Moderne Ensembles von Volksinstrumenten. Arbeiten Sie mit einem gemischten Ensemble aus russischen Volksinstrumenten

Methodische Entwicklung„Merkmale der Arbeit eines Lehrer-Musikers mit einem Ensemble unterschiedlichen Alters gemischter Typ

(Zupf- und Rohrblattinstrumente, Gesang, Streichinstrumente) in der Anstalt zusätzliche Ausbildung»

Diese Entwicklung kann für Lehrer der Zusatzausbildung, Leiter von Ensembles in der Organisation von Kunstgruppen interessant und nützlich sein

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Nicht standardmäßige Bildungseinrichtung des Staatshaushalts

"St. Petersburger Stadtpalast der Jugendkreativität"

Stadtzentrum für die Entwicklung zusätzlicher Bildung

Fortbildungskurse

Methodische Entwicklung

„Merkmale der Arbeit eines Lehrer-Musikers mit

Gemischtes Ensemble unterschiedlichen Alters

(Zupf- und Rohrblatt-Volksinstrumente,

Gesang, Streichinstrumente)

in einer Weiterbildungseinrichtung"

Ekimova Elena Wladimirowna,

Vladimirova Valentina Alekseevna

Lehrer der Zusatzausbildung

Staatshaushalt

Einrichtungen der Zusatzausbildung

Palast der Kreativität der Kinder

Bezirk Petrogradsky

Petersburg

Sankt Petersburg

2015-2016

Erläuterungen

Die jahrhundertealte Entwicklung der Welt musikalische Kultur bestätigt, dass Aufführungen, ob instrumental oder vokal, ohne Ensemblemusik undenkbar sind.

Eine effektive und beliebte Form der Einführung von Kindern Musikalische Kunst ist das Musizieren im Ensemble, das jedem Schüler die Möglichkeit gibt, seine Fähigkeiten im kollektiven musikalischen Mitgestalten entsprechend seiner Fähigkeiten und seines Ausbildungsstandes zu zeigen. Das Studium der Ensembleliteratur und die Beherrschung der Fähigkeiten des gemeinsamen Musizierens sind integraler Bestandteil des Bildungssystems junge Musiker. Das Ensemblemusizieren hat in der Moderne eine besondere Nachfrage und Relevanz erlangt. Ein Beweis dafür ist die große Anzahl von Wettbewerben, Festivals, die speziell der Ensembleaufführung gewidmet sind, Musikpublikationen, die eine große Anzahl der unterschiedlichsten Arrangements populärer Werke des klassischen und modernen Repertoires für verschiedene Ensemblekompositionen umfassen.

Diese Entwicklung kann für Lehrer der Zusatzausbildung, Leiter von Ensembles in der Organisation von Kunstgruppen interessant und nützlich sein.

Diese methodologische Entwicklung stellt die Erfahrung der Organisation der Aktivitäten des gemischten Ensembles "April" ungleichen Alters des Palastes der Kinderkreativität des Petrogradsky-Bezirks dar. Das Team entstand aus der Idee von Lehrern der Zusatzausbildung -verbinden verschiedene Gruppen Instrumente, die eine andere Klangfarbe haben als Instrumente von Volks- und Sinfonieorchestern.

Unser Team ist in seiner Zusammensetzung nicht standardisiert, es umfasst Studenten verschiedene Alter an folgenden weiterführenden allgemeinbildenden Programmen beteiligt:

1. "Ensemble Volksinstrumente»;
2. "Ensemble von Bajan- und Akkordeonspielern";
3. "Geige spielen lernen";
4. "Vokalensemble"

Ziel altersgemischte Organisationen Musikgruppe ist die Entfaltung der sozialen und kreativen Aktivität der Studierenden durch ihre Einbeziehung in den gemeinsamen musikalischen Prozess.

Aufgaben:

• lehrreich:

Entwicklung der Kommunikationsfähigkeit in einem Team unterschiedlichen Alters;

Partnerschaftsgefühl fördern;

Toleranzerziehung für Interpreten gegenüber anderen Arten von Musikinstrumenten, Musikgenres und -stilen;

Erziehung zur Kultur der musikalischen Darbietung;

Erziehung einer Kultur des Bühnenverhaltens;

Erziehung zur emotionalen Wahrnehmung und Aufführung musikalischer Werke;

• Entwicklung:

Die Entwicklung der analytischen Fähigkeiten der Schüler (die Fähigkeit zuzuhören und zu analysieren eigene Leistung, sowie die Leistung anderer Gruppen);

Entwicklung des Gehörs der Schüler für Musik, Gedächtnis und Rhythmusgefühl;

Entwicklung einer kreativen Herangehensweise an die Aufführung musikalischer Werke;

Entwicklung der Hand- und Körperkoordination.

• lehrreich:

Bekanntschaft mit Saiten-, Volks- und Rohrblattmusikinstrumenten;

Bildung der Fähigkeiten der Schüler zum Ensemblespiel;

Bildung von Lesefähigkeiten aus einem Blatt;

Bildung von Bühnenperformance-Fähigkeiten;

Das Studium der Musikalischen Bildung und der elementaren Musiktheorie.

An Kreativteams Bildungsprogramme Alle Interessierten von 6 bis 18 Jahren sind herzlich willkommen. In den ersten Unterrichtsstunden finden Vorsingen statt, bei denen die musikalischen Daten der Kinder offengelegt und je nach ihren Fähigkeiten in Instrumentengruppen eingeteilt werden.

Bedingungen für die Organisation eines gemischten Ensembles und Merkmale der Probenarbeit

Die Hauptbedingung für die Organisation einer solchen kreatives Team ist eine Gemeinschaft von Lehrerinnen und Lehrern der Zusatzausbildung, die darauf abzielt, neue Ideen zu finden.

Ein wichtiger Schritt für eine erfolgreiche Tätigkeit ist die Arbeitsplanung. Die Lehrer überdenken den Arbeitsplan in jedem Kinderverein und suchen Gemeinsame Punkte Kontakt. Ein jährlicher Konzert- und Wettbewerbsplan wird erstellt.

Ansprechpartner:

• allgemeines Repertoire
• Generalproben
• gemeinsame Auftritte.

Die Arbeit an Werken beginnt in jedem Verein mit dem Erlernen von musikalischem Material Einzelunterricht oder bei Proben in kleinen Gruppen.

Eine wichtige Rolle spielt in dieser Phase der Begleiter, der dabei hilft, sich ein vollständiges Bild des Musikstücks zu machen. Die Schüler lernen sofort, ihre Stimme im Gesamtklang des Stücks zu hören, sowie die Stimmen anderer Stimmen zu hören. Neben dem Studium von musikalischem Material und Strichen beginnt gleichzeitig die Arbeit am Bild und Charakter der Musik. Teile werden meist langsam erlernt, um die technischen Schwierigkeiten zu meistern.

Im Unterricht ohne Korrepetitor werden zunächst die Stellen in der Stimme identifiziert, die die größten Schwierigkeiten bereiten - technisch, melodisch, rhythmisch, und an schwierigen Stellen wird getrennt gearbeitet, um eine klare und korrekte Ausführung mit Anschlägen, Fingersätzen, Dynamik.

Nachdem die Kinder das musikalische Material frei bewältigt haben, beginnen die Proben in jeder Instrumentengruppe. Hier zeigt sich die Komplexität des gleichzeitigen Spiels einer oder mehrerer Stimmen, wenn es eine Aufteilung innerhalb eines Instrumententyps gibt. In diesem Stadium wird an allgemeinen Berührungen, Dynamik und Suche gearbeitet Ausdrucksmittel, sowie Arbeiten zum figurativen und emotionalen Gehalt der Werke.

Und die nächste Stufe der Vorbereitung auf die Aufführung sind die gemeinsamen Proben, bei denen alle Gruppen von Ensembleinstrumenten kombiniert werden. gebraucht differenzierter Ansatz, die Variabilität der Verbindung verschiedener Musikinstrumente:

• Domra - Balalaika - Volksinstrumente aus Schilfrohr
• Violine - Gesang
• Geige - Gesang - Folk-Schilf und Zupfinstrumente usw.

Bei der Arbeit mit Kindern wird auf jedes Kind ein individueller Ansatz angewendet, jedes spielt eine Rolle im Ensemble, je nach erreichtem Niveau der darstellerischen Fähigkeiten. Bei den Proben wird besonderes Augenmerk auf die Arbeit am künstlerischen Bild und der Form der Werke gelegt. Die Studierenden stehen vor der schwierigen Aufgabe, ihren Part harmonisch in den Gesamtklang eines mehrstimmigen Ensembles einzufügen, eine Melodie zu hören, die in verschiedenen Stimmen stattfindet.

Repertoireauswahl

Je nach Anforderung an das Konzert- und Wettbewerbsprogramm wählen die Lehrenden das passende Repertoire für ihr allgemeinbildendes Programm aus. Ein einheitliches Konzertrepertoire wird gemeinsam von allen Lehrenden auf der Grundlage der Leistungsfähigkeit der Studierenden ausgewählt.

Solides, hochwertiges Repertoire ist die Basis Kreative Aktivitäten Wie bei jeder Künstlergruppe stimuliert es das Wachstum der darstellenden und künstlerischen Fähigkeiten der Ensemblemitglieder und trägt gleichzeitig zur Entwicklung des künstlerischen Geschmacks der Interpreten sowie des Publikums bei. Sie sollten Werke von künstlerischem Wert sorgfältig auswählen, interessante Inhalte mit Perfektion der Form kombinieren, mit originellen und vielfältigen Ausdrucksmitteln, die das Publikum wirklich fesseln und die künstlerischen Talente der Interpreten offenbaren können.

Partitur erstellen

Eine gut gemachte Instrumentierung ist einer der entscheidenden Faktoren für den erfolgreichen Auftritt eines Ensembles. Um die Partitur richtig zu komponieren, haben wir die Eigenschaften jeder Instrumentengruppe untersucht: ihren Arbeitsbereich, ihre dynamischen Fähigkeiten, ihre Klangfarbe, ihre Schlagfähigkeiten. Je nach Art, Textur, Tempo und Dynamik der Arbeit teilen wir die Funktionen auf, präsentieren das Material entsprechend der spezifischen Qualität der Instrumente und der Spielweise jedes einzelnen von ihnen.

Eigenschaften von Musikinstrumenten

Unser Ensemble vereint folgende Musikinstrumentengruppen: Domra, Balalaika, Akkordeon, Knopfakkordeon, Geige und Gesang.

Jede Gruppe sowie einzelne Instrumente verfügen über eine reiche Palette leuchtender, individueller Farben, die bei der Darbietung von Melodien, Echos und Passagen in verschiedenen Kombinationen mit anderen Instrumenten verwendet werden. Lassen Sie uns auf die kurzen Eigenschaften der wichtigsten Musikinstrumente unseres Teams eingehen.

Der Standardbetriebsbereich der Geige liegt bei "» kleine Oktave bis «» vierte Oktave .

Violine Klangfarbe - dick im tiefen Register, weich und zart– mittel und hell, glänzend– oben. Aufgrund der Nähe des Klangs zur menschlichen Stimme und der Fähigkeit, eine starke zu erzeugen emotionale Wirkung Für Zuhörer ist die Violine das am besten geeignete Instrument zum Spielen der Melodielinie. Auch im Ensemble kann es eine begleitende Funktion wahrnehmen. Da die Klangfarbe der Geige sehr hell ist, wird der Solopart der Domra- und Balalaika-Gruppe normalerweise mit einem Pizzicato-Schlag begleitet, oder der begleitende Part wird in einer ruhigeren Dynamik als der der Sologruppe ausgeführt. Die Ähnlichkeit der Klangfarbe des Instruments mit der Klangfarbe der Stimme schafft die Möglichkeit, mit der Gesangsstimme harmonisch zu klingen. Mit dieser Funktion kann die Violine Hintergrundstimmen oder eine der Stimmen in einem mehrstimmigen Vokalwerk spielen.

Baby singende Stimmen im Alter von 10 bis 12 Jahren beginnen sie, sich in Diskant (hat einen Tonumfang von der Note "to" der ersten bis "la" der zweiten Oktave, beweglich, stimmhaft) und Alt (eine tiefere und weniger bewegliche Stimme als die Diskant, der Bereich von der Note G klein bis G zweite Oktaven).

Domra ist klein. Der Bereich der kleinen Domra reicht von „mi“ der ersten Oktave bis „la“ der dritten Oktave. Bauen - mi, la, re. Das Instrument ist nicht transponierend. Niedriges Register - weich, saftig. Die Grundtechnik des Spiels "Tremolo". Der Schlag „staccato“ wird ausgeführt, indem „P“ nach unten oder „V“ nach oben gedrückt wird. Pizzicato (Pizzicato) - Aufnahme des Spiels mit einer Prise (Ringfinger oder Daumen). Domra Small hat eine glatte und helle Klangfülle über den gesamten Bereich. In den tiefen und mittleren Lagen auf der kleinen Domra erklingen melodische Melodien ausdrucksstark. Der Tonumfang der Prima Balalaika reicht von „mi“ der ersten Oktave bis „re“ der dritten Oktave. In der tiefen Lage klingt das Instrument dumpfer als in der Mitte. Die Balalaika hat eine großartige Fähigkeit, Melodien melodiöser Natur mit Doppel- und Dreifachnoten zu spielen, wobei sie die folgenden Techniken verwendet: Rasseln, Pizzicato, Vibrato.

In unserem Ensemble erfüllt der Part von Domra und Balalaika sowohl eine melodische Funktion (die Haupttechniken sind Auf- und Abschläge, Pizzicato, Harmonien) als auch eine Begleitfunktion. Da Domra und Balalaika anderen Instrumentengruppen in unserem Ensemble in ihrer Klangfülle unterlegen sind, müssen Sie sie beim Spielen eines Soloparts dynamisch hervorheben.

Die Alt-Balalaika wird wie die Alt-Domra um eine Oktave nach unten transponiert. Der Tonumfang der Balalaika reicht von der Note „mi“ einer kleinen Oktave bis zu „do“ der zweiten Oktave und die Domra von der Note „mi“ einer kleinen Oktave bis „la“ der zweiten Oktave. Die Balalaika-Bratsche erfüllt hauptsächlich die Funktion der Begleitung. Die tiefen und mittleren Lagen der Alt-Balalaika sind am weitesten verbreitet. Alto Domra hat einen weichen, vollmundigen Klang in der Klangfarbe. In unseren Werken geben wir den Alt-Balalaika-Partys mit Unterstimmcharakter die Darbietung verschiedener Arten von harmonischen Figurationen in einer Note.

Das Akkordeon und das Knopfakkordeon kompensieren den Mangel an volkstümlichen Blasinstrumenten des Sinfonieorchesters. Wir verwenden die Tastatur der rechten Hand des Instruments, die vom „sol“ der Dur-Oktave bis zum „mi“ der vierten Oktave reicht. Auch diese Instrumente werden von uns oft als Begleitung eingesetzt und erfüllen die Funktion eines Klaviers.

Abschluss

Diese methodologische Entwicklung stellt die Erfahrung der Organisation der Aktivitäten des gemischten Ensembles "April" ungleichen Alters des Palastes der Kinderkreativität des Petrogradsky-Bezirks dar.

Das Vokal-Instrumental-Ensemble "April" existiert seit kurzem (weniger als 5 Jahre) im Palast der Kinderkreativität, aber die Ergebnisse der Arbeit von Lehrern und Schülern sind bereits erschienen: Zertifikate und Spitzenplätze bei Wettkämpfen (siehe Anhang 3). Und unsere Erfahrung interessierte auch andere künstlerische Gruppenleiter, die ihre Bereitschaft zur gemeinsamen Zusammenarbeit mit unserem Ensemble bekundeten. Daraus resultierten gemeinsame Auftritte bei Konzerten, Wettbewerben und Festivals mit verschiedenen Ensembles und Chören.

Im Lernprozess, nach zusätzlichen allgemeinbildenden Programmen, beherrschten Kinder in der Praxis musikalische und darstellerische Fähigkeiten, Blattlesen, lernten, im Team zu spielen, sich im Ensemble zu hören.

Die Methode, das Spiel in einem gemischten Team zu unterrichten, beinhaltet eine individuelle Herangehensweise an jedes Kind unter Berücksichtigung seiner Fähigkeiten, seines Charakters und seiner körperlichen Gesundheit und wird in einer Spielversion präsentiert. Wir laden Kinder ein, ihren Standpunkt zu äußern, zu finden künstlerisches Bild und entwickeln als Ergebnis nicht standardisiertes Denken, Fantasie, Kreativität, Gedächtnis, Aufmerksamkeit, Zunahme Wortschatz musikalische Begriffe entwickeln musikalische und darstellerische Fähigkeiten. Die Mitglieder des Kollektivs werden mit der Verantwortung für die Aufführung von Stücken vor anderen Musikern erzogen, die Entwicklung des musikalischen Gehörs, die enge Bekanntschaft mit Musikinstrumenten ist im Gange. Bei der Arbeit mit dem Ensemble muss der Lehrer auch den Bildungsprozess berücksichtigen: Kindern beibringen, sich gegenseitig zu respektieren, Kollektivismus, Kameradschaft und gegenseitige Unterstützung zu vermitteln und so zur Entwicklung der Persönlichkeit jedes Kindes beizutragen.

Neben der Entwicklung stimmlicher und technischer Fähigkeiten trägt die Arbeit des Ensembles an Werken wie V. Kosma "Toy" und R. Rogers "Song of Beautiful Things" dazu bei, Kindern die Liebe zur Musik zu vermitteln, die in unserem Meinung, ist sehr wichtig bei der Ausbildung von Studenten. Die Arbeit des Kollektivs an musikalischen Werken, deren Aufführung verschiedene umfasst Musikinstrumente, führt zu einem kolossalen „Wachstum“ des Teams.

Literaturverzeichnis

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2. Chulaki, MI Instrumente eines Symphonieorchesters // Dritte Ausgabe, Ed. K. Kondakhchan, M.: "Musik", 1972
3. Lebedev, S. N. Russisches Buch über FINALE // St. Petersburg: "Composer", 2003.
4. Raeva, OA Fragen der Repertoirebildung für Ensembles russischer Volksinstrumente. Methodische Entwicklung, Republik Krim, 2014.

Allgemeine Orchesterproben sind eine der Hauptformen der Ausbildung und kreative Arbeit Team. Die Vermittlung von Performern ist wichtig für die erfolgreiche Arbeit des Teams. Stühle und Konsolen für Musik sind so platziert, dass der Dirigent jedes Orchestermitglied gut sehen und für sie sichtbar sein kann.
Die Probe beginnt mit einem sorgfältigen Stimmen der Instrumente, immer auf demselben Instrument (Bajan oder Oboe). Die Probendauer beträgt zwei bis drei Stunden, nach jeweils 45-50 Minuten Arbeit gibt es eine Pause.

Das Tempo der Probe ist wichtig. Es wird empfohlen, unnötige Stopps zu vermeiden, die das Orchester dämpfen und ermüden und zum Verlust des kreativen Interesses am Stück führen. Eine Unterbrechung während einer Probe muss immer begründet werden. Nachdem er das Orchester angehalten und auf Stille gewartet hat, spricht der Dirigent die Interpreten an, wobei er wortreiche Erklärungen vermeidet und sagt im Klartext und ziemlich energisch.
Die Analyse schwieriger Stücke, die Entwicklung technisch komplexer Fragmente erfolgt meist in der ersten Hälfte der Proben. Es ist besser, den Unterricht mit einer Wiederholung des fertigen Materials zu beenden, Stücke, die das Orchester besonders liebt. Die Vorbereitung eines Werkes, von der ersten Bekanntschaft bis zu seiner öffentlichen Aufführung, ist ein komplexer und einheitlicher Prozess. kreativer Vorgang, deren alle Phasen eng miteinander verzahnt sind.
Der Dirigent beginnt seine Arbeit lange vor Probenbeginn. Zunächst studiert er die Partitur des Werks detailliert und gründlich, und die Bandbreite der zu bearbeitenden Themen ist sehr breit. Dies ist das Studium der kreativen Biographie des Komponisten, seiner Schaffenszeit und der Entstehungsgeschichte diese Arbeit, Aufführungstraditionen.

Es ist äußerst wichtig, es bereits beim ersten Kennenlernen des Werks als Ganzes zu erfassen: beim Lesen der Partitur am Klavier oder beim mentalen Intonieren. Gleichzeitig entsteht eine allgemeine Vorstellung über die musikalischen Grundbilder, die Struktur und Dramaturgie der Stoffentwicklung. Weiterhin eine ganzheitliche theoretische Analyse wichtigsten Elemente musikalische Sprache, Harmonie, Melodie, Tempo, Metrorhythmus, Dynamik, Phrasierung. Basierend auf einem umfassenden Studium und einem sorgfältigen theoretischen Verständnis der Partitur entwickelt der Dirigent nach und nach eine Vorstellung vom Aufführungsplan.
Nachdem er alle Details der Partitur studiert hat, fährt der Dirigent erneut damit fort, das Werk als Ganzes zu behandeln, aber auf einer neuen, höheren Ebene, indem er alle Details zu einer einzigen harmonischen Präsentation kombiniert. Erst nachdem ein klarer künstlerischer Plan erstellt wurde, wenn ein bestimmter Aufführungsplan erstellt wurde, kann man zu den Proben mit dem Orchester übergehen.
Vor Beginn einer Probe muss der Dirigent die Verfügbarkeit aller Stimmen prüfen, sie mit der Partitur vergleichen, die richtige Platzierung von digitalen Orientierungspunkten und Dynamik klären. Es ist notwendig, die Anschläge für jede Orchesterstimme zu überdenken und sie in ausnahmslos allen Stimmen zu klären, alle technischen Schwierigkeiten zu identifizieren und Wege zu ihrer Überwindung aufzuzeigen, unter Berücksichtigung des Leistungsniveaus der Musiker. Teilweise komplexe Darstellung einzelner Passagen, für die Interpreten unbequeme Sprünge, zu hohe Stimmlagen etc. In diesem Fall ist eine redaktionelle Bearbeitung notwendig. Natürlich muss eine solche Bearbeitung sehr sorgfältig erfolgen und darf auf keinen Fall die Absicht des Autors verletzen.

Die Erfahrung zeigt, dass eine erfolgreiche Probenarbeit ohne einen durchdachten Plan nicht möglich ist. Das Ergebnis der Selbstvorbereitung des Dirigenten sollte sein: eine fundierte Interpretation des Werkes, korrigierte Stimmen, ein klarer Probenplan. IN allgemein gesagt der plan der probenarbeit an einem stück läuft auf folgende schritte hinaus: das ganze stück spielen (wenn es das technische niveau des orchesters zulässt), die ausarbeitung der details, die endgültige fertigstellung des stücks. Die Abfolge dieser Stufen ergibt sich wie bei der Vorarbeit des Dirigenten an der Partitur aus dem Prinzip - vom Allgemeinen zum Besonderen, gefolgt von einer Rückkehr zum Allgemeinen.

Beim Spielen eines Stückes hat der Dirigent die Möglichkeit, die Interpreten auf schwierige Orchesterepisoden aufmerksam zu machen, das Orchester allgemein mit dem Aufführungskonzept vertraut zu machen. Während der Wiedergabe ist es nützlich, die Nummern zu nennen, was dem Orchester hilft, durch seine Parts zu navigieren. Wenn das Werk ruhig in der Bewegung ist, dann ist es möglich, es in dem vom Autor vorgegebenen Tempo zu lesen. Es ist notwendig, technisch komplexe Stücke in Zeitlupe kennenzulernen, damit die Orchesterspieler die einzelnen Details des Stückes besser verstehen können. Gleichzeitig ist es notwendig, von Anfang an auf alle Manifestationen falscher Intonation, Verzerrung des Notentextes hinzuweisen. Einem Dirigenten, der die Partitur gut kennt, wird kein einziger Fehler entgehen, der in den Noten zu finden ist oder versehentlich durch das Verschulden des Orchesterspielers entsteht. Es ist nicht so schwer, Falschheit zu hören, es ist schwieriger zu bestimmen, welches Instrument sie hat. Je klarer sich der Dirigent alle Stimmen der Partitur vorstellt, desto früher wird er dies feststellen und desto weniger Zeit wird er verlieren, um Fehler zu beseitigen.

Wenn es in einem Stück Orchesterschwierigkeiten gibt, dann ist es sinnvoll, die Probe damit zu beginnen, einzelne Gruppen zu bitten, eine schwierige Partie zu spielen, und dann die nötigen Anweisungen zu geben. Wenn das Fragment nicht funktioniert, sollte es für das individuelle Studium skizziert werden. Bei einer Generalprobe ist es notwendig, dass das ganze Team beschäftigt ist und nicht lange nur mit einer Gruppe arbeitet. Der Dirigent muss sich klar vorstellen, was in diesem Stadium des Werkes erreicht werden kann und was erst nach einiger Zeit aufgeführt wird.

Schon bei den ersten Proben sollte die Aufmerksamkeit des Dirigenten konsequent von der Wahrnehmung gelenkt werden technische Seite Leistung bis künstlerisch. Alle technischen Schwierigkeiten können schneller überwunden werden, wenn der Ausführende versteht, wofür künstlerischer Zweck er muss sie überwinden. Die Probenarbeit soll ihn davon überzeugen, dass die Lösung technischer Probleme kein Selbstzweck ist, sondern ein Mittel zur anschaulichen und ausdrucksstarken Verkörperung des Inhalts der Arbeit.
Sorgfältige Probenarbeit sollte alle Ausdrucksmittel berühren. Dynamische Schattierungen gehören zu den Ausdrucksmitteln, die helfen, das musikalische Bild eines Werkes zu enthüllen. Basierend auf einer gründlichen Analyse des Werkes, unter Berücksichtigung der stilistischen Anforderungen, findet der Dirigent die richtigen Nuancen, die sich aus dem Inhalt der Musik ergeben. Gleichzeitig ist es wichtig, den Haupthöhepunkt, dem alle bisherige Entwicklung zustrebt, und Nebenhöhepunkte zu bestimmen, wobei die Momente dynamischer Spannung in einzelnen Teilen und Episoden betont werden.

Eine bekannte Schwierigkeit für ein Orchester ist zum Beispiel die Ausführung langer An- und Abstiege in der Klangfülle. Die Orchesterspieler sind bereit, das Crescendo zu spielen, das normalerweise zu früh die Höhe erreicht und im Diminuendo zu früh ins Pianissimo übergeht. Um dies beispielsweise beim Crescendo zu vermeiden, können Sie der bekannten Technik folgen: Beginnen Sie den Anstieg bei einem leiseren Ton, dann wird seine allmähliche Verstärkung erreicht. Es muss daran erinnert werden, dass die Art und der Grad der Stärke jeder Nuance aus den Besonderheiten des Stils der Arbeit resultieren. Es ist wünschenswert, dass sich Nuancenwechsel in der Geste des Dirigenten widerspiegeln. Die Amplitude und Intensität der Geste muss bei den ersten Proben für die Orchestermitglieder angepasst, klar und verständlich sein.
Der Dirigent ist verpflichtet, die gesamte Phrasierung des Werkes im Voraus im Detail zu überdenken, um den Interpreten bei der Probe die Struktur der musikalischen Phrase zu entschlüsseln. Auch erfahrene Musiker empfinden Musik unterschiedlich, und die Aufgabe des Dirigenten ist es, verschiedene Persönlichkeiten zu vereinen, sie einer Idee unterzuordnen.
Während der Probenarbeit an der Phrasierung können verschiedene Methoden ihrer Aneignung angewendet werden. Nur eine Geste ist nicht genug. Es ist sehr nützlich, den Ausdruck mündlich zu analysieren und ihn zu definieren Ankerpunkte. Ganz oft muss man solfegge. Dazu ist keine feste und schöne Stimme erforderlich, aber Sie müssen klar, sauber und ausdrucksstark singen. Orchestratoren werden den flexiblen Klang des Orchesters nur sicherstellen, wenn ein gemeinsames Verständnis der Phrase von allen realisiert wird.

Leistung gutes Ensemble Der Auftritt ist eine der schwierigsten Aufgaben in der Arbeit mit einem Orchester. Bekanntlich erfordert eine gemeinsame Aufführung zunächst das gleiche Verständnis für die künstlerische Intention des Werkes – sowohl inhaltlich als auch Stilmerkmale, und in allem, was mit Tempo, Dynamik, Schlaganfällen zu tun hat.
Basierend auf der Textur des Stücks muss der Dirigent den Orchestermitgliedern helfen, sich die Rolle und Bedeutung ihrer Rolle in jeder Episode klar vorzustellen. Oft bemühen sich unerfahrene Orchesterspieler, ihren Part so kühn wie möglich zu spielen, indem sie ihn unnötig hervorheben, ohne sich darum zu kümmern, wie sich dies auf den Gesamtklang auswirkt. Auf der anderen Seite gibt es häufig Fälle von schüchternem Auftreten aufgrund falscher Angst. Um diese Mängel zu überwinden, ist es notwendig, dass die Orchestermitglieder die Rolle ihrer Rolle im Ganzen klar verstehen orchestrale Textur Partituren. Ein ziemlich häufiger Fehler besteht darin, die Klangfülle des "sekundären" Plans zu überladen, verbunden mit einem Verlust des Gleichgewichts zwischen den führenden und begleitenden Stimmen. Man kann sich jedoch nicht mit dem primitiven Verständnis der Klangperspektive abfinden, was darauf hinausläuft, dass der erste Plan laut und der zweite leise gespielt werden sollte. Der Klang beider Pläne ist immer miteinander verbunden, und ein zu großer Unterschied in der Klangstärke ist unerwünscht. Die Klangbalance sollte nicht nur vom Dirigenten, sondern auch von den Interpreten selbst kontrolliert werden.

Um eine Gesamtleistung zu erzielen, sind die Korrektheit und Genauigkeit der Schläge äußerst wichtig. Bei der Wahl der Striche scheint der Dirigent manchmal frei zu sein: Nicht alle Striche sind in den Partituren angegeben. Und das Spielen mit unterschiedlichen Anschlägen, insbesondere auf Saiteninstrumenten, verzerrt die Natur des musikalischen Schreibens. Da der Anführer Volksorchester Sollte er die Grundinstrumente beherrschen, wäre es für ihn sinnvoll, selbst oder gemeinsam mit den Begleitern der Gruppe mehrere Anschlagvarianten auszuprobieren, die richtigste zu finden und dem Orchester anzubieten. In der Anfangszeit ist es für den Dirigenten sinnvoll, schubweise zu arbeiten und den gleichen Schlag zu erreichen. Die in den Stimmen notierten Striche liegen normalerweise in der Macht des gewöhnlichsten Interpreten des Orchesters, und die Aufgabe des Dirigenten besteht darin, hartnäckig die Ausdruckskraft der Striche zu erreichen.

In der Praxis hat der Dirigent ständig mit einem weit verbreiteten Leistungsmangel zu kämpfen: Dynamikwechsel verleiten unerfahrene Interpreten dazu, vom Tempo abzuweichen. Wenn der Ton ansteigt, beschleunigt sich das Tempo in der Regel, wenn es fällt, verlangsamt es sich. Die gleichen rechtswidrigen Tempoüberschreitungen können beobachtet werden, wenn Phrasen abgewechselt werden, die sich stark in der Art der Musik und Textur unterscheiden. Der Dirigent muss ständig die richtige rhythmische Disziplin im Orchester aufbringen. Bei der Probenarbeit sollte der Klangqualität große Aufmerksamkeit geschenkt werden, da sich oft unerfahrene Orchesterspieler nicht beherrschen können. Der Dirigent muss sorgfältig auf eine gute Klangerzeugung achten, die vom richtigen Winkel des Plektrums in Bezug auf die Saite abhängt. (Zum Beispiel kann ein unangenehmer „offener“ Klang in einer Domra-Gruppe auftreten.) Ziemlich oft entsteht ein Klang von schlechter Qualität auch aufgrund eines schwachen Drucks der Saite auf den Bund. Einige Orchesterspieler, die schlechtes Tremolo spielen, können sich an Kantilenenstellen kaum von Saite zu Saite bewegen, und die Aufgabe des Dirigenten besteht darin, dem Orchester beizubringen, guten Klang von schlechtem zu unterscheiden.
Bei der Arbeit in einem Aufführungsensemble ist zu beachten, dass ein schlecht hörbares Instrument, das die Melodie führt, nicht zwangsweise zum Spielen gezwungen werden sollte. Dies führt auch zu einer schlechten Tonqualität. Es ist besser, die gewünschte Klangfarbe des Instruments hervorzuheben, indem Sie die Instrumente stumm schalten, die die Solostimme überlagern.

Manchmal kommt es vor, dass die Orchesterspieler die Anweisungen des Dirigenten nicht sofort verstehen oder seine Anforderungen aufgrund technischer Komplexität nicht erfüllen können. Dann muss der Dirigent, sich an die Aufführungsaufgabe erinnernd, die musikalische Phrase so oft wie nötig wiederholen. Andernfalls werden die Musiker das Gefühl haben, dass der Dirigent nicht auf die Tatsache reagiert, dass die Qualität der Darbietung gleich geblieben ist. Wenn die Schwierigkeit jedoch nicht überwunden werden kann und ein eigenständiges Studium der Stimme erforderlich ist, arbeitet der Dirigent nach entsprechender Anweisung weiter am nächsten Abschnitt des Stücks. Es besteht keine Notwendigkeit, die Aufführung aufgrund kleiner zufälliger Fehler einzelner Darsteller zu unterbrechen. Es ist möglich, mit einer Geste oder einem Wort die Aufmerksamkeit * des Interpreten zu erregen und den Fehler zu korrigieren, ohne das Spiel des gesamten Orchesters zu unterbrechen.
In der Probenpraxis gibt es Zeiten, in denen es auch bei Mängeln in der Aufführung nicht empfehlenswert ist, auf Register zurückzugreifen. Solche Situationen entstehen zum Beispiel, wenn die Darsteller schon müde sind. Der Dirigent muss den Zustand des Orchesters spüren und in solchen Fällen, wie man mehr Musik spielt: Geben Sie den Mitgliedern des Teams die Möglichkeit, die Musik zu genießen, oder umgekehrt, manchmal lohnt es sich, das Spiel zu unterbrechen und das Orchester mit einem zu unterhalten Witz, eine interessante Geschichte über Musik, einen Komponisten usw.
Die Probe „sollte so gestaltet sein, dass alle Gruppen des Orchesters ohne lange Pausen an der Arbeit teilnehmen, so dass jeder Interpret jederzeit bereit ist einzusteigen. Bleibt der Leiter zu lange bei der Arbeit mit einzelnen Stimmen, wird dies der Fall sein den Rest der Teilnehmer entmutigen.

Nach der Analyse des Stücks und der sorgfältigen Arbeit an den Details beginnt die letzte Phase. Es besteht darin, einzelne Details zu einem Ganzen zu polieren und zusammenzuführen, die Komposition auf das endgültige Tempo zu bringen und die notwendige Leichtigkeit und Freiheit in der Ausführung zu entwickeln. Der Erfolg der Proben hängt maßgeblich von der Fähigkeit des Dirigenten ab, mit dem Team zu kommunizieren. Die Arbeit mit einem Orchester erfordert Prinzipientreue, Ausdauer, Genauigkeit und Geduld. Das Verhalten des Dirigenten während der Proben sollte ein Vorbild für die Interpreten sein - Sie sollten klug, organisiert und gesammelt sein. Er sollte seinen Ärger nicht zeigen, nervös sein, wenn im Orchester etwas lange nicht klappt, und überdies die Eitelkeit der Mitwirkenden beleidigen. Der Teamleiter muss immer korrekt, anspruchsvoll bei den Proben und einfach, menschlich in der Kommunikation außerhalb der Schulzeit sein. Hier ist es angebracht zu zitieren berühmter Dirigent Bruno Walther, der über diese wichtige Seite des Dirigentenauftritts so sprach: „. Der Dirigent macht Musik nicht selbst, er macht sie mit Hilfe anderer, die er durch Gesten, Worte und den Einfluss seiner Persönlichkeit führen können muss. Das Ergebnis hängt allein von seiner Fähigkeit ab, Menschen zu führen. Hier spielt die angeborene Begabung eine entscheidende Rolle - wir redenüber die Durchsetzungsfähigkeit des eigenen Willens, den Einfluss der eigenen Individualität - und diese Eigenschaft sollte durch ständige Arbeit, durch alltägliche Erfahrungen entwickelt werden. Eine Person ohne Autorität, ohne dynamische Willensbestrebungen, kann keine starke Position einnehmen, selbst wenn sie eine hat musikalisches Talent, Können und Wissen. Mit großem Geschick wird er sich, seine Gefühle auf dem Klavier, auf der Geige ausdrücken können, aber er wird das Orchester niemals zu einem Instrument machen, das ihm gehorcht.

Moderne Tendenzen im Bereich der Aufführung russischer Volksinstrumente sind mit der intensiven Entwicklung des Ensemblemusizierens, mit dem Funktionieren verschiedener Arten von Ensembles in Philharmonien und Kulturpalästen in verschiedenen Bildungseinrichtungen verbunden. Daher die Notwendigkeit einer gezielten Ausbildung der Leiter der jeweiligen Ensembles in den Fachbereichen und Fakultäten für Volksinstrumente der Musikschulen und Universitäten des Landes.

Allerdings gehört die Erziehung zum Ensemblespieler dazu pädagogische Praxis ist in der Regel mit bekannten Einschränkungen verbunden. Lehrer werden normalerweise angewiesen, homogene Ensembles zu leiten: Bajanspieler - Bajanensembles, Domristen oder Balalaikaspieler - Ensembles von Saitenzupfinstrumenten. Zusammensetzungen dieser Art werden in großem Umfang bei professionellen Darbietungen verwendet. Es genügt, an so berühmte Ensembles wie das Bajan-Trio A. Kuznetsov, Y. Popkov, A. Danilov, das Bajan-Duett A. Shalaev - N. Krylov, das Ural-Bajan-Trio, das Kiewer Philharmonische Quartett, das Skaz-Ensemble usw. zu erinnern.

Zweifellos ist die Arbeit mit homogenen Ensembles – Duette, Trios, Bajanquartette, Trios, Domra-Quartette und -Quintette, Balalaika-Unisonos usw. – sehr wichtig. Dennoch behindern die beschriebenen Einschränkungen in der Tätigkeit von Lehrern an Schulen und Universitäten die vollständige Ausbildung junger Fachkräfte, da es sich in Wirklichkeit um Absolventen handelt Musikschulen sehr oft mit der Notwendigkeit konfrontiert, gemischte Ensembles zu leiten. Meistens sind letztere Streichinstrumente und Knopfakkordeon. Klassen mit solchen Teams sollten ein fester Bestandteil des Bildungsprozesses werden.

Ein moderner Lehrer ist bei der Arbeit mit unvermeidlichen Schwierigkeiten konfrontiert: erstens mit einem akuten Mangel an methodische Literatur gewidmet gemischten Ensembles russischer Volksinstrumente; zweitens mit einer begrenzten Anzahl von Repertoiresammlungen, darunter interessante Originalkompositionen, Transkriptionen, konzertpraxiserprobte Transkriptionen und Berücksichtigung verschiedene Ebenen Vorbereitung und kreative Richtungen der angegebenen Kompositionen. Der größte Teil der veröffentlichten methodischen Literatur richtet sich an Kammerensembles mit akademischem Profil - unter Beteiligung von Streichinstrumenten. Der Inhalt solcher Veröffentlichungen erfordert eine erhebliche Anpassung unter Berücksichtigung der Besonderheiten des Musizierens von Volksensembles (siehe z. B.).

Dieser Artikel charakterisiert die Grundprinzipien der Arbeit mit einem gemischten Quintett russischer Volksinstrumente. Dabei ganze Linie praktische Ratschläge und die folgenden Empfehlungen gelten für andere Arten von gemischten Ensembles.

Das Hauptproblem, das bei der Arbeit mit diesen Gruppen gelöst wird, besteht darin, die optimale Klangfarbe, Lautstärke-Dynamik und Anschlagverhältnisse von Saiteninstrumenten und Knopfakkordeons zu bestimmen (basierend auf der Nichtübereinstimmung von Klangquellen, Klangerzeugungsmethoden und unterschiedlichen akustischen Umgebungen).

Klangfarben Instrumente gehören zu den markantesten Ausdrucksmitteln im Arsenal eines gemischten Ensembles. Aus den vielfältigen Klangfarbenbeziehungen, die sich im Aufführungsprozess ergeben, lassen sich die autonomen Charakteristika der Instrumente (reine Klangfarben) und die beim Zusammenklingen entstehenden Kombinationen (gemischte Klangfarben) herausgreifen. Cleane Klangfarben werden normalerweise verwendet, wenn einem der Instrumente ein melodisches Solo zugewiesen wird.

Es sollte betont werden, dass der Klang jedes Instruments viele „innere“ Klangfarben enthält. Bei Saiten sollte man die Klangfarben-„Palette“ jeder Saite berücksichtigen, die sich je nach Lage (also den Klangeigenschaften eines bestimmten Abschnitts der Saite) ändert, die Diskrepanz zwischen den Klangfarben an verschiedenen Berührungspunkten mit der Saite (Plektrum oder Finger), die Besonderheiten des Materials, aus dem das Plektrum besteht (Kapron, Leder, Kunststoff usw.), sowie das entsprechende Potenzial verschiedener Aufführungstechniken. Bayan hat tessitura Heterogenität der Klangfarben, ihre Korrelation auf der rechten und linken Tastatur, Klangfarbenvariation mit Hilfe eines bestimmten Druckniveaus in der Fellkammer und verschiedene Wege Ventilöffnung sowie laute Änderungen.

Um die Klangfarbe eines der Saiteninstrumente - Mitglieder des Ensembles - hervorzuheben, empfiehlt es sich, Registerkombinationen zu verwenden, die in einem modernen, auswahlfertigen mehrstimmigen Knopfakkordeon verfügbar sind. Die Klangfarbenverschmelzung des Knopfakkordeons mit den Begleitinstrumenten wird durch ein- und zweistimmige Register gewährleistet. Das „Hervorheben“ derselben Bajan-Klangfarbe wird je nach Beschaffenheit der Textur durch beliebige polyphone Kombinationen von Registern erleichtert, die in Kombination mit Streichern die notwendige klangliche Entlastung bieten.

Das Ensemble besteht aus Schülern im Alter von 10 bis 14 Jahren und umfasst 15 bis 20 Personen. Zugelassen sind auch Kinder der Grundschulklassen, die Fortschritte bei der Beherrschung eines bestimmten Instruments machen und den Wunsch zeigen, im Ensemble mitzuwirken. In diesem Ensemble enthaltene Instrumente: Knopfakkordeon, Prima Balalaika, Bass Domra; Okarina, Blockflöte, Hörmuscheln; Löffel, Ratsche, Rubel, Dreieck, Kokoshnik usw.
Der Leiter dieser Gruppe muss die grundlegenden Fähigkeiten beherrschen, alle Instrumente zu spielen, aus denen das Ensemble besteht, sowie die Fähigkeiten, Orchesterpartituren zu schreiben und zu lesen.
Bei der Verteilung der Schüler nach Instrumenten müssen ihre Fähigkeiten, ihr Wunsch und ihr Temperament berücksichtigt werden. Instrumente wie Knopfakkordeon, Primabalalaika, Bassbalalaika, Bassdomra sowie Horn und Zhaleyka sind besser für Jungen zu beherrschen, und Mädchen eignen sich eher für Flöte, Okarina, Blockflöte und Kugikly. Schlaginstrumente werden von Studenten der ästhetischen Abteilung beherrscht, da diese Instrumentengruppe sehr einfach zu erlernen ist und keine Anforderungen stellt zusätzliche Unterrichtsstunden. Diversität Schlaginstrumente, eine Vielfalt an farbenfrohen Spieltechniken, weckt das Interesse am Unterricht im Ensemble, auch bei Schülern mit unterschiedlichen musikalische Fähigkeit. Dieser Unterricht in einem Team zur beruflichen Orientierung für Studenten der ästhetischen Abteilung schafft zusätzliche Bedingungen für Unterricht, Konzertauftritte, dies regt die Lust am Musizieren an, erhöht das Interesse an Volksmusik musikalische Kreativität.
In der Anfangsphase des Erlernens eines Werks können Kleingruppenunterricht (von 2 bis 6 Personen) abgehalten werden, während Schüler, die homogene Instrumente spielen (Gruppen von Balalaikas, Knopfakkordeons, Zhaleika, Flöten), zusammengebracht werden, ist auch eine gründliche Prüfung zulässig und detaillierte Analyse der Teile individuelle Arbeit mit einem Schüler. Im Verlauf einer solchen Lektion sollte der Lehrer die Schüler in das Instrument, die Grundlagen der Landung, Formation und die grundlegenden Techniken des Spiels einführen. Es ist sehr wichtig, der Gruppe der Schlaginstrumente besondere Aufmerksamkeit zu schenken, da sie die rhythmische Grundlage des Ensembles bilden. Für eine Gruppe von Schlaginstrumenten ist es sinnvoll, mit Übungen zur Beherrschung verschiedener rhythmischer Muster zu arbeiten.
Nach Durchführung von Kleingruppenproben organisiert der Leiter gemeinsame Proben des gesamten Ensembles, in denen alle Beteiligten ihre Partien vortragen. Bei den ersten gefestigten Proben mit dem Ensemble empfiehlt es sich, mit einfachen Übungen zur Beherrschung der Instrumente zu beginnen, z. B.: groß angelegte Übungen zur Erarbeitung einer reibungslosen Klangführung und Balance im Ensemble, rhythmisch nicht komplexe Übungen mit verschiedenen Schlägen. Von den ersten Proben an sollte auf die korrekte Ausführung der Schläge geachtet werden, die in Gruppen erarbeitet werden, um eine Einheit der Aufführung zu erreichen. Auch sollten für jedes Instrument separat Übungen ausgewählt werden, die auf das Erlernen einer bestimmten Spieltechnik abzielen. Der Einfachheit halber wird empfohlen, die Werke in kleine Teile zu unterteilen, meistens handelt es sich dabei um Perioden, und sie mit Nummern zu kennzeichnen, damit bei der Arbeit an einem separaten Teil des untersuchten Stücks keine Verwirrung entsteht.
Bei jeder Probe muss sich der Leiter bestimmte Ziele setzen und unterschiedliche Arbeitsmethoden anwenden, je nach Arbeitsphase Musikstück.
Die Arbeit an einem Musikstück muss in mehrere Phasen unterteilt werden: Blattspiel, Analyse, Arbeit an schwierigen Stellen, Lernen und konzertante Aufführung. Es ist auch notwendig, die Besonderheiten des Ensemblespiels zu bedenken: die exakte Ausführung von Techniken und Schlägen, rhythmische Gleichmäßigkeit, gleichzeitige Klangerfassung, Balance zwischen Instrumenten oder zwischen einem Solisten und einem Ensemble.
Um den Bildungsprozess richtig aufzubauen, ist es notwendig, verantwortungsvoll an die Auswahl des Unterrichtsmaterials heranzugehen.
Bei der Auswahl der Stücke ist auf ihre Zugänglichkeit für Studierende, interessante Inhalte und neue Spieltechniken zu achten, außerdem empfiehlt es sich, ein Stück mit einem Solisten ins Programm aufzunehmen, dem die Fertigkeit des vokalen und instrumentalen Ensemblespiels zu verdanken ist entwickelt. Es ist wünschenswert, Werke verschiedener Genres zu verwenden.
Die Repertoireliste ist nicht vollständig. Der Manager kann hinzufügen Volksbehandlungen, Werke verschiedener Genres in eigener Anordnung.
An letztes Jahr Es wurde ein kurzer theoretischer Kurs über die Geschichte des Spiels auf russischen Volksinstrumenten eingeführt, für den 0,25 Stunden vorgesehen sind (diese Zeit kann nach Ermessen des Lehrers geändert werden).
Ein wesentlicher Bestandteil der Erziehung eines vollwertigen Musikers ist eine konzertante Aufführung. Solche Veranstaltungen schweißen das Team noch mehr zusammen und vermitteln den Kindern Verantwortungsbewusstsein.
Diese Art des Musizierens ist für Kinder interessant, sie ermöglicht es ihnen, den Geist der russischen Kultur zu spüren, ihr Land zu lieben und zu respektieren.