ศิลปะการมองไกลแบบญี่ปุ่น สาวช่างฝีมือ

ฮิเมจิเป็นหนึ่งในปราสาทที่เก่าแก่ที่สุดในญี่ปุ่น

ศิลปะญี่ปุ่นสมัยโบราณ
วัฒนธรรมญี่ปุ่นเป็นรูปเป็นร่างและพัฒนาในสภาพธรรมชาติและประวัติศาสตร์ที่พิเศษ ญี่ปุ่นตั้งอยู่บนเกาะขนาดใหญ่ 4 เกาะและเกาะเล็กเกาะน้อยมากมายที่ถูกน้ำทะเลพัดพา เมื่ออยู่สุดขอบตะวันออก เธอได้สัมผัสอิทธิพลที่เพิ่มขึ้นเป็นระยะๆ แล้วก็จางหายไปอีกครั้งของวัฒนธรรมแผ่นดินใหญ่ เช่น จีนและเกาหลี ช่วงเวลาของการมีปฏิสัมพันธ์กับโลกภายนอกถูกแทนที่ด้วยประวัติศาสตร์ญี่ปุ่นด้วยความโดดเดี่ยวทางวัฒนธรรมอันยาวนานหลายศตวรรษ (ช่วงตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ถึง 14 และตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ถึงกลางศตวรรษที่ 19) สถานการณ์หลังนี้มีส่วนทำให้เกิดการพัฒนาและการรวมคุณลักษณะเฉพาะหลายอย่างเข้าด้วยกัน วัฒนธรรมญี่ปุ่นโดยทั่วไปและโดยเฉพาะอย่างยิ่งศิลปะ ความคุ้นเคยกับวัฒนธรรมตะวันตกเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 16 เมื่อลักษณะสำคัญของอารยธรรมญี่ปุ่นดั้งเดิมได้ก่อตัวขึ้นแล้ว จนถึงปี 1854 ญี่ปุ่นค้าขายกับจีนและฮอลแลนด์ผ่านท่าเรือเพียงแห่งเดียว

จากผู้อาศัยในสมัยโบราณของเกาะญี่ปุ่น - นักล่าและชาวประมง - ขวานหิน ฉมวก หัวลูกศร และภาชนะเซรามิกที่แกะสลักด้วยมือซึ่งค้นพบจากการขุดค้นทางโบราณคดี ซึ่งได้รับชื่อนี้เนื่องจากลวดลาย "โจมง" ที่ประทับอยู่บนสิ่งเหล่านั้น หมายถึง “รอยเชือก” ดังนั้นวัฒนธรรมยุคหินใหม่ในญี่ปุ่นจึงเรียกอีกอย่างว่า Jomon ผู้ตั้งถิ่นฐานที่มาจากไซบีเรีย โพลินีเซีย และต่อมาจากเกาหลีและจีนยืนอยู่ในระดับที่แตกต่างกัน การพัฒนาวัฒนธรรม. สิ่งนี้อธิบายความจริงที่ว่าอนุสาวรีย์ของทั้งยุคหินใหม่และยุคสำริดนั้นพบได้ในชั้นวัฒนธรรมบางแห่ง ภาษาญี่ปุ่นใกล้เคียงกับภาษาในกลุ่มอัลไตอิก เมื่อเป็นผลมาจากการติดต่อกับ วัฒนธรรมจีนโอ้ ชาวญี่ปุ่นคุ้นเคยกับการเขียนอักษรอียิปต์โบราณ การปรับอักษรอียิปต์โบราณเพื่อถ่ายทอดคำพูดภาษาญี่ปุ่นด้วยปากเปล่าเป็นเรื่องยากมาก

ยุคเริ่มต้นของวัฒนธรรมญี่ปุ่นซึ่งมีการเก็บรักษาข้อมูลที่เชื่อถือได้เรียกว่ายุคของ kofuns (เนินดิน) - การฝังศพส่วนพื้นดินซึ่งเป็นเนินดินที่มีรูปร่างลักษณะเฉพาะ - การรวมกันของวงกลมและสี่เหลี่ยมคางหมู คล้ายรูกุญแจซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของการรวมตัวของดินและน้ำ พวกมันมีขนาดใหญ่ล้อมรอบด้วยคูน้ำคู่หญ้าขึ้นเหนือเนินดินและตามขอบด้านในของเนินมีรูปปั้นดินเหนียวของคนสัตว์แบบจำลองเรือและบ้านจาก 30 ซม. ถึงหนึ่งหลัง และสูงเมตรครึ่ง พวกเขาถูกเรียกว่า "ฮานิวะ" ภายในห้องฝังศพมีโลงศพที่มีตัวแทนคนตายของขุนนางซึ่งวางวัตถุพิธีกรรม: กระจก, ระฆัง dotaku ซึ่งเสียงควรจะไล่วิญญาณชั่วร้ายออกไปและดึงดูดเทพเจ้า - ผู้อุปถัมภ์ของไถพรวน ที่ฝังศพของกษัตริย์ยามาโตะมักมีสัญลักษณ์แห่งอำนาจ เช่น จี้หยกและดาบ เพื่อเชิดชูกษัตริย์ของตระกูลยามาโตะ จุดเริ่มต้นของประวัติศาสตร์ได้ถูกกำหนดขึ้น ลำดับชั้นของเหล่าทวยเทพถูกกำหนดขึ้น เทพอามาเทราสุ (“ส่องแสงจากสวรรค์”) ถูกแยกออก ซึ่งได้ถ่ายโอนอำนาจเหนือ เกาะญี่ปุ่นราชาแห่งตระกูลยามาโตะ ชื่อ "นิปปอน" หรือ "นิฮง" ซึ่งแปลว่า "ดินแดนอาทิตย์อุทัย" ปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 7 ในปี ค.ศ. 608 การเดินทางไปศึกษาในประเทศจีนได้เริ่มต้นขึ้น ซึ่งกินเวลากว่าสองศตวรรษ

Dotaku - ระฆังสำริดพิธีกรรม - ทรงกระบอกแคบไปด้านบนมีห่วงกว้างพร้อมหิ้งโค้งผนังซึ่งแบ่งออกเป็นช่องสี่เหลี่ยมที่เต็มไปด้วยภาพกราฟิก

ความเชื่อที่แตกต่างกันของชาวญี่ปุ่นซึ่งมีคุณลักษณะหลายอย่างของความเชื่อเรื่องผีดั้งเดิมและความเชื่อเรื่องเครื่องรางสะท้อนให้เห็นในชินโต ชินโต ("วิถีแห่งทวยเทพ") โดยเนื้อแท้แล้วสะท้อนแนวคิดของญี่ปุ่นเกี่ยวกับจิตวิญญาณสากลของธรรมชาติ มีสิ่งที่เรียกว่า "คามิ" (วิญญาณ) จำนวนนับไม่ถ้วนมีอยู่ทั้งในวัตถุภูมิทัศน์ที่น่าอัศจรรย์ เช่น ทะเลสาบบิวะและภูเขาไฟฟูจิ และในวัตถุที่สร้างขึ้นโดยผู้คน เช่น ดาบ กระจก ซึ่งได้รับพรจากสิ่งนี้ คุณสมบัติมหัศจรรย์. ศาลเจ้าชินโตมีความโดดเด่นด้วยความเรียบง่ายของโครงสร้างไม้: ห้องโถงเดี่ยววางอยู่บนไม้ค้ำถ่อ ล้อมรอบทุกด้านด้วยเฉลียง ภายในศาลเจ้าชินโตมืดสลัวและว่างเปล่า ผู้ศรัทธาไม่ได้เข้าวัด

ช่วงเวลา Para (ค.ศ. 645-794)

นาราเป็นชื่อเมืองหลวงแห่งแรกและเมืองเดียวของญี่ปุ่นในขณะนั้น นี่เป็นช่วงเวลาของการก่อตั้งรัฐของญี่ปุ่น การแนะนำของศาสนาพุทธ และการสร้างอนุสรณ์สถานทางพุทธศาสนา เช่น วัด เจดีย์ รูปปั้นต่างๆ ของเทพเจ้าทางพุทธศาสนา พระพุทธศาสนาในช่วงเวลาดังกล่าวยังไม่เป็นที่เลื่อมใสศรัทธาของประชาชนมากนักตามนโยบายของราชสำนัก นิกายต่าง ๆ ของศาสนาพุทธมีบทบาทสำคัญมากในราชสำนัก การถือครองที่ดินของวัดพุทธเพิ่มขึ้น พระสงฆ์มีอิทธิพลอย่างมากในราชสำนัก ปรากฏพุทธสถานซึ่งเป็นกลุ่มอาคารไม้ตั้งอยู่บนพื้นที่กำแพงแก้วเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า สิ่งสำคัญเป็นพิเศษคือตรอกกว้างที่นำไปสู่ประตูหน้า จัตุรัสหน้าวัด และเจดีย์หลายชั้นที่มองเห็นได้จากระยะไกล วัดไม้ทาด้วยแล็คเกอร์สีแดง ยกสูงบนฐานหิน และมีหลังคาสองชั้นโค้งกว้างที่เรียกว่าอิริโมยะ

ในบรรดาวัดพุทธยุคแรกๆ ได้แก่ อาสุกะเดระ วัดโฮริวจิ การก่อสร้างหลังนี้เริ่มขึ้นในปี 607 ตามคำสั่งของมกุฎราชกุมารโชโตกุ ไทชิ ซึ่งปกครองในขณะนั้น อารามประกอบด้วยอาคาร 53 หลังตั้งอยู่บนพื้นที่ 90,000 ตารางเมตร ม. ด้านหน้าของวัดหันไปทางทิศใต้ อาคารหลักตั้งอยู่บนแกนทิศเหนือ-ใต้ โซนศักดิ์สิทธิ์อยู่ทางทิศเหนือ มีห้องโถงสำหรับเทศน์ - โคโด คอนโดะ และเจดีย์ห้าชั้น ในโฮริวจิมีรูปปั้น 265 รูป รูปประติมากรรมหลักคือตรีเอกานุภาพของศากยมุนี ซึ่งแสดงโดยประติมากรรมของผู้ก่อตั้งลัทธิ พร้อมด้วยพระโพธิสัตว์สององค์ ในศตวรรษที่ 8 ในอารามขนาดใหญ่มีการประชุมเชิงปฏิบัติการของประติมากรอยู่แล้ว ลัทธิของพระโพธิสัตว์ Kannon แพร่กระจายซึ่งมีชื่อแปลจากภาษาสันสกฤตชื่อ Avalokiteshvara (Attention to the sound of the world) พระโพธิสัตว์เปี่ยมด้วยความเมตตากรุณาต่อสรรพสัตว์สามารถฟังเสียงของผู้ที่ตกทุกข์ได้ยากไม่ว่าจะอยู่ที่ใด ลัทธิพระอวโลกิเตศวรมีต้นกำเนิดในอินเดียตะวันตกเฉียงเหนือและแพร่กระจายไปยังจีน ในสัทธรรมปุณฑริกสูตร กล่าวไว้ว่า พระโพธิสัตว์รับร่างของสิ่งมีชีวิตเหล่านั้นที่เรียกหาพระองค์ ในญี่ปุ่นการแพร่กระจายของลัทธิ Kannon ทำให้เกิดภาพของเธอจำนวนมาก - นักบุญ Kannon ช่วยเหลือในนรก Kannon ที่มีหัวเป็นม้าแผ่ความเมตตาต่อปศุสัตว์วิญญาณชั่วร้าย - Asuras ได้รับการช่วยชีวิตโดยคนนับพัน Kannon ติดอาวุธ Kannon กับป่าประมงช่วยชีวิตผู้คน

ยุคเฮอัน (794-1185)

ในปี 794 เมืองหลวงของรัฐถูกย้ายไปยังเมืองเฮอัน (ปัจจุบันคือเกียวโต) ในช่วงสมัยเฮอัน วัฒนธรรมในราชสำนักอันซับซ้อนได้เฟื่องฟู มีการสร้างพยางค์ภาษาญี่ปุ่น - คานะ (ญี่ปุ่น - อักษรอียิปต์โบราณที่ยืมมา) ในตอนแรกมีเพียงผู้หญิงเท่านั้นที่ใช้สคริปต์นี้ ในขณะที่สคริปต์อย่างเป็นทางการยังคงเป็นภาษาจีน ในช่วงศตวรรษที่ X การเขียนของผู้หญิงเริ่มถูกนำมาใช้ในการปฏิบัติส่วนตัว ในศตวรรษที่สิบเอ็ด ความรุ่งเรืองของวรรณกรรมคลาสสิกของญี่ปุ่นเริ่มต้นขึ้น ตัวอย่างที่ยอดเยี่ยมของมันคือนวนิยายเรื่อง "Genji Monogatari" ซึ่งสร้างโดย Murasaki Shikibu สตรีในราชสำนัก

ในศิลปะเฮอัน สถานที่หลักถูกครอบครองโดยพระพุทธรูปของนิกายลึกลับ เทนไดและชิงงน ที่มาจากประเทศจีนในเวลานั้น ซึ่งสอนว่าสิ่งมีชีวิตทั้งหมดมีแก่นแท้ของพระพุทธเจ้า ด้วยการฝึกฝนจิตวิญญาณและร่างกาย โดยการปฏิบัติตามคำปฏิญาณ ทุกคนสามารถได้รับแก่นแท้ของพระพุทธเจ้าในกระบวนการเกิดใหม่หลายครั้ง วัดของนิกายเหล่านี้สร้างขึ้นบนยอดเขาและหิ้งหิน โบสถ์ในนั้นแบ่งออกเป็นสองส่วน ภายในซึ่งเป็นที่ประดิษฐานรูปศักดิ์สิทธิ์ ไม่อนุญาตให้ผู้ศรัทธาทั่วไปเข้าไป

ยุคเฮอันเป็นช่วงเวลาแห่งความหรูหราสำหรับวงการการปกครอง ในเวลานี้ ประเภทของที่อยู่อาศัยชินเดนถูกสร้างขึ้น กำแพงและสภาพอากาศที่อบอุ่นไม่ใช่เมืองหลวงและไม่มีค่าอ้างอิง พวกมันสามารถแยกออกจากกันได้ง่ายมาก แทนที่ด้วยอันที่ทนทานกว่าสำหรับสภาพอากาศหนาวเย็น หรือถอดออกพร้อมกันในสภาพอากาศอบอุ่น นอกจากนี้ยังไม่มีหน้าต่าง แทนที่จะใช้กระจก กระดาษสีขาวถูกขึงไว้เหนือโครงขัดแตะ ทำให้แสงสลัวๆ ส่องเข้ามาในห้อง บัวกว้างของหลังคาป้องกันผนังจากความชื้นและแสงแดด ภายในปราศจากเฟอร์นิเจอร์ถาวรมีผนังกั้นแบบเลื่อนได้ซึ่งเป็นไปได้ที่จะสร้างได้ตามต้องการไม่ว่าจะเป็นห้องโถงหรือห้องแยกเล็ก ๆ หลายห้องพื้นปูด้วยเสื่อฟาง - เสื่อทาทามิขนาดเท่ากัน (180 คูณ 90 ซม.).

ตำราของขงจื๊อและศาสนาพุทธถูกนำมาจากจีนในสมัยเฮอัน บ่อยครั้งที่พวกเขาตกแต่งด้วยภาพ ในขั้นต้นศิลปินชาวญี่ปุ่นคัดลอก "สถานที่ที่มีชื่อเสียง" ของจีน แต่เริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 หันไปทางภาพทิวทัศน์และประเพณี ประเทศบ้านเกิด. ภาพวาด “ยามาโตะ-เอะ” ได้รับการออกแบบให้แตกต่างจากภาพวาดจีน โดยใช้รูปแบบจากบทกวี เรื่องสั้น นวนิยายของญี่ปุ่น หรือจาก ตำนานพื้นบ้าน. ภาพวาดได้ชื่อมาจากชื่อของภูมิภาคยามาโตะ - ทางตะวันตกเฉียงใต้ของเกาะฮอนชูซึ่งเป็นที่ตั้งรัฐของญี่ปุ่น
รูปภาพมักจะแสดงภาพเลื่อนพร้อมข้อความที่เกี่ยวข้อง ซึ่งถ่ายด้วยมือและหมุนจากขวาไปซ้าย ขณะที่อ่านส่วนที่เกี่ยวข้อง จะพิจารณาภาพประกอบที่ตามมา

ภาพวาด Yamato-e ถึงจุดสูงสุดในช่วงปลายยุคเฮอัน ในเวลานี้ศิลปินมืออาชีพที่วาดภาพเรื่องฆราวาสบนหน้าจอฉากกั้นเลื่อน (โชจิ) และม้วนกระดาษ - emakimono ม้วนหนังสือที่เก่าแก่ที่สุดคือ Genji Monogatari หนังสือม้วน Emakimano เป็นนิทานภาพ ม้วนหนังสือของ "Genji-monogatari-emaki" ซึ่งเป็นนวนิยายที่มีชื่อเสียงของ Murasaki Shikibu มีชีวิตรอดมาจนถึงทุกวันนี้ โดยพรรณนาถึงชีวิตว่างๆ ของชนชั้นสูงด้วยสีสันที่สดใส เป็นการสังเคราะห์งานประดิษฐ์ตัวอักษร วรรณกรรม และภาพวาด ใน 19 บทที่เหลือจาก 54 บทของนวนิยายเรื่องนี้ ไม่มีโครงเรื่องเดียวและผ่านการกระทำในภาพประกอบ ฉากที่ปรากฎส่วนใหญ่เกิดขึ้นในการตกแต่งภายในทุกอย่างที่มองเห็นได้จากด้านบนไม่มีเส้นที่หายไปแม้แต่เส้นเดียวการโต้ตอบขนาดใหญ่ของตัวเลขและสถาปัตยกรรมใบหน้าของตัวละครทั้งหมดเหมือนกันทรงผมและเสื้อผ้าเท่านั้นที่แตกต่างกัน . หัวข้อหลักของความสนใจของศิลปินคือการถ่ายทอดเนื้อหาทางอารมณ์ของเหตุการณ์ที่เกิดขึ้นในนวนิยายซึ่งทุกคนรู้จักกันดี เทคนิคหลักคือการสร้างพื้นที่และการใช้สีที่เป็นไปได้ เพื่อถ่ายทอดสภาพภายในของตัวละครและบรรยากาศของแต่ละฉาก เป็นสิ่งสำคัญสำหรับศิลปินที่มุมใดที่สัมพันธ์กับขอบล่างของม้วนกระดาษที่มีเส้นทแยงมุมซึ่งแสดงถึงคานของโครงสร้างหรือบัว ของผ้าม่านหรือขอบเฉลียง มุมนี้แตกต่างกันไปตามระดับของความตึงเครียดทางอารมณ์ ตั้งแต่ 30 ถึง 54 องศา

พระโพธิสัตว์ - Kannon ปรากฏในจีน เกาหลี และญี่ปุ่น ส่วนใหญ่อยู่ในรูปสตรี ถือเหยือก กิ่งวิลโลว์ และบ่วงบาศ

ในบ้านของขุนนางไม่มีฉากกั้นบนหน้าจอและผ้าม่าน ศิลปินที่ดีที่สุดวาดภาพยามาโตะ-เอะ ภาพวาด Yamato-e เป็นหนึ่งเดียวกับ งานวรรณกรรมซึ่งวางอยู่บนหน้าจอและผ้าม่านด้วย ในกวีนิพนธ์ของศตวรรษที่ X-XIII โองการที่เขียนบนหน้าจอของศตวรรษที่ 9-10 ไม่ใช่เรื่องแปลก จำนวนบทกวีดังกล่าวมีอยู่ในกวีนิพนธ์ "Sui-shu" มากที่สุด เช่นเดียวกับบทกวีเกี่ยวกับฤดูกาลทั้งสี่ การวาดภาพสำหรับหน้าจอก็เช่นกัน สอดคล้องกับเพลงพื้นบ้าน ระบบบทกวีบางระบบได้พัฒนาขึ้น และต่อมาได้กลายเป็นพื้นฐานของกวีนิพนธ์คลาสสิกของญี่ปุ่น ดังนั้นสัญลักษณ์ของฤดูใบไม้ผลิจึงเป็นหมอกควัน, ต้นวิลโลว์, สัญญาณของฤดูร้อน - นกกาเหว่า, จักจั่น, ฤดูใบไม้ร่วง - ใบเมเปิ้ลสีแดง, กวาง, ดวงจันทร์, ฤดูหนาว - หิมะและดอกพลัม

เกียวโตเป็นอัญมณีโบราณของญี่ปุ่น

การมีคำพ้องเสียงมากมายในภาษาทำให้สามารถให้ความหมายได้หลายข้อ ธีมและโครงเรื่องทำให้เป็นไปได้ ผ่านรายละเอียดหรือคำใบ้ ในรูปแบบบทกวีที่กระชับอย่างยิ่ง (31 พยางค์ต่อบท) เพื่อแสดงออกถึงความหลากหลายของสถานะทางอารมณ์ทั้งหมด มีการเปลี่ยนแปลงทีละน้อยจากหน้าจอที่มีข้อความเป็นหน้าจอที่ไม่มีข้อความ นี่คือการพัฒนาการแบ่งประเภทของภาพที่เกิดขึ้นจริง - ชิกิเอะ (“ภาพของสี่ฤดูกาล”) และ เหมย-เซ-อี(“ภาพสถานที่ที่มีชื่อเสียง”)
องค์ประกอบของภาพวาดดังกล่าวไม่สอดคล้องกับประเภทใดของจิตรกรรมจีน การผสมผสานที่ยิ่งใหญ่ที่สุดระหว่างธรรมชาติและมนุษย์จะกลายเป็นลักษณะเฉพาะของศิลปะญี่ปุ่นประเภทต่างๆ

สมัยคามาคุระ (1185-1333) และสมัยมูโรมาจิ (1333-1568)

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 12 เมืองหลวงถูกย้ายอีกครั้ง อำนาจในประเทศอันเป็นผลมาจากการปะทะกันทางเลือดถูกยึดโดยกลุ่มมินาโมโตะซึ่งหัวหน้าย้ายเมืองหลวงไปยังที่ตั้งถิ่นฐานของคามาคุระซึ่งชื่อกลายเป็นชื่อของ ขั้นตอนต่อไปในประวัติศาสตร์ของญี่ปุ่น ชนชั้นทหารของซามูไรเข้ามามีอำนาจในประเทศซึ่งมาจากโชกุน - ผู้ปกครองทางทหารที่แท้จริงของญี่ปุ่นจักรพรรดิซึ่งยังคงอยู่ในนารายังคงรักษาคุณลักษณะอำนาจเพียงเล็กน้อยเท่านั้น ความซับซ้อนของวัฒนธรรมในราชสำนักของซามูไรต้องการความเรียบง่าย อารามของนิกายเซนไม่มีเจดีย์อีกต่อไป วัดมีลักษณะคล้ายกระท่อมในชนบท ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่สิบสาม ภายใต้อิทธิพลของแนวคิดเรื่องพระเจ้าในศาสนาพุทธของนิกายเซน ภูมิทัศน์เริ่มรวบรวมแนวคิดเรื่องการปรากฏตัวของเทพเจ้าทางพุทธศาสนาในวัตถุภูมิทัศน์ใดๆ ในอารามของคามาคุระการยึดถือภาพบุคคลของพระสังฆราชมินสค์ได้รับการพัฒนา: ท่านั่งและสงบพร้อมลักษณะเน้นของใบหน้าพลังสะกดจิตของการจ้องมอง ภายใต้อิทธิพลของนิกายเซ็น ประติมากรรมถูกผลักไสให้อยู่ในพื้นหลัง ภาพวาด โดยเฉพาะการวาดภาพทิวทัศน์ แสดงออกถึงทัศนคติของผู้คนในยุคนี้

ยุคมุโรมาจิเริ่มต้นด้วยเหตุการณ์ในปี 1333 เมื่อขุนนางศักดินาในภูมิภาคตะวันออกเฉียงใต้ของเกาะฮอนชูยึดและเผาเมืองคามาคุระ ส่งคืนเมืองหลวงให้กับเฮอัน เป็นช่วงเวลาแห่งความขัดแย้งภายในและสงครามของกลุ่มศักดินา นำไปสู่ช่วงเวลาแห่งปัญหาคือคำสอนของผู้นับถือนิกายเซนที่บรรลุความเป็นหนึ่งเดียวกับธรรมชาติแล้วเราสามารถตกลงกับความยากลำบากของชีวิตและบรรลุความเป็นหนึ่งเดียวกับโลก ที่หนึ่งใน ศิลป์ญี่ปุ่นภายใต้อิทธิพลของคำสอนของเซนที่ว่า "ร่างกาย" ของพระพุทธเจ้าคือธรรมชาติ การวาดภาพทิวทัศน์มาก่อน ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบสอง ภาพวาดด้วยหมึกดำจากจีนเข้าสู่ญี่ปุ่น ชาวญี่ปุ่นที่ฝึกฝนการวาดภาพดังกล่าวเป็นส่วนใหญ่เป็นสมาชิกของนิกายเซน พวกเขาสร้างรูปแบบใหม่ที่อธิบายลัทธิใหม่ (shigaku - การผสมผสานระหว่างภาพวาดและบทกวี) คริสต์ศตวรรษที่ 15 และ 16 - ช่วงเวลาที่การวาดภาพด้วยหมึกเฟื่องฟูสูงสุด ปรมาจารย์ชั้นนำคือ Sesshu Toyo (1420-1506) ควบคู่ไปกับสไตล์นี้ สไตล์ yamato-e ก็มีอยู่เช่นกัน

การเปลี่ยนแปลงความสัมพันธ์ทางสังคมและการเมืองซึ่งนำชนชั้นทหารไปสู่เบื้องหน้าก็นำไปสู่การปรากฏตัวในศตวรรษที่ 16 รูปแบบสถาปัตยกรรม"เซิน". ปริมาตรเดียวของบ้านก่อนหน้านี้ถูกแบ่งออกด้วยความช่วยเหลือของประตูบานเลื่อน (โชจิ) ฉากกั้นแบบเลื่อน (ฟุสุมะ) ในห้องมีสถานที่พิเศษสำหรับชั้นเรียน - ชั้นวางหนังสือและหน้าต่างที่มีขอบหน้าต่างกว้างและช่อง (โทโคโนมะ) ที่วางช่อดอกไม้หรือหินรูปร่างแปลก ๆ และเลื่อนแนวตั้ง

ในศตวรรษที่สิบหก ในประวัติศาสตร์ของสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น ศาลาชงชาปรากฏขึ้นเนื่องจากความจำเป็นในการทำพิธีชงชาที่ถูกต้อง ชาถูกนำไปยังญี่ปุ่นในสมัยคามาคุระโดยพระสงฆ์เพื่อเป็นยา พิธีชงชา (ชะ-โนะ-ยุ) ได้รับการแนะนำตามความคิดริเริ่มของพระนิกายเซน มุราตะ ชูโกะ และต้องใช้วิธีพิเศษในการนำไปปฏิบัติ มันจึงเกิดขึ้น ชนิดใหม่โครงสร้างทางสถาปัตยกรรม - ชาชิทสึ (ศาลาสำหรับพิธีชงชา) ในพื้นฐานเชิงสร้างสรรค์นั้นอยู่ใกล้กับอาคารที่พักอาศัย และในการทำงาน - ไปยังวัดพุทธ ฐานของศาลาน้ำชาทำด้วยไม้ เพดานทำด้วยไม้ไผ่หรือไม้อ้อ ภายในกระท่อมปูด้วยเสื่อ 1.5 หรือ 2 เสื่อทาทามิพร้อมผนังอิฐ หน้าต่างบานเล็กหลายระดับ ช่องโทโคโนมะที่มีภูมิทัศน์สีเดียวที่แขวนอยู่ และดอกไม้ในแจกัน มีเตาไฟ ชั้นวางเครื่องใช้

ในสมัยมุโรมาจิ ศิลปะการจัดสวนได้เฟื่องฟู สวนญี่ปุ่นมีความแตกต่าง สวนขนาดเล็กมักตั้งอยู่ที่วัดหรือเกี่ยวข้องกับบ้านแบบดั้งเดิม สวนเหล่านี้ได้รับการออกแบบมาให้รับชมได้ สวนภูมิทัศน์ขนาดใหญ่ได้รับการออกแบบให้มองเห็นได้จากภายใน

คอนโดะ - (jap. โถงทอง) - วัดหลักพุทธสถานที่มีรูปเคารพ รูปปั้น ภาพวาดฝาผนัง

สวนวัดเซนถูกสร้างขึ้นตามหลักการของภาพทิวทัศน์แบบขาวดำ แทนที่จะใช้แผ่นกระดาษ ศิลปินใช้พื้นที่กว้างใหญ่ของทะเลสาบหรือแท่นที่ปูด้วยก้อนกรวด แทนที่จะใช้คราบสกปรกและการชะล้างของหินหนาๆ มอส ใบไม้ของต้นไม้และพุ่มไม้ ดอกไม้ค่อยๆ หายไปจากสวน พวกเขาถูกแทนที่ด้วยมอสและพุ่มไม้ หินเริ่มถูกนำมาใช้แทนสะพาน สวนบางแห่งมีภูมิประเทศเป็นเนินเขา (ทสึกิยามะ) สวนสึกิยามะเป็นการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบทางธรรมชาติ เช่น หิน มอส ต้นไม้ สระน้ำ โดยมีศาลาบังคับอยู่บนชายฝั่ง สวนภูมิทัศน์ที่เก่าแก่ที่สุดตั้งอยู่ในเกียวโตและเป็นของวัดโซโฮจิ สวนแห้งเรียกว่า "ฮิรานิวะ" เช่น แบน. Hiraniva เป็นสวน "ปรัชญา" ในขณะที่เขาต้องการจินตนาการที่พัฒนาแล้วจากผู้ชม สวนฮิระนิวะ “เหลือแต่หิน ทราย ก้อนกรวด ปิดสามด้านด้วยกำแพงที่ล้อมรอบ สวนนี้มีไว้สำหรับการทำสมาธิเท่านั้น ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบห้า ได้สร้างสวนแห้งที่มีชื่อเสียงที่สุดแห่งหนึ่งในวัดเรียวอันจิ ประกอบด้วยหิน 15 ก้อนที่ตั้งอยู่บนพื้นที่กรวดสี่เหลี่ยม ในสวนฮิระนิวะของอาราม Daitokuji ที่สร้างขึ้นในปี 1509 ธรรมชาติมีส่วนประกอบของหินและก้อนกรวด ส่วนหนึ่งของสวนถูกเรียกว่า "มหาสมุทรแห่งความว่างเปล่า" และประกอบด้วยเนินกรวดเตี้ยๆ สองลูกที่อยู่ตรงกลางพื้นที่สี่เหลี่ยม สวนสามารถเติมเต็มซึ่งกันและกัน

ในตอนท้ายของศตวรรษที่สิบห้า โรงเรียนศาลแห่งการวาดภาพตกแต่ง Kano ก่อตั้งขึ้น ผู้ก่อตั้งโรงเรียน Kano Masanobu (1434-1530) มาจากชั้นเรียนทางทหารและกลายเป็นศิลปินมืออาชีพในราชสำนักที่เป็นที่ยอมรับ ทิวทัศน์ของเขามีเพียงฉากหน้า ส่วนอย่างอื่นปกคลุมไปด้วยหมอกควัน การเน้นเรื่องใดเรื่องหนึ่งของภาพจะกลายเป็นลักษณะเฉพาะของโรงเรียน Kano สถานที่หลักในการทำงานของศิลปินของโรงเรียน Kano ถูกครอบครองโดยภาพวาดฝาผนังตกแต่งและหน้าจอที่มีการวาดภาพประเภท จิตรกรรมฝาผนังได้กลายเป็นองค์ประกอบหลักของการสังเคราะห์ด้วยรูปแบบทางสถาปัตยกรรมและวิธีการที่มีอิทธิพลต่อความหมายโดยนัยของพื้นที่ทางสถาปัตยกรรม ในทางกลับกัน ลักษณะของรูปแบบทางสถาปัตยกรรมจำเป็นต้องมีลักษณะโวหารบางอย่างของภาพวาด ซึ่งเป็นเหตุผลว่าทำไมจึงค่อย ๆ ก่อร่างสร้างศีลโวหารใหม่ขึ้น ซึ่งได้รับการเก็บรักษาไว้ในภาพวาดญี่ปุ่นจนถึงศตวรรษที่ 19

Shinden เป็นอาคารที่อยู่อาศัยประเภทหนึ่ง แผนผังเป็นรูปสี่เหลี่ยมผืนผ้า อาคารหลักที่มีโถงเดียว หันหน้าไปทางจัตุรัสด้วยส่วนหน้าด้านทิศใต้ และล้อมรอบด้วยแกลเลอรีจากทิศตะวันออกและทิศตะวันตก

สมัยโมโมยามะ (1X73-1614)

และคราวนี้ยุคของสงครามศักดินาสิ้นสุดลง อำนาจในประเทศได้ส่งผ่านไปยังเผด็จการทหารที่สืบทอดต่อกันมา ได้แก่ โอดะ โนบุนางะ โทโยโทมิ ฮิเดโยชิ และอิยาเอสุ โทคุกาวะ มันเป็นช่วงเวลาแห่งการเติบโตของเมือง ความเป็นฆราวาสนิยมและความเป็นประชาธิปไตยของวัฒนธรรม การแทรกซึมของค่านิยมใหม่ สถาปัตยกรรมลัทธิได้สูญเสียความสำคัญในอดีต ผู้ปกครองคนใหม่ของญี่ปุ่นประกาศอำนาจของพวกเขาด้วยการสร้างปราสาทที่ยิ่งใหญ่ การก่อสร้างเกิดจากการปรากฏตัวของอาวุธปืนในญี่ปุ่นและการเปลี่ยนแปลงกลยุทธ์การต่อสู้และการป้องกันที่สอดคล้องกัน ปราสาทได้กลายเป็นสถาปัตยกรรมญี่ปุ่นรูปแบบใหม่โดยพื้นฐาน อาณาเขตของปราสาทที่ตั้งอยู่แบบไม่สมมาตร ล้อมรอบด้วยคูน้ำและป้อมยามและหอคอยมุม รวมถึงจัตุรัสกลาง ลานกว้าง ห้องต่างๆ ที่หลบภัยใต้ดินและทางเดิน ห้องนั่งเล่นตั้งอยู่ในอาคารไม้ที่ตั้งอยู่ในอาณาเขตของปราสาทโดยมีลำดับชั้นที่เข้มงวดของพื้นที่ภายในซึ่งสะท้อนถึงลำดับชั้นทางสังคม การตกแต่งภายในของปราสาทที่ปกคลุมไปด้วยแสงสนธยาเหมาะที่สุดสำหรับการตกแต่งผนังด้วยภาพวาดขนาดมหึมาที่เต็มไปด้วยสีสันที่สดใสบนพื้นหลังสีทอง

คาโนะ เออิโทคุ (1543-1590) ผู้สร้างสรรค์ภาพจิตรกรรมฝาผนังรูปแบบใหม่เพื่อเชิดชูเผด็จการทหาร ขั้นแรกเขาพัฒนาหลักการขององค์ประกอบเดียวบนพื้นผิวแนวนอนขนาดใหญ่ ขยายรูปแบบ ละทิ้ง ชิ้นส่วนขนาดเล็กเพื่อถ่ายทอดไม่เพียงแค่เงาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงไดนามิกของรูปร่างด้วย Eitoku โดดเด่นด้วยความปรารถนาที่จะเพิ่มความเรียบของภาพเพื่อเพิ่มคุณภาพการตกแต่ง ดังนั้นในสถานที่ที่เป็นสัญลักษณ์ของพื้นที่ว่างจึงมีจุดที่มีส่วนผสมของผงทอง ช่องว่างขององค์ประกอบไม่ได้แผ่ออกไปในเชิงลึก แต่ตามการจ้องมอง
ในปี ค.ศ. 1576 บนชายฝั่งของทะเลสาบบิวะ มีการสร้างปราสาทที่ไม่มีใครรู้จักมาก่อนด้วยหอคอยสูงเจ็ดชั้นขนาดมหึมา ซึ่งควรจะแสดงให้เห็นถึงอำนาจของจอมเผด็จการโอดะ โนบุนางะ คุณลักษณะของปราสาทคือการปรากฏตัวของเจ้าหน้าที่ไม่เพียง แต่ยังมีห้องส่วนตัว การตกแต่งหลักของห้องคือภาพวาดฝาผนังซึ่งได้รับมอบหมายให้ดำเนินการโดย Kano Eitoku ซึ่งทำงานเป็นเวลาสามปีกับผู้ช่วยกลุ่มใหญ่ Kano Eitoku ซึ่งรีบเร่งโดยเผด็จการด้วยการปฏิบัติตามคำสั่งเริ่มขยายรูปแบบโดยใช้แปรงหนาที่ทำจากฟางข้าวใช้ภาษาศิลปะที่พูดน้อย สถานที่หลักถูกครอบครองด้วยภาพของต้นไม้ ดอกไม้ นกและสัตว์ต่างๆ โทนสีสว่างไม่มีความแตกต่างของสี

การเปลี่ยนแปลงของสถานการณ์ทางสังคมในประเทศหลังจากโชกุน Tokugawa ขึ้นสู่อำนาจทำให้มีการห้ามก่อสร้างปราสาท
ในผลงานของศิลปินในสามแรกของศตวรรษที่ XVII คุณสมบัติใหม่เริ่มเข้ามาแทนที่ ในการวาดภาพ ความปรารถนาในการจัดองค์ประกอบที่สงบและสมดุล การเติบโตของรูปแบบไม้ประดับ ความสนใจในวัฒนธรรมของยุคเฮอันและผลงานของยามาโตะ-เอะเริ่มชัดเจนขึ้น ลักษณะเด่นของโรงเรียน Kano ในยุคนี้คือการตกแต่งและการตกแต่งที่เพิ่มขึ้น เมื่ออยู่ในไตรมาสที่สองของศตวรรษที่สิบสอง การก่อสร้างปราสาทเป็นสิ่งต้องห้าม หน้าจอกลายเป็นรูปแบบหลักของการวาดภาพตกแต่ง ความยิ่งใหญ่ของ Kano Eitoku ได้ทิ้งภาพวาดไว้ ศิลปะได้รับสีส่วนบุคคลที่มีอิทธิพลต่อลักษณะโวหาร ตกแต่ง ภาพวาด XVIIวี. ส่วนใหญ่มักจะได้รับแรงบันดาลใจจากวีรบุรุษและแก่นของวรรณกรรมคลาสสิก ซึ่งสะท้อนถึงความสนใจที่หลากหลายของชนชั้นสูงของชนเผ่า และสุนัขพันธุ์ดัชชุนด์ของชนชั้นนายทุนที่เกิดขึ้นใหม่ ภาพวาดตกแต่งพัฒนาขึ้นในเมืองหลวงเก่า - เกียวโต

Ogata Korin กลายเป็นโฆษกของรสนิยมของผู้บริโภคงานศิลปะรายใหม่ - ชาวเมือง พ่อค้า และช่างฝีมือ ตัวแทนใหม่โรงเรียนคาโน

Emakimano เป็นม้วนแนวนอนที่ทำจากกระดาษหรือผ้าไหมวางบนฐานที่ล้อมรอบด้วยขอบผ้าที่มีลูกกลิ้งไม้ที่ปลาย

โอกาตะ โคริน (ค.ศ. 1658-1716) ใช้ชีวิตอย่างคนมั่งคั่ง เยี่ยมชม "ย่านสนุกสนาน" อยู่ตลอดเวลา หลังจากความพินาศต้องเผชิญกับความต้องการอย่างมากในการหาเลี้ยงชีพ เขาเริ่มทาสีผ้าและวาดภาพ Ogata Korin จัดการทั้งเซรามิกและเครื่องเขิน กิโมโนทาสี และพัด ยังไง
อาจารย์เขาเริ่มต้นด้วยการทำความรู้จัก ภาพวาดแบบดั้งเดิมและวิธีการของเธอ Korin พยายามเสมอเพื่อความกะทัดรัด ความสมดุลของรูปแบบ คุณสมบัติเด่นลักษณะที่สร้างสรรค์ - มุ่งเน้นไปที่การพัฒนาลวดลายต่าง ๆ การทำซ้ำและการเปลี่ยนแปลงซ้ำ ๆ ในงานของ Ogata Korin งานจากธรรมชาติปรากฏขึ้นเป็นครั้งแรก ในภาพวาดของหน้าจอ "ต้นพลัมสีแดงและสีขาว" โครงเรื่องที่ออกแบบโดย Korin กลับไปสู่บทกวีคลาสสิกด้วยภาพของต้นฤดูใบไม้ผลิและธรรมชาติที่ตื่นขึ้น ทั้งสองด้านของลำธารบนพื้นหลังสีทองเขียนต้นไม้ดอก: ต้นอ้วนที่มีลำต้นโค้งหนาและแตกกิ่งก้านสาขาขึ้นเกือบในแนวดิ่ง ต้นบ๊วยแดง และอีกต้นที่ระบุเฉพาะที่ปลายลำต้นและโค้งแหลม ประหนึ่งตกน้ำจึงแตกกิ่งก้านขึ้นมีดอกขาวเกลื่อนกลาด

Kano Eitoku เหยี่ยวบนต้นสน หน้าจอ. รายละเอียดจากปลายศตวรรษที่ 16

Ogata Kenzan (1663-1743) ซึ่งแตกต่างจาก Ogata Korin พี่ชายของเขา หลงใหลในคุณค่าทางจิตวิญญาณตั้งแต่ยังเด็ก เป็นสาวกของพุทธศาสนานิกายเซน รู้ภาษาจีนและภาษาญี่ปุ่น วรรณกรรมคลาสสิกละครโน พิธีชงชา ในดินแดนที่เป็นของวัด Ninnaji Kenzan ได้รับอนุญาตให้สร้างเตาเผาเซรามิกของตัวเองซึ่งผลิตผลิตภัณฑ์เป็นเวลา 13 ปีจนถึงปี 1712 เขาไม่ได้แสวงหาผลกำไรเขาได้รับคำแนะนำจากแนวคิดในการสร้างผลิตภัณฑ์ที่มีศิลปะสูง . เป็นครั้งแรกที่เขาใช้เทคนิคการวาดภาพด้วยหมึกแบบดั้งเดิมในการวาดภาพปริมาตร เคนซานเริ่มใช้สี เขาเขียนบนเศษกระดาษที่เปียกชื้น ดินที่มีรูพรุนจะดูดซับสีไว้ เหมือนกับกระดาษที่ใช้วาดภาพด้วยหมึก เช่นเดียวกับกวีร่วมสมัยผู้ยิ่งใหญ่ของเขาที่ชื่อ Basho ผู้ซึ่งเปลี่ยนแนวเพลงไฮกุที่ได้รับความนิยมให้กลายเป็นการเปิดเผย Ogata Kenzan แสดงให้เห็นว่าจานเซรามิก ถ้วย แจกันธรรมดาสามารถเป็นได้ทั้งสิ่งของที่มีประโยชน์และในขณะเดียวกันก็เป็นผลงานศิลปะบทกวีชิ้นเอก

สมัยเอโดะ (1614-1868)

ในปี 1615 ซามูไรได้ย้ายถิ่นฐานจากเกียวโตไปยังเอโดะ ความสำคัญของชนชั้นพ่อค้า พ่อค้า และผู้ใช้ ซึ่งกระจุกตัวอยู่ในมารา เกียวโต และโอซาก้า เพิ่มมากขึ้น สำหรับตัวแทนเหล่านี้ กลุ่มทางสังคมโดดเด่นด้วยการรับรู้ทางโลกของชีวิตความปรารถนาที่จะปลดปล่อยตัวเองจากอิทธิพลของศีลธรรมศักดินา เป็นครั้งแรกที่ศิลปะกล่าวถึงหัวข้อในชีวิตประจำวัน รวมถึงชีวิตของสิ่งที่เรียกว่า ย่านที่สนุกสนาน - โลกแห่งโรงน้ำชา โรงละครคาบุกิ นักมวยปล้ำซูโม่ การปรากฏตัวของแม่พิมพ์ไม้มีความเกี่ยวข้องกับการทำให้วัฒนธรรมเป็นประชาธิปไตยเนื่องจากการแกะสลักมีลักษณะการหมุนเวียนราคาถูกและเข้าถึงได้ หลังจาก ภาพวาดในครัวเรือนการแกะสลักกลายเป็นที่รู้จักในชื่อ ukiyo-e (ตามตัวอักษร - โลกที่มนุษย์เปลี่ยนแปลงได้)

การผลิตงานแกะสลักมีขอบเขตกว้างขวาง ช่วงแรกในการพัฒนากราฟิกภาพอุกิโยะเกี่ยวข้องกับชื่อของ Hasikawa Moronobu (1618-1694) ซึ่งแสดงฉากที่ไม่ซับซ้อนจากชีวิตของผู้อยู่อาศัยในโรงน้ำชา ช่างฝีมือ การรวมเหตุการณ์ในช่วงเวลาต่างๆ ที่ไม่เกี่ยวข้องกับแต่ละเหตุการณ์ อื่น ๆ ในการแกะสลัก พื้นหลังของการแกะสลักยังคงเป็นสีขาว ลายเส้นชัดเจน ช่วงของหัวข้อการแกะสลักค่อยๆขยายออกไปความสนใจไม่เพียง แต่ภายนอกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงโลกภายในของตัวละครด้วย การแกะสลักของญี่ปุ่นในปี ค.ศ. 1780-1790 เข้าสู่ยุครุ่งเรือง Suzuki Haranobu (1725-1770) เริ่มเปิดเผยเป็นครั้งแรก โลกภายในวีรบุรุษในงานแกะสลักเช่น "ความงามถอนกิ่งพลัม", "คู่รักในสวนที่ปกคลุมด้วยหิมะ" เขาเป็นคนแรกที่ใช้เทคนิคการกลิ้งซึ่งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงจากโทนสีเข้มเป็นสีอ่อน ความหนาและพื้นผิวของเส้นต่างๆ เขาไม่เคยสนใจสีจริง ทะเลในรอยสลักของเขาเป็นสีชมพู ท้องฟ้าเป็นทราย หญ้าเป็นสีฟ้า อารมณ์ฉาก หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขาคือ “คู่รักที่เล่นชามิเซ็นคนเดียวกัน” ได้รับแรงบันดาลใจจากสุภาษิตญี่ปุ่นที่ว่า “หากดนตรีส่งเสริมความรัก ให้เล่น”

Tokonoma - ช่องในการตกแต่งภายในของโรงน้ำชา

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - ปรมาจารย์ภาพอุกิโยะที่โดดเด่น งานของเขาเริ่มต้นด้วยอัลบั้ม "The Book of Insects", "Songs of Shells" ในการถ่ายภาพบุคคลครึ่งตัวและช่วงอกของผู้หญิง Utamaro เป็นครั้งแรกที่ใช้ผงไมกาซึ่งสร้างพื้นหลังที่ส่องแสง อุทามาโระผู้งดงามสมบูรณ์แบบด้วยรูปร่างที่สง่างามและพอดีกับศีรษะ
คอบาง ปากเล็ก คิ้วสั้นสีดำ ในซีรีส์ "สิบ ตัวละครหญิง"และ" วันและเวลาของผู้หญิง "เขาพยายามระบุรูปลักษณ์และลักษณะนิสัยของผู้หญิงประเภทต่างๆ ในช่วงปลายยุค 90 ใน Utamaro กล่าวถึงหัวข้อของการเป็นแม่ในการแกะสลักเช่น "Mother with Child" และ "Ball Game" ในขณะเดียวกันเขาก็สร้าง triptychs และ polyptychs บน ธีมทางประวัติศาสตร์หันไปใช้การกำหนดทางอ้อม (วีรบุรุษของประเทศเป็นภาพที่สวยงาม) Teshusai Shyaraku ได้สร้างภาพชุดของนักแสดงละครคาบุกิและนักมวยปล้ำซูโม่ เขาละทิ้งประเพณีที่ยอมรับโดยทั่วไป ทำให้เทคนิคหลักของเขาพิสดาร ยุคที่สามในการพัฒนาภาพพิมพ์อุกิโยะคือช่วงปี 1800-1868 ในเวลานี้อิทธิพลของการกัดของดัตช์และเยอรมันในศิลปะญี่ปุ่นมีมากขึ้น สำหรับความคิดสร้างสรรค์ของราชวงศ์ศิลปะ Utagawa การปฏิเสธการค้นหาความเป็นตัวของตัวเอง ความปรารถนาในความสง่างามอย่างเป็นทางการกลายเป็นตัวละคร ความรุ่งเรืองของประเภทภูมิทัศน์ในการแกะสลักมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ Katsushika Hokusai (1760-1849) โฮคุไซศึกษาศิลปะญี่ปุ่นโบราณและสมัยใหม่ รู้จักศิลปะของจีน และทำความคุ้นเคยกับงานแกะสลักแบบยุโรป จนกระทั่งอายุเกือบ 50 ปี โฮคุไซทำงานในลักษณะดั้งเดิมของศิลปินภาพอุกิโยะ เฉพาะในอัลบั้ม Manga (หนังสือภาพร่าง) เล่มแรกที่ตีพิมพ์ในปี 1812 เท่านั้นที่ Hokusai ค้นพบสาขาศิลปะของเขา ตอนนี้เขาวาดภาพทิวทัศน์ในชีวิตประจำวัน ทิวทัศน์ ฝูงชน

สวนภูมิทัศน์ของญี่ปุ่น

เมื่ออายุได้ 70 ปี โฮะคุไซได้สร้างผลงานชุด "36 Views of Mount Fuji" โดยศิลปินแต่ละภาพจะวาดภาพภูเขาไฟฟูจิ การผสมผสานระหว่างธีมประเภทกับทิวทัศน์เป็นคุณลักษณะของ Hokusai โฮคุไซแสดงให้เห็นพื้นโลกจากเบื้องล่างไม่เหมือนกับจิตรกรภูมิทัศน์สมัยโบราณ ในเวลาเดียวกันเขาสร้างซีรีส์ "การเดินทางผ่านน้ำตกของประเทศ", "สะพาน", "ดอกไม้ขนาดใหญ่", "100 มุมมองของฟูจิ" โฮคุไซสามารถถ่ายทอดสิ่งต่าง ๆ จากมุมที่คาดไม่ถึง ในการแกะสลัก 100 Views of Fuji ภูเขาอาจโผล่ออกมาจากความมืดในยามค่ำคืน ราวกับนิมิต หรือมองเห็นได้หลังต้นไผ่ หรือสะท้อนอยู่ในทะเลสาบ Ando Hiroshige ผู้ติดตามของ Hokusai (1797-1858) วาดภาพธรรมชาติให้สมจริงยิ่งขึ้น ตัวแทนแม่น้ำโดยอาชีพ เขาเดินทางบ่อยครั้งทั่วประเทศ สร้างผลงานชุด "53 Tokaido Stations", "8 Views of Lake Omi", "69 Views of Kishikaido" ศิลปะของฮิโรชิเงะเข้าใกล้การวาดภาพแบบยุโรป เสร็จสิ้นการแกะสลักภาพอุกิโยะเอะอันรุ่งเรืองเมื่อสองร้อยปี

อาร์เตลิโน่

The Great Wave off Kanagawa โดย Katsushika Hokusai (1760-1849) เป็นหนึ่งในภาพพิมพ์ที่มีชื่อเสียงที่สุดและเป็นแผ่นแรกของชุดภาพทิวทัศน์ฟูจิสามสิบหกภาพ ในช่วงต้นทศวรรษ 1830 Katsushika Hokusai ซึ่งได้รับมอบหมายจากสำนักพิมพ์ Eijudo ได้เริ่มสร้างชุดจำนวน 46 แผ่น (หลัก 36 แผ่นและเพิ่มเติม 10 แผ่น) และ The Great Wave off Kanagawa เป็นงานแกะสลักที่เปิดทั้งชุด

คอลเลกชันของงานแกะสลักดังกล่าวทำหน้าที่เป็น "การเดินทางเสมือนจริง" สำหรับชาวเมืองในเวลานั้นซึ่งเป็นวิธีที่สะดวกและราคาไม่แพงในการตอบสนองความอยากรู้อยากเห็น ภาพพิมพ์ที่เหมือนฟูจิมีราคาประมาณ 20 จันทร์ ซึ่งเท่ากับบะหมี่สองส่วนในร้านอาหารญี่ปุ่นสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก จนในปี 1838 ราคาผ้าปูที่นอนของ Hokusai เพิ่มขึ้นเป็นเกือบ 50 จันทร์ และหลังจากการมรณกรรมของอาจารย์ Wave เพียงอย่างเดียวก็ได้รับการพิมพ์ซ้ำจากกระดานใหม่มากกว่า 1,000 ครั้ง

น่าแปลกที่แม้เนื้อหาของซีรีส์ทั้งหมดจะกล่าวถึง แต่ฟูจิใน The Wave ก็ดูเหมือนจะมีบทบาทรองลงมา "ตัวละคร" หลักในการแกะสลักนี้คือคลื่น และในเบื้องหน้าฉากที่น่าทึ่งของการต่อสู้ของมนุษย์กับองค์ประกอบต่างๆ ขอบของยอดโฟมดูเหมือนนิ้วที่บิดเบี้ยวของปีศาจที่โกรธเกรี้ยวที่ยอดเยี่ยม และการไร้ใบหน้าและไร้การใช้งานของร่างมนุษย์ในเรือทำให้ไม่ต้องสงสัยเลยว่าใครจะเป็นผู้ชนะในการต่อสู้ครั้งนี้ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่การเผชิญหน้าที่เป็นความขัดแย้งที่สร้างโครงเรื่องของการแกะสลัก
ด้วยการหยุดช่วงเวลาที่เรือล่ม โฮะคุไซทำให้ผู้ชมมองเห็นฟูจิชั่วครู่กับท้องฟ้าสีเทาที่มืดลงตรงขอบฟ้า แม้ว่าช่างแกะสลักชาวญี่ปุ่นจะคุ้นเคยกับหลักการของเส้นตรงแบบยุโรปและ มุมมองทางอากาศพวกเขาไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องใช้เทคนิคนี้ พื้นหลังสีเข้มรวมถึงการเดินทางไกลของสายตาจากเบื้องหน้าด้วยเรือที่แล่นผ่านคลื่นไปยังฟูจิ โน้มน้าวสายตาว่าภูเขาศักดิ์สิทธิ์ถูกแยกออกจากเราโดยทะเลที่กว้างใหญ่

ภูเขาไฟฟูจิตั้งตระหง่านอยู่ห่างไกลจากฝั่งเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความมั่นคงและความมั่นคง ซึ่งตรงกันข้ามกับองค์ประกอบที่มีพายุ ความเป็นเอกภาพและการพึ่งพาซึ่งกันและกันของสิ่งที่ตรงกันข้ามเป็นรากฐานของแนวคิดเรื่องระเบียบจักรวาลและความกลมกลืนอย่างแท้จริงในโลกทัศน์ของตะวันออกไกล และพวกเขาเองที่กลายเป็นประเด็นหลักของการแกะสลัก "The Great Wave off Kanagawa" ซึ่งเปิดซีรีส์โดย คัตสึชิกะ โฮคุไซ.

"ความงาม Nanivaya Okita" โดย Kitagawa Utamaro, 1795-1796

สถาบันศิลปะแห่งชิคาโก

Kitagawa Utamaro (1753-1806) สามารถเรียกได้อย่างถูกต้องว่านักร้องความงามของผู้หญิงในภาพพิมพ์ของญี่ปุ่น ukiyo-e: เขาสร้างภาพความงามแบบญี่ปุ่นจำนวนหนึ่ง ( บิจิงะ) - ผู้อาศัยในโรงน้ำชาและย่านบันเทิงโยชิวาระที่มีชื่อเสียงในเอโดะ เมืองหลวงของญี่ปุ่น เอโดะ — ชื่อโตเกียวจนถึงปี 1868.

ในการแกะสลักบิจินกะ ทุกสิ่งไม่ใช่สิ่งที่ผู้ดูสมัยใหม่ดูเหมือน ตามกฎแล้วสตรีผู้สูงศักดิ์ที่แต่งตัวหรูหรามีส่วนร่วมในงานฝีมือที่น่าละอายและเป็นของชนชั้นล่างและการแกะสลักด้วยภาพเหมือนของความงามมีหน้าที่โฆษณาอย่างเปิดเผย ในเวลาเดียวกันการแกะสลักไม่ได้ให้ความคิดเกี่ยวกับรูปลักษณ์ของหญิงสาวและแม้ว่า Okita จากโรงน้ำชา Nanivaya ใกล้วัด Asakusa ถือเป็นความงามครั้งแรกของเอโดะ แต่ใบหน้าของเธอในการแกะสลักก็คือ ไร้ซึ่งความเป็นปัจเจกบุคคลโดยสิ้นเชิง

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ภาพผู้หญิงในศิลปะญี่ปุ่นอยู่ภายใต้หลักการของความเรียบง่าย "เส้นตา จมูกงุ้ม" - เทคนิค ฮิเมะ-คากิฮานะอนุญาตให้ศิลปินระบุเพียงว่าผู้หญิงบางคนถูกพรรณนา: ในวัฒนธรรมดั้งเดิมของญี่ปุ่น ประเด็นเรื่องความงามทางกายภาพมักถูกละเว้น ในผู้หญิงที่มีตระกูลสูงค่า "ความงามของหัวใจ" และการศึกษามีค่ามากกว่ามากและผู้อยู่อาศัยในย่านที่ร่าเริงพยายามที่จะเลียนแบบตัวอย่างสูงสุดในทุกสิ่ง อุทามาโระกล่าวว่าโอคิตะมีความสวยงามอย่างแท้จริง

แผ่นงาน "Beauty Nanivaya Okita" พิมพ์ในปี พ.ศ. 2338-2339 ในซีรีส์เรื่อง "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets" ซึ่งนักเขียนคนหนึ่งในศตวรรษที่ 9 ได้กล่าวถึงความงามแต่ละอย่าง บนกระดาษที่มีรูปเหมือนของโอคิตะที่มุมซ้ายบนมีรูปของอาริวาระ โนะ นาริฮิระ (825-880) หนึ่งในกวีที่ได้รับความนับถือมากที่สุดในญี่ปุ่น ผู้ซึ่งนวนิยายเรื่องอิเสะ โมโนกาตาริมีที่มาจากนิยายดั้งเดิม ขุนนางผู้สูงศักดิ์และกวีที่เก่งคนนี้ก็มีชื่อเสียงในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของเขาซึ่งบางส่วนเป็นพื้นฐานของนวนิยายเรื่องนี้

แผ่นนี้เป็นการใช้เทคนิคเฉพาะ เลียนแบบ(การเปรียบเทียบ) ในการแกะสลักของญี่ปุ่น คุณสมบัติของ "ต้นแบบ" ที่มีอำนาจนั้นถูกถ่ายโอนไปยังความงามที่ปรากฎ และโสเภณีที่สง่างามซึ่งมีใบหน้าที่สงบเสงี่ยมพร้อมเสิร์ฟชาแก่แขก ผู้ชมอ่านอยู่แล้วว่าเป็นสตรีผู้มีทักษะในบทกวีและการกระทำเกี่ยวกับความรัก การเปรียบเทียบกับอาริวาระ โนะ นาริฮิระถือเป็นการยอมรับอย่างแท้จริงถึงความเหนือกว่าของเธอในหมู่สาวงามเอโดะ

ในขณะเดียวกัน อุทามาโระก็สร้างภาพลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ได้อย่างน่าประหลาดใจ สร้างสมดุลของจุดมืดและสว่างบนใบไม้และร่างโครงร่างด้วยเส้นสายที่ไพเราะและสง่างาม เขาสร้างภาพแห่งความสง่างามและความกลมกลืนที่สมบูรณ์แบบอย่างแท้จริง "การโฆษณา" ลดลง และความงามที่อุทามาโระจับได้นั้นยังคงไร้กาลเวลา

ภาพยนตร์เรื่อง "Irises" โดย Ogata Korin ในปี 1710

Wikimedia Commons / พิพิธภัณฑ์ Nezu โตเกียว

ม่านตาไก่ 6 แผงคู่หนึ่ง ซึ่งปัจจุบันเป็นสมบัติของชาติญี่ปุ่น สร้างขึ้นโดย Ogata Korin (1658-1716) ประมาณปี 1710 สำหรับวัด Nishi Hongan-ji ในเกียวโต

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ภาพวาดบนแผ่นผนังและฉากกั้นกระดาษได้กลายเป็นหนึ่งในแนวศิลปะการตกแต่งในญี่ปุ่น และ Ogata Korin ผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Rinpa ก็เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

หน้าจอในการตกแต่งภายในของญี่ปุ่นมีบทบาทสำคัญ พระราชวังที่กว้างขวางมีโครงสร้างไม่แตกต่างจากที่อยู่อาศัยของชาวญี่ปุ่นทั่วไป พวกเขาแทบไม่มีผนังภายใน และพื้นที่ถูกแบ่งโซนด้วยฉากกั้นแบบพับได้ สูงเพียง 1 เมตรครึ่งเล็กน้อย มุ้งลวดได้รับการออกแบบมาสำหรับประเพณีทั่วไปของญี่ปุ่นที่ทุกชนชั้นอาศัยอยู่บนพื้น ในญี่ปุ่น เก้าอี้สูงและโต๊ะไม่ได้ใช้จนถึงศตวรรษที่ 19 และความสูงของหน้าจอรวมถึงองค์ประกอบของภาพวาดนั้นได้รับการออกแบบมาสำหรับมุมมองของคนที่นั่งคุกเข่า ด้วยมุมมองนี้ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่น่าอัศจรรย์: ไอริสดูเหมือนจะล้อมรอบคนที่นั่ง - และคน ๆ หนึ่งสามารถรู้สึกว่าตัวเองอยู่บนฝั่งแม่น้ำล้อมรอบด้วยดอกไม้

ไอริสถูกทาสีในลักษณะที่ไม่ใช่รูปร่าง - เกือบจะเป็นแนวอิมเพรสชันนิสต์ ลายเส้นกว้างของสีน้ำเงินเข้ม ไลแลค และอุบาทว์สีม่วงสื่อถึงความงดงามอันเขียวชอุ่มของดอกไม้ชนิดนี้ เอฟเฟ็กต์ที่งดงามได้รับการเสริมแต่งด้วยชิมเมอร์สีทองหม่นๆ ซึ่งตัดกับไอริส หน้าจอไม่ได้แสดงอะไรนอกจากดอกไม้ แต่เส้นเชิงมุมของการเจริญเติบโตแสดงให้เห็นว่าดอกไม้โค้งงอไปตามเส้นทางที่คดเคี้ยวของแม่น้ำหรือสะพานไม้ที่คดเคี้ยวไปมา เป็นเรื่องปกติที่ชาวญี่ปุ่นจะเห็นสะพานขาดหายไปจากหน้าจอ ซึ่งเป็น "สะพานแปดแผ่น" แบบพิเศษ ( ยาสึฮาชิฟัง)) เกี่ยวข้องกับดอกไอริสในวรรณคดีคลาสสิกของญี่ปุ่น นวนิยายเรื่อง Ise Monogatari (ศตวรรษที่ 9) กล่าวถึงการเดินทางอันน่าเศร้าของวีรบุรุษที่ถูกขับไล่ออกจากเมืองหลวง หลังจากนั่งลงกับผู้ติดตามของเขาเพื่อพักผ่อนบนฝั่งแม่น้ำใกล้กับสะพาน Yatsuhashi ฮีโร่เห็นดอกไอริสจำที่รักของเขาและแต่งบทกวี:

ที่รักของฉันในเสื้อผ้า
สง่างามในเมืองหลวง
รักเหลือ...
และฉันคิดด้วยความปรารถนาว่าเท่าไหร่
ฉันอยู่ไกลจากเธอ... แปลโดย N.I. Konrad

“ดังนั้นเขาจึงพับผ้า และทุกคนก็หลั่งน้ำตาบนข้าวแห้งของพวกเขา เพื่อให้มันพองตัวด้วยความชื้น” Arivara no Narihira ผู้แต่งและพระเอกของเรื่องกล่าวเสริม

สำหรับชาวญี่ปุ่นที่มีการศึกษา ความเชื่อมโยงระหว่างดอกไอริสข้างสะพานกับอิเสะ โมโนกาตาริ ดอกไอริสกับธีมของความรักที่แยกจากกันนั้นชัดเจน และโอกาตะ โครินจะหลีกเลี่ยงการใช้คำฟุ่มเฟื่อยและภาพประกอบ ด้วยความช่วยเหลือของภาพวาดตกแต่ง เขาสร้างพื้นที่ในอุดมคติที่เต็มไปด้วยแสง สี และความหมายทางวรรณกรรมเท่านั้น

ศาลาทองคินคะคุจิ เกียวโต 1397

Yevgen Pogoryelov / flickr.com, 2549

วัดทองเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของญี่ปุ่น ซึ่งแดกดันได้รับการยกย่องจากการทำลายล้างมากกว่าการก่อสร้าง ในปี 1950 พระที่มีอาการคุ้มดีคุ้มร้ายแห่งวัด Rokuonji ซึ่งเป็นที่ตั้งของอาคารแห่งนี้ ได้จุดไฟเผาสระน้ำที่อยู่บนพื้นผิวของวัด
ศาลา ในช่วงที่เกิดไฟไหม้ในปี พ.ศ. 2493 วัดเกือบถูกทำลาย งานบูรณะใน Kinkaku-ji เริ่มขึ้นในปี 1955 ในปี 1987 การก่อสร้างใหม่โดยรวมเสร็จสมบูรณ์ แต่การบูรณะการตกแต่งภายในที่หายไปทั้งหมดยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปี 2003. แรงจูงใจที่แท้จริงของการกระทำของเขายังไม่ชัดเจน แต่ในการตีความของนักเขียน Yukio Mishima ความงามที่เกือบจะลึกลับของวัดนี้ไม่สามารถบรรลุได้ แท้จริงแล้ว วัดคินคะคุจิถือเป็นตัวอย่างความงามแบบญี่ปุ่นมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ

ในปี 1394 โชกุนอาชิคางะ โยชิมิสึ (1358-1408) ผู้ซึ่งพิชิตญี่ปุ่นเกือบทั้งหมดตามความประสงค์ของเขา ได้เกษียณอย่างเป็นทางการและตั้งรกรากอยู่ในวิลลาที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะทางตอนเหนือของเกียวโต อาคารสามชั้นบนทะเลสาบเทียม Kyokoti ("กระจกทะเลสาบ") มีบทบาทเหมือนอาศรม ศาลาเงียบสงบสำหรับการพักผ่อน อ่านหนังสือ และสวดมนต์ เป็นที่เก็บภาพวาดของโชกุน ห้องสมุด และวัตถุโบราณทางพุทธศาสนา Kinkakuji ตั้งอยู่บนผืนน้ำใกล้ชายฝั่ง มีเรือติดต่อกับชายฝั่งเท่านั้น และเป็นเกาะเดียวกับเกาะเทียมที่มีหินและต้นสนกระจายอยู่รอบๆ Kyokoti แนวคิดของ "เกาะแห่งสวรรค์" นั้นยืมมาจากตำนานจีนซึ่งเกาะเผิงไหลซึ่งเป็นเกาะแห่งอมตะทำหน้าที่เป็นภาพลักษณ์ของที่พำนักแห่งสวรรค์ ภาพสะท้อนของศาลากลางน้ำได้กระตุ้นให้ชาวพุทธเกิดความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติลวงตาของโลกมนุษย์ ซึ่งเป็นเพียงภาพสะท้อนที่ซีดเซียวของความงดงามของโลกความจริงทางพุทธศาสนา

แม้ว่าเสียงหวือหวาตามตำนานเหล่านี้จะเป็นการคาดเดา แต่ตำแหน่งของศาลาก็ให้ความกลมกลืนและกลมกลืนอย่างน่าทึ่ง การสะท้อนจะซ่อนความเตี้ยของอาคาร ทำให้สูงและบางลง ในเวลาเดียวกันมันเป็นความสูงของศาลาที่ทำให้สามารถมองเห็นได้จากริมฝั่งสระใด ๆ เสมอกับพื้นหลังสีเขียวเข้ม

อย่างไรก็ตาม ยังไม่เป็นที่แน่ชัดว่าศาลาหลังนี้มีสีทองอร่ามเพียงใด แบบฟอร์มเดิม. อาจเป็นไปได้ว่าภายใต้ Ashikaga Yoshimitsu มันถูกปิดด้วยทองคำเปลวและ ชั้นป้องกันวานิช แต่ถ้าคุณเชื่อในภาพถ่ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 และ Yukio Mishima จากนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 การปิดทองก็เกือบจะลอกออกและยังคงมองเห็นได้เฉพาะที่ชั้นบนของอาคารเท่านั้น เวลานี้เขาสัมผัสวิญญาณด้วยมนต์เสน่ห์แห่งความอ้างว้าง ร่องรอยแห่งกาลเวลา ไม่ย่อท้อต่อสิ่งสวยงามที่สุด เสน่ห์เศร้าโศกนี้สอดคล้องกับหลักสุนทรียศาสตร์ ซาบีเคารพอย่างสูงในวัฒนธรรมญี่ปุ่น

ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ความสง่างามของอาคารหลังนี้ไม่ได้ทำด้วยทองคำเลย ความงดงามของรูปทรงของวัดคินคะคุจิและความกลมกลืนอย่างไร้ที่ติกับภูมิทัศน์ทำให้ที่นี่เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น

ชาม "ไอริส" ในรูปแบบของ karatsu ศตวรรษที่ 16-17

ไดแอน มาร์ติโน /pinterest.com/พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน นิวยอร์ก

คำ เมบุตสึ- สิ่งที่มีชื่อ มีเพียงชื่อของถ้วยใบนี้เท่านั้นที่รอดชีวิตมาได้ เนื่องจากทั้งเวลาและสถานที่ในการสร้างที่แน่นอน และชื่อของปรมาจารย์ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ อย่างไรก็ตาม มันได้รับการขึ้นทะเบียนเป็นหนึ่งในสมบัติประจำชาติของญี่ปุ่น และเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของเซรามิกในสไตล์ประจำชาติ

ปลายศตวรรษที่ 16 พิธีชงชา ชา-โนะ-ยุละทิ้งความซับซ้อน เครื่องลายครามจีนและเซรามิกเคลือบเงาที่ชวนให้นึกถึงวัสดุล้ำค่า ความงามอันน่าตื่นตาของพวกเขาดูประดิษฐ์เกินไปและตรงไปตรงมาสำหรับปรมาจารย์ด้านชา สิ่งของที่สมบูรณ์แบบและมีราคาแพง - ชาม ภาชนะใส่น้ำ และถังใส่ชา - ไม่สอดคล้องกับหลักปฏิบัติทางจิตวิญญาณของพุทธศาสนานิกายเซ็น ซึ่งเกือบจะเป็นจิตวิญญาณของพิธีชงชา การปฏิวัติวงการชาอย่างแท้จริงคือการหันมาสนใจเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่น ซึ่งเรียบง่ายกว่าและไร้ศิลปะมากในช่วงเวลาที่โรงงานในญี่ปุ่นเพิ่งเริ่มเชี่ยวชาญในเทคโนโลยีเครื่องปั้นดินเผาแบบยุโรป

รูปร่างของชามไอริสนั้นเรียบง่ายและไม่สม่ำเสมอ ความโค้งเล็กน้อยของผนัง รอยบุบของช่างปั้นที่มองเห็นได้ทั่วร่างกายทำให้ชามดูไร้เดียงสา เศษดินถูกเคลือบด้วยแสงเคลือบด้วยเครือข่ายรอยแตก - craquelure ที่ด้านหน้าซึ่งกล่าวถึงแขกในระหว่างพิธีชงชา มีการใช้ภาพม่านตาภายใต้การเคลือบ: ภาพวาดนั้นดูไร้เดียงสา แต่ใช้พู่กันที่มีพลัง ราวกับอยู่ในการเคลื่อนไหวเดียวในจิตวิญญาณของเซน การประดิษฐ์ตัวอักษร ดูเหมือนว่าทั้งรูปแบบและการตกแต่งสามารถทำได้โดยธรรมชาติและไม่ต้องใช้กองกำลังพิเศษ

ความเป็นธรรมชาตินี้สะท้อนให้เห็นถึงอุดมคติ วาบิ- ความเรียบง่ายและความไร้ศิลปะทำให้เกิดความรู้สึกอิสระทางจิตวิญญาณและความสามัคคี บุคคลใดก็ตามหรือแม้แต่วัตถุที่ไม่มีชีวิตในมุมมองของสาวกชาวญี่ปุ่นที่นับถือศาสนาพุทธนิกายเซนล้วนมีธรรมชาติที่ตรัสรู้ของพระพุทธเจ้า และความพยายามของผู้เชี่ยวชาญก็มุ่งเป้าไปที่การค้นพบธรรมชาตินี้ในตัวเขาเองและโลกรอบตัวเขา สิ่งของที่ใช้ในพิธีชงชาสำหรับความซุ่มซ่ามทั้งหมดของพวกเขาควรทำให้เกิดประสบการณ์ที่ลึกซึ้งของความจริง ความเกี่ยวข้องของทุกช่วงเวลา ถูกบังคับให้มองดูรูปแบบธรรมดาที่สุดและเห็นความงามที่แท้จริงในตัวพวกเขา

สิ่งที่ตรงกันข้ามกับพื้นผิวหยาบของชามและความเรียบง่ายคือการบูรณะด้วยเครื่องเคลือบสีทองที่บิ่นเล็กน้อย (เทคนิคนี้เรียกว่า คินสึกิ). การบูรณะดำเนินการในศตวรรษที่ 18 และแสดงให้เห็นถึงความเคารพซึ่งปรมาจารย์ชาชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อเครื่องใช้ในพิธีชงชา ดังนั้น พิธีชงชาจึงเป็น "หนทาง" ให้ผู้ร่วมงานได้ค้นพบความงามที่แท้จริงของสิ่งต่างๆ เช่น ชามดอกไอริส ความไม่ชัดเจน ความลับ ได้กลายเป็นพื้นฐานของแนวคิดสุนทรียะของวาบิและเป็นส่วนสำคัญของโลกทัศน์ของญี่ปุ่น

ภาพพระกันต์ซิน, นารา, 763

โทโชไดจิ, 2015

ในศตวรรษที่ 8 ประติมากรรมได้กลายเป็นรูปแบบหลักในการแสดงออกทางศิลปะในยุคนั้น ยุคนารา (ค.ศ. 710-794) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของรัฐญี่ปุ่นและการเสริมสร้างความเข้มแข็งของพุทธศาสนา ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นได้ผ่านขั้นตอนการฝึกงานและการเลียนแบบเทคนิคและภาพแบบคอนติเนนตัลแบบตาบอดแล้วและเริ่มแสดงจิตวิญญาณแห่งเวลาของพวกเขาอย่างอิสระและชัดเจนในงานประติมากรรม การแผ่ขยายและเติบโตของอำนาจของพระพุทธศาสนาทำให้เกิดภาพประติมากรรมทางพุทธศาสนาขึ้น

หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้คือภาพเหมือนของ Gandzin ซึ่งสร้างขึ้นในปี 763 ทำขึ้นด้วยเทคนิคการลงรักแบบแห้ง (โดยการเคลือบแลคเกอร์เป็นชั้นๆ บนโครงไม้ที่หุ้มด้วยผ้า) ประติมากรรมขนาดเกือบเท่าตัวจริงถูกลงสีเหมือนจริง และในเวลาพลบค่ำของวัด กันจินนั่งในท่าทำสมาธิ "เหมือน ถ้ายังมีชีวิตอยู่” ความเหมือนจริงนี้เป็นหน้าที่หลักของลัทธิดังกล่าว: ครูต้องอยู่ภายในกำแพงของวัดโทไดจิในเมืองนาราเสมอและเข้าร่วมพิธีศักดิ์สิทธิ์ที่สำคัญที่สุด

ต่อมาในศตวรรษที่ 11-13 ประติมากรรมภาพเหมือนกลายเป็นภาพลวงตาที่แทบจะไร้ความปรานี แสดงให้เห็นความชราภาพที่ไม่แข็งแรงของครูบาอาจารย์ ปากที่ยุบ แก้มหย่อนคล้อย และรอยเหี่ยวย่นลึก ภาพบุคคลเหล่านี้มองดูผู้นับถือศาสนาพุทธด้วยดวงตาที่มีชีวิต ฝังด้วยหินคริสตัลและไม้ แต่ใบหน้าของ Gandzin ดูพร่ามัว ไม่มีโครงร่างที่ชัดเจนและรูปร่างที่ชัดเจนอยู่ในนั้น เปลือกตาของตาที่ปิดครึ่งหนึ่งและไม่มีเปลือกตาจะบวม ปากที่ตึงและร่องแก้มลึกแสดงถึงความระมัดระวังเป็นนิสัยมากกว่าการทำสมาธิ

คุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้เผยให้เห็นชีวประวัติอันน่าทึ่งของนักบวชผู้นี้ เรื่องราวของการบำเพ็ญตบะที่น่าอัศจรรย์และโศกนาฏกรรม กันจิน พระสงฆ์ชาวจีนได้รับเชิญไปญี่ปุ่นเพื่อร่วมพิธีถวายวัดโทไดจิ วัดใหญ่ที่สุดของนารา เรือลำนี้ถูกโจรสลัดจับ คัมภีร์ล้ำค่าและประติมากรรมทางพุทธศาสนาที่มีไว้สำหรับวัดญี่ปุ่นที่อยู่ห่างไกลถูกไฟไหม้ กันจินเผาใบหน้าของเขาและสูญเสียการมองเห็น แต่เขาไม่ได้ละทิ้งความปรารถนาที่จะเทศนาในเขตชานเมืองอันไกลโพ้นของอารยธรรมนั่นคือวิธีที่ญี่ปุ่นรับรู้โดยทวีปในเวลานั้น

ความพยายามอีกหลายครั้งที่จะข้ามทะเลก็จบลงด้วยวิธีที่ไม่ประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน และในความพยายามครั้งที่ห้า Ganjin วัยกลางคนตาบอดและป่วยก็มาถึงเมืองหลวงของญี่ปุ่นที่นารา

ในญี่ปุ่น Ganjin ไม่ได้สอนพุทธบัญญัติเป็นเวลานาน: เหตุการณ์ที่น่าทึ่งในชีวิตของเขาบั่นทอนสุขภาพของเขา แต่อำนาจของเขานั้นสูงมากจนบางทีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตก็มีการตัดสินใจสร้างประติมากรรมของเขา ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปิน - พระพยายามที่จะให้ประติมากรรมมีความคล้ายคลึงกับแบบจำลองมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แต่สิ่งนี้ไม่ได้ทำเพื่อช่วย รูปร่างของบุคคล แต่เพื่อบันทึกประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละคน เส้นทางที่ยากลำบากที่ Ganjin เดินผ่านและคำสอนทางพุทธศาสนาเรียกว่า

Daibutsu - พระใหญ่แห่งวัด Todaiji, Nara, กลางศตวรรษที่ 8

ทอดด์/flickr.com

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 8 ญี่ปุ่นประสบกับภัยพิบัติทางธรรมชาติและโรคระบาด แผนอุบายของตระกูลฟูจิวาระที่มีอิทธิพลและการก่อจลาจลที่พวกเขาหยิบยกขึ้นมาบีบให้จักรพรรดิโชมุต้องหนีออกจากเมืองหลวงซึ่งก็คือเมืองนารา เมื่อถูกเนรเทศเขาสาบานว่าจะปฏิบัติตามแนวทางของคำสอนทางพุทธศาสนาและในปี 743 สั่งให้เริ่มสร้างวัดหลักของประเทศและเริ่มหล่อมหึมา รูปปั้นทองสัมฤทธิ์พระพุทธไวโรจนะ (พระพุทธมหาอาทิตย์ หรือ แสงสว่างทั้งปวง) เทพองค์นี้ถือเป็นอวตารสากลของพระพุทธเจ้าศากยมุนี ผู้ก่อตั้งคำสอนทางพุทธศาสนา และควรจะเป็นผู้คุ้มครองจักรพรรดิและทั้งประเทศในช่วงที่เกิดความไม่สงบและการจลาจล

งานเริ่มขึ้นในปี 745 และจำลองมาจากพระพุทธรูปองค์ใหญ่ในวัดถ้ำหลงเหมินใกล้เมืองหลวงของจีน ลั่วหยาง รูปปั้นในนาราก็เหมือนกับพระพุทธรูปอื่นๆ ที่ควรจะแสดง "สัญญาณขนาดใหญ่และขนาดเล็กของพระพุทธเจ้า" ศีลสัญลักษณ์นี้ประกอบด้วยติ่งหูยาว ซึ่งชวนให้นึกถึงข้อเท็จจริงที่ว่าพระศากยมุนีพุทธเจ้ามาจากตระกูลขุนนางและตั้งแต่เด็กยังสวมตุ้มหูหนักๆ สูงบนพระเศียร (อัชนิชา) มีจุดบนหน้าผาก (โกศ)

ความสูงของรูปปั้นคือ 16 เมตร ความกว้างของใบหน้าคือ 5 เมตร ความยาวฝ่ามือที่ยื่นออกมาคือ 3.7 เมตร และโกศใหญ่กว่าหัวคน การก่อสร้างใช้ทองแดง 444 ตัน ดีบุก 82 ตัน และทองคำจำนวนมาก การค้นหาดำเนินการเป็นพิเศษในภาคเหนือของประเทศ มีการสร้างห้องโถง Daibutsuden รอบรูปปั้นเพื่อปกป้องศาลเจ้า ในพื้นที่เล็กๆ นั้น พระพุทธรูปนั่งค้อมศีรษะเล็กน้อยอยู่เต็มพื้นที่ แสดงให้เห็นหนึ่งในหลักสัจธรรมของพุทธศาสนา นั่นคือแนวคิดที่ว่าเทพมีอยู่ทุกหนทุกแห่งและแผ่ซ่านไปทั่ว โอบกอดและเติมเต็มทุกสิ่ง ความสงบอันยอดเยี่ยมของใบหน้าและท่าทางของหัตถ์ของเทพ (mudra ท่าทางของการให้ความคุ้มครอง) เติมเต็มความรู้สึกของความยิ่งใหญ่ที่เงียบสงบและพลังของพระพุทธเจ้า

อย่างไรก็ตาม ปัจจุบันรูปปั้นดั้งเดิมเหลืออยู่เพียงไม่กี่ชิ้น: ไฟและสงครามสร้างความเสียหายอย่างใหญ่หลวงต่อรูปปั้นในศตวรรษที่ 12 และ 16 และรูปปั้นสมัยใหม่ส่วนใหญ่เป็นการหล่อในศตวรรษที่ 18 ระหว่างการบูรณะในศตวรรษที่ 18 รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ไม่ได้ปิดทองอีกต่อไป ความกระตือรือร้นทางพุทธศาสนาของจักรพรรดิโชมุในศตวรรษที่ 8 ทำให้คลังสมบัติหมดไปและทำให้ประเทศที่ตื่นตระหนกตกใจแทบหมดสิ้น และผู้ปกครองคนต่อมาก็ไม่สามารถจ่ายเงินที่เกินควรเช่นนี้ได้อีกต่อไป

อย่างไรก็ตาม ความสำคัญของ Daibutsu นั้นไม่ได้อยู่ที่ทองคำหรือแม้แต่ในความถูกต้องที่เชื่อถือได้ - แนวคิดของการเป็นศูนย์รวมที่ยิ่งใหญ่ของคำสอนทางพุทธศาสนานั้นเป็นอนุสรณ์สถานของยุคสมัยที่ชาวญี่ปุ่น ศิลปะที่ยิ่งใหญ่สัมผัสประสบการณ์การผลิดอกอย่างแท้จริง ปลดปล่อยตัวเองจากการลอกเลียนแบบจำลองทวีปแบบตาบอด และบรรลุความสมบูรณ์และการแสดงออกซึ่งสูญหายไปในภายหลัง

ญี่ปุ่น? มันพัฒนาได้อย่างไร? เราจะตอบคำถามเหล่านี้และคำถามอื่น ๆ ในบทความ วัฒนธรรมญี่ปุ่นก่อตัวขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางประวัติศาสตร์ที่เริ่มขึ้นเมื่อชาวญี่ปุ่นย้ายจากแผ่นดินใหญ่ไปยังหมู่เกาะและอารยธรรมของยุคโจมงถือกำเนิดขึ้น

การตรัสรู้ของคนเหล่านี้ในปัจจุบันได้รับอิทธิพลอย่างมากจากยุโรป เอเชีย (โดยเฉพาะเกาหลีและจีน) และ อเมริกาเหนือ. หนึ่งในสัญญาณของวัฒนธรรมญี่ปุ่นคือการพัฒนาที่ยาวนานในยุคของการแยกรัฐอย่างสมบูรณ์ (นโยบาย sakoku) จากประเทศอื่น ๆ ในรัชสมัยของ Tokugawa Shogunate ซึ่งกินเวลาจนถึงกลางศตวรรษที่ 19 - จุดเริ่มต้นของ ยุคเมจิ.

อิทธิพล

วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นพัฒนาขึ้นอย่างไร? อารยธรรมได้รับอิทธิพลอย่างมีนัยสำคัญจากตำแหน่งที่ตั้งในภูมิภาคที่ห่างไกลของประเทศ ลักษณะทางภูมิอากาศและภูมิศาสตร์ ตลอดจนปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ (พายุไต้ฝุ่นและแผ่นดินไหวบ่อยครั้ง) สิ่งนี้แสดงออกในทัศนคติที่ไม่ธรรมดาของประชากรที่มีต่อธรรมชาติในฐานะสิ่งมีชีวิต คุณสมบัติ ตัวละครประจำชาติภาษาญี่ปุ่นคือความสามารถในการชื่นชมความงามในปัจจุบันของจักรวาล ซึ่งแสดงออกมาในงานศิลปะหลายประเภทในประเทศเล็กๆ

วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของศาสนาพุทธ ศาสนาชินโต และลัทธิขงจื๊อ แนวโน้มเดียวกันนี้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาต่อไป

สมัยโบราณ

เห็นด้วยค่ะ วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นนั้นงดงามมาก ลัทธิชินโตมีรากฐานมาจากสมัยโบราณ พระพุทธศาสนาแม้ว่าจะปรากฏก่อนยุคของเรา แต่ก็เริ่มเผยแพร่ตั้งแต่ศตวรรษที่ห้าเท่านั้น ยุคเฮอัน (ศตวรรษที่ 8-12) ถือเป็นยุคทองของความเป็นรัฐของญี่ปุ่น ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น วัฒนธรรมอันงดงามของประเทศนี้ก็ถึงจุดสูงสุด

ลัทธิขงจื๊อปรากฏในศตวรรษที่ 13 ในขั้นตอนนี้มีการแยกปรัชญาของขงจื๊อและพุทธศาสนาออกจากกัน

อักษรอียิปต์โบราณ

ภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมศิลปะของญี่ปุ่นนั้นรวมอยู่ในความหลากหลายที่ไม่เหมือนใครซึ่งเรียกว่า ในประเทศนี้ศิลปะการประดิษฐ์ตัวอักษรได้รับการพัฒนาอย่างมากเช่นกันซึ่งตามตำนานเกิดขึ้นจากภาพศักดิ์สิทธิ์จากสวรรค์ พวกเขาเป็นผู้เติมชีวิตชีวาให้กับงานเขียน ดังนั้นประชากรจึงใจดีต่อทุกการสะกดคำ

มีข่าวลือว่ามันเป็นอักษรอียิปต์โบราณที่ให้วัฒนธรรมญี่ปุ่นเนื่องจากภาพรอบ ๆ จารึกปรากฏขึ้นจากพวกเขา หลังจากนั้นไม่นานก็เริ่มสังเกตเห็นการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบของภาพวาดและบทกวีในงานชิ้นเดียว

หากคุณศึกษาม้วนหนังสือภาษาญี่ปุ่น คุณจะพบว่างานนี้มีสัญลักษณ์สองประเภท นี่คือสัญญาณของการเขียน - ตราประทับ, บทกวี, โคโลเฟนและงดงาม ในขณะเดียวกัน โรงละครคาบุกิก็ได้รับความนิยมอย่างมาก โรงละครประเภทอื่น - แต่ - เป็นที่ต้องการของบุคลากรทางทหารเป็นหลัก ความรุนแรงและความโหดร้ายของพวกเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อ No.

จิตรกรรม

ผู้เชี่ยวชาญหลายคนได้ศึกษาวัฒนธรรมทางศิลปะ มีบทบาทอย่างมากในการก่อตัวของภาพวาดไคกะซึ่งในภาษาญี่ปุ่นหมายถึงการวาดภาพหรือการวาดภาพ ศิลปะนี้ถือเป็นประเภทการวาดภาพของรัฐที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งกำหนดโดยโซลูชันและรูปแบบจำนวนมาก

ในสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยธรรมชาติซึ่งกำหนดหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ การแบ่งภาพวาดออกเป็น sumi-e และ yamato-e มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 รูปแบบแรกพัฒนาขึ้นใกล้กับศตวรรษที่สิบสี่ เป็นสีน้ำขาวดำชนิดหนึ่ง Yamato-e เป็นม้วนกระดาษที่พับในแนวนอนซึ่งใช้กันทั่วไปในการตกแต่งงานวรรณกรรม

ต่อมาในศตวรรษที่ 17 การพิมพ์บนแท็บเล็ตปรากฏขึ้นในประเทศ - ภาพอุกิโยะ อาจารย์วาดภาพทิวทัศน์ เกอิชา นักแสดงที่มีชื่อเสียงของโรงละครคาบุกิ จิตรกรรมประเภทนี้ในศตวรรษที่ 18 มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะของยุโรป กระแสที่เกิดขึ้นเรียกว่า "ลัทธิญี่ปุ่น" ในยุคกลาง วัฒนธรรมของญี่ปุ่นไปไกลเกินขอบเขตของประเทศ - เริ่มถูกนำมาใช้ในการออกแบบตกแต่งภายในที่มีสไตล์และทันสมัยทั่วโลก

คัดลายมือ

โอ้ วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นช่างงดงามเสียนี่กระไร! ความเข้าใจในความกลมกลืนกับธรรมชาติสามารถเห็นได้ในแต่ละส่วน การประดิษฐ์ตัวอักษรญี่ปุ่นสมัยใหม่คืออะไร? เรียกว่า shodo ("วิธีการแจ้งเตือน") การคัดลายมือเป็นวิชาบังคับเช่นเดียวกับการเขียน นักวิทยาศาสตร์พบว่าศิลปะนี้เกิดขึ้นพร้อมกับการเขียนภาษาจีน

อย่างไรก็ตาม ในสมัยโบราณ วัฒนธรรมของบุคคลถูกตัดสินโดยระดับการเขียนพู่กันของเขา ปัจจุบันมีรูปแบบการเขียนจำนวนมากและพระภิกษุสงฆ์ได้พัฒนารูปแบบเหล่านี้ขึ้น

ประติมากรรม

วัฒนธรรมญี่ปุ่นเกิดขึ้นได้อย่างไร? เราจะศึกษาการพัฒนาและประเภทของพื้นที่ชีวิตมนุษย์ในรายละเอียดมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ประติมากรรมเป็นงานศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดในญี่ปุ่น ในสมัยโบราณผู้คนในประเทศนี้สร้างรูปแกะสลักรูปเคารพและจานชามจากเซรามิก จากนั้นผู้คนก็เริ่มติดตั้งรูปปั้นของ khaniv ที่สร้างจากดินเผาบนหลุมฝังศพ

พัฒนาการของงานประติมากรรมในวัฒนธรรมญี่ปุ่นสมัยใหม่มีความเกี่ยวข้องกับการเผยแพร่ศาสนาพุทธในรัฐ หนึ่งในตัวแทนที่เก่าแก่ที่สุดของอนุสาวรีย์ญี่ปุ่นถือเป็นรูปปั้นของพระพุทธเจ้า Amitabha ที่ทำจากไม้ วางไว้ในวัด Zenko-ji

ประติมากรรมมักทำจากไม้คาน แต่ดูหรูหรามาก ช่างฝีมือเคลือบเงา ทอง และสีสดใส

โอริกามิ

คุณชอบวัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นหรือไม่? ความเข้าใจในความกลมกลืนกับธรรมชาติจะนำมาซึ่งประสบการณ์ที่ยากจะลืมเลือน คุณลักษณะเฉพาะวัฒนธรรมญี่ปุ่นกลายเป็นผลิตภัณฑ์ที่น่าอัศจรรย์ของโอริกามิ (“กระดาษพับ”) ทักษะนี้มีต้นกำเนิดมาจากประเทศจีนซึ่งอันที่จริงแล้วมีการประดิษฐ์แผ่นหนัง

เริ่มแรกใช้ "กระดาษพับ" ในพิธีกรรมทางศาสนา ศิลปะนี้คนชั้นสูงเท่านั้นที่จะศึกษาได้ แต่หลังจากสงครามโลกครั้งที่ 2 โอริกามิก็ออกจากบ้านขุนนางและพบผู้ชื่นชมทั่วโลก

อิเคบานะ

ทุกคนควรรู้ว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของประเทศทางตะวันออกเป็นอย่างไร ญี่ปุ่นได้ลงทุนกับงานจำนวนมากในการพัฒนา ส่วนประกอบอื่นของวัฒนธรรมนี้ ประเทศที่ยอดเยี่ยมเป็นอิเคบานะ (“ดอกไม้ที่มีชีวิต”, “ชีวิตใหม่ของดอกไม้”) ชาวญี่ปุ่นชื่นชอบความสวยงามและความเรียบง่าย คุณสมบัติสองประการนี้ที่ทุ่มเทให้กับงาน ความซับซ้อนของภาพเกิดจากการใช้ประโยชน์จากความงามตามธรรมชาติของพืชพรรณ Ikebana เช่น origami ยังทำหน้าที่เป็นส่วนหนึ่งของพิธีทางศาสนา

เพชรประดับ

หลายคนอาจเข้าใจแล้วว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของจีนโบราณและญี่ปุ่นมีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด และบอนไซคืออะไร? เป็นทักษะเฉพาะของญี่ปุ่นในการปลูกต้นไม้จำลองขนาดจิ๋วเกือบเท่าของจริง

ในญี่ปุ่น การทำเนสึเกะ - ประติมากรรมขนาดเล็กที่เป็นเหมือนพวงกุญแจเป็นเรื่องปกติ บ่อยครั้งที่รูปแกะสลักในฐานะนี้ติดอยู่กับเสื้อผ้าของญี่ปุ่นซึ่งไม่มีกระเป๋า พวกเขาไม่เพียง แต่ตกแต่ง แต่ยังทำหน้าที่เป็นตัวถ่วงแบบดั้งเดิม พวงกุญแจทำเป็นรูปกุญแจ กระเป๋า ตะกร้าหวาย

ประวัติจิตรกรรม

วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นโบราณเป็นที่สนใจของผู้คนจำนวนมาก ภาพวาดในประเทศนี้เกิดขึ้นในช่วงยุคหินญี่ปุ่นและพัฒนาด้วยวิธีนี้:

• สมัยยามาโตะ ในช่วงเวลาของ Asuka และ Kofun (ศตวรรษที่ 4-7) พร้อมกับการแนะนำของอักษรอียิปต์โบราณ การสร้างระบอบการปกครองแบบจีนและการเผยแพร่ศาสนาพุทธให้แพร่หลาย งานศิลปะจำนวนมากถูกนำเข้ามายังประเทศญี่ปุ่นจากประเทศจีน หลังจากนั้นภาพวาดสไตล์จีนก็เริ่มผลิตซ้ำในดินแดนอาทิตย์อุทัย
• เวลานรา. ในศตวรรษที่หกและเจ็ด พระพุทธศาสนายังคงพัฒนาต่อไปในประเทศญี่ปุ่น ในเรื่องนี้ภาพวาดทางศาสนาเริ่มเฟื่องฟู ใช้ประดับวัดหลายแห่งที่สร้างโดยชนชั้นสูง โดยทั่วไปแล้ว ในยุคนารา การมีส่วนร่วมในการพัฒนางานประติมากรรมและศิลปะมีมากกว่างานจิตรกรรม ภาพวาดยุคแรกในรอบนี้รวมถึงภาพจิตรกรรมฝาผนังบนผนังภายในของวัด Horyu-ji ในจังหวัดนารา ซึ่งแสดงภาพชีวิตของพระพุทธเจ้าศากยมุนี
• ยุคเฮอัน. ในการวาดภาพญี่ปุ่นตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 แนวโน้มของยามาโตะ-เอะนั้นแตกต่างออกไป ดังที่เราได้เขียนไว้ข้างต้น ภาพวาดดังกล่าวเป็นการเลื่อนแนวนอนที่ใช้แสดงหนังสือ
• ยุคของมุโรมาจิ ในศตวรรษที่สิบสี่สไตล์ Supi-e (สีน้ำขาวดำ) ปรากฏขึ้นและในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบสอง ศิลปินเริ่มพิมพ์ภาพแกะสลักบนกระดาน - ภาพอุกิโยะ
• ภาพวาดของยุค Azuchi-Momoyama มีความแตกต่างอย่างมากกับภาพวาดของสมัย Muromachi เธอมีสไตล์หลากสีด้วยการใช้เงินและเงินอย่างกว้างขวาง ในช่วงเวลานี้ ชื่อเสียงและเกียรติยศยิ่งใหญ่มีความสุข สถาบันการศึกษาคาโน. ผู้ก่อตั้งคือ Kano Eitoku ผู้วาดเพดานและประตูบานเลื่อนแยกห้อง ภาพวาดดังกล่าวประดับประดาปราสาทและพระราชวังของขุนนางทางการทหาร
• สมัยไมจิ จากวินาที ครึ่งหนึ่งของ XIXศตวรรษ ศิลปะแบ่งออกเป็นรูปแบบดั้งเดิมและยุโรปที่แข่งขันกัน ในช่วงยุคไมจิ ญี่ปุ่นได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงทางสังคมและการเมืองครั้งใหญ่ผ่านกระบวนการปรับปรุงให้ทันสมัยและการทำให้เป็นยุโรปซึ่งจัดโดยทางการ ศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีแนวโน้มถูกส่งไปศึกษาต่อต่างประเทศ และศิลปินจากต่างประเทศเดินทางมาญี่ปุ่นเพื่อสร้างโครงการศิลปะของโรงเรียน อย่างไรก็ตาม หลังจากที่ความอยากรู้อยากเห็นเกี่ยวกับรูปแบบศิลปะตะวันตกเริ่มเพิ่มขึ้น ลูกตุ้มที่หมุนกลับและรูปแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นก็ถือกำเนิดขึ้นใหม่ ในปี พ.ศ. 2423 ศิลปะตะวันตกถูกห้ามไม่ให้จัดแสดงอย่างเป็นทางการและถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างหนัก

กวีนิพนธ์

วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นโบราณยังคงได้รับการศึกษา คุณลักษณะของมันคือความเก่งกาจ การสังเคราะห์บางอย่าง เนื่องจากมันถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของศาสนาต่างๆ เป็นที่ทราบกันดีว่าบทกวีคลาสสิกของญี่ปุ่นถือกำเนิดขึ้นจากชีวิตประจำวัน ดำเนินไปภายในนั้น และความเป็นธรรมชาติของมันได้รับการเก็บรักษาไว้ในระดับหนึ่งในรูปแบบดั้งเดิมของกวีนิพนธ์ในปัจจุบัน - ไฮกุสามบรรทัดและแทงกะห้าบรรทัด ซึ่งมีลักษณะเด่นชัดคือ ตัวละครมวล ยังไงก็ตาม คุณสมบัตินี้เองที่ทำให้พวกเขาแตกต่างจาก "บทกวีอิสระ" ที่มุ่งไปสู่ชนชั้นสูง ซึ่งปรากฏในญี่ปุ่นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของกวีนิพนธ์ยุโรป

คุณสังเกตไหมว่าขั้นตอนของการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นนั้นมีหลายแง่มุม กวีนิพนธ์ในสังคมของประเทศนี้มีบทบาทพิเศษ ประเภทที่โด่งดังที่สุดประเภทหนึ่งคือไฮกุ คุณสามารถเข้าใจได้โดยทำความคุ้นเคยกับประวัติของมันเท่านั้น

ปรากฏครั้งแรกในยุคเฮอัน คล้ายกับแบบเรงกะซึ่งเป็นทางออกสำหรับกวีที่ต้องการหยุดพักจากบทประพันธ์ของวา ไฮกุพัฒนาเป็นแนวเพลงในแบบของตัวเองในศตวรรษที่ 16 เนื่องจากเรงกะจริงจังเกินไปและไฮกุพึ่งพา ภาษาพูดและยังคงมีอารมณ์ขัน

แน่นอนว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นได้รับการอธิบายสั้น ๆ ในหลาย ๆ งาน แต่เราจะพยายามพูดถึงรายละเอียดเพิ่มเติม เป็นที่ทราบกันดีว่าในยุคกลางประเภทวรรณกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดประเภทหนึ่งคือ ทังกะ (“เพลงพูดน้อย”) ในกรณีส่วนใหญ่ นี่คือห้าบรรทัด ประกอบด้วยคู่ของบทที่มีจำนวนพยางค์ที่แน่นอน: 5-7-5 พยางค์ในสามบรรทัดของบทแรก และ 7-7 ในสองบรรทัดที่สอง สำหรับเนื้อหานั้น แทงกะใช้โครงร่างต่อไปนี้: บทแรกแสดงถึงภาพธรรมชาติที่เฉพาะเจาะจง และบทที่สองสะท้อนถึงความรู้สึกของบุคคลที่สะท้อนภาพนี้:

• บนภูเขาอันไกลโพ้น
  ไก่ฟ้าหางยาวหลับใน -
  ราตรีอันยาวไกลนี้
  ฉันสามารถนอนคนเดียวได้ไหม ( Kakinomoto no Hitovaro ต้นศตวรรษที่ 8 แปลโดย Sanovich.)

ละครญี่ปุ่น

หลายคนแย้งว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของจีนและญี่ปุ่นนั้นน่าหลงใหล คุณชอบศิลปะการแสดงไหม? ละครแบบดั้งเดิมของดินแดนอาทิตย์อุทัยแบ่งออกเป็นโจรูริ (ละครหุ่นกระบอก) ละครโนห์ (เกียวเก็นและโยเกียวคุ) ละครคาบุกิ และชิงเงกิ ขนบธรรมเนียมของศิลปะนี้ประกอบด้วยประเภทการแสดงละครพื้นฐาน 5 ประเภท ได้แก่ เกียวเก็น โนะ บูกาคุ คาบุกิ และบุนรากุ ประเพณีทั้งห้านี้ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน แม้จะมีความแตกต่างกันอย่างมาก แต่ก็เชื่อมโยงกันด้วยหลักการทางสุนทรียะทั่วไปที่เป็นรากฐานของศิลปะญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม การแสดงละครของญี่ปุ่นเกิดขึ้นบนเวทีของ No.

โรงละครคาบุกิปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 17 และถึงจุดสูงสุดในปลายศตวรรษที่ 18 รูปแบบของการแสดงที่พัฒนาขึ้นในช่วงเวลาที่กำหนดจะถูกรักษาไว้บนเวทีสมัยใหม่ของคาบุกิ การผลิตของโรงละครนี้ ตรงกันข้ามกับเวทีของ No ซึ่งเน้นที่วงแคบๆ ของผู้ชื่นชมศิลปะโบราณ ได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมจำนวนมาก รากเหง้าของทักษะคาบุกิมีต้นกำเนิดมาจากการแสดงของนักแสดงตลก - นักแสดงตลกขนาดเล็ก ฉากที่ประกอบด้วยการเต้นรำและการร้องเพลง ทักษะการแสดงละครของคาบุกิได้ดูดซับองค์ประกอบของโจรุริและไม่ใช่

รูปลักษณ์ของโรงละครคาบูกิมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของคนงานของเขตรักษาพันธุ์พุทธศาสนา O-Kuni ในเกียวโต (1603) O-Kuni แสดงบนเวทีด้วยการเต้นรำทางศาสนา ซึ่งรวมถึงการเคลื่อนไหวของการเต้นรำพื้นบ้านของ Nembutsu-odori การแสดงของเธอสลับกับการแสดงละครการ์ตูน ในขั้นตอนนี้ การผลิตเรียกว่า yujo-kabuki (คาบุกิของโสเภณี), o-kuni-kabuki หรือ onna-kabuki (คาบุกิของสตรี)

แกะสลัก

ในศตวรรษที่ผ่านมา ชาวยุโรปและชาวรัสเซียได้พบกับปรากฏการณ์ของศิลปะญี่ปุ่นผ่านการแกะสลัก ในขณะเดียวกันในดินแดนแห่งอาทิตย์อุทัยการวาดภาพบนต้นไม้ไม่ถือเป็นทักษะในตอนแรกแม้ว่ามันจะมีคุณสมบัติทั้งหมดของวัฒนธรรมมวลชน - ความถูกความพร้อมใช้งานการหมุนเวียน ผู้ที่ชื่นชอบภาพอุกิโยะสามารถบรรลุความชัดเจนสูงสุดและความเรียบง่ายทั้งในรูปแบบของแปลงและตัวเลือกของพวกเขา

ภาพอุกิโยะเป็นโรงเรียนสอนศิลปะพิเศษ ดังนั้นเธอจึงสามารถนำเสนอปรมาจารย์ที่โดดเด่นหลายคนได้ ดังนั้น ชื่อของ Hisikawa Moronobu (1618-1694) จึงมีความเกี่ยวข้องกับระยะเริ่มต้นของการพัฒนาลายแกะสลัก ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ซูซูกิ ฮารุโนบุ ผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักหลากสีคนแรกได้สร้างขึ้น แรงจูงใจหลักของงานของเขาคือฉากโคลงสั้น ๆ ซึ่งไม่ได้ให้ความสนใจกับการกระทำ แต่เป็นการถ่ายทอดอารมณ์และความรู้สึก: ความรัก ความอ่อนโยน ความเศร้า เช่นเดียวกับศิลปะโบราณอันงดงามในยุคเฮอัน นักภาพอุกิโยะเอะได้รื้อฟื้นลัทธิที่ไม่ธรรมดาของความงามอันวิจิตรของผู้หญิงในสภาพแวดล้อมของเมืองที่ได้รับการปรับปรุงใหม่

ข้อแตกต่างเพียงอย่างเดียวคือแทนที่จะเป็นขุนนางสมัยเฮอันที่หยิ่งผยอง ภาพพิมพ์แสดงถึงเกอิชาผู้สง่างามจากย่านบันเทิงของเอโดะ ศิลปิน Utamaro (1753-1806) อาจเป็นตัวอย่างที่ไม่เหมือนใครของมืออาชีพในประวัติศาสตร์การวาดภาพ ผู้อุทิศผลงานสร้างสรรค์ของเขาอย่างเต็มที่ในการวาดภาพผู้หญิงในท่าทางและชุดต่างๆ ในสถานการณ์ชีวิตที่หลากหลาย หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขาคือการแกะสลัก "Geisha Osama" ซึ่งเก็บไว้ในมอสโกในพิพิธภัณฑ์จิตรกรรมพุชกิน ศิลปินถ่ายทอดความสามัคคีของท่าทางและอารมณ์การแสดงออกทางสีหน้าอย่างละเอียดผิดปกติ

มังงะและอะนิเมะ

ศิลปินหลายคนพยายามศึกษาการวาดภาพของญี่ปุ่น อะนิเมะ (แอนิเมชั่นญี่ปุ่น) คืออะไร? มันแตกต่างจากแอนิเมชั่นประเภทอื่นโดยปรับให้เหมาะกับผู้ชมที่เป็นผู้ใหญ่มากกว่า ที่นี่มีการแบ่งซ้ำในรูปแบบที่ชัดเจน กลุ่มเป้าหมาย. ตัวชี้วัดความปิ๊งอยู่ที่เพศ อายุ หรือแนวจิตวิทยาของคนดู บ่อยครั้งที่อะนิเมะเป็นภาพยนตร์ที่ดัดแปลงมาจากการ์ตูนมังงะญี่ปุ่นซึ่งได้รับชื่อเสียงอย่างมากเช่นกัน

ส่วนพื้นฐานของมังงะได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมที่เป็นผู้ใหญ่ จากข้อมูลในปี 2545 ประมาณ 20% ของตลาดหนังสือญี่ปุ่นทั้งหมดถูกครอบครองโดยการ์ตูนมังงะ

ญี่ปุ่นอยู่ใกล้กับเราในทางภูมิศาสตร์ แต่ถึงกระนั้นก็ตาม เป็นเวลานานแล้วที่ยังคงไม่สามารถเข้าใจได้และไม่สามารถเข้าถึงได้จากทั้งโลก วันนี้เรารู้มากเกี่ยวกับประเทศนี้ การแยกตัวโดยสมัครใจเป็นเวลานานได้นำไปสู่ความจริงที่ว่าวัฒนธรรมของตนแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากวัฒนธรรมของรัฐอื่น

มีประวัติศาสตร์อันยาวนาน ขนบธรรมเนียมประเพณีมีมากมาย โดยตำแหน่งที่ไม่เหมือนใครของญี่ปุ่นในโลกมีอิทธิพลอย่างมากต่อรูปแบบและเทคนิคที่โดดเด่นของศิลปินชาวญี่ปุ่น ข้อเท็จจริงที่ทราบการที่ญี่ปุ่นถูกโดดเดี่ยวมานานหลายศตวรรษนั้นไม่ได้เกิดจากสภาพภูมิศาสตร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความโน้มเอียงทางวัฒนธรรมที่โดดเด่นของญี่ปุ่นในการแยกตัวออกจากกันซึ่งเป็นเครื่องหมายของประวัติศาสตร์ของประเทศ ในช่วงหลายศตวรรษของสิ่งที่เราเรียกว่า "อารยธรรมญี่ปุ่น" นั้น วัฒนธรรมและศิลปะได้พัฒนาแยกจากส่วนอื่นๆ ของโลก และนี่คือสิ่งที่เห็นได้ชัดในการฝึกวาดภาพของญี่ปุ่น ตัวอย่างเช่น ภาพวาดนิฮงกะเป็นหนึ่งในหลักปฏิบัติการวาดภาพของญี่ปุ่น มีพื้นฐานมาจากประเพณีกว่าพันปี และภาพวาดมักสร้างด้วยพู่กันบนกระดาษญี่ปุ่นหรือเอกินะ (ผ้าไหม)

อย่างไรก็ตาม ศิลปะและภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลจากศิลปะต่างประเทศ อย่างแรกคือศิลปะจีนในศตวรรษที่ 16 และจิตรกรรมจีนและประเพณีศิลปะจีนที่มีอิทธิพลเป็นพิเศษในหลายๆ ด้าน ในศตวรรษที่ 17 ภาพวาดของญี่ปุ่นก็ได้รับอิทธิพลจากประเพณีตะวันตกเช่นกัน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงก่อนสงครามซึ่งกินเวลาตั้งแต่ปี พ.ศ. 2411 ถึง พ.ศ. 2488 ภาพวาดของญี่ปุ่นได้รับอิทธิพลจากลัทธิอิมเพรสชันนิสม์และแนวจินตนิยมของยุโรป ในขณะเดียวกัน การเคลื่อนไหวทางศิลปะใหม่ๆ ของยุโรปก็ได้รับอิทธิพลอย่างมากจากญี่ปุ่นเช่นกัน เทคนิคทางศิลปะ. ในประวัติศาสตร์ศิลปะ อิทธิพลนี้เรียกว่า "ลัทธิญี่ปุ่น" และมีความสำคัญเป็นพิเศษสำหรับกลุ่มอิมเพรสชันนิสต์ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยม และศิลปินที่เกี่ยวข้องกับลัทธิสมัยใหม่

ประวัติศาสตร์อันยาวนานของการวาดภาพญี่ปุ่นสามารถมองได้ว่าเป็นการสังเคราะห์ประเพณีหลายอย่างที่ก่อให้เกิดส่วนหนึ่งของสุนทรียภาพแบบญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จัก ประการแรก พุทธศิลป์และวิธีการวาดภาพ รวมถึงการวาดภาพทางศาสนา ได้ทิ้งร่องรอยสำคัญเกี่ยวกับสุนทรียภาพของภาพวาดญี่ปุ่น การวาดภาพทิวทัศน์ด้วยหมึกน้ำตามประเพณีของการวาดภาพวรรณกรรมจีนเป็นองค์ประกอบสำคัญอีกประการหนึ่งที่ได้รับการยอมรับในภาพวาดญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงมากมาย การวาดภาพสัตว์และพืช โดยเฉพาะนกและดอกไม้ เป็นสิ่งที่มักเกี่ยวข้องกับการประพันธ์ของญี่ปุ่น เช่นเดียวกับภาพทิวทัศน์และฉากจาก ชีวิตประจำวัน. ในที่สุด แนวคิดโบราณเกี่ยวกับความงามจากปรัชญาและวัฒนธรรมของญี่ปุ่นโบราณมีอิทธิพลอย่างมากต่อการวาดภาพของญี่ปุ่น Wabi ซึ่งหมายถึงความงามที่ไม่จีรังและรุนแรง sabi (ความงามของคราบตามธรรมชาติและความร่วงโรย) และ yugen (ความสง่างามและความละเอียดอ่อนที่ล้ำลึก) ยังคงมีอิทธิพลต่ออุดมคติในการวาดภาพของญี่ปุ่น

สุดท้าย หากเราโฟกัสไปที่ผลงานชิ้นเอกของญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุด 10 ชิ้น เราต้องพูดถึงภาพอุกิโยะซึ่งเป็นหนึ่งในประเภทศิลปะที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในญี่ปุ่น แม้ว่าจะเป็นงานภาพพิมพ์ก็ตาม ที่นี่มีอิทธิพลเหนือศิลปะญี่ปุ่นตั้งแต่ศตวรรษที่ 17 ถึง 19 โดยศิลปินในประเภทนี้ได้ผลิตภาพพิมพ์ไม้และภาพวาดในหัวข้อต่างๆ เช่น สาวสวย นักแสดงคาบุกิ และนักมวยปล้ำซูโม่ ตลอดจนฉากจากประวัติศาสตร์และนิทานพื้นบ้าน ฉากการเดินทางและทิวทัศน์ พืชพรรณ และสัตว์และแม้แต่เรื่องโป๊เปลือย

มันยากเสมอที่จะทำรายการ รูปภาพที่ดีที่สุดจาก ประเพณีทางศิลปะ. ผลงานที่น่าทึ่งมากมายจะถูกแยกออก อย่างไรก็ตาม รายการนี้มีภาพวาดญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดในโลก 10 ภาพ บทความนี้จะนำเสนอเฉพาะภาพวาดที่สร้างขึ้นตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 จนถึงปัจจุบัน

ภาพวาดของญี่ปุ่นมีประวัติศาสตร์อันยาวนาน ตลอดหลายศตวรรษที่ผ่านมา ศิลปินชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาเทคนิคและรูปแบบเฉพาะตัวจำนวนมาก ซึ่งเป็นผลงานที่มีคุณค่าที่สุดของญี่ปุ่นต่อโลกศิลปะ หนึ่งในเทคนิคเหล่านี้คือ sumi-e Sumi-e หมายถึง "การวาดภาพด้วยหมึก" เป็นการรวมเอาการประดิษฐ์ตัวอักษรและการวาดภาพด้วยหมึกเพื่อสร้างองค์ประกอบที่สวยงามที่หายากขององค์ประกอบที่วาดด้วยพู่กัน ความงามนี้ขัดแย้งกัน - โบราณแต่ทันสมัย ​​เรียบง่ายแต่ซับซ้อน กล้าได้กล้าเสียทว่าสงบเสงี่ยม สะท้อนพื้นฐานทางจิตวิญญาณของศิลปะในศาสนาพุทธนิกายเซนอย่างไม่ต้องสงสัย พระสงฆ์นำบล็อกหมึกแข็งและพู่กันไม้ไผ่จากจีนมายังญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 6 และในช่วง 14 ศตวรรษที่ผ่านมา ญี่ปุ่นได้พัฒนามรดกอันยาวนานของการวาดภาพด้วยหมึก

เลื่อนลงและดู 10 ผลงานจิตรกรรมญี่ปุ่นชิ้นเอก

1. Katsushika Hokusai "ความฝันของภรรยาของชาวประมง"

หนึ่งในภาพวาดของญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักมากที่สุดคือความฝันของภรรยาของชาวประมง มันถูกวาดในปี 1814 โดยศิลปินชื่อดัง Hokusai ตามคำจำกัดความที่เคร่งครัด งานอันน่าทึ่งของ Hokusai ไม่สามารถพิจารณาว่าเป็นภาพวาดได้ เนื่องจากเป็นภาพพิมพ์แกะไม้แบบอุกิโยะจาก Young Pines (Kinoe no Komatsu) ซึ่งเป็นหนังสือชุงงะสามเล่ม องค์ประกอบเป็นภาพของนักประดาน้ำอามะอายุน้อยที่เกี่ยวพันกับปลาหมึกคู่หนึ่ง ภาพนี้มีอิทธิพลอย่างมากในศตวรรษที่ 19 และ 20 ผลงานนี้มีอิทธิพลต่อศิลปินรุ่นหลังเช่น Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf และ Pablo Picasso

2. Tessai Tomioka "Abe no Nakamaro เขียนบทกวีแห่งความคิดถึงขณะชมดวงจันทร์"

Tessai Tomioka เป็นนามแฝงของศิลปินและนักประดิษฐ์ตัวอักษรชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียง เขาถือเป็นศิลปินหลักคนสุดท้ายในประเพณี Bunjing และเป็นหนึ่งในศิลปินหลักคนแรกของสไตล์ Nihonga Bunjinga เป็นโรงเรียนสอนวาดภาพญี่ปุ่นที่เจริญรุ่งเรืองในช่วงปลายยุคเอโดะในหมู่ศิลปินที่คิดว่าตัวเองเป็นผู้รู้หนังสือหรือปัญญาชน ศิลปินเหล่านี้รวมถึง Tessaia ต่างก็พัฒนาสไตล์และเทคนิคของตัวเอง แต่พวกเขาต่างก็เป็นแฟนตัวยงของศิลปะและวัฒนธรรมจีน

3. Fujishima Takeji "พระอาทิตย์ขึ้นเหนือทะเลตะวันออก"

ฟูจิชิมะ ทาเคจิเป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักจากผลงานในการพัฒนาแนวจินตนิยมและอิมเพรสชันนิสม์ในการเคลื่อนไหวศิลปะโยคะ (สไตล์ตะวันตก) ในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในปี พ.ศ. 2448 เขาเดินทางไปฝรั่งเศส ซึ่งเขาได้รับอิทธิพลจากการเคลื่อนไหวของฝรั่งเศสในช่วงเวลานั้น โดยเฉพาะลัทธิอิมเพรสชันนิสม์ ดังที่เห็นได้จากภาพวาดพระอาทิตย์ขึ้นเหนือทะเลตะวันออกในปี พ.ศ. 2475

4. Kitagawa Utamaro "ใบหน้าผู้หญิง 10 แบบ คอลเลกชันของความงามที่มีอำนาจเหนือใคร"

Kitagawa Utamaro เป็นศิลปินชาวญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงซึ่งเกิดในปี 1753 และเสียชีวิตในปี 1806 เขาเป็นที่รู้จักกันดีที่สุดจากซีรีส์เรื่อง Ten Types of Women's Faces คอลเลกชันของความงามในการปกครองธีม ความรักที่ยิ่งใหญ่บทกวีคลาสสิก" (บางครั้งเรียกว่า "สตรีมีความรัก" โดยมีการแกะสลัก "ความรักเปล่า" และ "ความรักที่หม่นหมอง" แยกจากกัน) เขาเป็นหนึ่งในศิลปินที่สำคัญที่สุดในแนวภาพพิมพ์ภาพอุกิโยะ

5. คาวานาเบะ เคียวไซ "เสือ"

Kawanabe Kyosai เป็นหนึ่งในศิลปินญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดในยุคเอโดะ ศิลปะของเขาได้รับอิทธิพลมาจากโทฮาคุ จิตรกรชาวคาโนะในศตวรรษที่ 16 ซึ่งเป็นจิตรกรเพียงคนเดียวในสมัยของเขาที่วาดภาพหน้าจอด้วยหมึกทั้งหมดโดยมีพื้นหลังเป็นผงทองละเอียดอ่อน แม้ว่า Kyosai จะเป็นที่รู้จักในฐานะนักเขียนการ์ตูน แต่เขาก็ได้เขียนผลงานมากที่สุด ภาพวาดที่มีชื่อเสียงในประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น ศิลปะ XIXศตวรรษ. "เสือ" เป็นหนึ่งในภาพวาดที่ Kyosai ใช้สีน้ำและหมึกในการสร้างสรรค์

6. ฮิโรชิ โยชิดะ ฟูจิ จากทะเลสาบคาวากุจิ

ฮิโรชิ โยชิดะเป็นที่รู้จักในฐานะหนึ่งในบุคคลสำคัญของศิลปะแบบชิน-ฮังกะ (ชิน-ฮังกะคือการเคลื่อนไหวทางศิลปะในญี่ปุ่นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ในช่วงไทโชและโชวะ ศิลปะแบบดั้งเดิม ukiyo-e ซึ่งหยั่งรากในยุคเอโดะและเมจิ (ศตวรรษที่ XVII - XIX)) เขาได้รับการฝึกฝนตามประเพณีการวาดภาพสีน้ำมันแบบตะวันตกซึ่งถูกนำมาใช้ในญี่ปุ่นในช่วงสมัยเมจิ

7. ทาคาชิ มูราคามิ "727"

Takashi Murakami น่าจะเป็นศิลปินญี่ปุ่นที่โด่งดังที่สุดในยุคนี้ ผลงานของเขาขายได้ราคามหาศาลในการประมูลครั้งสำคัญ และงานของเขาได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินรุ่นใหม่แล้ว ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้นแต่ยังรวมถึงประเทศอื่นๆ ด้วย งานศิลปะของมูราคามิมีสื่อหลายประเภทและมักถูกอธิบายว่าแบนมาก ผลงานของเขาเป็นที่รู้จักจากการใช้สีโดยผสมผสานแรงบันดาลใจจากวัฒนธรรมดั้งเดิมและสมัยนิยมของญี่ปุ่น เนื้อหาในภาพวาดของเขามักจะบรรยายว่า "น่ารัก" "หลอนประสาท" หรือ "เสียดสี"

8. ยาโยอิ คุซามะ "ฟักทอง"

Yaoi Kusama เป็นหนึ่งในศิลปินญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุด เธอทำงานในสื่อต่างๆ มากมาย รวมถึงการวาดภาพ ภาพปะติด ประติมากรรมเศษ ศิลปะการแสดง ศิลปะสิ่งแวดล้อม และการติดตั้ง ซึ่งส่วนใหญ่แสดงให้เห็นถึงความสนใจเฉพาะเรื่องของเธอในสีที่ทำให้เคลิบเคลิ้ม การซ้ำๆ และรูปแบบ หนึ่งในซีรีส์ที่โด่งดังที่สุดของศิลปินผู้ยิ่งใหญ่คนนี้คือซีรีส์ Pumpkin น้ำเต้าลายจุดสีเหลืองสดวางอยู่บนตาข่าย องค์ประกอบทั้งหมดดังกล่าวร่วมกันสร้างภาษาภาพซึ่งไม่มีความแตกต่างกับสไตล์ของศิลปิน และได้รับการพัฒนาและขัดเกลากว่าทศวรรษของการสร้างสรรค์และการทำซ้ำอย่างอุตสาหะ

9. เท็นเมียวยะ ฮิซาชิ "จิตวิญญาณแห่งญี่ปุ่น #14"

เท็นเมียวยะ ฮิซาชิเป็นศิลปินร่วมสมัยชาวญี่ปุ่นที่เป็นที่รู้จักจากภาพวาดนีโอ-นิฮงกะ เขามีส่วนร่วมในการฟื้นฟูประเพณีเก่าแก่ของการวาดภาพญี่ปุ่น ซึ่งตรงกันข้ามกับการวาดภาพญี่ปุ่นสมัยใหม่ ในปี 2000 เขายังได้สร้างสไตล์ใหม่ของเขาคือ butouha ซึ่งแสดงให้เห็นถึงทัศนคติที่แน่วแน่ต่อระบบศิลปะที่มีอำนาจผ่านภาพวาดของเขา "จิตวิญญาณแห่งญี่ปุ่น หมายเลข 14" ถูกสร้างขึ้นโดยเป็นส่วนหนึ่งของโครงการศิลปะ "บาซาระ" ซึ่งตีความในวัฒนธรรมญี่ปุ่นว่าเป็นพฤติกรรมที่กบฏของชนชั้นสูงระดับล่างในช่วงยุคสงคราม เพื่อกีดกันผู้มีอำนาจในการบรรลุอุดมคติ ดำเนินชีวิตโดยแต่งกายด้วยเสื้อผ้าหรูหราฟุ่มเฟือยและทำตัวอิสระไม่เข้ากับชนชั้นในสังคม

10. Katsushika Hokusai "คลื่นลูกใหญ่นอกชายฝั่ง Kanagawa"

สุดท้ายนี้ The Great Wave off Kanagawa น่าจะเป็นที่รู้จักมากที่สุด ภาพวาดญี่ปุ่นเคยเขียน. มันสุดจริงๆ งานที่มีชื่อเสียงศิลปะที่ทำในญี่ปุ่น เป็นภาพคลื่นยักษ์ที่คุกคามเรือนอกชายฝั่งจังหวัดคานางาวะ แม้ว่าบางครั้งอาจถูกเข้าใจผิดว่าเป็นคลื่นสึนามิ แต่คลื่นตามชื่อภาพวาดบ่งบอกว่าน่าจะมีความสูงผิดปกติ ภาพวาดนี้สร้างขึ้นตามประเพณีภาพอุกิโยะ

จาก: ,  18346 การดู

- เข้าร่วมเดี๋ยวนี้! ชื่อของคุณ:

ความคิดเห็น:

ญี่ปุ่นเป็นประเทศที่เล็กที่สุดในตะวันออกไกล - 372,000 ตารางกิโลเมตร แต่การมีส่วนร่วมที่ญี่ปุ่นสร้างไว้ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโลกนั้นไม่น้อยไปกว่าการมีส่วนร่วมของรัฐโบราณที่ยิ่งใหญ่

ต้นกำเนิดของศิลปะของประเทศโบราณนี้มีอายุย้อนไปถึง 8 พันปีก่อนคริสต์ศักราช แต่ช่วงที่สำคัญที่สุดในชีวิตศิลปะของเธอคือช่วงเวลาที่เริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 6-7 และดำเนินต่อไปจนถึงกลางศตวรรษที่ 19 พัฒนาการของศิลปะญี่ปุ่นดำเนินไปอย่างไม่สม่ำเสมอ แต่ก็ไม่รู้ว่ามีการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วหรือลดลงอย่างรวดเร็ว

ศิลปะญี่ปุ่นพัฒนาขึ้นในสภาพธรรมชาติและประวัติศาสตร์ที่พิเศษ ญี่ปุ่นตั้งอยู่บนเกาะใหญ่ 4 เกาะ (ฮอนชู ฮอกไกโด คิวชู และชิโอกุ) และเกาะเล็กๆ อีกจำนวนมาก เป็นเวลานานที่เข้มแข็งและไม่รู้จักสงครามภายนอก ความใกล้ชิดของญี่ปุ่นกับแผ่นดินใหญ่ส่งผลกระทบต่อการสร้างการติดต่อกับจีนและเกาหลีในสมัยโบราณ สิ่งนี้ช่วยเร่งการพัฒนาศิลปะของญี่ปุ่น

ศิลปะยุคกลางของญี่ปุ่นเติบโตภายใต้อิทธิพลของวัฒนธรรมเกาหลีและจีน ญี่ปุ่นรับเอาอักษรจีนและคุณลักษณะของโลกทัศน์ของจีนมาใช้ ศาสนาพุทธกลายเป็นศาสนาประจำชาติของญี่ปุ่น แต่ชาวญี่ปุ่นได้หักล้างความคิดของจีนในแบบของตนและนำมาปรับใช้กับวิถีชีวิตของตน

บ้านญี่ปุ่น ตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่น
บ้านญี่ปุ่นมีความชัดเจนและเรียบง่ายจากภายในพอๆ กับภายนอก มันถูกรักษาความสะอาดอย่างต่อเนื่อง พื้นขัดเงาปูด้วยเสื่อฟางสีอ่อน - เสื่อทาทามิ แบ่งห้องออกเป็นสี่เหลี่ยมผืนผ้า รองเท้าถูกถอดไว้ที่บันไดหน้าประตู ของต่างๆ เก็บไว้ในตู้เสื้อผ้า ห้องครัวแยกจากห้องนั่งเล่น ตามกฎแล้วไม่มีสิ่งถาวรในห้อง พวกเขาถูกนำเข้ามาและนำออกไปตามความจำเป็น แต่ทุกสิ่งในห้องที่ว่างเปล่า ไม่ว่าจะเป็นดอกไม้ในแจกัน รูปภาพ หรือโต๊ะเครื่องเขิน ล้วนดึงดูดความสนใจและได้รับความรู้สึกพิเศษ

ศิลปะทุกประเภทเกี่ยวข้องกับการออกแบบพื้นที่ของบ้าน วัด วัง หรือปราสาทในญี่ปุ่นยุคกลาง แต่ละคนทำหน้าที่เสริมซึ่งกันและกัน ตัวอย่างเช่น ช่อดอกไม้ที่เลือกสรรมาอย่างดีช่วยเสริมและกำหนดอารมณ์ที่สื่อถึงในการวาดภาพทิวทัศน์

ความแม่นยำที่ไร้ที่ติแบบเดียวกัน ความรู้สึกเดียวกันของวัสดุ เช่นเดียวกับการตกแต่งบ้านของญี่ปุ่น สัมผัสได้ในผลิตภัณฑ์ของศิลปะการตกแต่ง ในพิธีชงชานั้นไม่ได้ไร้เหตุผล เนื่องจากเป็นอัญมณีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด จึงมีการใช้เครื่องใช้ที่ทำขึ้นด้วยมือ หม้อที่นุ่มและไม่เรียบของมันทำให้ร่องรอยของนิ้วที่ปั้นดินเหนียวเปียก เคลือบสีชมพูมุก, เทอร์ควอยซ์ - ไลแลคหรือเทา - น้ำเงินนั้นไม่จับใจ แต่พวกเขารู้สึกถึงความสดใสของธรรมชาติด้วยชีวิตที่เกี่ยวข้องกับศิลปะญี่ปุ่นทุกชิ้น

เครื่องปั้นดินเผาญี่ปุ่น
ภาชนะดินเผาที่ไม่เคลือบ ปั้นด้วยมือ และเผาที่อุณหภูมิต่ำ มีลักษณะคล้ายกับเซรามิกของชนชาติโบราณอื่นๆ แต่พวกเขามีคุณลักษณะที่เป็นเอกลักษณ์ของวัฒนธรรมญี่ปุ่นอยู่แล้ว ลวดลายของเหยือกและจานรูปทรงต่างๆ สะท้อนแนวคิดเกี่ยวกับองค์ประกอบของพายุเฮอริเคน ทะเล และภูเขาพ่นไฟ จินตนาการของผลิตภัณฑ์เหล่านี้ดูเหมือนจะได้รับการกระตุ้นโดยธรรมชาติ

เหยือกน้ำขนาดใหญ่สูงเกือบหนึ่งเมตรที่มีลวดลายมัดดินเหนียวติดอยู่ มีลักษณะคล้ายเปลือกหอยที่คดเคี้ยว หรือแนวปะการังที่แตกกิ่งก้านสาขา หรือสาหร่ายที่พันกันยุ่งเหยิง หรือขอบขรุขระของภูเขาไฟ แจกันและชามที่โอ่อ่าและยิ่งใหญ่เหล่านี้ไม่เพียงแต่ใช้ในบ้านเท่านั้น แต่ยังใช้ในพิธีกรรมด้วย แต่ในช่วงกลางของ 1 พันปีก่อนคริสต์ศักราช เครื่องสำริดเข้ามาใช้และเครื่องใช้เซรามิกหมดจุดประสงค์ในพิธีกรรม

ถัดจากเซรามิกส์ก็มีผลิตภัณฑ์ใหม่เกี่ยวกับงานฝีมือ - อาวุธ, เครื่องประดับ, ระฆังทองสัมฤทธิ์และกระจก

ของใช้ในบ้านของญี่ปุ่น
ในคริสต์ศตวรรษที่ 9 ถึง 12 รสนิยมของขุนนางญี่ปุ่นถูกเปิดเผยในศิลปะการตกแต่ง เครื่องเคลือบเรียบลื่น กันความชื้น โรยด้วยผงทองและเงิน บางเบาและสง่างาม ราวกับส่องแสงในห้องญี่ปุ่นยามพลบค่ำ และประกอบขึ้นเป็นของใช้ประจำวันมากมาย ใช้แล็คเกอร์เพื่อสร้างชามและโลงศพ หีบและโต๊ะ เครื่องดนตรี สิ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ ของวัดและชีวิตประจำวัน - มีดเงินสำหรับอาหาร, แจกันดอกไม้, กระดาษลวดลายสำหรับจดหมาย, เข็มขัดปัก - เผยให้เห็นทัศนคติทางกวีและอารมณ์ของชาวญี่ปุ่นต่อโลก

ภาพวาดญี่ปุ่น
ด้วยการพัฒนาสถาปัตยกรรมของพระราชวังที่ยิ่งใหญ่กิจกรรมของจิตรกรในโรงเรียนศาลจึงมีความกระตือรือร้นมากขึ้น ศิลปินต้องทาสีพื้นผิวขนาดใหญ่ไม่เพียงแค่ผนังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฉากพับกระดาษหลายพับด้วย ซึ่งทำหน้าที่เป็นทั้งภาพวาดและฉากกั้นแบบพกพาในห้อง คุณลักษณะของลักษณะที่สร้างสรรค์ของช่างฝีมือที่มีความสามารถคือการเลือกรายละเอียดภูมิทัศน์ขนาดใหญ่หลากสีบนระนาบอันกว้างใหญ่ของแผงผนังหรือหน้าจอ

องค์ประกอบของดอกไม้ สมุนไพร ต้นไม้ และนก แสดงโดย Kano Eitoku บนพื้นหลังสีทองที่ส่องประกายด้วยจุดหนาและชุ่มฉ่ำ เป็นแนวคิดทั่วไปเกี่ยวกับพลังและความยิ่งใหญ่ของจักรวาล ตัวแทนของโรงเรียน Kano พร้อมด้วยลวดลายธรรมชาติรวมอยู่ในภาพวาดและหัวข้อใหม่ที่สะท้อนถึงชีวิตและความเป็นอยู่ของเมืองญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 16

นอกจากนี้ยังมีภาพทิวทัศน์ขาวดำบนหน้าจอพระราชวัง แต่พวกมันมีผลการตกแต่งที่ยอดเยี่ยม นั่นคือหน้าจอที่วาดโดยลูกศิษย์ของ Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610) จิตรกรตีความพื้นผิวด้านสีขาวว่าเป็นม่านหมอกหนา ซึ่งเงาของต้นสนแก่ก็แตกออกเช่นเดียวกับการมองเห็น ด้วยหยดหมึกหนาเพียงไม่กี่หยด โทฮาคุสร้างภาพแห่งบทกวีของป่าในฤดูใบไม้ร่วง

ม้วนกระดาษแนวนอนสีเดียวที่มีความสวยงามนุ่มนวลไม่สามารถเข้ากับสไตล์ของห้องในวังได้ แต่พวกเขายังคงความสำคัญในฐานะส่วนที่ขาดไม่ได้ของศาลาน้ำชา chashitsu ซึ่งออกแบบมาเพื่อสมาธิและความสงบทางจิตวิญญาณ

งานศิลปะของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นไม่เพียงแต่ยังคงความคงอยู่ของรูปแบบโบราณเท่านั้น แต่ยังมีสิ่งใหม่ๆ ในตัวเสมอ ซึ่งไม่มีงานศิลปะอื่นใดมี ในศิลปะญี่ปุ่นไม่มีที่สำหรับความคิดโบราณและแม่แบบ โดยธรรมชาติแล้วไม่มีการสร้างสรรค์ที่เหมือนกันทั้งหมดสองอย่าง และแม้กระทั่งในปัจจุบัน งานศิลปะของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นก็ไม่สามารถสับสนกับงานศิลปะจากประเทศอื่นได้ ในศิลปะญี่ปุ่น เวลาเดินช้าลง แต่ไม่หยุดเดิน ในศิลปะญี่ปุ่น ประเพณีในสมัยโบราณยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้