Was macht ein Bühnenlichtkünstler? Neues Geschäft

Der Beruf des Buchmalers entstand in der Shakespeare-Ära. Besondere Bedienstete sorgten dafür, dass die Kerzen während der Aufführung nicht geraucht oder gelöscht wurden. In der Renaissance begann man in Italien mit der Entwicklung von Beleuchtungssystemen für Theater. Um heute Lichtdesigner zu werden, muss man heute nicht nur in der Elektrotechnik auf dem richtigen Weg sein, sondern auch über ein gutes Organisationstalent, einen künstlerischen Geschmack und ein ausgewogenes Gespür für Licht verfügen und sich darüber hinaus auskennen Physik, Optik, Regie und Szenografie. Wie Sie sehen, gibt es viele Anforderungen und daher ist ein Lichtdesigner in unserem Land ein seltener Spezialist.
Die Merkmale dieses Berufs werden von Konstantin Gerasimov, einem Licht- und Lichttechniker, geteilt Generaldirektor Firma TDS, spezialisiert auf die komplexe technische Betreuung von Veranstaltungen.

TDS Konstantin Gerasimov bei der Arbeit.

„Der Lichtdesigner ist eine erstaunliche Kombination aus einem der technischsten und zugleich anspruchsvollsten kreative Berufe. Mit Hilfe von Licht vermitteln wir Grund Idee zeigen, Atmosphäre schaffen. Für jedes Projekt entwickeln wir ein einzigartiges Design und wählen Geräte aus, die spezifische Probleme lösen können. Und hier ist es wichtig, nicht nur die Gesetze der Beleuchtung, moderner Geräte und Technologien zu kennen, sondern auch eine unermüdliche Fantasie zu haben, um den Betrachter immer wieder aufs Neue zu überraschen.

In unserem Geschäft wie auch in der Malerei können Sie nicht einfach einen Pinsel in die Hand nehmen und sofort mit der Schaffung von Meisterwerken beginnen. Dieser Beruf ist ein lebenslanges Lernen. Es reicht nicht aus, nur die Grundlagen zu beherrschen. Die Showbranche entwickelt sich rasant, jeden Tag tauchen neue Technologien auf. Sie müssen klar verstehen, welche davon gerade im Trend liegen, und nach dem suchen, was das globale Publikum noch nicht gesehen hat. Und hier hilft die Symbiose der Technologien, denn jede Show besteht aus einer Reihe von Elementen – Kulisse, Videosequenz, Spezialeffekten. Nachdem ich viele Jahre in der Showbranche gearbeitet habe, wurde mir klar, dass das Geheimnis einer erfolgreichen Show genau in einem integrierten Ansatz bei der Erstellung eines Projekts liegt. Die Zusammenarbeit des Lichtdesigners mit anderen technischen Spezialisten ermöglicht es, etwas ganz Exklusives zu schaffen und die Show auf ein grundlegend neues Qualitätsniveau zu bringen.
Diese Idee bildete die Grundlage für das Unternehmen TDS, das Fachleute im Bereich der technischen Unterstützung von Veranstaltungen zusammenbrachte. Unser Team leitet das Projekt in allen Phasen seines Lebenszyklus – es entwickelt Bühnen- und Bühnenbilddesign, erstellt Licht- und Videoinstallationen und führt eine umfassende technische Verwaltung und Projektunterstützung durch.

Wir glauben, dass die Qualität eines jeden Projekts von der Gründlichkeit seiner Vorbereitung abhängt. Deshalb verwenden wir 3D-Visualisierungs- und Vorprogrammierungsmethoden, um die Show zu entwerfen und inszenieren. So haben Sie bereits vor Beginn der Installation einen vollständigen Überblick über das Projekt und können dessen technische Komponente im Detail erarbeiten.

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Stellenbeschreibung des Chef-Lichtdesigners[Name der Firma]

Diese Stellenbeschreibung wurde in Übereinstimmung mit den Bestimmungen des Einheitlichen Qualifikationsverzeichnisses für die Positionen von Führungskräften, Fachkräften und Mitarbeitern, Abschnitt „Qualifikationsmerkmale der Positionen von Arbeitnehmern in Kultur, Kunst und Kinematographie“, erstellt und genehmigt. im Auftrag des Ministeriums für Gesundheit und soziale Entwicklung der Russischen Föderation vom 30. März 2011 N 251n und anderen Rechtsakten zur Regelung der Arbeitsbeziehungen.

1. Allgemeine Bestimmungen

1.1. Der Cheflichtdesigner ist Teil des künstlerischen Personals und berichtet direkt an [Vorgesetztenposition].

1.2. Der leitende Lichtdesigner wird auf Anordnung von [Positionsname] auf die Position berufen und von dieser entlassen.

1.3. Für die Position des Chef-Lichtdesigners wird eine Person angenommen, die über eine höhere Berufsausbildung (theatralisch-dekorativ, künstlerisch, technisch) und mindestens 5 Jahre Berufserfahrung als Lichtdesigner verfügt.

1.4. Der leitende Lichtdesigner sollte wissen:

Gesetze und andere normative Rechtsakte Russische Föderationüber die Aktivitäten von Organisationen darstellende Künste;

Technische Parameter und Möglichkeiten der Bühne;

Parameter und technische Eigenschaften von Beleuchtungsgeräten;

Die wichtigsten Techniken der künstlerischen Beleuchtung in Bezug auf die szenografische Lösung;

Die neuesten Errungenschaften von Wissenschaft und Technik im Bereich der Bühnenbeleuchtung;

Elektrotechnik;

Elektronik;

Computertechnologie;

Farbwissenschaft;

Mechaniker;

Regeln für den Betrieb, die Lagerung und den Transport von Beleuchtungskörpern;

Erfahrung in darstellenden Künsten und spezialisierten Organisationen im Bereich Bühnenbeleuchtung;

Geschichte der materiellen Kultur sowie der Theater- und Dekorationskunst;

Die Besonderheiten der kreativen Arbeit in Organisationen der darstellenden Künste;

Grundlagen der Ökonomie und des Managements im Bereich der darstellenden Künste, Arbeitsrecht;

Interne Arbeitsvorschriften;

Regeln zum Arbeitsschutz und Brandschutz.

2. Berufliche Verantwortlichkeiten

Leitender Lichtdesigner:

2.1. Entwirft, entsprechend der Absicht des Regisseurs, Lichtdesign für neue und grundlegend erneuerte Produktionen.

2.2. Gemeinsam mit dem Produktionsdesigner entwickelt er die Prinzipien und den Stil künstlerischer Lichtlösungen für Aufführungen und sorgt für das nötige Maß an künstlerischer Lichtgestaltung.

2.3. Entwickelt Lichteffekte, notwendige technische Mittel und Regeln für deren Betrieb.

2.4. Beteiligt sich an der Abnahme des Layouts des Bühnenbildes der Aufführung, macht konkrete Vorschläge für die Installation und den Einsatz der notwendigen technischen Mittel.

2.5. Führt Lichtproben von Aufführungen durch, wobei die installierte künstlerische Beleuchtung auf den Partituren fixiert wird.

2.6. Steuert die genaue Leistung der künstlerischen Beleuchtung von Darbietungen des aktuellen Repertoires.

2.7. Überwacht die Arbeit der Lichtkünstler und leistet ihnen die notwendige Unterstützung.

2.8. Trägt zur beruflichen Weiterentwicklung von Lichtkünstlern bei.

2.9. Organisiert die Untersuchung und Umsetzung der neuesten Errungenschaften im Bereich der Ausrüstung und Technologie für die Theaterproduktion.

2.10. Entwickelt Langzeitpläne Modernisierung der Bühnenbeleuchtung.

2.11. [andere berufliche Aufgaben]

3. Rechte

Der Cheflichtdesigner hat das Recht:

3.1. Für alle in der Gesetzgebung der Russischen Föderation vorgesehenen sozialen Garantien.

3.2. Erhalten Sie von allen Abteilungen direkt oder über den unmittelbaren Vorgesetzten Informationen über die Aktivitäten der Organisation, die zur Erfüllung der Funktionsaufgaben erforderlich sind.

3.3. Unterbreiten Sie dem Management Vorschläge zur Verbesserung seiner Arbeit und der Arbeit der Organisation.

3.4. Machen Sie sich mit den Anordnungsentwürfen der Geschäftsführung bezüglich ihrer Tätigkeit vertraut.

3.5. Unterzeichnen und bestätigen Sie Dokumente im Rahmen ihrer Zuständigkeit.

3.6. Nehmen Sie an Besprechungen teil, bei denen Fragen im Zusammenhang mit seiner Arbeit besprochen werden.

3.7. Fordern Sie das Management auf, normale Bedingungen für die Erfüllung offizieller Aufgaben zu schaffen.

3.8. Verbessern Sie Ihre beruflichen Qualifikationen.

3.9. [weitere Rechte vorgesehen Arbeitsrecht Russische Föderation].

4. Verantwortung

Der Cheflichtdesigner ist verantwortlich für:

4.1. Bei Nichterfüllung oder unsachgemäßer Erfüllung der in dieser Weisung vorgesehenen Pflichten – im Rahmen der durch die Arbeitsgesetzgebung der Russischen Föderation festgelegten Grenzen.

4.2. Für Straftaten, die im Rahmen der Ausübung ihrer Tätigkeit begangen werden – im Rahmen der geltenden Verwaltungs-, Straf- und Zivilgesetzgebung der Russischen Föderation.

4.3. Für die Verursachung eines materiellen Schadens beim Arbeitgeber – innerhalb der durch die geltende Arbeits- und Zivilgesetzgebung der Russischen Föderation festgelegten Grenzen.

Die Stellenbeschreibung wurde gemäß [Name, Nummer und Datum des Dokuments] erstellt.

Leiter Personalwesen

[Initialen, Nachname]

[Unterschrift]

[Tag Monat Jahr]

Einverstanden:

[Berufsbezeichnung]

[Initialen, Nachname]

[Unterschrift]

[Tag Monat Jahr]

Mit den Anweisungen vertraut gemacht:

[Initialen, Nachname]

[Unterschrift]

[Tag Monat Jahr]

Wer ist Beleuchter, Lichtdesigner, Regler, „Schütze“, „Tablet“, „Elektroniker“ und Techniker?

Wann sind diese Berufe entstanden? Wozu dienen sie? Was ist der Unterschied? Ist es möglich, diese Spezialitäten alleine zu beherrschen? Wie analysiert man Erfahrungen?

Sind diese Spezialitäten im Allgemeinen kreativ? Inwieweit schaden „zufällige“ Personen dem Berufsstand?

Versuchen wir gemeinsam, all diese Probleme zu verstehen und die Grundlagen unseres Fachgebiets zu verstehen.

Wer sind die Lichtkünstler?

Analysieren wir die Situation am Beispiel eines „Nachbarn nach Genre“.

Maler. Zugegebenermaßen reicht es nicht aus, einen Maler als „einen hochqualifizierten Zeichner zu definieren, der Pigmente in einer von ihm festgelegten Reihenfolge auf eine grundierte Fläche aufträgt“. diese Definition geeignet für einen Maler, Designer und Ikonenmaler, und diese Fachgebiete sind in ihren Aufgaben völlig unterschiedlich. Der Ikonenmaler arbeitet nach bestimmten Kanonen, sein Werk ist in erster Linie für Gott bestimmt. Die Aufgabe des Designers besteht darin, den Geschmack der überwiegenden Mehrheit der Verbraucher zu befriedigen. Der Künstler arbeitet in erster Linie für sich selbst und für sein Publikum, es sei denn natürlich, er hat etwas zu sagen.

Wie Sie wissen, war am Anfang das Wort, und unser Beruf wurde von diesem Wort erfasst. „Künstler“ definiert das gesamte Wesen der Existenz unseres Handwerks, gibt einen Ausgangspunkt und einen Sinn für die weitere Existenz. Ansonsten ist es besser, sich Meister oder Lichtdesigner zu nennen. Zumindest wird es auf seine Art ehrlich und respektwürdig sein.

Dieses Buch wird ein Versuch sein, den Beruf des Lichtdesigners aus künstlerischer Sicht genau zu studieren, da in Russland im Gegensatz zur Fachliteratur ein katastrophaler Mangel an einschlägiger Literatur herrscht. Abgesehen von D. G. Ismagilava, E. P. Drivaleva und natürlich N. P. Izvekov und V. V. Bazanov kann ich mich nicht an die Autoren erinnern, die sich der Erstellung von Lehrbüchern über Beleuchtung und Theatertechnik gewidmet haben. Ich weiß nicht, wie das Format dieses Buches dem Konzept eines Lehrbuchs entsprechen wird. Auf jeden Fall werde ich versuchen, mit Ihnen den goldenen Mittelweg zu gehen, ohne in die Extreme der „hochkünstlerischen Exaltation“ zu verfallen und den künstlerischen Teil nicht der Gnade der Technokratie zu überlassen.

In der bildenden Kunst gibt es eine große Anzahl seelenloser Gemälde in Filigranarbeit Maltechnik und unzählige Meisterwerke, die aufgrund von Verstößen gegen die Maltechnik für immer verloren gingen. Deshalb werden wir das leere Gerede über den Vorrang von Ei und Huhn verwerfen und gemeinsam mit dem Lernen beginnen.

Der Wirkungsbereich des Lichtkünstlers

Künstlerische Beleuchtung. Der Unterschied zwischen Bühnenbeleuchtung und Haushalts- oder Innenbeleuchtung besteht darin, dass sie je nach Aufgabenstellung installiert wird. Das Setzen des Lichts ist ein künstlerischer Prozess, der zu einem Ergebnis führt Lichteinstellung Performance, Konzert, Pop oder Zirkusnummer, Ausstellungsinstallation oder Lichtperformance.

Definition des Berufs „Lichtkünstler“

Folgendes steht in meinem Arbeitsbuch aus der Sowjetzeit:

« Ein hochqualifizierter Illuminator, der Bühnenbeleuchtungskonzepte für komplexe Aufführungen, Konzerte und andere kulturelle Veranstaltungen entwickelt, Bühnenbeleuchtungsgeräte auswählt, den Standort dieser Einrichtungen bestimmt und diese verwaltet».

Grundsätzlich kann dieser Nachweis als Grundlage für die Definition der Fachrichtung „Lichtkünstler“ herangezogen werden.

Tatsächlich verfügen wir über einige Kenntnisse, Erfahrungen, Entwicklungen, ein System künstlerischer Werte – all das nennt man Qualifikation.

Basierend auf technischen und finanzielle Möglichkeiten Bei der Erstellung von Aufführungen, Konzerten oder anderen Installationen wählt er den für eine bestimmte Veranstaltung erforderlichen Ausrüstungspark aus, verzichtet auf unnötige Hardware und besteht auf dem Kauf der erforderlichen Ausrüstung und erstellt für jede Produktion einen technischen Fahrer.

Der Lichtdesigner überwacht die Techniker (Monteure, Planer, Monteure) bei der Installation der Leuchte und erstellt Lichtplanungssitzungen, Renderings von Lichtszenen und andere technische und künstlerische Dokumentationen.

Ja, er verwaltet den Komplex der Beleuchtungsausrüstung oder leitet die Bediener (Regulatoren, Videotechniker, Schützen).

Für eine klerikale Definition reicht es völlig aus.

Betrachtet man den Beruf des Lichtdesigners von einer kreativen Seite, dann ist er erstens der Kurator der gesamten visuellen Wahrnehmung des Werkes: „Im Dunkeln erkennt man besser, wer im Theater wichtiger ist“ (An alter Theaterspruch). Zweitens ist er Mitautor eines Werkes, das von einem Kreativteam (Theater, Musikgruppe, Installationsfirma usw.) geschaffen wurde.

Die Aufteilung der Funktionen und Einflussbereiche innerhalb des Teams ist eine sehr individuelle und spezifische Sache. Hier wählt jeder selbst die Menge an Funktionen und Verantwortung, die er übernehmen kann. In jedem Fall ist der Künstler zur Mitwirkung verpflichtet gemeinsames Produkt ihre Einstellung, Emotionen, Geschmäcker, Lebenserfahrung. Eine andere Frage ist, wie organisch, angemessen und taktvoll eine solche „Füllung“ ist. Ehrlich gesagt war dies in meiner Praxis nicht immer möglich. Zu unterschiedliche Gruppen und Musikgruppen trafen mich. Die Anführer dieser Gruppen haben ein unterschiedliches Charisma. Zu große Unterschiede in den theatralischen und konzertanten Besonderheiten der Entstehung eines Werkes und viele andere Faktoren wirken sich auf die Co-Autorenschaft aus.

Drittens ist oft der Lichtdesigner der alleinige Autor der künstlerischen Beleuchtung des Werkes. In letzter Zeit hat sich ein stetiger Trend zu Licht- und Multimedia-Darbietungen herausgebildet, bei denen Licht die Hauptfigur ist.

Ausbildung

Aus rechtlicher Sicht existiert unser Beruf sozusagen nicht. Im Wesentlichen handelt es sich um eine Arbeitsspezialität, die keiner besonderen Ausbildung bedarf: nämlich für die Personalabteilung öffentliche Einrichtung Sie ist ein Synonym für den Beruf elektrisches Licht. Allerdings haben viele meiner Freunde unterschiedliche Positionen in ihren Arbeitsbüchern, vom Bediener von Lichtpulten bis hin zum Leiter der Lichtabteilung des Theaters. Paradoxerweise müssen Beleuchtungsspezialisten in vielen Staatstheatern über ein Zertifikat in ihrem Fachgebiet verfügen. Die Tatsache, dass es in Russland keine weiterführende, spezialisierte Bildungseinrichtung gibt, die Spezialisten für Theaterbeleuchtung ausbildet, stört die Beamten kaum.

Um aus der Situation herauszukommen und zumindest irgendwie ein „Bildungsprogramm“ für das Personal durchzuführen, werden Auffrischungskurse geschaffen, bei denen ein Mitarbeiter eines Unternehmens mit einer weiterführenden Fachausbildung ein begehrtes Zertifikat erhalten kann. Ich leite diese Kurse auch. Das Problem bei einer solchen Ausbildung besteht nicht nur darin, dass solche Kurse nicht billig sind, sondern auch darin, dass sie das Format wöchentlicher oder zweiwöchiger Seminare für Kadetten mit unterschiedlichem Ausbildungsniveau, unterschiedlicher Erfahrung und unterschiedlichem Bedarf haben. Die Schaffung einer Bildungseinrichtung, in der die Schüler von gestern von Anfang an die gesamte Bandbreite an Kenntnissen und Fähigkeiten erlernen und beherrschen können, um ein vollwertiges Gepäck für die Zukunft zu bekommen, bleibt auch heute noch eine unlösbare Aufgabe.

Das Oxymoron wird dadurch verschärft, dass in Theaterinstituten die Ausbildung zum Künstler-Technologen erfolgt, zu der neben Lichtdesignern auch Visagisten, Kostümbildner, Bühnenbildner, Chefposten usw. gehören.

Auch das Lehrpersonal der Hochschulen wirft Fragen auf. Tatsache ist, dass unser Beruf sehr spezifisch und selten ist. Bedeutende Meister mit große Erfahrung können aus vielen Gründen nicht immer als Lehrer angesehen werden: Mangel an formaler Bildung, technologischer Rückstand und Konservatismus des „Theater“-Bereichs gegenüber dem „Konzert“-Umfeld, Mangel an etablierten Methoden und in der Tat an einer integralen Schule Bühnenlicht, wie die künstlerischen, szenografischen oder inszenierenden russischen Schulen. Wenn die Kontinuität des Berufs an inländischen Universitäten besteht, dann wird er sehr einseitig und monopolistisch dargestellt.

Am bedauerlichsten ist, dass die Kluft zwischen Theater- und Konzertbeleuchtung immer katastrophaler wird. Theaterkünstler, die gerade erst anfangen, die technologischen Möglichkeiten des modernen Lichts zu beherrschen, geben Praktiken, die über die Jahre im Konzertumfeld entwickelt wurden, oft als ihre eigenen Offenbarungen aus. Die über Jahrzehnte im Konzert- und Musikumfeld gesammelten Erfahrungen werden praktisch nicht auf die Theaterbühne übertragen. Konzertkünstlern fehlt oft das künstlerische Gepäck und die theatralische methodische Basis. Dadurch kommt es dort, wo eine Symbiose entstehen könnte, zu Snobismus und gegenseitiger Ablehnung.

Die Aufgabe des Lichtdesigners

Schaffung künstlerischer und szenischer Beleuchtung für eine Theater-, Konzert-, Ausstellungs-, Architektur- oder andere Inszenierung (Installation).

Hierarchie der Berufe

Der Lichtdesigner ist sowohl Untergebener als auch Anführer. Die Umsetzung seiner Ideen wird davon abhängen, wie er seine Beziehungen zu Vorgesetzten und Untergebenen aufbaut.

Der Besitzer eines kollektiven Werks in einem Theater oder einem Gruppenkonzert ist ein Regisseur, in der Solokonzertpraxis ein Gruppenleiter oder Produzent (um ehrlich zu sein, in meiner Rockerpraxis sind Produzenten etwas seltener als Bigfoot).

Der Regisseur ist Initiator, Ideologe und Leiter der Entstehung des gesamten Werkes. Er nimmt ab kreatives Team ist für alles verantwortlich und hat ein Vetorecht.

Im visuellen Teil der Arbeit formuliert der Regisseur künstlerische und utilitaristische Aufgaben für den Szenenbildner (Szenograf). Und der Bühnenbildner gestaltet direkt den visuellen Teil der Arbeit (Bühnenbild, Kostüme, Make-up usw.).

Der Lichtdesigner berichtet in allen kreativen Belangen direkt an den Szenenbildner. Es ist der Bühnenbildner, der das Maß an Freiheit und Begrenzung bestimmt, das der Lichtdesigner als kreative Einheit erhält.

In organisatorischen und allgemeinen technischen Fragen arbeitet der Lichtplaner eng mit dem Leiter der Produktionsabteilung (Stellenleiter) zusammen. IN verschiedene Organisationen Die Funktionen der Beiträge unterscheiden sich erheblich.

Dem Lichtplaner unterstehen:

• Techniker (Tablet-Mitarbeiter, Galeristen, Monteure usw.) – diejenigen, die die Ausrüstung installieren und konfigurieren;
• Bediener (Regulatoren, Videotechniker, Schützen usw.) – steuern direkt verschiedene Geräte;
• Visualisierer – Computerspezialisten, die Demonstrations-Computermodelle des Lichts der Arbeit und Computer-Lichtpartituren erstellen;
• Ingenieure – Gewährleistung des reibungslosen Betriebs der Ausrüstung oder Herstellung dieser Ausrüstung auf Sonderbestellung.

Bitte beachten Sie, dass weder Schauspieler noch Musiker organisatorisch in die Struktur der Bühnenbeleuchtung eingebunden sind, d.h. sind weder Vorgesetzte noch Untergebene des Lichtplaners.

Der Lichtdesigner ist auch in Organisationen vertreten, die sich mit der Vermietung von Konzertausrüstung oder der technischen Unterstützung von Unterhaltungsveranstaltungen befassen, seine Aufgaben werden jedoch von den Besonderheiten der Organisation bestimmt und variieren stark von Organisation zu Organisation.

Ich weiß nicht, wie es im übrigen Konzertbereich ist, aber im heimischen Rock ist, nicht ohne meine langjährige Mitwirkung, eine neue Position entstanden-Lichtdesigner (Video) der Gruppe. In der Konzertpraxis werden die Funktionen eines Bühnenbildners und eines Lichtdesigners oft kombiniert, wie es mir bei meiner Arbeit mit DDT und Piknik passiert ist, obwohl beide Yu. der Künstler der Gruppe V. Dvornik, der nach meinem Nachdem er die Gruppe verlassen hatte, begann er in der Szenografie und, nicht ohne Erfolg, in der Bühnenbeleuchtung zu arbeiten.

Die Funktionen eines Regisseurs, Bühnenbildners und Lichtdesigners verschmolzen für mich während meiner Arbeit bei Aquarium und insbesondere bei Alice. Bei Aquarium war ich der erste Künstler der Gruppe, und bei Alisa entwickelte sich unter meinem Vorgänger A. Stolypin eine ähnliche Tradition. Soweit ich weiß, ist die Frau von K. Kinchev mit der Regie und der Szenografie beschäftigt, der junge Künstler A. Lukashev ist für die Beleuchtung zuständig. Eine ähnliche Situation hat sich in der Leningrader Gruppe entwickelt, wo mein Schüler D. Raidugin der Lichtdesigner ist.

Vorelektrische Periode der stufenweisen Beleuchtungsentwicklung

Die Geschichte der inszenierten Beleuchtung. Vortheatralische Riten.

Tatsächlich gibt es Bühnenbeleuchtung schon seit den Anfängen des Homo sapiens und sie ist untrennbar mit religiösen Riten verbunden. Sobald die ersten Akteure auf der Bühne der Menschheit erschienen: Zauberer, Priester, Schamanen usw., wurde es notwendig, sie zu beleuchten und den Hintergrund zu beleuchten, vor dem sie ihre Handlung spielten. Schatten des Sonnenlichts, Zwielicht von Hütten oder Höhlen, künstliches Licht von Feuer und Fackeln trugen dazu bei, eine mystische Stimmung der Riten zu schaffen. Bisher kann man in der Architektur des Tempels jeder Konfession Elemente finden, die in ihrer Funktion den Elementen des Theaters ähneln. Es reicht aus, die Kanonen des Tempelbaus mit der klassischen Boxszene zu vergleichen.

antikes Theater

antikes Theater

Erste Skizzen zum Aussehen der Bühne sehen wir bereits im antiken griechischen Theater: ursprünglich eine runde Plattform für den Schauspieler und den Chor - Orchester war von drei Seiten umgeben Amphitheater für Zuschauer. Das Amphitheater könnte aus mehreren Ebenen bestehen, die durch einen breiten Durchgang getrennt sind – Diazomie. Später befand sich hinter dem Orchester eine Umkleidekabine für Schauspieler - Skene, Podest für den Chor - Proszenium. Skene und das Amphitheater teilten den Durchgang - Parodie. Mit der Entwicklung des Theaters, dies zeigte sich besonders im antiken Rom, verliert das Orchester seine Bühnenbedeutung und wird zu einer Art Stand für Senatoren oder andere hochrangige Persönlichkeiten jener Zeit. Die Bühne wächst an Größe und Höhe und wird zu einer vollwertigen Kulisse für die Schauspieler, die sich auf dem vergrößerten Proskenium befinden.

Antikes Theater. Proszenium.

Tatsächlich ist es von diesem Moment an möglich, die Beleuchtung zu manipulieren. Es gibt Hinweise darauf, dass am Portikus der Skene Stoffmarkisen angebracht waren, die es manchmal ermöglichten, fast das gesamte Theater vor schlechtem Wetter und der Sonne zu schützen. Bemalte Markisen sorgten für eine für diese Zeit ungewöhnliche farbige Tagesbeleuchtung.

Es liegt auf der Hand, dass eine zweckmäßige künstliche Beleuchtung der Bühne erforderlich ist, um die Dauer der Aktion nicht auf die Tageslichtstunden zu beschränken.

Es ist charakteristisch, dass seit der Zeit Roms ein Bedarf besteht Szenografie ist die Kunst des Bühnenbildes.

Die Portiken der Skene sind mit Säulen und Skulpturen geschmückt; in den Öffnungen der Säulen sind flache bemalte Schilde angebracht - Pinaki. Zu einem späteren Zeitpunkt begann man, dreiflächige Prismen zu verwenden, um den Schauplatz des Geschehens schnell zu verändern - Tellurie (Telaria, Periakte). Erscheint Ein Vorhang, das zunächst aus einem speziellen Schlitz vor dem Proskenium gezogen wurde. Es ist logisch, dass das Bedürfnis nach Szenografie und dann nach spektakulärer Beleuchtung mit einer Veränderung des ästhetischen Kanons der gesamten Kunst entstand. In der antiken griechischen Kunst ist die Beschreibung des Handlungsortes oft sehr bedingt und unausgesprochen. In Rom ist es spezifischer und damit auch das Erscheinungsbild von Bühnenbildern und Bühneneffekten.

Theater des Mittelalters

Die wahre Entwicklung der Szenografie und ihres integralen Bestandteils – der Bühnenbeleuchtung – setzte sich mehrere Jahrhunderte nach dem Zusammenbruch des Römischen Reiches fort. Ungefähr nach dem zehnten Jahrhundert beginnt sich die Kirche im mittelalterlichen Europa zu entwickeln neue Form Verehrung - liturgisch Theater. Aktion zu Evangeliumsgeschichten, gespielt direkt in der Kirche. Die Spielplätze der Schauspieler befanden sich in verschiedenen Teilen der Kirche und waren bis zu den nötigen Momenten mit Vorhängen abgedeckt. Tatsächlich kam es also nicht zu einer Szene, sondern zu mehreren, später genannten gleichzeitig. Der Mangel an Tageslicht machte einerseits eine zusätzliche künstliche Beleuchtung in Form vieler Kerzen, Öllampen und Fackeln erforderlich, andererseits ermöglichte er die Erfindung verschiedener Lichteffekte.

Bitte beachten Sie, dass im Mittelalter wie in früheren Fällen das allgemeine ästhetische Bedürfnis nach einer ungewöhnlichen, mystischen Beschreibung der Szene des Fegefeuers, des Himmels und der Hölle die Notwendigkeit zur Entwicklung der Szenografie als Ganzes hervorrief . Es wurden Kulissen für einzelne Episoden, Requisiten, Fluggeräte, mechanische Monster usw. erstellt. Es bestand Bedarf an effektiver Beleuchtung und deren Steuerung. Mit einem Fickford-Kabel war es also möglich, eine große Anzahl von Lampen fast gleichzeitig anzuzünden. Und mit speziellen Kappen, um sie zu löschen oder mit speziellen Vorhängen zu beschatten. Erzeugen Sie mit Hilfe von Hebemechanismen und vielen Kerzen die Illusion eines Sternenhimmels oder himmlischen Glanzes. Motive mit Kerzen oder Lampen blieben vorerst verborgen und tauchten bei Bedarf auf.

Einige Teile der Szenerie aus Werg und Watte wurden mit Alkohol getränkt, wodurch ein Blitzeffekt erzielt werden konnte. Harzstücke erzeugten wunderschöne Funken. Blitze wurden durch Zünden einer Mischung aus Harz und Schießpulver erzeugt. Mit Hilfe einfachster Geräte wurden Illusionen von Blitzen und Feuerreflexionen erzeugt.

Mit der Zeit Kirchentheater begann sich von der Kirche auf den Platz vor der Kirche und dann auf den Platz insgesamt zu bewegen und gab nach Straßentheater.

Straßentheater

Mit der Veröffentlichung des Theaters auf der Straße wird die kirchliche Liturgie durch ein Mysterium, eine Aktion zu religiösen Themen ersetzt, die in der Regel drei Handlungsszenen verwendet: Hölle, Erde und Paradies.

Im Gegensatz zum Kirchentheater hatte das Straßentheater keine stationären Gebäude und wurde für bestimmte Veranstaltungen auf den Plätzen errichtet. Die Notwendigkeit eines Szenenwechsels

erforderte speziell ausgestattete Bühnenpodeste. Es ist logisch, dass qualifizierte Handwerker benötigt wurden, die die erforderlichen Geräte schnell installieren können.

Für die Mysterien gab es keine einstufige Lösung, außer einer Sache: Sie ereigneten sich alle gleichzeitig. Eine der Optionen war eine zweistöckige Bühne, ausgestattet mit halten, wo die Kulisse vorbereitet wurde und die Schauspieler und Hebeluke, mit deren Hilfe schnell neue Kulissen auf der Bühne auftauchten. Manchmal bestand die Bühne einfach aus drei mit Vorhängen bedeckten Etagen: Die untere Etage war die Hölle, die zweite die Erde oder das Fegefeuer und die obere der Himmel. Oft wurden die drei Szenen nicht vertikal, sondern horizontal montiert. Oftmals wurden spezielle zweistöckige Waggons eingesetzt, um die Szenerie zu verändern - Seiten. Die Anzahl der Waggons entsprach der Anzahl der Einsatzorte. Um die Szenerie zu verändern, fuhren die Waggons einfach umher.

Natürlich erforderte die Gestaltung der Mysterien eine prächtige Dekoration und verschiedene Effekte. Natürlich mechanische Tiere, Hebemechanismen – Pyrotechnik verstärkte die mystischen Empfindungen des Publikums und erzeugte ein Gefühl von Magie.

Allmählich verliert das Straßentheater sein ausschließlich religiöses Thema und wird durch Straßenkomödientheater ersetzt – Farce.

Der Höhepunkt dieser Bewegung war die aus der Renaissance hervorgegangene italienische Komödie. del arte, Die Ursprünge lassen sich auf das antike griechische Maskentheater und den Straßenkarneval zurückführen.

Entstehung der Kastenbühne und Grundprinzipien der Bühnenbeleuchtung

In der Renaissance beginnt die Festlegung der Hauptbestandteile der modernen Theater- und Konzertkunst. Wenn wir genau hinschauen, sehen wir, wie die Architektur des antiken, insbesondere des römischen Theaters beginnt, den Kanon des Bühnenbaus zu bilden: Das Amphitheater wird zum Hauptort für den Zuschauer, das Orchester – ein Ort für den Adel, das Proszenium wird zum Hauptort eine Bühne.

Skene wird zurück und zusätzlich (hinten) hinter den Kulissen.

Die Aktion beginnt auf einer Bühne. Gleichzeitig wird auch den Erfahrungen des Theaters des Mittelalters Rechnung getragen: Laderaum, Hebeluken, Bühnenmechanismen, Kulissen und Requisiten bleiben erhalten. Es erscheint ein klassischer Vorhang, hinter dem sich ein Szenenwechsel vollzieht, allerdings wird sich etwas später ein groß angelegter Szenenwechsel entwickeln.

Vom 15. bis 16. Jahrhundert wurde das Theater nach und nach überdacht. Zuerst handelte es sich dabei um provisorische Holzgebäude, dann um stationäre Steintheater, die an Paläste angeschlossen waren. Natürlich besteht Bedarf an zweckmäßiger künstlicher Beleuchtung für Schauspieler sowie Bühnenbilder und Lichteffekte.

Neben den Erfahrungen früherer Generationen ist anzumerken, dass das Renaissance-Theater auch neue Elemente einführte. Bühnenmechanismen und Systeme zum Szenenwechsel haben sich weiterentwickelt. Die besten und berühmtesten Maler werden zu Gestaltungsaufführungen eingeladen. Szenisch erscheint perspektivischer Hintergrund, Dadurch wird die Rückwand „zerstört“ und eine vollständige Illusion der Tiefe der Szene erzeugt.

Die Schaffung eines illusorischen Raums war in der Malerei der Renaissance weit verbreitet.

Die Entdeckung der Gesetze der Perspektive, die in der damaligen Malerei weit verbreitet waren, fand unter den spezifischen Bedingungen des Theaters einen fruchtbaren Boden.

Die Erfindung der perspektivischen Szenerie wird einem italienischen Künstler zugeschrieben Bramante und die Weiterentwicklung theatralischer und dekorativer Maltechniken - zum Künstler und Architekten Sebastian Serlio. Dank ihm ein geneigter Tablette(Bühnenboden). Die Horizontlinie der malerischen Kulisse verschiebt der Künstler vom Rand der Tafel deutlich höher, direkt in die Mitte der malerischen Kulisse, was die Illusion von Tiefe deutlich verstärkt. Darüber hinaus hat der Künstler zuvor ein Modell der Szene angefertigt - Layout wo ich meine Berechnungen überprüft habe.

Darüber hinaus gibt Serlio eine Klassifizierung der Bühnenbeleuchtung und unterteilt sie in drei Kategorien: Allgemeinbeleuchtung, dekorativ und spektakulär. All diese Errungenschaften des großen Theaterkünstlers werden vom modernen Theater oft genutzt.

Das Theater entzog sich nicht der Aufmerksamkeit des großen Leonardo da Vinci, der nicht nur Theater malte, sondern auch die Öllampe verbesserte, indem er eine Zinnröhre über die Flamme legte, was den Luftzug und damit die Helligkeit der Lampe erhöhte.

Das Erscheinungsbild einer vollwertigen Malerei im Theater erfordert eine hochwertige Beleuchtung. Erscheinen berezhki - Undurchsichtige Abschirmungen, die die Lichtquelle vor dem Betrachter schützen. Oft werden Berezhki geliefert Reflektoren die den Lichtstrom von Kerzen und Öllampen erhöhen. Zur Erleichterung der Wartung und Zündung können Kronleuchter angehoben und abgesenkt werden. Der erste Scheinwerfer-Geräte für die Bühnenbeleuchtung über Kopf. Es ist klar, dass Rampe - die Position der Vorrichtungen entlang der Vorderkante der Bühne - Proszenium, das seit der Antike existiert, wird offensichtlich verbessert Skyline-Rampe - die Anordnung der Lampen entlang der Hinterkante der Bühne, die direkt zur Beleuchtung der Kulisse dient.

Im Renaissance-Theater wurde auch die farbige Beleuchtung entwickelt: Vor der Lampe wurden mit farbigen Flüssigkeiten gefüllte Flaschenlinsen platziert. Ähnliche Lampen beleuchteten die Details der Szenerie. Theaterfenster waren oft mit farbigem Papier oder farbigem Glas verkleidet.

Es ist erwähnenswert, dass das Renaissance-Hoftheater, das ausschließlich für den Adel und auf Kosten dieses Adels existierte, einst ein Musterbeispiel für Luxus und Fantasie war.

Barocktheater

Zu Beginn des 17. Jahrhunderts entstand in der Theaterkunst ein neues Genre. Nebenschauplätze- Eingefügte Nummern, die das Publikum unterhalten, werden in eigenständige Werke umgewandelt, es erscheinen Oper und Ballett, die noch bezauberndere, üppigere und luxuriösere Dekorationen erfordern. Das Renaissance-Theater mit inaktiven Kulissen und einem kleinen coolen Tablet befriedigt nicht die stark gestiegenen Bedürfnisse, es entsteht die Notwendigkeit, das Orchester zu platzieren. Es besteht die Notwendigkeit, die Szenerie zu verändern und die Mechanismen der Bühne und der veränderlichen Szenerie zu verbergen.

Erscheinen vordere und hintere Gräben(Orchestergruben und Orte für Mechanismen zum Szenenwechsel). Portalbogen- Begrenzung der Bühne davor, hinter den Kulissen(oft malerisch) und padugi - Zur Abdeckung der Decke wird ein System aus Strahlern und Rampen entwickelt.

Theatermaschinen stehen kurz vor ihrem Beginn. Fliegende Figuren, bezaubernde Wolken am Himmel, ganze Straßenzüge auf der Bühne, schwimmende Schiffe, fantastische Tiere, sich verwandelnde Kulissen, Springbrunnen: All das gab es bereits im Theater Barock.

Barocktheater

Mitte des 17. Jahrhunderts nimmt die Szene durchaus reale Züge an. klassische Boxszene, die heute vorherrschende Szene, ist die häufigste Form der Szene.

Der Szenenwechsel erfolgt jedoch entweder gleitend oder antik Telari, die ihre Neuentwicklung erhielten. Das immer größer werdende Bedürfnis, eine große Anzahl von Szenerien schnell zu verändern, führt zur Entstehung Backstage-Szene.

Es ist notwendig, mehrere Namen zu nennen, die mit einer echten Revolution in der Theatertechnik verbunden sind. Dies sind: der deutsche Architekt Joseph Furtenbach, der englische Theatertechnologe Inigo Jones, der italienische „Magier und Zauberer der Bühne“ Giacomo Torelli, der viel in Frankreich gearbeitet hat und natürlich Architekt, Künstler und Mechaniker war Giovanni Servandoni.

Gleichzeitig mit der Entwicklung der Szene gibt es eine Modifikation Auditorium Das Amphitheater der Renaissance, das für einen kleinen Adelskreis konzipiert war, konnte keine große Anzahl bunt gemischter Zuschauer aufnehmen, und die Idee der Öffentlichkeit und Zugänglichkeit des Theaters erforderte neue Konfigurationen. So entstand das Stufen- oder Rangtheater. Wer weiß, wer die Aufführungen besuchte, sich nicht mit dem Rest des Publikums kreuzte und die vorteilhaftesten, zentralsten, niedrigsten und isoliertesten Orte hatte, die vom Rest getrennt waren – Logen. Das Publikum mit bescheidenem Einkommen begnügte sich mit den oberen Rängen der Nebenlogen.

Das abgestufte System trennte die Qualität der einzelnen Standorte hinsichtlich der Bühnensichtbarkeit erheblich.

Die Struktur des Auditoriums moderne Theater Die Sichtbarkeit von verschiedenen Punkten aus wird deutlich gemittelt, aber der Trend bleibt bestehen. Daher wird die perspektivische Konstruktion von Bühnenbild und Lichtinszenierung immer noch vom zentralen Punkt des Zuschauerraums aus berechnet.

klassisches Theater

Das 18. Jahrhundert zeichnet sich durch das Erscheinen des Raumes über der Bühne aus, in dem die Kulissen der sogenannten aufsteigen. „doppelter Verband“überdachte Gitterdecke der Bühne - Gitter, mit Blöcken ausgestattet Säulenschäfte, mit daran aufgehängten horizontalen Rohren zur Befestigung von Kulissen - Latten. ZU 19. Jahrhundert Die Vorhänge wurden mit Waagen ausgestattet – Gegengewichten, die das Anheben der Kulisse erleichtern. Tatsächlich vollendete diese Ära die Entstehung der klassischen Boxszene.

Und nur die Bühnenbeleuchtung vor der Erfindung der Elektrizität hat seit dem Barocktheater keine qualitativen Veränderungen erfahren.

Die Änderungen betrafen nur den quantitativen Teil, oft wurden bei besonders großartigen Aufführungen bis zu 8000 Kerzen verwendet. Kronleuchter wurden angehoben und abgesenkt, das Absenken des Kronleuchters bedeutete den Beginn der Pause, spezielle Helfer - Lüster, entfernten Kohlenstoffablagerungen und korrigierten die Dochte. Kronleuchter wurden mit einer Kerze an einem langen Stab angezündet und mit einem feuchten Schwamm oder speziellen Kappen gelöscht. Im 18. Jahrhundert begann man, Kronleuchter für den Einsatz in speziellen Räumen unter der Decke aufzustellen. Im 19. Jahrhundert begann man, Kerzen durch Öllampen mit Brenner und Reflektoren zu ersetzen.

Kerzen- und Lampenbeleuchtung ermöglichten jedoch keine flexible Steuerung des Lichts. Es lohnt sich auch, die Kosten für Öl und Kerzen sowie den allgegenwärtigen Ruß zu berücksichtigen. Erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts begann sich die Gasbeleuchtung in England und dann in ganz Europa zu verbreiten.

Die Steuerung erfolgte vom ersten Prototyp der Lichtkonsole aus - einem Gastisch, von dem Gasleitungen abgingen. Durch die Regulierung des Gasflusses mit Ventilen. Die Beleuchtung war zwar steuerbar, ein vollständiges Ausschalten der Brenner war jedoch unpraktisch, da sie während der Aufführung nicht wieder angezündet werden konnten. Es war notwendig, ein Minimum an Licht zu lassen.

Mit dem Aufkommen von Gasbrennern begann sich ein System farbigen Lichts zu entwickeln. Lichtfilter wurden aus farbiger Seide hergestellt, die mit Lack oder Öl getränkt war, um die Transparenz zu erhöhen. Etwa zur gleichen Zeit erschien der erste RGB-Prototyp, Farbquellen wurden in Gruppen von Rot, Blau und Grün eingeteilt und häufig wurde „reine“ Farbe verwendet. Die Lichtveränderung erfolgte durch Verringerung der Intensität von Gruppen einer Farbe und Erhöhung der Intensität anderer Gruppen. Aufgrund der hohen Kosten, des Platzbedarfs und natürlich der Brandgefahr wurde Gasbeleuchtung jedoch nicht weit verbreitet eingesetzt.

Es ist anzumerken, dass nicht nur die Komplexität des Umgangs mit Kerzen-, Öl- oder Gaslicht die Entwicklung szenischer Beleuchtung behinderte. Die geringe Lichtausbeute der Quellen erlaubte keine breite Verwendung von gerichtetem Licht und machte es daher unmöglich, die Lichtquelle vom beleuchteten Objekt wegzubewegen.

klassisches Theater

Eine echte Revolution in der Inszenierungsbeleuchtung kam es daher nicht erst mit dem Beginn der Nutzung von Elektrizität, sondern wenig später mit dem Aufkommen von Richtstrahlern und natürlich Dimmern.

Entwicklungszeit der elektrischen Bühnenbeleuchtung

Die endgültige Entstehung des klassischen Theaters fand in der Mitte des 19. und frühen 20. Jahrhunderts statt

Mitte des 19. Jahrhunderts entstanden die Hauptmerkmale der klassischen Bühnen-Boxszene Italienisches Theater Im 17. Jahrhundert erhielten sie ihre vollständigen Formulare. Die klassische Bühne dominierte die Theaterwelt. Natürlich existierten parallel zu den globalen Trends auch andere Szenetypen weiter. Die Vielfalt der verschiedenen Arten von Szenen hat sich bis heute erhalten, aber die Gesetze der Szenografie und Bühnenbeleuchtung werden speziell für die Logenbühne entwickelt und erst dann an andere, nicht standardmäßige Veranstaltungsorte angepasst. In den nächsten Kapiteln des Tutorials werden wir uns einer detaillierten Untersuchung der Architektur der Boxszene zuwenden.

Das Aufkommen der Elektrizität. Bogenlampen.

Es sei darauf hingewiesen, dass die Entdeckung der Elektrizität an sich keine sofortige Revolution in der Bühnenbeleuchtung darstellte. Darüber hinaus wurde der weltweit erste Volta-Lichtbogen, der in St. Petersburg vom russischen Physiker V.V. Petrow geriet im Jahr 1802, wie so oft in Russland, mehrere Jahrzehnte lang in Vergessenheit. Nur 10 Jahre später führte der englische Wissenschaftler H. Davy das gleiche Experiment durch.

Mehrere Jahrzehnte vergingen, im Theater wurden weiterhin Kerzen und Gaslaternen verwendet. Erst 1849 erschien an der Pariser Grand Opera bei der Uraufführung von Meyerbeers Oper „Der Prophet“ der erste elektrische Lichtbogenscheinwerfer. Es war mit einem Parabolreflektor ausgestattet und simulierte Feuer und Sonnenaufgang. Interessanterweise wurde einige Jahre später im selben Theater der erste „fahrende“ Scheinwerfer eingesetzt.

Als Energiequelle dienten zunächst sperrige Batterien. Mit dem Aufkommen des Dynamos begann sich die Bogenbeleuchtung in Theatern auszubreiten. Trotz der Tatsache, dass die Lichtbogenquellen stark flackerten und funkelten, unterschieden sich die Auswirkungen von Blitzen, Sonne und Regenbögen, die mit Elektrizität erzeugt wurden, in Helligkeit und Farbe deutlich von denen von Kerzen-, Öl- und Gasquellen. Was die gerichtete Beleuchtung der Schauspieler angeht, hatten elektrische Geräte in diesem Bereich keine Konkurrenz.

Eine vollständige Umstellung der Theater auf elektrische Beleuchtung wurde erst mit dem Aufkommen von Glühlampen möglich.

Glühlampe

Wie bei jeder grundlegenden Erfindung gibt es mehrere Autoren, und die Streitigkeiten über den Namen des Entdeckers der Glühlampe lassen nicht nach. Offensichtlich ist die Idee unabhängig von mehreren Autoren entstanden. Belgischer Faubard im Jahr 1838. erhitzte eine Kohlenstoffplatte im Vakuum, der Engländer de Moleyn aus dem Jahr 1841. verwendete einen Platinfaden, sein Landsmann Goebel im Jahr 1847. verwendete die Haare von verkohltem Schilfrohr. Unser Landsmann Alexander Ladygin erhielt 1874 ein Patent für eine Lampe mit einem Kohlenstoffstab im Vakuum. Schließlich erhielt Thomas Edison 1879 ein Patent für die Erfindung von Kohlefaden-Glühlampen und begann ein Jahr später mit der Massenproduktion relativ kostengünstiger Lampen. Mit der Gründung der Edison and Swan United Electric Light Company (zusammen mit Joseph Swan) beginnt die Ära des Vertriebs. elektrische Beleuchtung.

Ästhetische Voraussetzungen für die Notwendigkeit elektrischer Beleuchtung im Theater

Es ist wichtig zu beachten, dass jede technische, sogar revolutionäre Innovation mehrere Phasen im Theater- und Konzertleben durchläuft. Das ist mit der Elektrizität passiert. Theater als paradoxe Verbindung zweier Extreme: Innovation und Konservatismus, lange Zeit Entweder bemerkten sie die Elektrizität nicht oder sie nutzten sie als Effekt. Die weltweite Praxis breitete sich zunächst auf die Beleuchtung von Straßen, Parks und verschiedenen Unterhaltungsstätten aus, und erst dann begann nach und nach das Eindringen von Elektrizität in Theater, ausschließlich als Attraktion.
In Russland gingen sie wie immer ihren eigenen Weg. Bis in die 1990er Jahre wurde Strom nur sporadisch genutzt. Dies geschah vor dem Hintergrund des praktischen Mangels an Elektrizität im Alltag und öffentliches Leben, der Einsatz von Yablochkov-, Ladygin- und Edison-Lampen im Theater kam einem Elitewunder gleich. Und erst im letzten Jahrzehnt des ausgehenden Jahrhunderts gibt es eine „Mode“ für die Nutzung von Elektrizität. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts war Elektrizität in Russisches Theater bleibt eine modische, teure Attraktion.

Technologisches Konzept der elektrischen Beleuchtung im Theater

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts setzte sich die Elektrizität im Alltag und im öffentlichen Leben immer mehr durch. Das Theater „gewöhnt“ sich allmählich an Glühlampen. Ihre Vielseitigkeit, niedrige Kosten und Benutzerfreundlichkeit ermöglichen es Ihnen, eine gemeinsame Beleuchtungslösung zu schaffen, die sowohl die spektakulären Möglichkeiten von Lampen als auch ihre praktischen Eigenschaften nutzt. Mit dem Erscheinen von Schaltern und dann von Rheostaten beginnt die Phase der Bildung moderner Prinzipien für die Beleuchtung des Theaterraums.

Eigenschaften von elektrischem Licht (in Bezug auf das Theater)

Helligkeit und Farbtemperatur

Kleine, zahlreiche Lichtquellen beleuchten die Schauspieler und die Szenerie mit hellen Strahlen, deren Emissionsspektrum im Vergleich zu Kerzen näher am Sonnenlicht liegt.

Entfernter Standort der Lampe relativ zum Beleuchtungsobjekt

Sogar eine gewöhnliche Lampe kann viel weiter vom Beleuchtungsobjekt entfernt sein.

gerichtetes Licht. Die Entstehung vollwertiger Scheinwerfer

Mit einem Reflektor, Linsen und anderen Vorrichtungen ist es möglich, einen schmalen, gerichteten Strahl auf einen Schauspieler oder eine Szene zu richten, ohne benachbarte Bereiche zu beleuchten.

farbiges Licht

Das Aufkommen von billigem farbigem Glas und dann von Zelluloid ermöglichte die weit verbreitete Verwendung von Lichtfiltern. Die Lichtmöglichkeiten auf der Bühne sind um mehrere Größenordnungen gewachsen.

einstellbares Licht

Jetzt können Sie das Licht einfach und schnell von einem entfernten Punkt und vor allem von einem Ort aus ein- und ausschalten. Das Aufkommen von Rheostaten ermöglichte es, die Glühlampe der Lampe stufenlos zu ändern.

Erweiterte Optionen zur Lichtplatzierung

Es ist kein direkter Zugriff auf die Geräte erforderlich. Theoretisch könnte der Suchscheinwerfer an jedem optimalen Ort platziert werden. Das klassische „Aufhängen“ von Beleuchtungsgeräten nahm Gestalt an. Zu den traditionellen Proszenium- und Horizontrampen wurden Lichtkästen, Scheinwerfer, Galerien und Seitenträger hinzugefügt.

Man kann sagen, dass in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts die Lage der Bühnenbeleuchtung und die Prinzipien des Lichtaufbaus modern vervollständigt wurden und es bis heute keine wesentlichen Veränderungen in der Ästhetik der Bühnenbeleuchtung gab.

In den folgenden Kapiteln erfahren Sie mehr über die Boxszene, Beleuchtungsprinzipien usw. Wir werden tatsächlich den Grundstein kennenlernen, der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts gelegt wurde.

Künstlerisches Konzept der elektrischen Beleuchtung im Theater

Ich möchte darauf hinweisen, dass die Entwicklung der Bühnenbeleuchtung im Besonderen und der Theaterkunst im Allgemeinen nicht isoliert von globalen künstlerischen Praktiken erfolgt.

Verschiedene Genres der Theaterkunst, von den Anfängen des Theaters bis zur Gegenwart, stellen unterschiedliche Anforderungen an die Bühne im Allgemeinen und an das Licht im Besonderen.

IN verschiedene Epochen Die Anforderungen an das Licht waren sehr unterschiedlich: von maximalem Realismus bis hin zu maximaler Fantasie. Auch verschiedene Genres der darstellenden Künste stellten ihre Ansprüche.

Das Aufkommen der Elektrizität machte es möglich, Licht als universelles, aber sehr flexibles Werkzeug zu betrachten, das sich leicht an unterschiedliche Anforderungen anpassen lässt.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts hatte sich der Kunstbegriff endgültig als eigenständiger Bereich menschlichen Handelns herausgebildet. Im Laufe der Jahrhunderte begannen sich Dichter, Musiker, Maler, Regisseure und Choreografen allmählich nicht mehr als utilitaristische Handwerker, sondern als Schöpfer zu begreifen. Erst die Wende zum 20. Jahrhundert, als die Kunst sich ihrer selbst voll bewusst wurde, gab der Entwicklung einen kraftvollen, bis dahin unbekannten Impuls die neuesten Trends in Kunst. Künstler, Regisseure und Komponisten kamen schließlich zum Theater, verwischten bzw. erweiterten dessen künstlerische Grenzen und schufen grundlegend neue Kriterien für die Wahrnehmung und Konstruktion des visuellen Raums. Zu dieser Zeit entstand eine Vielzahl moderner Techniken, Ideen und Konzepte.

Erste Erfahrungen mit Licht und Ton Skrjabins Instrumente, Licht- und Klanggemälde des Komponisten Čiurlionis, Wilfrids „Lichtmusik“, theatralische Lichtexperimente und Beleuchtungstechniken für Bühnenbilder von A. Zaltsman, A. Appia, A. E. Blumenthal-Tamarin, E. F. Bauer, das Projektionsgerät – Elektrotachoskop Ottomar Anschütz – das sind nur einige Beispiele.

Besondere Erwähnung verdient Moskauer Kunsttheater, geleitet vom Chefregisseur K. S. Stanislavsky und Regisseur V. I. Nemirovich-Danchenko. Die Quantität und vor allem die Qualität neuer Techniken und Ansätze zur Inszenierung einer Aufführung prägten tatsächlich die moderne Welt der klassischen Theaterschule.

Die revolutionären Umbrüche der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts im öffentlichen Leben spiegelten sich in der Kunst wider. Unterschiedliche Theater in unterschiedlichen Stilrichtungen verfolgen unterschiedliche Ziele. Elektrisches Licht ermöglichte die Lösung verschiedener künstlerischer Aufgaben für so unterschiedliche theatralisch charismatische Figuren wie: Vs. Meirhold, A. Tairov, M. Reinhard und natürlich B. Brecht.

Von Theaterkünstlern Zu Beginn des 20. Jahrhunderts werde ich nur ausgewählte Namen nennen: G. Craig, K. Malevich, L. Bakst, A. Golovin, N. Sapunov, F.-T. Marinetti, E. Prampolini, I. Bilibin. Das Thema der Entwicklung der Szenografie geht über den Rahmen dieses Lehrbuchs hinaus, da es sich um eine besondere Ebene der Theaterkultur handelt.

Es ist äußerst wichtig, dass der technologische Fortschritt zunächst neue Geräte hervorgebracht hat. Dann wurden diese Geräte in den Unterhaltungs- und allgemeinen Haushaltsbereich integriert. Und erst nach einem langen Prozess des künstlerischen Verständnisses der gebotenen Möglichkeiten bildete sich eine ganze Schicht von Künstlern, denen es gelang, die Technik organisch im künstlerischen Bereich anzuwenden.

Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Entstehung des Berufs des Lichtdesigners.

Im 20. Jahrhundert entstand ein grundlegend neuer Ansatz zur Lösung des Bühnenraums – die Schaffung der eigentlichen Szenografie in moderne Bedeutung dieses Wort. Die Vielfalt der Genres und der verschiedenen Theaterschulen erforderte die Entstehung von Künstlern, die wussten, wie man mit dem Raum umgeht und in ihren Werken nicht die Ebene der Leinwand oder den Hintergrund verwendete (obwohl sie es waren, die die Illusion der Tiefe des Raums kultivierten), sondern ein wirklich dreidimensionaler Raum voller dreidimensionaler Landschaften und elektrischem Licht. Die neuen Bühnenbildner erforderten Kenntnisse über Ingenieurtechnologien in den Bereichen Mechanik, Chemie, Optik und Elektrizität. Der Umfang des erforderlichen Wissens ist von Jahr zu Jahr exponentiell gestiegen. Natürlich konnte ein Künstler, selbst ein Theaterkünstler, nicht alle Technologien gründlich studieren. Ingenieure und Techniker wiederum konnten den Künstler nicht vollständig verstehen, da die Kriterien für die Kommunikation unterschiedlich waren.

Dadurch sind Spezialisten entstanden, Künstler-Technologen, die an der Schnittstelle zwischen Kunst und Technologie stehen. Lichtspezialisten wurden nun Lichtkünstler genannt. Der Lichtdesigner ist de facto ein „Übersetzer“ zwischen Eisen und Kunst.

Einen ähnlichen Trend gibt es meines Wissens bis heute in allen Genres der darstellenden Künste, wo es einen Regisseur und Bühnenbildner gibt. Eine Ausnahme bilden Fälle, in denen der Bühnenbildner oder Regisseur den Beruf eines Technikers oder die Funktion eines Regisseurs innehat oder der Lichtdesigner den Bühnenbildner übernimmt.

Die Entstehung eines neuen Berufs erforderte die Gründung einer Schule für Bühnenbeleuchtung. Mitte des 20. Jahrhunderts, genauer gesagt in den 40er Jahren, erschien das erste sowjetische Lehrbuch über Beleuchtung von Nikolai Izvekov, Light on the Stage. In den 60er Jahren wurde Vadim Bazanovs „Enzyklopädie“ der Theatertechnik „Bühnentechnik und -technik“ veröffentlicht. Diese Bücher haben zusammen mit den Veröffentlichungen meines Lehrers B. Sinyachevsky, dem Gründer der künstlerischen Lichtdienste des Leningrader BDT und BKZ, nicht an Aktualität verloren und sind immer noch Nachschlagewerke vieler Künstler. Leider gibt es katastrophal wenige Bücher über die Welt. Nur 40 Jahre später, bereits in unserer Zeit, erschien in Russland ein neues Lehrbuch über Theaterbeleuchtung von D. G. Ismagilov, E. P. Drewaleva „Theatrical Lighting“ und meinen Notizen. M. Kellers Buch „This Fantastic Light“ erfreut sich großer Beliebtheit.

Die Versuchung, es von Anfang bis Ende zu lesen, ist sehr groß, aber ich möchte unterschiedliche Blickwinkel auf das inszenierte Licht bewahren, deshalb werde ich vorerst davon absehen, es zu lesen. Auf jeden Fall empfehle ich den Lesern dringend, beide Lehrbücher zu lesen, um einen guten Mittelweg für sich zu finden.

Ich kann nicht umhin, die „Schule“ der Bühnenbeleuchtung zu erwähnen, die bis heute im St. Petersburger Theater für Jugendkreativität und seinen Lehrern E. Chernova und V. Bulygin überlebt hat.

Kino und Theater

Mit dem Aufkommen des ersten Zauberlaterne“ wurde es möglich, dynamische und statische Projektion zu verwenden.

Zwei ewige Rivalen und Antagonisten von Theater und Kino haben sich seit dem Aufkommen der Brüder Lumiere ständig beeinflusst und ergänzt. Ich bin mir fast sicher, dass die Camera Obscura in der Zeit vor dem Kino nicht nur von Malern, sondern auch von Theaterbesuchern genutzt wurde. Das Aufkommen von Projektionsgeräten und dann von Filmprojektoren fand sofort Anwendung im Theater. Titel, Projektionsrückwände, Nahaufnahmen – das gesamte Arsenal des Kinos kam schon lange vor dem Aufkommen der Videoprojektoren im Theater zum Einsatz. Es reicht aus, ein Beispiel eines Epidiaskops zu nennen, mit dem Sie eine Nahaufnahme des Gesichts des Schauspielers „live“ auf dem Bildschirm anzeigen können. Die wahre Blüte der Projektionstechnologien und des künstlerischen Verständnisses dieser Technologien ist mit der Mitte des 20. Jahrhunderts und dem Prager Theater „Laterna Magica“ unter der Leitung von I. Svoboda verbunden. Nahezu alle künstlerischen und technischen Techniken der modernen Videoprojektion wurden in diesem Theater mehrfach erprobt. Offensichtlich beginnt mit I. Svoboda der Countdown für die Entstehung des eigentlichen Lichttheaters als eigenständige Kunstform.

Licht im 20. Jahrhundert als eigenständige Kunstform

Der technische Aufschwung und der ästhetische Eklektizismus der Moderne und Postmoderne des 20. Jahrhunderts ließen neue Genres der bildenden Kunst entstehen:

Unterhaltungsmusik. Farbmusik.

Ideen, die sich gelegentlich im „Farbhören“ einiger Komponisten, insbesondere Rimsky-Korsakows, manifestierten, wurden von zwei brillanten Komponisten des frühen späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entwickelt.

Der Komponist und Maler M. Cherlionis schuf gleichnamige Musikwerke und Gemälde.

A. Skryabin vertrat die These über die Entsprechung von Noten und Farbtönen, dank ihm entstand das Genre der Farbmusik. Dieses Genre erlebte in den 60er und 70er Jahren dank I. Vanechkin und B. Galeev und ihrem Kasaner Designbüro „Prometheus“ eine starke Entwicklung. Weitere Entwicklung Die Ideen stammen von B. Sinyachevskii (Leningrad), Yu. Pravdyuk (Charkow) und S. Zorin (Moskau).

Künstlerische Techniken und technische Entwicklungen dieser Autoren werden noch heute verwendet.

Die „Vorläufer“ der Computergrafik waren viele Betreiber kombinierter Filmaufnahmen, insbesondere ein anderer meiner Lehrer, B. Travkin (Mosfilm).

Neben Unterhaltungsmusik erscheint ein Genre aus Lichtinstallationen, Videokunst und architektonischen Lichtperformances.

Konzertlicht

Von dem Moment an, in dem die Musiker den Orchestergraben „verlassen“ und auf die Bühne treten, besteht insbesondere seit der Entwicklung des Jazz und verschiedener Pop-Genres ein Bedarf an ihrer Berichterstattung. Musiker verlieren nach und nach den Kontakt zu ihnen Theaterwelt. Beleuchtungstechniken bleiben rein theatralisch oder utilitaristisch. Mit dem Aufkommen des Rock'n'Roll besteht ein Bedarf an Konzertshows. Die theatralischen Grundlagen bleiben bestehen, es kommt jedoch eine musikalische Spezifität hinzu. Tatsächlich wird der Beruf des „Lichtkünstlers“ seit dem Erscheinen einer Rockshow relativ unabhängig und erhält seine eigenen Merkmale.

Es ist wichtig zu beachten, dass die Grundlage des Berufs immer noch theatralisch ist. Die Weiterentwicklung musikalischer Trends: Rave, Rap, Alternative – bringt keine neuen Impulse für die Berufsentwicklung, sondern führt zur Vereinfachung vieler Funktionen eines Lichtkünstlers.

Trends in der Entwicklung der Theater- und Konzerttechnik vom Beginn des 20. Jahrhunderts bis heute

Suchen und Entdeckungen von Theaterkünstlern zu Beginn des 20. Jahrhunderts bestimmten für viele Jahre die Entwicklung des Welttheaters. Moderne Technologien entwickeln nur Richtungen, die vor Jahrzehnten festgelegt wurden. Die Ideen der Bühnenbildner zu Beginn des 20. Jahrhunderts sind noch lange nicht ausgeschöpft und bieten den heutigen Bühnenkünstlern einen riesigen Raum für Experimente.

Meiner vielleicht umstrittenen Meinung nach wurden alle modernen Methoden der künstlerischen Beleuchtung schließlich in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelt.

Die grundlegenden Neuerungen waren das Aufkommen von Linsenprojektoren und einem mehrkanaligen mechanischen Lichtsteuerungssystem.

Seitdem wird intensiv weiterentwickelt, ausschließlich in technischer Richtung. Die künstlerische Komponente entwickelte sich erst umfassend. Trotz des scheinbar gigantischen Durchbruchs in der Lichttechnik sind in der gesamten zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts keine grundlegend neuen Lichttechnologien aufgetaucht, die den künstlerischen Prozess wesentlich verändert hätten.

Ich kann nur einen unbestreitbaren Faktor nennen, der die Veränderung der Lichtästhetik beeinflusst hat. Das Aufkommen leistungsstarker, kleiner Luftfahrtscheinwerfer in den 60er Jahren ermöglichte die Schaffung eines ganzen Systems der Hintergrundbeleuchtung (Hintergrundbeleuchtung), was zur Geburt des PAR64-Geräts führte. Diese Technik wurde durch die Erfindung von Glycerin und dann „Öl“ und „leichtem Rauch“ verstärkt, der den über den Boden kriechenden „Pavillonrauch“ oder „starken Rauch“ aus ätzendem Kolophonium ersetzte.

Der Rest der Technikvielfalt dient entweder klassischen Aufgaben, wird als Effekt eingesetzt oder steht noch in den Startlöchern.

Wie oben erwähnt, allgemeine Entwicklung Technologie gibt Impulse für die Entwicklung der künstlerischen Komponente. Es gibt auch einen umgekehrten Vorgang. Die zunehmende Komplexität künstlerischer Aufgaben stimuliert die Entwicklung spezifischer Theater- und Konzerttechnologien.

Entwicklung von Licht Theatertechnologien, ging bedingt in vier Richtungen:

A) Helligkeitssteigerung(Lichtleistung) von Lichtquellen. Steigende Wirtschaft Lichtquellen. Verkleinerung Lichtquelle. Verbesserung optischer Systeme Lichtquellen.

Entwicklungsstufen: Voltaischer Lichtbogen, Glühlampe, Niederspannungslampe, Halogenlampe, Xenonlampe, Metallhalogenidlampe, LED.

B) Vielfalt erweitern Beleuchtungsgeräte. Höhe Universalität multifunktionale Gerätegruppen und eine Erhöhung der Anzahl hochspezialisiert, monofunktionale Beleuchtungskörper.

Entwicklungsstadien multifunktionaler Geräte: Strahler mit Gegenlichtblende, linsenloser Strahler mit Cutoff- und Gegenreflektor, PISI-Linsenstrahler, Farbwechsler, beweglicher Kopf.

Entwicklungsstadien monofunktionaler Geräte: Aufteilung der Leuchten in Strahler und Fluter.

Spotlight-Entwicklungsphasen: Flutlichter wurden in PAR64-Flutlichter, Profile, Projektoren und Nachführlichter unterteilt.

Entwicklungsstadien von „Flooding“-Geräten: Die „Füllung“ wurde in Mehrkammerlampen der Rampe und des Horizonts, „Hackgeräte“ und architektonische Farbwechsler unterteilt.

V) Verbesserung der Lichtsteuerungssysteme.

Die flexible Steuerung begann mit dem Erscheinen eines einfachen Schalters, dann erschienen Rheostaten, mit denen Sie die Spannung und damit die Glühlampe der Lampe ändern konnten. Rheostate wurden durch Spartransformatoren mit variabler Ausgangsspannung ersetzt. Das Aufkommen von Spartransformatoren mit einem gemeinsamen Kern und mehreren Mantelbürsten ermöglichte die Schaffung eines einstellbaren Mehrkanal-Steuerungssystems. Es erschienen mechanische Beleuchtungsregler, die Aufteilung der Regler in Leistungs- und Bedingungskonsolenteile begann. Das Aufkommen von Röhren-Thyratrons und dann von Thyristoren ermöglichte die endgültige Trennung von Konsole und Leistungsteil. Das Aufkommen der „Steuerspannung“ durch den Thyristor ermöglichte zunächst die Entwicklung einer Fernbedienung mit „manueller Programmierung“, dann einer Fernbedienung mit elektronischem Speicher und schließlich computergesteuerten Konsolen.

G) Schaffung von Effekten und grundlegend neuen Beleuchtungsgeräten.

Das Aufkommen leistungsstarker Film- und Diaprojektoren ermöglichte die Erstellung von Projektionskulissen. Das Aufkommen von Videoprojektoren, Videokameras und Computern hat die Erstellung dynamischer Inhalte erheblich vereinfacht. Die Leistungsfähigkeit und Mobilität von Videoprojektoren ermöglichte es, sie als spezielle Scheinwerfer zu verwenden und den Lichtstrom nicht nur auf die Leinwand, sondern auch auf jedes notwendige Objekt zu richten. Die Erstellung pseudoholografischer Filme ermöglicht es, das Bild in der Luft zu „schweben“.

Das Erscheinen von Paneelen und Girlanden aus „Lauflampen“ Mitte der 30er Jahre des 20. Jahrhunderts ging der Entwicklung von LED-Bildschirmen 70 Jahre später voraus. Mit dem Aufkommen von LEDs nahm die Helligkeit des Bildschirmbildes deutlich zu, die LED konnte mit der Solarbeleuchtung konkurrieren. Darüber hinaus konnten die LED-Panels beliebig angeordnet werden, was es ermöglichte, vom traditionellen „großen TV“-Bildschirm auf der Bühne „wegzukommen“.

„Wir sehen in unserer Zeit die schmerzhaften Versuche, LEDs als Lichtquelle für herkömmliche Strahler zu verwenden. Nach der Korrektur der Farbtemperatur und des Aussehens billiger blauer LEDs kann sich die Situation dramatisch verbessern. Vielleicht ist es die LED, die den Anstoß für einen neuen Ansatz beim Bauen von Licht gibt.“

Die obigen Zeilen wurden vor einigen Jahren geschrieben. Bis heute wurde das Problem vollständig behoben. Gute Lichttemperatur, hohe Lichtausbeute und komfortable Bedienung machen die LED-Technologie zu einer der führenden Technologien.

Mitte des 20. Jahrhunderts entstand eine revolutionäre Lichtquelle – der Laser. Leider ist der Einsatz eines Lasers in der Theater- und Konzertpraxis zu einer Attraktion degradiert. Ein ähnliches Schicksal ereilt Blitzlampen. Das Stroboskop, das es verwendet, ist zum „Disco“-Fluch des Theaters und der Konzertsäle geworden.

Ultraviolette Lampen und Leuchtfarben sorgten in der Szenografie der 60er und 70er Jahre für Furore. Heutzutage werden sie in Theaterproduktionen zurückhaltender und organischer eingesetzt.

„Das Aufkommen intelligenter dynamischer Geräte vom Typ „Scanner“ und dann von Geräten vom Typ „Moving Head“ hat entgegen den Erwartungen noch nicht zu den erwarteten signifikanten Ergebnissen geführt Gesamtästhetik künstlerisches Licht. Vielleicht ist dies genau die russische Besonderheit. Tatsache ist, dass der „Moving Head“, ursprünglich als universelles Theatergerät mit Fernbedienung konzipiert, im Theater zu wenig genutzt wird. Es gibt mindestens vier Gründe:

1. Geringe Vorbereitung von Regisseuren, Theatergestaltern und Theaterpersonal.
2. 2. Verdorben durch die Konzertumgebung, der Ruf des „Moving Head“-Geräts (ein Händler hat die Angewohnheit, „Moving Heads“ zu kaufen und sie als Scanner zu verwenden, wobei er letztere zu Unrecht ablehnt).
3. 3. Das Vorhandensein eines mechanischen Dimmers und einer Halogenglühlampe, die in Filmköpfen selten zu finden sind.
4. 4. Teuer.

Dennoch beginnt die ästhetische Komponente des dynamischen intelligenten Lichts bereits in der Konzertpraxis, der Wende hinter dem Theater, zu verfeinern.“

Und diese Zeilen wurden vor 6 Jahren in der vorherigen Ausgabe des Lehrbuchs geschrieben. In dieser Zeit kam es schließlich zu einem qualitativen Bewusstseinswandel im Theaterumfeld, und konservative Theaterkünstler begannen schließlich, diese Reihe von Mitteln in ihrer Praxis einzusetzen.

Abschließend möchte ich das oben Gesagte noch klarer zusammenfassen:

Die endgültige Formation des klassischen Theaters.

Mitte des 19. Jahrhunderts hatten die Grundzüge der klassischen Szene ihre vollendete Form erhalten. Lediglich die Architektur der Bühne wurde geformt. Die Bühnenbeleuchtung wartete auf revolutionäre Veränderungen.

Das Aufkommen der Elektrizität. Bogenlampen. Glühlampe.

Mit dem Aufkommen von Glühlampen, Schaltern und dann Rheostaten beginnt die Phase der Bildung moderner Prinzipien der inszenierten Beleuchtung.

Eigenschaften von elektrischem Licht(auf Theater angewendet) .

1. Helligkeit und Farbtemperatur.
2. Der entfernte Standort der Lampe relativ zum Beleuchtungsobjekt.
3. gerichtetes Licht. Die Entstehung vollwertiger Scheinwerfer.
4. Farbiges Licht.
5. Einstellbares Licht.
6. Erweiterte Möglichkeiten zur Platzierung von Lichtquellen. Der Beginn der Entstehung des klassischen „Aufhängens“ von Beleuchtungsgeräten.

In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erhielten der Standort der inszenierten Beleuchtung und die Prinzipien des Gebäudelichts moderne, vervollständigte Merkmale.

Das Aufkommen der Elektrizität machte es möglich, Licht als universelles, aber sehr flexibles Werkzeug zu betrachten, das sich leicht an unterschiedliche Anforderungen anpassen lässt.

Der technische Fortschritt brachte zunächst neue Geräte hervor.

Dann wurden diese Geräte in den Unterhaltungs- und allgemeinen Haushaltsbereich integriert. Und erst nach einem langen Prozess des künstlerischen Verständnisses der gebotenen Möglichkeiten bildete sich eine ganze Schicht von Künstlern, denen es gelang, die Technik organisch im künstlerischen Bereich anzuwenden.

Mitte des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Entstehung des Berufs des Lichtdesigners

Der primäre Nutzen des Berufs. Der Lichtdesigner fungiert als Vermittler zwischen Regisseur, Bühnenbildner und Ausstattung.

Licht im 20. Jahrhundert als eigenständige Kunstform

Entstehung eines Lichtdesigners als eigenständige Kreativeinheit.

Gegenseitige Integration von Kino und Theater

Konzertlicht.

Der Beginn einer gewissen Trennung von Konzert- und Theaterlicht. Derzeit verschlechtert sich die Situation leider nur noch.

Bühnenbeleuchtung unserer Tage. Kurze Einschätzung der aktuellen Situation.

Bis zum Ende des 20. Jahrhunderts wurde das Konzept von inszenierte Beleuchtung. Es ist notwendig, moderne Bühnenbeleuchtung sowohl aus technologischer als auch aus künstlerischer Sicht zu betrachten. Viele Komponenten existieren untrennbar miteinander und sind so miteinander verflochten, dass man manchmal nicht weiß, wo die Technik aufhört und die Kunst beginnt.

Suchen und Entdeckungen von Theaterkünstlern zu Beginn des 20. Jahrhunderts bestimmten für viele Jahre die Entwicklung des Welttheaters. Moderne Technologien entwickeln nur Richtungen, die vor Jahrzehnten festgelegt wurden.

Die allgemeine Entwicklung der Technik gibt Impulse für die Entwicklung der künstlerischen Komponente. Es gibt auch einen umgekehrten Vorgang. Die zunehmende Komplexität künstlerischer Aufgaben stimuliert die Entwicklung spezifischer Theater- und Konzerttechnologien.

Die Richtung der Technologieentwicklung im 20. Jahrhundert geht in die folgenden Bereiche:

Technologische Richtungen

1. Verstärkung der Helligkeit (Lichtleistung) von Lichtquellen. Steigerung der Effizienz von Lichtquellen. Reduzierung der Größe der Lichtquelle. Verbesserung optischer Systeme von Lichtquellen.
2. Erweiterung der Vielfalt an Beleuchtungsgeräten. Zunahme der Vielseitigkeit multifunktionaler Gerätegruppen und Zunahme hochspezialisierter, monofunktionaler Beleuchtungsgeräte.
3. Verbesserung der Lichtsteuerungssysteme.
4. Schaffung von Effekten und grundlegend neuen Beleuchtungsgeräten.

Künstlerische Richtungen

1. Ästhetisches Verständnis moderner, sich schnell entwickelnder Technologien. Bewusstsein für das Vorhandensein angemessener und unangemessener Techniken und Geräte im Gegensatz zum Vorhandensein guter und schlechter Geräte und Techniken.
2. Schaffung einer einheitlichen Theorie des inszenierten Lichts. Methodik. Philosophien und letztendlich die Schaffung einer einzigen modernen Schule der inszenierten Beleuchtung mit zahlreichen Richtungen.
3. Überbrückung der Lücke zwischen Theater und Konzert.
4. Schaffung eines grundlegend neuen Schemas für eine einzelne Bühnenbeleuchtung durch Videoprojektion.

Um die Merkmale moderner Bühnenbeleuchtung zu beschreiben, ist es notwendig, sich mit der Vielfalt des vorgeschlagenen Arsenals auseinanderzusetzen, sowohl der technischen Mittel der Bühnenbeleuchtung als auch der künstlerischen Techniken.

Die Teile III-V dieses Lehrbuchs werden auf den aktuellen Entwicklungsstand der Bühnenbeleuchtung eingehen.

Perspektiven für die Entwicklung der Lichttechnik und der künstlerischen Komponente

Das Aufkommen von Videoköpfen und Videoscannern, eine Erhöhung des Lichtstroms von Videoprojektoren, die Schaffung von LED- und in Zukunft Laser-Videoprojektoren, die mit einem Videoaufzeichnungs- und Echtzeit-Videoverarbeitungssystem zu einem einzigen visuellen System verbunden sind, Bereits jetzt können Sie ein grundlegend neues Schema für eine einzelne Bühnenbeleuchtung erstellen. Das Prinzip des neuen Ansatzes liegt nicht nur in den auf ein vernünftiges Maß erweiterten Möglichkeiten der Videoprojektion, sondern auch in einem grundlegend neuen Videostrahlsteuerungssystem. Die Form der Farbe des Strahls wird nicht nur zu einem besonderen Merkmal des Strahls, sondern trägt auch ein Bild, das nach Belieben verändert werden kann. Videomapping, das bereits zum Klassiker geworden ist, hat noch ungenutzte Perspektiven: Bisher ist es nur frontal, aber was hindert die Anwendung des Prinzips der Dreipunktbeleuchtung auf die Videoprojektion? LED-Bildschirme mit kleinem Pixelabstand, frei in Cluster aufteilbar und bei Bedarf transparent, ermöglichen schon jetzt die Erstellung nicht nur einer Szenografie, sondern einer vielschichtigen und dynamischen Szenografie. Durch die Steuerung von Videostreams und die Synchronisierung mit Licht und Mechanik können Sie nicht nur pseudovolumetrische Bilder erstellen, sondern auch mit Bildern in Echtzeit improvisieren.

Fazit des ersten Teils

Bühnenbeleuchtung unserer Tage hat folgendes Besonderheiten:

Technologisch: der überwiegende Einsatz leistungsstarker elektrischer gerichteter Lichtquellen mit erhöhter Lichtleistung und einem flexiblen Steuerungssystem.

Ergonomisch: Lichtquellen befinden sich in einiger Entfernung vom Beleuchtungsobjekt, lokale Lichtquellen werden wenig genutzt.

Künstlerisch: ungefähr Die Grundlagen der künstlerischen Beleuchtung sind seit der Mitte des 20. Jahrhunderts unverändert geblieben. Grundsätzlich entwickeln sich technologische Methoden. Ausnahmen bilden der Einsatz dynamischer Beleuchtung in Form von beweglichen Strahlen und die weit verbreitete Verwendung von Konzertvideos.

Kommende Entwicklungstrends: Das Aufkommen leistungsstarker, kleiner Projektoren ermöglicht es Ihnen, das Prinzip der Formung und Farbe des Strahls grundlegend zu ändern. Bis vor Kurzem wurde die Form des Strahls durch ein klassisches optisches System und verschiedene mechanische Geräte geformt und die Farbe hauptsächlich durch Lichtfilter verändert. Mit dem Aufkommen der Videoprojektion werden dann Form und Farbe des Strahls auf der Matrix des Projektors erzeugt und ändern sich sofort in absolut unbegrenzten Grenzen. Eine allmähliche Abkehr vom „klassischen Kreis“ des Strahls wird einen qualitativen Sprung in der Bühnenbeleuchtung bewirken.

Das Erscheinungsbild der Videoprojektion beeinflusst maßgeblich den grundlegenden Ansatz zur Schaffung einer inszenierten Beleuchtung. Erstens erscheint in der Szenografie eine sehr starke Dominante in Form eines „selbstleuchtenden“ Videobildes, das zudem nicht statisch ist. Sobald Bühnenbildner und Regisseure die Möglichkeiten der Videoprojektion begreifen und die Trägheit des Bühnenvideos in Form eines „großen Fernsehers“ auf der Bühne überwinden, werden grundlegend neue komplexe szenografische Lösungen entstehen.

Zweitens ermöglicht die Konvergenz zweier Berufe: eines Lichtkünstlers und eines Medienkünstlers (Videokünstlers), dass der erste die Möglichkeiten des Videos im direkten Licht anwenden kann, der zweite sein Wissen und seinen Geschmack bei der Schaffung eines gemeinsamen Lichtraums einsetzen kann.

Als Beispiel nenne ich das sogenannte „Mapping“ (Mapping) – eine Videoprojektionstechnik, die es ermöglichte, ein eigenes Bild auf ein Objekt zu projizieren, das mittels Computergrafik bearbeitet und dynamisch verändert wurde. Tatsächlich handelt es sich beim Mapping-Prozess um das „Ausdehnen“ einer Textur auf ein „glattes“ dreidimensionales Objekt.

Indem wir das Mapping nicht nur von vorne, sondern auch von der Seite und von Kontrollpunkten aus anwenden, erhalten wir eine grundlegend neue, wirklich räumliche Szenografie.

Auch Videoköpfe erweitern die Möglichkeiten eines Lichtkünstlers erheblich.

Der begrenzende Faktor eines solchen Szenarios ist lediglich das konservative Denken, die relativ hohen Kosten der Videoprojektionskomponente und der relativ geringe Lichtstrom bei relativ großen Abmessungen der Ausrüstung.

Tatsächlich stehen wir vor einem grundlegend neuen Ansatz für Bühnenbeleuchtung und Szenografie.

ferne Aussichten sind in der Entwicklung der Hologramm-Technologie zu sehen. Die Konsequenz ist die Verwendung von selbstleuchtenden, sich sofort verändernden, keiner Einschränkung der volumetrischen Dekoration unterliegenden

Aus


Der Lichtkünstler Bill Holshevnikoff, Autor des Arri Lighting Handbook, hat diese Reihe von Lehr-CDs erstellt, um die Wissenschaft des Lichts zu erklären. Diese Serie besteht aus 4 Teilen: Gesichtsbeleuchtung, Interviewbeleuchtung, Farbkorrektur und Filter sowie Innenbeleuchtung. Jeder Teil dauert etwa 50 Minuten.

Teil 1. Das Gesicht beleuchten.
In diesem Teil wird ein umfassender Blick auf die Kunst der Beleuchtung von Menschen geworfen. Sie lernen den Umgang mit weichem und hartem Licht und einfache Methoden Hervorheben von Menschen mit unterschiedlicher Hautfarbe, Menschen mit Brille oder Menschen mit Glatze. Finden Sie heraus, welche Art von Beleuchtung Ihnen das gewünschte Aussehen verleiht, wie Sie den Kontrast bestimmen und vieles mehr!

1.1 Elemente der Gesichtsbeleuchtung. Lichtsteuerung.

1.2 Gesichtsbeleuchtung. Die Größe der Lichtquelle.

1.3 Gesichtsbeleuchtung. Abstand von der Lichtquelle.

1.4 Gesichtsbeleuchtung. Kontrastkontrolle.

1.5 Gesichtsbeleuchtung. Trennung der Welt.

1.6 Gesichtsbeleuchtung. besondere Situationen.

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Im Dezember beim CNTI Progress in Noch einmal bestanden
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. Der führende Dozent war der Überlieferung nach Andrey Melnik – ein „Legendenmann“, wie ihn die Seminarteilnehmer nennen, ein bekannter Lichtdesigner, der zu verschiedenen Zeiten mit den Gruppen „Alisa“, „Aquarium“, „DDT“ zusammenarbeitete. sowie in Theatern von St. Petersburg.

Im Dezember war das CSTI „Progress“ erneut Gastgeber
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Wir haben mit Andrey über das Seminar gesprochen, darüber, was und warum Lichtdesigner lernen müssen und wie sich die Beleuchtung im Theater und bei Konzerten unterscheidet.
Andrey, wie werden sie heute Lichtdesigner? Schließlich wird dies praktisch nirgendwo gelehrt.

Essen Theaterinstitute und die Spezialität „Künstler-Technologe“. Sie unterrichten meiner Meinung nach mittelmäßig. Es gibt keine Praxis, nur Theorie. Daher werden Lichtdesigner im Theater oft zufällig eingesetzt.

Rockmusik ist noch lustiger. Das sind entweder Musiker oder Toningenieure, Techniker – was gut und schlecht zugleich ist. Schlecht – denn viele Fachkräfte kommen aus technischen Bereichen. Aber der Beruf heißt „Lichtkünstler“. Daher ist der Teil „um die Welt“ machbar, sie funktionieren gut mit komplexer Ausrüstung. Aber der künstlerische Teil fehlt. Musiker hingegen „schauen mit ihren Ohren“. Und der Künstler muss „mit seinen Augen zuhören“.

Es ist gut, wenn jemand mitkommt Kunstunterricht. Aber wir haben zum Beispiel nur zwei Künstler mit künstlerischer Ausbildung im Rock – ich und Andrey Stolypin, der erste Künstler von Alisa.

Anna Pingina und die Gruppe Minus Trill. Lichtdesigner - Andrey Melnik

Wie unterschiedlich ist die Arbeit eines Lichtdesigners im Theater und bei Konzerten?

Es gibt kein getrenntes Theaterlicht und Konzertlicht. Die Gesetze der Kunst, der Kreativität – sie sind überall gleich. Eine andere Sache ist es, wenn man „kondovy“ im beleidigenden Sinne des Künstlers auffasst. Beim Konzert hat er eine „Disco“, ständiges Blinken, und im Theater brennt das Licht nur auf den Schauspieler. Ein kompetenter Spezialist hat viele Möglichkeiten: irgendwo blinzeln wir, irgendwo nicht, irgendwo ein hartes Licht, irgendwo im Gegenteil weich, gefühlvoll.

Was sind derzeit die neuen Trends in Ihrem Beruf, neue Technologien?

Sie tauchen ständig auf. Aber der Ansatz bleibt meiner Meinung nach derselbe. Das bisher beste Lehrbuch ist die Ausgabe von 1946 – N.P. Izvekov, Licht auf der Bühne. Die Gesetze bleiben die gleichen.

Ich kann nicht anders, als nach dem Seminar zu fragen. Was interessiert die Zuhörer jetzt, welche Fragen stellen sie, mit welchen Problemen kommen sie?

Es gibt viele persönliche Fragen, jeder hat seine eigenen. Aber soweit ich das beurteilen kann, „heulen“ sie nicht, sie machen sich keine Sorgen. Auf dem Seminar spreche ich nicht viel über Technologie. Technik ist natürlich ein Rückgrat. Da es im Internet aber viel Literatur und Artikel zum Thema Technik gibt und wenig Informationen über die künstlerische Seite, spreche ich hauptsächlich über die kreative Komponente. Und es scheint ihnen überhaupt nichts auszumachen.

Video von einer praktischen Unterrichtsstunde im Michailowski-Theater

Was üben Sie in der Praxis? Morgen lernen Sie und Ihre Gruppe zum Beispiel im Kosmonautenclub – was wird dort passieren?

Lichtstudien, Lichtaufführungen. Jedes Mal ein wenig anders – je nach Standort, Stimmung und angepasst an das Publikum.

P.S. Das nächste Seminar „Lighting Designer“ findet vom 10. bis 14. Februar in St. Petersburg statt. Erfahren Sie mehr und melden Sie sich an unter
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CNTI „Progress“ lädt Lichtspezialisten zum Kennenlernen ein moderne Technologien in der Bühnenlichtsteuerung beim Seminar

Unschätzbare Erfahrungen in der Bühnenbeleuchtung werden geteilt von:

Melnik Andrey Vladimirovich, Lichtdesigner (Erfahrung mit den Gruppen „Alisa“, „Aquarium“, „DDT“, „Picnic“, „Surganova and Orchestra“, „Butusov and Yu-Piter“ usw. sowie mit führenden Theatern Petersburg);
Kibitkin Alexander Andreevich, Leiter der Beleuchtungsabteilung des Michailowski-Theaters;
Lukin Sergei Vladimirovich, Cheflichtdesigner des Mariinsky-Theaters;
Pesotsky Dmitry Yuryevich, Leiter der Beleuchtungsabteilung des Alexandrinsky-Theaters;
Shamil Islamgazin, Ph.D., technischer Direktor der Eventagentur Guild of Masters.

Seminarteilnehmer:
Machen Sie sich mit professionellen Techniken und Techniken zum Einstellen des Lichts vertraut.
Nehmen Sie an praktischen Kursen am Michailowski-, Mariinski- und Alexandrinski-Theater teil;
unter der Leitung von Andriy Melnyk werden sie das Live-Konzert der Minustreli-Gruppe covern;
Besuchen Sie den Ausstellungsraum der Firma Doka, wo Sie sich mit den Neuheiten auf dem Markt für Beleuchtungsgeräte vertraut machen.

Weitere Informationen und Anmeldung zum Seminar -
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Melden Sie sich an, um zu sehen. , per Telefon 8-800-333-88-44 (gebührenfrei in Russland) oder per Email [email protected]
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Wie lässt sich die Beleuchtung für Ihre kreative Vision einsetzen?

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Wir laden Sie zum Seminar ein
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Melden Sie sich an, um zu sehen. 8. bis 12. Oktober 2012, St. Petersburg

Der Unterricht wird von Lichtleitern und technischen Leitern von Industrieunternehmen, Theatern und Veranstaltungsagenturen in St. Petersburg geleitet.

Zu den Lehrern gehört der führende St. Petersburger Bühnenbildner und Multimedia-Grafiker Andrey Vladimirovich Melnik, der bei den Konzerten der Gruppen Aquarium, DDT, Alisa usw. als Lichtdesigner fungierte.
In einem Programm:
Wie wählt man die richtige Beleuchtungsausrüstung für ein Konzert, Ballett, Puppentheater, Theater usw. aus?
Moderne Technologien und Geräte für die Bühnenbeleuchtung. Der Unterricht findet auf der Grundlage des Michailowski-Theaters unter der Leitung des Leiters des Beleuchtungsdienstes Alexander Andreevich Kibitkin statt.
Arten und Techniken der Beleuchtung. Computermodellierung von Licht.
Gemeinsame Arbeit des Lichtdesigners und Bühnenbildners. Der Unterricht findet auf der Grundlage des Alexandrinsky-Theaters unter der Leitung des Leiters der Beleuchtungsabteilung Dmitry Yuryevich Pesotsky statt.
Wie macht man einen Reiter? Kontakt mit dem Gastgeber. Vermietung von Beleuchtungsgeräten. Der Unterricht wird von Islamgazin Shamil, technischer Direktor der Eventagentur Guild of Masters, geleitet.
Lichtvisuelle Szenografie des Konzerts (am Beispiel des Konzerts „Butusov. 50 Jahre“). Der Unterricht wird von Andrey Vladimirovich Melnik geleitet.
Überblick über Neuheiten auf dem Beleuchtungsgerätemarkt. Der Unterricht wird von Spezialisten von Stage Equipment and Technology LLC durchgeführt.

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„Das Seminar ist nützlich. Eine ausgezeichnete Gelegenheit, die Arbeit der Werkstätten von innen zu betrachten und mehr über die in der Praxis verwendeten Geräte und Technologien zu erfahren “ – Alexander Dmitriev, Leiter der Beleuchtungsabteilung des Sachalin International Theatre Center. A.P. Tschechow.

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Für diejenigen, die im Herbst nicht kommen können:

Das Seminar „Lichtdesigner“ findet ebenfalls vom 10. – 14. Dezember 2012 statt
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Eines der Probleme des russischen Theaters Lichtdesigner Und Illuminator, sagt Vladimir Lukasevich, Cheflichtdesigner des Mariinsky-Theaters.

Was Lichtdesigner- Dies ist keine Person, die es nur gründlich weiß Lichttechnik, verstand Wladimir Lukasjewitsch einige Jahre nach Beginn seiner Theaterarbeit. Deshalb sind er und sein Freund Michail Mikler jetzt der Hauptdarsteller Lichtdesigner Maly Opera Theatre, kam 1977 zur Produktionsabteilung des Leningrader Staatlichen Instituts für Theater, Musik und Kinematographie (LGITMiK) und bat darum, sie nach dem von ihnen selbst zusammengestellten Programm zu unterrichten. Zu den für Produktionsdesigner traditionellen allgemeinen Fächern kamen Farbtheorie, Elektronik, Physiologie des Sehens und Wahrnehmungspsychologie hinzu, die es an dieser Fakultät bisher überhaupt nicht gab. Dies und noch viel mehr wird nun im neuen Studiengang der Produktionsabteilung vermittelt Theaterakademie. Auf Kurs Lichtdesigner“, erstellt auf Initiative von Lukasevich und Leiter. Abteilung der Produktionsfakultät von V. M. Shepovalov.

Die Fehler anderer Leute

Lichtdesigner erschafft seine Rolle Sweta“ in einer Aufführung, die theoretisch (wie alle anderen Bestandteile der „Rolle“) den Zuschauer sowohl zum Weinen als auch zum Lachen bringen sollte, wozu das Theater als Ganzes dient. Wie kann man einen Betrachter wirklich zum Weinen bringen, wenn man nicht weiß, wie man seine Tränendrüsen drückt, wenn man die Psychologie der Wahrnehmung nicht kennt? Es gibt zum Beispiel die Physiologie des Sehens, das Gesetz der Dunkeladaptation. Wie kann man beim „Reduzieren“ auf der Bühne eine Änderung vornehmen, damit der Zuschauer es nicht bemerkt? Vielleicht zahlt es sich einfach aus Licht, aber es wird nicht reichen, da es im Theater keine völlige Dunkelheit gibt - schließlich gibt es einen Orchestergraben, Lampen Notausgang usw. Vielleicht wäre es in diesem Fall richtiger, die Sicht des Publikums an eine erhöhte Helligkeit anzupassen, um das Gefühl der „Dunkelheit“ des Betrachters zu verlängern, bis eine Dunkeladaption eintritt. Das sind ganz reale Werkzeuge... Und wenn Sie keine völlige Dunkelheit wollen, sondern einen Zustand, in dem der Betrachter sieht, was für die Aktion notwendig ist, aber nicht, was Sie verbergen wollten? Natürlich kann man lange empirisch üben und herausfinden, in welchem ​​Ausmaß, mit welcher Helligkeit und wie lange man die Sicht des Betrachters anpassen muss, oder man weiß einfach, wie die Anpassungskurve funktioniert ... Nun ja, die Psychologie Die Farbwahrnehmung reicht weit in die Geschichte zurück und hat ihre Wurzeln in der tibetischen Philosophie und buddhistischen Kultur. Zum Beispiel das altindische Theater. Als in einem indischen Theater eine Kulisse in einer bestimmten Farbe, beispielsweise Grün, herabgelassen wurde, verstand der Zuschauer sofort, dass es sich um Melancholie handelte. Es war sowohl ein Symbol als auch ein Zeichen für den Betrachter. Nun ja, und so weiter. Solche Dinge müssen natürlich zunächst bekannt und verstanden werden. Warum grundlegende Bildung notwendig ist – um nicht jedes Mal bei Null anzufangen, unsere Lieblingsmethode unseres eigenen Versuchs und Irrtums.

Leider gab es in Russland keine Schule, in der das gesamte für die Bildung notwendige Wissen an einem Ort gesammelt würde. zeitgenössischer Lichtdesigner. Es gab schon immer einen Handwerksübergang vom Meister zum Lehrling. Aber Meister wie Klimovsky, Kutikov, Diaghilev, Drapkin, Sinyachevsky, Barkov, Volkov, Simonov, die in den fünfziger und siebziger Jahren arbeiteten, sagten immer: „Schau zu, wie ich es tue – und lerne.“ Daher ließen sie natürlich nur wenige Jünger zurück. Und heute wäre es wahrscheinlich richtig zu sagen, dass es sich größtenteils um aktuelle Russen handelt Lichtkünstler- selbst beigebracht. Nur auf der Grundlage ihrer eigenen Erfahrung und Intuition beginnen sie immer wieder bei demselben Nullpunkt, bei dem die vorherige Generation begonnen hat. Das ist die Essenz des Konzepts „Berufsschule“ – es sammelt Erfahrungen.

Bei den jährlichen Seminaren für Russisch Lichtkünstler Lukasevich hat mehr als einmal von der Praxis gehört, in einigen Theatern zu arbeiten, was in der Arbeit völlig undenkbar ist Lichtkünstler: „Und in unserem Theater sagt der Regisseur: „Filtern Sie diese Laterne mit Rot! Diese – mit Grün! Richten Sie sie hierher, sagte ich! Und diese – dort! Machen Sie, was ich gesagt habe ...“.

Das würde ich Arbeit nennen. Illuminator,- wir werden beleuchten, wo sie sagen.

Modernes Theater kann so nicht funktionieren. Diese Art der Praxis ist vor hundert Jahren obsolet geworden, und das sind natürlich die Rudimente des Theaters des 19. Jahrhunderts. Aber überraschenderweise existiert es an ziemlich vielen Orten sicher. Vielleicht liegt das daran, dass unsere Regisseure und Künstler traditionell eine unzureichende Ausbildung in Sachen „Szenografie“ erhalten Sweta und wie schlecht gebildete Menschen davon überzeugt sind, dass sie „alles wissen“. Das Problem ist natürlich zweiseitig. Mangelnde Bildung auf beiden Seiten führt zu Situationen gegenseitigen Misstrauens, in denen der Regisseur nicht an Kreativität glaubt Lichtkünstler, Lichtdesigner - glänzt, wo sie sagen, wodurch das entstehende Werk zunächst verarmt wird.

Natürlich bestreitet niemand: Der Regisseur ist der Schöpfer und Generator der Idee und des Konzepts der gesamten Aufführung. Aber nicht die Frage des Regisseurs – was Taschenlampe wohin senden. Der Regisseur hat andere Aufgaben – sich mit Schauspielern zu befassen, Inszenierungen zu erstellen und so weiter. Der Punkt ist, dass der Lichtdesigner von Anfang an mit dem Regisseur zusammenarbeitet, noch bevor die Idee auf der Bühne geprobt wird. Wenn der Künstler die Bühne betritt, sollte alles bereit sein. Absolut alles für Proben, wo die „Rolle Sweta“, im gleichen Maße wie jede Schauspielrolle. Es ist zu spät zum Nachdenken. Das heißt, er muss eine Punktzahl zur Welt bringen Sweta, das auf das Konzept der gemeinsam mit dem Regisseur durchgeführten Aufführung fällt. Um Ihr eigenes Werk aufzubauen – um ein Farbschema zu schaffen, das nicht nur mit den Kostümen und der Kulisse, sondern auch mit den Charakteren, der Musik und allem anderen harmoniert. Mit einem Wort, er muss seine eigene genaue und ästhetisch überprüfte Arbeit machen und die Beleuchtungspartitur ausarbeiten. Ansonsten erhält man halbfertige Aufführungen – „Werke“. Laut Lukasevich besteht eines der Probleme des russischen Theaters darin, dass wir sehr oft nicht unterscheiden: Was ist Lichtdesigner und was ist Illuminator, die auf Wunsch des Direktors erleuchten der Schauspieler – „damit es gesehen werden kann“ und die Kulisse – „damit es schön ist.“

Bildungsstandard

Der Anstoß für den Beginn der Arbeiten zur Eröffnung des Studiengangs an der Theaterakademie „ Lichtdesigner“ war Vladimirs Einladung an die University of Connecticut, Vorlesungen über die Geschichte des Fachs in Russland zu halten. Die Amerikaner absolvierten übrigens eine Berufsausbildung Lichtkünstler Seit 1936 schien die russische Erfahrung interessant zu sein. Und Vladimir wiederum beneidete sie um die Art und Weise, wie ihre Ausbildung organisiert ist. Immerhin verfügt die Schauspielfakultät der Universität über vier eigene, gut ausgestattete Theater, in denen jährlich 6-8 vollwertige Aufführungen aller Studierenden der Fakultät aufgeführt werden. Daher, Lichtkünstler, aber ebenso wie Schauspieler mit Regisseuren gibt es eine Möglichkeit – und diese ist sogar notwendig – zu arbeiten und Beleuchtungskörper, und Redakteure und Regieassistenten, das heißt, das Theater von allen Seiten zu beherrschen. Für den Kurs schaffen sie es, sich selbstständig zu befreien Lichtdesigner je 5–7 Aufführungen. Dementsprechend verfügen sie nach Abschluss des Studiums bereits über ein ordentliches Portfolio und können für Arbeitgeber interessant sein.

Vladimir Lukasevich hatte in der Vergangenheit Erfahrung im Theaterunterricht (12 Jahre). Lichttechnik in der Produktionsabteilung von LGITMiK, und es wurden sogar mehrere Kurse in der Fachrichtung „Künstler-Technologe“ mit der Spezialisierung „ Lichtdesigner". Letztendlich wurde klar, dass dies theoretisch ohne eine angemessene technische Basis möglicherweise keinen Sinn ergibt.

Sehen Sie, es hat sich als etwas völlig Falsches herausgestellt. Alle Versuche, an der Fakultät und gleichzeitig am Mariinsky-Theater einen normalen Unterricht zu schaffen, blieben erfolglos. Und es stellte sich heraus, dass die Leute zu uns kamen, um zu studieren, wir unterrichteten sie, sie machten ihren Schulabschluss, erhielten ein Diplom.“ Lichtdesigner“ und waren sich sicher, dass das, was im Diplom stand, wahr war. Aber so war es nicht, oder nicht ganz so. Zumindest, weil sie keine Möglichkeit hatten, den Beruf in der Praxis zu erlernen. Und es stellte sich heraus, dass wir der Person sagten, dass sie rot sei, aber in Wirklichkeit hatte sie eine Glatze. Aber Betrug ist immer noch nicht gut. Aus diesem Grund Vorbereitung Lichtkünstler wurde gestoppt, aber es ist leicht zu lesen Lichttechnik es war nicht mehr sehr interessant.

Und weiter. Nachdem ich in Amerika unterrichtet hatte, quälte mich Neid: Warum kann man von ihnen lernen, aber nicht von uns? Denn heute ist die Situation längst anders und es gibt Möglichkeiten, sich eine gewisse technische Basis zu verschaffen, man muss nur daran arbeiten. Und wir haben mit der Theaterakademie vereinbart, einen entsprechenden Studiengang in der Produktionsabteilung zu eröffnen.

Es liegt in der Spezialität Lichtdesigner»?

Hier verbirgt sich ein weiteres, großes und zugleich lächerliches Problem. Die Grundidee war, dass es vom ersten Kurs an ein Kurs sein sollte Lichtkünstler. Ohne Spezialisierungen da, denn das sind noch verschiedene Dinge: Spezialisierung und Beruf. Doch dann stießen wir auf etwas Interessantes. Es stellte sich heraus, dass in der Liste der in unserem Land verfügbaren Berufe Lichtdesigner Ja, aber nicht auf der Liste des Bildungsministeriums. Das heißt, es stellt sich heraus, dass der Beruf so ist, aber niemand versteht, wer und wie Fachkräfte ausbilden sollen. Es ist völliger Unsinn.

Damit dieser Beruf in der obigen Liste erscheint, muss ein anerkannter Ausbildungsstandard vorliegen. Wir haben diesen Standard geschrieben, aber wahrscheinlich gibt es im Ministerium niemanden, der sich damit befasst, ihn genehmigt (wegen 8-15 Absolventen pro Jahr).

Was ist dieser Bildungsstandard?

Eine Liste aller Fächer und Kenntnisse, die ein Student beherrschen muss, um berufstätig zu werden. Ich habe für diese Arbeit meinen Freund Jim Franklin eingeladen, der einst einen ähnlichen Kurs an der University of Connecticut (heute eine der führenden Schulen unseres Berufsstandes in den USA) organisierte. Parallel dazu hielt er ein Semester lang Vorlesungen an der Theaterakademie. Gleichzeitig wurde dieses Thema bei Treffen und runden Tischen des Vereins aktiv diskutiert Lichtkünstler Russland. Sie haben Speere zerbrochen. Es begann mit Unsinn: Und wie soll es heißen? Lichtdesigner oder etwas anderes? Aber was ist Lichtdesigner? Ich verstehe nicht, wer das ist Lichtdesigner. Was ist Design im Allgemeinen in unserem Verständnis? Schließlich entspricht das Wort „Designer“ im Englischen nicht direkt dem Wort „Künstler“. Es ist eher ein Konstruktor. Obwohl dies auch nicht ganz stimmt. Letztlich handelt es sich um einen Beruf, der kreativ ist und eine bestimmte visuelle Bandbreite schafft, also um einen Künstler. Denn außerhalb unserer Streitigkeiten existiert es im Berufsregister. Lichtdesigner- das ist richtig.

Andererseits: Wie kann man einem beibringen, ein Künstler zu sein? Es ist wahrscheinlich unmöglich, es kommt eher von Mama und Papa. Ich denke, dass es an unserer Akademie (wie an jeder anderen kreativen Universität) in erster Linie darum geht, einem Menschen ein Handwerk zu vermitteln. Handwerkliche Existenzmethoden im Beruf. Und was er mit diesen Techniken macht, wie sie umgesetzt werden, hängt von seinem kreativen Potenzial ab. Aber der Beruf muss erlernt werden. Geschichte des russischen und ausländischen Theaters, Geschichte der materiellen Kultur, Geschichte der bildenden Künste, Philosophie, Theorie der Szenografie, Geschichte der russischen und ausländischen Literatur, Perspektive, Zeichnung, Berechnung von Theaterstrukturen, Malerei, Zeichnung, Psychologie und Physiologie der Wahrnehmung, Geschichte Theaterlicht Und Theaterkostüm, Computermodellierung und die Theorie der räumlichen Lösung der Aufführung ... Ja, wir haben noch viele andere Dinge in den Standard of Education aufgenommen. Lange Liste.

Wofür Lichtdesigner so viele Geisteswissenschaften studieren?

Gebildet und modern sein. Wie wollen Sie beispielsweise an einem Theaterstück oder einer Oper arbeiten, ohne die Geschichte, die materielle Kultur der Epoche zu kennen, um die es in Ihrer Aufführung geht? Enge Fachkenntnisse nannte Karl Marx meiner Meinung nach „Berufskretinismus“. Natürlich im Interesse eines breiten Wissens! Später stellte Jim (ich war damals auf Tour) unser Programm in München bei einem Seminar vor Lichtkünstler wo sich traditionell die Monster unseres Berufsstandes aus Europa und Amerika versammeln. Und laut Jim waren die Kollegen ein wenig überrascht: Das Programm sieht noch ernster aus als das, was es heute in den USA gibt. Tatsache ist, dass es aus mehreren Gründen, beispielsweise in den Vereinigten Staaten, keine Möglichkeit gibt, ein derart breites Sortiment anzubieten. Und die St. Petersburger Theaterakademie verfügt in dieser Hinsicht über eine riesige Ressource. Und ich habe mich bewusst dafür entschieden, denn in der amerikanischen Schule waren mir gerade die Einschränkungen in Bezug auf Geschichtswissen, Welterfahrung, Europäisches Theater, allgemeine Aussichten. Sie wissen vielleicht nichts über das russische Theater außer dem Namen Stanislawski. Dort, an der Universität, kamen Studenten zu mir und erzählten mir von verrückten Ideen, die sie selbst hatten. Und ich musste einen Vortrag über unseren Landsmann halten, der 1912 für Dalcroze in Hellerau arbeitete. „... Das ist bereits passiert. Im vierzehnten Jahr hat Nikolai Saltsman das alles schon getan ...“. So Lichtdesigner ist nicht nur Wissen Taschenlampen. Dies ist eine detaillierte Kenntnis des Themas von allen Seiten.

Was sind die Voraussetzungen für die Aufnahmeprüfungen?

Aufgrund der Tatsache, dass der Studiengang speziell an der Theaterakademie geöffnet ist, haben wir, wie an allen kreativen Universitäten, die Möglichkeit, eine Auswahl der Studierenden in zweieinhalb Runden zu treffen. Ganz nach Ihren Wünschen.

Also für was?

Ich möchte, dass der Schüler klug und talentiert ist. So verlief die erste Qualifikationsrunde. Jeder Teilnehmer erhielt eine Reproduktion eines Gemäldes – eines klassischen Gemäldes. Basierend auf diesem Bild war es notwendig, einen Plan zu zeichnen, einen Seitenteil – um eine angeblich theatralische Bühne zu schaffen – und zu platzieren Licht. In den Händen von nur einem Bleistift und Papier. Es war mir egal, wie sie Grundrisse zeichnen können – das Zeichnen wird ihnen vier Jahre später beigebracht – es ist wichtig, erstens zu verstehen, wie viel ein Mensch den Raum sieht und zweitens, wie viel er sieht Licht in diesem Raum. Das ist die jesuitische Aufgabe, die ich ihnen gestellt habe. Und für die zweite Runde musste man entweder selbst ein Foto machen oder Ausschnitte aus Zeitschriften mit Bildern darin finden Licht spielte eine bestimmte Rolle. Und darüber reden. Und nicht die einfachsten spektakulären Bilder, bei denen beispielsweise die Sonne hinter dem Wald aufgeht und ein starkes „Hintergrundlicht“ sichtbar ist, sondern etwas komplexeres, vielschichtigeres. Es gab noch ein paar weitere Probleme aus Schulphysik und Zeichnen. Dann - ein Interview, bei dem alle Lehrer der Abteilung die Bewerber nach Theater, Literatur und Musik fragten. Um zu verstehen, wie theatralisch eine Person und unser Team sind. So wurden acht Personen ausgewählt (obwohl ich zunächst von einer sechsköpfigen Gruppe ausging). Wir hoffen wirklich, dass sie da rauskommen.

Und Ihre Absolventen werden setzen Licht in den besten Theatern der Welt?

Das würde ich natürlich gerne tun. Ich denke, es hängt in erster Linie von ihnen ab. Ich denke, wir werden das tun, was an der Fakultät von uns abhängt. Und dann – wie das Leben verlaufen wird. Vielleicht nicht Theater, wer weiß. Es geht darum, dass Lichtdesigner- Das Lichtdesigner. UND Licht er kann es überall aufführen: im Casino, im Theater ... Beleuchten Sie die Kasaner Kathedrale oder Museumsausstellungen. Das ist ein Beruf. Und sie kann sich auf alles anwenden. Die Frage ist, dass eine Person versteht, was sie tut. Natürlich gibt es eine Spezialisierung - Architekturbeleuchtung, Theaterlicht, Konzertlicht. Aber das sind alles unterschiedliche Themen des Kurses. A Lichtdesigner Ich muss herausfinden, wie der beste Weg erleuchten Dies oder das. Zum Beispiel würde ich gerne sehen Architekturbeleuchtung Petersburg ist nicht das, was es heute ist. Schließlich ist St. Petersburg eine erstaunlich dramatische Umgebung. Na ja, vielleicht Dostojewskis Petersburg beleuchtet werden genau wie Puschkins Petersburg – das sind verschiedene Städte! UND Licht, und die Umwelt in diesen verschiedenen Städten sollte unterschiedlich gestaltet werden. Zumindest aus ästhetischen Gründen. Und wir haben die ganze Beleuchtung - Taschenlampen: Es war dunkel, es wurde hell – das ist der ganze Fortschritt. Das Gleiche gilt für das Theater – Probleme mit der gleichen Wurzel. Aber diese Zeit wird irgendwann vergehen. Hoffentlich nicht ohne unsere Hilfe.

Wladimir Lukasewitsch wurde 1956 in Odessa geboren. Im Alter von fünfzehn Jahren trat er mit einem Abschluss als Theaterbeleuchtungsdesigner in die Leningrader Schule für Filmtechnik ein. Im Alter von siebzehn Jahren hatte er seinen ersten Auftritt als Lichtdesigner am Ryazan Regional Drama Theatre. Absolvent des Leningrader Instituts für Theater, Musik und Kinematographie. Inszenierte Auftritte in vielen Schauspieltheater Russland. Arbeitete im Theater. V. F. Komissarzhevskaya mit Volkskünstler UdSSR R. S. Agamirzyan. Er lehrte am LGITMiK die Disziplin „Artist-Technologist“ mit der Spezialisierung „Artist in Lighting“. Seit 1985 arbeitet er als leitender Lichtdesigner am Mariinsky-Theater. Er lehrt an der University of Connecticut. Er sorgt nicht nur in St. Petersburg, sondern auch auf den Bühnen von Opern- und Balletttheatern auf der ganzen Welt für Aufsehen. Er hat mehr als 300 Aufführungen in klassischen und avantgardistischen Produktionen vorzuweisen: Boris Godunow, Der Nussknacker, Lohengrin, Parsifal, Dornröschen, Samson und Delila, Korsar, Feuervogel, „Petersilie“, „La Traviata“, „Copelia“. , „Carmen“, „Thema mit Variationen“, „Manon“, „Das Märchen vom Zaren Saltan“, „Ariadne auf Naxos“ und andere ... Die von ihm konzipierten Aufführungen gingen und gehen an vielen Veranstaltungsorten auf der ganzen Welt – Spoletto Festival USA, La Scala, Oper Bordeaux, Royal Opera Covent Garden, Oper Marseille, Neue Israelische Oper, Neue Nationaloper in Tokio. Vor acht Jahren wurde seinem Projekt zufolge im Mariinsky-Theater eine einzigartige Rekonstruktion der Beleuchtungsausrüstung der Scheinwerfer durchgeführt, und a Lichttechnik mit vollautomatischer Steuerung. Vladimir Lukasevich ist eines der Vorstandsmitglieder der Vereinigung der Lichtkünstler Russlands und führt unter der Schirmherrschaft dieser Vereinigung und der Theaterakademie von St. Petersburg jährliche Seminare zur Fortbildung von Lichtkünstlern durch. Und auf seine Initiative hin veranstaltete die Bühnenabteilung der Theaterakademie in diesem Jahr erstmals ein Bühnenbild für den Studiengang „Lichtdesigner“.

Fächerliste des 5-jährigen Studiums der Fachrichtung „Lichtdesigner“
Fremdsprache
Sportunterricht
Nationale Geschichte:
Welt historischer Prozess in Russland
Die Geschichte der Heimat
Philosophie:
Grundlagen des philosophischen Wissens
Kunstphilosophie (Ästhetik)
Kulturologie
Psychologie und Pädagogik
Russische Sprache und Sprachkultur
Soziologie
Geschichte der russischen Literatur
Geschichte der ausländischen Literatur
Geschichte der Auslandsdramaturgie
Theatergeschichte
Geschichte des ausländischen Theaters
Geschichte des russischen Theaters
Geschichte der bildenden Kunst
Geschichte der ausländischen bildenden Künste
Geschichte der russischen bildenden Kunst
Geschichte der materiellen Kultur und des Lebens
Zeichnen und Malen
Theatergebäude und -strukturen
Organisation des Theatergeschäfts in Russland
Theaterschminke und Pastige
Lebenssicherheit
Geschichte der russischen Musik und des Musiktheaters
Geschichte ausländischer Musik und Musik. Theater
Geschichte von St. Petersburg
Theatersicherheit
Bühnentechnik (Licht)
Dramaturgische Analyse
Theorie der Szenografie
Geschichte des Theaterlichts
Szenografische Komposition
Künstlerische Technologie
Theaterproduktionstechnik
Bühnengerät und -ausrüstung
Grundlagen der Perspektive und des Layouts
Berechnung von Theaterstrukturen
Bühnenkostümtechnik
Künstlerische Lichttechnik
Geschichte der Theater- und Dekorationskunst
Kostümgeschichte
Grundlagen der Architektur
Zeichnen und beschreibende Geometrie
Beleuchtungsausrüstung für Theater
Licht und Farbe
Leichte Partitur, Grafik
Psychologie der Wahrnehmung
Theaterbeleuchtungstechnik
Elektronik
Ästhetik des Lichts
Computersimulation von Licht
Spezialisierte Software
Licht im Musiktheater
Licht im Schauspielhaus
Architektonisches Lichtdesign
Beleuchtung für Konzertprogramme

Bücher

Nachschlagewerk zur Lichttechnik

Moskauer Haus Sweta und der Znak-Verlag bereiten die Veröffentlichung der dritten Auflage des Nachschlagewerks für Ende 2005 vor Lichttechnik».
Die ersten beiden Ausgaben erschienen 1983 und 1995. In dieser Zeit hat sich das in einer Auflage von 65.000 Exemplaren erschienene Lichttechnik-Nachschlagewerk für die meisten Fachleute zum Nachschlagewerk und zugleich zum Lehrbuch in vielen Bereichen der Lichttechnik entwickelt.
Die Neuauflage zeichnet sich durch eine deutlich größere Vollständigkeit der Materialien, die Darstellung aktueller Regulierungsdaten, Berechnungsmethoden und -mittel, Design und Lichtdesign, Vollfarbdesign und Druck auf hochwertigem Papier aus. In der neuen, dritten Auflage sind die Abschnitte „ Lichtquellen„Vorschaltgeräte und Lichtsteuerungssysteme“, überarbeitete Berechnungs- und Entwurfsmethoden aufgrund der weit verbreiteten Verwendung Computertechnologie. Neue Kapitel im Buch: Leichtes Design», « Licht und Gesundheit“, „Energieeinsparung bei Beleuchtungsanlagen“, „ Unterwasserbeleuchtung“, „Geschichte der Lichttechnik“.
„Handbuch für Lichttechnik" bestimmt für eine Vielzahl Beleuchtungsspezialisten, Elektriker, Architekten, Hygieniker, Ärzte, Arbeitsschutzarbeiter im Zusammenhang mit der Verwendung natürlicher und künstliches Licht, Entwicklung und Produktion Beleuchtungsprodukte, Entwurf, Installation und Betrieb von Beleuchtungsanlagen.
„Handbuch für Lichttechnik wird auch auf CD veröffentlicht.
Das Fachbuch Lichttechnik können Sie im Haus des Lichts bestellen. Seine Adresse:
Russland, 129626, Moskau, Prospekt Mira, 106, von. 346
Tel./Fax: (095) 682–19–04, Tel. (095) 682–26–54
E-Mail: Light- [email protected]

Ballade des Lichts

„Sie ist über 120 Jahre alt, sieht aber nicht ihrem Alter entsprechend aus. Egal wie viele neue Lichtquellen mit ihr konkurrieren, sie bleibt die schönste von allen. Ein Ding, das in seiner klassischen Form unverändert bleibt, ein Beispiel für perfektes Design, dem man nichts hinzufügen und nichts wegnehmen kann. In vielen Fällen viel schöner als alle Lampenschirme und Lampen mit dem sie es jetzt schmücken und bedecken.
Damit beginnt ein neues, gerade veröffentlichtes Buch, das dem ersten weit verbreiteten elektrischen Gerät der Geschichte gewidmet ist. Das Buch enthält über 200 Abbildungen. Der Text gliedert sich in drei Hauptthemen: die technischen Aspekte der Einführung von Glühbirnen, Werbung und Grafiken aus vielen bisher unveröffentlichten Dokumenten und schließlich „Worte über Licht» - die Sicht von Dichtern und Schriftstellern auf den Untersuchungsgegenstand.
Dieses Buch ist ein 144-seitiges, langstimmiges Loblied auf die Glühbirne mit einem hervorragend minimalistischen Einband, das ein von Peter Beechrens für AEG in Auftrag gegebenes Plakat aus dem Jahr 1912 nachbildet. Das Buch erhebt nicht den Anspruch, eine technische Abhandlung oder ein Lehrbuch der Lichttechnik zu sein, es ist ein „illustrierter Atlas“, dessen Lektüre Freude bereitet. Schon der Titel erinnert daran Sweta bringen Freude und Glück.
Der Text beginnt mit Gedichten des russischen Dichters Wladimir Majakowski, die der Glühbirne und ihrem feurigen Herzen gewidmet sind. Das Buch endet mit den Zeilen des großen amerikanischen Neurologen Oliver Sacks: einem Fragment autobiografischer Prosa über seine Lieblingsmetalle – Osmium, Wolfram und Tantal, aus denen Glühfäden in Lampen hergestellt werden. Zwischen diesen beiden leuchtenden Stäben erstrecken sich fünf Teile des Buches: „Mythos und Schönheit“, „Edison und seine Art“, „Krieg gegen Gas“, „Werkstätten des Lichts“, „Unsere Zeit“. Workshops of Light enthält sechs Biografien der wichtigsten Unternehmen und ausführliche Beschreibungen unzähliger Handelsmarken. Der Autor ist kein Neuling in solchen Veröffentlichungen. 1995 veröffentlichte Lupetti sein mittlerweile nahezu vergriffenes Buch „Signs of Light“. Begleitet von Illustrationen ist es einfach und unterhaltsam, mit ein paar technischen Details und kulturellen Exkursen durch die Geschichte der Glühbirnenwerbung zu navigieren. Tatsächlich steigert ein Drittel des Bandes – sein letzter Teil – den Charme Sweta auf einem hohen Sockel, geschaffen durch die Worte von Dichtern.
Vom Portal bereitgestellte Materialien Sweta
www.lightingacademy.org

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