Sowjetische Dirigenten. Berühmte Dirigenten der Welt Die berühmtesten Dirigenten

G. Lomakin(1811-1885). Der Ruhm eines talentierten Gesangslehrers erlangte Lomakin schon früh und verbreitete sich schnell in der gesamten nördlichen Hauptstadt. Er wurde eingeladen, an vielen Bildungseinrichtungen zu unterrichten: dem Kadetten-, Marine- und Pagenkorps, dem Lyzeum, der Theaterschule, der juristischen Fakultät (wo P. I. Tschaikowsky damals studierte). In dieser Schule traf sich G.Ya. Lomakin mit dem Kunstkritiker V.V. Stasow. Der herausragende russische Kritiker hat wiederholt Lomakins „ausgezeichnete Schule“, „den richtigen Weg des Lernens“, „angeborenes Talent“, „Bedeutung und Können in der Chorleitung“ hervorgehoben, die eine bedeutende Rolle in der Karriere unseres Landsmanns spielten. Im Jahr 1862 zusammen mit berühmter Komponist M.A. Balakirev Lomakin organisierte eine kostenlose Musikschule- um die Menschen aufzuklären und zu erziehen. In der Schule G.Ya. Lomakin gründete nicht nur einen wunderbaren neuen Chor, sondern schaffte es auch, die Ausbildung zukünftiger Musiklehrer zu organisieren. Viele seiner Schüler wurden berühmte Musiker: Sänger, Chorleiter, Lehrer. Gavriil Yakimovich widmete die letzten Jahre seines Lebens dem Komponieren: Davor konnte er Musik nur stoßweise komponieren, während der kurzen Pausen zwischen den Unterrichtsstunden mit Chören. In dieser Zeit schuf er ganze Zeile Kompositionen für den Chor, schrieb mehrere Romanzen. Und im Jahr 1883, als M.A. Balakirev erhielt Lomakin auch die seltene Gelegenheit, seine Werke zu veröffentlichen. Er gab ihnen die Überarbeitung und Bearbeitung von Korrekturabzügen letzten Tage eigenes Leben.

A. Archangelsky (1846-1924)

Hofkapelle.

Unabhängiger Chor (1880).

Kapelle des Grafen Scheremetjew.

LEBENSLAUF. Smolensky (1848-1909)

Direktor der Synodalschule (1889-1901).

Leiter des Hofchors (1901-1903).

Leiter privater Regentschaftskurse (St. Petersburg)

V.S. Orlow (1856-1907).

Chor der Russischen Chorgesellschaft (1878-1886).

Kapelle der Russischen Gesangsgesellschaft (1882-1888).

Regent des Synodalchors (1886-1907).

Alexander Dmitrijewitsch Kastalski (1856-1926).

Synodaler Chor (Regent seit 1901).

Pawel Grigorjewitsch Tschesnokow (1877-1944).

Privater spiritueller Chor A.P. Kayutova.

Chor der Russischen Chorgesellschaft (1916-1917).

Regent der Moskauer Kirchen.

Nikolai Michailowitsch Danilin (1856-1945).

Synodaler Chor (1910–1918).

Privatchor Kayutov (1915-1917).

Leningrader Akademische Kapelle.

Staatschor DIE UDSSR.

Sweschnikow Alexander Wassiljewitsch(1890-1980), Chorleiter, Volkskünstler der UdSSR (1956), Held der sozialistischen Arbeit (1970). Von 1936 bis 1937 war er künstlerischer Leiter des Staatschors der UdSSR, der auf der Grundlage des von ihm 1928 gegründeten All-Union Radio Vocal Ensembles gegründet wurde. 1937-1941 - Leningrad. Kapellen; seit 1941 - der Staatliche Russische Gesangschor (später Staatlicher Akademischer Russischer Chor der UdSSR). Organisator (1944) und Direktor der Moskauer. Chorschule (seit 1991 nach S. benannte Akademie für Chorkunst). Professor (seit 1946), Rektor (1948-74) Moskau. Wintergarten. Staatspreis der UdSSR (1946).

Jurlow Alexander Alexandrowitsch (1927-73), Chorleiter, Volkskünstler der RSFSR (1970), Aserbaidschan. SSR (1972). Schüler A.V. Sweschnikow. Seit 1958 künstlerischer Leiter und Chefdirigent der Rep. Russisch Chorkapelle (seit 1973 nach ihm benannt). Professor für Musikpädagogik. Institut. Gnesins (seit 1970). Staatspreis der UdSSR (1967).

Tevlin Chordirigent Boris Grigorjewitsch, Professor (1981), Abteilungsleiter Chorleitung Moskauer Staatliches Konservatorium, benannt nach P. I. Tschaikowsky (1993-2007). Nationaler Künstler Russische Föderation (1995).

Kasachkow Semyon Abramovich (1909–2005) – Lehrer, Professor, Leiter der Abteilung für Chorleitung am Kasaner Staatlichen Konservatorium.

Minin Wladimir Nikolajewitsch (geb. 1929), Chorleiter, Volkskünstler der UdSSR (1988). Student V.G. Sokolova, A.V. Sweschnikow. Seit 1972 Hände. von ihm gegründetes Moskau. Kammerchor, seit 1987 (gleichzeitig) künstlerischer Leiter des Landes. Russisch Chor. Seit 1978 Professor (1971-79 Rektor) für Musikpädagogik. Institut. Gnesine. Staatspreis der UdSSR (1982).

Dmitrjak Gennadi Alexandrowitsch – Chor-, Opern- und Symphoniedirigent, Verdienter Künstler Russlands, künstlerischer Leiter und Chefdirigent Staatlicher akademischer Chor Russlands, benannt nach A.A. Yurlov und Capella „Moskauer Kreml“, außerordentlicher Professor der Abteilung für Chorleitung Russische Akademie Musik für sie. Gnesinich.

Anforderungen an einen Chordirigenten

Ausgezeichnete Beherrschung der Dirigiertechnik;

In der Lage sein, die Chormitglieder in Übereinstimmung mit ihren Stimmen richtig zu platzieren Singstimme und Reichweite;

Navigieren Sie ganz einfach durch die Vielfalt Musikalische Werke verschiedene Stile, Epochen, Richtungen, kennen die theoretischen Grundlagen der Aufnahme und Lektüre von Chorpartituren;

Sie haben ein gutes Gehör für Musik, ein Gespür für Rhythmus und einen ausgeprägten künstlerischen Geschmack.

Genres Chormusik

VILLANELLA(italienisches Dorflied) – italienisches Lied des 15.-16. Jahrhunderts, überwiegend dreistimmig, mit Par al. Stimmbewegungen, lebhafter Charakter, lyrischer oder humorvoller Inhalt.

KANON(Griechische Norm, Regel) – polyphon. Musical. Formularbasiert. auf einer strengen kontinuierlichen Nachahmung, unter der. Die Stimmen wiederholen die Melodie der Hauptstimme und setzen ein, bevor sie mit der vorherigen endet. Der Kanon zeichnet sich durch die Anzahl der Stimmen, die Intervalle zwischen ihnen (Kanon in Prima, Quinte, Oktave usw.), die Anzahl der gleichzeitig imitierten Themen (einfacher Kanon; doppelt z. B. in Nr. 4 von Mozarts Requiem) aus. usw.), die Form der Nachahmung (Kanon in Steigerung, Abnahme). Im sogenannten unendlichen Kanon geht das Ende der Melodie in ihren Anfang über, sodass die Stimmen beliebig oft wieder eintreten können. Im Kanon mit „variablem Indikator“ (Vl. Protopopov) bleiben bei der Nachahmung das melodische Muster und der Rhythmus erhalten, das Intervall ändert sich jedoch. Kanonische Nachahmung wird in der einen oder anderen Form häufig im Chor verwendet. op.; Es gibt Theaterstücke, die in der Form von K. geschrieben wurden („Echo“ von O. Lasso, „Lied der Lerche“ von F. Mendelssohn, arr. N.A. Rimsky-Korsakov „I Walk with a Loafer“ usw.).

KANT(von lat, cantus – Gesang, Lied) – eine Art altes Chor- oder Ensemblelied a cap. Entstanden im 16. Jahrhundert. in Polen, später - in der Ukraine, ab dem 2. Geschlecht. 17. Jahrhundert – in Russland als frühe Art urbaner Lieder weit verbreitet; zu Beginn 18. Jahrhundert – ein beliebtes Genre der heimischen Alltagsmusik. Der Cant ist zunächst ein Hymnengesang mit religiösem Inhalt, später wird er von weltlichen Themen durchdrungen; Kanten entstehen. lyrische, pastorale, trinkende, komische, marschierende usw. In der Ära Peters des Großen wurden lobende Gesänge, die sogenannten. viva; vorgetragen von Sängerchören bei Festen und Triumphumzügen, begleitet von Kanonenfeuer, Fanfaren und Glockengeläut. Kants Stilmerkmale: Coupletform, Unterordnung musikalischer Rhythmus poetisch; rhythmische Klarheit und Geschmeidigkeit der Melodie; überwiegend 3-stimmiges Lager mit paralleler Bewegung der 2 Oberstimmen, der Bass ist oft melodisch ausgebaut; es gibt auch Nachahmung. Im Kant gibt es eine natürliche Korrelation von Melodie und Harmonie, ein Gleichgewicht der harmonischen Funktionen – Subdominanten, Dominanten, Tonika. B. Asafiev weist darauf hin, dass „in der Entwicklung der Musik in der zweiten Hälfte des 18. und frühen 19. Jahrhunderts. Kanten werden zu einer Art kurze Enzyklopädie triumphaler homophoner Stil“ („Musikalische Form als Prozess“, L., 1963, S. 288). Kants wurden in handschriftlichen Sammlungen verteilt, ohne die Autoren des Textes und der Musik anzugeben, obwohl häufig Gedichte verwendet wurden. zeitgenössische Dichter Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov und andere. Die erste Bearbeitung. nar. Lieder. Allmählich wurde die Einfassung komplizierter und nahm die Züge einer Romanze an. Später (im 19. Jahrhundert) entstanden auf der Grundlage des Kants Soldaten-, Trink-, Studenten- und teilweise Revolutionslieder. Der Einfluss Kants findet sich auch im Russischen. klassische Musik, mit Glinka („Glory“ aus der Oper „Ivan Susanin“) usw.

KANTATE(italienisch cantare – singen) – ein Werk für Sänger-Solisten, Chor und Orchester, feierlicher oder lyrisch-epischer Natur. Kantaten können chorisch (ohne Solisten), kammermusikalisch (ohne Chor), mit oder ohne Klavierbegleitung, einsätzig oder aus mehreren abgeschlossenen Nummern bestehen. Vom Oratorium (ihm in den Ausdrucksmitteln ähnlich) unterscheidet sich die Kantate meist durch ihre geringere Größe, die Einheitlichkeit des Inhalts und die weniger entwickelte Handlung. Die Kantate entstand in Italien (17. Jahrhundert), zunächst als Gesangsstück (im Gegensatz zur Sonate). Dies bedeutet, dass die Kantate ihren Platz im Werk von J. S. Bach einnimmt, der Kantaten zu spirituellen, mythologischen und alltäglichen Themen schrieb. In Russland manifestierte sich die Kantate im 18. Jahrhundert und erreichte ihre Entwicklung im 19. und 20. Jahrhundert: eine Solo-Theaterkantate („Der schwarze Schal“ von Werstowski), Gruß-, Jubiläums-, lyrische, lyrisch-philosophische Kantaten („Abschiedslieder“) der Schüler des Katharinen- und des Smolny-Instituts“ von Glinka; „Moskau“, „Zur Freude“ von Tschaikowsky; „Die Switesjanka“ von Rimsky-Korsakow; „Johannes von Damaskus“, „Nach der Lektüre des Psalms“ von Tanejew; „Frühling „, „Die Glocken“ von Rachmaninow; „Kantate zur Eröffnung des Glinka-Denkmals“ von Balakirew usw. d.).

Das Kantatengenre wurde in Kreativität entwickelt Sowjetische Komponisten, insbesondere in Werken zu historischen, patriotischen und modernen Themen (Alexander Newski von Prokofjew, Sinfoniekantate „Auf dem Kulikovo-Feld“ von Shaporin, „Kantate über das Mutterland“ von Arutyunyan usw.). Modern Deutscher Komponist K. Orff schrieb Bühnenkantaten (Carmina Burana und andere).

MADRIGAL(Italienisch) -lyrisches Lied in der Muttersprache. (im Gegensatz zu Gesängen in Latein, Lang.), ursprünglich monophon. In der Frührenaissance (14. Jahrhundert) wurde es zwei- bis dreistimmig aufgeführt. In der Ära Spätrenaissance(16. Jahrhundert) nahm das Zentrum ein, einen Platz in der weltlichen Musik, der eine ein- oder mehrstimmige Vokalkomposition eines polyphonen Lagerhauses für 4-5 Stimmen darstellt; wurde außerhalb Italiens vertrieben. Das Genre des Madrigals ist überwiegend lyrisch und eng damit verbunden poetischer Text(bis hin zur Illustration einzelner Wörter). Das Madrigal hat sich in aristokratischen Kreisen entwickelt und ist melodisch (im Gegensatz zu Frotolla, Villanella, Chanson usw.) weit davon entfernt Volksmusik, oft zu anspruchsvoll; gleichzeitig hatte es auch eine fortschrittliche Bedeutung und erweiterte das Spektrum der Bilder und Ausdrucksmittel. Einfacheres, mit Folklore verbundenes, emotionales englisches Madrigal des 16.-17. Jahrhunderts. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Bis zum 17. Jahrhundert Das Madrigal verlässt den stimmlich polyphonen Stil und betont die Solostimme mit Instrumentalbegleitung. Herausragende Meister des Madrigals (in verschiedenen Stadien seiner Entwicklung) waren Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTETTE(vom französischen mot – Wort) – eine Gesangsgattung. polyphon. Musik. Zunächst wurden in Frankreich (12.-14. Jahrhundert) mehrere in einer Motette zusammengefasst. (meistens 3) eigenständige Melodien mit unterschiedlichen Texten: in der Unterstimme (Tenor) - Kirche. Gesang in lateinischem Text, in der Mitte (Motette) und im Oberton (Triplum) - Liebes- oder komische Lieder in umgangssprachlichem Französisch. Die katholische Kirche bekämpfte solche „vulgären Motetten“, indem sie ihnen (ab dem 15. Jahrhundert) polyphone Hymnen auf einen einzigen lateinischen Text gegenüberstellte. Für den Chor wurden Madrigale geschrieben. (vom Ende des 16. Jahrhunderts und mit Begleitung), bestand aus mehreren (2, 3 oder mehr) Abschnitten, in einem polyphonen, oft in einem akkordischen Lager. Im 17. Jahrhundert es gab Motetten für Solosänger mit Instrumentalbegleitung.

OPERNCHOR- einer der Hauptbestandteile der modernen Opernaufführung. In Verbindung mit der Epoche, dem Genre, der Individualität des Komponisten spielt der Chor in der Oper andere Rolle von der Schaffung eines häuslichen Hintergrunds, einem dekorativen Element, einem Teilnehmer am Prolog, Zwischenspielen bis hin zu Kap. handelnder Mensch. In der Opera seria („ernsthafte Oper“, 17.-18. Jahrhundert) fehlte der Chor fast vollständig, in der Opera buffa („komische Oper“, 18. Jahrhundert) trat er sporadisch auf (z. B. im Finale). Die Rolle des Chors als Träger des Volksbildes in den Opern von Gluck und Cherubini wurde gestärkt, obwohl der Chor dies oft tut. Szenen darin haben einen oratoriostatischen Charakter. Eine größere dramatische Bedeutung wurde dem Chor in den westeuropäischen Opern des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts beigemessen, von Rossini (Wilhelm Tell), Verdi (Nabucco, Schlacht von Legnano) mit ihren Bildern des heroischen Volkes; in Meyerbeers Oper betont die Mitwirkung des Chores dramatische Höhepunkte, lyrische Oper 19. Jahrhundert der Chor trägt zur Schaffung einer angemessenen Atmosphäre, Nationalfarbe und Stimmung bei (op. Bizet, Verdi, Gounod); In der Volkshausoper sind die Chöre genrehafter Natur, nahe am Volkslied, Tanz (op. Monyushko, Smetana). Rus. weltliche Chorkunst wurde zuerst durch Opernchöre repräsentiert (18. Jahrhundert, op. Fomin, Paschkewitsch und andere); und in Zukunft nehmen Chöre im Russischen einen großen Platz ein. Opern sind „der Eckpfeiler des Dogmas und der Bestätigung von Nationalität und Demokratie“ (B. Asafiev). Opern- und Chorschaffen Russland. Die Zahl der Komponisten ist außergewöhnlich vielfältig.

In historisch-patriotischen Opern (Iwan Susanin von Glinka, Fürst Igor von Borodin, Die Jungfrau von Pskow von Rimski-Korsakow usw.) wird neben den Figuren auch der Chor zum Protagonisten. Besonders ( sehr wichtig erwarb den Chor in den volkstümlichen Musikdramen Mussorgskis („Boris Godunow“, „Khowanschtschina“), in denen das Bild des Volkes auf vielfältige Weise dargestellt wird, in der Entwicklung. In russischen Alltagsopern von Werstowski („Askolds Grab“), Dargomyschski („Meerjungfrau“), Serow („Feindliche Macht“), Tschaikowsky („Tscherewitschki“, „Die Zauberin“) usw. besteht eine enge Verbindung zum Volk Lied. Nationale Originalität spiegelt sich in den Chorszenen von Opern mit orientalischen Themen wider (Glinkas „Ruslan und Ljudmila“, Rubinsteins „Der Dämon“, Borodins „Fürst Igor“ usw.). Chor bedeutet finden Anwendung in der Darstellung fabelhafter, fantastischer Handlungen (op. Glinka, Verstovsky, Rimsky-Korsakov). Der Chor wird auch im rednerischen Plan verwendet, normalerweise im Prolog, Epilog (Opern von Glinka, Serov, Rubinstein, Borodin usw., bei der Aufführung von Hymnen usw. („Die Jungfrau von Orleans“ von Tschaikowsky, „Khovanshchina“) ” von Mussorgsky usw.). Traditionen Die aktive Teilnahme des Chores an der russischen klassischen Oper wird im sowjetischen Musikschaffen fortgesetzt: die Opern russischer sowjetischer Komponisten „Krieg und Frieden“, „Semyon Kotko“ von Prokofjew, „Die Dekabristen“ von Shaporin, „Katerina Izmailova“ von Schostakowitsch, „Emelyan Pugachev“ von Koval, „Quiet Don“ und „Virgin Soil Upturned“ von Dzerzhinsky, „October“ von Muradeli, „Virineya“ von Slonimsky und viele andere Nationalopern enthalten separate Chöre und entwickelte Chorszenen. Operativ Chor hat seine eigenen Besonderheiten der Aufführung: Es ist vor allem große Helligkeit, Konvexität der Nuancen (ähnlich der dekorativen Gestaltung), Betonung des Textes, seine Fähigkeit, „durch das Orchester zu fliegen“. Auditorium. Weil das Opernchor Ist oft in Bewegung, ist besonderes Vertrauen und Unabhängigkeit jedes seiner Teilnehmer erforderlich. Um diese Qualitäten zu entwickeln, lernen Sänger in manchen Gruppen das Timing beim Einstudieren ihrer Stimmen. Das Vorhandensein von Inszenierungen, in denen der Chor den Dirigenten nicht sieht, erfordert die sogenannte. Übertragungen (Dirigenttempo), die von Chorleitern hinter den Kulissen durchgeführt werden; Gleichzeitig wird, um eine Synchronisierung der Aufführung zu erreichen, ein gewisser Vorsprung auf die „Punkte“ des Dirigenten gelegt (mehr oder weniger, je nach Tiefe des Chors).

ORATORIUM(von lat, wow – ich sage, ich bete) – ein großes Musikstück für Chor, Solisten, Ork.; komp. aus Vokalensembles, Arien, Rezitative, abgeschlossene Orchesternummern. Das Oratorium entstand an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert in Italien, fast gleichzeitig mit der Kantate und der Oper und ist in seiner Struktur diesen nahe. Sie unterscheidet sich von der Kantate durch ihren größeren Umfang, die detaillierte Handlung und den episch-dramatischen Charakter und von der Oper durch das Überwiegen des narrativen Elements gegenüber dem dramatischen Verlauf. Das Oratorium entwickelte sich aus dramatisierten Laudes (spirituelle Lobgesänge), die in besonderen Räumen der Kirche – Oratorien – aufgeführt wurden. spezieller Typ Oratorium - Leidenschaft; Struktur und Typus des Oratoriums umfassen auch die Messe, das Requiem, das Stabat Mater usw. Die Gattung Oratorium erreicht ihren Höhepunkt in den Werken Bachs und insbesondere Händels, der den Typus des heroisch-epischen Oratoriums schuf; Haydns Oratorien zeichnen sich durch gattungshäusliche und lyrisch-philosophische Merkmale aus. Im 19. Jahrhundert Prod. Das Oratoriengenre wurde im 20. Jahrhundert von Mendelssohn, Schumann, Berlioz, Brahms, Dvořák, Liszt, Verdi und anderen geschaffen. - Honegger, Britten und andere. Das erste bedeutet das russische Oratorium „Minin und Pozharsky“ von Degtyarev; Eine Reihe von Oratorien wurden von A. Rubinstein geschaffen („Babylonisches Pandämonium“, „Paradise Lost“ usw.). In den Opern der russischen Klassiker werden oratorienartige Techniken häufig in Form großer Chorszenen verwendet (Ivan Susanin, Ruslan und Lyudmila von Glinka, Serovs Judith, Borodins Prinz Igor, Rimsky-Korsakovs Sadko usw.). Das Genre des Oratoriums wird von sowjetischen Komponisten häufig verwendet, wenn es um die Verkörperung historischer und zeitgenössischer Themen geht („Emelyan Pugachev“ von Koval, „Die Legende von der Schlacht um das russische Land“ von Shaporin, „Lied vom Wald“ von Schostakowitsch, „On Guard“. für den Frieden“ von Prokofjew, „Requiem“ von Kabalevsky, „ Mahagoni „Zarina und andere).

LIED- die einfachste und gebräuchlichste Form Vokalmusik, das das poetische Bild mit dem musikalischen verbindet. Charakteristisch für das Lied ist das Vorhandensein einer vollständigen, eigenständigen, melodischen Melodie und die Einfachheit der Struktur (normalerweise eine Periode oder eine 2-, 3-stimmige Form). Die Musik des Liedes entspricht dem allgemeinen Inhalt des Textes, ohne ihn näher auszuführen (z. B. in einem sehr häufigen Couplet-Lied). Es gibt Volkslieder und professionelle (von Komponisten produzierte) Lieder, die sich in Genre, Herkunft, Struktur usw. unterscheiden. Das Genre des Chorliedes ist weit verbreitet: Volkslied(Bauer und Stadt), sowjetisches Massenlied, abhängig. Chöre russischer und sowjetischer Komponisten. In der westeuropäischen Musik wurde der Chorgesang gepflegt romantische Komponisten(Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). Im übertragenen Sinne ist der Begriff Lied. oder ein Lied (um die epische, feierliche, poetische Erhabenheit eines Werks hervorzuheben) werden im Titel großer Musikwerke, Kantaten (zum Beispiel Brahms‘ Schicksalslied, Lied vom Triumph) verwendet.

CHOR- religiöser Gesang in katholischer und Evangelische Kirche. Der protestantische polyphone Gesang (im 16. Jahrhundert von den Führern der Reformation eingeführt) wurde von der gesamten Gemeinde auf Deutsch gesungen (im Gegensatz zum unisono gregorianischen Gesang, der von speziellen männlichen Sängern auf Latein gesungen wurde). Die Melodien des Chorals zeichnen sich durch einen sitzenden Rhythmus aus. Normalerweise wird Choral (oder einfach Choral) genannt. Akkordpräsentation durch einheitliche Dauern in langsamen Bewegungen.

Itay Talgam

Renommierter israelischer Dirigent und Berater, der Führungskräften aus Wirtschaft, Bildung, Regierung, Medizin und anderen Bereichen dabei hilft, „Dirigenten“ ihrer Teams zu werden und durch Zusammenarbeit Harmonie zu erreichen.

Itay Talgam argumentiert, dass Führungsqualitäten universell seien und die Kommunikationsstile eines Dirigenten mit einem Orchester in vielerlei Hinsicht der Beziehung eines Chefs zu den Mitarbeitern eines Unternehmens ähneln. Es gibt jedoch kein universelles Prinzip für die Organisation solcher Beziehungen. Der Autor teilt seine Beobachtungen über die Methoden des Orchestermanagements, die von großen Dirigenten beobachtet wurden, und teilt sie in sechs bedingte Kategorien ein.

1. Dominanz und Kontrolle: Ricardo Mutti

Der italienische Dirigent Ricardo Mutti achtet auf Details und leitet das Orchester sowohl bei den Proben als auch bei den Aufführungen sehr sorgfältig. Alle Nuancen des Spiels sind in seinen Gesten konzentriert: Er macht die Musiker auf den wechselnden Ton aufmerksam, lange bevor sie neu aufbauen müssen. Mutti kontrolliert jeden Schritt seiner Untergebenen, niemand und nichts bleibt ohne seine Aufmerksamkeit.

Die totale Kontrolle ist darauf zurückzuführen, dass der Dirigent selbst den Druck der obersten Führungsebene verspürt: vom Vorstand oder vom stets präsenten Geist des großen Komponisten. Ein solcher Anführer unterliegt immer der Verurteilung durch das rücksichtslose Über-Ich.

Der dominierende Anführer ist unglücklich. Seine Untergebenen respektieren ihn, mögen ihn aber nicht. Besonders deutlich wurde dies am Beispiel von Mutti. Zwischen ihm und der obersten Führung der Mailänder Opernhaus An der Scala gab es einen Konflikt. Der Dirigent legte den Behörden seine Forderungen dar und drohte, das Theater zu verlassen, wenn diese nicht erfüllt würden. Er hoffte, dass das Orchester auf seiner Seite stehen würde, doch die Musiker sagten, sie hätten das Vertrauen in den Leiter verloren. Mutti musste in den Ruhestand gehen.

Glauben Sie, dass dieser Dirigentenstand ein Thron ist? Für mich ist dies eine einsame Insel, auf der Einsamkeit herrscht.

Ricardo Mutti

Trotzdem gilt Ricardo Mutti als einer der die größten Dirigenten 20. Jahrhundert. Itay Talgam sagt, dass bei den Seminaren zum Thema Personalmanagement die meisten Studenten gesagt hätten, dass sie eine solche Führungskraft nicht wollen würden. Aber auf die Frage: „Ist seine Führung effektiv?“ Kann er Untergebene zwingen, ihre Arbeit zu tun?“ Fast alle antworteten mit Ja.

Die dominante Führungskraft glaubt nicht an die Fähigkeit der Mitarbeiter, sich selbst zu organisieren. Er übernimmt die volle Verantwortung für das Ergebnis, verlangt aber bedingungslosen Gehorsam.

Wenn es funktioniert

Diese Taktik ist gerechtfertigt, wenn es Probleme mit der Disziplin im Team gibt. Der Autor gibt ein Beispiel aus Muttis Biografie und spricht über seine Erfahrungen mit dem Israel Philharmonic Orchestra. Dies ist ein wunderbares Team, aber der Stil seiner Arbeit entstand an der Schnittstelle europäischer, mediterraner und nahöstlicher Kulturen. Die Vielfalt der Traditionen hat zu einem Mangel an formaler Disziplin innerhalb des Orchesters geführt.

In diesem Moment, als Muttis Stock in Erwartung der ersten Töne in der Luft erstarrte, beschloss einer der Musiker, seinen Stuhl zu verschieben. Es gab ein Knarren. Der Dirigent blieb stehen und sagte: „Meine Herren, ich sehe das Wort „Stuhlknarren“ nicht in meiner Partitur.“ Von diesem Moment an erklang im Saal nur noch Musik.

Wenn es nicht funktioniert

In allen anderen Fällen und insbesondere dann, wenn die Arbeit der Mitarbeiter damit zusammenhängt. Der Führungsstil von Mutti schließt das Vorhandensein von Fehlern aus, und tatsächlich führen sie oft zu neuen Erkenntnissen.

2 Pate: Arturo Toscanini

Der Stardirigent Arturo Toscanini zeigte bei den Proben und auf der Bühne maximale Beteiligung am Leben des Orchesters. Er war nicht schüchtern im Ausdruck und schalt die Musiker für ihre Fehler. Toscanini wurde nicht nur für sein Talent als Dirigent berühmt, sondern auch für sein professionelles Temperament.

Toscanini nahm sich jedes Versagen seiner Untergebenen zu Herzen, denn der Fehler eines Einzelnen ist der Fehler aller, insbesondere des Dirigenten. Er stellte andere Ansprüche, aber nicht mehr als sich selbst: Er kam im Voraus zu den Proben und verlangte keine Privilegien. Jeder Musiker verstand, dass der Dirigent ernsthaft über das Ergebnis besorgt war und sich nicht durch Beleidigungen wegen ungenauem Spielen beleidigt fühlte.

Toscanini verlangte von den Musikern vollen Einsatz und erwartete eine tadellose Leistung. Er glaubte an ihr Talent und versammelte sich bei Konzerten. Man merkte ihm an, wie stolz er nach einem gelungenen Auftritt auf seine „Familie“ war.

Ein wichtiger Motivator der Mitarbeiter eines solchen Teams ist der Wunsch, „für den Vater“ gut zu arbeiten. Solche Führungskräfte werden geliebt und respektiert.

Wenn es funktioniert

In Fällen, in denen das Team bereit ist, die drei Grundprinzipien der Familienkultur zu akzeptieren: Stabilität, Empathie und gegenseitige Unterstützung. Wichtig ist auch, dass der Manager Autorität hat, in seinem Bereich kompetent ist, hat professionelle Errungenschaften. Ein solcher Anführer sollte wie ein Vater behandelt werden, also sollte er klüger und erfahrener sein als seine Untergebenen.

Auf dieses Managementprinzip wird häufig zurückgegriffen, wenn das Team Probleme hat harte Zeiten. In der Zeit der Stärkung der Gewerkschaften führen große Unternehmen Slogans aus der Kategorie „Wir sind eine Familie!“ ein. Das Management ist bestrebt, die Arbeitsbedingungen zu verbessern, und gibt den Mitarbeitern die Möglichkeit, etwas zu verdienen zusätzliche Ausbildung, dirigiert Firmenveranstaltungen und stellt den Untergebenen ein Sozialpaket zur Verfügung. All dies zielt darauf ab, die Mitarbeiter zu motivieren, sich für die Behörden einzusetzen, denen sie am Herzen liegen.

Wenn es nicht funktioniert

In einigen modernen Organisationen sind Beziehungen zwischen Menschen manchmal wichtiger als formale Hierarchien. In solchen Gruppen ist eine tiefe emotionale Beteiligung nicht impliziert.

Ein solches Führungsprinzip erfordert nicht nur die Autorität und Kompetenz der Führungskraft, sondern auch die Fähigkeit der Untergebenen, die an sie gestellten Erwartungen zu rechtfertigen. Itay Talgam spricht über seine Erfahrungen während seines Studiums bei der Dirigentin Mendy Rodan. Er verlangte viel vom Studenten und empfand jedes seiner Misserfolge als persönliche Niederlage. Dieser Druck, gepaart mit Fluchen, bedrückte den Autor. Er erkannte, dass ein solcher Lehrer ihm helfen würde, ein Diplom zu bekommen, ihn aber nicht zu einem kreativen Menschen erziehen würde.

3. Nach Anleitung: Richard Strauss

Der Autor sagt, dass viele der bei seinen Seminaren anwesenden Manager sich nur über das Verhalten von Strauss auf der Bühne amüsierten. Besucher wählten ihn nur deshalb als potenziellen Anführer, weil man sich mit einem solchen Chef nicht wirklich um die Arbeit kümmern kann. Die Augenlider des Dirigenten sind gesenkt, er selbst wirkt distanziert und wirft nur gelegentlich Blicke auf die eine oder andere Orchestergruppe.

Dieser Dirigent will nicht inspirieren, er hält das Orchester nur zurück. Doch wenn man genau hinschaut, wird klar, was die Grundlage eines solchen Führungsprinzips ist – das Befolgen von Anweisungen. Strauss konzentriert sich nicht auf die Musiker, sondern auf die Noten, auch wenn das Orchester sein Werk spielt. Damit zeigt er, wie wichtig es ist, sich strikt an die Regeln zu halten und die Arbeit klar auszuführen und keine eigenen Interpretationen zuzulassen.

Es sollte klar sein, dass der Mangel an Interpretation und Entdeckung in der Musik überhaupt nicht schlecht ist. Dieser Ansatz ermöglicht es Ihnen, die Struktur des Werks offenzulegen und es so zu spielen, wie es der Autor beabsichtigt hat.

Ein solcher Führer vertraut seinen Untergebenen, verlangt von ihnen die Befolgung von Anweisungen und glaubt, dass sie ihnen Folge leisten können. Diese Einstellung schmeichelt und motiviert die Mitarbeiter, sie gewinnen an Selbstvertrauen. Der Hauptnachteil des Ansatzes besteht darin, dass niemand weiß, was passiert, wenn eine Situation eintritt, die in der Anleitung nicht spezifiziert ist.

Wenn es funktioniert

Dieses Kontrollprinzip funktioniert in verschiedenen Fällen. Manchmal ist es für ruhige Profis am bequemsten, die es gewohnt sind, nach den Buchstaben des Gesetzes zu arbeiten. Manchmal ist es einfach notwendig, den Mitarbeitern verbindliche Anweisungen zu geben, beispielsweise bei der Interaktion verschiedene Gruppen Untergeordnete.

Der Autor gibt ein Beispiel seiner Erfahrungen mit dem Orchester und der Rockband Natasha's Friends. Das Problem entstand dadurch, dass die Musiker der Gruppe das Ende der zweiten Stunde einer dreistündigen Probe erreichten. Sie waren sich sicher, dass sie nichts davon abhalten würde, den Rest des Tages der Musik zu widmen, ganz zu schweigen davon, dass für die Orchesterproben strengere Zeitvorgaben gelten.

Wenn es nicht funktioniert

Das Prinzip der weisungsbefolgenden Führung funktioniert dort nicht, wo die Fähigkeit zum Schaffen und Schaffen neuer Ideen gefördert werden soll. Ebenso wie absoluter Gehorsam gegenüber dem Führer bedeutet das Befolgen der Anweisungen, dass keine Fehler gemacht werden, die zu neuen Entdeckungen führen. Es kann den Mitarbeitern auch die berufliche Begeisterung nehmen.

Der Autor nennt ein Beispiel aus der Biographie des Dirigenten Leonard Bernstein. israelisch Philharmonisches Orchester unter seiner Leitung probte er das Finale von Mahlers Symphonie. Als der Schaffner das Zeichen zum Einzug der Blechbläser gab, herrschte Stille. Bernstein blickte auf: Einige der Musiker waren gegangen. Tatsache ist, dass das Ende der Probe für 13:00 Uhr geplant war. Die Uhr war 13:04.

4. Guru: Herbert von Karajan

Maestro Herbert von Karajan öffnet auf der Bühne kaum die Augen und blickt nicht auf die Musiker. Er erwartet nur, dass seine Untergebenen scheinbar auf magische Weise seine Wünsche berücksichtigen. Dem ging eine Vorarbeit voraus: Der Dirigent erläuterte bei den Proben sorgfältig die Nuancen des Spiels.

Der Guru gab den Musikern keinen Zeitrahmen vor und gab den Rhythmus nicht vor, er hörte nur aufmerksam zu und vermittelte dem Orchester die Sanftheit und Tiefe des Klangs. Die Musiker passten perfekt zueinander. Sie selbst wurden zu voneinander abhängigen Dirigenten und verbesserten ihre Fähigkeiten im gemeinsamen Spiel immer wieder.

Ein solcher Ansatz zeugt von der Arroganz des Führers: Er handelt unter Umgehung der akzeptierten Postulate und ist sich des Erfolgs stets sicher. Gleichzeitig sind die Teammitglieder viel stärker voneinander abhängig als von den Anweisungen der Geschäftsführung. Sie verfügen über die Befugnis, unmittelbar Einfluss auf die Arbeitsergebnisse zu nehmen. Sie haben eine zusätzliche Verantwortung, daher kann es für manche eine psychologisch schwierige Prüfung sein, in einem solchen Team zu sein. Dieser Führungsstil ähnelt der Dominanz von Mutti insofern, als der Leiter ebenfalls nicht für den Dialog zur Verfügung steht und den Untergebenen seine Vision der Organisation aufzwingt.

Wenn es funktioniert

Wenn die Arbeit des Teams mit der Kreativität der Mitarbeiter verbunden ist, beispielsweise im Bereich Kunst. Amerikanischer Künstler Saul Levitt stellte junge Künstler ein (insgesamt mehrere Tausend), erklärte die Konzepte und gab einige Anweisungen. Danach gingen die Untergebenen ohne Levitts Kontrolle an die Arbeit. Ihn interessierte das Ergebnis, nicht die Unterwerfung im Prozess. Er war ein vernünftiger und weiser Anführer, das war ihm klar gemeinsame Kreativität bereichert das Projekt nur. Dies machte ihn zum meistausgestellten Künstler der Welt: In seinem gesamten Leben veranstaltete er mehr als 500 Einzelausstellungen.

Wenn es nicht funktioniert

Die Angemessenheit dieses Führungsprinzips hängt in jedem Team von vielen individuellen Faktoren ab. Dieser Ansatz führt oft zum Scheitern, weshalb beispielsweise Cadbury & Schweppes den Cadbury Corporate Governance Code erstellt hat, der Verfahren beschreibt, die das Unternehmen vor dem übertriebenen Ego der Führungskraft schützen und allen Prozessbeteiligten wichtige Informationen vermitteln sollen.

Der Autor erzählt auch warnendes Beispiel aus meiner eigenen Erfahrung. Er wollte seine Arbeit mit dem Tel Aviv Symphony Orchestra mit einer hochkarätigen Innovation beginnen. Itai Talgam teilte die Streichergruppe in Quartette ein und platzierte die Blasinstrumente dazwischen. Er schlug vor, dass sich jeder der Musiker auf diese Weise wie ein Solist fühlen könne. Das Experiment scheiterte: Die Teilnehmer waren nicht in der Lage zu kommunizieren, da sie weit voneinander entfernt waren, sodass sie extrem schlecht spielten.

5 Haupttanz: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber tanzt auf der Bühne: Seine Arme ausstrecken, auf und ab hüpfen, sich bücken und von einer Seite zur anderen schwanken. Manchmal leitet er das Orchester nur mit seinen Fingerspitzen, und manchmal steht er einfach da und hört den Musikern zu. Auf der Bühne teilt der Dirigent seine Freude und vervielfacht sie. Er hat eine klare Vorstellung von der Form und leitet die Musiker, aber er tut dies nicht als Anführer, sondern als Solotänzer. Er fordert ständig die Mitwirkung seiner Untergebenen an der Verdolmetschung und überlädt seine Anweisungen nicht mit Details.

Ein solcher Führer verwaltet nicht Menschen, sondern Prozesse. Es bietet den Untergebenen Spielraum für Innovationen und regt sie zum eigenständigen Schaffen an. Mitarbeiter teilen Macht und Verantwortung mit der Führungskraft. In einem solchen Team ist es leicht, einen Fehler zu korrigieren und ihn sogar in etwas Neues umzuwandeln. „Tanzende“ Manager schätzen ehrgeizige Mitarbeiter und ziehen sie jenen vor, die ihre Arbeit gewissenhaft und weisungsgemäß erledigen können.

Wenn es funktioniert

Ein ähnliches Prinzip gilt, wenn ein normaler Mitarbeiter möglicherweise über relevantere Informationen verfügt als der Chef. Als Beispiel nennt der Autor seine Erfahrungen in der Zusammenarbeit mit Behörden zur Terrorismusbekämpfung. Ein Agent im Außendienst muss in der Lage sein, selbst Entscheidungen zu treffen und manchmal gegen direkte Befehle des Kommandos zu verstoßen, da er über die umfassendste und aktuellste Kenntnis der Situation verfügt.

Wenn es nicht funktioniert

Wenn Mitarbeiter kein Interesse am Schicksal des Unternehmens haben. Der Autor behauptet auch, dass ein solcher Ansatz nicht künstlich aufgezwungen werden könne. Das klappt nur, wenn Sie sich wirklich über den Erfolg der Mitarbeiter und das Ergebnis der Arbeit freuen können.

6. Auf der Suche nach Bedeutung: Leonard Bernstein

Das Geheimnis der Interaktion Leonard Bernsteins mit dem Orchester offenbart sich nicht auf der Bühne, sondern außerhalb. Der Dirigent wollte die Emotionen nicht trennen, Lebenserfahrung und Ansprüche an die Musik. Für jeden der Musiker war Bernstein nicht nur ein Anführer, sondern auch ein Freund. Er lud keinen Fachmann, sondern eine Person zur Arbeit ein: In seinen Orchestern spielen, hören und komponieren zunächst Einzelpersonen Musik und erst dann Untergebene.

Bernstein stellte den Musikern vor Hauptfrage: "Wofür?" Das war: Er zwang ihn nicht zum Spielen, sondern brachte die Person selbst dazu, spielen zu wollen. Jeder hatte seine eigene Antwort auf Bernsteins Frage, aber alle fühlten sich gleichermaßen für die gemeinsame Sache engagiert.

Wenn es funktioniert

Der Dialog des Managements mit den Mitarbeitern und die Bedeutungsgebung ihrer Aktivitäten kommen jeder Organisation zugute, in der die Arbeit der Teammitglieder nicht in eine Reihe ähnlicher Aktionen einbezogen wird. Eine wichtige Voraussetzung dafür ist, dass die Mitarbeiter den Vorgesetzten respektieren und ihn für kompetent halten.

Wenn es nicht funktioniert

Itay Talgam erzählt von einer Situation, als er versuchte, die Bernstein-Methode anzuwenden, aber bei seinen Untergebenen nur auf Missverständnisse stieß. Der Grund war, dass viele der Musiker des Tel Aviv Symphony Orchestra viel älter waren und ihn überhaupt nicht kannten. Die erste Probe verlief nicht gut. „Etwas stimmt nicht“, sagte Talgam dem Orchester. - Ich weiß einfach nicht was. Tempo, Intonation, noch etwas? Was denken Sie? Was kann behoben werden? Einer der älteren Musiker stand auf und sagte: „Wo wir herkamen, fragte uns der Dirigent nicht, was wir tun sollten. Er wusste, was zu tun war.

In dem Buch „The Ignorant Maestro“ spricht Itay Talgam nicht nur über die Führungsprinzipien großer Dirigenten, sondern verrät auch drei wichtige Eigenschaften Wirksamer Anführer: Ignoranz, Leerstellen einen Sinn geben und motivierendes Zuhören. Der Autor spricht nicht nur darüber, wie eine Führungskraft sein sollte, sondern auch über die Rolle der Untergebenen in der Arbeitskommunikation. universelles Prinzip Management existiert nicht, jeder effektive Manager entwickelt es unabhängig. Und Sie können von den sechs großartigen Dirigenten, über die in diesem Buch geschrieben wird, etwas lernen und einige Techniken übernehmen.

10. Dezember 2014

Musikkultur kann ohne Dirigenten nicht existieren, ebenso wenig wie die Filmindustrie ohne Regisseure, die Literatur- und Verlagsbranche ohne Redakteure, Modeprojekte ohne Designer. Der Orchesterleiter sorgt während der Aufführung für das organische Zusammenspiel aller Instrumente. Der Dirigent ist die Hauptfigur auf der Bühne der Philharmonie, Konzerthalle oder jede andere Musikplattform.

Virtuosen

Der Zusammenhalt eines Sinfonieorchesters, der harmonische Klang zahlreicher Musikinstrumente erreicht durch das Können des Dirigenten. Kein Wunder, dass die talentiertesten von ihnen mit verschiedenen hohen Titeln und Titeln ausgezeichnet werden und im Volksmund „Virtuosen“ genannt werden. Und tatsächlich ermöglicht Ihnen der einwandfreie Besitz des Dirigentenstabes, jeden sitzenden Musiker zu erreichen Orchestergraben, alle Nuancen eines kreativen Impulses. Ein riesiges Symphonieorchester beginnt plötzlich wie ein Ganzes zu klingen, und musikalische Komposition gleichzeitig offenbart es sich in seiner ganzen Pracht.

Berühmte Dirigenten eint das Können, sie alle haben die Schule besucht hohe Kunst, kam ihnen nicht sofort Popularität und Anerkennung in der breiten Öffentlichkeit zugute. Die Popularität nimmt im Laufe der Jahre zu. Zumeist sind namhafte Dirigenten neben der Konzerttätigkeit auch in der Lehre tätig, führen Ausbildungskurse für junge Musiker durch und veranstalten Meisterkurse.

Selbstaufopferung

Die Kunst, ein Orchester zu dirigieren, erfordert langjährige Übung und kontinuierliche Verbesserung, was endlose Proben zur Folge hat. Einige bekannte Dirigenten zeichnen sich durch eine besondere kreative Beharrlichkeit aus, die an Selbstaufopferung grenzt, wenn das Privatleben in den Hintergrund gedrängt wird und nur die Musik übrig bleibt. Allerdings ist diese Situation gut für die Kunst.

Die berühmtesten Dirigenten sind an bestimmte Verträge gebunden Musikgruppen und das ermöglicht es ihnen, etwas zu erreichen hohes Level Aufführung musikalischer Werke. Gleichzeitig ist gegenseitiges Verständnis notwendig, das später als Garant für eine erfolgreiche Konzerttätigkeit dient.

Bemerkenswerte Operndirigenten

Es gibt Namen in der Weltmusikhierarchie, die jeder kennt. Die Namen berühmter Operndirigenten finden sich auf Plakaten, Plakatwänden, Kreuzfahrtschiffe sind nach ihnen benannt. Diese Popularität ist wohlverdient, denn nur wenige Menschen sind noch in der Lage, ihr ganzes Leben spurlos der Musik zu widmen. Die bekanntesten Dirigenten reisen um die ganze Welt, touren mit verschiedenen Musikgruppen oder leiten Orchester in Dur Musikzentren. Opernaufführungen erfordern eine besondere Kohärenz des Orchesters, begleitet von Gesangspartien, Arien und Kavatina. In allen Musikagenturen können Sie die Namen berühmter Operndirigenten erfahren, die für eine Saison oder eine Aufführungsreihe eingeladen werden können. Erfahrene Impresarios kennen den Arbeitsstil und die Charaktereigenschaften jedes einzelnen. Dies hilft ihnen, die richtige Wahl zu treffen.

Berühmte Dirigenten Russlands

Musik, insbesondere Oper, hat viele Komponenten. Hier ist das Orchester, das eine Vielzahl von Instrumenten umfasst: Blasinstrumente, Streichinstrumente, Bogen, Schlagzeug. Solisten, Interpreten von Gesangsparts, Chor und andere Teilnehmer der Aufführung. Unterschiedliche Fragmente einer Opernaufführung werden vom Aufführungsdirektor und dem Dirigenten des Orchesters zu einem Ganzen vereint. Darüber hinaus nimmt dieser von Anfang bis Ende aktiv an der Aktion teil. In Russland gibt es Dirigenten, die mit ihrer Musik die Oper auf den einzig wahren Weg lenken, der den Zuschauer zur wahren Kunst führt.

Berühmte Dirigenten Russlands (Liste):

• Alexandrow Alexander Wassiljewitsch.
• Baschmet Juri Abramowitsch.
• Bezrodnaja Swetlana Borisowna.
• Bogoslovsky Nikita Wladimirowitsch.
• Bronevitsky Alexander Alexandrowitsch.
• Wassilenko Sergej Nikiforowitsch.
• Garanyan Georgy Abramovich.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenstein Mark Borisovich.
• Diaghilew Sergej Alexandrowitsch.
• Jewtuschenko Alexej Michailowitsch
• Ermakowa Ludmila Wladimirowna
• Kabalevsky Dmitry Borisovich.
• Kazhlaev Murad Magomedovich.
• Kogan Pawel Leonidowitsch.
• Lundstrem Oleg Leonidowitsch
• Mrawinski Jewgeni Alexandrowitsch.
• Swetlanow Jewgeni Fjodorowitsch.
• Spivakov Wladimir Teodorowitsch

Jeder bekannte russische Dirigent kann jedes ausländische Sinfonieorchester erfolgreich leiten, dafür genügen ein paar Proben. Die Professionalität der Musiker hilft, sowohl die Sprachbarriere als auch die Stilunterschiede zu überwinden.

Weltstars

Berühmte Dirigenten der Welt sind talentierte Musiker von der breiten Öffentlichkeit anerkannt.

Pavel Kogan

Der berühmteste russische Dirigent, der der Welt seit mehr als vierzig Jahren seine Kunst schenkt. Seine Popularität ist beispiellos. Der Name des Maestros steht auf der Liste der zehn größten zeitgenössischen Dirigenten. Der Musiker wurde in der Familie der berühmten Geiger Leonid Kogan und Elizaveta Gilels geboren. Seit 1989 ist er ständiger künstlerischer Leiter und Chefdirigent des MGASO (Moskauer Staatssinfonieorchester). Gleichzeitig vertritt er Russland in den großen Musikzentren Amerikas.

Pavel Kogan tritt auf der ganzen Welt mit den besten Symphonieorchestern auf, seine Kunst gilt als unübertroffen. Der Maestro ist Preisträger des Staatspreises Russlands und trägt den Titel „Volkskünstler Russlands“. Pavel Kogan hat auch zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter den Verdienstorden für das Vaterland und den Orden der Künste.

Herbert von Karajan

Der weltberühmte Dirigent österreichischer Herkunft Herbert von Karajan (1908–1989) wurde in eine Familie griechischer Einwanderer hineingeboren. Im Alter von acht Jahren trat er in das Konservatorium Mozarteum in Salzburg ein, wo er zehn Jahre lang studierte und grundlegende Dirigierkenntnisse erwarb. Zur gleichen Zeit lernte der junge Karajan Klavier spielen.

Die Uraufführung fand 1929 im Salburger Festspielhaus statt. Herbert dirigierte die Oper Salome von Richard Strauss. In der Zeit von 1929 bis 1934 war er Oberkapellmeister am Theater der deutschen Stadt Ulm. Dann Karayan lange Zeit war am Dirigentenpult der Wiener Philharmoniker. Anschließend trat er mit Charles Gounods Oper „Walpurgisnacht“ auf.

Die Sternstunde des Dirigenten kam 1938, als Richard Wagners von ihm aufgeführte Oper „Tristan und Isolde“ ein großer Erfolg war, woraufhin Herbert den Beinamen „Wunder Karajan“ erhielt.

Leonard Bernstein

Der amerikanische Dirigent Leonard Bernstein (1918–1990), geboren als Sohn jüdischer Einwanderereltern. Musikalische Ausbildung Für Leonard begann er schon als Kind, er lernte Klavier spielen. Nach und nach beschäftigte sich der Junge jedoch mit dem Dirigieren, und 1939 gab er sein Debüt – der junge Bernstein führte mit einem kleinen Orchester eine Komposition seiner eigenen Komposition auf mit dem Titel The Vögel.

Dank an hohe Professionalität Leonard Bernstein erlangte schnell Popularität und leitete in jungen Jahren das New York Philharmonic Orchestra. Umfassend sein kreative Person, der Dirigent beschäftigte sich mit Literatur. Er schrieb etwa ein Dutzend Bücher über Musik.

Valery Gergiev

Der berühmte Dirigent Valery Abisalovich Gergiev wurde am 2. Mai 1953 in Moskau geboren. Im Alter von neunzehn Jahren trat er in das Leningrader Konservatorium ein. Teilnahme als Student an Internationaler Wettbewerb Dirigenten in Berlin, wo er den zweiten Platz belegte.

Nach seinem Abschluss am Konservatorium im Jahr 1977 wurde der junge Dirigent als Assistent am Kirow-Theater angenommen. Yuri Temirkanov wurde sein Mentor, und bereits 1978 stand Valery Gergiev am Pult und spielte Prokofjews Oper „Krieg und Frieden“. 1988 ersetzte er Yuri Temirkanov, nachdem dieser zu den Leningrader Philharmonikern gewechselt war.

Das Jahr 1992 war geprägt von der Rückkehr des historischen Namens „Mariinsky-Theater“ zum Kirow-Theater. Das Theaterpublikum von St. Petersburg wird Monate im Voraus erfasst, um zu Opernaufführungen zu gelangen. Heute ist Valery Gergiev Chefdirigent des Theaters und dessen künstlerischer Leiter.

Jewgeni Swetlanow

Der berühmte russische und weltberühmte Dirigent Evgeny Fedorovich Svetlanov (1928-2002) hinterließ spürbare Spuren kulturelles Erbe Russland. Er trägt die Titel „Held der sozialistischen Arbeit“ und „Volkskünstler der UdSSR“. Er ist Träger des Lenin- und Staatspreises der UdSSR.

Svetlanovs kreative Karriere begann unmittelbar nach seinem Abschluss am Gnessin-Institut im Jahr 1951. Er setzte sein Studium am Moskauer Konservatorium in der Klasse für Opern- und Symphoniedirigieren und Komposition fort.

Das Debüt fand 1954 auf der Bühne statt Bolschoi-Theater in einer Inszenierung von Rimsky-Korsakows Oper „Die Jungfrau von Pskow“. Von 1963 bis 1965 war er Chefdirigent des Bolschoi-Theaters. Während seiner Tätigkeit steigerte sich das Niveau der Opernaufführungen spürbar.

In den Jahren 1965-2000 kombinierte Arbeit im Büro künstlerischer Leiter und Chefdirigent des Staatlichen Symphonieorchesters der UdSSR (später Russland).

Wladimir Spivakov

Der russische Dirigent Spivakov Vladimir Teodorovich wurde 1944 in der Stadt Ufa geboren. 1968 schloss er sein Studium am Moskauer Konservatorium ab, 1970 schloss er sein Aufbaustudium ab.

Meisterschaft Vladimir Spivakov studierte am Gorki-Konservatorium bei Professor Israel Gusman. Später belegte er einen Spezialkurs in den USA bei Leonard Bernstein und Lorin Maazel.

Derzeit ist er ständiger Leiter und Dirigent des Kammersinfonieorchesters „Moscow Virtuosi“, das er 1979 persönlich gründete. Er ist mit europäischen Orchestern und US-amerikanischen Musikgruppen aufgetreten. Dirigiert am Teatro alla Scala, der Cecilia-Akademie, der Philharmonie der deutschen Stadt Köln und dem Französischen Rundfunk. Er ist Präsident des Internationalen Hauses der Musik in Moskau.

Juri Baschmet

Der russische Dirigent Baschmet Juri Abramowitsch wurde am 24. Januar 1953 in Rostow am Don geboren. Volkskünstler der UdSSR. vier Staatspreise Russische Föderation.

1976 schloss er sein Studium am Moskauer Konservatorium ab. 1972 erwarb er noch während seines Studiums eine Violine Italienischer Meister Paolo Testore, hergestellt im Jahr 1758. Dazu einzigartiges Werkzeug Bashmet spielt noch heute.

Seine aktive Konzerttätigkeit begann er 1976, zwei Jahre später erhielt er einen Lehrauftrag am Moskauer Konservatorium. Im Jahr 1996 gründete Yuri Bashmet die „Experimentelle Viola-Abteilung“, in der das Studium von Bratschenstimmen in Symphonie, Oper und Orchester durchgeführt wird Kammermusik. Anschließend erhielt er den Professorentitel am Moskauer Konservatorium. Derzeit engagiert er sich aktiv für wohltätige Zwecke und soziale Aktivitäten.

Zyklus Konzertprogramme (Russland, 2010). 10 Ausgaben.

In der Moderne gibt es keine maßgeblicheren Persönlichkeiten Musikkultur als Vertreter der Weltelite des Dirigenten. Die Schöpfer des Zyklus haben zehn bedeutende Namen ausgewählt – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons sowie ihre berühmten russischen Kollegen. Heute sind sie allgemein anerkannte Meister und Leiter der größten Orchester.

Jedes Programm basiert auf dem Auftritt eines der genannten Maestro mit seinem Orchester.

Solisten: Geiger Vadim Repin und Sergei Krylov, Oboist Alexei Utkin, Pianist Denis Matsuev und andere.

Das Programm ist das vielfältigste – von I.S. Bach an A. Schönberg und A. Pärt. Alle Werke zählen zu den Meisterwerken der Weltmusik.

Gastgeber des Zyklus ist der Pianist Denis Matsuev.

1. Veröffentlichung. .
Solist Vadim Repin.
Programm: I. Strawinsky. Symphonie in drei Sätzen; M. Bruch. Violinkonzert Nr. 1 g-Moll; L. Beethoven. Symphonie Nr. 7.

2. Ausgabe. Vladimir Fedoseev und das Bolschoi-Sinfonieorchester. PI. Tschaikowsky.
Programm: L. Beethoven. Symphonie Nr. 4.
Aufgenommen im Goldenen Saal des Musikvereins in Wien.

3. Auflage. „Maris Jansons und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks“.
Programm: R. Wagner. Einleitung und „Tod der Isolde“ aus der Oper „Tristan und Isolde“; R. Strauss. Walzerfolge aus der Oper „Der Rosenkavalier“.

4. Auflage. „Daniel Barenboim und das West-Eastern Divan Orchestra“.
Programm: V.A. Mozart. Konzert Nr. 7 in F-Dur für drei Klaviere und Orchester. Solisten - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variationen für Orchester. G. Verdi. Ouvertüre zur Oper „Macht des Schicksals“.

5. Ausgabe. „Vladimir Spivakov und das Nationale Philharmonische Orchester Russlands.
Sergej Prokofjew. Konzert Nr. 3 für Klavier und Orchester. Sinfonie Nr. 1 „Klassik“. Solist Denis Matsuev. Aufnahme in Große Halle Moskauer Konservatorium im Jahr 2008.

6. Auflage. „Lauryn Maazel und das Arturo Toscanini Symphony Orchestra“
Programm: Giacchino Rossini. Ouvertüre zur Oper „Italiener in Algier“; Johannes Brahms. Symphonie Nr. 2.
Aufgenommen im Großen Saal des Moskauer Konservatoriums.

7. Ausgabe. Yuri Temirkanov und das Akademische Symphonieorchester der St. Petersburger Philharmonie. D.D. Schostakowitsch.

8. Ausgabe. Yuri Bashmet und das Moskauer Soloisten-Kammerensemble.
In einem Programm: Joseph Haydn- Konzert für Cello und Orchester. Solist Steven Isserlis (Großbritannien), Niccolo Paganini – 5 Capricen (arrangiert von E. Denisov für Violine und Kammerorchester). Solist Sergey Krylov (Italien); V.A. Mozart - Divertimento Nr. 1.
Aufnahme im BZK.

9. Auflage. Mikhail Pletnev und das Russische Nationalorchester
Aufgeführt vom Russen Nationalorchester eine Suite aus dem Ballett von P.I. Tschaikowski“ Schwanensee", zusammengestellt von Mikhail Pletnev. Aufnahme im Staatlichen Akademischen Bolschoi-Theater Russlands im Rahmen des Großen RNO-Festivals 2009.

10. Auflage. Valery Gergiev und Symphonieorchester Mariinski-Theater
In der Ausführung Symphonieorchester Das Mariinsky-Theater unter der Leitung von Valery Gergiev spielt Orchesterhits – Ouvertüren aus Opern von Rossini, Verdi, Wagner, Walzer aus Tschaikowskys Balletten, Fragmente aus Prokofjews Romeo und Julia.