Debussys bästa verk. Claude Debussy: en kort biografi om kompositören, livshistoria, kreativitet och bästa verk

Chappe Claude Chappe Claude (25 december 1763, Brulon, Sarthe Department, - 23 januari 1805, Paris), fransk mekaniker, uppfinnare av den optiska telegrafen. 1793 fick han titeln telegrafingenjör. 1794 byggde han tillsammans med sina bröder den första optiska telegraflinjen mellan Paris och

Wagner och Debussy Det var därför symbolisterna hälsade den "gudomlige Richard Wagner i gloria av sakramentets utförare" med så stark entusiasm. Hans imponerande och odelade dominans gav näring åt de svartsjuka drömmarna hos mästarna inom den verbala och plastiska konsten.

Jean-Claude Killy (född 1943) fransk alpin skidåkare. Xvintermästare olympiska spelen i Grenoble (Frankrike), 1968 När Jean-Claude Killy fick frågan om hur man blir en stor skidåkare, svarade han: "Kom först till berget och lämna det sist - detta är det enda sättet

Claude Debussy (Debussy, Claude) En gång frågade en lärare på konservatoriet den unge Debussy: ”Vad komponerade du, unge man, detta? Det strider mot alla regler." Debussy svarade utan att slå ett öga: ”För mig, som kompositör, finns det inga regler; vad jag vill är regeln.” Och senare

Jag försöker hitta nya verkligheter... dårar kallar det impressionism.
C. Debussy

Den franske kompositören C. Debussy kallas ofta 1900-talets musiks fader. Han visade att varje ljud, ackord, tonalitet kan höras på ett nytt sätt, kan leva ett friare, flerfärgat liv, som om man njuter av själva ljudet, dess gradvisa, mystiska upplösning i tystnad. Mycket gör verkligen att Debussy relaterar till bildimpressionism: den självförsörjande briljansen av svårfångade, flytande ögonblick, kärleken till landskapet, rymdens luftiga darrande. Det är ingen slump att Debussy anses vara den främsta representanten för impressionismen i musik. Han är dock längre än de impressionistiska konstnärerna, han har gått från traditionella former, hans musik är riktad till vårt århundrade mycket djupare än målningen av C. Monet, O. Renoir eller C. Pissarro.

Debussy trodde att musik är som naturen i sin naturlighet, oändliga variation och mångfald av former: ”Musik är precis den konst som ligger närmast naturen ... Endast musiker har fördelen att fånga all poesi av natt och dag, jord och himmel , återskapa deras atmosfär och rytmiskt förmedla deras enorma pulsation. Både naturen och musiken upplevs av Debussy som ett mysterium, och framför allt, mysteriet med födelse, en oväntad, unik design av ett nyckfullt hasardspel. Därför är kompositörens skeptiska och ironiska inställning till allehanda teoretiska klichéer och etiketter i förhållande till konstnärlig kreativitet, ofrivilligt schematisera konstens levande verklighet.

Debussy började studera musik vid 9 års ålder och redan 1872 kom han in på junioravdelningen vid Pariskonservatoriet. Redan under konservatorieåren visade sig det okonventionella i hans tänkande, vilket orsakade sammandrabbningar med harmonilärare. Å andra sidan fick nybörjarmusikern verklig tillfredsställelse i klasserna E. Guiraud (komposition) och A. Mapmontel (piano).

1881 följde Debussy som huspianist den ryske filantropen N. von Meck (en stor vän till P. Tjajkovskij) på en resa till Europa, och besökte sedan på hennes inbjudan Ryssland två gånger (1881, 1882). Så började Debussys bekantskap med rysk musik, vilket i hög grad påverkade bildandet av hans egen stil. ”Ryssarna kommer att ge oss nya impulser att befria oss från det absurda tvångsläget. De ... öppnade ett fönster med utsikt över fälten. Debussy fängslades av klangfärgens briljans och subtila skildringar, det pittoreska i N. Rimsky-Korsakovs musik, friskheten i A. Borodins harmonier. Han kallade M. Mussorgsky för sin favoritkompositör: ”Ingen tilltalade det bästa vi har, med större ömhet och större djup. Han är unik och kommer att förbli unik tack vare sin konst utan långsökta tekniker, utan vissna regler. Flexibiliteten i den ryska innovatörens röst-talintonation, frihet från företablerade, "administrativa", med Debussys ord, former implementerades på sitt eget sätt fransk kompositör har blivit en integrerad del av hans musik. "Gå och lyssna på Boris. Den innehåller hela Pelléas”, sa Debussy en gång om ursprunget till det musikaliska språket i sin opera.

Efter examen från konservatoriet 1884 deltar Debussy i tävlingar om Roms stora pris, som ger rätt till en fyraårig förbättring i Rom, på Villa Medici. Under åren tillbringade i Italien (1885-87) studerade Debussy körmusik Renässansen (J. Palestrina, O. Lasso) och det avlägsna förflutna (liksom den ryska musikens originalitet) gav en ny ström, uppdaterade hans harmoniska tänkande. De symfoniska verk som skickades till Paris för en rapport ("Zuleima", "Spring") behagade inte de konservativa "mästarna i musikaliska öden".

När Debussy återvänder före schemat till Paris, närmar sig kretsen av symbolistiska poeter med S. Mallarme i spetsen. Musikaliteten i symbolistisk poesi, sökandet efter mystiska kopplingar mellan själens liv och naturvärlden, deras ömsesidiga upplösning - allt detta lockade Debussy mycket och formade till stor del hans estetik. Det är ingen slump att de mest originella och perfekta av kompositörens tidiga verk var romanser till orden av P. Verdun, P. Bourget, P. Louis och även C. Baudelaire. Några av dem ("Underbar kväll", "Mandolin") skrevs under studieåren på konservatoriet. Det första mogna orkesterverket, preludiet "En fauns eftermiddag" (1894), var inspirerat av bilderna av symbolistisk poesi. I denna musikaliska illustration av Mallarmés eklog utvecklades Debussys säregna, subtilt nyanserade orkesterstil.

Symbolismens genomslag märktes mest i Debussys enda opera Pelléas et Mélisande (1892-1902), skriven i prosatext dramer av M. Maeterlinck. Detta är en kärlekshistoria där, enligt kompositören, tecken"De bråkar inte, utan uthärdar sitt eget liv och sitt öde." Debussy argumenterar här så att säga kreativt med R. Wagner – författaren till Tristan och Isolde, han ville till och med skriva sin egen Tristan – trots att han i sin ungdom var oerhört förtjust i Wagners opera och kunde den utantill. Istället för Wagnermusikens öppna passion, är här uttrycket för ett raffinerat ljudspel, fullt av anspelningar och symboler. ”Musik finns till för det outsägliga; Jag skulle vilja att hon liksom skulle komma ut ur skymningen och i ett ögonblick återvända till skymningen; så att hon alltid är blygsam”, skrev Debussy.

Det är omöjligt att föreställa sig Debussy utan pianomusik. Kompositören själv var en begåvad pianist (liksom en dirigent); "Han spelade nästan alltid i halvtoner, utan någon skärpa, men med en sådan fyllighet och täthet av ljud som Chopin spelade", mindes den franske pianisten M. Long. Det var från Chopins luftighet, rumsligheten i klangen från pianotyget som Debussy stötte bort i sina koloristiska sökningar. Men det fanns en annan källa. Återhållsamheten, jämnheten i den känslomässiga tonen i Debussys musik förde den oväntat närmare den uråldriga förromantiska musiken - särskilt de franska cembalospelarna från rokokotiden (F. Couperin, J. F. Rameau). De gamla genrerna från "Suite Bergamasco" och Suite for Piano (Prelude, Menuet, Passpier, Sarabande, Toccata) representerar en säregen, "impressionistisk" version av nyklassicismen. Debussy tar inte alls till stilisering utan skapar sin egen bild tidig musik, snarare ett intryck av henne än hennes "porträtt".

Kompositörens favoritgenre är en programsvit (orkester och piano), som en serie olika målningar, där de statiska landskapen sätts igång av snabba, ofta dansrytmer. Sådana är sviterna för orkestern Nocturnes (1899), Havet (1905) och Bilder (1912). För pianot skapas "Prints", 2 anteckningsböcker "Images", "Children's Corner", som Debussy dedikerade till sin dotter. I Prints försöker kompositören för första gången vänja sig vid de mest musikaliska världarna olika kulturer och folken: ljudbilden av öst (“Pagodas”), Spanien (“Evening in Grenada”) och ett landskap fullt av rörelse, spel av ljus och skugga med en fransk folksång (“Gardens in the Rain”) färgglatt uppsatt av varandra.

Sviten "Havet" består av tre delar: "På havet från gryning till middag", "Vågornas lek" och "Vindens samtal med havet". Bilderna av havet har alltid uppmärksammats av kompositörer. olika riktningar Och nationella skolor. Åtskilliga exempel på programmatiska symfoniska verk på "marina" teman av västeuropeiska tonsättare kan nämnas (ouvertyren "Fingals grotta" av Mendelssohn, symfoniska avsnitt ur "Den flygande holländaren" av Wagner, etc.). Men bilderna av havet förverkligades mest levande och fullt ut i rysk musik, särskilt i Rimsky-Korsakov (symfonisk bild Sadko, operan med samma namn, Scheherazade-sviten, pausen till andra akten av operan Sagan om Tsar Saltan),

Till skillnad från Rimsky-Korsakovs orkesterverk ställer Debussy i sitt verk inte in handling, utan endast bild- och koloristiska uppgifter. Han försöker med musik förmedla förändringen av ljuseffekter och färger på havet annan tid dag, olika tillstånd i havet - lugnt, upprört och stormigt. I kompositörens uppfattning om havets målningar finns det absolut inga sådana motiv som skulle kunna ge ett skymningsmysterium åt deras färgsättning. Debussy domineras av starkt solljus, fullblodsfärger. Kompositören lockar djärvt och dansrytmer, och en bred episk bild för att förmedla reliefmusikaliska bilder.

I den första delen utspelar sig en bild av havets långsamt lugna uppvaknande i gryningen, de lätt rullande vågorna, bländningen från de första solstrålarna på dem. Orkesterstarten av denna sats är särskilt färgstark, där mot bakgrunden av paukornas "prassel", "droppande" oktaver från två harpor och de "frusna" tremolofiolerna i det höga registret, korta melodiska fraser från oboen framstå som solens bländning på vågorna. Utseendet på en dansrytm bryter inte charmen av fullständig frid och drömmande kontemplation.

Den mest dynamiska delen av verket är den tredje - "Vindens samtal med havet". Från den orörliga, frusna bilden av ett lugnt hav i början av delen, som påminner om den första, utspelar sig en bild av en storm. Debussy använder alla musikaliska medel för dynamisk och intensiv utveckling - melodisk-rytmisk, dynamisk och speciellt orkester.

I början av satsen hörs korta motiv, som utspelar sig i form av en dialog mellan cello med kontrabas och två obo mot en bakgrund av dämpad klang. bas trumma, timpani och tom-tama. Förutom den gradvisa anslutningen av nya grupper av orkestern och en enhetlig ökning av klangen, använder Debussy här principen om rytmisk utveckling: genom att introducera fler och fler nya dansrytmer, mättar han verkets struktur med en flexibel kombination av flera rytmiska mönster.

Slutet av hela kompositionen uppfattas inte bara som ett festande av havselementet, utan som en entusiastisk hymn till havet, solen.

Mycket i bildligt system"Sea", principerna för orkestrering förberedde utseendet på det symfoniska stycket "Iberia" - ett av Debussys mest betydelsefulla och originella verk. Den slår med sin närmaste koppling till det spanska folkets liv, deras sång- och danskultur. På 900-talet vände sig Debussy flera gånger till ämnen relaterade till Spanien: "An Evening in Grenada", preludien "Gate of the Alhambra" och "The Interrupted Serenade". Men "Iberia" är bland de bästa verken av kompositörer som hämtade från den spanska folkmusikens outtömliga vår (Glinka i "Aragonese Jota" och "Nätter i Madrid", Rimsky-Korsakov i "Spanska Capriccio", Bizet i "Carmen", Ravel i "Bolero" och en trio, för att inte tala om de spanska kompositörerna de Falla och Albeniz).

"Iberia" består av tre delar: "På Spaniens gator och vägar", "Nattens dofter" och "Semesterns morgon". Den andra delen avslöjar Debussys favoritbildmålningar av naturen, genomsyrade av en speciell, kryddig doft av den spanska natten, "skrivna" med kompositörens subtila pictorialism, en snabb förändring av flimrande och försvinnande bilder. Den första och tredje delen målar bilder folkliv Spanien. Särskilt färgstark är den tredje delen, som innehåller ett stort antal olika spanska sång- och dansmelodier, som skapar en livlig bild av färgstark musik genom ett snabbt byte av varandra. National dag. Den störste spanske kompositören de Falla sa så här om Iberia: "Byns eko i form av hela verkets huvudmotiv ("Sevillana") verkar fladdra i den klara luften eller i det darrande ljuset. De andalusiska nätternas berusande magi, den festliga publikens livlighet, som dansar till tonerna av ackorden från "gänget" av gitarrister och bandurister ... - allt detta är i en virvelvind i luften, nu närmar sig, flyttar sedan bort, och vår ständigt vakna fantasi förblindas av de mäktiga dygderna hos intensivt uttrycksfull musik med dess rika nyanser.

Det sista decenniet i Debussys liv kännetecknas av oupphörlig kreativ och utövande aktivitet fram till första världskrigets utbrott. Konsertresor som dirigent till Österrike-Ungern gjorde kompositören berömmelse utomlands. Han mottogs särskilt varmt i Ryssland 1913. Konserter i St. Petersburg och Moskva var en stor framgång. Debussys personliga kontakt med många ryska musiker stärkte ytterligare hans anknytning till den ryska musikkulturen.

Början av kriget fick Debussy att stiga i patriotiska känslor. I tryckta uttalanden kallar han sig själv med eftertryck: "Claude Debussy - fransk musiker». Hela raden verken från dessa år är inspirerade av det patriotiska temat: "Heroisk vaggvisa", sången "Christmas of Homeless Children"; i svit för två pianon

Debussy kallas ofta 1900-talsmusikens fader för sin förmåga att förmedla ljudet av varje ackord och tonart på ett nytt sätt. musikalisk talang Debussy var så bred att han tillät sig att bevisa sig själv som en utmärkt artist, dirigent och musikkritiker.

Claude Debussy föddes i den lilla staden Saint-Germain-en-Laye. Claude från barndomen började demonstrera stort musikalisk förmåga. Hans första lärare var hans svärmor berömd poet P. Verlaine Antoinette-Flora Mote, som kallade sig Chopins elev.Under hennes ledning visade pojken otroliga framgångar och vid 11 års ålder skrevs in på konservatoriet i Paris. Student Debussy under flera år arbetade deltid i sommarsäsong hos pianisten N. Von Meck, och undervisade även sina barn i musik. Tack vare detta besökte han Ryssland och genomsyrades av ett arrangemang för verk av kompositörerna av Mighty Handful.

I slutet av 11 års studier presenterade Claude sitt examensarbete - kantaten "Den förlorade sonen", skriven på en biblisk berättelse. Han tilldelades senare det stora romerska priset för henne. Debussy tillbringade de närmaste åren som pristagare i Italien på Villa Medici. Enligt villkoren i kontraktet skulle han göra det musikalisk kreativitet, men kompositören plågades ständigt av djupa inre motsättningar. Eftersom Claude var under huven av akademiska traditioner, försökte han hitta sin musikaliskt språk och stil. Detta orsakade många konflikter och till och med dispyter med lärare.

1894 skrev Claude The Afternoon of a Faun. Detta förspel för stor orkester skapad på grundval av en dikt av S. Malarme, skriven utifrån en mytologisk handling. Denna musik inspirerade S. Diaghilev att iscensätta en balett koreograferad av Nezhinsky. Utan att slutföra det tidigare arbetet satte Debussy igång att skriva tre "Nocturnes" för symfoni orkester. De framfördes första gången i december 1900 i Paris, de två delarna "Moln" och "Celebrations" framfördes och den tredje "Nocturne" kallad "Sirens" presenterades ett år senare.

Debussy förklarade att "moln" personifierade bilden av en orörlig himmel med långsamt svävande moln. "Celebrations" visade atmosfärens dansande rytm, ackompanjerad av blixtar av starkt ljus, och i "Sirens" presenteras bilden av havet, där mitt i månbelysta vågor sirenernas mystiska sång fylls av skratt och försvinner . I detta verk manifesterades tydligt författarens önskan att förkroppsliga verkliga bilder i musik. "Musik är bara den konst som ligger närmast naturen", hävdade Debussy.

På 90-talet av 1800-talet skapade kompositören den enda färdiga operan, Pellas et Mélisande. Den visades i Paris 1902 och hade en god framgång bland allmänheten, även om kritikerna uttryckte ganska negativa bedömningar. Författaren lyckades uppnå en framgångsrik kombination av musikens psykologiska förfining med inspirerad poesi, vilket gjorde det möjligt att skapa en ny stämning för musikaliskt uttryck. 1903 dök den musikaliska cykeln "Prints" upp, där författaren försökte syntetisera musikaliska stilar olika kulturer i världen.

Början av 1900-talet var den mest fruktbara tiden i Debussys verk. Han lämnar gradvis symbolikens fångenskap och går in i genren med vardagsscener och musikaliska porträtt. 1903-1905 skrev Claude det största av sina symfoniska verk, Havet. Han bestämde sig för att skriva detta verk baserat på djupa personliga intryck från att observera det enorma vattenelementet. Dessutom påverkades han återigen av de impressionistiska målarna och den japanska mästaren i träsnittslandskap Hokusai. " Havet behandlade mig väl».

Den storskaliga uppsatsen består av tre delar. Den första "From Dawn Till Noon at Sea" börjar långsamt, sedan börjar träinstrument kalla på varandra och havsvågornas rörelse dyker upp. Vidare, i "Vågornas spel" bevaras den skimrande stämningen, betonad av orkestereffekter och ringande klockor. I den tredje delen av "Dialogue of the Wind and the Sea" visas havet på ett helt annat sätt - stormigt och formidabelt, dess utseende kompletteras av dramatiska bilder som indikerar en dyster och störande stämning.

Namnet Debussy är oskiljaktigt från pianomusik. Han komponerade inte bara vackert utan var också en lysande pianist och fungerade till och med som dirigent. Pianisten M. Long jämförde Debussys spel med Chopins stil, där man gissade om framförandets mjukhet, liksom ljudets fyllighet och täthet.

försökte finna ett starkt samband med nationella musikaliskt ursprung. Detta bekräftades av en serie pianoverk "Gardens in the Rain", "Evening in Granada", "Island of Joy".

Början av 1900-talet präglades av sökandet efter nya icke-traditionella medel musikalisk uttrycksfullhet. Många författare var övertygade om att klassiska och romantiska former hade uttömt sig själva. I ett försök att upptäcka nya medel började kompositörer i allt högre grad vända sig till ursprunget till icke-europeisk musik. Bland de genrer som lockade extra uppmärksamhet Debussy visade sig vara jazz. Det var med hans underkastelse som denna musikaliska riktning blev mycket populär i den gamla världen.

Trots början allvarlig sjukdom, den här gången kom ihåg av Debussys mest aktiva komponerande och framförande aktiviteter. Han deltog i konsertturnéer runt om i Europa och Ryssland.

1908 tillägnade Claude Debussig sviten till sin dotter"Barnhörnan". I detta arbete försökte han representera världen med hjälp av musik genom ett barns ögon, med hjälp av igenkännbara bilder - en leksakselefant, en docka, en liten herde. 1910 och 1913 skapades anteckningsböcker med preludier, där Debussys figurativa värld avslöjas fullt ut för lyssnaren. I "Delphian Dancers" lyckades han hitta en unik kombination av det gamla templets svårighetsgrad och rituell hednisk sensualitet, och i "Sunken Cathedral" ekar motiven av en gammal legend tydligt.

I förspelen presenterar Debussy hela sitt musikvärlden i en kortfattad, koncentrerad form, generaliserar den och säger adjö till den i många avseenden - med dess tidigare system av visuellt-musikaliska korrespondenser. Och sedan, under de sista 5 åren av hans liv, utvidgar hans musik, som blir ännu mer komplicerad, genrehorisonter, någon form av nervös, nyckfull ironi börjar kännas i den. Ökat intresse för scengenrer. Dessa är baletter ("Kamma", "Spel", iscensatt av V. Nijinsky och S. Diaghilevs trupp 1912, och en marionettbalett för barn "A Box with Toys", 1913), musik för italienarens mysterium futuristen G. d'Annunzio "The Martyrdom of the Saint Sebastian" (1911). Ballerinan Ida Rubinshtein, koreografen M. Fokin, konstnären L. Bakst deltog i framställningen av mysteriet.

Under första världskriget började författarens kreativa aktivitet minska, han omfamnades av djupa patriotiska känslor. Han satte sig själv i uppgift att glorifiera skönhet i trots av krigets massiva förstörelse. Detta tema kan spåras i ett antal verk - "Ode till Frankrike", "Heroisk vaggvisa", "Jul för hemlösa barn".

Claude var extremt deprimerad av allt som hände i landet. Krigets, blodets och förstörelsens fasa orsakade djup andlig oro. Den svåra sjukdom som drabbade kompositören 1915 förstärkte den svåra verklighetsuppfattningen. Fram till sina sista dagar var Debussy musiken trogen och stoppade inte kreativa sökande. Kompositören dog i Paris den 26 mars 1918 under bombardementet av staden av tyska trupper.