–1897)

Så lenge det finnes mennesker som er i stand til å svare på musikk av hele sitt hjerte, og så lenge Brahms' musikk vil gi opphav til en slik respons hos dem, vil denne musikken leve.

G. Gal

Verket til Johannes Brahms kombinerer romantikkens emosjonelle fremdrift og klassisismens harmoni, beriket av barokkens filosofiske dybde og streng skrifts eldgamle polyfoni - "den musikalske opplevelsen av et halvt årtusen er generalisert" (ifølgeGeiringer -Wienerforsker av Brahms.

Johannes Brahms ble født 7. mai 1833 i en musikalsk familie. Faren hans gikk gjennom en vanskelig vei fra en reisende håndtverksmusiker til kontrabassist. Filharmonisk orkester Hamburg. Han ga sønnen de første ferdighetene til å spille forskjellige strenge- og blåseinstrumenter, men Johannes var mer tiltrukket av pianoet. Suksesser i studier med Kossel (senere - med den berømte læreren Marxen) tillot ham å delta i et kammerensemble i en alder av 10, og som 15-åring - for å gi en solokonsert. Fra en tidlig alder hjalp Johannes faren sin med å forsørge familien, spilte piano i havnekroene, arrangerte for forlaget Kranz, jobbet som pianist i operahus. Før han forlot Hamburg (1853) på en turné med den ungarske fiolinisten Remenyi, var han allerede forfatteren av en rekke verk i forskjellige sjangre, for det meste ødelagt.Fra folketonene som ble fremført på konserter, ble de berømte "ungarske dansene" for piano senere født.

I en alder av fjorten år gikk Johannes ut av en privat realskole. Etter at han forlot skolen, sammen med å fortsette sin musikalske utdanning, begynte faren å tiltrekke ham til kveldsarbeid. Johannes Brahms var skjør og led ofte av hodepine. Langt opphold i tette, røykfylte rom og konstant mangel på søvn på grunn av nattarbeidberørtpå helsen hans.

Etter anbefaling fra fiolinisten Josef Joachima, Brahms hadde muligheten til å møte30. september 1853med Robert Schumann. Schumann overtalteJohannesBrahms for å fremføre en av komposisjonene hans, og etter noen takter spratt han opp med ordene: " Clara trenger å høre dette!"Allerede dagen etter, blant oppføringene i Schumanns regnskapsbok, dukker uttrykket opp:" Brahms var gjest – et geni».

Clara Schumann bemerket det første møtet med Brahms i dagboken hennes: «Denne måneden brakte oss et fantastisk fenomen i personen til den tjue år gamle komponisten Brahms fra Hamburg. Dette er en sann Guds budbringer! Det er virkelig rørende å se denne mannen ved pianoet, å se hans attraktive unge ansikt som lyser opp mens han spiller, å se hans vakre hånd, takle de vanskeligste passasjene med stor letthet, og samtidig høre disse ekstraordinære komposisjonene ..."

JohannesBrahmsble adoptert av Schumann-familien ikke bare som student, men også som sønn, og bodde hos dem til Robert Schumanns død i juli 1856.Brahmsvar konstant ved siden av Clara Schumann og ble betatt av sjarmen til en fremragende kvinne.Han så i Clara - medelastisiteten til den berømte Schumannsom han respekterte enormt, mor til seks barn, eminent pianist, foruten en vakker og sofistikert kvinne -noesublime, trassig.

Etter Robert Shums dødpå Brahms sluttet å møte med Clara Schumann.Fra 1857 til 1859 var han musikklærer og kordirigent ved hoffet i Detmold, hvor han kunne finne den ønskede roen etterpreget av angst og angståri Düsseldorf. Denne lyse, bekymringsløse stemningen i Brahms' sjel skylder vi orkesterserenadene i D-dur og B-dur.

"Hamburg-perioden" i Brahms' liv begynte med en triumferende fremføring av hans klaverkonsert i d-molli mars 1859. Årene i Hamburg ga en kraftig drivkraft til Brahms arbeid, hovedsakelig på grunn av at det ble mulighovedrollen kvinnekor fremføre ting komponert i Detmold. Da han senere dro til Østerrike, hadde han med seg en stor musikalsk bagasje: kvartetter, en trio i B-dur, tre pianosonater, samt mange fiolinstykker. I september 1862 kom Johannes Brahms første gang til Wien. Hans glede visste ingen grenser. Han skrev: "... jeg bor ti skritt fra Prater og jeg kan drikke et glass vin på en taverna der Beethoven ofte satt." Først viste han den da kjente pianisten Julius Epsteinkvartett i g-moll. Beundringa var så stor at fiolinisten Josef Helmesberger, som var til stades ved den første framføringa, straks tok med dette verket til «Beethovens arving» i sitt konsertprogram og den 16. november framførte det i konsertsalen til Musikkens Venner. Brahms rapporterte entusiastisk til foreldrene sine hvor varmt han ble mottatt i Wien.

Høsten 1863Johannes Brahms fikk stillingen som korleder ved Vienna Vocal Academy, som han hadde i bare én sesong, dels på grunn av intriger, dels fordi Brahms foretrakk å ikke binde seg med noen forpliktelser og være fri til å skape.

I juni 1864Brahmsdro tilbake til Hamburg.Snarthan måtte tåle hennes dødmor. I en trioE-durfor hornJohannes Brahmsprøvde å uttrykke lengselen og bitterheten ved tap. Samtidig begynner han på «det tyske rekviem».Det eneste som er kjent om skapelseshistorien er det"Tysk Requiem"okkuperte komponisten i mer enn ti år, og at Brahms, sjokkert over Schumanns tragiske skjebne, like etter hans død ønsket å komponere en begravelseskantate. Morens død kan være den siste drivkraften for fortsettelsen og fullføringen av rekviemet. Brahms fullførte den sjette delen av rekviemet i 1868 og skrev videre tittelside: "Til minne om moren."

Den første fremføringen av det ennå uferdige verket fant sted 10. april 1868 i Bremen og sjokkerte publikum. The New Evangelical Church Newspaper skrev etter fremføringen av verket 18. februar 1869 i Leipzig: "Og hvis vi ventet et geni... så etter dette rekviemet, fortjente Brahms virkelig denne tittelen".

En avmasse lykke tilJohannesBrahms ble kjent med den berømte kirurgen Theodor Billroth, inviterti 1867til universitetet i Wien. Stor musikkelskerbillrothble tilBrahms som venn, kritiker og beskytter.

I januar 1871 JohannesBrahmsfikk melding om alvorlig sykdomfar. I begynnelsen av februar 1872 ankom hanHantil Hamburg, og dagen etter døde faren.

Høsten 1872 ble Brahms kunstnerisk leder for Society of Friends of Music i Wien. Arbeid i "Samfunnet" var en byrde, han overlevde bare tre sesonger. Så flyttet Brahms igjen til de bayerske fjellene, begge fiolinkvartettene i c-moll dukket opp i Tutzing ved München, som han dedikerte til Billroth.

Johannes Brahms økonomiske stilling ble så styrket at i 1875Hankunne vie mesteparten av tiden til kreativitet. Han fullførte arbeidet med kvartetten i c-moll, påbegynt i Schumann-huset. I tillegg tjue års arbeid påFørste symfoni.

Sommeren 1877, i Pörtschach ved Wörthersjøen, skrev Brahms sin andre symfoni. Symfonien ble fulgt i 1878 av en fiolinkonsert i D-dur og en sonate for fiolin i G-dur, som ble kalt Regnsonatene. Samme år mottok Brahms en æresdoktorgrad fra universitetet i Breslau, i anledning dette slapp han et luksuriøst skjegg, som ga ham soliditet.

I 1880 dro Brahms til Bad Ischl og tenkte at der ville han bli mindre plaget av turister og autografjegere. Stedet var rolig, noe som bidro til styrkingenhansHelse. Samtidig begynte vennskapet med Johann Strauss. Brahms var fascinert av personligheten og musikken til Strauss.Om sommeren neste år Johannes flyttet til Pressbaum, hvor han fullførte den andre klaverkonserten, hvis gledelige karakter minner om det pittoreske landskapet i Wienerskogen.

Sommeren 1883 brakte Johannes Brahms til bredden av Rhinen, til steder knyttet til hans ungdom. I Wiesbaden fant han hygge og en behagelig atmosfære som inspirerte ham til å lage den tredje symfonien.

SisteBrahms komponerte sin eneste fjerde symfoni i 1884-1885. Dens første forestilling 25. oktober i Meiningen vakte enstemmig beundring.

De fire symfoniene til Johannes Brahms gjenspeiler ulike sider ved hans verdensbilde.

I den første – den direkte etterfølgeren til Beethovens symfonisme – løses skarpheten i de flammende dramatiske kollisjonene i en gledelig salmefinale.

Den andre symfonien, virkelig wiener (ved sin opprinnelse - Haydn og Schubert), kan kalles en "gledens symfoni."

Den tredje - den mest romantiske i hele syklusen - går fra en entusiastisk rus på livet til dyster angst og drama, som plutselig trekker seg tilbake for naturens "evige skjønnhet", en lys og klar morgen.

Fjerde symfoni - krone stor symfonist sekund halvparten av XIXårhundreJohannesBrahms - utvikler seg "fra elegi til tragedie"(ifølge Sollertinsky). Storhet skaptBrahmssymfonier utelukker ikke deres dype lyrikk.

Brahms var veldig krevende av seg selv og var redd for utmattelsen av sin kreative fantasi, han tenkte på å stoppe komponeringsaktiviteten. Et møte våren 1891 med klarinettisten til Meiningen Orchestra Mühlfeld fikk ham imidlertid til å lage en trio, en kvintett (1891) og deretter to sonater (1894) med klarinetten. Parallel Brahms skriver 20 pianostykker(op. 116-119), som sammen med klarinettensembler ble resultatet av komponistens kreative søken. Dette gjelder spesielt kvintetten og pianointermezzoet - "hjertets sorgfulle bemerkninger", som kombinerer alvorligheten og selvtilliten til et lyrisk uttrykk,frasofistikert og enkel skriving, gjennomtrengende melodiøsitet av intonasjoner.

Publiserti 1894 var samlingen "49 tyske folkesanger" (for stemme og piano) bevis på Johannes Brahms konstante oppmerksomhet på folkesangen - hans etisketil hvem og det estetiske idealet.Arrangementer av tyske folkesanger Brams studert gjennom hele livet, han var også interessert i slaviske (tsjekkiske, slovakiske, serbiske) låter, gjenskapte karakteren deres i sangene hans på folketekster. «Four Strict Melodies» for stemme og piano (en slags solokantate på tekster fra Bibelen, 1895) og 11 kororgelpreludier (1896) supplerte komponistens «åndelige testamente» med en appell til sjangrene og kunstneriske virkemidler i Bachovsk

Johannes Brahms (1833-1897) - en fremragende tysk komponist fra andre halvdel av 1800-tallet, en tid da, i person av Hector Berlioz, Franz Liszt, Richard Wagner kunstnerisk retning Romantikken nådde sine høyeste høyder.

Brahms' verk dekker alle kjente sjangre, bortsett fra opera og ballett. Han har 120 orus totalt.

Brahms' symfoniske verk inkluderer: fire symfonier (op. 68 i c-moll, op. 73 i D-dur, op. 90 i F-dur, op. "Tragic" (op. 81)), variasjoner over et tema av Haydn (op. 56) og to tidlige serenader (op. 11 D-dur og op. 16 A-dur).

I vokal-kor-sjangeren skrev Brahms rundt to hundre verk, inkludert romanser, sanger, ballader og kor (mannlig, kvinnelig og blandet).

Som du vet var Brahms en fantastisk pianist. Naturligvis skrev han et stort antall verk for piano: en scherzo (op. 4 es-moll), tre sonater (op. 1 C-dur, op. 2 fis-moll, op. 5 f-moll), Variations over et tema av Schumann (op. 9), Paganini (op. 35), Variations on a Hungarian Theme (op. 21), Variations and Fugue on a Theme av Händel (op. 24), 4 ballader (op. 10) , 4 capriccios og 4 intermezzoer (op. .76), 2 rapsodier (op. 79), fantasier (op. 116), mange skuespill.

Blant solopianoverk av Brahms er to rapsodier, op.79, skrevet i 1880, svært populære blant utøvere og lyttere. Brahms var ikke den første som brukte denne sjangeren i pianomusikk. Det er kjent at tsjekkisk komponist V.Ya. Tomaszek allerede i 1815 var det verk i denne sjangeren. Men til tross for dette faktum, er storhetstiden til rapsodisjangeren med rette forbundet med navnet til den fremragende ungarske komponisten Franz Liszt. Verdenskjent for sine 19 ungarske rapsodier, komponert av komponisten i perioden fra 1840 til 1847. Det er kjent at i nesten hver av dem brukes autentiske folkesang og dansemelodier. Den todelte strukturen til Lisztian-rapsodier skyldes også folketradisjon kontrasterende sammenstilling av sang og dans. Intern utvikling Liszts rapsodier er ganske frie, improvisatoriske, basert på veksling av individuelle store seksjoner etter prinsippet om en gjennomgående eller kontrastsammensatt form. Men det viktigste trekk ved Liszts rapsodier ligger i deres dype ungarske nasjonalsmak.

Men helt forskjellige er Brahms to rapodier op.79, som gir et ganske fullstendig bilde av det figurative innholdet i komponistens musikk, hovedfortjenesten ved hans talent og stiltrekk.

Særlig er Rhapsody op.79 nr. 2 i g-moll et lyrisk-dramatisk verk skrevet i full sonateform.

The Second Rhapsody er basert på fire sterkt uttrykksfulle, skarpt karakteristiske temaer, som i sin veksling danner en utstilling av sonateformen. Hvert av disse temaene har sitt eget "ansikt". De er definert i form av sjanger og spesielt i form av struktur, som er typisk for Brahms som tysk komponist.

Det første av de fire temaene (sonateformens hovedtema) er begeistret impulsiv, romantisk strevende, med en karakteristisk tysk patetisk romantikk. Uttrykksmidlene (melodi, modus og tonalitet, harmoni, rytme, tekstur, form) i den er rettet mot å uttrykke den stormende spenningen til menneskelige følelser. Sjangermessig er hovedtemaet heterogent: den monofoniske melodien i høyre hånd er tydeligvis en sang; trillinger i mellomstemmen er et karakteristisk trekk ved det romantiske akkompagnementet, og de jambiske oktavbassene i venstre hånd gir temaet trekkene til en marsj. Som et resultat skapes en trelags sjangertekstur, som uttrykker det rike, komplekse, intense figurative innholdet i hovedtemaet. Formen på hovedtemaet er en enkel gjenoppbyggingsperiode, hvor hver av de to setningene er en firetaktsbølge med stigning og fall.

Interessant nok, etter presentasjonen av hovedtemaet, er det ingen utvidet forbindelsesdel (som i prinsippet var karakteristisk for sonateformene til tyske klassiske komponister), men det er en plutselig, brå overgang til en lys, uavhengig, veldig lakonisk koblingstema. I overført betydning er det intra-kontrasterende: modige-avgjørende utrop erstattes av scherzo-flygende elementer. Akkord-oktav-tekstur, høy (f) dynamikk og pauser som trenger gjennom hele temaet gir musikken en begeistret-viljesterk, strevende karakter. I form representerer det sammenhengende temaet en enkel periode med gjentatt, men ikke firkantet, struktur, som hovedtemaet. Og når det gjelder skala, er den enda kortere, "uferdig", avkortet, og krever (på grunn av periodens åpenhet) fortsettelse.

Et nytt, kontrasterende, mest lyrisk bilde av utstillingen oppstår med fremveksten av et sekundært tema. Melodien er basert på et skarpt uttrykksfullt, gripende trippelmotiv, som synger den femte i d-moll med en forminsket terts, og med et fremhevet stopp ved det fjerde hevede trinnet, som i samme takt «avbrytes» av det fjerde naturlige trinnet. Som et resultat av non-stop, uten en eneste pause, chanting av melodien, i forening med de vidt spredte figurasjonene av akkompagnementet, skapes en følelse av angst, skjult mental smerte og smertefulle sukk. Lidenskapelig fremdrift bringer Brahms nærmere Schumann. I Chopins melodi ser det ut til å sveve over resten av teksturen til temaet.

Sidetemaet leder inn i et stolt, dramatisk avslutningstema. Til å begynne med høres det veldig hemmelighetsfullt ut, til og med dystert. I den første setningen av den enkle perioden skaper den samme gjentatte tonen i høyre hånd en fantastisk følelse av å tvinge, vente på en slags sammenbrudd, et voldsomt følelsesutbrudd. Oktavbassene i venstre hånd ser ut til å skildre snikende skritt, og trillingene i mellomstemmen, som pulserer gjennom presentasjonen av temaet, gir temaet enda mer spenning og spenning. I den andre setningen høres musikken mer selvsikker, vedvarende ut, til og med marsjerende. Det ender (forresten, for første gang i utstillingen av sonateformen) på den utvidede reneste tonika i d-moll.

Den psykologiske og kunstneriske effekten av denne tonic er fantastisk: etter all uroen, spenningen og tvilen til sjelen, har en viss sikkerhet, en visshet om den følelsesmessige tilstanden til en person, endelig blitt oppnådd ved en innsats av vilje.

Etter tradisjonen fra wienerklassikerne, gjentar Brahms utstillingen av sonateformen. Tvinger deg til å gjenoppleve de plutselige humørsvingningene som er karakteristiske for romantiske helter. Samtidig er det interessant at Brahms legemliggjør det rent romantiske innholdet i alle utstillingens fire temaer i klassisk klare, konsise former av en enkel periode, hver med en forskjellig indre struktur: hovedtemaet er en enkel periode av et kvadrat. struktur (4 + 4), det forbindende temaet er en enkel periode med en ikke-kvadratisk struktur ( 3 + 2), det sekundære temaet er perioden for en enkelt struktur, det siste temaet er en enkel periode med gjentatt struktur med en utvidelse i annet punktum (4 + 8). Overraskende nok, med all den figurative og sjangerkontrasten av temaer, har de mye til felles: overalt i forgrunnen er en uttrykksfull melodi, en triplettrytme som forener alle temaer, og en trelags tekstur. I det hele tatt utvikler de musikalske bildene av utstillingen seg raskt, aktivt og i en ekstremt komprimert skala: det er bare 32 takter i utstillingen.

I utviklingen legger Brahms vekt på den motstridende, dramatiske essensen av sin rapsodie, og utvikler utelukkende hovedtemaene og de siste temaene, det vil si de mest begeistret impulsive og modig stolte av alle temaene i utstillingen. Utdypingen er ganske detaljert (53 takter mot 64 takter med utstilling) og består av tre seksjoner: Hovedtemaet utvikler seg i første og tredje seksjon, og det siste temaet utvikler seg i midten. På grunn av dette tematisk innhold utvikling oppfattes som en storstilt tredelt form med en kontrasterende midtre og dynamisk reprise. I den første delen av utviklingen (20 takter) forverrer Brahms den emosjonelle spenningen, forvirringen av lyden til hovedtemaet, noe som ekstremt kompliserer dets modale og tonale utvikling, inkludert veksling av fjerne tonearter (F, f, gis, e, h), vist gjennom deres dominanter, som i prinsippet ble nedfelt i presentasjonen av hovedtemaet i utstillingen. I midtseksjonen høres slutttemaet enten engstelig hemmelig (p mezzo voce), eller rasende sint (ff), og også med skarpe fret-tonale brudd fra h-moll til g-dur, g-moll og d-moll. Tredje avsnitt oppfattes som et enormt anspent opptak til reprisen av sonateformen, basert på flere ostinater, heftige stigende invokative motiver isolert fra hovedtemaet, som også øker dynamisk spenning (fra pp til ff). Hele utviklingen forenes av en sprudlende trillingrytme i mellomstemmen til en trelags. Etter en så målrettet utviklingsmessig intensivering av dramaet oppfattes gjentagelsen av sonateformen som en «frelsens øy» fra erfarne stormer, selv om det selvfølgelig er bygget på de samme fire kontrasterende temaene som utstillingen.- d-moll, og Brahms beholdt i reprise både strukturen og skalaen til alle temaene, og la bare til en kort (8 takter) coda med en triplettrytme som pulserer og falmer kl. slutten.

Rhapsody maler et portrett av Brahms - en lidenskapelig drømmer med et stormende temperament og opprørske følelser.

Rhapsodiens form utmerker seg ved harmoni og raffinement, komponisten kombinerer på genial vis trekkene til en sonate og en tredelt komposisjon. Den andre rapsodien er et prakteksempel på Brahms konsertpianisme.

Utviklingen, som vanlig med Brahms, er komprimert og intens. Ved å forvandle hovedtemaene avslører han i utviklingen dramaets konfliktinnhold. Drama og figurativ konflikt avsløres med den største lakonisme.

Brahms er den siste store representanten for tyskeren Romantikken XIXårhundre. Han klarte å skape sin egen originale kreative stil. Hans musikalsk språk preget av individuelle trekk: typiske intonasjoner av det tyske folkemusikk(bevegelser langs lydene av en triade med plagale svinger i melodien og plagal i harmoni); karakteristisk "flimmer" av dur-moll; karakteristiske uventede avvik, modal variasjon, melodisk og harmonisk dur.

For å uttrykke rikdommen av nyanser av innhold, brukes rytme: introduksjon av trillinger, stiplede linjer, synkopering. Emner er ofte åpne, noe som åpner veien til videre utvikling tanker.

Bruken av strukturer som var etablert siden wienerklassikerne hadde en dypt individuell karakter for Brahms: Brahms ønsket å bevise gamle formers evne til å formidle den moderne strukturen av tanker og følelser. På den annen side hjalp klassiske former ham til å "dempe" de spente, engstelige, opprørske følelsene som overveldet ham.

Flertallet av bilder er et typisk trekk ved Brahms' musikk. Han kombinerte ytringsfrihet i sonateform med den klassiske, rasjonelle utviklingslogikken.

Brahms skrev et komplekst og selvmotsigende verk, og reflekterte i det stilen og talen fra hans tid.

brahms komponist romantikk rapsodi

Bare Brahms visste hvordan han skulle lage vokalmelodier så nasjonale i ånd og lager. Dette er ikke overraskende: ingen av hans samtidige tyske og østerrikske komponister så nøye og ettertenksomt ikke studerte den poetiske og musikalsk kreativitet av hans folk.

Brahms etterlot seg flere samlinger av arrangementer av tyske folkesanger (for stemme og piano eller kor, over hundre sanger totalt). Hans åndelige testamente var en samling førti-ni tyske folkesanger (1894). Brahms snakket aldri så varmt om noen av sine egne komposisjoner. Han skrev til venner: "Kanskje, for første gang, er jeg ømt i slekt med det som kom ut under pennen min ...". "Med slik kjærlighet, til og med kjærlighet, har jeg aldri skapt noe."

Brahms nærmet seg folklore kreativt. Han motarbeidet indignert dem som tolket folkekunstens levende arv som arkaisk antikken. Den er inne likt spennende sanger fra forskjellige tider - gamle og nye. Brahms var ikke interessert i melodiens historiske autentisitet, men i uttrykksevnen og integriteten til det musikalske og poetiske bildet. Med stor følsomhet behandlet han ikke bare melodiene, men også tekstene, nøye på jakt etter de beste alternativene. Etter å ha gjennomgått mange folkloresamlinger, valgte han det som for ham virket kunstnerisk perfekt, som kunne bidra til å lære musikkelskeres estetiske smaker.

Det var for hjemmemusikkproduksjon Brahms kompilerte samlingen sin, og kalte den "tyske folkesanger for stemme og piano" (samlingen består av syv notatbøker med syv sanger hver; i den siste notatboken er sangene gitt i bearbeiding for hovedrollen sanger med koret). I mange år vernet han drømmen om å gi ut en slik samling. Omtrent halvparten av melodiene i den hadde han tidligere bearbeidet for koret. Nå satte Brahms seg en annen oppgave: å understreke og understreke skjønnheten i vokaldelen med subtile strøk i den enkle delen av pianoakkompagnementet (Balakirev og Rimsky-Korsakov gjorde det samme i sine tilpasninger av det russiske folkevise):

Og han tok ofte folketekster som grunnlag for sine egne vokale komposisjoner, og var ikke begrenset til feltet for tysk kreativitet: mer enn tjue verk med slavisk poesi inspirerte Brahms til å lage sanger - solo, ensemble, kor (Blant dem er slike perler av Brahms' vokale tekster som "On Eternal Love" op. 43 No. 1, "The Way to the Loved" op. 48 No. 1, "The Oath of the Loved" op. 69 No. 4.). Det er også sanger i ungarske, italienske, skotske folketekster.

Kretsen av diktere som gjenspeiles i vokaltekstene til Brahms er bred. Komponisten elsket poesi og var dens kresne kjenner. Men det er vanskelig å oppdage hans sympatier for noen litterær retning, selv om romantiske poeter dominerer kvantitativt. I valget av tekster ble hovedrollen spilt ikke så mye av forfatterens individuelle stil som av innholdet i diktet, for Brahms var bekymret for slike tekster og bilder som var nær folk. Til poetiske abstraksjoner, symbolikk, trekk ved individualisme i arbeidet til et nummer samtidsdiktere han var sterkt negativ.

Brahms kalte vokalkomposisjonene hans "sanger" eller "chants" for stemme med pianoakkompagnement. (Det eneste unntaket er "Romances from L. Tick's "Magelona"" op. 33 (syklusen inneholder femten stykker); disse romansene er i karakter nær en arie eller en solokantate.). Med dette navnet ønsket han å understreke hovedrollen til vokaldelen og den underordnede av instrumentaldelen. I dette problemet han fungerte som en direkte etterfølger til sangtradisjonene til Schubert. Overholdelse av Schubert-tradisjonene gjenspeiles også i det faktum at Brahms gir forrang til sangen som begynner fremfor det deklamatoriske og foretrekker den strofiske (couplet) strukturen fremfor "gjennomgangen". En annen strøm av tysk kammer- vokalmusikk presentert i arbeidet til Schumann og videreutviklet av de store mesterne i denne sjangeren - Robert Franz (Den tyske komponisten Robert Franz (1815-1892) er forfatteren av rundt to hundre og femti sanger.) i Tyskland og Hugo Wolff i Østerrike. De grunnleggende forskjellene ligger i det faktum at Schubert og Brahms, basert på folkesangens særegne måte, gikk mer ut fra generell innholdet og stemningen i diktet, fordypet seg mindre i dets nyanser av både psykologisk og billedlig-billedlig rekkefølge, mens Schumann, og enda mer Wolf, forsøkte å legemliggjøre i musikk den konsekvente utviklingen av poetiske bilder, de uttrykksfulle detaljene i teksten, og brukte derfor deklamatoriske øyeblikk mer utbredt. Følgelig økte andelen instrumentalt akkompagnement blant dem, og for eksempel kalte Wolf allerede vokalverkene hans ikke "sanger", men "dikt" for stemme og piano.

Man bør imidlertid ikke betrakte disse to tradisjonene som gjensidig utelukkende: det er deklamatoriske øyeblikk hos Brahms (eller Schubert), så vel som sangøyeblikk hos Schumann. Vi snakker om den dominerende verdien av et eller annet prinsipp. Likevel har Grieg rett, og bemerker at Schumann i sangene hans er mer dikter, mens Brahms - musiker.

Den første publiserte Romantikk av Brahms "Loyalty in Love" op. 3 nr. 1 (1853). Her er mye karakteristisk for komponistens verk, og fremfor alt selve temaet for det filosofiske lageret (bildet av en ødelagt, men sann og standhaftig kjærlighet). Den generelle stemningen er treffende fanget og fanget i de "trøtte" trillingene av akkompagnement til melodiens avmålte sukk. En lignende sammenligning i samtidigheten av ulike rytmer (duoli eller quartoli med trillinger, etc.), sammen med synkopering, er Brahms favoritttriks:

Brahms sa at ved å arrangere pauser kan man skille en sann mester i vokalmusikk fra en amatør. Brahms selv var en slik mester: hans måte å "uttale" melodien på er distinkt. Vanligvis, allerede i den innledende rytmeintonasjonen, som i embryoet, er temaet for sangen innprentet. Karakteristisk i denne forbindelse er det korte motivet som i den analyserte romantikken først passerer i bassen og trenger inn i stemmen. Generelt er den subtile og følsomme oppførselen til bassen typisk for Brahms ("bassen gir karakter til melodien, tydeliggjør og fullfører den," lærte komponisten). Dette gjenspeiler også hans tendens til kontrapunktiske transformasjoner av temaet.

Takket være slike teknikker oppnås en bemerkelsesverdig enhet i uttrykket av vokalmelodien og pianoakkompagnementet. Dette forenkles også av den motiviske sammenhengen, utført gjennom repetisjoner og navneopprop, fri tematisk utvikling eller duplisering av melodien i pianostemmen. Som et eksempel vil vi nevne: "The Secret" op. 71 nr. 3, "Døden er en lys natt" op. 96 nr. 1, "How Melodies Draw Me" op. 105 nr. 1, "Deeper is all my slumber" op. 105 nr. 2.

Disse verkene tilhører den kvantitativt mest betydningsfulle, men ulik, gruppe av Brahms romanser. For det meste er disse triste, men lyse i fargerefleksjoner - ikke så mye spente monologer (han lykkes sjelden med dem), men inderlige samtaler om spennende livets temaer. Bilder av trist visnelse og død opptar noen ganger for stor plass i slike refleksjoner, og da får musikken en monoton dyster farge, mister sin umiddelbarhet i uttrykket. Men når han refererer til dette emnet, skaper Brahms fantastiske verk. Dette er de fire strenge melodiene, op. 121 er hans siste kammervokale komposisjon (1896). Det er en slags solokantate for bass og piano, som glorifiserer mot og styrke i møte med døden, en altomfattende følelse av kjærlighet. Komponisten tar for seg de "fattige og lidende". For å formidle spennende, dypt menneskelig innhold, blander han organisk teknikkene til resitative, arioso, sanger. De lyrisk opplyste sidene i andre og tredje skuespill er spesielt imponerende.

En annen sfære av bilder og følgelig andre kunstneriske virkemidler typisk for sangene til Brahms, opprettholdt i folkeånden. Det er mange av dem også. Det er to typer sanger i denne gruppen. Til først karakteristisk er appellen til bilder av glede, modig styrke, moro, humor. Når du overfører disse bildene, vises funksjonene tydelig tysk folkevise. Spesielt brukes melodiens bevegelse langs triadens toner; akkompagnementet har et akkordlager. Eksempler er "Smed" op. 19 nr. 4, "Trommeslagers sang" op. 69 nr. 5, Jegeren op. 95 nr. 4, «Et hus står i grønne linder» op. 97 nr. 4 og andre.

Sanger som dette treffer ofte til og med størrelse; deres bevegelse er organisert av rytmen til et raskt skritt, noen ganger en marsj. Lignende bilder av moro og glede, men med en mer personlig, intim fargelegging, vises jevnt tre kvarter sanger hvis musikk er gjennomsyret av intonasjoner og rytmer østerriksk folkedanser - landler, vals ( "Å kjære kinn" op. 47 nr. 4, "Den elskedes ed" op. 69 nr. 4, "Kjærlighetssang" op. 71 nr. 5). Brahms gir ofte disse danse-sjangerbildene i en kunstløst enkel refraksjon – enten med et snev av slyngethet, eller skjult tristhet. De varmeste, hjerteligste tonene i Brahms musikk fanges her. Melodien får fleksibel plastisitet og den naturlige utviklingen som er karakteristisk for folkemelodier. Disse sangene inkluderer (som regel er de skrevet i folketekster, spesielt tsjekkisk): "Søndag" op. 47 nr. 3, "Veien til den elskede" op. 48 nr. 1, "Vuggevise" op. 49 nr. 4.

I vokalduetter og kvartetter vises ulike sider av innholdet. Men også her kan man finne trekk som er karakteristiske for Brahms både i filosofiske tekster og i tekster. husholdningsplan. De beste eksemplene på sistnevnte er i op. 31 og i to notatbøker "Songs of Love" op. 52 og 65(komponisten kalte dem "Valser for fire stemmer og for piano fire hender"; totalt trettitre stykker). I disse sjarmerende miniatyrene, som danner en slags parallell til de berømte "Ungarske dansene" av Brahms, smeltes elementene sang og dans sammen. Hvert skuespill har sitt eget lakoniske plot, som forteller om kjærlighetens gleder og sorger. Nysgjerrig utviklingsstil vokalensemble: stemmene er enten sammenkoblet kontrapunalt eller kontrastert i form av en dialog. Den dialogiske formen ble forresten også brukt av Brahms i hans solosanger.

Lignende bilder finnes i kormusikk : Sammen med vokalverk med instrumentalt akkompagnement, etterlot Brahms mange stykker for kvinnelige eller blandede kor a cappella. (For den mannlige sammensetningen av helheten fem kor op. 41, unnfanget i ånden av soldatsanger med patriotisk innhold). De mest perfekte når det gjelder dybde av innhold og utvikling er fem sanger for blandet kor op. 104. Samlingen åpner med to nocturnes, forent med fellestittelen "Nattvakt"; musikken deres er preget av fin lydskriving. Fantastiske lydeffekter i sammenstillingen av øvre og nedre stemmer brukes i sangen " Siste lykke»; en spesiell modal smak er iboende i stykket " Tapt ungdom»; med sine mørke, dystre farger skiller seg ut siste nummer - « høst».

Brahms skrev også en rekke verk for kor (noen av dem med deltagelse av en solist) og orkester. Navnene deres er symptomatiske, og minner igjen om sangstrømmen i Brahms verk: "Song of Destiny" op. 54(tekst av F. Hölderlin), "Song of Triumph" op. 55, "Sorgfull sang" op. 82(tekst av F. Schiller), "Song of the Parks" op. 89(tekst av W. Goethe).

"Tysk Requiem" op. 55 er det mest betydningsfulle verket i denne serien.